In der Kantine des Grazer Schauspielhauses sitzen wir direkt unter einem Foto, das Seyneb Saleh in „Waisen“ zeigt. Das Dreipersonendrama des Briten Dennis Kelly um Liebe und Verrat (Regie Lina Hölscher) war eine ihrer liebsten Arbeiten bisher, sagt Saleh. So wie sie von der Intensität dieser Inszenierung erzählt, bekommt man sofort den Eindruck, etwas verpasst zu haben, weil man den Abend nicht gesehen hat. Ein örtlicher Kritiker schwärmte: „Bei Seyneb Saleh brodelt es unter dem Engelsgesicht.“ Gut, das mit dem Engelsgesicht ist Ansichtssache. In diesem tatsächlich sehr reinen, fein gezeichneten Gesicht funkeln zwei dunkle Augen, vielleicht nicht diabolisch, aber doch recht engelsungleich. Dass den Zuschauer in Salehs Spiel ein emotionales Brodeln recht unmittelbar anspringt, glaubt man allerdings sofort. Seit zwei Jahren ist sie jetzt in Graz engagiert, denkbar fern von Berlin, wo Seyneb Saleh an der Universität der Künste studierte. Überhaupt Schauspielerin zu werden, war für die 26-Jährige alles andere als naheliegend. Sie ist Halbirakerin, vom Vater muslimisch erzogen. „Dass ich mich als Frau hinstelle und anschauen lasse, verträgt sich überhaupt nicht mit seinem Weltbild.“ Bis heute komme ihr Vater kaum zu Vorstellungen. Aber an Widerstand wächst man. „Weil ich immer wieder mit dem Wertesystem meines Vaters konfrontiert bin, muss...

Das brodelnde Spiel der Schauspielerin Seyneb Saleh springt die Zuschauer unmittelbar an

Durchs Gehirn gefegt

„Die Wahrheit ist konkret“, lautete ein Postulat, das in großen Lettern über Brechts Schreibtisch im dänischen Exil prangte. 2012 dient es als Titelgeber einer Marathonveranstaltung des steirischen herbstes mit mehr als 200 internationalen Künstlern, die das gastgebende Graz in einen Vorort von Cosmopolis verwandeln. Deren artistische Strategien will dieses opulent ausgestattete Handbuch auf über 300 Seiten mit den Kontexten realer Politik konfrontieren. Reale Politik, das meint das Ineinander künstlerischer und politischer Praktiken angesichts von Vorgängen wie der tunesischen Revolution, dem ägyptischen Frühling, Erhebungen in Griechenland und Spanien, der Occupy-Bewegung, den Tumulten in der Türkei oder in Brasilien. Revolten, die – das wissen wir heute – erweisen, wie wenig wandelbar und zähflüssig sich die Verhältnisse auch nach einem digitalen Feinschnitt verhalten. „Die Wahrheit ist konkret“ – eine tückische Sentenz, die in der Hegel’schen Dialektik wurzelt und ihre Pointe aus dem Sachverhalt bezieht, dass die Wahrheit primär allgemeiner Natur bzw. verallgemeinerbar ist. Wie sich die allgemeinen Gesetzmäßigkeiten auf die besonderen Umstände anwenden lassen, soll die Köpfe im 19. und 20. Jahrhundert zum Rauchen bringen. Was können Politik und Kunst im postutopischen Raum voneinander lernen? Diese Frage ist das signifikante Thema dieses Bandes. Die Hervorhebung des Konkreten als jene Kontaktfläche von Realität und...

steirischer herbst / Florian Malzacher (Hg.): Truth is Concrete. A Handbook for Artistic Strategies in Real Politics. Sternberg Press, Berlin 2014, 336 S., 19 EUR.

Sprachen der Beunruhigung

N 06.06. Buchpremiere „Kunst ist nicht erlaubnispflichtig. Das Landestheater Tübingen in der Intendanz von Simone Sterr“, Landestheater Tübingen N 07.06. Buchpremiere / Szenische Lesung „Scène 17 – Fabula Muni“ im Rahmen der Autorentheatertage Berlin 2014, Deutsches Theater, Berlin N 19.06. Buchpremiere „Recherchen 112. Parallele Leben“, Staatsschauspiel Dresden N 19.06. Buchpremiere „Theater HORA“, Kaufleuten, Zürich N 25.06. Buchpräsentation „Recherchen 108. Horst Hawemann – Leben üben“, Spurensuche-Festival, Fundustheater Hamburg N 27.08. Buchpremiere „Tanz Land NRW“ im Rahmen der internationalen tanzmesse nrw, Düsseldorf

tdz on tour

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Katastrophen brechen in den Alltag ein und zerschmettern gegebene Ordnungen. Sie setzen die Menschen ihrer Endlichkeit, der Grenze ihres Vermögens über sich zu bestimmen aus und lassen dadurch in den geformten Lebensformen etwas auftreten, das der menschlichen Verfügung entgeht. Für einen Moment bricht etwas Unheimliches in die vertrauten Verhältnisse ein. Es zu zähmen, indem ihm Gründe zugeschrieben werden, versucht eine ganze Geschichte, die mit der Bibel anfängt. Dort hat dieses für die Menschen Unverfügbare einen Grund, der die Menschen übersteigt: Gott. Am anderen Ende dieser Geschichte, heute, werden Katastrophen zwar auf keine Transzendenz mehr projiziert, aber nach Gründen wird, wie in der Bibel, weiter gesucht. Katastrophen werden nun auf Menschen, ihre Handlungen, Strategien, auf ihre Politik zurückgeführt. Sowohl bei Natur-, als auch bei politischen Katastrophen werden Fehler gesucht, Verantwortungen zugewiesen, Maßnahmen ergriffen. Das Unverfügbare wird so schnell wie möglich wieder dem menschlichen Vermögen unterworfen. Das Unvorhergesehene soll schleunigst wieder ausgeschlossen und die Zukunft planbar gemacht werden. KONFIGURIEREN Seit kein Gott oder vorgegebenes Prinzip die Abstände regelt, denen gemäß eine Ordnung, eine Konfiguration der Menschen und Sachen, eine Welt auftritt, haben wir mit einer Konfiguration zu tun, die nicht vorgegeben sein darf – das heißt in der Kunst: unter anderem keine...

Das Studium der Katastrophe

Die Jury des Friedrich-Luft-Preises der Berliner Morgenpost, der ich nicht mehr angehöre, hat für das Jahr 2013 die Schaubühnen-Inszenierung „For the Disconnected Child“ von Falk Richter ausgewählt. Das werde ich aus verschiedenen Gründen nicht kommentieren. Die Jury des Berliner Theatertreffens hat für 2014 aus Berlin die Volksbühnen-Inszenierung „Ohne Titel Nr. 1“ von Herbert Fritsch ausgewählt. Ich werde den Teufel tun, das zu kommentieren. Am spannendsten ging es in dieser Saison am Maxim Gorki Theater zu: Mit neuer Mannschaft wurde die Kreuzberger Naunynstraße Richtung Unter den Linden verlängert, ein theatralisch-postmigrantischer Tempel aufgemacht, das Logo erneuert – das ist, was neue Theaterleitungen öffentlichkeitsgeil immer als Erstes tun –, die neue Chefin Shermin Langhoff lud die Premierengäste zum Sektempfang ein, auch eine Fangruppe hat sich etabliert – die bejubelt bei den Premieren noch den größten Schwachsinn. Zum Saisonauftakt sollte mit Tschechows „Kirschgarten“ einerseits an die Tradition des Hauses erinnert, andererseits durch Besetzung und sinnige Retuschen am Text das neue Konzept manifestiert werden, was gelang, wenn auch etwas verklemmt und mit zu spürbarer Absicht. Immerhin, es gab große Abende – „Common Ground“ von Yael Ronen, eine Zeitreise durch das alte Jugoslawien mit direkt Betroffenen, war, weil hier Anspruch und Ergebnis zusammenfielen, einer der...

Verstreute Rückblicke auf die Berliner Spielzeit 2013/14. Fragmentarisch

Linzers Eck: Zwischen Aufbruch und Agonie

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

New York ist zwar riesig, dennoch scheinen sich musikalische Abenteurer, die es jenseits etablierter Off-Kulturen drängt, früher oder später über den Weg zu laufen. Im Pyramid Club etwa, in dem sich zu Beginn des Jahrtausends eine queere Folk-Community formierte: mit theateraffinen Stars wie Antony Hegarty, Joan as Police Woman und CocoRosie. Der Club war auch lange das zweite Wohnzimmer der transsexuellen Baby Dee, die dort für Tanzeinlagen auf der Bar gebucht war. Auf dem stilprägenden Debütalbum von Antony and The Johnsons spielte Dee seinerzeit Harfe: ein Anstoß, um fortan eigene Songs aufzunehmen. Seither hat die 1953 geborene Sängerin eine Reihe Alben veröffentlicht, die sich in der Popwelt so schwer einordnen lassen wie die Persönlichkeit der Künstlerin, die einst mit Straßenmusik und als Zirkus-Freak anfing, später Klavier und frühe Musik studierte, als Organistin in einer Kirche in der Bronx arbeitete und zwischenzeitlich gar als Baumpflegerin im entlegenen Umland von Cleveland tätig war. Inzwischen ist die 60-Jährige, die mit ihrem rauen Timbre ein wenig so wirkt wie eine verschollene Figur aus der „Dreigroschen- oper“, endgültig zu ihrem eigentlichen Metier als Sängerin zurückgekehrt und brachte zuletzt ein klassisch geprägtes, intimes Album heraus. Mancher fühlt sich angesichts ihrer skurrilen Geschichten samt Schlenkern in Musical-...

Musik: Schönheiten am Rande

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

Lisa Nielebock ist eine Ensembleregisseurin. Die vier Männer und zwei Frauen, die Kleists „Amphitryon“ spielen, betreten gemeinsam die Bühne der Kammerspiele am Bochumer Schauspielhaus und setzen sich frontal zum Publikum, halb noch augenzwinkernd privat. Hier ist ein weicher Übergang zu sehen zwischen der expliziten Theatersituation – sechs Spieler suchen den Autor Kleist – und dem intensiven Eintauchen in den Geist der vermutlich most sophisticated comedy der deutschen Literatur. Es sei wichtig, sagt die Regisseurin im Gespräch, dass die Schauspieler sich für jede Arbeit „neu erfinden“. Der Regisseur, der nicht in erster Linie die Figuren und ihre Darsteller fokussiere, laufe häufig Gefahr, in Effekthascherei zu verfallen. In Nielebocks Inszenierungen gibt es wenig „Bühnenzauber“. Die Schauspieler sind das Ereignis. Wichtig sind Lisa Nielebock aber auch die Zeitgenossenschaft des Blicks auf einen historischen Stoff und das subjektive Interesse. Ihr Vertrauen darauf, dass die Beschäftigung mit so einem Kleist-Stück wie „Amphitryon“ ergiebig ist, fundiere überhaupt erst den Angang. Von der Qualität des Stoffs gehe eine „Autorität“ aus, sagt sie. Seit diesem Sommersemester leitet Lisa Nielebock den Studiengang Schauspiel/Regie an der Folkwang Universität der Künste in Bochum, an der sie selbst studierte. Auch bei ihrer Lehrtätigkeit wird die junge Professorin (Jahrgang 1978) beide Elemente ihrer...

