Aalen Theater G. Dreßler/n. M. Netenjakob: Macho Man (W. Tobias, 03.10.); S. Ecer: Am Rand (T. Brüggemann, 04.10., DSE); N. Dirisamer/n. W. Erlbruch: Ente, Tod und Tulpe (P. Jenni, 05.10.) Annaberg-Buchholz Eduard-von-Winterstein-Theater G. Theobalt/n. G. Guareschi: Don Camillo und Peppone (A. Ingenhaag, 05.10.) Augsburg Theater H. v. Kleist: Michael Kohlhaas (R. Anaraki, 04.10.); T. Williams: Die Katze auf dem heißen Blechdach (M. Fontheim, 05.10.) Baden-Baden Theater W. Shakespeare: Ein Sommernachtstraum (P. Drescher, 03.10.); R. W. Fassbinder: Angst essen Seele auf (L. Huonker, 17.10.) Bamberg E. T. A.-Hoffmann-Theater G. Hauptmann: Rose Bernd (M. Steinhardt-Unselt, 11.10.); H. v. Kleist: Penthesilea (R. Friese, 18.10.) Basel Kaserne N. Sheinfeld/O. Laor: Two Room Apartment (N. Sheinfeld/O. Laor, 16.10.) Bayreuth Studiobühne Y. Reza: Der Gott des Gemetzels (R. Moebus, 24.10.) Berlin Ballhaus Naunynstrasse N. Öziri: Vorhaut (M. Bezar, 07.10., UA) Brotfabrik Bühne N. Gospodarek/S. Henke: Ein Stück Glück (S. Henke, 04.10., UA); W. Schnurre: Bruno und der Weihnachtsbaum (K. Schubert, 19.10., UA); M. Sendak: Wo die wilden Kerle wohnen (N. Reinmöller, 26.10.) Deutsches Theater G. Büchner: Woyzeck (S. Hartmann, 03.10.); D. Greig: Monster (S. Solberg, 24.10.) Grips Theater T. Ahrens: Sturm und Wurm fahren an die Ostsee (J. Mondalski, 12.10., UA) Maxim Gorki Theater n. F....

Oktober 2014

Premieren

Das Bild, mit dem man Heiner Müllers Werk von heute aus vielleicht am besten charakterisieren kann, findet sich, nicht überraschend, in einem seiner Stücke selbst, nämlich in „Traktor“: ein Feld, in dem noch immer die Minen vergraben liegen, die die Älteren der nachgeborenen Generation als ein Erbe hinterlassen haben, das nicht angetreten werden kann. Das Problem ist: Will man Kartoffeln haben, dann muss man das Erbe trotzdem an- und das Feld betreten. Wer aber will schon auf einem Minenfeld „ackern“, wer die Furchen ziehen? Wer will sich beim Lesen (und Theresia Birkenhauer hat in einer wunderbaren Lektüre des Stückes das rumpelnde Traktorfahren in der Tat als Chiffre für das Lesen entziffert) von den vergrabenen Minen einer Vergangenheit zerreißen lassen, die man auf der Oberfläche schon seit Längerem für passé hält? Die Frage stellt sich umso vehementer, als wir uns ja seit geraumer Zeit inmitten einer gewaltigen medialen und technologischen Verschiebung befinden, in der Texte weniger gelesen als vielmehr, bei stark minimierter Zerreißungsgefahr, gescannt werden – eine Verschiebung, von der bei genauem Hinsehen allerdings auch schon Müllers „Traktor“ spricht, wo am Schluss das „Kolonnenpflügen“ erfunden wird: eine Technik, mit der man eine ganze Armada von Traktoren über den Minenacker schicken kann,...

Heiner Müller wappnet gegen einen Zeitgeist, der alles zu einer einzigen Gegenwart verschmelzen will

Daily News nach Müller

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Das ist keine weitere (und vielleicht überflüssige) Weltgeschichte des Theaters, die in den Bücherregalen der theaterwissenschaftlichen Institute einstaubt, das ist nicht einmal eine Geschichte des Theaters von Schlingensief bis Aischylos (Aischylos also, der erste Wortgeber, der Urahn; und Schlingensief, das sterbende Kind), es sind vielmehr Geschichten vom Theater von Schlingensief und einigen anderen. Ist auch gut so. Das Buch ist eine Sammlung von Essays, von Erinnerungen, von Porträts, von Reiseberichten, von Ausflügen in die Geschichte des Welttheaters. Es ist eine Liebeserklärung an das Theater, es ist eine Anklageschrift gegen seine Sinnentleerung und Veralltäglichung, es ist eine Bestandsaufnahme (ein Grundvertrauen ist verloren gegangen: dass die Leute vom Theater wissen, was sie tun und warum sie es tun). Es ist alles in allem eine sehr persönliche, höchst subjektive und nicht emotionslose Textsammlung des 1959 geborenen gegenwärtigen Kulturchefs des Berliner Tagesspiegels. Das Buch enthält feine Texte über die Antike, über Shakespeare und Molière, über Ibsen, Strindberg und – den leider zu wenig bekannten – Pirandello, über Theater und Tanz in der Dritten Welt, über die Auswärtsspiele des Grips Theaters und Gotscheffs „Perser“ am Deutschen Theater Berlin – einen der letzten Großen des Gegenwartstheaters –, und es gibt eine Müller-Hommage – auch rückwärts gelesen...

Rüdiger Schaper: Spektakel. Eine Geschichte des Theaters von Schlingensief bis Aischylos, Siedler Verlag, München 2014, 352 S., 24,99 EUR.

Keine Theatergeschichte

Das naive Sehen ist wie ein goldenes Zeitalter, das unwiderruflich hinter uns liegt. Darum diese Melancholie im Theater der Bilder, das Katie Mitchell perfektioniert. Alles soll durchsichtig sein; nichts vom technischen Apparat, der nötig ist, wird verborgen – um am Ende dann doch wieder jene Faszination zu erzeugen, durch die Kunst erst zu wirken vermag. Aber nun unter offensivem Einschluss all der Bedingungen ihrer Hervorbringung. Vor allem sind es Kameras, gleich mehrere Teams, die als Schaltstationen zwischen Innen und Außen agieren. Die Gefahr, dass die Schauspieler in diesem multimedialen Konzept zu bloßen, nur verschieden zu reproduzierenden Bildvorlagen degradiert werden, liegt da nahe. Wozu also noch die Bühne, das Spiel vor Publikum, wenn ein Großteil des Abends wie ein live produzierter Kinofilm wirkt, der auf großer Leinwand zu sehen ist? Aber das Besondere an Katie Mitchells bisherigen Arbeiten an der Schaubühne, vom Sommersonnenwende-Trieb-Arrangement „Fräulein Julie“ bis zum Depressionsstück „Die gelbe Tapete“, ist, dass es ihr gelang, die technische Mobilmachung wieder organisch ins Spiel einzufügen. Man sieht den Apparat, der für jede dieser Aufführungen nötig ist, aber er wirkt erstaunlicherweise nicht fremd, schon gar nicht entfremdet. Dass sie durchaus in der Lage ist, mit spartanischen Mitteln Theater zu machen, zeigte sie beim...

Schaubühne: „The Forbidden Zone“ (UA) von Duncan Macmillan. Regie Katie Mitchell, Videoregie Leo Warner, Bühne Lizzie Clachan, Kostüme Sussie Juhlin-Wallén

Berlin: Die langen Schatten

Es hätte ihn auch in die Banlieues von Paris verschlagen können. Als angehender zweisprachiger Ethnologe hätte er die Vorort-Wut seziert und dokumentiert. Als Sachsen im vergangenen Jahr in den Wassermassen unterging, machte er sich einen Sommer lang auf den Weg, um mit den Betroffenen der Flutkatastrophe zu sprechen. Sergej Lubic, groß geworden in Neukölln, Ecke Tempelhof, spielt seit seinem 12. Lebensjahr Theater. Sein kreatives Leben verläuft aber seit jeher zweigleisig – auch wenn ihm auf beiden Seiten immer gesagt wird, er müsse sich entscheiden. Neben dem Theater ist er Musiker und Teilzeitrapper und legt in seinen Texten scharfzüngig, eloquent und humorvoll den Finger auf unsere Wohlstandswunden. In seinem Text „Hasenfuß“ rollt Lubic, der sich als Musiker Sir Serch nennt, die Geschichte von der Flucht seiner Eltern aus Tschechien auf. Mit einer Plastiktüte und „42 Mark Schulden“ kamen die beiden mit Anfang 20 nach Deutschland. Das beeindruckt und leitet ihn. Politisiert durch frühe Arbeiten an der Berliner Volksbühne und die Schauspielausbildung an der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“, ist Lubic es gewohnt, zu forschen und zu fragen. Noch während der Schauspielschule spielte er in Leander Haußmanns Inszenierung von „Der kleine Bruder“ nach Sven Regener und an der Seite von Samuel Finzi...

