Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

Münchner Kammerspiele: Klamauk und Katastrophe

Berliner Ensemble: Umsturzphantasien mit KI

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

München: Förderpreis für neue Dramatik 2025 ausgeschrieben

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Junge Hoffnung

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Was folgt

Liebe, Schreiben, Popmusik

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Am Anfang von Axel Ranischs „Saul“-Inszenierung stand ein schwarz-weiß flimmerndes Filmchen, das mit verschwörerisch flüsternder Stimme aus dem Alten Testament von dem Krieg gegen die Philister (den Erzfeinden Israels und Vorfahren der heutigen Palästinenser) berichtet; und einem schmächtigen israelitischen Hirtenjungen namens David, der den Philister und Hünen Goliath mit einer Stein-Schleuder ein Loch in den Kopf schießt und ihn damit erledigt. Am Ende der „Saul“-Inszenierung erklang Herbert Howells Lied „King David“ von 1919 im seicht sentimentalem Orchester-Arrangement von Iain Farrington, zum Besten gegeben vom David-Darsteller Countertenor Aryeh Nussbaum Cohen. „And he called for the music of a hundred harps, To ease his melancholy“, heißt es dort. „They played till they all fell silent, Played and play sweet did they; But the sorrow that haunted the heart of King David They could not charm away“. Zwischen Video und Song wurde das eigentliche Oratorium Händels gespielt mit alledem, was man an seiner Musik schätzt: den großformatigen, kontrapunktisch imposanten Chören, den affektgeladenen Arien und Duetten und der prächtigen Orchester-Instrumentierung, die bei „Saul“ regelrecht ausgefallen ist. „Mr Händels Kopf“ war laut seinem Librettisten Charles Jennens bei der Komposition 1736 schließlich „noch voller von fixen Ideen als ohnehin schon“. Händels drittes (italienischsprachiges) Opera seria-Unternehmen stand...

„Saul“ von Georg Friedrich Händel – Inszenierung Axel Ranisch, Musikalische Leitung David Bates, Bühnenbild Falko Herold, Kostüme Alfred Mayerhofer

Komische Oper Berlin: Alki Saul

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Derman sendedir

Die Stress-Knoten auflösen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Viel los in Berlin Ende Januar 2024 an den Opernhäusern. Kannibalismus und Ehekrieg an der Deutschen Oper und nur ein paar Hausnummer weiter geht’s auf der Bismarckstrasse im Schillertheater mit Rimski-Korsakows letzter Oper „Der Goldene Hahn“ von 1907 nach Alexander Puschkins Märchen schaurig zu. Eine „unglaubliche Geschichte“ fand Nikolai Rimski-Korsakow, alles andere als treuherzig oder zu Herzen gehend mit Anleihen an William Shakespeares „KingLear“. Im Zentrum ein heruntergekommener und aus dem Leim gegangener trotteliger und tollpatschiger Herrscher. König Dodon. Brutal hält er an seiner Macht fest und ist gleichzeitig von Ängsten und Sehnsüchten getrieben. Um sich gegen Angriffe zu wappnen, kauft er einem Astrologen einen goldenen Hahn ab, der auf einem Baum sitzt und darüber wacht, dass keine fremde Truppen sich der Grenze nähern. Der Preis für das Tier bleibt vorerst offen. Dodon hat zwei Söhne, die allerdings im Kampf um die schöne Königin von Schemacha getötet wurden. Erst später wird er erfahren, dass sie sich aus Eifersucht gegenseitig umgebracht haben. Nun will Königin von Schemacha auch Dodon verführen, auf dass er ihr sein Land überlasse. Der alte Astrologe weiss nun, was er von Dodon für den goldenen Hahn haben möchte: die Königin von Schemacha. Die lässt Dodon sich natürlich...

