Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

März 2020

Premieren

Tänze, Träume und Theaterglück

Bertolt Brechts Beziehung zur Sowjetunion ist von Widersprüchen geprägt. Bereits zu den Brecht-Tagen im Jahr 2000 wurde unter dem Titel „Rot = Braun“ die komplizierte Beziehung des Autors zum Stalinismus beleuchtet (Recherchen 4, Theater der Zeit). Die Brecht-Tage 2017 griffen mit „Brecht und die Sowjet­union“ das Thema wieder auf. Die dort gehaltenen Vorträge sind nun in dem von der Historikerin Annette Leo im Verbrecher Verlag erschienenen Band „,Ich bereite mich auf meinen nächsten Irrtum vor …‘. Bertolt Brecht und die Sowjetunion“ versammelt. Als Quellen werden Briefe, Stücke, Gedichte Brechts sowie seine Kaderakte herangezogen, um die Gleichzeitigkeit seiner Faszination, Überzeugung und Desillusionierung von der Räterepublik zu diskutieren. Brechts Interesse galt neben dem politischen System auch der russischen Theateravantgarde. Ab 1923 arbeitete er mit der Schauspielerin Asja Lācis aus Sankt Petersburg zusammen und fragte sie zu Alltag und Theater in der Sowjetunion aus. Die Theaterwissenschaftlerin Sabine Zolchow verfolgt unter der Fragestellung „Inwieweit war Brechts episches Theater von Meyerhold und Eisenstein inspiriert?“ die Informationen, die Brecht von Lācis – ab 1931 auch von dem Autor Sergej Tretjakow – zugänglich waren. Tretjakow und sein Drama „Ich will ein Kind (haben)!“ stellen für viele der Beiträge ein wichtiges Verbindungsglied dar. 1937 wird Tretjakow als „japanischer...

Annette Leo (Hg.): „Ich bereite meinen nächsten Irrtum vor …“. Bertolt Brecht und die Sowjetunion. Verbrecher Verlag (lfb texte 9), Berlin 2019, 312 S., 24 EUR.

Gesammelte Irrtümer

TdZ on Tour

Münchner Kammerspiele: Klamauk und Katastrophe

Berliner Ensemble: Umsturzphantasien mit KI

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

2015 veröffentlichte der slowenische Philosoph und Kulturkritiker ­Slavoj Žižek sein erstes Theaterstück: „Die drei Leben der Antigone“, ein Thea­t­erexperiment im Geiste des Brecht’schen Lehrstücks, das Sophokles’ „Antigone“ in drei Versionen erzählt – mit ebenso vielen Enden. Ist Antigone, die sich, um ihren Bruder Polyneikes zu bestatten, dem Verbot Kreons widersetzt, wirklich eine Heldin im Widerstand gegen die Staatsmacht? Felix Ensslin inszenierte dieses lange als unspielbar geltende Stück mit dem belgischen Agora Theater. Anlässlich der Deutschlandpremiere sprach er im FFT Düsseldorf mit Slavoj Žižek über das Misstrauen gegen vermeintliche Helden, den Golfspieler Donald Trump, Gottes barbarische Seite und die fatale Sehnsucht nach Authentizität. Slavoj Žižek, Sophokles’ Antigone wird gemeinhin als Heldin des Widerstands gegen eine unmenschliche Staatsmacht gelesen. Was hat dich an dieser Figur interessiert? Ich bin ein Philosoph, der sehr gerne verunsichert. Ich sage: Vergesst diesen ganzen psychologischen Bullshit. Ihr seid frei zu wählen? Nein! Ich stehe weder auf der einen, noch auf der anderen Seite, sondern auf einer dritten. Ich tue dies, um zu schockieren. Ich denke, Antigone ist die Böse. Es gibt zahlreiche Versionen, nicht nur meine drei. Ich mag beispielsweise Jean Anouilhs „Antigone“ sehr, wenngleich sie oft als protofaschistisch abgetan wird. An diesem Stück lässt sich die...

Der Philosoph Slavoj Žižek über sein Theaterstück „Die drei Leben der Antigone“ im Gespräch mit dem Regisseur Felix Ensslin

Howgh, ich habe gesprochen!

Die Figuren müssen dem Publikum erstmal egal sein“, sagt Franz-Xaver Mayr, dessen „Heldenplatz“-Inszenierung Anfang Januar Premiere am Schauspielhaus Graz hatte. „Sie müssen sich in Ruhe entwickeln dürfen.“ Erst so könne aus den Zeilen hervortreten, was damit gemeint sein könne. Um die zeitgeschichtlichen Implikationen des 1988 uraufgeführten Textes von Thomas Bernhard ins Zentrum der Aufmerksamkeit zu rücken, hat Mayr einen Prolog und einige Fußnoten angefügt. „Egal“ sind ihm die Figuren dabei aber keineswegs, behutsam geht der 1986 in Hallein ­geborene Regisseur gegen Erwartungshaltungen vor, besetzt gegengeschlechtlich und verzichtet auf ein Ausstellen der Komik der Tiraden. Der Bernhard’sche Rhythmus hat es ihm angetan, der sei wie eine schwere Bank, ganz fest und unverrückbar, besser noch als Musik, jedenfalls „wertvoll und hart“. Nach seinen Studien der Angewandten Theaterwissenschaft in Gießen und der Regie an der Zürcher Hochschule der Künste wurde Mayr 2016 mit seiner Diplominszenierung „Anti­gone“ zum Körber Studio Junge Regie nach Hamburg eingeladen. 2017 inszenierte er am Schauspielhaus Wien „Diese Mauer fasst sich selbst zusammen und der Stern hat gesprochen, der Stern hat auch was gesagt“ von Miroslava Svolikova und wurde dafür in der Kategorie „Nachwuchs“ für den Nestroy-Preis nominiert. „Mittlerweile ist das Arbeiten entspannter“, sagt Mayr, „nicht mehr so atemlos wie...

Der Wiener Regisseur Franz-Xaver Mayr sucht den optimalen Probenprozess – als Voraussetzung für politisches Handeln

Kinder unserer Zeit

Die Lücke – Ein Stück Keupstraße Im Carlswerk, der Außenspielstätte des Schauspiels Köln, ­wurden die Brückenseile für die Fatih-Sultan-Mehmet-Brücke in Istanbul gefertigt. Das war in den sechziger Jahren. Oft haben wir uns diese Geschichte erzählt, als wir 2014 die „Lücke – Ein Stück Keupstraße“ geprobt haben, ein Stück, in dem wir den Nagelbomben-Anschlag, verübt durch den NSU, thematisierten. Am Abend der Premiere hatten wir sehr hohen türkischen Besuch aus Berlin. Der türkische Botschafter, Hüseyin Avni Karslıoğlu, war anwesend, zusammen mit 15 Diplomaten aus der Türkei, alle aus den Reihen der Regierungspartei AKP. Uns allen, den Spielern und der ­Leitung des Theaters, übergab der Botschafter Dankesbriefe. Handgeschrieben, im Namen der türkischen Republik. Das war 2014. Ein Jahr nach den Gezi-Unruhen. Ich bewahre den Brief immer noch auf. In der Nacht des Militärputsches am 15. Juli 2016 wurde eben diesem Botschafter, der in der Zwischenzeit nach ­Ankara berufen worden war, im Nationalparlament ins Bein geschossen. Öffentlich tritt dieser Botschafter nicht mehr auf. Seine Meinung ist nicht mehr gefragt. Er hatte sich zu sehr für die ­Versöhnung und Mitmenschlichkeit zwischen Deutschen und türkischstämmigen Bürgern eingesetzt. Auch um den Frieden mit der armenischen Minderheit war er stets bemüht. Aus meinem Gedächtnis und aus meinem...