Der Oberhausener Schauspieler Sergej Lubic gibt sich einer lyrischen Melancholie hin

Der Finger auf der Wohlstandswunde

Eine Frau lehnt von außen am geöffneten Fenster eines dunklen Mercedes, man sieht nur ihre langen Beine, die in roten Overknee-Stiefeln verschwinden … Das Bild ist eindeutig – und es ist nicht das des Kindermädchens, das den Maxi-Cosi auf dem Rücksitz einer Familienkutsche zurechtruckelt. Obwohl beide, Nanny wie Prostituierte, mit ihren beruflichen Tätigkeiten im Dienstleistungsgewerbe gar nicht so weit voneinander entfernt sind, ist es nicht diejenige, deren Ware schlichtweg Sex ist, die gesellschaftlich akzeptiert wird – sondern die andere, die den Prototyp der reinen und wahren Liebe verkauft: die der Mutter zu ihrem Kind. Pinke Bettwäsche auf oller Matratze, schmutzige Wände. Das Blattgrün neben dem Nachttisch hat auch schon bessere Tage gesehen. „Zu Hause ist’s schöner“, stellt die Performerin fest. Für den Kunden sieht es so aus, als befände sich Liad Hussein Kantorowicz in einem zwar trostlosen, aber doch immerhin in einem Zimmer. Dabei streichelt sie ihre Brüste auf offener Bühne. Zwischendurch bekommt sie Regieanweisungen: „Ein bisschen weiter links“, „Vorsicht, man sieht das Mikro.“ Während sie sich auf den Hintern klatscht oder ihr Dekolleté befächert, schaut nicht nur das Publikum vom Bühnenrand aus zu, sondern auch eine unbestimmte Anzahl von Männern, die, anonym, am anderen Ende der Webcam sitzen, in...

Das Internationale Sommerfestival auf Kampnagel in Hamburg rückt Sexarbeit ins Zentrum und schafft damit Räume zur Selbstpräsentation

Die Hurentherapie

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Jakob Nolte, Michel Decar, euer erstes gemeinsames Stück „Helmut Kohl läuft durch Bonn“ wurde in der vergangenen Spielzeit am Theater Bonn uraufgeführt. War das eine Auftragsarbeit? Michel Decar: Nein, das dachte jeder, da es ja so schön passend ist. Und auch, weil eine Widmung im Text steht, „Für Bonn“, damit war aber möglicherweise unser Freund und Kollege Bonn Park gemeint. Jakob Nolte: Eine Auftragsarbeit zu diesem Thema hätten wir sicher abgelehnt. Man wirft unserer Generation ja oft vor, sie sei geschichtlich desinteressiert und politikverdrossen, dafür aber umso erlebnisorientierter und amüsierfreudiger. – Und dann beschäftigt ihr euch mit Helmut Kohl in Bonn. Warum? Decar: Uns ist aufgefallen, dass kein einziges Stück über Helmut Kohl existiert. Über Hannelore Kohl gibt es bestimmt zwölf, aber keines über Helmut Kohl. Das ist seltsam. Wir hatten also zufällig diese Idee und waren zufällig zu zweit und dann dachten wir: Jetzt muss es auch raus. Wir haben dann den geschichtshistorischen Ansatz gewählt, das Stück ohne Recherche zu schreiben. Was weiß man so über Helmut Kohl? Man hat irgendwelche Tagesschau-Erinnerungen an ihn, Zeitungserinnerungen, Bilder, natürlich Erzählungen von den Eltern. Nolte: Der große Mann aus dem Bundestag. Natürlich gab es da für uns auch noch den Aspekt der...

Das Autorenduo Nolte Decar fragt mit seinem Stück „Das Tierreich“ danach, worauf angesichts globalpolitischer Katastrophen die persönliche Freiheit fußt. Ein Gespräch mit Mirka Döring

Eis am Stiel und tausend Tote

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

Münchner Kammerspiele: Klamauk und Katastrophe

Berliner Ensemble: Umsturzphantasien mit KI

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Dies ist ein Buch in vier Akten. Gartengespräche über das Theater im Allgemeinen und das Peter Handkes im Besonderen. Die ersten beiden Male saß man bei Ulla Berkéwicz hinterm Haus, dann bei Peter Handke in Chaville bei Paris. Im September geht das. 200 Seiten sind so entstanden, wohl auch dank des Septembers. Gartengespräche im November wären vermutlich kürzer ausgefallen. Wortverliebt bis zur virtuosen Ausdrucksbesessenheit auch im Gesprochenen sind sie beide. Thomas Oberender unterhält sich mit Peter Handke über das Schweigen, die unabdingbaren Pausen, die man machen muss, damit aus Sprechen nicht Geschwätz wird. Handke wiederum spricht mit Oberender, weil dieser mehr als nur ein Stichwortgeber für jene Worterforschung ist, in der er sich selbst seit einem halben Jahrhundert ebenso erfolgreich offenbart wie verbirgt. Ja, es ist ein Akt einvernehmlicher Unio mystica! Da brauchen sich zwei für das gemeinsam gewollte Unternehmen der Verwandlung von Konversation in dialogische Poesie, die nicht ohne Posen auskommt – und hassen sich vermutlich gewiss genau deswegen, weil dies in der hier betriebenen Verdopplung nun für niemanden, selbst den zeitgeistigsten Meinungsmacher nicht, mehr zu übersehen ist. Entzaubern sie sich dabei, so im spätsommerlichen Garten als hermeneutisches Duo über die Grenzen des Aussprechbaren hinweg raunend? Eigentlich nicht. Dazu...

Peter Handke, Thomas Oberender: Nebeneingang oder Haupteingang? Gespräche über 50 Jahre Schreiben fürs Theater. Suhrkamp Verlag, Berlin 2014, 199 S., 20 EUR.

Garten des Jahrhunderts

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

Thomas Melles Roman „3000 Euro“ entwirft ein überraschendes Szenario der Selbstermächtigung von gesellschaftlichen Randexistenzen. Auch wer keinen Besitz mehr hat, verfügt noch über Werkzeuge. Zumindest über Instrumente der Selbstinszenierung und Selbstillusionierung. In dem auf der Longlist für den Deutschen Buchpreis geführten Roman „3000 Euro“ lockt Melle in jene schummrigen Bereiche, in denen sich Selbstwahrnehmung und Fremdwahrnehmung überlagern und wo Wachbewusstsein und Schlafbewusstsein miteinander wilde Pirouetten drehen. Der Anfang ist eine Wachtraumübung. Anton, ein Obdachloser mit Sozialarbeiteranschluss, hält auf seinem Schlafplatz nahe einem Supermarkt die Augen geschlossen, solange es geht. Er dehne das Dämmern aus, stauche und modelliere den Traum, verdünne das Bewusstsein, schreibt Melle. Anton will noch nicht in der Wachwelt der anderen als gescheiterter Student, Versager, Schuldner auftreten. Seine 3000 Euro Hauptschulden geben dem Roman auch den Titel. Diese Fehlsumme wird gespiegelt in dem Honorar, das die Supermarktkassiererin Denise als Darstellerin bei einem Pornodreh verdiente. Befänden wir uns noch in den Erzählmodi der Traumfabrik, würde das Haben der einen das Soll des anderen ausgleichen, zumal beide sich einander zärtlich nähern. Im Post-Hollywood-Zeitalter weiß Denise um diese Option. Sie wählt sie aber nicht – und die zwei Seelen driften wieder voneinander weg. In diese Drift integriert Melle Beobachtungen über das...

Literatur: Am Sein tunen

Herr LaBute, Ihre Stücke betrachten häufig das Menschliche. Ist es einfacher, politische Themen in dieser Verkleidung zu verkaufen? Mein politisches Schlachtfeld sind immer die Leute. Es geht um sexuelle, persönliche Politik. Einzig auf diesen Gebieten werden Sie mich als politischen Autor erkennen. Wenn man europäischen Dramatikern begegnet, dann scheinen sie einen globaleren Sinn ihrer Arbeit zu besitzen. Diese Autoren spüren eine Verantwortung, besitzen sogar ein Schuldbewusstsein, wenn sie nicht in...

Langfassung des Gesprächs mit Neil LaBute

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Frau Blonzen, Herr Hausmann, für die deutsche Theateröffentlichkeit ist die Diskussion über Blackfacing und strukturellen Rassismus relativ neu. Wann haben Sie Erfahrungen damit gemacht? Elizabeth Blonzen: Ich war in Wuppertal gerade Ensemblemitglied geworden, Mitte der neunziger Jahre, und in der ersten Woche kam ich in die Kantine – und die war voll mit schwarz geschminkten Statisten. Ich kam mir vor wie in der Leprahöhle in „Der Tiger von Eschnapur“. Es stellte sich heraus, dass sie „Herrenhaus“ von Thomas Wolfe probten, ein Südstaatendrama mit vielen Sklaven. Der Sklave, der ein Lied singen sollte und fast keinen Text hatte, wurde mit einem schwarzen Kollegen besetzt, während der Hausangestellte, der eine größere Rolle mit viel Text hatte, von einem weißen Kollegen gespielt wurde, der schwarz geschminkt war. Wurde Ihnen schon mal nahelegt, sich selbst anzumalen? Blonzen: Ich habe oft schwarze Afrikanerinnen gespielt, was eigentlich heißt: Bewohnerinnen verschiedener Nationen. Man spielt ja auch keine Europäerin, sondern eine Griechin oder Französin. Schwarz ist für die aber immer einfach Afrikanerin. Ich musste mich nie schwärzer schminken. Ich verurteile Blackfacing dennoch. Ich finde es nicht schlimm, wenn Leute sich schwarz, weiß, gelb, rot, grün anmalen, aber was beim Blackfacing zusätzlich an schauspielerischen Mitteln verwendet wird, sagt mir,...

