Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Elf Vorstellungen im Wettbewerb, vier im Begleitprogramm und diverse Zusatzveranstaltungen erwarteten das Publikum vor Ort und uns, eine Gruppe internationaler Fachbesucher*innen, die das gastgebende LGM, das Puppentheater Maribor, zu diesem nationalen Showcase mit integriertem Wettbewerb eingeladen hatte. Doch bei genauerem Hinsehen konnte man den Eindruck gewinnen, die beiden bekanntesten Puppentheater Sloweniens würden eine Art Zweikampf ausfechten: Sechs der elf Wettbewerbs-Inszenierungen kamen aus Ljubljana, vier aus Maribor. Dass man knapp an einem Duell zwischen dem Puppentheater Ljubljana und dem Puppentheater Maribor vorbeischrammte, lag an einer ebenfalls ins Programm gewählten slowenisch-kroatischen Koproduktion für junges Publikum, der Tragikkomödie „Nepozabek/Forget me not“ von Peter Kus. Nicht alle slowenischen Besucher*innen goutierten dieses programmatische Übergewicht der großen Puppentheater-Tanker. Die Kuratorin der Biennale, die Dramaturgin und Theaterwissenschaftlerin Nika Leskovšek, begründet in einem ausführlichen Vorwort zum Programmheft ihre Entscheidung mit großen qualitativen Unterschieden in den Arbeiten von Theaterinstitutionen und freien Gruppen Sloweniens. Das leuchtet mir nach dem als experimentell angekündigten „Bumm, krach, peng“ im Begleitprogramm fast ein. Dass dann aber eine aufwändige, viel Luft und durchaus künstlerische Sinnfragen produzierende Inszenierung wie „Das Frühlingsopfer“ vom Puppentheater Ljubljana Eingang in den Wettbewerb gefunden hat, verwundert doch einigermaßen. Doch das Puppentheater der slowenischen Hauptstadt kann auch anders. Wie anders, das war...

Einige Protagonist*innen des slowenischen Puppentheaters sind ja bereits seit längerem auch hierzulande unterwegs – dazu gehören das Lutkovno gledališce Ljubljana, das Lutkovno gledališce Maribor, die Formation „Moment“, die mit „Victoria 2.0“ nicht nur beim Schweizer Grünschnabel-Wettbewerb Furore machte, sondern auch bei der Imaginale in Stuttgart (vgl. S. 36), und natürlich Matija Solce, der kürzlich, beim Weitblick Festival in Braunschweig, auch solo wieder einmal Begeisterungsstürme ausgelöst hat. Dass das kleine Land mit seinen etwas mehr als zwei Millionen Einwohnern auf dem Gebiet des Puppentheaters aber noch weitaus mehr zu bieten hat – davon sollte die „10th Biennial of Puppetry Artists of Slovenia“ im September 2019 zeugen.

10. Biennale des slowenischen Puppentheaters

Showdown beim Showcase

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Jetzt ist alles politisch

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Fundament Das slowenische Theater war seit seinen Anfängen eine der Grundlagen für die Entwicklung der nationalen Identität. Darüber hinaus war es bis ins dritte Jahrtausend eng mit der Sprache und der heimischen Dramatik verbunden. Für den Durchschnittseuropäer ist Slowenien eine Art „Bonsai-Land“, denn es ist sowohl bevölkerungs- als auch flächenmäßig eines der kleinsten Länder Europas. Doch im Bereich der Darstellenden Künste weist es eine mit anderen europäischen Metropolen vergleichbare Vielfalt und Fülle auf. Natürlich ist Slowenisch als archaischste slawische Sprache, die sich unter anderem mit der seltenen grammatikalischen Dualform rühmt und nur von zwei Millionen Einwohner:innen gesprochen wird, ebenfalls eines der Hindernisse, dass das slowenische Theater über die Landesgrenzen hinaus (noch) nicht sichtbarer geworden ist. Bereits zur Zeit des jugoslawischen Staates galt das slowenische Theater als besonderes Phänomen, in dem große Durchbrüche geschahen. Zwei Beispiele sind besonders hervorzuheben. Ende der 1960er richtete sich die Generation der damals aufstrebenden Theatermacher:innen provokativ gegen die Strömung des literarischen Theaters und kündigte im Geiste der Artaud’schen Prinzipien die performative Wende an. Der Regisseur und Drama­tiker Dušan Jovanovic´ (1939–2020) been­dete 1969 das Neo-Avantgarde-­Happening „Pupilija, papa Pupilo pa Pupilcˇ ki“ (Pupilia, Papa Pupilo und die Pupilchen) mit der rituellen Schlachtung eines Huhns vor den Augen der...

