Berliner Ensemble: Mit Blitzeinschlag

Businessman des Living Theatre

Von der Sonne in den Swimming Pool und zurück 

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Liebe lässt die europäische Eiszeit schmelzen 

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Dominique Horwitz?

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Stiller Abbau?

„Hic sunt dracones“, so stand es auf alten Landkarten für Regionen, die gemeinhin als unerschlossen, unbewohnt und wild galten, Regionen, in denen das Recht nicht greift und böse Drachen herrschen. Theaterprinzipalin Ariane Mnouchkine fand beim Blick auf die Topografie des 21. Jahrhunderts Gefallen an dieser Metapher und stellt ihr gewaltiges Geschichtsfresko unter den Titel „Ici sont les Dragons“ („Hier sind Drachen“) – als ersten Teil eines großen neuen Projekts. Damit reagiert das Theater auf die neue Barbarei, die mit Russlands Angriff auf die Ukraine begann. Eine „Theaterbarrikade gegen Despoten und ideologische Verbohrtheiten“ soll errichtet werden, wie immer betrieben von persönlicher Betroffenheit und daraus entstehender politischer Dringlichkeit. Diese zeigt sich ganz pragmatisch in der Einführungsszene. Da leuchtet auf einem riesigen weißen Tuch das Video von Russlands Präsident Putin auf, in dem er im Februar 2022 von der sogenannten ‚militärischen Spezialoperation‘ spricht. Eine aufgebrachte Frau im Blaumann rennt ob dieses ungebetenen Eindringlings quer über die noch leere Bühne und brüllt „Halt’s Maul, Mörder!“, prügelt mit ihren Fäusten gegen das Tuch, das nun in Wallung kommt und Putins Gesicht verzerrt wie bei einem gestörten Fernsehsignal. Putins Narrativ stören, darum geht es hier, die Geschichte neu erzählen für ein Europa im Schock. Ariane Mnouchkine...

„Ici sont les Dragons – 1917 - La victoire était entre nos mains“ von Théâtre du Soleil in Abstimmung mit Hélène Cixous– Regie Ariane Mnouchkine

Théâtre du Soleil: Im Mahlstrom der Geschichte

Ruhrfestspiele Recklinghausen/Theater Münster: Ein Krieg führt immer zum nächsten

Samtener Schutzraum

Leere Bühnen  für volle Köpfe?

Das Nest sauber halten

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Erst der Wald, dann der Boden

Mit der Pfeilspitze ins Herz hinein

Bewegen, Zeichnen, Überzeichnen

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

Rabih Mroué sitzt in der Mitte der Vorderbühne, richtet einen strengen Blick ins Publikum, greift nach Akten und Papieren und verliest Fragen, die der Ankläger des Komitees für unamerikanische Umtriebe am 30. Oktober 1947 dem deutschen Dichter und Dramatiker Bertolt Brecht stellte. Die wichtigste: „Sind Sie Mitglied der Kommunistischen Partei oder waren Sie es zuvor?“ Am 30. Oktober 1947 wurde Bertolt Brecht vor das Komitee für unamerikanische Umtriebe zitiert. Dieses Ereignis bietet Anlass für eine neue Arbeit des Autors, Künstlers und Performers ­Rabih Mroué: „Quatre Murs et un Toit“, die in Paris uraufgeführt wurde und unter dem Titel „Vier Wände und ein Dach“ zunächst am Mousonturm in Frankfurt gastiert und im Frühsommer beim Festival Performing Exiles in Berlin gezeigt wird. Wie immer zusammen mit Lina Majdalanie erforscht Mroué auf der Bühne Schnittflächen zwischen Dokument und Fiktion und sondiert den Hallraum zwischen der ideologischen Intoleranz der McCarthy-Zeit einerseits und aktuellen politischen Eingriffen in künstlerische Freiräume andererseits. In „Vier Mauern und ein Dach“ rückt das Bühnensetting das Publikum selbst in die Position des vor das Komitee für unamerikanische Umtriebe gestellten deutschen Dramatikers. Die Frage nach seiner Mitgliedschaft in der Kommunistischen Partei und viele weitere Fragen gehen an einen Autor, der zu diesem...