Die Bochumer Regisseurin Lisa Nielebock schält mit großem Respekt das Zeitgenössische aus historischen Stoffen

In den Geist eintauchen

„Es gibt keine unschuldigen Räume“, lautet eine Überzeugung von Claudia Bosse, künstlerische Leiterin des Wiener theatercombinats – es kann keine unschuldigen Räume geben, weil jeder Raum Teil eines „territorialen geopolitischen Gefüges“ oder „eines bestimmten ideologischen Einverständnisses“ ist. Folglich gilt die szenische Forschungsarbeit des theatercombinats seit Langem der politischen Verfasstheit von Räumen: Wie greifen räumliche Voraussetzungen in Handeln und Sprechen ein, wie generieren und bedingen, verschieben und krümmen sie leibliche Regungen, mögliche Aussagen und Vorstellungen? Und wie wirkt umgekehrt jedes Handeln, jede noch so winzige Bewegung unablässig auf räumliche Relationen und Bedingungen zurück? Diese vielleicht etwas allgemein formulierten Fragen werden in der Arbeit des theatercombinats an und mit höchst konkreten Materialien und Räumen untersucht und zu komplexen Performance-Installationen und -Landschaften verdichtet, in denen die Besucher sich zumeist frei bewegen können. So widmete sich etwa „dominant powers“ 2011 in den Büroräumen einer ehemaligen Druckerei im 15. Wiener Bezirk der medialen Vermittlung der arabischen Aufstände. Oder „designed desires“ 2012 in einer verlassenen Zollamtskantine inklusive Küche und Fleischausgabe der Kommerzialisierung von Begehrensstrukturen. „What about catastrophes?“, Bosses neue Regiearbeit, führt beide stofflichen Linien fort: Es geht um die Katastrophe als körperlichen Zusammenbruch wie als politischen Umkehrungsprozess (etymologisch verweist Kata-strophe ja auf eine Umwendung). Zugleich werden...

tanzquartier wien: „What about catastrophes?“ (UA) von Claudia Bosse / theatercombinat

Wien: Von Katastrophen und Containern

Münchner Kammerspiele: Klamauk und Katastrophe

Berliner Ensemble: Umsturzphantasien mit KI

double feiert Jubiläum

Herr Finzi, Sie proben gerade am Deutschen Theater in Berlin Becketts „Warten auf Godot“. Da geht es nur um eins: gehen wollen und stehen bleiben. Es geht darin um viel und es geht um nichts. Man kommt tatsächlich keinen Schritt voran. Aber das sind Sätze, von denen man jeden einzeln stellen könnte. Bei solchen Texten spürt man den Kontrast zum gegenwärtigen Theater. Es gibt so viele kleine Themen, aber wo ist das große Thema? Der fortgesetzte Untergang des Abendlandes? Den muss man aber erst einmal denken können! Beckett etwa redet sich den Stillstand nicht aus, der uns doch fest umklammert hält. Dimiter Gotscheff wollte eine ganze Beckett-Spielzeit machen. Bei ihm ging es immer um etwas, er schuf einen konzentrierten Raum für unser Spiel. Mitko ist auch jetzt immer bei uns, aber wir wissen natürlich, dass er uns verlassen hat. Diesen Widerspruch müssen wir aushalten. Aus „Endspiel“ ist nichts geworden, aber „Warten auf Godot“ wollten wir unbedingt machen. Nun führt Ivan Panteleev Regie, und Mark Lammert hat das Bühnenbild entworfen. Wie sieht es aus? Sehr reduziert. Es ist in gewisser Weise der Gegenraum zu „Perser“ mit der gelben Wand, die sich drehte und wie eine Zentrifuge wirkte. Hier ist es wie...

Was macht das Theater, Samuel Finzi?

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Künstlerinsert Ai Weiwei „Evidence“

Die Idee stammt von Wim Wenders: Nach seinem berührenden Porträtfilm über die Tänzerin und Choreografin Pina Bausch wollte er die 3-D-Technik nun dazu nutzen, die „Seele von Bauwerken“ zu erforschen. Er lud sich selbst und fünf Regiekollegen dazu ein, dokumentarische Essays über Kathedralen der Kultur zu entwerfen: Konzertsäle, Opernhäuser, Bibliotheken oder Kulturzentren sollten gleichsam dazu angeregt werden, ihre Geschichte und ihr Wesen aus eigener Perspektive zu skizzieren, frei nach dem Motto: „Wenn Gebäude sprechen könnten, was würden sie uns erzählen?“ Der in diesem Kontext ungewöhnlichste Beitrag stammt von dem Dänen Michael Madsen, der sich im norwegischen Halden-Gefängnis umsah und dessen Architektur als Beitrag zu einem humanistischen Strafvollzug würdigt. Der brasilianische Regisseur Karim Ainouz war im Pariser Centre Pompidou; der Schauspieler Robert Redford porträtierte ein biologisches Forschungszentrum in San Diego, die Dänin Margreth Olin die futuristische Oper in Oslo. Wim Wenders selbst nahm sich die in den 60er Jahren von Hans Scharoun erbaute Berliner Philharmonie vor, die bis heute als Zeichen der architektonischen Moderne gilt. Die Art und Weise ist allerdings gewöhnungsbedürftig: Die Wogen sentimentaler Künstlichkeit schlagen hier hoch, das Ganze wirkt bisweilen unfreiwillig komisch. Die schönste Episode des Films stammt von dem Österreicher Michael Glawogger, der im April, nur 54-jährig,...

Film: Wenn Gebäude sprechen könnten

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

Ein birnenförmig-dicker, tumber Hanswursttyrann, das ist ein Bild von Ubu. Von seinem Autor Alfred Jarry als Karikatur des Bürgers im ausgehenden 19. Jahrhundert angelegt, ästhetisch verschieden gebettet in satirische Glossen, surrealistisches Puppenspiel, Shakespeare-Parodie und programmatisch auf Schockwirkung im Rahmen eines dezidiert nichtillusionistischen Theaters gepolt, bietet sich die Ubu-Figur als ein Theaterzeichen von besonderer Geräumigkeit an. Inhaltlich verwendbar zur Denunzierung und Dekuvrierung obszöner Formen von Machtergreifung und Machtmissbrauch, gleichsam als Pars pro Toto für sämtliche Herrscher, Kriegstreiber und Verbrecher der Menschheitsgeschichte – eine Lesart, die Dimiter Gotscheff 2008 mit seinem „Ubukönig“ an der Berliner Volksbühne eindrücklich ausprobierte –, könnte man Ubu genauso gut als Verrückten zeichnen, der an Gegenentwürfen zum Bestehenden arbeitet, sich dabei jedoch überhebt und scheitert. Ein Anarchist mit fehlenden Zukunftsideen. Christian Weise interessiert in seiner Inszenierung des „König Ubu“ am Mecklenburgischen Staatstheater Schwerin weder die Variante eines psychologisierenden noch die eines thesenhaften Zugriffs auf den Stoff. Sein Fatsuit-Ubu ist Held einer papierenen Comicwelt, in der alle schwarz auf weiß gemalten Pappkulissen und -requisiten nur skizzenhaften Verweischarakter haben. Als Schöpfer und Zeremonienmeister dieses lebenden Comics wirkt der im Orchestergraben installierte Musiker Falk Effenberger im Alfred-Jarry-Look. Er unterlegt die Bewegungen der Figuren mit vorproduzierten Geräuschen, illustriert Spannungsbögen und ist berechtigt,...

Mecklenburgisches Staatstheater Schwerin: „König Ubu“ von Alfred Jarry. Regie Christian Weise, Bühne Julia Oschatz, Holger Syrbe Kostüm Andy Besuch

Schwerin: Pap(p)ierene Wirklichkeitsspiele

München: Förderpreis für neue Dramatik 2025 ausgeschrieben

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Was sind „One Minute Sculptures“? Ein Balanceakt auf Orangen, ein menschlicher Kleiderbügelhalter? Ein Stuhlbein im Auge oder ein Mensch, der mit seinem Körper versucht, Klopapierrollen gegen eine Wand zu drücken und bis zu den Knien in einem Pappkarton steckt? So einfach? Ja, und so raffiniert hintergründig. Was hier womöglich leicht und heiter herüberwinkt, erweist sich in Sekundenschnelle als Auflösung und Einsturz ziemlich existenzieller Selbsterfahrungen. Wer den One Minute Sculptures, Indoor- und Outdoor-Skulpturen von dem Österreicher Erwin Wurm, begegnet, riskiert, sich zwiespältigen Momenten von Peinlichkeit und lächerlicher Ausweglosigkeit auszusetzen. Erfunden hat Wurm diese sonderbar skurrile Kunstform schon vor 20 Jahren, als er sein Video „59 Stellungen“ drehte. Er steckte sich und andere in Pullover und Mäntel und ließ die Beteiligten immer wieder abstruse Körperhaltungen einnehmen. Herausgekommen sind 20-Sekunden-Takes, neuer Dadaismus sowie eine Art von performativer Skulptur und umständlicher Raumerfahrung. Jetzt hat das Städel Museum in Frankfurt am Main Erwin Wurm mit seiner weithin berühmten Serie „One Minute Sculptures“ eingeladen. Wer will, sollte nicht nur schauen, sondern kann sich selbst in ein Minutenkunstwerk verwandeln. Man braucht nur den Anweisungen des Künstlers zu folgen: etwa sich am Haupteingang auf allen vieren auf ein Podest knien und sich von Valie Export in einen wartenden...

Kunst: An der Hundeleine

Stück für 4 Schauspieler und einen möglichst großen Chor. „Wir sind, wie wir sind und andere sind, wie sie sind.“ Angela Merkel „Man kann nur so weit denken, wie man sieht.“ Sprichwort der Pygmäen Personen: Barbara Mario Linda Paul Anna Anmerkung: Es ist geradezu erwünscht, dass die Schauspielerin, die Barbara spielt, später auch Barbaras Schwester Anna spielt. 0. Bevors losgeht, noch mal einstimmen (Der Heimatchor tritt auf oder ist schon da. Musik. Der Heimatchor singt die Nationalhymne*.) 1. Die Lage der Nation (Der Heimatchor) Hier Sind WIR WIR sind viele Kein Platz mehr sonst WIR sind jeder für sich Mit allen zusammen WIR sind Ein Volk WIR führen WIR führen an WIR führen die Liste des Human Development Index Es An Denn WIR sind glücklich WIR werden Zweiundachtzig Jahre alt WIR gehen jeden Morgen Joggen WIR gehen jeden Tag zur Arbeit Vierkommadrei Wochen im Monat Vierzig Stunden die Woche Fünfundvierzig Jahre im Leben Sechstausendzweihundertneunzehn Brutto im Schnitt Da macht man schon mal Überstunden Work Life Balance * Die Nationalhymne ist der jeweiligen Nation anzupassen, in der das Stück aufgeführt wird. Quality Time WIR haben mindestens drei Hobbys Fuß- Tennis- Handball Reiten Rudern Ringen WIR gehen gerne ins Kino...

Wir sind keine Barbaren!