Slowenien, eines der kleinsten Länder Europas, hat eine lebendige und vielfältige Theaterszene. Neben den Zentren Ljubljana und Maribor gibt es eine Reihe von Stadttheatern, eine freie Szene aller Sparten und ungewöhnliche Performance-Experimente . Die bekannteste Regisseurin, Mateja Koležnik, arbeitet mittlerweile fast nur noch im Ausland, bleibt aber eine zentrale Figur in den aktuellen Entwicklungen.

Im Oktober ist Slowenien Gastland der Frankfurter Buchmesse. Aus diesem Anlass haben wir drei slowenische Autorinnen und Expertinnen eingeladen, ihr Theaterland vorzustellen. Was denkt die jüngere Generation? Welche maßgeblichen Inszenierungen gab es? Wie sieht es mit der slowenischen Dramatik aus? Folgend ein Überblicksartikel von Alja Predan, Petra Vidali über die Regiegeneration nach Mateja Koležnik und – exklusiv im TdZ-Online-Dossier Theater in Slowenien – Zala Dobovšek über neue postdramatische Texte.

Ein Überblick des Theaters in Slowenien heute

Vom toten Huhn bis zu den Millennials

Was folgt

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Derman sendedir

Die Stress-Knoten auflösen

Mateja Koležniks letzte Premiere im slowenischen Theater fand am 15. September 2016 statt. Die jüngste Generation der heute anerkannten Regisseur:innen (Živa Bizovicar, Mojca Madon) hatte damals ihr Studium begonnen oder war noch nicht einmal so weit. Nina Rajic´ Kranjac und Žiga Divjak waren zu der Zeit dabei, ihr Debüt in einem institutionellen Theater zu geben. In kurzer Zeit eroberten sie verschiedene Arten öffentlicher Theaterinstitutionen und gewannen alle Preise bei den wichtigsten Festivals. Was verbindet ihre unterschiedlichen, jedoch ausgeprägten und konsequenten Regie-Poetiken mit denen anderer junger Regisseur:innen? Der einzige gemeinsame Nenner ist ein eklektischer, postdramatischer Ansatz. Doch es scheint ausgerechnet diese sehr allgemeine Einordnung zu sein, die sie später am meisten von Mateja Koležniks Einfluss entfernt. Mateja Koležnik sagt, der postdramatische Ansatz sei für sie nie relevant gewesen. Als Regisseurin zeichnet sie sich durch ihre Fähigkeit aus, den Originaltext und die inszenierungsbezogenen Absichten der Autor:innen nur minimal zu verändern. „Ich vermeide es, entweder zu arrogant oder zu bescheiden mit dem Text umzugehen, freue mich allerdings, wenn ich aus Worten, die älter, weiser und stärker sind als ich, etwas schaffe, das erneut erleuchtet. Vielleicht bin ich manchmal zu ängstlich, um meine Absichten zu Ende zu führen. Wenn ich es jedoch schaffe, alle...

Der Auftritt der jüngsten Regiegeneration in Slowenien

Mateja Koležniks „Kinder“

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Die präzise Komposition dieser Inszenierung ist bestechend: ein Theaterabend in zwei Hälften, die sich perfekt ineinander fügen wie komplementäre Teile eines Puzzles. Erzählt wird Sophokles‘ antike Tragödie „Antigone“, angereichert mit Material einer Adaption des Stoffes durch den slowenischen Philosophen Slavoj Žižek. Das Grundprinzip ihrer Inszenierung, erklärt Regisseurin Mateja Koležnik (eine Landsfrau Žižeks) im Programmheft, sei das filmbekannte von „Schuss und Gegenschuss“. Dabei geht es um zweierlei inhaltliche Perspektiven, ebenso wie, ganz konkret, um entgegengesetzte Blickrichtungen. Schauplatz dieser „Antigone“ ist ein moderner Bunker (Bühne: Christian Schmidt). Sirenen heulen, schwerbewaffnete Militärs hasten vorbei. In der ersten Hälfte blickt das Publikum in einen Durchgangsraum, von dem Metalltüren in verschiedene Nebenzimmer abgehen. Auf einer warnt ein Schild von Radioaktivität. Eine andere führt in einen Konferenzsaal, in dem sich die Führungselite Thebens versammelt. Wird die Tür geöffnet, weil jemand ein- oder heraustritt, bekommt man einen winzigen Einblick. Auch einzelne Satzfetzen dessen, was drinnen verhandelt wird, schnappt man auf. Die meiste Zeit aber ist nur hör- und sichtbar, was sich vor verschlossener Türe abspielt. In der zweiten Hälfte dann die andere Perspektive: Jetzt schauen wir in den holzverkleideten Saal, eine Art Panic Room, in dem Kreon, der neue starke Mann von Theben, seine Minister und Mitstreiter...