Reflexionen über die deutsch-türkischen Narrative

Nicht schweigen

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

Es ist aktuell sicherlich eine der brennendsten Fragen im Angesicht des sich global immer vielfältiger manifestierenden Klimawandels: Wie gestaltet Deutschland den Kohleausstieg und trägt damit verantwortungsvoll zur Energiewende bei? Ende Januar 2020 beschließt die Bundesregierung den Kohleausstieg bis 2038, verbunden mit Milliardenentschädigungen für die Kraftwerks­betrei­berunternehmen und weiteren Milliarden für den Strukturwandel der betroffenen Regionen. Um die Ziele des Pariser Klimaabkommens von 2015 einhalten zu können, fordern Klimaaktivistinnen und -aktivisten von Fridays for Future und Greenpeace den vollständigen Ausstieg bereits bis 2030. Und die zahlreichen Proteste und Aktionen zivilen Ungehorsams in Kohle­kraftwerken vom Rheinland bis zur Lausitz, zu denen das Bündnis Ende Gelände seit 2015 aufruft, zielen sogar auf einen sofortigen Ausstieg aus der Kohle zugunsten erneuerbarer Energien. Dass der Kohleausstieg ein klimapolitisch brisantes und gesellschaftlich äußerst umstrittenes Projekt ist, hängt nicht zuletzt mit der Geschichte der Stein- und Braunkohleförderung in Deutschland zusammen, die über Generationen und Gesellschaftssysteme hinweg ausgewählte Regionen besonders nachhaltig geprägt hat. Eine solche Region ist auch der Süden von Leipzig. Vor diesem Hintergrund ist es ein geradezu genialer Coup des Schauspiels Leipzig, in dieser Spielzeit einen thematisch-regionalen Fokus mit dem Titel „Bergbautheater“ zu (ko-)produzieren. Denn der Bergbau war und ist für Generationen von Bürgerinnen und Bürgern existenzbestimmend...

Das Schauspiel Leipzig blickt in drei Stücken auf Geschichte, Wandel und Zukunft von Tagebaugebieten in Sachsen

Verkommene Landschaft Recherchematerial

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Wütend klammert sich ein Mädchen an ihrem Vater fest. Sie schreit und weint, spricht von Gewalt in der Familie. Der Mann liest Zeitung, nimmt sie nicht wahr. „Paisajes para no colorear“ (Nicht auszumalende Landschaften) des Teatro La Re-Sentida aus Santiago de Chile ist eines der 13 Gastspiele aus elf ­Ländern, die beim Festival ¡Adelante! des Thea­ters Heidelberg zu sehen waren. Mit neun Jugendlichen hat Regisseur Marco Layera das Tabuthema Gewalt gegen Mädchen thema­tisiert. Erfahrungen der jungen Frauen im ­Pubertätsalter fließen ebenso ein wie dokumentarische Berichte, etwa von Teenie-Müttern. Das dramaturgische Schema der ­Expertinnenberichte lockern Layera und das Ensemble mit Filmsequenzen und Tanz auf. Die Lust und die Kraft, mit der die jungen Frauen das Publikum hier in ihr Innerstes blicken ließen, rissen das Publikum mit. „Gewalt gegen Frauen und Mädchen ist auch in Deutschland ein großes Thema“, sagte Heidelbergs Oberbürgermeister Eckart Würzner im Nachgespräch. Dass strukturelle Benachteiligung keine Grenzen kennt, hat er selbst erfahren. „Ich bin mit 18 Vater geworden, damals sind wir von der Schule geflogen.“ Solche Offenheit des OB begeisterte die Schülerinnen und Schüler im Zuschauerraum. „Die besten 6,50 Euro, die ich je investiert habe“, schrieb ein Jugendlicher den Theaterleuten ins Gästebuch. Dass strukturelle Gewalt in Chile viele...

Beim iberoamerikanischen Theaterfestival ¡Adelante! am Theater Heidelberg werden vor allem die sozialen und politischen Brandherde Lateinamerikas sichtbar

Magische Theaterbilder gegen die Gewalt

Es gibt Figuren der Theaterliteratur, die uns in ihrer rätselhaften Abgründigkeit immer wieder fesseln. Johan Simons, Regisseur und Intendant des Bochumer Schauspielhauses, bringt sie auf die Bühne. Erst Sandra Hüller als Hamlet, dann Steven Scharf als Woyzeck – und nun Jens Harzer als Iwanow. (Pierre Bokma als König Lear folgt Ende April.) Mit „Iwanow“ hat Anton Tschechow ein modernes Urbild der Melancholie geschaffen – und des Mangels in Form von Schulden, Krankheit, unerfüllter Liebe und unerträglicher Langeweile. Für die Inszenierung wurde eigens eine Neuübersetzung bei Angela Schanelec in Auftrag gegeben. Ein großes Ensemblestück für ein großartiges Ensemble. Ganze vier Stunden wird die Kunst des Zusammenspiels gezeigt, ohne an Intensität zu verlieren. Nachdem sich ächzend der eiserne Vorhang hebt, sieht man Jens Harzer auf einem Stuhl sitzend. In der Bühnenmitte liegt Iwanows kranke Frau Anna, gespielt von Jele Brückner. Für die Bühne hat Johannes Schütz das Gerüst eines Quaders geschaffen – wie ein goldener Käfig ohne Gitterstäbe. Und an der Brandmauer ein übergroßes Regal, das Requisiten und Kostüme aufbewahrt. Neben abgestorbenen Ästen sind zahlreiche Stühle über die Bühne verteilt, das zentrale Requisit. Eine gesetzte Gesellschaft, es sind die­ ­liberalen Bürger auf dem Lande, keine Ausgestoßenen im Nachtasyl. Es geht darum, den...

Schauspielhaus Bochum: „Iwanow“ von Anton Tschechow. Regie Johan Simons, Bühne Johannes Schütz, Kostüme Sofia Brockhausen

Bochum: Windstille der Seele

Die Frontlinie war klar. Aber der Feind, nun ja, wurde zwar nicht endgültig in die Flucht geschlagen, hat aber eine empfindliche Niederlage erlitten. Gut zwei Wochen nach den ersten Premieren am Burgtheater Wien unter der Intendanz von Martin Kušej stand in Österreich die Nationalratswahl an. Eine abermalige Regierungsbeteiligung der FPÖ schien nicht ausgeschlossen – trotz der Ibiza-Affäre um (den inzwischen ehemaligen) Parteiobmann Heinz-Christian Strache, die die Koalition der Rechtspopulisten mit der ÖVP zu Fall gebracht hatte. Es kam dann doch anders. Die Wähler straften die FPÖ an der Urne ab. ÖVP-Kanzler Sebastian Kurz regiert nun mit den Grünen. Für Kušej bedeutete das erst mal Entwarnung. Im Interview zum Amtsantritt (siehe TdZ 09/2019) hatte er sich vorsorglich schon mal auf einen „steifen Wind“ nach der Wahl gefasst gemacht. Und wirklich, es wäre spannend gewesen zu beobachten, wie lange die FPÖ als Regierungspartei dem Treiben unter Kušej im österreichischen Nationalheiligtum Burgtheater tatenlos zugesehen hätte. Aus der Opposition heraus sind die Blauen hingegen bisher nicht mit Protestnoten vorstellig geworden. Die Partei scheint vorerst mit sich selbst beschäftigt. Dabei unternahm das Burgtheater unter Kušej so einiges, um ihre Aufmerksamkeit auf sich zu lenken – zuletzt mit der Uraufführung von Elfriede Jelineks jüngstem Textflächendrama „Schwarzwasser“....

In seiner ersten Spielzeit als Intendant des Burgtheaters Wien wettert Martin Kušej gegen Populisten, Elfriede Jelinek beklagt die FPÖ und der Chor unfaire Arbeitsbedingungen

High Noon

Männer und Frauen, das war auch angesichts der diesjährigen Auswahl des Theatertreffens wieder Thema. Erstmals wurde die Vorschrift, mindestens die Hälfte der Regisseure müsse weiblichen Geschlechts sein, zur Anwendung gebracht. Stolz wurde allerorten die Planübererfüllung gerühmt. Doch gibt es prinzipielle Zweifel, die nicht ausgeräumt sind: Neben dem irritierenden Fokus auf die ­Regie kommt die Quotierung einer Auswahl von bemerkenswerten Inszenierungen einer nachträglichen Entlastung gleich. Das ist symptomatisch für den vorherrschenden Abzählfeminis­mus, der sich kaum um die ­allgemeinen Zwänge schert, Hauptsache, von jeder Art ist jemand repräsentiert. Eine Arche Noah des liberalen Bürgertums, während drum herum die Welt untergeht. Der Vorteil: Die schal gewordene Ideologie, dass es in dieser ­Gesellschaft doch noch jeder und jede schaffen kann, wird aufpoliert. Nur leider stimmt es nicht. Gesellschaftliche Krisen mit bösen Männern zu erklären hat zurzeit Konjunktur. Sei es als intime Selbstentblößung oder plakative Anklage. Oder weinerliche Selbst­kritik. In einem Programmheft ist zu lesen: „Theater, Repräsentationskultur, eine Kultur von Männern für Männer entworfen und gepflegt. Ein Autor (Mann, tot), ein Intendant (Mann), ein Regisseur (Mann), ein ­Dramaturg (Mann).“ Besser kann man Frauen gar nicht aus dem Theater und der Welt streichen. Kritik ist doch am schönsten, wenn man weiter nur über sich selbst reden...