Abstecher. Das klingt nach Auszeit. Durchatmen. Mal runter von der Autobahn. „Hab Zeit und nimm Umwege“, schrieb Peter Handke in seinem dramatischen Gedicht „Über die Dörfer“. „Lass dich ablenken … Überhör keinen Baum und kein Wasser.“ Ja, wenn dafür mal Zeit wäre! Hätte man Zeit, so wären die 24 Landesbühnen in Deutschland das Paradies für jeden überarbeiteten Dramaturgen. Doch die sogenannten Abstecher sind harte Arbeit, wie Kay Metzger, Intendant des Landestheaters Detmold, zeigt. Als seine Inszenierung von Verdis „Otello“ – damals war er Oberspielleiter am Landestheater Coburg – in die Stadthalle Bayreuth abstechen sollte, gab es dort nicht nur keine Drehbühne, sondern auch so manch andere Überraschung. „In der Stadthalle angekommen“, beschreibt Metzger, „fand ich zu meinem Entsetzen am rechten Portal einen gewaltigen Weihnachtsbaum. Ob der dort bleibe, fragte ich irritiert. In tiefstem Fränkisch wurde mir versichert, dass der Weihnachtsbaum im Dezember dort immer stehe. Mein vorwitziger Assistent meinte, man könne ja zum ‚Ave Maria‘ von Desdemona die elektrischen Kerzen anknipsen.“ Der Abstecher ist per Bildungsauftrag Pflicht für die Landesbühnen, aber auch Folge der wirtschaftlichen Situation, wie in unserem Themenschwerpunkt deutlich wird. Der Gastspielmarkt ist durch den allgemeinen Finanzdruck hart umkämpft; Kunst droht zur schnöden Ware zu verkommen. Einerseits. Andererseits...

Editorial

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Schon der Auftritt der Schauspieler – im dröhnenden Gleichschritt – gleicht eher einem Einmarsch. Doch den Stückbeginn markiert dann eine gänzlich zivile, private, ja harmlose Szene: Zwei Studentenfreunde sitzen, nein, fläzen auf dem Sofa ihrer möblierten Bude herum und büffeln für die Prüfung im Fach Nationalökonomie. Irgendwie sehen sie aus wie Jungakademiker vor etwa 100 Jahren. Und reden auch ein wenig gestrig daher. Offenbar schreiben wir das Jahr 1919, und die beiden Kommilitonen, die sich da gegenseitig über „Bilanz- kunde“ und „Geldverteilungskonten“ abhören, sind Hauptfiguren des Bühnenstücks „Schlageter“, geschrieben vom NS-Dramatiker Hanns Johst, uraufgeführt 1933. Der aus Schönau im Schwarzwald stammende Albert Leo Schlageter, ein militanter Aktivist, den ein französisches Militärgericht wegen mehrerer Sprengstoffanschläge 1923 hinrichten ließ, galt aus NS-Sicht als gefeierter Märtyrer. Später zeigt sich, dass diese Bühne, auf der eben noch Schlageter und seine Freunde agierten, gleichzeitig die Zwickauer Frühlingsstraße abbildet, jene konspirative Wohnung, in der sich Zschäpe, Mundlos und Böhnhardt aufhielten. Die Beschäftigung mit dem NSU ist bühnenreif geworden. Zu viel Ehre? Die Gefahren – zwischen Einfühlen und Ausstellen – sind offensichtlich. Nach Braunschweig („Unter drei“) und Frankfurt am Main („Der weiße Wolf“) hat nun auch Karlsruhe ein Stück zur Thematik herausgebracht, das sich im Titel eher...

Badisches Staatstheater Karlsruhe: „Rechtsmaterial. Ein NSU-Projekt“ (UA) von Jan-Christoph Gockel und Konstantin Küspert. Regie Jan-Christoph Gockel, Bühne Julia Kurzweg, Kostüme Sophie du Vinage

Karlsruhe: Ihr, die erblasst und bebt ...

Der Satz passt immer: In bad times it is good to know the worst. Das Schlimmste für die Damen und Herren der höheren Wirtschaftssubjekte (Top Dogs) war schon immer die Entlassung. Ohne Arbeit gilt keiner was: Die Entthronung ist schlimm wie nichts anderes – mit Ausnahme des bevorstehenden Todes vielleicht. Urs Widmer (Text) und Volker Hesse (Regie) starteten im Winter des Jahres 1995 das Projekt „Königsdramen in den Chefeta- gen“ am Theater Neumarkt in Zürich: „Wie sieht Arbeitsplatzverlust im Reich der Manager aus?“, lautete die Frage der Projektleiter. Es waren damals in Zürich Zeiten der gröberen „Strukturbereinigungen“. Die Folgen von Firmenzusammenlegungen waren umfassende Entlassungen von Managern. Was ereignet sich in diesen „Subjektilen“, wenn die Nachtschwärze der Arbeitslosigkeit sie anstarrt? Und: Wie kommt man als Theatermacher zu Informationen und Erfahrungsberichten aus jener fernen Realität? Ein Glücksfall war Hesses und Widmers Entdeckung der Outplacement-Firmen. Outplacement-Büros – eine amerikanische Erfindung – vermitteln keine Stellen für Manager, sie unterstützen aber logistisch und affektiv den Stellensuchenden. „Er findet eine Infrastruktur vor, die zwar ärmlicher als die gewohnte, aber doch nicht ganz anders ist, und die ihm helfen soll, den neuen Job zu finden. Es gibt eine Sekretärin, ein Faxgerät, einen Kopierer, Telefone und Schreibtische mit...

Zum Tod des Schriftstellers Urs Widmer

Endspiel

Die Insel Hiddensee hat zwei kleine Juwele, die auf Rügens charmanter Schwesterinsel wie zwei starke kulturelle Positionslichter strahlen: das maritime Kammertheater Seebühne Hiddensee und die neue Homunkulus-Figurensammlung in Vitte. Das Licht der Seebühne reicht seit 15 Jahren tief in die Seelen und hell in die Herzen der Inselgäste. Und weit über das Meer – nach Bolivien und Chile, durch Europa bis hin in die Ukraine. Die Besatzung ist eine kleine Crew: Wiebke Volksdorf als Intendantin und ihr Mann, der Puppenspieler Karl Huck. Die beiden sympathischen Theatermacher holen seit Jahren Freunde, Förderer und freie künstlerische Mitarbeiter mit ins Boot, um als privates Theater einen sicheren Kurs zu steuern. Flaute kennen sie eher nicht, wohl aber Wellenberge und -täler. Ihr Motto: „Wir stellen uns jedem Sturm.“ Und so haben sie sich jetzt William Shakespeares Bühnenstück „Der Sturm“ gestellt – in einer Inszenierung von Holger Teschke. „Wie ein wertvolles Bild hat auch dieses Figurentheaterstück einen ansprechenden Rahmen bekommen“, sagt Holger Teschke, der auch die Bühnenfassung für diese Inszenierung geschrieben hat. Er lässt Will Kemp auftreten, einen von Shakespeare entlassenen Schauspieler. Der findet das Manuskript von „Der Sturm“ und interpretiert es auf seine Weise – skurril, phantasievoll, überraschend, emotional. Ganz einfach magisch. All das...

Die Seebühne Hiddensee wird mit Shakespeares „Sturm“ und der neuen Homunkulus-Figurensammlung immer mehr zu einer Insel auf der Insel

Über schwankende Planken

mich interessieren situationen, fragile konstellationen, energetische aufladungen oder insistieren auf eine andere anwesenheit, die sich dem moment aussetzen soll, um bezüge herzustellen mit den eigenen archiven. zuschauer sind eingeladen zu erfassen oder zu ahnen, was sie WIE verstehen, was sie an welches politische ereignis erinnert, oder im erinnern ihre intimen verstauten archive des eigenen lebens berührt. politik der konstellation der mittel: aufrieb, aneinandersetzen, roh und vielleicht unverdaut. ich möchte emphatische und zugleich diskursive zeiträume schaffen. begehbare zeiträume, choreografierte verhältnisse, als gedehnte und gestauchte zeit in einem geteilten raum verschiedener ästhetischer operationen. in der letzten arbeit what about catastrophes? ¹habe ich versucht, einen theaterraum mit choreografien, dokumenten und objekten zu besetzen. aus kleinen lautsprechern klingen gespräche, die ich seit 2011 gemeinsam mit günther auer in new york, kairo, alexandria, tunis, jerusalem, tel aviv, zagreb, brüssel /matonge gesammelt habe, und besetzen die zuschauertribüne, säumen den bühnenraum im wechsel mit auf stimmfrequenz reagierende LEDs. zugleich raumzonen mit objekten, bildern, portraits der interviewten als bild und projektion, zeichnungen katastrophaler ereignisse als monochrome skizzen von medienbildern. dazwischen choreografien, sprechakte und handlungen von 5 perfomern und zuschauern. variationen zur katastrophe. halle G des tanzquartier wien: ein raum der distanz. aber diese arbeit ist über katastrophen und...

Instabilität, Tragödie, Katastrophe – einige Argumente zum Theater

Philipp Hochmair kommt allein zurecht. Der Schauspieler ist in der Regie von Bastian Kraft nicht nur die gesamte Personnage aus Kafkas Roman „Amerika“. Er ist auch Gott, ist Erzengel, ist Teufel, ist schließlich: Jedermann. Der Solospieler macht sich die Texte zu eigen, ist das ganze Drama – und damit wohl der Paradespieler einer monodramatischen Figur, dessen Herausforderung Karlheinz Braun umstandslos zusammenfasst: „Der muss sehen, wie er alleine zurechtkommt.“ Der Mitgründer des Verlags der Autoren hat jüngst 15 solcher „MonoDramen“ in einem gleichnamigen Band herausgegeben, und wer die 28 vorangestellten grundsätzlichen „Sätze zum MonoDrama“ liest, spart sich die mitunter fade Lektüre einiger theaterwissenschaftlicher Klassiker, Aristoteles z. B. Oder Peter Szondi. Prägnant und pointiert fasst Braun auf nicht mal zwölf Seiten einige hundert Jahre Dramentheorie zusammen, das Monodrama – „Stiefbruder des Monologs und großer Bruder vom Minidrama“ – immer im Blick. Hans-Thies Lehmanns „Postdramatisches Theater“ findet sich beispielsweise in Satz Nr. 20, zusammengeschrumpft auf elf Zeilen: „Die Theaterentwicklung der letzten 30 Jahre hat zu einer teilweisen Auflösung der traditionellen Theatermittel geführt. Das dramatische Theater (…) hat sich allmählich und partiell zu einem post dramatischen Theater entwickelt, in dem sich das ästhetische Material des Theaters (…) mehr oder weniger verselbstständigt – um in...

Karlheinz Braun (Hg.): „MonoDramen“. Verlag der Autoren, Frankfurt am Main 2014, 376 S., 22 EUR.

Mach’s doch alleene!