Die Schauspielerin und Autorin Elizabeth Blonzen und der Schauspieler Ernest Allan Hausmann im Gespräch mit Matthias Dell

Anders geht’s ja nicht!

So grandios hat es sich niemand vorgestellt. Es war ja eine ebenso kühne wie phantastische Idee: die Sequenzen, die Rhythmen, die Geräusche einer Arbeitsschicht im Bochumer Opelwerk in einem achtstündigen Konzert „darzustellen“ – gewissermaßen abzubilden und zu überhöhen. Im Dezember dieses Jahres wird das Werk endgültig schließen; 3200 Beschäftigte sind davon betroffen. 320 (Laien-)Musiker aus Bochum spielten einen Arbeitstag lang, von 15 bis 23 Uhr, auf der Bühne und im Foyer des Schauspielhauses das Werk, das der amerikanische, in Berlin lebende Klanginstallateur und Komponist Ari Benjamin Meyers geschaffen hat, Titel: „Just in time, just in sequence“ – in Anspielung auf den Produktionsmodus in einer Autofabrik. Anders als ein langer Werksarbeitstag, der vermutlich vor allem in Erschöpfung mündet, hatten am Ende dieses Tages die Beteiligten sich nicht nur verausgabt, sondern sich in eine Euphorie gesteigert, die sich auf die Zuhörer physisch übertrug. In den letzten fünf Minuten schwiegen die Trommeln, die Gitarren, nur noch der A-cappella-Gesang des Chores, vom Komponisten dirigiert, war zu hören. Dann, Punkt 23 Uhr, ertönte eine Sirene, auf dem Screen erschien das Wort „Feierabend“. Stille – und frenetischer Jubel. Es war ein unvergesslicher Augenblick – man müsste in diesem Fall vielleicht ein eigenes Wort erfinden: ein Ohrenrausch...

„This is not Detroit“ von Schauspielhaus und Urbane Künste Ruhr fragt, wie es ohne Opel in Bochum weitergehen wird

Schichtwechsel

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Festivals gelten gemeinhin als Unterbrechung im Jahreskalender – als herausgehobene Tage, die Sonderzeiten im Jahr schaffen: lange Nächte, Tage oder gar Wochen, die eine Art Stromschnelle im kontinuierlichen Ereignisfluss des Kulturlebens bilden. Im Festival fokussiert sich das vielfältige Geschehen plötzlich auf einen klar benannten Schwerpunkt hin. Mehr noch: Im Festival erobert sich das Spielgeschehen oft neue, ungewohnte Räume. Die Erlebnisform von Kunst ändert sich, die Zusammensetzung des Publikums, aber auch unser Begriff und Kenntnisstand von Kunst wird erweitert. Festivals dienen dem Austausch, das zuallererst, und haben mindestens zwei implizite Versprechen: das konzeptionell und ästhetisch Außerordentliche zum einen und eine gemeinschaftsbildende Funktion zum anderen. Festivals bilden die kontinuierliche Ausnahme von der Regel, wenn man als Regel die saisonalen Programme der Orchester- und Theaterhäuser nimmt. Obgleich das Phänomen „Festival“ neu wirkt, sprach man bereits in den Jahren nach dem Ersten Weltkrieg von einer Festivalschwemme. Ich vermute, dass die großen Festivalgründungswellen mit historischen Zeiträumen korrelieren, die von der Diversifizierung politischer Mächte und dem Entstehen neuer sozialer Ordnungen geprägt sind. Viele der heute „klassischen“ Festivals – damals vor allem als Festspiele gegründet – sind in den Jahren nach dem Ersten und Zweiten Weltkrieg entstanden, so etwa die Salzburger Festspiele und Breisach, ab den 1940er...

Der Intendant der Berliner Festspiele erinnert daran, was Festivals anderen Produktions- und Präsentationsformen voraus haben

Explosionsmotoren oder Warum Festivals?

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Die Schauspielerin und Autorin Elizabeth Blonzen und der Schauspieler Ernest Allan Hausmann über afrodeutsche Erfahrungen im Theater und die Frage, was Blackfacing über eine Gesellschaft sagt im Gespräch mit Matthias Dell Für die deutsche Theateröffentlichkeit ist die Diskussion über Blackfacing und strukturellen Rassismus relativ neu. Wann haben Sie Erfahrungen damit gemacht? Elizabeth Blonzen: Ich war in Wuppertal gerade Ensemblemitglied geworden, Mitte der neunziger Jahre, und in der ersten Woche kam...

Jetzt ist alles politisch

Junge Hoffnung

„Ilse, 5208! Janko, 26! Hans-Peter, 337!“ – nur wer dem besonnen strahlenden Herrn in Weiß an der Schwelle zum TamDrei seinen Namen verrät, darf eintreten. Dicht an dicht auf den Zuschauerbänken der kleinsten Spielstätte des Bielefelder Theaters platziert, ist man bei der Uraufführung von David Gieselmanns Stück „Die Oppelts haben ihr Haus verkauft“ in Christian Schlüters Inszenierung sowohl Publikum als auch zahlendes und zahlenmäßig erfasstes Mitglied im Kreis der „Spirifitäre“. So nennt Laura Ambrosia Gudmund (Doreen Nixdorf) die zu ihr pilgernden Sinnsuchenden – und das sind wir heutzutage ja alle irgendwie. Lauras Blick verspricht Heilung des spirituellen Defizits. Übergeordnetes Ziel ihrer Bewusstseinsarbeit ist das Eintauchen in den „Ob-Raum“. In dem Sinne: Willkommen zur Gruppentherapie, willkommen im Theater! Interessanterweise hat der Titel dieses Auftragswerks von David Gieselmann wenig mit dessen Inhalt zu tun. Auch der ursprüngliche Arbeitstitel „Die schreckliche Finanzkrise“ wäre irreführend gewesen. Zwar lernt man im Verlauf Pia (Katharina Solzbacher) kennen, eine bornierte Egozentrikerin mit Hang zum American Way of Life, die Lauras Nähe sucht und deshalb mit Tom, dem Zwillingsbruder ihres Exmannes Ted (beide: Thomas Wehling), in deren Nachbarschaft, ins Haus der Oppelts, zieht. Und es gibt da noch Ödipussi Peter Gudmund (Guido Wachter), der seiner Frau, ach nein,...

Theater Bielefeld: „Die Oppelts haben ihr Haus verkauft“ von David Gieselmann (UA). Regie Christian Schlüter, Ausstattung Jochen Schmitt

Bielefeld: Im Ob-Raum

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Herr LaBute, Ihre Stücke betrachten häufig das Menschliche. Ist es einfacher, politische Themen in dieser Verkleidung zu verkaufen? Mein politisches Schlachtfeld sind immer die Leute. Es geht um sexuelle, persönliche Politik. Einzig auf diesen Gebieten werden Sie mich als politischen Autor erkennen. Wenn man europäischen Dramatikern begegnet, dann scheinen sie einen globaleren Sinn ihrer Arbeit zu besitzen. Diese Autoren spüren eine Verantwortung, besitzen sogar ein Schuldbewusstsein, wenn sie nicht in diesem größeren Kontext schreiben. Diese Gefühle habe ich nicht. Sehr selten schreibe ich vor dem Hintergrund dessen, was in unserem Land gerade passiert. Ich verstehe mich eher als eine Art Miniaturist. Was mich interessiert, ist die Dynamik zwischen Individuen. Und das weit mehr als das große Ganze, politische Parteien, Nationen. Sie haben formuliert: „Psychologie fasziniert mich. Das ist alles, womit ich mich als Schriftsteller beschäftige. Ich verstehe mich als Psychologe der Leute.“ Ist das noch zutreffend? Ja. Wir sind alle Amateurpsychologen. Allerdings habe ich psychologische Profile zu entwickeln, die sehr genau sind. Um Figuren zu erschaffen, denen Zuschauer Glauben schenken können, muss ich wissen, wie Menschen normalerweise handeln und wie Menschen handeln, die vom Normalen abweichen. überantworten Sie Ihre Figuren nicht dem Publikum, um dieses Publikum dann zu überraschen? Manchmal....