Geschichten vom Herrn H.: Männergift und Schniedelkritik

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Wandbild

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Stefan Schmidtke, Sie waren während der Intendanz von ­Staffan Valdemar Holm 2011 bis 2014 hier in Düsseldorf ­Leitender Dramaturg, jetzt kehren Sie als Kurator des alle drei Jahre stattfindenden Festivals Theater der Welt zurück. In zehn ­Monaten haben Sie das Programm auf die Beine gestellt. Was ist das Geheimnis von Theater der Welt? Das Geheimnis ist der Ort, an dem Sie es machen. Düsseldorf ist kein Szenespielort, sondern eine bürgerlich-akademische...

Kurator Stefan Schmidtke über das Festival Theater der Welt 2020 in Düsseldorf im Gespräch mit Martin Krumbholz

Ist mein Mikro an?

Er hieß Michael, aber in Büchern und Auf­sätzen nannte er sich, um Verwechslungen mit dem gleichnamigen Lyriker zu vermeiden, Maik, eine Verdeutschung des Namens, mit dem ihn seine Mitschüler und Mitstudenten in Großbritannien gerufen hatten. Geboren wurde er 1931 in Schanghai, wo seine Mutter, die später Ruth Werner hieß und eine Schwester Jürgen Kuczynskis war, von Richard Sorge für den Geheimdienst der Roten Armee angeworben wurde. Von China, wo ihr Mann, der Architekt Rudolf Hamburger, eine nachhaltige Aufbauarbeit leistete, führte ihr Weg über viele Zwischenstationen nach London, wo sie später als Kontaktfrau zu Klaus Fuchs, der als Kernphysiker Mitarbeiter am amerikanischen Bombenprojekt war, eine weltpolitische Rolle spielte. Rudolf Hamburger hatte unterdes in Persien geheimdienstlich für die Sowjetunion gearbeitet; dorthin entlassen, lohnte es ihm das Vaterland aller Werktätigen, indem es ihn zu zehn Jahren Zwangsarbeit verurteilte. Erst 1955 sah Maik Hamburger seinen Vater wieder; er nahm seinen Architektenberuf wieder auf und schrieb Erinnerungen, die der Sohn 2013 herausgab, das erschütternde Dokument einer katastrophenreichen Epoche. Maik Hamburger ist trotz anhaltender Ermunterung nicht dazu gekommen, seine eigenen Erinnerungen zum Buch zu formen. Aber es gibt Bruchstücke, und ein solcher Text ist im Internet mühelos auffindbar, er heißt „Das verschenkte Glasperlenspiel“. Abrufbar sind auch...

Dem Übersetzer, Publizisten und Dramaturgen Maik Hamburger zum Gedenken

Immer wieder Shakespeare

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Jetzt ist alles politisch

Junge Hoffnung

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Ein Lehrer blickt zurück. In drei Monologen erinnert sich Andrea Marescalchi an eine Gruppe von Schülern, die er drei Jahre lang in Geschichte und Philosophie unterrichtet hat. Drei Schulstunden auf dem Weg zum Abitur. Drei Versuche, den Jugendlichen neben dem reinen Wissen auch so etwas wie Haltung und Hoffnung zu vermitteln. Doch das ist schwierig für den engagierten und dennoch hoffnungslos desillusionierten Lehrer. Die Zeit ist viel zu knapp bemessen, und die Lehrpläne sind mit Stoff viel zu vollgestopft. Also bleibt gerade einmal eine einzige Unterrichtsstunde für die Geschichte des 20. Jahrhunderts nach 1939, eine Stunde, in der Marescalchi kaum mehr als Zahlen referieren kann. Er zählt einfach die Millionen über Millionen Toten der Kriege und Völkermorde auf und reduziert die Geschichte der Menschheit gezwungener­maßen auf die Statistik ihrer Gräuel. Für Erklärungen fehlt Marescalchi die Zeit. Nicht einmal einem Schüler wie Vita­liano Cacci, der gegen diese nüchterne Auf­listung der Opfer rebelliert und nach einem Sinn in all dem Leid und der Zerstörung sucht, kann er Antworten geben. Er lässt ihn mit der Frage nach dem „Warum“ allein und verweist stattdessen auf das zur mündlichen Abiturprüfung gehörende Referat. In ihm könne Vitaliano der Prüfungskommission seine eigenen Schlüsse präsentieren. Dieser Aufforderung kommt...

Theater an der Ruhr: „Sokrates der Überlebende / Wie die Blätter“. Regie Simone Derai Kostüme Serena Bussolaro und Simone Derai

Mülheim an der Ruhr: Die Schule der Toten

Unter dem Hashtag #baseballschlaegerjahre posteten Ende letzten Jahres Menschen auf Twitter ihre Erlebnisse aus den frühen neun­ziger Jahren, als Neonazis vor allem im Osten Deutschlands ihr Unwesen trieben. Alle, die in dieser Zeit in den neuen Bundesländern jugendlich waren, erzählen ähnliche Geschichten: von kahlgeschorenen Köpfen und Springerstiefeln, von willkürlichen Angriffen auf alle, die politisch anders eingestellt waren oder nur so aussahen, vom „Zündeln“, das in brennenden Asylbewerberhäusern endete. Die Aktion #baseballschlaegerjahre hob nun endlich hervor, wie die Opfer zu leben hatten. Diese Perspektive nimmt auch Manja Präkels autobiografisch geprägter Roman „Als ich mit Hitler Schnapskirschen aß“ ein. Präkels, 1974 geboren, beschreibt darin die Kindheit und das Erwachsenwerden in einer brandenburgischen Kleinstadt, den Bruch nach der Wende. Das Buch wurde 2018 mit dem Jugendliteraturpreis gekürt. Für das Theater Junge Generation in Dresden besorgte Nils Zapfe die Regie und schrieb auch die Theater­fassung, gerichtet an Jugendliche ab 14, also die Kinder derer, die jene Jahre erlebten. Bereichernd wird die Inszenierung aber auch für die Eltern­generation selbst sein – dann, wenn sie die Chance nutzen, gemeinsam mit ihren Kindern die Zeit noch einmal zu reflektieren. Gespielt wird die Hauptfigur Mimi von vier Darstellerinnen: Marie Thérèse Albrecht, Gina Markowitsch, Susan Weilandt und Lola Mercedes...

Theater Junge Generation: „Als ich mit Hitler Schnapskirschen aß“ (UA) von Manja Präkels in einer Fassung von Nils Zapfe. Regie Nils Zapfe, Raum Konstanze Grotkopp, Ausstattung Jasna Bošnjak

Dresden: Baseballschlägerjahre

Was folgt

Liebe, Schreiben, Popmusik

Die Einstellung des Chorführers ist offensichtlich. Nicht ihre Haltungen, nicht ihre religiösen Überzeugungen verdammen Antigone. Selbst ihre Tat ließe sich noch tolerieren. Die letzte, entscheidende Grenze hat sie aber überschritten, als sie sich offen zu ihrem Handeln bekannte. Damit hat Ödipus’ Tochter König Kreon die Stirn geboten und die männliche Macht infrage gestellt. „Die Worte mögen weiblich klingen, die Tat jedoch war männlich.“ Der vernichtende Vorwurf ist noch nicht ganz ausgesprochen, schon beginnt Galia De Backer, eine der drei Antigone-Darstellerinnen dieser Inszenierung, Leonard Cohens „I’m Your Man“ zu singen. So macht sie sich auf ironische Weise die Anklage zu eigen und kehrt sie gegen ihre Ankläger. Der Mann in Cohens Love Song ist eben kein Vertreter sturer, selbstvergessener Macht. Er ist ein Liebender, der sich aufopfert und die Liebe über alles stellt. Er ist der Mann, dem Antigone auf Augenhöhe begegnen könnte. Brechungen wie diese prägen Felix Ensslins Inszenierung von Slavoj Žižeks erstem Theaterstück „Die drei Leben der Antigone“ am Forum Freies Theater Düsseldorf. Ensslin und sein Ensemble vom belgischen Agora Theater erweitern das sperrige Drama, das Brechts Lehrstücken deutlich näher ist als Sophokles’ antiker Tragödie, durch Songs und eigene Texte. Die Labdakiden haben ihre Macht über Jahrtausende bewahrt. Als...