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

So gut haben wir noch nie gespeist, jedenfalls nicht im Theater – und schon gar nicht während der Vorstellung. Das Intermedia Orkestra aber lässt uns keine Wahl: In der Bremer Schwankhalle gibt es nur Plätze am gedeckten Tisch. Wasser, Säfte, verschiedene Limonaden, Bier und Wodka stehen bereits vor uns, während wir uns setzen; die Speisen kommen nach und nach hinzu: Salate mit und ohne Fleisch, eingelegtes Gemüse, herzhaft gewürzte Hähnchenschenkel, Fladenbrot und schließlich auch noch eine Torte. Mal serviert eine hübsche armenische „Kellnerin“ das Mahl direkt am Platz – die Köchin, wie wir hinterher erfahren. Dann wieder tauchen die reich gefüllten Schalen einfach unter einem halbdurchsichtigen Vorhang vor uns auf, eine Hand schiebt sie zu uns herüber. Hinter diesem Vorhang, den unsere Tische umschließen, verbirgt sich das Ensemble. Oder sollten wir sagen: der Sender? Denn ein Rundfunk-Tonstudio zeichnet sich ab, wenn auch undeutlich. „Broadcasting Eriwan“ erzählt die Geschichte eines Rundfunksenders, den es womöglich nie gegeben hat, um den sich aber nichtsdestoweniger unzählige Geschichten ranken, die des Radios Eriwan. Das Ensemble nimmt den Besucher auf die Reise in die Vergangenheit des Senders kurzerhand mit: Über Augen- und Ohrenzeugeninterviews erfahren wir von Radio Eriwan und seiner vermeintlichen oder tatsächlichen Wirkung im armenischen...

In „Broadcasting Eriwan“ erinnert das Intermedia Orkestra in der Bremer Schwankhalle an die subversive Kraft des Radios

Bürger on Air

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

In seinem in den 1960er Jahren in der Sowjetunion gedrehten Film „Andrej Rubljow“, aus Zensurgründen in zwei unterschiedlich langen Fassungen erstellt, erzählt Andrej Tarkowski eine gewaltige Geschichte. Die Geschichte eines um 1400 lebenden Malers und Mönchs, der in eine tiefe Glaubens- und Schaffenskrise stürzt, das Malen – und auch das Sprechen – aufgibt, schließlich aber, veranlasst durch das überwältigende Erlebnis des Gießens einer Glocke, zum Glauben zurückfindet. Der russische Regisseur (1932 – 1986) hatte einen großartigen Film geschaffen, eine „Ikone“ in Schwarz-Weiß, aufgeladen mit einem Pathos, das man heute allenfalls noch bei Lars von Trier findet (dort allerdings in einer radikal profanisierten Spielart). Das Eingreifen der Zensur zeigt, dass der Film in der UdSSR völlig zutreffend auch als Parabel auf die Aporien des Künstlers in der Gegenwart verstanden wurde. Robert Borgmanns Kölner Adaption des Tarkowski-Films dauert länger als der Film, geschlagene vier Stunden. Leider nicht deswegen, weil Borgmann mehr zu erzählen hätte als der Filmemacher. Der Grund für die Weitschweifigkeit des Theaterabends liegt eher darin, dass der Regisseur sich weitgehend auf Arabesken und auf schwer entschlüsselbare Chiffren kapriziert, statt den Kern der Fabel zu erforschen und deren mögliche (oder unmögliche) Aktualität zu belichten. Die Fassung von Anja Nioduschewski ist hier...

Schauspiel Köln: „Andrej Rubljow“ nach Andrej Tarkowski. Regie und Bühne Robert Borgmann, Kostüme Minki Warhol

Köln: Theateresoterischer Mummenschanz

Kampfpanzer stürzen vom Himmel, Tumbleweeds fangen an zu sprechen, und Gott scheint sich in den nordischen Wäldern verirrt zu haben. Wer sich durch die sieben Dramen der Endauswahl beim Heidelberger Stückemarkt liest, findet darunter bizarre Plots, in denen die Welt schon lange aus den Fugen geraten ist. Andere Geschichten bleiben dichter an der Wirklichkeit, zoomen auf psychisch eingemauerte Jugendliche, zerfallende Familien oder globale Flüchtlingsströme. Kurzum, das Tableau der sieben Finalistentexte – aus einem Feld von 96 Einsendungen – repräsentiert wieder ein recht breites Spektrum der Gegenwartsdramatik, vom locker-humorigen Short-Cuts-Bilderbogen bis hin zum sprachlich preziösen Kammerspiel. Wie geht es eigentlich der althergebrachten Autorschaft im Zeitalter der Stückentwicklungen und Performances?, fragte eine Gesprächsrunde. Beim Stückemarkt, berichtet Festivalleiter Jürgen Popig, habe man sich entschieden, weiter „ganz klassisch das Autorprinzip beizubehalten“ und die Vielfalt alternativer Möglichkeiten eher im Gastspielprogramm aufzufächern. Beim Hauptpreis, dem mit 10 000 Euro dotierten Autorenpreis, fällte die Jury eine eher ungewöhnliche Entscheidung. Denn Preisträger Ulf Schmidt (Jahrgang 1966), ein bekennender Postdramatiker, zählt nicht mehr zur Newcomer-Generation, und zudem dürfte sein prämiertes Stück „Der Marienthaler Dachs“, eine bitterböse Satire auf die krisengeschüttelte Weltwirtschaft, eine Herausforderung fürs Theater sein. Denn der Autor fährt darin nicht nur mehrere Simultanschauplätze auf, sondern lässt oft...

Der Heidelberger Stückemarkt zeigt, dass auch klassisches Autorentheater den Apparat lustvoll zu überfordern weiß

Als Gott sich im Wald verlief

Antje Budde: Theater – interessiert dich das überhaupt noch? (Katka Schroth und Antje Budde lachen) Hans-Joachim Fiebach: Ich habe heute – weil ich jetzt doch bei meinem Kapitel über Brecht für den letzten Teil (meines gegenwärtigen Buches) bin – gerade etwas von Roland Barthes über Brecht gelesen. Das ist wahrscheinlich eine der klügsten Stellen, die je über Brecht geschrieben wurden. Der Titel seiner Sammlung von Aufsätzen ist „Ich habe das Theater immer sehr geliebt, und dennoch gehe ich fast nie mehr hin“. (lacht) So, und das ist die Überschrift, „Schriften zum Theater“ steht drunter. Budde: Also das Theater in den Medien interessiert dich mehr als die Medien im Theater? Fiebach: Ja, so ungefähr. Budde: Das unterrichtest du im Moment? Fiebach: Ich versuche es. Budde: Mit Medien meinst du hauptsächlich Fernsehen oder Fernsehpräsenz im Internet? Fiebach: Ich meine mit Medien auch das Internet, aber das Fernsehen, das für mich das tatsächlich wirkliche, noch beherrschende Leitmedium ist, interessiert mich mehr als das Internet. Budde: Gucken deine Studenten noch Fernsehen? Fiebach: Ja, entschuldige, ich habe dir doch gesagt, das ist ja der Witz, einige von denen, die kennen alles im Fernsehen, lesen aber kaum Bücher. Sind natürlich auch andauernd...

Ein Gespräch zum 80. Geburtstag des Theaterwissenschaftlers Hans-Joachim Fiebach von Antje Budde und Katka Schroth

In Blade Runner City

Junge Hoffnung

In welchen Räumen arbeiten die Künste?, fragt der Sammelband „Raumverschiebung: Black Box – White Cube“. Ausgehend von der Diskussion dieser beiden symbolisch gewordenen Räume und verbunden mit Aus- und Rückblicken in alternative Raumvorstellungen gelingt den Herausgeberinnen Barbara Büscher, Verena Elisabeth Eitel und Beatrix von Pilgrim unverhofft ein Beitrag über die Räume, die die zeitgenössische Theater- und Performancekunst benötigt. Der Band ist die Abschlusspublikation eines mehrsemestrigen Kooperationsprojekts der Karlsruher Hochschule für Gestaltung mit den Leipziger Hochschulen für Musik und Theater sowie für Grafik und Buchkunst. Black Box wie White Cube werden als „Kon- zentrationsräume“ begriffen. Doch während die Black Box für die aus dem Theaterkontext kommenden Herausgeberinnen recht undifferenziert nur einen „Erleuchtungsraum“ darstellt, begreift die Ausstellungsmacherin Iris Dressler den White Cube als strategische Verknüpfung von „Verkaufsladen, Museum und Kirche“ zum Zweck der „ideellen und materiellen Wertsteigerung, der Fetischisierung und des Heilsversprechens“. Interessanter noch als diese Differenz in der Betrachtung der vermeintlich „neutralen“ Präsentationsräume sind die Hinweise auf architektonische Debatten und alternative Raumaneignungs- und Bespielungskonzepte. Jan Lazardzig erinnert an die Kritik an den historisierenden Theaterneubauten der 1950er und 60er Jahre; damals schon wurde durch die Bauform das Festhalten an konservativen Ästhetiken befürchtet. Barbara Büscher unternimmt eine Relektüre der Konzepte mobiler Spielräume aus...

Barbara Büscher, Verena Elisabeth Eitel, Beatrix von Pilgrim (Hg.): Raumverschiebung: Black Box – White Cube. Georg Olms Verlag, Hildesheim 2014, 222 S., 38 EUR.

Raumaneignung in den Künsten

Den Narben begegnen

Der Berliner Ortsteil Wedding ist bekannt für seine serielle Architektur. Besonders zwischen Englischem Viertel und Volkspark Rehberge reiht sich ein gleiches Haus ans andere. Der ganze Stolz einiger Bewohner ist daher ein rund 60 000 Quadratmeter großes Naturgelände, ein Naherholungsgebiet mit derzeit 167 Parzellen, Bäumen und Grillplätzen, ergänzt durch ein paar Fahnen, die hier traditionsgemäß wehen. Meist in den Lieblingsfarben: Schwarz. Rot. Gold. Der damalige Bundeskanzler Gerhard Schröder zeichnete die Betreiber dieser Anlage im Jahr 2000 als verdiente Gartenfreunde aus. Ihr Logo war erst kürzlich wieder in der taz zu sehen: ein Weidenkorb mit Wiesenpflanzen, umrankt von einem Schriftzug: Kleingartenverein Togo e.V. Gegründet 1939. Der Berliner Bezirk Kreuzberg ist bekannt dafür, dass es hier, so heißt es, anders zugeht. Besonders nördlich des Kanals, im alten Postzustellbezirk 36, in dem das Ballhaus Naunynstraße beheimatet ist. Dort, auf der Bühne, sitzen Cyrus, Eric, Viktoria und Joy am Küchentisch und streiten. Ein WG-Casting ist angesagt, ein Stapel Fotos liegt auf dem Tisch. Geschlecht, Beruf, alles wird diskutiert. Nur eines kommt nicht in Frage: dass der Neue weiß ist. „Wenn ich mir vorstelle“, sagt Joy, „dass ich morgens zum Frühstückstisch komme und dann sitzt da ein Weißer … dann ist mir noch vor dem...