Mit „Quatre Murs et un Toit“ und „A little bit of the moon“ zeigt Rabih Mroué zusammen mit Lina Majdalanie und Anne Teresa De Keersmaeker in Paris gleich zwei Arbeiten, die sich mit Exil und Unbehaustheit im Getöse der Welt befassen

Existenzielle Melancholie

St. Pölten:: Peter-Turrini-Dramatiker*innenstipendium für Paula van Well

Publikumserregung mit Extradimension

Die durchschnittliche Aufführungsdauer der Insze­nierungen, von denen in diesem Text die Rede ist, ­beträgt etwa fünf Stunden und 20 Minuten: Gesamtkunstwerke, Bildergewitter, opulente Soundscapes, Schau­spiel zwischen klassischer Filmästhetik und realer Theaterpräsenz. Der Regisseur will allen postdramatischen, post­heroischen und postmodernen Dekompositionsmoden zum Trotz noch einmal ins epische Erlebnis ausgreifen, das große Ganze historischer Epochen in den Blick rücken. Versuchen wir den Zugang vom Rand her, einer kleineren Arbeit und mit 105 Minuten die kürzeste in dieser Reihung. Sie kam beim Festival de Marseille im Frühsommer 2017 heraus. Ausgehend von einem zeit- und zivilisationskritischen Essay von Aurélien Bellanger entwickelte der Regisseur, von dem hier die Rede sein wird, sein Europatriptychon mit dem Titel „1993“. Es geißelt ein technokratisches, neoliberales Europa, das Freiheiten in umfassenden Reglementierungen und administrativen Verhaltensdirektiven erstickt. Leitmetapher sind zwei Tunnelgebäude: Der Teilchenbeschleuniger CERN und der Eurotunnel unter dem Ärmelkanal, Beispiele für ein technologisches Fortschrittsdenken im Europa der 1990er Jahre. Die Worte kommen zunächst aus dem Off, dazu blitzen Lichter auf wie auf einer nächtlichen Autobahn oder wie Elementarteilchen in Teilchenbeschleunigern, ­pures Lichtspiel vor schwarzer Bühne. Im „Erasmus“ genannten Finale zeigte sich dann das große Talent des Nachwuchsregisseurs Julien Gosselin: Eine Horde EU-Stipendiat:innen ist zu einer kokainbefeuerten Party zusammengekommen. Die...

Das Ausnahmetheater von Julien Gosselin

Das Publikum als kurzsichtiges Insekt

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Dramaturgie des Zweifels

Deutsches Nationaltheater Weimar: Drei Fiktionen für dreizehn Millionen Schicksale

Der Notfall als Prinzip

Neue Dramatik trifft Figurentheater

Dober Dan, Ljubljana

RambaZamba Theater Berlin: Riesenspaß mit Hintersinn

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Solidarität und Waffen

Lego meets Ikea

Ruhm den Kleinen!

Thüringer Befund

Tout Paris war im November ins Théatre de l’Odéon gekommen, um die Abschiedsinszenierung eines Theatermannes zu erleben, der das Haus seit 2016 sehr erfolgreich geführt hat. Stéphane Braunschweig inszeniert Tschechows „La Mouette“ (Die Möwe) als einen Abgesang auf Tschechows Welt der ländlichen Idyllen. Auf einem engen Streifen vor dem eisernen Vorhang spielen die ersten Szenen: das übliche Warmlaufen der Gelangweilten, der Künstler:innen und derer, die es gern werden würden, der Etablierten und des Nachwuchses. Eine Gesellschaft auf Landpartie, die sich herzlich auf die Nerven geht. Erst des jungen Treplevs avantgardistisches Stücklein öffnet den Bühnenraum. Dieser apokalyptische Monolog, den das genervte Gutshofspublikum unterbricht und über den es sich lustig macht, ist eine dystopische Zukunftsvision, die man in „Möwe“-Inszenierungen selten ernst nimmt. Sie ist dann immer nur Auslöser für Streit und Drama. Aber diese dramaturgische Nebensache macht Regisseur Stéphane Braunschweig nun zum Kern seiner Inszenierung. Der eiserne Vorhang geht also hoch und gibt den Blick frei auf eine große postapokalyptische Landschaft. In dieser „Möwe“ ist die Welt nach der Umweltkatastrophe wirklich schon verspielt. Das Reden über Kunst und Welt wird zum tristen Abgesang. Stéphane Braunschweig inszeniert eine pessimistische „Möwe“ als nicht durchgängig aufregendes Schauspielertheater, das das Publikum im Théâtre de l’Odéon mit...