„Der goldene Hahn“ von Nikolai Rimski-Korsakow – Musikalische Leitung James Gaffigan, Inszenierung Barrie Kosky, Bühnenbild Rufus Didwiszus, Kostüme Victoria Behr, Choreografie Otto Pichler

Komische Oper Berlin: Der enttarnte König

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

„Is my future all in the past“

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

„Aber da ist doch dieser tolle Vogelmann mit den Federn! Eine Königin, ein Prinz, der eine Prinzessin rettet, der Kampf mit der Schlange! Das darf man doch den Kindern nicht nehmen!“1 So klangen Kommentare einiger Eltern, die ich für die Vorüberlegungen zu diesem Text ganz polemisch fragte: Warum eigentlich immer Die Zauberflöte als Oper für Kinder? Bevor wir die gewagte These aufstellen, dass Die Zauberflöte im Grunde genommen keine Oper für Kinder ist und wir ihnen unbedacht eine der beliebtesten Opern ‚nehmen‘, schauen wir uns erstmal eine dieser zahlreichen Inszenierungen an, die große Bühnen bespielen und Grundschulkinder in Massen durch das Theater schleusen. Die Zauberflöte für Kinder in einer Bearbeitung von Patrick Lange und Carsten Kochan im großen Haus des Staatstheaters Wiesbaden beginnt mit einer partizipativen Schauspieleinlage. Eine Putzfrau fegt die Bühne und unterhält sich mit der Dirigentin. Beide wundern sich, wo eigentlich die Sänger*innen sind. Schnell wird klar: Unterstützung muss aus dem Publikum kommen. Gesucht werden zunächst drei Knaben. Es schießen die Finger in die Höhe, es kommt zu Missverständnissen, vier Kinder landen auf der Bühne, eines wird enttäuscht zurückgeschickt. Eine Königin wird gesucht, eine Prinzessin wird gefunden, die Besetzung hat sich unter das Publikum gemischt. Die Putzfrau...

Die Zauberflöte ist keine Oper für Kinder!?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Heidelberg: Heidelberger Stückemarkt geht mit Preisverleihung zu Ende

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Unter Beobachtung

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Frankfurt/Main: Stadtparlament beschließt Deutschlands größten Kulturneubau

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

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Schauspiel

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Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

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Komische Oper Berlin

Die Komische Oper Berlin ist ein Opernhaus in der Behrenstraße im Berliner Ortsteil Mitte des gleichnamigen Bezirks. Sie ist das kleinste der drei Berliner Opernhäuser und mit der Deutschen Oper, der Staatsoper Unter den Linden sowie dem Staatsballett Berlin und dem Bühnenservice Berlin Teil der Stiftung Oper in Berlin.

Recherchen 51 "Realistisches Musiktheater"

Theaterregisseur Yair Shermann

Penny Sofroniadou als Merab vor dem beeindruckenden David-Kopf in der Händel-Inszenierung „Saul“ an der Komischen Oper Berlin.

Das Ding mit dem Körper. Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

"Andreas Homoki"

Der sich selbst lächerlich machende König: Dmitry Ulyanov als König Dodon in Barrie Koskys Inszenierung von „Der goldene Hahn“ an der Komischen Oper Berlin.

Die Folgen des Klimawandels, das Fortschreiten antidemokratischer Tendenzen, die Corona-Pandemie aber auch tiefgreifende technologische Entwicklungen lassen die gesellschaftliche Gegenwart als multiple Krise erscheinen. Wie bearbeiten Theater diese Herausforderungen? Welche Fähigkeiten entwickeln Theaterschaffende dabei? Vom 15. bis zum 17. Juni 2022 trafen sich Praktiker:innen und Forschende mit internationalen Studierenden an der Theaterakademie August Everding, um verschiedene Visionen für die Kunst, ihre Institutionen und die Ausbildung zu diskutieren. Die Publikation dokumentiert ihre differenzierten Analysen und originellen Zukunftsideen mit dem Ziel, daraus für die Gegenwart zu lernen.
Mit Beiträgen u.a. von Sivan Ben Yishai, Amelie Deuflhard, Jennifer Gunkel, Adrienne Goehler, Pınar Karabulut, Friedrich Kirschner, Tine Milz, Jasmin Maghames, Manolis Tsipos, Yener Bayramoğlu, Lisa Jopt und Barbara Gronau.
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Zukunftskonferenz für die Darstellenden Künste