Žižeks „Die drei Leben der Antigone“ in der Regie von Felix Ensslin

Drei Mal Tod

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Seit sich der FDP-Politiker Thomas Kemmerich am 5. Feb­ruar mit den Stimmen der CDU und AfD zum Ministerpräsidenten des Freistaats Thüringen hat wählen lassen, ist viel passiert. Von „Dammbruch“, „Tabubruch“ und „unverzeihlichem Fehler“ war die Rede. Nach nur wenigen Tagen trat er von seinem Amt zurück. 1989 als Unternehmensberater in den Osten gekommen, hatte Kemmerich ein DDR-Kombinat in eine Friseurkette umgewandelt, deren Anteile inzwischen profitabel an der Börse gehandelt werden. Zugleich gelten die Arbeits­bedingungen selbst für dieses Gewerbe als ausgesprochen schlecht (ein Schelm, wer zwischen den ­Profiten und der Schinderei ­einen Zusammenhang vermutet). Bun­des­weite Bekanntheit erlangte er als einer der ent­schie­dens­ten Gegner des mick­rigen Min­dest­lohns, den er als fatal für die Wirtschaft (also seine Gewinne) ver­teu­felte. Eine hübsche Geschichte über Ost und West, Privatisierung und Marktwirtschaft. Und über politische Öko­no­mie. Gerade einmal 25 Prozent der FDP-Wähler in Thüringen würden ­einer Umfrage von ARD-Deutschlandtrend zufolge die Zusammenarbeit mit der AfD prinzipiell ausschließen. Bei der wirtschafts- und sozialpolitischen Nähe ist das kein Wunder. Dass es der AfD unter Björn Höcke in Thüringen gelungen ist, sich an die Spitze einer Bewegung gegen eine vermeintliche rot-rot-grüne Wieder­belebung der DDR zu setzen, und das unter dem Ideo­logem der „bürgerlichen Mitte“, muss zweifelsohne als großer strategischer...

Über die gesellschaftlichen Voraussetzungen der Ereignisse um die Ministerpräsidentenwahl in Thüringen – ein Kommentar

Der Rückschritt schreitet voran

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Victoria Lomasko, Sie sind eine der bekanntesten grafischen Künstlerinnen Russlands, vor allem weil Sie die Gerichtsprozesse gegen die Kunstaktivistinnen von Pussy Riot (2012) wie auch gegen die Ausstellungsmacher von „Verbotene Kunst“ (2006) kritisch ­dokumentiert haben. Auch die Sujets Ihrer grafischen Reportagen über den Alltag in der russischen Provinz, über Arbeitssklavinnen in Moskau, Sexarbeiterinnen in Nischni Nowgorod, über LGBTQ- oder Bürgerrechtsbewegungen legen nahe, Sie als eine ebensolche Aktivistin zu bezeichnen. Dennoch verwahren Sie sich davor? Meine politische Agenda ist ungefähr die gleiche wie die von Pussy Riot und anderen unabhängig denkenden Menschen aus dem Kulturbereich. Wir wollen die Machtverhältnisse verändern, wir wollen, dass die Kirche nicht mehr ideologisches Rückgrat der Politik ist, dass Zensur auf ein vernünftiges Minimum reduziert wird und die Gerichte sich der Gerechtigkeit annehmen, anstatt dem Regime zu dienen. Wir wollen keine hässliche Wiederherstellung des Sowjetregimes in den zwanziger Jahren des 21. Jahrhunderts. Fraglich sind aber dennoch Zuschreibungen wie „Kunstaktivist“. Meiner Meinung nach wurde der Begriff erfunden, um Stipendien für sozial orientierte Kunst vergeben zu können. Es hat immer Künstler gegeben, die politische und soziale Themen in ihre ­Arbeit einbezogen haben. Käthe Kollwitz schrieb in ihren Tage­büchern und Briefen immer wieder, dass ihre Kunst dennoch breiter aufgestellt sei,...

Die russische Künstlerin Victoria Lomasko zeichnet die Marginalisierten und Engagierten. Ein Gespräch über Kunstaktivismus, Zensur und ihre Arbeiten mit Anja Nioduschewski

Russian Underdogs

Etikettenschwindel

Die Supermarktkette Aldi kooperiert seit Kurzem mit „Alman_Memes_2.0“, einem Instagram-Account, der seine Follower mit Witzen über Klischee-Deutsche bespaßt: lustige Bilder und Videos über Autofetischisten, Pünktlichkeitsfanatiker und dergleichen. Der Titelheld von Philipp Löhles neuem Stück heißt zwar Andi Europäer, ist aber auf seine Weise ebenfalls so ein Aldi-Deutscher, ein „Alman“ eben („Almans“, so nennen Türken die Deutschen – oder alle, die sich so verhalten, wie man das von Deutschen erwartet). Selbiges gilt auch für die übrigen Figuren von Löhles Komödie „Andi Europäer“: lauter Turbo-­Deutsche. Was in der Werbung gut funktioniert – das Operieren mit Klischees, die Wiedererkennungswert garantieren – kann im Theater freilich schnell abgeschmackt wirken. Löhle hat sich dagegen schlau abgesichert, indem er einen doppelten Boden eingezogen hat: Er stellt nicht einfach wandelnde Klischees auf die Bühne, sondern Menschen, die als solche gecastet wurden. Insofern handelt es sich bei den Figuren nicht um unmittelbare Ausgeburten der Autorenfantasie. Stattdessen schiebt Löhle das Klischeedenken dem Auswärtigen Amt in die Schuhe, dass im Stück nach Repräsentanten der Republik gesucht hat, die ihr Land auf möglichst typische Weise ver­treten können; und zwar in Afrika und in einer Vorzeigefunktion unter verkehrten Vorzeichen. Anders als der Discounter Aldi, der mit Selbstironie punkten will, betreibt das Auswärtige...

Staatstheater Nürnberg: „Andi Europäer“ (UA) von Philipp Löhle. Regie Tina Lanik, Ausstattung Patrick Bannwart

Nürnberg: Anti-Inszenierung

Mit einem glitzernden Panzer führen die Frauen der Geschichte ihren Kampf. „Bataillon“ nennt Enis Maci ihr neuestes Stück, dessen Uraufführung Marie Bues am Nationaltheater Mannheim inszeniert hat. Den Panzer bauen die Frauen selber zusammen – so beginnt eine neue Geschichtsschreibung aus weiblicher Perspektive, die den vergessenen Vordenkerinnen eine Stimme gibt. Da ist die Mathematikerin Ada Lovelace, Pionierin der Computertechnik. Mit ihrer Forschung ebnete die Tochter Lord Byrons der Programmiersprache schon im 19. Jahrhundert den Weg. Doch die Erinnerung an sie ist verblasst. Ebenso wie die an Elisabeth Mann Borgese, die als Mutter des Seerechts gilt. In ihrem vielstimmigen Stück zeigt Maci die Kämpfe der Protagonistinnen gegen die Männergesellschaft, die ihre Verdienste nicht wahrnahm. Die Struktur von Macis Text ist komplex. „Die Bühne ist ein Fadenspiel“, schreibt die Autorin in ihren Regieanweisungen. Regisseurin Bues greift dieses Bild auf, indem sie die Schauspielerinnen mit Nadeln und mit Wolle hantieren lässt. Wie einsame Hausfrauen sitzen die Weberinnen, die die Autorin da in den Blick nimmt, an Fenstern. Johanna Eiworth als Concierge gibt der Gemeinschaft Halt. „Ich bin das Girl, das diese Welt im ­Innersten zusammenhält“, lässt die Autorin sie sagen. Heike Mondschein hat einen Bühnenraum geschaffen, der mit einem türkis­farbenen Tuch die Tiefe...