Das Ballhaus Naunynstraße in Berlin erzählt unter seinen neuen Leitern Wagner Carvalho und Tunçay Kulaoglu Geschichten aus der Riesen-WG Deutschland

Homestorys

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Was folgt

Liebe, Schreiben, Popmusik

Aalen Theater Lass mich träumen. Eine Lebenscollage (A. Ebert, 05.06.) Baden-Baden Theater D. Seidler: The King‘s Speech (M. v. Mayenburg, 13.06.); B. Bicker: Deportation Cast (V. Bousquet/F. Kroop, 21.06.); F. Heinrich: Die erstaunlichen Abenteuer der Maulina Schmitt (J. Kracht, 28.06.) Bamberg E. T. A.-Hoffmann-Theater R. Lewandowski: Peace of My Heart – Janis Joplin (G. Mittendrein, 06.06., UA) Basel Kaserne T. Martin: Field (T. Martin, 05.06.); Frühlingsopfer (She She Pop, 26.06., SEA) Theater W. Mouawad: Die Durstigen (R. David, 05.06. Bautzen Deutsch-Sorbisches Volkstheater M. Brankatschk: Tśmjelojc Hana namakajo pśijaśela (M. Brankatschk, 03.06.) Bayreuth studiobühne n. U. Eco/C. Frankl: Der Name der Rose (B. Franz, 07.06.); O. Preußler: Die kleine Hexe (R. Moebus, 22.06.) Berlin Grips Theater T. Reffert/n. K. Kordon: 1848 – Die Geschichte von Jette und Frieder (F. Panhans, 17.06., UA) Maxim Gorki Theater Kritische Masse (S. Gürler, 05.06.); R. W. Fassbinder: Angst essen Seele auf (H. S. Mican, 06.06.); Golden Love (Was bedeutet Verliebt-Sein im Alter?) (R. Rosenberg, 20.06.) Sophiensaele Sink or Swim (XLR Female, 05.06., UA); Gemeinsam (C. Garbe/J. Castillo-Bro, 18.06., UA); MELT! – Horrorschule (I. Sajeviç/K. Zehner, 18.06., UA); Leonardo da Vinci-Gymnasium + Sophiensaele: Meine Schule ist die Straße (L. Talamonti/V. Schonlau, 19.06., UA); Die kalten Sophies:...

Premieren: Juni 2014

Rechnung an Theater der Zeit

Die Interviews mit „Menschen vom Bodensatz der Gesellschaft“ – so der Titel der amerikanischen Originalausgabe von 2002 –, die der spätere Friedenspreisträger Liao Yiwu über mehrere Jahre hinweg in China führte, sind ein politisches und literarisches Ereignis. Zunächst natürlich wegen der Rechercheergebnisse, der ungeschminkten Lebenszeugnisse aus dem Mund der Totengräber, Klomänner, Prostituierten und Ausbrecherkönige, die das nach außen hin prosperierende China von seiner dunklen Gegenseite her zeigen. Dann aber auch, und das erwartet man kaum, wegen ihres Humors. Es ist zweifellos das Verdienst des Interviewers Liao Yiwu, seine Gesprächspartner nicht einfach nur reden zu lassen, wie ihnen der Schnabel gewachsen ist, sondern diesen Schnabelwuchs gewissermaßen in eine Form zu bringen, die eine Beichte – oder einen Wutanfall – in ein Juwel dokumentarischer Literatur verwandelt. Der Leser im Westen weiß ja eher wenig über die verwirrenden Widersprüche im Reich der Mitte; Begriffe wie „großer Sprung“, „fünf Übel“, „Rechtsabweichler“ oder „Kampfkritik“ erscheinen ihm wie bizarre Blüten einer nicht erwachsen gewordenen Pfadfinderromantik, während sie in China zum Alltagsbesteck gehören und ganz selbstverständlich von jedermann im Mund geführt werden. Es ist relativ leicht, sich über Sprachregelungen oder Rituale in einem weit entfernten Teil der Erde zu mokieren, wenn man selbst beispielsweise auf einem Theatersessel...

Theater Münster: „Fräulein Hallo und der Bauernkaiser“ (UA) von Liao Yiwu. Spielfassung und Regie Max Claessen, Ausstattung Mirjam Benkner

Münster: Suspekter Dreifachservice

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Spannung vor den berüchtigten Wittmund-Proben. Vor jeder Premiere aufs Neue. In Wittmund steht die kleinste Bühne, auf der das Ensemble der Landesbühne Niedersachsen Nord GmbH turnusmäßig spielt. Wenn es ganz schlecht läuft, zeigt sich erst bei der Wittmund-Probe, dass etwas buchstäblich nicht passt: das Bühnenbild. Dann helfen nur noch die Säge und die Improvisationskünste des Ausstatters. „In gewisser Weise sind wir für zwölf Städte das Stadttheater“, umschreibt Intendant Olaf Strieb den Charme des Bildungsauftrags, den seine Landesbühne wahrnimmt. „Aber pro Stück gibt es eben nur eine Bühne – und die muss überall passen“, erklärt er einen der zentralen Unterschiede zu den Stadttheatern der Republik. Die Mittel, mit denen sich die Landesbühne Niedersachsen Nord seit jeher behauptet, mögen bescheiden sein, wie es auch der Etat von rund 6,4 Millionen Euro jährlich ausdrückt. Zwar haben das Land und der Zweckverband der Spielstätten die Zuschüsse in Höhe von 4,3 Millionen Euro auf Jahre festgeschrieben, die Kosten des Hauses aber steigen stetig. Der wirtschaftliche Spielraum Striebs ist daher denkbar klein. Was geschieht, wenn etwa die rund dreißig Jahre alte Lichtanlage in Wilhelmshaven ausfiele, mag er sich gar nicht ausmalen. Denn Geld, um einfach eine neue Anlage zu kaufen, sei schlicht nicht vorhanden. Auch leistet...

Olaf Strieb leitet mit der Landesbühne Niedersachsen Nord in Wilhelmshaven auch elf weitere „Stadttheater“

Der Satellitenexperte

Magisch und anders

Am Beginn denken Verliebte durchaus daran, dass die Liebe zwischen ihnen zu Ende gehen könnte. Aber – sie glauben nicht daran: „Bei uns wird die Liebe kein Ende haben.“ Mitunter hält sie auch lange. Vorzeichen werden ignoriert („Bei uns doch nicht“). Und doch geschieht dann alles, was nie geschehen sollte: Langeweile, Betrug. Geredet wird nicht. Das (Ver-)Schweigen möge die „Normalität“ verlängern und den Schmerz über den Liebesverlust vermeiden helfen. Aber es hilft nichts. Der Schmerz kommt mit Macht nach all dem Betrug. Es folgen die Trennung und dann der Scheidungstermin. Hier setzt Marguerite Duras mit La Musica an. Zum Scheidungstermin treffen sich Anne-Marie und Michel in der Stadt, in der sie lange lebten. Zufälligerweise im selben Hotel. Und sie sprechen miteinander – zum letzten Mal. Und vielleicht, weil Zeit verging und beide keine Themen mehr für gemeinsame Gespräche haben, können/müssen beide zum ersten Mal über ihre gescheiterte Ehe sprechen. Ist Liebe gar nicht möglich? Klassiker veralten nie. Oder anders gesagt: Es gibt Einsichten, die sind so richtig, aber so schwer zu beherzigen: „Mitlieben, nicht mithassen ist mein Teil“ – aktueller kann ein Satz zurzeit gar nicht sein. Antigone spricht ihn, als König Kreon die Bestattung Polyneikes’ verbietet. Und warum? Weil...

Hörspiel: Mitlieben, nicht mithasse

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Frau Clavadetscher, in Ihrem Stück „My only friend, the end“ beschäftigen Sie sich mit Suiziden von Jugendlichen in der Schweiz. Wie haben Sie recherchiert? Ich habe sehr viel gelesen. Neben Statistiken waren das wissenschaftliche Texte und Lebensberichte von verwaisten Eltern. Ich habe geschaut, wie in der modernen Literatur damit umgegangen wird, etwa bei Jeffrey Eugenides, und ich habe natürlich Goethes „Werther“ noch mal gelesen. Am Luzerner Theater gab es eine Begegnung mit Hinterbliebenen. Es waren auch Vertreter von Organisationen da, die sich täglich mit der Thematik beschäftigen. Nach dieser Recherche wollte ich aber zu einer Geschichte zurückfinden. Ihre Figuren sind junge Menschen, die Angst vor der Zukunft ebenso umtreibt wie Langeweile in einer Schweizer Kleinstadt. Eine ihrer Gegenstrategien ist Gewalt – gegen sich selbst und gegen andere. Welche Möglichkeiten bietet die Bühne, das darzustellen? Einerseits ist die Gewalt im Stück wichtig, weil sie Hilflosigkeit ausdrückt: Wenn Sprache etwas nicht mehr erklären kann, kommt die körperliche Energie zum Zug. Die kann sich in der Sprache zeigen, oder man stellt die Gewalt als Leerstelle dar, so dass man die Handlungen nicht explizit sieht, sondern sie sprachlich andeutet. Der Zuschauer soll sich selber vorstellen, wie diese Gewalt aussehen könnte. Wenn man die Leerstellen...

Martina Clavadetscher beschäftigt sich in ihrem Stück „My only friend, the end“ mit dem Tabuthema Suizid unter Jugendlichen. Ein Gespräch mit Elisabeth Maier

Was bedeutet es, am Leben zu sein?

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Derman sendedir

Die Stress-Knoten auflösen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

In den 70er und 80er Jahren sind wir Theaterleute häufig nach Polen gereist, vor allem zu den Festivals in Warschau und Wrocław/Breslau, um zu studieren, wie unsere polnischen Freunde auf dem Theater mit der Realität umgehen. Zu hören war, dass man dort anders verfahre, als unsere sozialistischen Schriftgelehrten es empfahlen. Wir waren geil auf Mrozek und Rózewicz – wobei für uns schon erstaunlich war, wie selbstverständlich der nach Paris emigrierte Mrozek in seiner Heimat gefeiert wurde –, aber auch auf jüngere Autoren wie Iredynski oder Kajzar. Rózewicz aber war der polnischste von allen (die Landsleute nannten ihn ihren „jüngsten Klassiker“), und seine „Kartei“ in der Warschauer Inszenierung von 1973 (Regie Tadeusz Minc) mit dem großartigen Komiker Wojciech Siemion musste man einfach gesehen haben. Wolfgang Kröplin, profunder Kenner des polnischen Theaters, beschreibt die Haltung der polnischen Autoren als „erfüllt von einer eigentümlichen, sehr produktiven Spannung zwischen wachem Nationalbewusstsein und selbstkritischer Haltung gegenüber der eigenen Befindlichkeit“. Rózewicz’ erstes, 1960 uraufgeführtes Stück „Die Kartei“ ist die Auseinandersetzung des „Helden“ mit seiner Vergangenheit, es ist kritische Rückschau auf ein Leben voll verpasster Möglichkeiten und falscher Entscheidungen. „Die Zeugen oder Unsere kleine Stabilisierung“ von 1962 kann auch gelesen werden als Parodie auf den real existierenden...