Learning for the Future

Eigentlich hatte Klaus Lederer anderes zu tun. Der Politiker (Die Linke) im Berliner Abgeordnetenhaus stellte auf der Leipziger Buchmesse sein für einen radikalen Humanismus werbendes Buch „Mit links die Welt retten“ vor, feierte damit seinen 50. Geburtstag und flog dann sehr weit weg in den Urlaub. Als er von der Anfrage der Redaktion erfuhr, ob er etwas zu der Diskussion über die Zukunft der Volksbühne beisteuern könnte, sagte er sofort zu. Lederer handelte als Berliner Kultursenator 2019 mit René Pollesch die Intendanz der Berliner Volksbühne ab 2021 aus – Überlegungen zu deren Zukunft sind der Schwerpunkt in diesem Heft.
Der russische Schriftsteller Viktor ­Jerofejew floh sehr schnell nach dem totalen Überfall Russlands auf die Ukraine mit seiner Familie Richtung Westen. Die abenteuerliche Fahrt mit dem Auto über Finnland, das Baltikum und Polen nach Deutschland beschreibt er in seinem ­Roman „Der Große Gopnik“, ohne Zweifel das bislang bedeutendste Buch der Lite­ratur über Putins Psyche und das von ihm geprägte Russland. Das Wort ­Gopnik, abgeleitet vom sowjetischen ­Kürzel für „Staatliche Wohnheime des Proletariats“ und ab den 1990ern ein Begriff für ­depravierte Jungkriminelle und Schlägertypen, hat dank Jerofejew Chancen, in die deutsche Sprache zu gelangen.
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Viktor Jerofejews Putin-Stück: Der Große Gopnik

Perspektiven der Volksbühne

„Ich war nie in einem Theaterbetrieb, ich war immer frei“, bekundet der Theatermacher Willy Praml.
In Frankfurt am Main verankert, behauptet er mit seiner künstlerischen Arbeit ein selbstbestimmtes und politisches Theater. Seit den 1970er Jahren erregte Willy Praml Aufsehen durch die Erprobung neuer theatraler Formen mit Lehrlingen, im ländlichen Raum und mit dem „Faust 1 &amp; 2“ in der Frankfurter Paulskirche. Nachdem sein Theaterkollektiv 2000 in einem Industriedenkmal in der Main-Metropole, der Naxos-Halle, seine Heimat fand, inszeniert das „Theater Willy Praml“ dort Gesamtkunstwerke, literarisch sowie musikalisch und immer wieder auch interkulturell mit Geflüchteten. Mittlerweile ist aus dem Provisorium ein Produktionshaus geworden. Im „Studio Naxos“ arbeiten Künstler:innen aus der freien Szene; Kino und Konzerte gehören ebenso zum Programm. Autor:innen aus Feuilleton und Wissenschaft beschreiben und reflektieren in ihren Beiträgen fünfzig Jahre dieser Theatergeschichte – fünfzig Jahre einer permanenten künstlerischen Auseinandersetzung mit der sozialen Wirklichkeit.
 
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Theater Willy Praml

Poesie, Heimat und Politik

Was für eine Art von Theater es nach dem Krieg in Israel geben könnte, haben wir den Regisseur Yair Sherman (auf dem Titel) am Ende eines längeren Videogesprächs gefragt. Eskapistische Komödien, Stücke für Trost und Trauer oder Patriotisches und Politisches? Man müsse erstmal herausfinden, was genau die Menschen fühlen und wie das zu verarbeiten ist, so Sherman in seiner Wohnung in Tel Aviv. Noch Wochen nach dem Angriff vom 7. Oktober stehen alle unter Schock. Sherman war gleich nach der Premiere seiner Inszenierung von Shakespeares „Wintermärchen“ am Theater Freiburg nach Israel zurückgekehrt.
Themen-Schwerpunkt dieser Ausgabe ist das Theater für junges Publikum, welches sich zur Zeit verändert. Die Kinder- und Jugendtheater werden offener, machen mehrsprachige Angebote und führen schon die Jüngsten in Projekte ein.
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Yair Sherman: Theater und Israel