„Antigone“ von Sophokles und unter Verwendung von „Die drei Leben der Antigone“ von Slavoj Žižek – Regie Mateja Koležnik, Bühne Christian Schmidt, Kostüme Ana Savić Gecan, Musik Bert Wrede

Residenztheater München: Schuss / Gegenschuss

Warum ist Frank Castorf der Regisseur, der in den letzten zwanzig Jahren die einflussreichsten Spuren im Theaterschaffen der Länder des ehemaligen Jugoslawiens hinterlassen hat? Dafür gibt es viele Gründe. Regisseure, Dramaturgen, Bühnenbildner und nicht zuletzt das Publikum lernten seine Inszenierungen relativ unsystematisch kennen. Erkennbar ist das unproportionale Verhältnis zwischen der Zahl der Gastspiele der Berliner Volksbühne und deren immenser Wichtigkeit. Die Einflüsse von Castorfs Poetik sind in den Werken von Generationen von Künstlern zu finden, die sich nach dem Zerfall des einst großen Landes herausbildeten, das mit seiner blockfreien Politik und dem dritten Weg, der unorthodoxen kommunistischen Ideologie, einen Leuchtturm für den gesamten Ostblock darstellte. Paradoxerweise wurden Castorfs Inszenierungen am häufigsten in Bosnien und Herzegowina sowie in Serbien gezeigt, öfters als in Kroatien und Slowenien, wo wiederum seine Poetik stärkere Spuren hinterließ und zahlreiche Anhänger hat. Die professionelle slowenische und kroatische Theaterelite sah seine Arbeiten regelmäßig bei den Wiener Festwochen. Auf dem einst von Mira Trailovic´ und Jovan C´irilov gegründeten, berühmten Belgrader BITEF-Festival wurde 1996 die Inszenierung „Pension Schöller: Die Schlacht“ gezeigt, die auch den ersten Preis gewann, im Jahre 2011 war hier „Nach Moskau! Nach Moskau!“ (nach Tschechows Drama „Drei Schwestern“ und seiner Erzählung „Die Bauern“) zu sehen. Auf...

Frank Castorf und das (post)jugoslawische Theater

Roter Pilot

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

„Is my future all in the past“

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Als Jernj Lorenci am Slowenischen Nationaltheater Ljubljana (SNG Drama Ljubljana), das zentrale Schauspielhaus in Slowenien, 2016 das Theaterstück „König Ubu“ nach den Prinzipien des Devised Theaters inszenierte, löste das in der slowenischen Kulturwelt heftige Reaktionen auf mehreren Ebenen aus. Diese sogenannte Revolution war nicht nur auf das methodologische Prinzip des Devised Theaters, sondern auch auf den Ort der Aufführung zurückzuführen. Es handelte sich nämlich um das allererste Beispiel für ein Devised Theater auf der großen Bühne des slowenischen Nationaltheaters. Ganz gleich, welche positiven oder negativen Reaktionen das Projekt bei der Fachöffentlichkeit und dem Publikum hervorrief, galt dies durchaus als bedeutende politische Geste und Wende des aktuellen Theaterrepertoires. Im Falle von „König Ubu“ kam es zu Meinungsverschiedenheiten, ob es sich dabei um ein Experiment handele oder nicht. Die Antwort ist zweigeteilt. Einerseits ging es bei der Aufführung eindeutig um die radikale Umwandlung eines kanonischen Textes. Sie wurde durch improvisierte Einlagen, politische Unkorrektheiten, erzählerische Aktualisierungen und performative Interaktionen ergänzt. All dies geschah mit einer solchen Intensität und Prinzipientreue, wie man sie bisher auf der großen Bühne des SNG Drama Ljubljana noch nie zu sehen bekam. In diesem Sinne könnte man die Inszenierung als experimentell bezeichnen, nicht zuletzt auch in Hinblick auf...