Die französischen Nationaltheater arbeiten nur noch im Krisenmodus

Ende der Exception Culturelle

Festival im Aufwind

Bodyhorror/Tarantino

Bilder im Takt eines Textes

Der Theaterprinzipalin Ariane Mnouchkine zum 70. Geburtstag

Neuberin der Neuzeit

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

sogar theater Zürich: Easy said, but schwer getan

Berufsbild: Digitaldramaturg

Ja, er lebt noch – oder: Brecht is back!

Dramaturgie der Solidarität

Belgrad: Nikita Milivojević nicht als künstlerischer Leiter von BITEF verlängert

Zerbrochene Familiengeschichten

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Das Thema Hitze  wird in Zukunft  auch dazugehören

Die Rache der Königinnen

Wir gehen rein

Die Signatur unserer Zeit

Die Grenzen der Freiheit

Stück Labor 2023/24

Guten Appetit!

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

München: Auswahl für Radikal jung Festival

Mit nachhaltiger Kunst  die Menschen berühren

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Schauspiel Stuttgart: Überleben in der Karaokebar

Die Unsterblichkeit des Theaters

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Was macht das Theater, Alexander Scheer?

Wenn die Unis Trauer tragen

Vor zwei Jahren machte die brasilianische Performerin und Theaterregisseurin Carolina Bianchi bei der Uraufführung von „A Noiva e o Boa Noite Cinderela“ international Furore. Da nahm sie vor Publikum K.o.-Tropfen, fiel in tiefen Schlaf, während ihr Ensemble Cara de Cavalo in krassen Bildern sexualisierte Gewalt performte. Das war der erste Teil ihrer Trilogie „Cadela Força“ (etwa: „Die Stärke der Schlampe“), die Carolina Bianchi zur Eröffnung des Kunstenfestivaldesart in Brüssel nun mit „The Brotherhood“ fortsetzt. Quer vor die Bühne ist beim Eintritt des Publikums Gaze gespannt. Man erkennt schemenhaft eine bewegte Barockmalerei mit wenig bekleideten Frauen, die vor dem Zugriff von Männern fliehen. Die Lautsprecher grollen unheilvoll, schrille metallische Töne entfalten einen martialischen Sound. Zu Beginn der Aufführung bläht sich diese Gaze dann wie ein Segel zum Publikum, wie von Walter Benjamins Sturm der Geschichte angetrieben. Eine ganz alte Geschichte seit dem Paradies: Der Krieg der Männer gegen die Frauen. Dann verschwindet das Bild und plötzlich herrscht Stille. Ein selig grinsender Mann steht nun mitten auf leerer dunkler Bühne mit einem Neugeborenen in seinen Armen. Und währenddessen hören wir einen Text, der diesem Kind eine genderkonforme Zukunft prophezeit: Es werde vergessen, von einer Frau geboren worden zu sein, werde den schleimigen...

Koproduktion Wiener Festwochen | Freie Republik Wien, KVS (Brüssel), Theater Utrecht, La Villette – Paris, Festival d’Automne à Paris, Comédie de Genève, Kampnagel Sommerfestival (Hamburg), Les Célestins – Théâtre de Lyon, Kunstenfestivaldesarts (Brüssel), Holland Festival (Amsterdam), Frascati Producties (Amsterdam), HAU Hebbel am Ufer (Berlin), Maillon Théâtre de Strasbourg – Scène européenne