Zum Tod von Tadeusz Rózÿewicz

Polens jüngster Klassiker

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

„Die Lehrer sind tot“, sagte Corinna Harfouch, als wir nach dem Tod Horst Sagerts miteinander telefonierten. Der originellste, querköpfigste deutsche Künstler, den ich kannte, ist am 8. Mai, dem Tag der Befreiung, gestorben. Kennengelernt habe ich ihn 1996. Schleef hatte in der ihm eigenen Ausschließlichkeit gesagt, dass der einzige Künstler, der am Berliner Ensemble inszenieren solle, Horst Sagert sei. Ich traf ihn, wir sprachen über „Medea“, ein Uraltprojekt, das Anfang der siebziger Jahre am Deutschen Theater gescheitert war. Ein Vierteljahr später zog sich Sagert aus dem Projekt zurück, wir trafen uns aber immer wieder. Mich interessierten seine überbordende Phantasie, seine verquere Dialektik, seine Formulierungslust und vor allem seine Bilder. Im Hintergrund zwei Erinnerungen an Theaterereignisse: „Der Drache“ in der Regie von Benno Besson, mit Eberhard Esche und Rolf Ludwig am Deutschen Theater („Wir müssen Berlin verzaubern, Kläuschen“ sagte Esche zu Klaus Piontek, als sie ans Deutsche Theater engagiert wurden) und „Urfaust“ am Berliner Ensemble, in seiner eigenen Regie, mit Corinna Harfouch, Hermann Beyer und vielen anderen Schauspielern, mit denen ich später arbeiten sollte. Wir telefonierten häufig, er sagte: „Wir mögen Sie, aber bisher haben Sie nichts geleistet. Wachsen Sie, denken Sie gut nach, lesen Sie. Denken Sie ästhetisch und ein...

Zum Tod von Horst Sagert

Sprung in die Tiefe

Dinslaken: eine kleine Stadt am Niederrhein, nordwestlich von Oberhausen, schon fast an der Grenze zu Holland. Der Bahnhof ist noch in Betrieb, die meisten Kneipen in seiner Umgebung aber sind geschlossen. Eine davon, das Bräustübl, schließt erst nächstes Jahr. Ein Unikum, beseelt von einem gemütlichen Wirt, einer verwinkelten Architektur und einer einladenden Rundtheke, an der sich einst die Malocher ihr Feierabendbierchen zapfen ließen; der Zigarettenrauch vergangener Tage hängt noch in der Luft. Die Burghofbühne Dinslaken spielt hier „Dreck“, ein zwanzig Jahre altes Stück von Robert Schneider um einen arabischen Rosenverkäufer, der sich, englisch, Sad nennt. Der Text ist entstanden, als in Rostock und anderswo die Unterkünfte von Asylbewerbern brannten. „Dreck“ ist ironiesatt – eignet sich so etwas als Jugendstück? Die Probe aufs Exempel fällt schwer, an diesem frühen Abend sind kaum Jugendliche im Publikum. Der Spielort ist das Bühnenbild. Die Regieassistentin spielt Akkordeon, ein anderer Assistent gibt sein Regiedebüt, Carlo Sohn legt sich als Sad mächtig ins Zeug, und Christoph Bahr, der zweite Schauspieler, tritt als Wesselow aus der Bierfassluke unterm Tresen auf. Nach 55 Minuten (einschließlich Bewirtungspause) ist alles vorbei. Landesbühnen sind polymorphe Gebilde, eigenartige Hybride aus Kunst und Kommerz. Wie in einem Versandhauskatalog sind die Stückebeschreibungen in den...

Thorsten Weckherlin, Intendant der Burghofbühne Dinslaken, über die Zukunft der Landesbühnen – wenn die Stadttheater längst aufgelöst sind. Ein Gespräch mit Martin Krumbholz

Die Grundversorger

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

André hat nicht vergessen, was sein Regisseur und Trainer Gerd Hartmann einmal zu ihm gesagt hat: Irgendwann würden sie sich gemeinsam auf der Bühne zeigen. André Nittel sitzt im Rollstuhl, er kann nicht sprechen, aber E-Mails schreiben, mit einem Picker auf der Stirn, den er auf die Tastatur senkt. Wann, lieber Gerd, wann endlich? Und so brachte er es fertig, dass sein Regisseur nach 15 Jahren Abstinenz wieder selbst auftrat, in „Verflucht das Herz – Shakespeares Sonette“ im Berliner Theater Thikwa. Dieser Auftritt, von links aus der Tiefe des Raums, gehört zu den atemberaubendsten Momenten, die man zurzeit im Theater erleben kann. Es ist ein Auftritt auf Rädern, im Rollstuhl, Gerd unten, André oben, beide weiß gekleidet und mit stoischem Gesichtsausdruck. In den langsamen Bewegungen von Armen und Beinen führt mal der eine, mal der andere. So wird aus dem Spiel der Führung auch ein Spiel der Verführung. Als Gerd uns erzählte, dass er mit seiner Moskauer Inszenierung „Entfernte Nähe“ für die Goldene Maske nominiert sei, den höchsten russischen Theaterpreis, waren wir ganz, ganz lustig, Fotograf David Baltzer und ich, und haben gesagt: Den kriegst du jetzt eh nicht, wo es mit Putin und dem Westen nicht so recht hinhaut,...

Thikwa-Regisseur Gerd Hartmann erhält den höchsten russischen Theaterpreis

Ich ohne mich

Wie ein Mehlsack sei ich damals vom Motorrad gefallen, mein Vater ist ohne mich weiter gefahren, hat eine ganze Weile nicht gemerkt, dass niemand mehr da war, hinter seinem Rücken, ich lag auf der Strasse, in meiner Umhängetasche steckte ein frisches Brot trrrrrrrr so kam mein Vater wieder angefahren, das habe ich genau gehört, obwohl ich bewusstlos war, wie sie später alle sagten, mein Vater kam angefahren, in meiner Welt, die orange war, rot, türkis und violett, die Blumen steckten an allen Ecken und Rändern meiner Welt, und die Blumen, sie rochen nach Brot, das Weissbrot, das neben mir lag, im Staub, und ich hörte meinen Vater wie er meinen Namen rief, und ich hörte seine Stimme, sie sprudelte über die Blumen, rüttelte an meiner Schulter, Zoli! Zoli! und ich habe ihm eine Heuschreckenplage geschickt, pfeifende Mäuse, die meinem Papi das Schlottern in die Kniekehlen jagen, ich habe den Hund der Nachbarin gerufen, damit er ihm die Waden leckt – was er auf den Tod nicht ausstehen kann – was habe ich nicht alles gedacht, damit er mich in Ruhe lässt warum er das hätte tun sollen? aber das werde ich Ihnen sicher noch erzählen, wenn Sie Geduld haben, und...

Schildkrötensoldat

Damit das schon mal klar ist: „Ich bin nicht Lou Andreas-Salomé“, verkündet die junge Frau, die als schwarz gekleidete Lichtgestalt aus den Kulissen tritt. „Ich auch nicht.“ – „Ich auch nicht.“ – „Ich auch nicht“, sagen reihum zwei Männer und eine Frau, die sich neben ihr aufgestellt haben. Nur ein weiterer Mann, wie alle fünf im strengen Witwengewand, sagt nichts und lacht hysterisch. Auch eine Antwort. Schlicht „Lou Andreas-Salomé“ hat die Berliner Dramatikerin Tine Rahel Völcker den Dreiakter genannt, den sie im Auftrag des Deutschen Theaters Göttingen einer der wohl spannendsten Frauenfiguren des Fin de Siècle gewidmet hat. Der Beginn ist Absicherung – niemand soll glauben, dass hier historisch korrekt eine Lebensgeschichte erzählt wird – und Standortbestimmung zugleich: So eigensinnig, so vielschichtig, so interpretationsoffen war diese Lou Andreas-Salomé, dass sie auch auf der Bühne nicht in ein Rollenkorsett gezwängt werden soll. Alle fünf Schauspielerinnen und Schauspieler sind sie ein bisschen, aber niemand ganz. Geboren 1867 in Sankt Petersburg, gestorben 1937 in Göttingen, hat die Generalstochter ihre Zeitgenossen, insbesondere die männlichen, verstört und fasziniert zugleich. Sie war Femme fatale und Freidenkerin, verfasste zahlreiche Essays, Gedichte und Romane, rebellierte gegen Klischees und Konventionen. An Ehe und romantischer Liebe ließ sie kein gutes...

Deutsches Theater Göttingen: „Lou Andreas-Salomé“ (UA) von Tine Rahel Völcker. Regie und Ausstattung Lutz Keßler

Göttingen: Femme fatale stockste

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Melinda Nadj Abonji, Sie treten seit Ende der neunziger Jahre als Performerin auf. Nun gelangt erstmals ein Stück von Ihnen auf eine Theaterbühne: „Schildkrötensoldat“. Was interessiert Sie am Theater, und warum haben Sie nicht bereits früher für die Bühne geschrieben? Lange bevor ich zum Schreiben kam, haben mich zwei Persönlichkeiten geprägt, die sich auf unterschiedliche Art mit dem Theater beschäftigt haben. Die erste ist Herbert Gamper, der als Literaturwissenschaftler und Dramaturg gearbeitet hat (u. a. am Zürcher Theater Neumarkt). Die zweite war eine großartige Stimmbildnerin, die mit allen namhaften Regisseuren zusammengearbeitet, aber auch selbst Regie geführt hat. Bei beiden habe ich gelernt, dass das Lesen eine Kunst ist, dass in der (vertikalen und horizontalen) Tiefenstruktur eines Textes alles geborgen ist; nicht nur die thematischen Strömungen und Schichtungen, sondern auch die musikalische Bewegung – wie die Satzzeichensetzung, die Vokalabfolgen, der spezifische Gebrauch der klingenden Konsonanten. Den Text mit all seinen Implikationen zu verstehen, bereits als Teil der Bühnenarbeit zu begreifen, diese bewusste und notwendige Hingabe an den Text ist aber – das habe ich in den letzten Jahren festgestellt – in den allermeisten Bühnenproduktionen nicht präsent. Literatur, die literarische Sprache, scheint mir geradezu unvereinbar mit dem Theater zu sein, den ich...

Die Autorin Melinda Nadj Abonji über ihr Stück „Schildkrötensoldat“ im Gespräch mit Ingo Starz

Bericht eines Verstummten

■ Das iranische Kultusministerium hat erstmals eine Frau zur Theaterintendantin ernannt. Das Stadttheater Teheran soll künftig von der Regisseurin Parisa Moghtadi geleitet werden. Moghtadi ist in der iranischen Kulturszene gut bekannt. Nach einem Diplom in Stadtplanung studierte sie an der Kunstuniversität in Teheran Theaterwissenschaft und inszenierte danach eigene Bühnenstücke. Irans Präsident Hassan Rohani hatte nach seinem Amtsantritt im August 2013 versprochen, vermehrt Frauen in Führungspositionen zu bringen. ■ Das Theater Winkelwiese in Zürich erhält zur Spielzeit 2015/16 eine neue Leitung. Manuel Bürgin wird die Nachfolge von Stephan Roppel antreten. Geboren 1975 in Reigoldswil, absolvierte Bürgin seine Schauspielausbildung in Zürich. Von 2000 bis 2005 war er Ensemblemitglied am Schauspielhaus Bochum, seit 2005 arbeitete er als freier Schauspieler und Regisseur, u. a. am Nationaltheater Mannheim, am Theater Basel und in der freien Szene. ■ Der Generalintendant des Düsseldorfer Schauspielhauses Günther Beelitz hat seine neuen Dramaturgen für die Spielzeiten 2014/15 und 2015/16 vorgestellt. Barbara Noth, seit 2009 Chefdramaturgin am Rheinischen Landestheater Neuss, und Oliver Held, derzeit noch Schauspieldramaturg an den Wuppertaler Bühnen, sind das neue Dramaturgenteam. ■ Andreas Beck, designierter Intendant des Theaters Basel, hat sein Leitungsteam für die Spielzeit 2015/16 zusammengestellt. Gemeinsam mit der geschäftsführenden Dramaturgin Almut Wagner und vier Hausregisseuren wird...