Was macht das Theater, Neil LaBute

Der schwäbische Dramatiker Wolfram Lotz hat Witz. Dem Hörspiel „Die lächerliche Finsternis“ zum Beispiel stellte er als Quellenangabe keck voran: „Nach Francis Ford Conrads ,Herz der Apokalypse‘“. Da muss man kurz überlegen. Aber spätestens wenn offenbar wird, dass in der zugrunde liegenden Geschichte zwei deutsche Bundeswehroffiziere in die „Regen- wälder Afghanistans“ geschickt werden, um dort einen verrückt gewordenen Oberstleutnant zu liquidieren, ist der Namenszwitter enträtselt. Nach Motiven aus Francis Ford Coppolas „Apocalypse Now“, das wiederum auf Joseph Conrads „Das Herz der Finsternis“ basiert, entwickelte Lotz ein in seiner satten Ironie ganz zeitgenössisches Drama, das irrwitzig von Neokolonialismus und dem Nichtverstehen des uns Fremden erzählt. Der an epischen Texten geschulte Regisseur Dušan David Parízek hat in seiner Inszenierung am Akademietheater die Dichotomie von Eigenem und Fremdem szenisch und lautmalerisch betont – und immer wieder auch verkehrt. Der Text fordert das Theater in seiner Zeichenhaftigkeit heraus, und es macht Spaß zuzusehen, wie es sich entblättert. „Die lächerliche Finsternis“ beginnt mit dem Prolog eines Piraten, der nach erfolgloser Kaperung eines Frachtschiffes an der somalischen Küste seine absurde Verteidigungsrede vor dem Hamburger Landgericht hält. Dieser Pirat ist im Akademietheater eine Frau im Trainingsanzug (toller Neuzugang an der Burg: Stefanie Reinsperger), die ihre blonden Haare...

Burgtheater: „Die lächerliche Finsternis“ (UA) von Wolfram Lotz. Regie und Bühne Dušan David Parízek, Kostüme Kamila Polívková

Wien: In den Regenwäldern Afghanistans

Was folgt

Liebe, Schreiben, Popmusik

Deutscher 1: Hab letztens „Der Untergang“ gesehen. Deutscher 2: Toller Film! Deutscher 1: Aber ohne Bruno Ganz – was wäre das für ein Untergang? Nee, das wäre kein Untergang ohne Bruno Ganz. Deutscher 2: Brillant. Eine ganze Generation kann sich den Untergang des Dritten Reiches ohne Bruno Ganz gar nicht mehr vorstellen – Deutscher 1: In dem Film gibt es gar keinen wahrnehmbaren Unterschied mehr zwischen Bruno Ganz und Hitler. Bruno Ganz ist Hitler – magisch. Deutscher 2: Früher war das so eine abstrakte Blase aus Schuld und Phrasen. Das Dritte Reich vor Bruno Ganz. Deutscher 1: Bruno Ganz, der macht für mich die ganze Härte und Verirrung und Verblendung – wie soll ich sagen? –, den ganzen Albtraum der Nazis erst so richtig erfahrbar. Ich kann das richtig nachfühlen, wie das gewesen sein muss im Führerbunker. Man ist ganz bei Hitler. Also: bei Bruno Ganz. Deutscher 2: Diese ganze Verirrung und Verblendung so zu erfahren, durch das brillante Spiel von dem Bruno Ganz, das ist … ja … Deutscher 1: Das ist erhaben. Deutscher 2: Und auch mal das Kleine an dem Menschen Hitler zu sehen, sich mal so in den Wahnsinn reinzudenken. Nee, der Bruno Ganz ist wirklich...

Heute: Des Hitlers neue Kleider

Beiträge zur neuen deutschen Volkstümlichkeit

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Sascha Anderson war der Star der Ost-Berliner unabhängigen Literatenszene. Ein charismatischer junger Mann, gut bekannt mit Christa und Gerhard Wolf, Franz Fühmann, Heiner Müller, aber auch mit einflussreichen Journalisten aus dem Westen. Er organisierte subversive Lesungen, öffnete Türen, legte ein Gespinst aus Halbwahrheiten und Legenden um sich aus. Nach dem Ende der DDR wurde er als Zuträger der Staatssicherheit enttarnt; Wolf Biermann nannte ihn „Sascha Arschloch“; die alten Freunde fielen gleich reihenweise von ihm ab. Anderson, ein Porträtfilm von Annekatrin Hendel, erkundet nun damalige Motivationen und heutige Haltungen, fragt nach dem Stellenwert von Reue und Buße in seinem Leben und rekapituliert ein noch immer erregendes, widersprüchliches Kapitel der Zeitgeschichte in einem komplexen Essay über Kunst, Macht und deren Preis. Der Dokumentarist Peter Scharf stellt in Was bin ich wert? die Frage nach dem Wert des einzelnen Menschen. Er lässt Versicherungsökonomen, Ärzte, Anwälte zu Wort kommen, interessiert sich für krasse Beispiele fehlender Humanität. Die jungen Männer aus Moldawien, die in die Türkei gelockt werden, um dort für wenige Euro ihre Nieren zu verkaufen. Oder die Opfer des Anschlags aufs World Trade Center, deren Familien nach dem „Verlust des zukünftigen Einkommens“ entschädigt wurden: sieben Millionen Dollar für einen verstorbenen Banker, aber „nur“...

Film: Was kostet der Mensch?

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

<h3>Das deutsche Theater weiß mittlerweile zwar, wie man Blackfacing schreibt, schmiert sich aber immer noch schwarze Schminke ins Gesicht</h3> von Matthias Dell Was waren das für Zeiten! „Wörter, die im Deutschen fehlen: Blackface“, konnte Andrian Kreye, der Leiter des Feuilletons der Süddeutschen Zeitung, 2009 mit aller Berechtigung in seinem Blog schreiben. Anlass war der Günter-Wallraff-Film „Schwarz auf Weiß“, für den sich der Investigativjournalist Farbe ins Gesicht pinselte, um am eigenen...

Unser Problem

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Seit vielen Jahrzehnten verfolge ich das deutschsprachige Theater mit leidenschaftlichem Interesse und mir sind nur wenige Künstler begegnet, die historisch, politisch oder ästhetisch naiv wären. Als ich also von den Blackfacing-Fällen hörte, die im vergangenen Jahr in Deutschland und in der Schweiz für Skandale sorgten, war ich mir recht sicher, dass die Vorfälle nichts mit einer solchen Naivität zu tun hatten. Ich wollte verstehen, warum sich deutsche Regisseure dazu entschlossen hatten, in ihren Produktionen die Zeichen der sogenannten Blackface Minstrelsy zu benutzen, und was diese Entscheidung für die jeweiligen Stücke, das Theater als solches und die Beziehung zwischen Bühne und Gesellschaft in Deutschland bedeutete. Über Blackfacing ist viel geschrieben worden, dennoch hoffe ich, dass der Blick des in den USA geborenen und aufgewachsenen Außenseiters, der als in Deutschland lebender und zum deutschen Theater publizierender Autor zugleich Insider ist, ein neues Licht auf die Debatte werfen kann. Die Minstrel Show hat ihre Wurzeln in Amerika, insbesondere bei Thomas Dartmouth Rices „Jump Jim Crowe“ (1828). Diese populäre Nummer, dargeboten von geblackfaceten Künstlern, war eine Kombination von Gesang, Tanz und Sketchen. Afroamerikaner wurden in den Minstrel Shows zu entindividualisierten Objekten gemacht, zu Tieren oder Narren, die man beherrscht und über die man sich...

Blackfacing ließe sich als Verfremdungseffekt nutzen – wenn der Rückgriff darauf reflektiert würde

Echt kein Brecht

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

<h1>Eine Drehscheibe im Land der Städte</h1> <h2>Die interkommunale Förderinitiative NRW Kultursekretariat feiert 40. Jubiläum</h2> Im Grunde hat alles mit urbs 71 begonnen. In Zeiten, als man noch Latein sprach (statt Englisch) und als es auch noch keine „Forma- te“ gab, stampften sechs Städte in Nordrhein-Westfalen ein wildes, anarchisches, geliebtes und gehasstes Kulturfestival aus dem Boden, urbs 71 eben. Es blieb ein Unikat. Doch drei Jahre später wurde das Sekretariat für gemeinsame Kulturarbeit in NRW gegründet, mit Sitz in Wuppertal – der urbs-Stadt. Sinn und Zweck war nicht unbedingt, „eins, zwei, drei, ganz viele ‚urbs‘ zu schaffen“, sondern eher solche kulturellen Aktivitäten zu bündeln und zu koordinieren, die eine einzelne Kommune im „Land der Städte“, wie NRW sich gern nennt, kaum stemmen kann. Zahlreiche interkommunale Errungenschaften wie etwa die Ruhrtriennale wären ohne das Sekretariat nicht denkbar. Jetzt feierte man in der Wuppertaler Stadthalle – kompakte Gründerzeitarchitektur, innen furios aufgehübscht – den 40. Geburtstag, mit einem Festakt, zwei Podiumsdiskussionen und dem einen oder anderen Gläschen Sekt. Oliver Scheytt, der frühere Essener Kulturdezernent, hat es auf den Punkt gebracht: Das Sekretariat sei eine der wenigen Kulturinstitutionen in Deutschland, „deren Prinzip die Verfertigung dauerhafter Innovation beim Experimentieren ist“. Denn im Fokus – das betont...