„The Brotherhood – Trilogia Cadela Força – Capitulo II“ – Konzept, Text, Dramaturgie, Regie und Bühne Carolina Bianchi, Dramaturgie, Mitarbeit Recherche Carolina Mendonça,  Komposition, Sounddesign, Originalmusik Miguel Caldas, Kostüm Luisa Callegari, Video, Screening Montserrat Fonseca Llach Live-Kamera, Larissa Ballarotti 

Kunstenfestivaldesarts, Carolina Bianchi y Cara de Cavalo, Metro Gestão Cultural: Kultur und Barbarei sind kein Gegensatz

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Das Problem mit der Apokalyptik

Kampf im Käfig

Feminismus neu ausrichten

Zug: Sélection fürs Schweizer Theatertreffen bekanntgegeben 

Das große Plus an Menschlichkeit

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Rabih Mroué ist ein libanesischer Performancekünstler, Regisseur, Autor, Schauspieler und Bildender Künstler

„Racine carrée du verbe être“ von Wajdi Mouawad in eigener Regie am Théâtre National de la Colline

„La Mouette“ in der Regie von Stéphane Braunschweig am Théâtre de l’Odéon

„A little bit of the moon“, Tanzperformance von Rabih Mroué mit Anne Teresa De Keersmaeker

„Quatre murs et un toit“ von Lina Majdalanie und Rabih Mroué am Festival d’Automne in Paris

Szene aus „Quatre murs et un toit“ von Lina Majdalanie und Rabih Mroué am Festival d’Automne in Paris

„A little bit of the moon“ von Rabih Mroué und Anne Teresa De Keersmaeker

„2666“, basierend auf dem Roman von Roberto Bolaño. Regie Julien Gosselin beim Festival d’Avignon, 2016. Bühne Hubert Colas, Kostüm Caroline Tavernier

Dieses Buch beschreibt erstmals die wechselvolle Geschichte des Schauspielhauses Chemnitz in einer transdisziplinären Betrachtung von Architektur und theater-künstlerischer Praxis. Es verfolgt gleichermaßen die Entwurfsprozesse wie die Aufführungsweisen der letzten fünfzig Jahre. Neben Darstellungen der verschiedenen Spielorte und der Architektur von Rudolf Weißer werden die Raumaneignungen befragt in Gesprächen mit Theaterleuten wie Hartwig Albiro, Hasko Weber, Carsten Knödler, Gundula Hoffmann und Raj Ullrich. Weitere Theaterkonzepte erklärt Stefan Schmidtke im Kontext der Kulturhauptstadt Europas 2025.
Vor dem Hintergrund der aktuellen Interimssituation von Schauspiel und Figurentheater („Spinnbau“) wird mit der Publikation zugleich die Bedeutung und Perspektive des Theaters als vielschichtiger Kulturort für die Stadt aufgezeigt.
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ISBN 978-3-95749-567-9 (Open Access)  DOI: <a title="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" href="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" data-outlook-id="e526c996-5be6-478d-a074-ff6f174f4806">10.35287/9783957495679</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a title="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" data-outlook-id="b6230f1d-8c98-42e4-bb03-0a4b291c320e">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Zwischen Zeiten und Räumen

Schauspielhaus Chemnitz

Denken wir heute an „Zirkus“, so tauchen in unseren Köpfen gemeinhin Bilder von Artistik- und Tierdressurnummern in der Manege eines Zirkuszeltes auf. Historische Quellen, die in Archiven und Bibliotheken schlummern, zeichnen jedoch ein überraschend anderes Bild der Zirkuskunst um 1900. Die in diesem Buch versammelten Fotografien, Auszüge aus Briefwechseln, Patentschriften, Presseberichte, Bauzeichnungen und vieles mehr, bieten tiefe Einblicke in die Zirkuskultur Berlins um 1900. Sichtbare Spuren der einst erfolgreichen Zirkusgesellschaften mit ihren pompösen Gebäuden mitten im Stadtzentrum finden sich heute hingegen kaum mehr. Anhand von historischen Quellen lässt das Buch Aufführungspraxis, Architekturen, Herausforderungen und Erfolge von Zirkussen, Künstler:innen und Techniker:innen auf eindrückliche Weise zutage treten.
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ISBN 978-3-95749-565-5 (Open Access)  DOI: <a title="https://doi.org/10.35287/9783957495020" href="https://doi.org/10.35287/9783957495020" data-outlook-id="c180ea25-f06b-4836-a7c2-fc4b1261b69b">10.35287/9783957495655</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Einblicke in eine vergessene Praxis