Meldungen

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Philipp Löhle, im Februar kam am Konzert Theater Bern Ihr Stück „Wir sind keine Barbaren!“ zur Uraufführung – einen Tag vor der Volksabstimmung der Initiative „Gegen Masseneinwanderung“ der Schweizerischen Volkspartei (SVP). Haben Sie geahnt, dass das Stück derart aktuell werden würde? Nein, gar nicht. Aber nachdem das Stück fertig war, ist vor Lampedusa ein Flüchtlingsboot gesunken, und über hundert Flüchtlinge sind ertrunken. Dann war das Thema überhaupt erst einmal im Fokus. Später kam noch die Initiative dazu. Da dachte ich: Jetzt wird mein Stück von der Realität überholt. Das Erstaunen in der Schweizer Bevölkerung über das Ergebnis der Abstimmung – sie wurde knapp angenommen – haben Sie dann aber nicht geteilt, oder? Ich habe schon gehofft, dass wir dagegen stimmen. Man merkte aber gar keine richtige Opposition gegen die SVP – oder dass es irgendwelche Gegeninitiativen gibt. Nicht dass ich jemandem unrecht tue, aber mitbekommen hat man das nicht, plakatiert war alles mit diesem Populismus: dass die Schweiz verschwindet, dass sie überrannt wird, dass es in fünfzig Jahren keine echten Schweizer mehr gibt, wenn jetzt soundso viele Leute einwandern. Gleichzeitig unterscheidet man gute Ausländer („deutsche Fachkräfte“) und böse Ausländer („Sozialschmarotzer“). Gibt es solches Denken nicht überall? Genau. Das kann man...

Der Autor Philipp Löhle über sein Stück „Wir sind keine Barbaren!“ im Gespräch mit Mirka Döring

Der Zaun ist dicht

Die Regisseurin Irmgard Lange ist am 8. Mai in Berlin nach kurzer schwerer Krankheit gestorben. Sie hatte die letzten Jahre regelmäßig am Theater in Baden-Baden gearbeitet, „Klassiker“ von Sophokles und Lessing bis Brecht und Bernhard erfolgreich inszeniert. Sie habe „unser Haus mit ihrer unerschöpflichen Energie, ihrer Leidenschaft und ihrer Kunst geprägt“, erklärte Intendantin Nicola May in ihrem Nachruf. Die am 30. November 1941 in Posen geborene Irmgard Lange begann nach ihrem Studium in Weimar als Schauspielerin, war in Görlitz und Leipzig engagiert, bevor Schauspieldirektor Hartwig Albiro in Karl-Marx-Stadt (Chemnitz) ihr Regietalent entdeckte. Sie inszenierte ab 1978 hier und ab 1988 in Dresden viel Gegenwartsdramatik mit wachem politischen Instinkt (Hacks, Braun, aber auch Rosow und Sastre), verhalf Werken der russischen Avantgarde zum Erfolg (Platonow, Bulgakow, Schwarz); Raditschkows „Tanz auf dem Birn- baum“ war 1980 eine Entdeckung. Kluge Intendanten haben sie gefördert, Gerhard Meyer in Karl-Marx-Stadt, Gerhard Wolfram in Dresden; ihre Erfahrungen gab sie als Dozentin der Leipziger Theaterhochschule an den Nachwuchs weiter. Sie inszenierte wie Thomas Langhoff auch erst Tschechows „Drei Schwestern“ (noch in Karl-Marx-Stadt – manchmal brauche sie „was mit Innereien“, verriet sie mir im Kantinengespräch), dann Brauns „Übergangsgesellschaft“ 1988 in Dresden, eine Aufführung, die republikweit Furore machte, weil sie...

Im Gedenken an die Schauspielerin und Regisseurin Irmgard Lange

Mit wachem politischen Instinkt

„Ist etwas passiert?“ „Nein.“ „Wann passiert etwas?“ „Weiß nicht.“ „Aber es muss doch endlich etwas passieren, damit etwas passiert.“ Fast so hat sich kürzlich ein Nachtgespräch der Belanglosigkeiten in der S-Bahn zwischen fünf jungen Menschen angehört. Genau so hört man es jetzt woanders – auf der Bühne des Kurtheaters Baden. Der Wiedererkennungseffekt ist groß, obgleich die Worte diesmal Figuren in den Mund gelegt sind, die ihr amerikanischer Schöpfer F. Scott Fitzgerald in den Roaring Twenties situiert hat: eine Zeit der Ausschweifungen und Dekadenz, des Individualismus und Egoismus. Kommt uns das bekannt vor? Die Autorin Rebekka Kricheldorf jedenfalls haben die Parallelen zwischen Vergangenheit und Gegenwart derart interessiert, dass sie den 1925 erschienenen, nachmalig verfilmten Kultroman „Der große Gatsby“ für die Bühne bearbeitet hat und dabei – gerade in den Dialogen – der Vorlage treu geblieben ist. Kricheldorf hat Fitzgeralds Roman primär im Hinblick auf das Groteske befragt. Aberwitzig mutet tatsächlich an, welch einen verbalen Stuss Superreiche wie Tom und Daisy Buchanan (Diego Valsecchi und Nadine Schwitter) oder die charmante, aber eiskalt nur auf die betuchtesten Männer setzende Golfspielerin Jordan (Emilia Haag) absondern. Steht der Bugatti im Schatten, geht für diese ewig Gelangweilten die Welt unter. Ist der eine nicht in der...

Kurtheater Baden / Theater Marie: „Der große Gatsby“ von Rebekka Kricheldorf nach F. Scott Fitzgerald. Regie Olivier Keller, Ausstattung Tatjana Kautsch, Erik Noorlander und Dominik Steinmann

Baden: Wenn der Bugatti im Schatten steht

Das Wiener Kaffeehaus ist, man weiß es seit Langem, keine Gaststätte, sondern eine Weltanschauung, an der offenbar selbst Touristenmassen und Starbucks-Ketten bisher nicht wirklich haben rütteln können. Doch um welche Art Weltanschauung handelt es sich genau? Die berüchtigte Wiener „Gemütlichkeit“ reicht jedenfalls kaum hin, um die Komplexität des Kaffeehauswesens zu erfassen. Vielmehr hat die Gemütlichkeit eine Rückseite, die man eigentlich nur als „tragisches Bewusstsein“ bezeichnen kann. Vielleicht muss man wirklich Stadtneuling und Theatermensch zugleich sein, damit einem die Details dieser eigentümlichen Mischung auffallen. Zum Beispiel die Tatsache, dass in den Wirtschaftsräumen eines echten Wiener Kaffeehauses nach wie vor keine Hintergrundmusik gespielt wird. Hält man sich bei Vollbesetzung in einem solchen Raum auf, dann dröhnt einem eine ungefilterte Mischung aus Stimmengewirr und Geschirrgeklapper in den Gehörgängen wie der Lärm auf einem orientalischen Basar, wie Kampfgeschrei und Kriegsgetümmel auf offenem Schlachtfeld, wenn nicht sogar wie das ohrenbetäubende Gekreisch der Vogelschwärme in Hitchcocks Horrorklassiker. Das heißt aber: Was sich in diesen so harmlos daherkommenden Wiener Einrichtungen abspielt, ist letztlich nichts anderes als die ungeschützte Konfrontation der protagonistischen Einzelfigur „Kaffeetrinker“ mit einer wimmelnden, mannigfaltigen, kaum zu konturierenden chorischen Umgebung – eine Konstellation, die in der Tat den eigentlichen Kern der Tragödienform bildet. Was wiederum...

Kurzer Versuch über eine Wiener Institution

kirschs kontexte: Kaffeehaus und Tragödie

Es ist merkwürdig, dass heute apokalyptische Motive eine besondere Konjunktur in Literatur und Film haben. Man könnte als Beispiel dafür etwa den Erfolg von Cormac McCartheys Roman The Road heranziehen, der in einer nuklear vernichteten Welt spielt oder auch Lars von Triers Film Melancholia, der vom absoluten Zerfall der abendländischen Kultur und von der völligen Vernichtung unserer Welt in kunstvoller Verschränkung handelt. Daneben fänden sich noch viele Beispiele, wobei ein besonders merkwürdiges Phänomen der große Hype um Vampire und Zombies darstellt. Letztere bringen nahezu zwangsläufig apokalyptische Weltszenarien mit sich und sehr oft erwecken Zombie-Filme den Eindruck, dass die letzten Tage der Menschheit angebrochen sind und heute die eigentlichen Weltprotagonisten längst nichts mehr Menschliches an sich haben, sondern in Wirklichkeit, offen oder verdeckt, Zombies sind. Es öffnet sich implizit in Film und Literatur die Frage, was vom Menschen bleibt, und oft gehen die Antworten in Richtung »Zombie«, »Cyborg«, »Vampir« oder auch »Nichts«. Gerade der Vampir bedürfte einer eigenen eingehenden Untersuchung, die hier nicht möglich ist, hinzuweisen ist aber auf ein Merkmal, welches ihn auszeichnet, nämlich dass er den eigenen Tod überlebt hat, ohne erlöst zu sein. Genau darin liegt ein Motiv, welches häufig in heutigen apokalyptischen Szenarien auftritt: Sie stellen...

Apokalyptisches Denken. Apokalypse als zeitgenössisches Phönomen

„Is my future all in the past“

Alltag nervt. Immer wieder dasselbe, jeden Tag aufs Neue! Er hält das kaum noch aus, sagt er, Zähneputzen morgens, Zähneputzen abends, all diese Rituale, die uns fest im Griff haben. Was passiert, wenn man plötzlich nicht mehr mitmacht, die Rolle, die man für andere spielt, einfach aufkündigt? Diese Frage beschäftigt Mirco Kreibich im Moment wie keine andere. Er hat eine Idee für einen Kurzfilm, den er unbedingt drehen will. Ein Mann, der einmal nicht das tut, was er aus Gewohnheit sonst immer macht, einmal an einer Kreuzung nicht wie immer nach rechts, sondern nach links abbiegt. Dann immer weiter geht, bis er in einen Wald kommt. Dort sieht er die Bäume, das Moos, die Kräuter und Käfer, er sieht alles, legt sich mitten hinein – und stirbt. Mirco Kreibich, dreißig Jahre alt, fühlt sich wie Herakles am Scheideweg stehen. Immer so weiter wie bisher oder den Absprung wagen, etwas Neues beginnen? Er hat seinen festen Vertrag mit dem Hamburger Thalia Theater zum Ende der Spielzeit gekündigt, trotzdem ist er noch in acht Produktionen des Hauses zu sehen, weitere sind geplant. Ist er müde und enttäuscht? Nein, depressiv wirkt er eigentlich nicht, wie er da sitzt an der Bar des Restaurants...