Die interkommunale Förderinitiative NRW Kultursekretariat feiert 40. Jubiläum

Eine Drehscheibe im Land der Städte

Es ist Herbst auf dieser Bühne. Laub bedeckt den Boden, niemand scheint hier zu fegen. Ist das Dienstpersonal bereits nach Hause gegangen, im Winterschlaf, in Moskau? Schon beim Gartenhäuschen kreuzen sich die Referenzen: Ist das Haus Prosorow auf den Baumarkt gekommen oder handelt es sich um das runtergerockte Lake-District-Cottage aus „With- nail and I“? Drei Schwestern werden jedenfalls gleich wie Brüder auftreten und als schwule Onkels adressiert werden. Vereinzelt herumstehende Plastikgartenstühle haben den Jahreszeitenwechsel überlebt, nostalgisch verblühte Sommerhausatmosphäre will sich dennoch nicht einstellen. Vielleicht liegt es an der lauten unrussischen Musik. Oder an den Autoreifen, die den Bühnenrand befestigen. Nötig wird der Gummipuffer, weil sich das gemäß Titel zum Verkauf stehende Haus aufführt, als sei es in einem Autoscooter. Anfangs steht es noch gelassen und weiß leuchtend vor rotem Bühnenhorizont. Später wird es zum Brummkreisel, Laubumverteiler, erstem Beweger, der selbst erstaunlich bewegt ist. Das Haus kann hier deutlich mehr als Häuser üblicherweise im Theater. Gesteuert wird es von Polleschs Stammsouffleuse Tina Pfurr, die auch sonst im Aufmerksamkeitszentrum von „House for sale“ Dienst tut. Versteckt wurde sie bekanntlich nie, und irgendjemand muss ja zumindest zur Spielzeiteröffnung den Eindruck erwecken, konzentriert zuzuhören. Auftritt Bärbel Bolle als Big Earl. Sie wird Sophie Rois...

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: „House for sale“ (UA) von René Pollesch. Regie René Pollesch, Bühne Bert Neumann, Kostüme Tabea Braun

Berlin: Einfach mal weitermachen

David Baltzer, Theaterfotografen bekommen ihre Motivwelt vor die Kamera gelegt. Wenn sie ins Spiel kommen, steht die Geschichte und deren Bildästhetik bereits fest. Fehlt Ihnen da nicht der für die meisten Fotografen so wichtige eigene Augen-Blick? Erst einmal unterscheidet sich Theater nicht von dem „echten“ Draußen. In dem Moment, wo es da ist, ist beides Welt und damit fotografierbar und akzentuierbar. Eine spezielle Frage in der Theaterfotografie ist, wie stark die Inszenierung durch ästhetische Setzungen der beteiligten Künstler geprägt ist. Was davon erscheint mir sinnvoll, im Foto abzubilden, wie gewichte ich dieses visuelle Angebot? Das passiert im Spannungsfeld von Dokumentation, Verwendbarkeit in Presse- und Öffentlichkeitsarbeit und dem Setzen jeweils individueller Akzente – und unterscheidet sich damit nicht von jeder anderen Form der Gebrauchsfotografie, die letztlich einem Kunden und/oder den Medien zuarbeitet. Es gibt manchmal den glücklichen Moment, dass mit einer oder zwei Proben schon die „Auftragslage“ abgearbeitet ist, dass nach der Pflicht die Kür kommt. Dann kann ich auf volles Risiko gehen, für ein oder zwei wirklich gelungene Fotos, die als Fotografie für sich stehen können. In der Arbeit ebenso beglückend ist, wenn man Teil des Bühnengeschehens wird. Dieter Giesing bat mich am Schauspiel Köln, seine Inszenierung „Das Fest“ aus...

Der Fotograf David Baltzer verdichtet Energien zu Momentaufnahmen der Wirklichkeit – im Theater wie auf Demonstrationen. Ein Gespräch mit Ute Müller-Tischler

Die Wette auf die Zukunft

Derman sendedir

Stark und denkwürdig war die 22. Ausgabe des Internationalen Theaterfestivals Varna Summer, des größten Theatertreffens in Bulgarien, das im Juni in der Stadt am Schwarzen Meer veranstaltet wurde. Denkwürdig auch deshalb, weil es in einer stürmischen Zeit bürgerlicher Unzufriedenheit stattfand. Eine Unzufriedenheit, die die fehlende Moral der politischen Klasse im Land anprangerte, die Korruption und den Niedergang der Wirtschaft, das ständige Postengeschachere der Politiker und die Manipulationen durch die Medien. Die täglichen Proteste vieler Tausend Menschen in Sofia und den großen Städten gegen die Regierung der sozialistischen Partei wurden durch die ersten Postenbesetzungen der neuen Regierung im Sommer 2013 ausgelöst und hielten über Monate an (siehe TdZ 10/2013). Zu den zentralen Teilnehmern gehörten junge Leute und Studenten sowie Universitätslehrer, Wissenschaftler, Schriftsteller und Künstler. Ende Juli dieses Jahres trat das Kabinett schließlich zurück. Diese Proteste haben nachdrücklich gezeigt, dass sich in Bulgarien eine Zivilgesellschaft herausgebildet hat, die klar ihre Wahl für einen demokratischen und europäischen Weg getroffen hat. Zu einem wichtigen Teil der tiefgreifenden sozialen Mobilisierung wurde die intensive öffentliche Debatte über die unmittelbaren politischen, wirtschaftlichen und kulturellen Probleme, über das schwere Erbe der Vergangenheit und die Fehler des Übergangs wie auch über die notwendigen Strategien, um sie zu überwinden. Diese...

Bulgariens Gesellschaft rebelliert – auf der Straße und im Theater. Nun trat die Regierung endlich zurück

Der Hunger nach Wahrheit

<h3>Blackfacing ließe sich als Verfremdungseffekt nutzen – wenn der Rückgriff darauf reflektiert würde</h3> von Matt Cornish Seit vielen Jahrzehnten verfolge ich das deutschsprachige Theater mit leidenschaftlichem Interesse und mir sind nur wenige Künstler begegnet, die historisch, politisch oder ästhetisch naiv wären. Als ich also von den Blackfacing-Fällen hörte, die im vergangenen Jahr in Deutschland und in der Schweiz für Skandale sorgten, war ich mir recht sicher, dass die Vorfälle nichts...

Die Stress-Knoten auflösen

Eine Hafenstadt in Europa. Zwei illegale Einwanderer stehen am Strand: Fadoul und Elisio. Der eine im Anzug, der andere in Unterhosen, die dicken roten Lippen leicht geöffnet, die Schminke im Gesicht glänzend schwarz. Dieser Bildausschnitt, zitiert aus Michael Thalheimers Inszenierung von Dea Lohers „Unschuld“ am Deutschen Theater Berlin, hat mittlerweile Geschichte geschrieben. Eine Protestgeschichte. Eine Wutgeschichte. Und langsam, aber sicher auch eine Debattengeschichte. War den meisten in Deutschland lebenden weißen...

Editorial

In Variations orientalistes setzt Sandra Iché ihre choreografische Beschäftigung mit dem Libanon fort, indem sie vier befreundete Kolleginnen und Kollegen, die selbst noch nie dort waren, einlädt, sich dem Land, ausgehend von ihrer eigenen Vorstellung, zu nähern. Die Performance wurde am 19. und 20. Juni 2014 am Tanzquartier Wien präsentiert. <h3>Sandra Iché – Der Arbeitsauftrag</h3> — Der Ausgangspunkt eurer Intervention ist ein Lügenmärchen: Ihr seid in den Libanon gefahren und habt dort dieses und jenes gesehen. — Lest immer wieder Der Erzähler von Walter Benjamin. — Denkt gelegentlich an die Orientalisten des 19. Jhds. und schlüpft in ihre Kleidung. Spielt damit. — Der Orientalismus reduziert, verdeckt – aber er kann auch, wie Renaud sagt, »den Zugang zu etwas eröffnen«. — Orientalismus ist zu einem Ausdruck geworden, der jede Form der exotistischen Reduktion des Anderen bezeichnet, komme er aus dem Orient oder aus Nordfrankreich. Erarbeitet die/eure Klischees. Schließt euch selbst mit ein und lehnt diese Klischees nicht ab. Sucht euren Anderen. Fragt euch: »Wo/was exotisiere, idealisiere, begehre ich?«: die feine Kolonialgesellschaft, die Landschaften, die Geografie, Ali Cherri, eine Stadt ohne Namen und ohne Funktion, die Wunder des temporären Raum- und Zeitgefühlverlustes, der Araber, der militante Palästinenser, der Amerikaner, die Frauen, die...