Wie das Devised Theater die Position der Dramatik im slowenischen Theater veränderte

Viel Potenzial, wenig Raum

Unter Beobachtung

Vollkommen nackt betritt Marko Mandić die leere Bühne des slowenischen Nationaltheaters in Ljubljana. Sechs Techniker kippen ein Podest und den darauf stehenden Mandic´. Damit kippen sie das Podest zu einer Ausstellungswand und den Schauspieler in den Abend hinein. Was folgt, ist die zweistündige Solo-Performance „MandićCircus“ in der Regie von Bojan Jablanovec. Mandić, in Slowenien ein Star, rezitiert aus Texten der Stücke, die er in seiner seit zwanzig Jahren äußerst erfolgreichen Karriere gespielt hat. Er wird zum Wolf, zum gefallenen Engel, zur unglücklichen Frau. Die Wechsel vollzieht er schnell, routiniert und zeigt dabei sein exzellentes schauspielerisches Können. Er jagt durch die Texte in der Reihenfolge, in der er die Rollen in den jeweiligen Inszenierungen gespielt hat. Dabei ist der Text für die Performance so klug zusammengestellt, dass er auf einer Metaebene zu einer Abhandlung über Schauspielkunst, über Kunst als solche und über Mandic selbst wird. Eine besondere Schleife zieht er, als er aus „Viva Mandić“, einer Solo-Performance über seinen beruflichen Erfolg aus dem Jahr 2009, zitiert. Auf der Ausstellungswand als Leinwand hinter ihm laufen im Video die Titel der zitierten Texte (Video Matej Stupica, Stella Ivšek, Jure Lavrin) zu einem bassigen White-Noise (Musik Samo Kutin), beginnend im Jahr 1995 mit „The...

Der Performance-Showcase in Ljubljana zeigt verschiedene Varianten eines Begriffs

Körper auf der Bühne

Frankfurt/Main: Stadtparlament beschließt Deutschlands größten Kulturneubau

Warum wir das Theater brauchen

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Slowenien, eines der kleinsten Länder Europas, hat eine lebendige und vielfältige Theaterszene, neben den Zentren Ljubljana und Maribor gibt es ein System von Stadttheatern. Die bekannteste Regisseurin, Mateja Koležnik, arbeitet mittlerweile fast nur noch im Ausland.
Im Oktober 2023 ist Slowenien Gastland der Frankfurter Buchmesse. Aus diesem Anlass haben wir drei slowenische Autorinnen und Expertinnen eingeladen, ihr Theaterland vorzustellen. Was denkt die jüngere Generation? Welche maßgeblichen Inszenierungen gab es? Wie sieht es mit der slowenischen Dramatik aus?

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„Rose Bernd“ von Gerhart Hauptmann, Regie Mateja Koležnik, Slovensko ljudsko gledališce Celje 2015/16. Ensemble: Liza Marijina, Barbara Medvešcek, Tanja Potocnik, Manca Ogorevc, Pia Zemljic, Damjan M. Trbovc, David Ceh

Theaterregisseur Yair Shermann

Das Ding mit dem Körper. Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

Performance im Weltraum: „Gravitacija Nic Noordung“ (Gravitation Null Biomechanik Noordung – Abschiedsprozess). Inszenierung der Attraktion Dragan Živadinov, Sternenstadt Moskau, 17.8.1999

„Extima: Fertile Soil“

Die Folgen des Klimawandels, das Fortschreiten antidemokratischer Tendenzen, die Corona-Pandemie aber auch tiefgreifende technologische Entwicklungen lassen die gesellschaftliche Gegenwart als multiple Krise erscheinen. Wie bearbeiten Theater diese Herausforderungen? Welche Fähigkeiten entwickeln Theaterschaffende dabei? Vom 15. bis zum 17. Juni 2022 trafen sich Praktiker:innen und Forschende mit internationalen Studierenden an der Theaterakademie August Everding, um verschiedene Visionen für die Kunst, ihre Institutionen und die Ausbildung zu diskutieren. Die Publikation dokumentiert ihre differenzierten Analysen und originellen Zukunftsideen mit dem Ziel, daraus für die Gegenwart zu lernen.
Mit Beiträgen u.a. von Sivan Ben Yishai, Amelie Deuflhard, Jennifer Gunkel, Adrienne Goehler, Pınar Karabulut, Friedrich Kirschner, Tine Milz, Jasmin Maghames, Manolis Tsipos, Yener Bayramoğlu, Lisa Jopt und Barbara Gronau.
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Zukunftskonferenz für die Darstellenden Künste