Der Schauspieler Mirco Kreibich kämpft sich durch das Buschwerk des Lebens, was sehr komisch sein kann – und sehr traurig

Der Waldgänger

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Anfang der 1980er Jahre wurde ich als frisch gebackener Regieassistent am Theater Bielefeld erstmals mit dem Phänomen „Abstecher“ konfrontiert. „Der Barbier von Sevilla“ sollte im benachbarten Minden aufgeführt werden, eine Drehscheibeninszenierung. Der Bühnenmeister sagte mir, dass es dort keine Drehscheibe gebe und der Aufbau auch nicht auf fahrbare Wagen gestellt werden könne. Ich solle mir also überlegen, welche Position des Bühnenbildes ich für den ganzen Abend bevorzuge. Der Abend ging mehr schlecht als recht über die Bühne. Jahre später – ich war inzwischen Oberspielleiter am Landestheater Coburg – sollte meine Inszenierung von Verdis „Otello“ in die Stadthalle Bayreuth abstechen. Auch dort gab es keine Drehscheibe – aber ich brachte die Erfahrung aus Bielefeld mit und entschied mich für eine Grundposition. In der Stadthalle angekommen, fand ich zu meinem Entsetzen am rechten Portal einen gewaltigen Weihnachtsbaum. Ob der dort bleibe, fragte ich irritiert. In tiefstem Fränkisch wurde mir versichert, dass der Weihnachtsbaum im Dezember dort immer stehe. Mein vorwitziger Assistent meinte, man könne ja zum „Ave Maria“ von Desdemona die elektrischen Kerzen anknipsen. Dank Verdi und eines engagierten Ensembles vergaß man den unliebsamen Fremdkörper rasch, und das Gastspiel feierte doch noch einen leidlichen Erfolg. Zahlreiche solcher Episoden fallen einem ein, wenn...

Zwischen Bildungsauftrag, Verwertbarkeit und künstlerischem Anspruch: Die Landesbühnen bringen Theater fernab der Metropolen in die Fläche

Über die Dörfer

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Zwei Minuten nachdem die S-Bahn Dresden-Trachau verlassen hat, hält sie bereits in Radebeul. Ist dies eine Vorstadt von Dresden? Vermutlich hört Manuel Schöbel, Intendant der Sächsischen Landesbühnen mit ihrem Stammhaus in Radebeul, die Frage gar nicht gern. Schöbel hat in seiner Art etwas Napoleonisches, schon wie er sich auf den Stuhl fallen lässt, die kleine Espressotasse balancierend, die Beine so übereinanderschlagend, dass es klingt, als springe er gerade in voller Kampfmontur vom Pferd. Was für ein wehrhaftes Temperament! Immerhin, ein Intendantenbüro mit Espressomaschine, das spricht für sächsische Lebensart. Worüber ich mit ihm reden will? Über Schwierigkeiten und Probleme einer Landesbühne vor den Toren der Residenzstadt Dresden? Die Schwierigkeiten, sagt Schöbel, liegen hinter ihnen, vermutlich auch wieder vor ihnen, aber im Moment herrsche glücklicherweise Ruhe im Lande Sachsen – auch dank des 1993 beschlossenen Kulturraumgesetzes, in das die Finanzierung der Landesbühne 2011/12 integriert wurde. Endlich können sie sich einmal nur auf ihre künstlerische Arbeit konzentrieren, oder wenigstens fast. Gerade kommt er vom Sächsischen Theatertreffen in Leipzig zurück. Dort zeigte Radebeul „Adams Äpfel“ – Sachsen als Kulturlandschaft, das konnte man dort erleben, ist immer noch relativ intakt. Allerdings ist das kein Selbstläufer. Man muss sich immer wieder etwas einfallen lassen. So spielen...

Das Modell der Landesbühne zwingt im sächsischen Radebeul nicht nur zur Mobilität – sondern auch zur Vielfalt

Dresdens Arkadien

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

„Nachdem Sie diesen Text gele- sen haben, hat sich Ihr Gehirn verändert!“ Prof. Dr. Dietrich Naber, Direktor der Klinik für Psychiatrie und Psychotherapie am Hamburgischen Universitätsklinikum, erklärt im Programmheft zur Inszenierung von Lucy Prebbles „The Effect“, dass jegliches Fühlen, Denken, Wollen und Handeln „ein hirnorganisches somatisches Substrat“ hat, entsprechend spiegelbildlich führen „alle seelischen und kognitiven Aktivitäten zu Veränderungen im äußerst plastischen Gehirn“. Übersetzt heißt das, etwas banal: Leib und Seele sind eng miteinander verknüpft. Das Ernst Deutsch Theater, Deutschlands größtes Privattheater, ist im ehemaligen UFA-Palast-Kino an der Hamburgischen Mundsburg beheimatet. 1951 unter dem Namen Das Junge Theater als ein Ort der Nachwuchsförderung gegründet, hat sich der Gründungsgedanke unter der Intendantin Isabella Vértes-Schütter, die das Theater seit 1995 leitet, etwas modifiziert. Anstelle der Förderung junger Schauspieltalente setzt das Theater auf der großen Bühne tendenziell eher auf bekannte Gesichter aus Film und Fernsehen. Der Nachwuchs wird trotzdem bedacht: Mit eigener Sparte und Spielstätte ist plattform die Bühne von und für Jugendliche, auf der sich zahlreiche Jugendclubs tummeln. Besonders bemerkenswert ist der inklusive Jugendclub, der das Engagement des großen Hauses aufgreift, Theater auch für Gehörlose anzubieten. Fast jede Produktion hat dort ein oder zwei Termine, an denen die Vorstellungen in Gebärdensprache übersetzt werden....

Das Ernst Deutsch Theater in Hamburg importiert regelmäßig neue britische Dramatik

Hamburger West End

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Heidelberg: Heidelberger Stückemarkt geht mit Preisverleihung zu Ende

Heimisch werden. Das ist in unseren beschleunigten Zeiten nicht einfach. Das Stück Labor Basel ermöglicht seit 2011 jährlich drei Schweizer Autorinnen und Autoren, eine Saison lang an jeweils einem Theater in der deutschsprachigen Schweiz zu arbeiten. An einem „Theater-Elternhaus“, wie Martina Clavadetscher, eine der diesjährigen Autorinnen, es nennt. Ebenso wie Melinda Nadj Abonji am Theater Basel und Philipp Löhle am Konzert Theater Bern entwickelte sie am Luzerner Theater in den vergangenen Monaten mit den dortigen Kollegen ein neues Stück. Wir drucken diese drei Texte, die nach ihren Uraufführungen an den drei Häusern nochmals in einem großen Finale vom 12. bis zum 15. Juni 2014 am Theater Basel zu sehen sein werden. Martina Clavadetscher <a href="https://tdz.de/artikel/737fc410-0ca5-4a7c-a50a-cf7a16f07cec">Zum Interview</a> | <a href="https://tdz.de/artikel/e2b0a40a-8db5-49da-9d52-49ee6e473c9c">Zum Stück</a> Melinda Nadj Abonji <a href="https://tdz.de/artikel/a158ba12-1dcf-4bd2-a9dc-9c5c9a9d8ffd">Zum Interview</a> | <a href="https://tdz.de/artikel/9c39f1cf-4172-4279-bd9b-b3f4577fc898">Zum Stück</a> Philipp Löhle <a href="https://tdz.de/artikel/aa6ba028-8263-4290-8156-a305e5bef571">Zum Interview</a> | <a href="https://tdz.de/artikel/3460d8bd-a5a5-46b5-b1f3-01c5a3a56e73">Zum Stück</a>

Martina Clavadetscher | Melinda Nadj Abonji | Philipp Löhle

2011 erfuhr Ai Weiwei am Abflugschalter auf dem Pekinger Flughafen, dass seine Abreise die nationale Sicherheit gefährde und ihm deshalb der Reisepass abgenommen würde. Seitdem darf der momentan angesagteste Künstler Chinas nicht mehr das Land verlassen. Die Bilder von seiner Verhaftung und seinem Hausarrest gingen um die Welt. Bis heute wird er vom Geheimdienst in China rund um die Uhr überwacht. Obwohl die Wirtschaft boomt und der politische Einfluss zunimmt, hängt China in Fragen der Menschenrechte gnadenlos hinterher. „In China gibt es keine Tradition, was persönliche Freiheiten betrifft“, schreibt Ai Weiwei in seinem Internetblog. „Wir Chinesen erleben gerade ein Zeitalter der Dunkelheit. Nur wer Meinungsfreiheit hat, kann Verantwortung für die Gesellschaft übernehmen.“ Er bescheinigt dem Land eine schwere Vertrauenskrise, viele Chinesen verließen das Land. „Niemand will etwas in die Zukunft investieren.“ Nichts sei aus der Vergangenheit geerbt worden: „Kein Land. Kein Besitz. Kein Geld. Jeder bewegt sich hin und her. Es gibt keine Nachbarschaften. Niemand spricht mit den Leuten nebenan.“ Wo anderthalb Jahre eine Ewigkeit bedeuten, wo alles vorwärtsgeht, will keiner mehr zurückblicken und Rücksicht nehmen. Es hat etwas Bedrohliches, wenn wir in den fernen Osten blicken und nur blinkende Wirtschaftsmärkte erkennen, die in null Komma nichts entstanden sind und...

Der chinesische Künstler und Architekt Ai Weiwei will die Welt verändern

Die Wirklichkeitsfabrik

Abstecher. Das klingt nach Auszeit. Durchatmen. Mal runter von der Autobahn. „Hab Zeit und nimm Umwege“, schrieb Peter Handke in seinem dramatischen Gedicht „Über die Dörfer“. „Lass dich ablenken … Überhör keinen Baum und kein Wasser.“ Ja, wenn dafür mal Zeit wäre! Hätte man Zeit, so wären die 24 Landesbühnen in Deutschland das Paradies für jeden überarbeiteten Dramaturgen. Doch die sogenannten Abstecher sind harte Arbeit, wie Kay Metzger, Intendant des...

„And all the children are insane.“ The Doors – The End „I will not go. Prefer a feast of friends to the giant family.“ Jim Morrison – The Severed Garden „Violence is one of the most fun things to watch.“ Quentin Tarantino MENSCHEN NINA LENA JANINE DARJA SKOF (eigentlich Julia) COLIN LUCA fehlt und ist nicht zu besetzen! ORTE Vor einem Elternhaus Am See Bei den Schienen Schule Anmerkungen der Autorin: Das Stück besteht aus zwei Teilen und einem Zwischenteil „Umbruch“. Alle drei Teile sind an Wichtigkeit gleichberechtigt zu behandeln. Insbesondere der Zwischenteil „Umbruch“ soll vom Regisseur umfassend gestaltet und als eine ihm dargebotene Spielwiese angesehen werden – viel Spass damit. Betreffend der Sprache wird von der Autorin ausdrücklich gewünscht, gewisse Passagen, einzelne Monologe, Dialog-Fetzen und Flüche falls irgendwie möglich im Dialekt des jeweiligen Spielortes zu sprechen. Gegebene Bezeichnungen betreffend der Örtlichkeiten (Berge, See, Wald etc.) sind allenfalls anzupassen. März 2014, M. Clavadetscher PROLOG Vor einem Elternhaus. Nina alleine. Janine kommt hinzu. JANINE Kommst du? NINA Gleich … JANINE Die anderen warten. NINA Nur noch kurz. Kurze Pause. JANINE Es war ja auch deine Idee. NINA Ich weiss. JANINE Ich musste fast eine Stunde...

Mirco Kreibich: Brüchiger Zeitspieler

Neuerscheinungen im Verlag