Kinder- und Jugendtheater

In seiner Besprechung von Ramon Gómez de la Sernas Buch „Der Zirkus“ von 1927 stellt Walter Benjamin die These auf, dass „im Zirkus der Mensch ein Gast des Tierreichs“ sei. „Die Tiere stehen doch nur scheinbar unter der Botmäßigkeit des Dompteurs, die Kunststücke, die sie machen, sind ihre Art den jüngeren Bruder zu unterhalten und zu zerstreuen, da sie ja Besseres mit ihm nicht anfangen können. Die Zirkusleute haben von ihnen gelernt.“
An Benjamin anschließend, könnte man behaupten, der zeitgenössische Zirkus sei im Reich der Dinge zu Gast und die Artist*innen hätten von ihnen gelernt. Denn wie im „Theater der Dinge“ werden hier Dinge und Materialien zu echten Gegenspielern, Materialien erforscht, die Hierarchie zwischen Objekt und Subjekt wird in Frage gestellt.
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Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

Das Ding mit dem Körper

Als wir den Schwerpunkt für dieses Heft ankündigten, meinte ein in einem anderen Bereich tätiger Medienkollege: „Schönheit im Theater? Die Schauspieler und Schauspielerinnen? Ist ja hochinteressant, aber wohl auch äußerst riskant.“ Nein, um Beauty-Wertungen geht es nicht. Theater besteht ja aus vielem, das schön sein kann oder als solches empfunden wird. Aber angesprochen, ob von der professionellen Kritik oder den Theaterkünstler:innen selbst, wird das eher selten.
Die Frage war also, wie man den Begriff für das heutige Theater diskutieren kann, ohne gleich mit Hegels 1400 Seiten umfassenden Vorlesungen zur Ästhetik in „das weite Reich des Schönen“ zurückzugehen. Der Düsseldorfer Intendant Wilfried Schulz schaute für die Vorbereitung des Gesprächs zum Thema, wie er schmunzelnd mitteilte, doch noch einmal in seine alten Aufzeichnungen aus den Hegel-Seminaren der Universitätsjahre hinein.
Die Kostümbildnerin Vanessa Rust indes kommt ursprünglich aus der Modeindustrie, wo der Begriff der Schönheit als ganz unverdächtig unverbraucht gelten darf – und muss. Florentina Holzingers Arbeiten gehören heute, so wie sie die Theaterwissenschaftlerin Hannah Schünemann als wichtiges Beispiel aufgreift, unbedingt ins weite Reich des ­Schönen im Theater. Also mit diesem Schwerpunkt hinein in die Diskussion von Begriff und Phänomen!
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Eine unterschätzte Kategorie

Im vorliegenden Band wird untersucht, wie in den siebziger Jahren in Ost-Berlin das festgefügte und außengelenkte System „DDR-Theater“ von innen heraus, durch die Arbeit Heiner Müllers und einer kleinen Gruppe von Schauspieler:innen, Regisseuren und Bühnenbildnern in seinen ideologischen und ästhetischen Grundfesten erschüttert wurde. Thomas Wieck und Renate Ziemer haben Theaterarchive ausgewertet und umfangreiche Gespräche geführt. Hermann Beyer, Michael Gwisdek, Jürgen Holtz, Dieter Montag und Johanna Schall erinnern in den hier protokollierten Gesprächen an die theatralische Unbedingtheit und Kraft kollektiver schauspielerischer Selbstbestimmung. Diese zwischen 1940 und 1950 geborene Schauspielergeneration zog eine theatralisch überzeugende Bilanz des „gesellschaftspolitischen Experiments“ in einem Teil Deutschlands und stellte ihm eine niederschmetternde Diagnose – „politisches Theater“ im besten Sinne, vorbildlich und wirksam über die Zeiten hin.
 
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Hermann Beyer, Michael Gwisdek, Dieter Montag über die Kunst des Schauspielens in der DDR

Wir waren die Müller-Spieler

In diesem Heft starten wir eine neue Serie: „Post-Ost“. Mit essayistischen Beiträgen von jüngeren Theatermacher:innen und Autor:innen, die ihre persönlichen und beruflichen Erfahrungen und Vorstellungen beschreiben, bevor im Herbst in Brandenburg, Sachsen und Thüringen Landtagswahlen anstehen. „Post-Ost“ ist ein sehr verschieden verwendeter Begriff mit einer aber doch erkennbaren Zusammenhangsgröße: Zum einen bezieht er sich auf nach 1990 in Ostdeutschland Sozialisierte, zum anderen bezeichnet er, wesentlich erweitert, junge Menschen, die aus ost- und südosteuropäischen Ländern stammen und meist als Kinder in den deutschsprachigen Raum kamen.
Auch das TdZ-exklusive Material zum Heidelberger ¡Adelante!-Festival kann den Blick weiten. „Was in Lateinamerika passiert, betrifft auch unsere Lebensrealitäten, das sollten wir nicht vergessen“, sagt der Festival-Intendant Holger Schultze im Gespräch zum Schwerpunkt. Es geht um tatsächlich vielmehr. Um die ganze Welt des Theaters.
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Theater aus Iberoamerika

¡Adelante!