Learning for the Future

Der Schwerpunkt „Millennials im Theater“ geht auf ein schon viel diskutiertes Generationsphänomen zurück. Die Soziologie versucht, mit immer ausgefeilteren Methoden, Generationen nach gemeinsamen Erfahrungen, Wertvorstellungen, Biografien und – das ist der springende Punkt der letzten Jahrzehnte – im Konsumverhalten zu konstruieren. Gleichzeitig entwerfen Medien, darin zum Teil nur auf die Soziologie zurückgreifend, Generationsbilder, die oft mit kulturellen Akteuren sichtbar werden. Genau an dieser Stelle – oder Schwelle – wollten wir ins Theater blicken: mit den Porträts der Schauspieler:innen Miriam Haltmeier, Jonas Dumke, Dominik Dos-Reis und dem Gespräch mit dem Regisseur Wilke Weermann, zusammen mit den beiden übergreifend betrachtenden Artikeln von Leander F. Badura und Martín Valdés-Stauber. (S. 12­–15) Anna Bertram porträtiert außerdem das Leitungstrio am Theater Neumarkt in Zürich.
 
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Eine Generation auf der Suche

Millennials im Theater

Was für eine Art von Theater es nach dem Krieg in Israel geben könnte, haben wir den Regisseur Yair Sherman (auf dem Titel) am Ende eines längeren Videogesprächs gefragt. Eskapistische Komödien, Stücke für Trost und Trauer oder Patriotisches und Politisches? Man müsse erstmal herausfinden, was genau die Menschen fühlen und wie das zu verarbeiten ist, so Sherman in seiner Wohnung in Tel Aviv. Noch Wochen nach dem Angriff vom 7. Oktober stehen alle unter Schock. Sherman war gleich nach der Premiere seiner Inszenierung von Shakespeares „Wintermärchen“ am Theater Freiburg nach Israel zurückgekehrt.
Themen-Schwerpunkt dieser Ausgabe ist das Theater für junges Publikum, welches sich zur Zeit verändert. Die Kinder- und Jugendtheater werden offener, machen mehrsprachige Angebote und führen schon die Jüngsten in Projekte ein.
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Yair Sherman: Theater und Israel

Kinder- und Jugendtheater

Figurentheater und Geschlecht

Puppe*

Die Bayerische Theaterakademie August Everding ist eine der herausragenden Ausbildungsstätten für Bühnenberufe, in der sich Theorie und Praxis auf einzigartige Weise durchdringen. Im Herbst 2023 wird sie dreißig Jahre alt. „DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN“ dokumentiert die wechselvolle Geschichte der Institution in der Vielfalt und Heterogenität ihrer Studiengänge im Spiegel der jüngeren Theatergeschichte. Der Band stellt außerdem Fragen nach einer zeitgenössischen Theaterausbildung und reflektiert das Theater als Kollektiv mit seinen unzähligen Allianzen, Kooperationen und ineinander verwobenen Arbeitsprozessen.
Neben Aufsätzen der Lehrenden enthält das Buch zahlreiche Interviews mit und Statements von Wegbegleiterinnen und -begleitern sowie umfangreiches, bisher unveröffentlichtes Bildmaterial.
Edition Bayerische Theaterakademie August Everding
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30 Jahre Bayerische Theaterakademie August Everding

DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN

In seiner Besprechung von Ramon Gómez de la Sernas Buch „Der Zirkus“ von 1927 stellt Walter Benjamin die These auf, dass „im Zirkus der Mensch ein Gast des Tierreichs“ sei. „Die Tiere stehen doch nur scheinbar unter der Botmäßigkeit des Dompteurs, die Kunststücke, die sie machen, sind ihre Art den jüngeren Bruder zu unterhalten und zu zerstreuen, da sie ja Besseres mit ihm nicht anfangen können. Die Zirkusleute haben von ihnen gelernt.“
An Benjamin anschließend, könnte man behaupten, der zeitgenössische Zirkus sei im Reich der Dinge zu Gast und die Artist*innen hätten von ihnen gelernt. Denn wie im „Theater der Dinge“ werden hier Dinge und Materialien zu echten Gegenspielern, Materialien erforscht, die Hierarchie zwischen Objekt und Subjekt wird in Frage gestellt.
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Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

Das Ding mit dem Körper

Neuerscheinungen im Verlag