Variations orientalistes

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

■ Am 8. November 2014 wird zum neunten Mal der Deutsche Theaterpreis Der Faust verliehen. Der von der Kulturstiftung der Länder, der Deutschen Akademie der Darstellenden Künste und einem jährlich wechselnden Bundesland ausgelobte Preis wird in acht Kategorien vergeben. Die Preisträger der beiden Sonderpreise stehen bereits jetzt fest: Die gebürtige Berlinerin Maria Müller-Sommer erhält den Preis für ein Lebenswerk. Sie zählt zu den einflussreichsten Bühnenverlegern in Deutschland. Der Preis des Präsidenten geht an das von der Schließung bedrohte Institut für Theaterwissenschaft der Universität Leipzig. Das Institut, heißt es in der Begründung, verfüge über weltweite Kontakte und Kooperationen und sei ein wichtiger Bestandteil der internationalen Theaterlandschaft. Dieses Jahr findet die Preisverleihung in der Hamburgischen Staatsoper statt. ■ Das Produktions- und Veranstaltungszentrum Schwankhalle Bremen wird ab August 2015 unter der Leitung von Pirkko Husemann und Stefanie Wenner stehen. Mit dieser Entscheidung folgte die Mitgliederversammlung einstimmig dem ebenfalls jeweils einstimmigen Votum der von ihr beauftragten Findungskommission und des Aufsichtsrates des Trägervereins Neugier e. V. Husemann und Wenner, hieß es in einer Erklärung, seien erfahren im Kulturmanagement und in der Programmgestaltung. Beide waren zuvor u. a. in der Dramaturgie des Berliner HAU tätig und „verfügen über ein großes Netzwerk in Kunst und Forschung“. ■...

Meldungen

Als im Jahr 2005 die zweite Intifada zu Ende ging, entstand in Palästina ein anderer Aufstand, eine kulturelle Intifada. Von diesem Jahr an erlebten die Westbank und Gaza einen überwältigenden Zuwachs an kultureller Infrastruktur und künstlerischen Aktivitäten. Einrichtungen für Theater, bildende Künste, Musik, Zirkusschulen und Akademien wurden geschaffen, Tanz- und Kinofestivals gegründet und neue Kunstformen in den Regelunterricht eingeführt. Zahlreiche Künstler, die zur Schaffung dieses lebendigen kulturellen Klimas beitrugen, taten das in der Überzeugung, eine neue Generation kultivierter und talentierter Menschen könnte helfen, die Realität in Palästina durch innovative Lösungen, welche die Beendigung der militärischen Besetzung durch Israel herbeiführten, zu ändern, nachdem dies den vorangegangenen Generationen nicht gelungen ist. Sie waren davon überzeugt, dass Kunst durch die Schaffung einer neuen Generation kreativer ‚Kämpfer’ in die Lage versetzt wird, einen sozialen und politischen Wandel herbeizuführen. Künstlerischer Widerstand in Palästina ist allerdings nichts Neues. Seit Beginn der militärischen Besetzung und der Lancierung der Befreiungsbewegung versuchten Künstler aktiv, manchmal auch als Teil der Befreiungsbewegung, durch ihr künstlerisches Schaffen den Wandel zu beflügeln. So bemühte sich zum Beispiel der Poet Mahmud Darwisch, der sich in den Sechzigerjahren der Palästinensischen Befreiungsorganisation (PLO) anschloss, mit seiner Poesie und Prosa einen palästinensischen Diskurs zu schaffen; von ihm...

Kunstproduktion als Form des täglichen Protests

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Schwerin ist ein Rummelplatz. Grillhütte reiht sich an Grillhütte, Karussell an Karussell, Punschbar an Punschbar. Das Ganze heißt Altstadtfest und okkupiert die Innenstadt. Keine Chance, der lärmenden Schlagerseligkeit zu entkommen. Im Café Friedrichs habe ich eine Verabredung mit Intendant Joachim Kümmritz und Chefdramaturg Ralph Reichel. Aber eine Bühne mit einem Animateur, der gerade mit mindestens 200 Rentnern, bevorzugt in beige Anoraks gekleidet, „Horch was kommt von draußen rein“ einstudiert, versperrt mir den Weg. Wir machen das jetzt noch mal etwas trauriger, schallt es von der Bühne – und eine Strophe weiter: Nun aber mit viel Freude! Ich stecke fest im Meer der Mitmachsinger. Nicht, dass ich um mich schlage, aber fast. Dann stehe ich zwischen den Säulen des Eingangsportals im Friedrichs. Die Pressefrau ist da und sagt, ihr Intendant komme gleich, er müsse noch singen. Wie bitte?! Joachim Kümmritz weiß: In jedem Schweriner steckt ein Sänger, auf den ein Chor wartet. Der Chor aber ist er oder, anders gesagt, sein Theater, noch anders ausgedrückt, so dass es jeder versteht: Auch Schwerin ist „Wie im Himmel“. Das Erfolgsstück von Kay Pollak erweist sich als wirksames Mittel zur Sanierung des Theaters allerorten. Als es wieder einmal eine der bizarren, für Mecklenburg-Vorpommern typischen...

Das Mecklenburgische Staatstheater Schwerin kontert die desolate Kulturpolitik des Landes – mit Kunst

Edgar rennt

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Fotografien

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Er hatte etwas von einem Baum, groß und knorrig. Die dunklen Ringe um die Augen erinnerten irgendwie an Jahresringe: wieder ein Jahr lang Wind und Regen getrotzt – und dabei weitergewachsen. Das war auch die lebenslange Haltung Johns: Widerständen zu trotzen, indem er sie ohne sichtbare Regung ertrug. Im Grundvertrauen auf die Festigkeit jenes Holzes, aus dem er gemacht war. Denn dieses hatte die Probe auf seine Haltbarkeit früh zu bestehen. 1942 geboren und als Heimkind aufgewachsen (der Mutter, an der er hing, war das Sorgerecht entzogen worden), musste er sich zunächst allein durchschlagen, aufmerksam bis zum Misstrauen gegen andere sein, Liebesbedürftigkeit mit Wachsamkeit umgürten. Das sieht man seinem Spiel auch an, diesem Zugleich von schläfriger Passivität und fast schon lauerndem Auf-dem-Sprung-Sein. Denn die Welt ist schlecht, und wer als Zweiter zieht, ist schon tot. Mit dieser Cowboyweisheit reiste John durch das Wirtschaftswunderdeutschland. Er wirkte dabei so fremd, dass er einem Sammler derartiger Fremdlinge im eigenen Land unweigerlich einmal begegnen musste: Rainer Werner Fassbinder. Bei ihm spielte er viel – „Die Ehe der Maria Braun“, „Berlin Alexanderplatz“, „Lili Marleen“ … Fassbinder, das war jemand, der den Dreck aufspürte in den Seelen der Überlebenden des Krieges, deren Drang nach komfortablem Vergessen...

Zum Tod des Schauspielers Gottfried John

Der vertraute Fremde

Man sollte denken, dass nach bald 200 Jahren Goethe-Wissenschaft der Autor von „Faust“ und „Wilhelm Meister“ hoffnungslos überforscht und „ausinterpretiert“ ist – aber weit gefehlt: Die Exegese fördert immer neue, immer interessantere Details aus Werk und (Nach-)Leben des Weimarer „Olympiers“ zutage. Dabei sind es mittlerweile natürlich meistens die unscheinbaren Details der Tag für Tag dokumentierten Lebenschronik, aus denen sich die aufregendsten Neuerkenntnisse generieren. So überraschten vor einiger Zeit Germanisten, die versuchen, das „Innere des Kopfes des jungen Goethe Stück für Stück zu rekonstruieren“, mit der Nachricht, dass der Dichter schon mit 17 Jahren versucht haben muss, Shakespeares „Hamlet“ zu übertragen: Ein dänisches Stammbuch mit einem Eintrag Goethes war aufgetaucht, das nicht nur belegte, dass Goethe seinen ersten Skandinavier bereits 1766 getroffen hat (und nicht erst 1768, wie man bis dato angenommen hatte), sondern dessen Eintrag – die Zeile „Gedenke dessen, immerdar!“ – auch vermuten lässt, dass Goethe zu dieser Zeit intensiv an „Hamlet“ arbeitete. Gibt es doch nur eine einzige Stelle in der Weltliteratur, in der sich die Aufforderung zum Gedenken mit Dänemark verknüpft: Polonius’ Unterweisung des Laertes, 1. Akt, 3. Auftritt. Noch spektakulärer könnten sich freilich die Details zur Werk- und Rezeptionsgeschichte von Goethes „Zebraphilie“ erweisen, die Bruno Bruns,...