Wieso reden wir weniger über Kunst, aber so viel mehr über Strukturen? Wann erzählen wir endlich wieder Geschichten? Was ist gute Kunst, was sind gute Texte für junges Publikum – und wer entscheidet darüber? Oder anders gefragt: Erzählen wir gute Geschichten, während wir uns Strukturen genauer anschauen, in denen diese entstehen? Wie gelingt uns endlich dieser machtkritische Umgang, von dem alle immer reden, im Hinblick auf Ästhetik, Ausbildung, Zusammenarbeit, Qualitätssicherung oder Ressourcenverteilung?
Zu diesen Fragen entstanden aus Begegnungen während unserer Veranstaltungen konkrete Dialoge für die Praxis: In Briefform werden persönliche Erfahrungen und Gedanken zu Autor:innenschaft, zu spannenden Geschichten und machtkritischer Ästhetik von, für und mit jungem Publikum ausgetauscht.
Weil auch die Produktion dieser Publikation mit Macht zu tun hat, wollten die Herausgeberinnen nicht die einzigen sein, die Autor:innen auswählen. Die Personen, an die die Briefe gerichtet sind, wurden <a id="_idTextAnchor000"></a>von den Absender:innen selbst ausgesucht: Ihre Antworten bilden die zweite Hälfte des Heftes.
 
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Was ist eine gute Geschichte?

Tell me more

Wie dicht vermag Oper an Wirklichkeit heranzukommen? Kann, muss Oper Wirklichkeit behaupten? Oder hat sie vielmehr ihre eigene Wirklichkeit zu erfinden? Kaum eine Bewegung im 20. Jahrhundert hat zu diesen bis heute virulenten Fragen so entschieden Stellung bezogen wie das so genannte »realistische Musiktheater«, mit dessen Geschichte und Gegenwart sich der vorliegende Band befasst. Im Mittelpunkt stehen dabei die Arbeit Walter Felsensteins, Gründer und langjähriger Intendant der Komischen Oper Berlin, und die Auswirkungen seiner Ideen auf nachfolgende Generationen.

Walter Felsenstein: Geschichte, Erben, Gegenpositionen

Realistisches Musiktheater

Andreas Homoki hat als Regisseur und Intendant an der Komischen Oper Berlin konsequent das Projekt eines Musiktheaters als sinnliche, existenzielle Erfahrung verfolgt. Er hat einen Kreis von herausragenden Regisseuren um sich geschart, die ein breites Spektrum theatralischer Möglichkeiten absteckten, ohne den programmatischen Fokus der Komischen Oper aus dem Blick zu verlieren, und erstrangige Dirigenten verpflichtet, die dem Orchester Raum zur Entfaltung gaben und exzellenten musikalischen Standard sicherten.
Dieses Buch blickt zurück auf zehn produktive und lebendige Jahre. Es zeigt die Inszenierungen von Andreas Homoki und die seiner wichtigsten Gastregisseure - Sebastian Baumgarten, Calixto Bieito, Willy Decker, Peter Konwitschny, Barrie Kosky und Hans Neuenfels. Namhafte Autoren porträtieren die Dirigenten und das Ensemble und bestimmen die prägende Kraft der Komischen Oper Berlin für ein Musiktheater der Gegenwart.
Mit Beiträgen von Sir Peter Jonas, Thomas Flierl, Andreas Homoki, Jürgen Otten, Peter Konwitschny, Willy Decker, Calixto Bieito, Hans Neuenfels, Sebastian Baumgarten, Barrie Kosky, Malte Krasting, Alban Nikolai Herbst und Claus Spahn.