Nationaltheater Mannheim: „Bataillon“ (UA) von Enis Maci. Regie Marie Bues, Ausstattung Heike Mondschein

Mannheim: Frauen kämpfen um ihre Geschichte

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Derman sendedir

Die Stress-Knoten auflösen

Meldungen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Die Szene ist einer der zentralen Begriffe des französischen Philosophen Jacques Rancière. Bereits in seinem frühen Werk „Das Unvernehmen“ (2002) hatte er sie für seine Auf­fassung von Politik als Streit (und nicht als institutionalisierte Ordnungsmacht) als eine „Bühne der Sichtbarmachung“ errichtet. Die Rancièr’sche Szene ist für die dort in Erscheinung tretenden Akteure immer auch eine Schlüsselszene – insofern, als sie ihre Protagonisten immer in einem Moment beschreibt, in dem sie sich als politische Subjekte von gesellschaftlichen Ordnungen emanzipieren. Weshalb die so verstandene Politik natürlich auch immer der Streit um diese Bühne selbst ist, da die Emanzipation eine gesellschaft­liche Neuaufteilung provoziert. Gleiches gilt für Rancières vielfache Betrachtungen der Kunst. Hier verfolgt er nicht weniger als die Aufhebung aller Hierarchien, die ihr aus einem kunstgeschicht­lichen Verständnis anhaften. Jenseits von Zweckmäßigkeit, Repräsentation, Handwerk oder Wirksamkeit setzt er die individuelle sinnliche Erfahrung in den Fokus der Betrachtung, ein rein „ästhetisches Regime“. Ausgehend davon kritisierte er bereits in „Der emanzipierte Zuschauer“ (2010) Formen kritischer Kunst, die gesellschaftliche Missstände beseitigen wollen oder pädagogische Wirkungen erzielen möchten. Nicht zuletzt deshalb wird er auch im Theater skeptisch gelesen, insbesondere von Vertretern des Artivism. Obwohl Rancières Begriffswahl dem Theater entspringt, fanden in seinen unzähligen Arbeiten zur Ästhetik vergleichsweise nur...

Jacques Rancière: Das Verfahren der Szene. Gespräche mit Adnen Jdey. Diaphanes Verlag, Zürich 2019, 160 S., 18 EUR.

Die Bühne des Denkens

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Mit dem Geld ist es wie mit Gott: Man muss daran glauben. Scheine zum Beispiel sind nur Papier. Allein unser Vertrauen in den aufgedruckten Wert verleiht ihnen Kaufkraft. Jedermann betet den Mammon also mit gutem Grund an. In der Bankenmetropole Frankfurt am Main ist er mit seinem Credo geldrichtig. Vor allem jener Jedermann, der in der Neufassung des Salzburger Festspielklassikers auftritt, die Ferdinand Schmalz geschaffen hat. Hier ist der reiche Jedermann ein Börsen­spekulant, der seine Rechnung allerdings ohne den Tod gemacht hat. Das menschliche Leben ist ja quasi ein Dasein auf Pump. Irgendwann fordert es der Tod wieder zurück. Ergo: „jedermann (stirbt)“. Jedermanns Lustgarten ist bei Schmalz der Park um seine Villa, und zugleich Sinnbild für die Festung Europa, in der sich die sogenannte Erste gegen die Dritte Welt abschottet. Den Tod jedoch kann kein Sicherheitskonzept der Welt fernhalten. Wolfram Koch in der Titel­rolle sieht denn anfangs auch eher nach einem Fall für die Gruft als für die Gartenparty aus. In Unterhemd und -hose irrlichtert er über die Bühne wie ein verwirrter Alter durchs Altenheim. Diese Bühne (von Stéphane Laimé) umgrenzen meterhohe Gitterstäbe als Zaun, und die Gartenlandschaft in diesem (zwar nicht goldenen, aber immerhin versilberten) Käfig zählt zur Sorte...

Schauspiel Frankfurt: „jedermann (stirbt)“ von Ferdinand Schmalz. Regie Jan Bosse, Bühne Stéphane Laimé, Kostüme Kathrin Plath

Frankfurt/Main: Theologie des Diesseits

Am Tag nach der letzten Vorstellung habe sie schon das Stück für die nächste Inszenierung gelesen, erzählt Friederike Hirz. Und angefangen zu arbeiten. Dass zwischen den Abenden der 1988 geborenen Regisseurin bislang größere Abstände lagen, rührt auch von der umfassenden Recherche. Der Stücktext ist selbst nur ein Teil des Materials. Theater als Dienstleistung, bei der man heute „Romeo und Julia“ und morgen die nächste Inszenierung abliefert, ist Hirz fremd. Keine Kompromisse. Dann lieber kellnern. Sie ist überzeugt, dass Theater fundamentale Fragen des menschlichen Zusammenlebens verhandeln kann. Ende Februar feierte mit „The People (Hoffnung)“ der dritte und somit letzte Teil ihrer Ibsen-Trilogie Premiere. Der erste Teil „Hedda (Glaube)“ ist von 2015, der zweite „Peer (Lüge)“ von 2019. Als Grundlage dienten „Hedda Gabler“, „Peer Gynt“ und „Ein Volksfeind“. Glaube, Lüge, Hoffnung – Liebe ist kein Thema, außer unter dem Aspekt der Macht. Es interessiere sie vor allem, wie Gesellschaft funktioniere, erzählt Hirz. Und Ibsen sei dafür ausgezeichnetes Material. Seine Stücke zeigen die Heraus­bildung der bis heute existierenden bürgerlichen Welt – die sich inzwischen in einer existenziellen Krise befindet. Diese reiche vom Kapitalismus und Nationalstaat über die parlamentarische Demokratie und den Liberalismus bis zur Kleinfamilie. Ibsen veranschauliche, so Hirz, die Wechselwirkung zwischen Mensch...

Die Berliner Regisseurin Friederike Hirz schafft mit ihren choreografischen Arbeiten neue Bilderwelten

Abseits des Bekannten

Nichts ist festgelegt im deinem Leben, das Netz ist jetzt das Land der unbegrenzten Möglichkeiten und Verheißung für die individuelle happiness, suggeriert die Stimme aus dem Off in einem kurzen Prolog. Jeder kann sich jederzeit neu erfinden. Wenn nicht im real life, dann eben als Youtube-Star. Davon ist Glamsquad Angel überzeugt. Hinter einem blassen Vorhang übt sie tänzerische Posen für ihren ersten Auftritt als Kunstfigur Sandy ­Deleuze im World Wide Web. Herausgeputzt in Barock­kostüm und Perücke erinnert die Schauspielerin Sithembile Menck an eine Molière-Figur. „1 Yottabyte Leben“ der Autorin Olivia Wenzel, Jahrgang 1985, ist ein Selbstporträt der Generation Instagram, für die Social-­Media-Kanäle Schauplatz der Selbstdarstellung und Verstellung sind. Glamsquad Angel, die das netztypische anglizistische Formelsprech beherrscht, performt als Sandy Deleuze für ihr erstes Personal-feeling-Video. Mit begeistert-aufgerissenen Augen und überzeugender liveliness plaudert sie über Menstruationserfahrungen und gibt absurde Tipps zur Blutflussbegrenzung und Tamponentsorgung. Sithembile Menck gewinnt mit ihrer umwerfenden Bühnenpräsenz auf Anhieb ihr Publikum, auch Kunstfigur Sandy Deleuze hat schnell Follower, die sich mit ihren Likes und Kommentaren einschalten. Die tragen so klangvolle Namen wie Tlaus Teller, Slice ­Gamer Pro 2 oder Spinnig Ballerina Illusion. Regisseur Matthias Mühlschlegel hat sie ins Analoge übersetzt und lässt drei Schauspieler als...

Saarländisches Staatstheater: „1 Yottabyte Leben“ (UA) von Olivia Wenzel. Regie Matthias Mühlschlegel, Ausstattung Rimma Starodubzeva

Saarbrücken: Gefangen im Netz

Open Table: All in

Kirill Serebrennikov, was bedeutet Liebe für Sie? Das ist eine gute Frage. Ich würde ­sagen Spannung, vor allem Spannung. Liebe ist wie ein Blitz, ein Feuer – elektrisierend, aber auch zerstörerisch. Freiheit bedeutet es auch? Ja, aber Freiheit ist noch größer, noch umfassender als die Liebe. Liebe ist schwer greifbar, wie eine Atmosphäre, etwas, das in der Luft liegt. Sie entzieht sich den Erklärungen, ist mit Worten nicht begreifbar. Deshalb arbeitet die Menschheit – vor allem die Kunst – seit Jahrhunderten daran, einen Ausdruck für etwas zu finden, was letztlich unfassbar bleibt. Giovanni Boccaccio hat das in seinem „Decamerone“ sehr umfassend versucht. Die Rahmenhandlung erzählt von zehn jungen Frauen und Männern, die im Jahr 1348 vor der Pest aus Florenz flüchten und sich auf einem Landsitz vor den Toren der Stadt einquartieren. Dort vertreiben sie sich das Warten, indem sie sich zehn Tage lang jeweils zehn Geschichten erzählen, vorrangig Liebes­geschichten. Was hat Sie an dem Buch ursprünglich gereizt? Und haben sich Ihre Interessensschwerpunkte im Laufe der Zeit – die Produktion hat ja schon einen längeren Vorlauf – verlagert? Ja, das stimmt, die Produktion war schon vor ein paar Jahren geplant. „Decamerone“ ist ein Buch der Liebe. Es ist aber auch...