Schwarz auf weiß in Goethes Tagebuch. Zu einigen neuen Erkenntnissen der Goethe-Forschung

kirschs kontexte

„Is my future all in the past“

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Was waren das für Zeiten! „Wörter, die im Deutschen fehlen: Blackface“, konnte Andrian Kreye, der Leiter des Feuilletons der Süddeutschen Zeitung, 2009 mit aller Berechtigung in seinem Blog schreiben. Anlass war der Günter-Wallraff-Film „Schwarz auf Weiß“, für den sich der Investigativjournalist Farbe ins Gesicht pinselte, um am eigenen Leib exklusiv herauszufinden, was er afrodeutsche Menschen hätte fragen können. Kreyes Informiertheit erklärt sich aus der Tatsache, dass er lange Zeit in den USA gelebt hat. Den meisten der in Deutschland lebenden weißen Theaterkenner ist der Begriff Blackfacing dagegen erst seit 2012 geläufig, seit den Widerständen gegen die Dieter-Hallervorden-Inszenierung im Berliner Schlosspark Theater und, wenig später, dem Protest gegen Michael Thalheimers Uraufführung von Dea Lohers „Unschuld“ am hauptstädtischen Deutschen Theater. Beim letztjährigen Theatertreffen kochte die Diskussion wegen Sebastian Baumgartens Zürcher Inszenierung von Brechts „Die heilige Johanna der Schlachthöfe“ noch einmal hoch (siehe dazu den Text von Matt Cornish in diesem Heft, S. 22). Eine Folge der Auseinandersetzungen: Kritik und Theater wissen jetzt, dass da etwas sein könnte. Der Begriff Blackfacing ist geläufig, und sei es erst mal nur als Problemmarkierungstechnologie. Deshalb könnte man sich von den beiden Arbeiten, die in diesem Frühjahr herausgekommen sind und in denen im Bewusstsein der Diskussion...

Das deutsche Theater weiß mittlerweile zwar, wie man Blackfacing schreibt, schmiert sich aber immer noch schwarze Schminke ins Gesicht

Open Table: Uncanny Valley

Nenn mich ruhig naiv, aber ich hatte wirklich keine Ahnung, dass jemand zum Beispiel aus Ägypten nicht so einfach in unser Land einreisen darf. Wir besuchen massenhaft ihre Pyramiden, aber sie dürfen nicht unsere Windmühlen bewundern. Souad sagte in einem bestimmten Moment zu mir: ‚Du bist in dieser Welt mehr wert als ich.‘ Das wollte ich zuerst nicht akzeptieren, denn man möchte glauben, dass man als Freunde gleichwertig ist. Aber ich sage nun, dass sie recht hat.“ Marjolijn van Heemstra lädt den Zuschauer dazu ein, ihr bei ihrer Erkundung der Welt und ihren gesellschaftlichen Fragestellungen im Theater zu folgen. Ihre Inszenierungen zeichnen sich vor allem durch einen starken aufklärerischen Willen aus. Nicht von ungefähr kommt es, dass Marjolijn Religionswissenschaften studierte und nicht nur Performerin, sondern auch Journalistin und Romanautorin ist. Marjolijn van Heemstra begann 2011 mit dem Abend „Family’81“ eine Trilogie über Verbundenheit in der globalisierten Welt. Sie suchte drei Menschen, die am selben Tag geboren waren wie sie, aber an anderen Orten auf der Welt. Mit ihnen wollte sie herausfinden, was ihre Generation über die Grenzen hinweg verbindet. Sie fand Ntando aus Südafrika, Satchit aus Indien und Souad aus dem Libanon. Sie ging auf Reisen und besuchte jeden der...

Die Autorin und Performerin Marjolijn van Heemstra sucht nach Verbundenheit in der globalisierten Welt

Nenn mich naiv

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Shara Worden ist vor einigen Jahren von Brooklyn nach Detroit gezogen. Seither hat die einstige Bandgefährtin von Sufjan Stevens den Verfall des amerikanischen Traumes direkt vor Augen: Sie lebt mit ihrer Familie in einem Haus in einem Block mit einer Menge Leerstand; die Zahl der Analphabeten in der Stadt ist dramatisch hoch. Auf den Brachen haben derweil Zugezogene wie Worden selbst begonnen zu gärtnern. Blühende Kreativität, Verarmung und soziale Probleme liegen beunruhigend nah beieinander in Detroit: ein ambivalenter Mix, der die 40-Jährige beim Schreiben inspiriert. Ihre Themen, die sie unter dem Alias My Brightest Diamond reflektiert, mischen berührend Persönliches mit Politischem, es geht ums Gefühl des Mutterseins, um die Gefahr einer Zweiklassengesellschaft oder die Furcht vor einem Kontrollstaat. Auf ihrem jüngsten, vierten Album „This Is My Hand“ führt das zu gewohnt spannenden Kontrasten. Wo die Sängerin es einst bei Gitarre und Gesang beließ, kombiniert sie heute ihre warme, verwundbar klingende Stimme mit Orchesterarrangements und rhythmusbetonter Elektronik. Zwischen ätherisch und sarkastisch ist es oft kein weiter Weg. Kernthema ihres neuen Albums ist die Frage nach dem Wert von Musik. Durch die Songs ziehen sich Klänge nach Art von persönlichen Erinnerungen: eine Marching Band etwa, jene Form der Bläserprozession, die für viele...

Musik: Musikalische Fußabdrücke

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Am 18. Oktober 2014 feiert der Schauspieler und Regisseur Werner Hennrich seinen 70. Geburtstag. Er ist einer von denen, die das Puppenund Figurentheater in der DDR erneuerten. Wie so viele später erfolgreiche Bühnenkünstler in diesem Land hat er erst mal einen „vernünftigen“ Beruf erlernt, in Pasewalk eine Malerlehre absolviert, bevor er den Weg ins Theater fand: 1963 Theatermaler in Wittenberg, 1965 Techniker am Theater Junge Garde in Halle, dann gelang der Sprung auf die Schauspielschule; in Berlin hat er von 1967 bis 1970 Puppenspiel studiert mit anschließender Verpflichtung nach Zwickau (bis 1974). Einer Dozentur an der Berliner Schauspielschule folgten die wichtigen Jahre (1977 – 1981) am Puppentheater Neubrandenburg, der Wiege des zeitgenössischen Figurentheaters in der DDR. Nach zwei Jahren Regiehospitanz am Berliner Ensemble kamen die entscheidenden, prägenden Jahre (1983 – 1989) bei Zinnober, der ersten wirklich „freien“ Gruppe im reglementierten DDR-Theaterbetrieb. Unvergesslich die Kollektivproduktion „traumhaft“ (mit Hennrich als Tuba Asher), eine der exemplarischen Produktionen der 80er Jahre, da sie mit bis dahin ungehörter Stimme auf die Verwerfungen der Gesellschaft reagierte, auf der Identität des Individuums bestand – gegen den verordneten Kollektivismus (siehe auch Stückabdruck in der kommenden Ausgabe TdZ 11/2014). Nach der „Wende“ löste sich Zinnober auf, die verbliebenen Gruppenmitglieder...

Zinnober-Urgestein Werner Hennrich wird 70

Das Märchen seines Lebens

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Grace, eine junge Frau, gelangt auf der Flucht vor Gangstern in ein Nest in den Rocky Mountains. Sie sucht Schutz, den die armen, aber frommen Bewohner ihr nach einigem Sträuben auch gewähren, beeinflusst von einem puritanischen Idealisten namens Tom. Die eine oder andere Gegenleistung wird freilich erwartet. Im Lauf eines Sommers verdichten diese „Gegenleistungen“ sich zu einem perfiden System des Terrors, in dem Grace beinahe zermahlen wird. Nachdem ihr die Flucht gelungen ist, kehrt sie mit dem Obergangster – es ist ihr Vater – nach Dogville zurück und lässt ihre Wohltäter erschießen. Als der dänische Autor und Regisseur Lars von Trier diese Geschichte 2003 ins Kino brachte, war die Aufregung groß. Einerseits natürlich wegen des unerhört pessimistischen Menschenbildes, das diese Parabel über das Böse in der Welt und das Fehlen von Gnade zum Vortrag brachte. Andererseits aber auch wegen der Form, in der Lars von Trier dies tat. Denn der Regisseur simulierte Theater im Kino. Mit simplen Kreidestrichen malte er die Schauplätze des Geschehens auf den Boden einer Fabrikhalle, und dies nicht aufgrund eines schmalen Budgets. Der epische Gestus à la Brecht und zugleich das arme Theater à la Brook sollten im Film eine Heimstatt finden. Filmadaptionen sind auf den...