Ein Jahrzehnt Musiktheater an der Komischen Oper Berlin

Andreas Homoki

Freie Darstellende Künste für Junges Publikum: Wie viele Vorstellungen spielen sie im Jahr? Wie hoch ist ihr Umsatz? Was bedeutet es, als Künstler:in für junges Publikum tätig zu sein? Der Sammelband gibt in zwei Studien Einblick in die Welt der Freien Darstellenden Künste für junges Publikum, zu der es bisher kaum statistisches Material gibt. In Zusammenarbeit mit dem Institut für Sozialforschung und Gesellschaftspolitik werden die spezifischen Arbeits- und Lebens­bedingungen der Akteur:innen im Kinder- und ­Jugendtheater sowie ihre biografischen und beruflichen Entwicklungsprozesse in den Blick genommen. Dabei bildet ihre wirtschaft­liche Situation einen besonderen Schwerpunkt.
Vertieft wird die ökonomische Perspektive durch eine quantitative Studie, die die Jahresabschlüsse von über 250 Freien Kinder- und Jugendtheatern auswertet und eine betriebswirtschaftliche Bestandsaufnahme dieser Kulturbetriebe bietet.
Mit Beiträgen von Geza Adasz, Valerie Eichmann, Stefanie Fischer, Dr. Ulrike Kaden, Marco Puxi, ­Sabine Wellmer
 
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Die kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../../api/files/4b485270-55ec-45fd-a365-f0f249157ea6/Im_Fokus_E-PDF.pdf">PDF-Download (ca. 7 MB)</a>
ISBN 978-3-95749-517-4 (Open Access)
DOI: <a href="https://tdz.de/shop/produkt/studie-im-fokus">https://doi.org/10.35287/9783957495174 </a>
Dieses Werk ist lizensiert unter der Creative Commons Attribution CC BY 4.0. Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.de</a>

Studien zur Situation 2017 – 2022

 Im Fokus: Freies Kinder- und Jugendtheater

Im Sommer 1972 begann an der damaligen Staatlichen Schauspielschule Berlin ein methodisches, kulturpolitisches und nicht zuletzt künstlerisches Experiment: die Gründung der Fachrichtung Puppenspiel, der ersten ihrer Art im deutschsprachigen Raum. Auf der Grundlage einer soliden Handhabung der darstellerischen Mittel steht seither die Beherrschung des Handwerks der Animation und die Entwicklung einer eigenen künstlerischen Sprache im Mittelpunkt des komplexen Studiums.
Studierende und Lehrende der heutigen Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch nahmen diesen Beginn vor fünfzig Jahren zum Anlass für ein Fest: Puppe50. Drei Tage Spiel und Begegnung, Foren und Diskussionen – getragen von lebendiger Erinnerung, Stolz und Visionen für die Zukunft dieser ganz besonderen Theaterform. Das Buch zum Jubiläum fragt, ganz im Sinne des Festes: Was war? Was ist? Was wird? Ein Innehalten nach fünf Jahrzehnten Ausbildung, eine Bestandsaufnahme in Wort und Bild.
Mit Beiträgen u. a. von Thomas Oberender, Kathi Loch, Gerd Taube, Markus Joss, Katja Kollmann, Robert Schuster, Andrea Tralles-Barck und Rimini Protokoll.
 
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Eine kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../api/files/c387ffed-96a3-4c65-8315-4dc3bea5684e/hfs_buch_puppe50_OA-Version.pdf">PDF-Download (10,8 MB) </a>
ISBN 978-3-95749-502-0 (Open Access) DOI: <a href="https://doi.org/10.35287/9783957495020">https://doi.org/10.35287/9783957495020 </a>
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Hinweis: Bei der Open Access-Ausgabe handelt es sich um eine gering aufgelöste Version. Ein hochaufgelöstes PDF können Sie oben kostenpflichtig erwerben.

Fünf Jahrzehnte Puppenspielkunst  an der HfS Ernst Busch Berlin

Puppe50

Komische Oper Berlin

Komische Oper Berlin: Der enttarnte König

Komische Oper Berlin: Alki Saul

Die Zauberflöte ist keine Oper für Kinder!?

Assoziationen

Andreas Homoki

Recherchen 51

Realistisches Musiktheater

Neuerscheinungen im Verlag