Kirill Serebrennikov über seine Inszenierung von Boccaccios „Decamerone“ und die vielsagende Lücke zwischen den Worten im Gespräch mit Tom Mustroph

Die Sichtbarmachung des Unsichtbaren

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Es ist, als ob Europa Fuld kurz davor wäre, vor Begierde zu explodieren. Ihre Gefühle und ihr Begehren lassen sich kaum noch kontrollieren. Ihr Innerstes droht zu bersten, also kauert sie sich ganz fest zusammen. Der Körper wird zu einem Bollwerk, das dem in ihr tobenden Sturm der Leidenschaften standhält. ­Lilith Stangenberg ist in diesen Momenten, in denen die Millionenerbin Europa mit sich ringt, kaum zu sehen. Sie versteckt sich ­hinter dem Bar-Tresen auf der linken Seite von Aleksandar Denić’ Monumentalbühne, die dem Spiegelsaal von Clärchens Ballhaus in Berlin nachempfunden ist. Die Kamera rückt ihr zwar auf den zusammengekrümmten Leib. Aber sie entzieht sich deren Blick wie dem des Publikums. Dem bleibt nichts an­deres übrig, als sich auf ihren Monolog zu ­kon­zentrieren. Und der sprudelt nur so aus „Eura“ heraus. Die hochexpressiven Sätze, mit denen Carl Sternheim in seinem einzigen Roman „Europa“ vom sexuellen und politischen Erwachen seiner Titelheldin erzählt, sprengen die Grenzen der Sprache und des bürger­lichen Denkens. Jeder dieser Sätze wird zu einer Waffe, mit der Lilith Stangenberg die starre Ordnung des europäischen Kontinents attackiert. In Sternheims Roman zielten sie auf das sich an Nationalismus und Kriegstreiberei berauschende Europa am Vorabend des Ersten Weltkriegs. In Frank Castorfs Sternheim-Mash-up...

Schauspiel Köln: „Aus dem bürgerlichen Heldenleben“ nach Carl Sternheim. Regie Frank Castorf, Bühne Aleksandar Denić, Kostüme Adriana Braga Peretzki

Köln: Die Maske des Bürgerlichen

„Is my future all in the past“

Unser niederländischer Autor Theo Fransz hat mir die traurige Nachricht überbracht, dass Monika The verstorben ist. Im September 1940, mitten im Zweiten Weltkrieg in Berlin geboren, war sie eine deutsche literarische Übersetzerin, die seit den 1970er Jahren Belletristik, Theaterstücke und Sachbücher aus dem Niederländischen ins Deutsche übertragen hat. Sie war natürlich nicht nur unsere langjährige Übersetzerin, des Theaterstückverlags. Allein auf <a href="http://www.theatertexte.de" target="_blank">www.theatertexte.de</a> finden sich fünfzig Einträge. Nach der Überwindung einer schweren Krebserkrankung vor etwa zehn Jahren litt sie seit Längerem an einem Lungenemphysem, was ihr das Leben nicht gerade leicht gemacht hat.Sie beschritt gerne unkonventionelle Wege, konnte auch sperrig sein, wodurch man es manchmal nicht leicht mit ihr hatte, weder als Autorin noch als Lektorin. Die Qualität ihrer Arbeiten gab ihr aber letzten Endes recht. Da Blessuren beim Übersetzen unvermeidlich sind, galt für sie immer, diese sensibel und sprachmächtig zu minimieren. Es war wundervoll, wie es Monika gelang, den Rhythmus ebenso schön einzufangen wie die Einsprengsel aus Umgangs- und Fachsprache, wenn die Sätze dem Prinzip der Steigerung oder, umgekehrt, der kunstvollen Einschränkung folgten, wenn diese Sätze beweglich waren, ab und an weite Bögen zogen. Monika übertrug präzise nicht nur den Inhalt des Ausgangstextes, sondern auch seine Zwischentöne, die Stillage, Assoziationen und...

Ein Ade an die Übersetzerin Monika The

Empfindsames Ohr

Das Oktoberfest (vulgo: „die Wiesn“), schreibt die Wienerin Stefanie Sargnagel, sei der „größte Fleischmarkt der Welt. Jede Bier- eine Samenbank“. Zur Fleischbeschau lädt im Münchner Volkstheater vor allem die Bühne von Sarah Sassen, auf der sich – vor dem Hintergrund eines Alpenkitschpanoramas, wie man es vom Traditionsfahrgeschäft „Rund um den Tegernsee“ kennt – ein riesiger Hügel wölbt. Bei genauerem Hinsehen entpuppt er sich als überlebensgroßer Bierbauch mit Nabel, aus dem anfangs das fünfköpfige Ensemble kraxelt, kostümiert als Flöhe. Die entsprechende Textpassage – die Schilderung eines Besuchs im Flohzirkus – wird der Abend später nachliefern. Zunächst wirkt dieser Auftritt wie ein ironischer Kommentar auf das quasi parasitäre Verhältnis der Autorin zu ihrem Stoff: So wie sich Flöhe in Filz und Fäulnis wohl­fühlen, ist die Ekelpackung Oktoberfest ein gefundenes Fressen für Sargnagel. Das Bier platze aus der Wiesn aus Backen, es fülle Bäuche, Beine, Brüste und Hoden, berste aus jeder Drüse, kurzum: „Die große Ausscheidung braut sich zusammen.“ Und natürlich geben auch die Menschen, die sich hier im Suff suhlen, ein Bild insektengleichen Gewimmels ab. Stefanie Sargnagel hat für ihr Stück Feldforschung betrieben und ist im Auftrag des Volkstheaters in den Wiesn-Wahnsinn eingetaucht. Dem Vernehmen nach ist sie selbst dabei weitgehend alkohol­abstinent...

Münchner Volkstheater: „Am Wiesnrand“ (UA) von Stefanie Sargnagel. Regie Christina Tscharyiski, Bühne Sarah Sassen, Kostüme Svenja Gassen

München: Grindig grauslich

Autorinnen und Autoren März 2020 / Vorschau

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Was solltest du tun, wenn der FSB bei dir klingelt? Wer eines der umfangreichsten journalistischen „Entschlüsselungsprojekte“ zu Russland mit dieser Frage beginnt, schraubt das Erregungslevel sogleich auf Agentenkrimi-Niveau. In „Der FSB und mein riesiger rosa Schwanz“ berichtet die junge Journalistin Olga Beschlej, wie sie eines Tages von ­einem Mitarbeiter des russischen Inlands­geheimdienstes FSB angerufen wird und sich daraufhin fragt, was nun zu tun sei. Geheimdiensterfahrene Kollegen, so Beschlej, würden einem raten, auf der Stelle in allen sozialen Netzen darüber zu berichten. Diesen Hinweis indes erhält sie erst sehr viel später. In der Zwischenzeit sind bereits einige Telefonate erfolgt, deren Wortlaut auch einem Inspektor-Clouseau-Film entstammen könnte. FSB: „Sie können sich gar nicht vorstellen, mit welchem Genuss ich Ihr Facebook lese. Diese Ironie, dieser Humor.“ – Beschlej: „Im Ernst? Sie lesen mein Facebook?“ – FSB: „Sie haben eine große Zukunft. Sie können uns helfen … Hier, zum Beispiel, am 5. März: ‚Ich will kein Büro-Nerd sein, ich werde jetzt Bond-Girl.‘ Olga Iljinitschna, darf ich Ihr James Bond sein?“ Mit Witz und Charme schildert die Autorin, wie sie im Folgenden wie im Wahn ihre ganze Wohnung ausmistet, um vermeintlich kompromittierendes Material zu vernichten. Erst als sie einen lange verschollen geglaubten Dildo wiederfindet, hält...

dekoder. Russland entschlüsseln 1. Hg. von Tamina Kutscher und Friederike Meltendorf, Matthes & Seitz, Berlin 2019, 335 S., 20 EUR.