Zirkuskunst in Berlin um 1900

Die Juni-Ausgabe 2025 von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Heimat(en)“ und beleuchtet, wie Kunst und Theater Zugehörigkeit, Identität und Gemeinschaft neu verhandeln. Essays, Interviews und Berichte von Autor:innen wie Dinçer Güçyeter, Luise Voigt und Elisabeth Maier zeigen, wie vielfältig und umstritten der Heimatbegriff heute ist – von postmigrantischen Perspektiven über ostdeutsche Lebensgeschichten bis zu kulinarisch-politischen Performances.
Auf dem Titel: Sandra Hüller und Tom Schneider ­haben am neuen theater in Halle/Saale MarDis „Penthesile:a:s“ (<a href="https://tdz.de/artikel/3856c3b5-e854-4769-8eef-1533bb028485">der Stückabdruck</a>) inszeniert. Im Interview dazu betonen sie die gemeinsame Theaterarbeit, das Ensemble­schaffen – weit weg vom filmbranchenüblichen Starmodellieren eines Wunders. Ist Sandra Hüller trotzdem.
 
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Sandra Hüller und Tom Schneider

Geste des Kollektiven

Das Arbeitsbuch widmet sich dem Intendanten und Regisseur Peter Carp. Als Schauspieldirektor in Luzern (2004–2007), als Intendant des Theater Oberhausen (2008–2017) und seit 2017 als Intendant des Theater Freiburg entwickelte er ein Theaterkonzept immer stärker aus, welches auf konsequente Internationalisierung setzte, auf ein Theater als „Weltempfänger“. Kennzeichnend für seine Arbeit war eine ausgeprägte Entdeckerlust, wie er sich generell als Förderer verstand (Simon Stone, Ewelina Marciniak, Amir Reza Koohestani, Yair Sherman, Herbert Fritsch). Das reich illustrierte Arbeitsbuch gibt Auskunft zu verschiedenen Aspekten der Arbeit des Regisseurs und Intendanten Peter Carp und versammelt Zeugnisse seiner Weggefährten.
 
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Weltempfänger in Luzern, Oberhausen und in Freiburg

Peter Carp

Wir machen Theater, jedes Jahr im Sommer. Das gilt für die Burgfestspiele Jagsthausen seit 1950. Als einziges Theater im deutschsprachigen Raum wird hier seit 75 Jahren mit Goethes „Götz von Berlichingen“ Theater an seinem Originalschauplatz gespielt. Mittlerweile sind die Burgfestspiele aber viel mehr als nur „Götz“: Musicals, Kinderstücke, Schauspiele und Musiktheater im weiteren Sinne gehören zum Repertoire. Das Buch bietet Rück-, Ein- und Ausblicke. Es beleuchtet die ersten 50 Jahre im Schnelldurchlauf und konzentriert sich im Schwerpunkt auf die letzten 25 Jahre. Die vier Intendant:innen Jan Aust, Heinz Kreidl, Axel Schneider und Eva Hosemann (seit 2019) haben diese Zeit geprägt. Ihnen werden einzelne Kapitel gewidmet.
Interviews und Anekdoten beschreiben das bekannte Freilichttheater aus einer Vielzahl von Perspektiven. Auf der Bühne und hinter der Bühne sehen wir einen Organismus im ständigen Wandel. Neben einer faszinierenden Bildauswahl informiert dieser Jubiläumsband mit spannenden Inhalten rund um die Burgfestspiele sowie Zahlen und Fakten zu den Produktionen. Es ist ein Jubiläumsbuch der besonderen Art und unternimmt eine Zeitreise durch 75 Jahre Theatergeschichte.

75 Jahre Burgfestspiele Jagsthausen

WIR MACHEN THEATER ... jedes Jahr im Sommer

Kulturhauptstadt Chemnitz

Radikal anders