Schauspiel Köln: „Dogville“ nach Lars von Trier. Regie Bastian Kraft, Bühne Peter Baur, Kostüme Inga Timm

Köln: Der Zweifel in Toms Gehirn

Die ganze Stadt ist ein Wohnzimmer. Beim Italiener unterhalten sich die Gäste von Tisch zu Tisch. Mehrere Generationen sind versammelt, die alle denselben steilen Berg zur Grundschule hinaufgekraxelt sind und über dieselben Lehrer witzeln. Aber in der denkmalgeschützten Altstadt mag niemand mehr wohnen. Der Unterhalt der Fachwerkhäuser, die teilweise aus dem 17. Jahrhundert stammen, ist zu aufwendig. So haben einige Spangenberger wohl nicht schlecht gestaunt, als das Haus in der Mittelgasse 14, ein paar Schritte vom Marktplatz entfernt gelegen, zum Protagonisten eines Theaterprojekts wurde. Der Ort des Geschehens ist so ungewöhnlich wie die Genese des Projektes: Alja Schindler, die neue Besitzerin des Hauses im nordhessischen Spangenberg, und der Regisseur Bernhard Mikeska lernten sich auf der documenta in Kassel kennen. Letzterer führt bereits seit Jahren sein Publikum durch verästelte Bühnenräume, in denen der Zuschauer einzeln von Schauspielern erwartet wird und so an ihren Geschichten unmittelbaren Anteil nimmt. Mit Unterstützung des Sonderfonds Theater im öffentlichen Raum wurden nun erstmals die Bewohner eines real existierenden Hauses ins Zentrum gerückt. Acht Schauspieler erzählen auf zwei unterschiedlichen Parcours in acht Räumen für jeweils einen Zuschauer aus den fiktionalen Biografien von Menschen, die es so – oder so ähnlich – in den letzten hundert Jahren tatsächlich...

Mittelgasse 14: „Das Haus :: Acht Räume Acht Spieler Ein Zuschauer“ (UA). Texte Lothar Kittstein und Christina Rast, Regie Bernhard Mikeska, Christina Rast und Yana Thönnes

Spangenberg: Der letzte Vorhang

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Unter Beobachtung

Bauchtänzerinnen tauchen unvermittelt auf einer Dachterrasse der Feuerwehr auf. Cheerleader wedeln plötzlich ihre Pompons vor dem Supermarkt umher. Ein Seniorinnenchor singt im verlassenen Stadion vom einfachen Frieden. Sportfechter duellieren sich im Wohngebiet. Ein Pärchen tanzt Tango auf dem Bahnsteig. Lauter mehr oder weniger inszeniertes Leben am Wegesrand begegnet Besuchern, die der Ankündigung zufolge „ein flüchtiges Museum der Abweichungen“ an den Rändern der Stadt betreten haben. Sie befinden sich „Diesseits vom Kulissenpark“, so heißt die Produktion, die der Berliner Theatermacher Lukas Matthaei für das neue Kunstfest in Weimar im Wortsinn auf den Weg brachte. Unter dem Label matthaei &amp; konsorten verwandelt er seit Jahren urbane Landschaften in Bühnen, auf denen dort heimische Akteure auftreten. Mit vielen Weimarern zusammen entwickelte er jetzt theatrale Rundgänge durch drei Weimarer Stadtteile: durch soziokulturelle Biotope, Industriebrachen, Plattenbauviertel, Kleingärten, Szenetreffs. Menschliche „Audioguides“ in Kostümen, aufgrund derer man sie als kommunizierende Röhren bezeichnen könnte, zeigten nicht nur, wo’s langgeht. An allen möglichen Ecken verharrten sie, um Lebensberichte vorzutragen: transkribierte Interviews, die Weimarer über ihre vielfach gebrochenen Arbeits- und Lebenswelten vor und nach 1989 gaben. Zweieinhalb Stunden lang dauerte so ein Parcours durch Zeit und Stadtraum, auf dem das Zentrum der Kultur- und Klassikerstadt Weimar gleichsam zur Peripherie wurde....

Zwischen Ausstellungsführungen und Stadtparcours – Christian Holtzhauer inszeniert sein erstes Kunstfest und gibt der Stadt die Hauptrolle

Im Museum Weimar

Beliebig viele junge Frauen und Männer spielen folgende Rollen: Vanessa Alatriste Niko Antonopoulos Nele Brunner Marko Fehring Elisabeth Fürle Franziska Fürle Britta Gerke Vincent Hagen Jasper Hauff-Samel Regine Hummel Pinar Karabekir Heiner Liliencron Lilli Meier Babet Müller Lennart Nowak Klaus Nöhler Paul Romanovicz Miri Schliefen Nicole Schneider Sven Schubert Steffen Thalbrück Die Texte mit den Spiegelstrichen sollten so unter den Spielern verteilt werden, dass die Geschichte von allen erzählt wird. Kursive Passagen sind dagegen als reine Regieanweisungen zu verstehen. – Paul Romanovicz zischt mit seinen neonblauen Inlineskates hinter einer Häuserecke hervor, er trägt keinen Schutzhelm. Sein Schulzeugnis hält er wie eine Revolutionsflagge der Sonne entgegen, es flattert im Wind. Paul Romanovicz läuft mit seinen Inlineskates von links nach rechts. Von rechts nach links fahren dagegen zwei Mädchen auf einem grauen Herrenfahrrad. Nicole: Wie weit ist es noch? Britta: Weiter. – Zwei Mädchen fahren auf einem Waldweg zum See. Das Mädchen auf dem Gepäckträger heißt Nicole Schneider, ihre Gedanken kreisen um die Themen Umweltkatastrophen, Spaghetti Carbonara und Winterurlaub. Nicole: Was soll das überhaupt sein, das ewige Leben? – Zur gleichen Zeit sitzen Babet Müller und Heiner Liliencron auf einem großen Badehandtuch in der Dämmerung. Heiner: Fändest du es okay, wenn ich...

Das Tierreich

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Der Schauspieler Günter Junghans ist gestorben. Das ist mehr als eine Meldung wert. Aus wenigstens drei Gründen. Zuallererst war Junghans einer der populärsten und das Gesicht des DDR-Theaters prägenden Schauspieler. Dann ist der von einer großen Agentur verbreiteten und von ahnungslosen Redakteuren übernommenen Legende zu widersprechen, Günter Junghans sei – angesichts von 130 Kino- und Fernsehfilmen – der „Meister der Nebenrolle“ gewesen. Und schließlich ist festzustellen, dass mit ihm ein bestimmter Typus von Schauspieler, ja eine ganze Generation, die das Theaterleben der DDR bestimmte, einen prominenten Vertreter verloren hat. Der gebürtige Leipziger (und gefühlte Berliner) Günter Junghans hat an der Filmhochschule in Potsdam studiert (1959 – 1963) und war dann für einige Jahre (1963 – 1970) am Hans-Otto-Theater Potsdam engagiert, was nach dem Karl-Marx-Städter die wohl wichtigste „Kaderschmiede“ für die Theater in der Hauptstadt der DDR war. Von Besson an die Berliner Volksbühne geholt, spielte Junghans dort bis zum Amtsantritt von Castorf unter anderem folgende „Nebenrollen“: Franz Moor in den „Räubern“ (Regie Manfred Karge/Matthias Langhoff, 1971 – wie so oft fand hier auf der Bühne statt, was in der Realität nicht stattfinden durfte: eine Revolte à la 68), Othello (Regie Karge/Langhoff, 1972), Kunze in „Hinze und Kunze“ (Regie Karge/ Langhoff,...

Die Komödianten sterben aus. Zum Tod von Günter Junghans

Linzers Eck

Frankfurt/Main: Stadtparlament beschließt Deutschlands größten Kulturneubau

Wie inszeniert man ein Historiendrama? Am besten in einzelnen Bruchstücken, die man aus der Vergangenheit hervorholt, und indem man dabei nach und nach längst vergessene Situationen aufscheinen lässt. Fast meint man, sie neu erzählen zu müssen, wie in der aktuellen Ausstellung Mise en scène in München. Der 1960 in Vancouver geborene Foto- und Videokünstler Stan Douglas ist für seine cineastischen Obsessionen berühmt und für einen ausgesprochenen Sinn, anachronistisch zu denken. In seiner Schau im Haus der Kunst präsentiert er eigens rekonstruierte Geschichtsbilder von verblüffender Genauigkeit und Präzision. Als säßen wir in einer Zeitmaschine auf dem Weg ins 20. Jahrhundert, lockt uns der Künstler in Szenen der Post-War-Ära Amerikas. Fast alles könnte hier wahr sein, so teuflisch echt wirkt das Geschehen in den Bildern: die Studioaufnahme von Miles Davis’ „On the Corner“ aus den 1970ern, die Tatortansichten als Schwarz-Weiß-Abzüge, Szenen von Aufständen und die makellosen Modelle auf den großformatigen Modefotos. Weit gefehlt, alles wurde bis aufs kleinste Detail erfunden und neu zusammengestellt. Die Aufnahme des vermeintlichen Mitschnitts vom Miles-Davis-Konzert z. B. stammt aus einem Nachbau des Columbia-Studios, was zwar richtig funky rüberkommt, aber ein vollkommener Fake ist. Nicht nur für Davis-Fans bildet sie einen großartigen Höhepunkt in der Ausstellung. In der...

Neuerscheinungen im Verlag