Wenn der FSB dreimal klingelt

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Ein Mann liegt in einer Wanne. Sie ist unbewässert. Der Mann, bärtig, strubblige Haare, trägt einen weißen Strickpulli, der seinen ganzen Körper umhüllt. Der Mann ist ein erfolgreicher „Charakterdarsteller“ im Film gewesen, auf dem Höhepunkt seiner Karriere wird er jedoch einen jähen Absturz erleben und schließlich an einem Drogencocktail sterben. Der Mann ist eine von drei exemplarischen Figuren in Anja Hillings Auftrags­arbeit „Apeiron“, die den Umschlag vom scheinbar grenzenlosen Erfolg in den psychischen oder ökonomischen Ruin erleiden. Eine Unternehmerin, die nach einer Affäre erpresst wird, und ein Politiker, dem sexuelle Delikte vorgeworfen werden, kommen hinzu. Diese Informationen muss man allerdings dem Programmheft entnehmen, wo Anja ­Hilling die Biografien der Stückfiguren knapp ­skiz­ziert. Womöglich in Verfolgung des ­„Nicht­identischen“ (Theodor W. Adorno) ver­schmäht es Hillings Text, die biografischen Wendepunkte einfach nachzuzeichnen oder zu illustrieren; er sucht vielmehr an sie an­gelehnte Motive, „Sidekicks“ (Nebenstränge wäre schon zu viel gesagt), die das eigent­liche Geschehen eloquent und sprachverliebt ausschmücken und umhüllen, wie der weiße Strickpulli den unbenannten Schauspieler umhüllt. Leider geht der arme Kerl, gespielt von Jan Viethen, darin auch ein wenig ­ver­loren. Als Person greifbar wird er kaum. Der Text blubbert und quirlt, schäumt und jauchzt, aber er kommt nicht auf den Punkt. Er...

Theater Bonn: „Apeiron“ (UA) von Anja Hilling. Regie Ludger Engels, Bühne Volker Thiele, Kostüme Sibylle Wallum

Bonn: Unendliches Blubbern

Dem Deutschen Theater in Berlin war Alexander Weigel verbunden wie kaum ein anderer. Über fast vier Jahrzehnte, von 1964 bis 2001, stand er als Dramaturg den Regisseuren Adolf Dresen, später Heiner Müller und schließlich Jürgen Gosch zur Seite und prägte mit seiner Arbeit für herausragende Produktionen mehrere wichtige künstlerische Phasen dieses Theaters mit. Weigel ist aber auch für ­seine publizistische Tätigkeit als Autor und ­Herausgeber zu würdigen, die sich oft mit dem Deutschen Theater verband. 1935 in Zwickau geboren und im sächsischen Döbeln aufgewachsen, ging er zum Studium der Geschichte an die Leipziger ­Karl-Marx-Universität, wo er als Gasthörer der legendären Vorlesungen von Hans Mayer und Ernst Bloch 1954 an die Studentenbühne der Universität gelangte, die, von Adolf Dresen auf Anregung Mayers gerade gegründet, später als Poetisches Theater bekannt wurde. Weigel gab auf dieser halbprofessionellen Bühne sein ­Debüt als Schauspieler in „Der eifersüchtige Alte“ von Cervantes, später spielte er auch in Brechts „Furcht und Elend des Dritten Reiches“ in der Regie von Dresen – prägende Jahre im ­Nebeneinander von Hörsaal und Bühne. Nach ersten Stationen als Assistent am Volkstheater Rostock und Dramaturg in Greifswald wurde er 1963 für ein Jahr Redakteur von Theater der Zeit, bevor er ans Deutsche Theater ging...

In Gedenken an den herausragenden Dramaturgen und Publizisten Alexander Weigel

Dramaturgie in Jahrhundertbögen

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Thomas Freyer, Ihr neuestes Stück „letztes Licht. Territorium“ wurde im Februar am Schauspielhaus Düsseldorf uraufgeführt. Inhaltlich erinnert es an „kein Land. August“ von 2017. Gibt es eine kontinuierliche Auseinandersetzung, die von dem einen Stück zum anderen führt? In diesem Fall ja. Ich hatte nach den Aufführungen von „kein Land. August“ in Dresden relativ schnell das Gefühl, dass dieses Thema noch nicht auserzählt ist. Es war anfangs vor allem eine Frage des Blickwinkels. Während sich die Hauptfigur bei „kein Land. August“ auf eine Suche begibt, die sie zur Flucht bewegt, werden die Bewohner in „letztes Licht. Territorium“ durch das Ziehen einer neuen Grenze und Mauer, ohne dass sie sich fort­bewegen, zu Ausgeschlossenen, obwohl sie einmal völlig selbstverständlich dazugehörten. Aber es war tatsächlich das erste Mal, dass sich inhaltlich und formal eine solche Weiterführung angeboten hat, auch wenn noch andere Arbeiten zwischen diesen beiden Texten lagen. Für mich zeigen sowohl „kein Land. August“ als auch „letztes Licht. Territorium“ wie keine ­anderen mir bekannten Gegenwartsstücke die fundamentale Tragödie der „Über­flüssigkeit“ ganzer Bevölkerungsgruppen in unserer Zeit. Sie werden als wertlos erachtet, werden ausgestoßen und zum Objekt militärischer und polizeilicher Kontrolle. Diese Realität spielt im Theater selten eine Rolle, Sie nehmen sich ihrer an. Wieso?...

Der Dramatiker Thomas Freyer über sein Stück „letztes Licht. Territorium“ im Gespräch mit Jakob Hayner

Die Architektur der Macht und die Ausgeschlossenen

Herr Luppa, Sie sind vermutlich der dienst­älteste kleinwüchsige Schauspieler im deutschen Stadttheater. Wie kamen Sie zur Bühne? Ich war Zahntechniker und dachte mir, es gibt einen höheren Grund, warum ich als kleiner Mann auf die Welt kam. Petrus hätte mir eine Aufgabe gegeben, die ich aber erst finden müsse. Als Kind hatte ich mir vorgestellt, dass Gott die Kinder zusammenbaut, aber auch manchmal gern feiert – sodass auch mal was schiefgeht, ein Arm zu wenig oder wie bei mir das Ganze zu kurz. Was mache ich damit? Umtauschen geht ja nicht, und der Kopf beschäftigt sich damit, was mit dem Körper darunter ist. Ich begriff, dass ich diese Situation zur Einheit bringen musste. Auch wurde mir klar, dass ich mich in dem Zahnlabor vor der Gesellschaft versteckte und nur so tat, als wäre alles normal. In einer Zeitschrift aus dem Wartezimmer las ich über einen kleinwüchsigen Mann, der im Theater gelandet war. Das war für mich wie ein Signal. Ich schrieb ihm, aber er antwortete nicht, vielleicht weil er in mir einen möglichen Konkurrenten sah, denn seine Geschichte war ja so einmalig damals. Ich bewarb mich bei Agenturen, dann auch bei den staatlichen Schauspielschulen. Die Antwort war fast immer gleich:...

Was macht das Theater, Peter Luppa?

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Sylvia Sasse, die russische Föderation steht vor einer Verfassungsreform. Angetrieben werden die Veränderungen von Wladimir Putin, der seit zwei Jahrzehnten die zentrale Person der russischen Politik ist. Wie kommt es dazu? Und welche Auswirkungen könnten die Reformen haben? Es ist auf den ersten Blick nicht klar, was die Verfassungsreform bewirken soll. Während Putin in einer Rede den Vorrang der Verfassung betont hat, ist der konkrete Änderungsvorschlag das Gegenteil: Der Präsident wird gestärkt. Laut der Rechtswissenschaftlerin Caroline von Gall zielt die von Putin verkündete vermeintliche Stärkung der Verfassung darauf ab, die Verfassung „als Faktor der Regimelegitimation“ zu nutzen. Man fragt sich, inwiefern Putin versucht, auch nach 2024 an der Macht zu bleiben. Relevant wird die von Putin betonte Stärkung der Verfassung, weil ihr Vorrang vor dem Völkerrecht gegeben wird, wie das Verfassungsgericht bereits 2015 verdeutlichte. Dadurch wird die Europäische Menschenrechtskonvention in Russland irrelevant. Der damals wenig bekannte Putin wurde Ende der turbulenten 1990er Jahre Präsident. Privatisierungen, Verelendung und gewaltsame Konflikte waren für viele Menschen prägende Erfahrungen dieser Zeit, wie es Swetlana Alexijewitsch in ihrem Buch ­„Secondhand-Zeit“ schildert. Gleichzeitig kamen die „neuen Russen“ auf, ein Netz von Oligarchen. Welche gesellschaftlichen Kräfte stützen bis heute den Aufstieg Putins? Wie man die neunziger Jahre...

Den Westen und Russland gibt es nicht mehr – Die Slawistin Sylvia Sasse über den neuen russischen Autoritarismus und die Auswirkungen auf die Kunst im Gespräch mit Jakob Hayner

Neue Allianzen

Es entbehrt nicht einer gewissen Ironie, dass für den Auftakt der Jahrestagung der Dramaturgischen Gesellschaft (DG) etwa zweihundert fast ausschließlich weiße Menschen aus der deutschsprachigen Theaterlandschaft im kolonialen Prunkfoyer Lully der 1840 eröffneten Oper Gent zusammenkommen, um über strukturelle Zugangs- und Ausschlussmechanismen des Systems Stadttheater nachzu­denken. Dass das deutsche Stadt- und Staatstheatersystem in vielerlei Hinsicht reformbedürftig ist, ist spätestens seit der so­genannten „Stadttheaterdebatte“ im öffentlichen Bewusstsein. Der engagierten Arbeit von Pro Quote Bühne oder dem ensemble-­netzwerk ist es zu verdanken, dass sich in Sachen Geschlechtergerechtigkeit, verbesserter Vertrags- und Arbeitsbedingungen sowie im Hinblick auf die Durchsetzung von Antidiskriminierungsmaßnahmen derzeit wirklich etwas bewegt. Mit dem Titel „Common. Allies, Activists and Alternatives in European Theatre“ signalisierte die DG dann auch ihre Absicht, im europäischen Maßstab Impulse für die Gestaltung des Umbaus der Institution Stadttheater zu sammeln. Zwei mögliche Impulsgeber sind das NT Gent und die Opera Ballet Vlaan­deren, die die diesjährige Tagung mitinitiiert und mitfinanziert haben. Milo Rau startete 2018/19 mit dem Genter Manifest die institutionelle Erprobung eines „Stadttheaters der Zukunft“, das Strukturen von Stadttheater und freier Szene verbindet und als Landesbühne gleicher­maßen für die Region wie auch für ein internationales Publikum Theater macht. Es brauche in der Zukunft „globale, postnationale Institutionen“, so...

Die Jahrestagung der Dramaturgischen Gesellschaft in Gent diskutierte den Umbau der Institution Stadttheater als Commons

Ist Theater ein Gemeingut?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Blick in die Zaubermaschine

Als Intendantin Carena Schlewitt vor rund zwei Jahren ans Europäische Zentrum der Künste Hellerau verpflichtet wurde, schwang die Idee eines Festivals russischer Gegenwartskunst bereits mit. Die beiden Wochen im Januar zeigten nun, dass es dafür in Dresden tatsächlich ein interessiertes Publikum gibt: Die Vorstellungen waren weitgehend ausverkauft. Vertreten waren neben neugierigen Theaterprofis, Russlandfreunden oder Einwanderern auch erstaunlich viele junge und gar nicht mehr Russisch sprechende Besucher, die vor allem Vorstellungen vor der spätabendlichen „Russendisco“ belebten. Doch auch bei den mit der Sowjetunion vertrauteren ehemaligen DDR-Bürgern bleibt das Gefühl einer Terra incognita, eines geheimnisvollen Riesen im Osten. Der schillert in Facetten vom Zarenreich über die Sowjetunion bis zum heutigen Putinismus, vermischt mit den Einflüssen und Verheißungen eines westlichen Hedonismus. Carena Schlewitt und Kurator Johannes Kirsten haben für das Karussell-Festival nicht nur die beiden Metropolen Moskau und Sankt Petersburg bereist, sondern auch Kasan oder Nowosibirsk, um sich ein Bild vor allem der performativen zeitgenössischen Kunst Russlands zu machen. Was sie für die beiden Hellerauer Festspielwochen ausgewählt hatten, ließ bewusst kein homogenes Bild entstehen. Das gilt sowohl für die ästhetische Vielfalt als auch für die regional unterschiedlichsten Arbeitsbedingungen vor allem freier Theater in Russland. In Hellerau wagten einige etwas mehr, als sie zu...

Das Karussell-Festival im Europäischen Zentrum der Künste Hellerau in Dresden zeigte vielfältige Positionen zeitgenössischer russischer Kunst

Terra incognita?

Partitur der Geräusche

1 (zwischen den Hütten) ZAUDA Verlass ist auf den. Wie ichs gesagt hab. MAGEL Verlass? Auf den? Auf dein Wort, Zauda. Wie immer. ZAUDA Also. Auspacken, Freunde. BYOSCH Auspacken. MAGEL Jawohl. ZAUDA (zu Ander) Du? Schon wach? ANDER Wach. Ja. Vielleicht. Ist manchmal gar kein Unterschied. ZAUDA Ach. MAGEL Ganz matt. Junge. Siehst du aus. ANDER Ist zäh. Manchmal. Wenns Licht angeht. Plötzlich. Wenn einer die Sonne ranmacht. Einfach so. Da oben. An den Himmel. BYOSCH Wie du immer sprichst. ZAUDA Wie eine Katze. Sag ich euch. Dieser Bainz. Schleicht sich nachts um die Hütten. Alter Hund. Und stellt die Kisten in den Sand. Auf ­Socken, sag ich. Macht der das. Auf Socken, wenn alles pennt. MAGEL Bainz. Ja. Der. Nichtsnutz. ZAUDA Er bringt uns, was wir brauchen. ANDER Ich brauch den nicht. ZAUDA Red nicht so, sag ich. Über deinen Vater. Wären längst weg. Ohne ihn. Längst verreckt. ANDER Der. Und sein Protokoll. Wenn da nicht steht, alle tot. Ja, dann leben wir wohl noch. ZAUDA Bist sein Sohn. BYOSCH Wenn schon. ZAUDA Du hältst den Mund. ANDER Wenn ich von drüben käme. Mit meinem Gesicht. Der würde mir die Hand geben. Freundlich. Und fragen,...

letztes Licht. Territorium

Unter Beobachtung

Dass die Deutschen die Russen gelegentlich auf eine arrogante Weise übersehen haben, wenn es um ihren Beitrag zur Aufklärung geht (auch jener romantischen über die Grenzen von Aufklärung!), ist nicht neu. László F. Földényi hat in seinem Essay „Dostojewski liest Hegel in Sibirien und bricht in Tränen aus“ anhand einer prägnanten Szene durchgespielt, wie der Osten immer erwartungsvoll nach Westen schaute, der Westen aber eher selten mit gleicher Erwartung zurück. Fjodor Dostojewski wurde 1849 wegen seiner Nähe zum Kreis der Sozialrevolutionäre um Michail Petraschewski zum Tode verurteilt. In diesem Kreis vereinigten sich die Ideen der französischen Aufklärer des 18. Jahrhunderts mit denen des utopischen Sozialismus, des deutschen Idealismus sowie mit sozial­kritischen Positionen von Publizisten wie W. G. Belinski und ­Alexander Herzen. Aber auch slawophil-romantische Autoren wie Alexander Puschkin, Nikolai Gogol und Michail Lermontow spielten hierbei eine Rolle. Das politische Hauptziel dieses Reformkreises war die Abschaffung der Leibeigenschaft und eine Alphabetisierung des Volkes. Doch diese Aktivitäten wurden – im Zusammenhang mit den bürgerlichen Revolutionsbewegungen in ganz Europa von 1848 – als Angriff auf die Ordnung im Zarenreich verfolgt. Am 22. Dezember 1849 führt man Dostojewski zur Hinrichtung, legt ihm das weiße Totenhemd an und lässt das Erschießungskommando aufmarschieren. Das Todesurteil wird...

Russland zwischen Osten und Westen

Slawophil oder europäisch?

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Eigentlich wollten wir Kirill Serebrennikov in Berlin treffen. Doch der russische Regisseur sitzt nach wie vor aufgrund eines vom russischen Staat gegen ihn geführten Gerichtsverfahrens in Russland fest. Nichtsdestotrotz ist er unter Hochdruck dabei, in Moskau seine neueste Produktion vorzubereiten, die am 8. März am Deutschen Theater in Berlin Premiere feiern wird: Giovanni Boccaccios „Decamerone“. Vor dem Hintergrund nicht nur innen-, sondern auch außenpolitischer Machtverschiebungen in Russland haben wir diese...

Neuerscheinungen im Verlag