Seelenschau in Versform

Gespräch mit der KI aus dem Internet

wir hoffen, dieser Brief erreicht Dich bei bester Gesundheit. Uns geht es gut, doch wir sind ein wenig sentimental. Zehn Jahre lang gestalteten wir – Marie Bues (2013 – 2021), Martina Grohmann (2013 – 2023) sowie Franziska Stulle (2021 – 2023) – als Theaterleiterinnen gemeinsam mit unserem Team das Theater Rampe. In unserer Arbeit reflektierten wir von Anfang an, wie Theater als Betrieb, als Arbeitsgefüge, als Kunstform und als kultureller Ort weiterentwickelt werden kann, und wir versuchten es von Anfang an zu öffnen: für Kollaborationen und ästhetische Prozesse, die nicht immer ergebnisorientiert waren, für transdisziplinäre Experimente, Zusammenarbeit mit der Stadtgesellschaft und Initiativen, für Popkultur und soziokulturelle Formate. Es sollte ein Ort für Begegnung und Versammlung sein und ein Ort, der nicht aufhört, sich weiterzuentwickeln: „Wir bleiben am Anfang und wollen immer weiter anfangen“, hieß es da im Vorwort zu unserem ersten Spielplan. „Im Schatten der Zahnradbahn – Vol. 2“ ist die Fortsetzung des Buches, das 2013 zum Ende der Intendanz von Eva Hosemann am Theater Rampe in Zusammenarbeit mit Theater der Zeit erschien. Zu unserem Abschied 2023 haben wir Freund*innen, Verbündete, kritische Begleiter*innen und Gastkünstler*innen eingeladen, Abschiedsbriefe zu schreiben. Dabei sollte es nicht nur um den erinnernden Blick auf das...

Liebe*r Leser*in,

Abschiedsworte

Montag, 08. Juni 2026

Einführung in die szenische Robotik

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Als nicht-theateraffine Nachbarin des Theater RAMPE schaute ich mir zwar im Vorbeigehen immer wieder die Aushänge mit den Ankündigungen zu aktuellen Stücken an, aber selbst wenn ich stehen blieb, sie lange anschaute, den Kopf seitlich legte und die Augen zusammenkniff, hatte ich (meist) trotzdem nicht verstanden, um was es ging. Jahrelang hatte ich mich außer­dem gefragt, warum auf dem Schild am Gebäude THTR RMPE steht. War zu wenig Platz, um die Worte auszuschreiben, oder hatten sie nicht genug Geld für alle Buchstaben gehabt? Eines Tages lernte ich über Aktivitäten der Initiative DIE VIELEN Martina und Paula vom Theater Rampe kennen und kam mit ihnen über die Idee eines Volks*theaters als Stadtteil-Projekt ins Gespräch. Neugierig, aber auch ­skeptisch fand ich mich einige Wochen später auf einem Workshop im Theater wieder, in dem wir zusammen das internationale Volks*theater (V*T) Rampe gründeten. Diese bunte Gruppe trägt alleine durch ihre Protagonist*in­nen schon so viele Geschichten, Motivationen, Talente in sich, dass ganze Abende damit gefüllt werden können … aber wir wollen raus in den Stadtteil und noch mehr Geschichten und Anliegen hören! Seitdem bin ich vor allem in der Recherchephase für die Stücke aktiv und komme im Viertel ins Gespräch mit vielen Menschen jeden Alters....

KEIN Abschied vom Volks*theater

this is a farewell letter, stating the finali for you. Let’s start with a prologue. Talking with Jan Ritsema some years before his death about the theater space of the future, he said that black boxes are passé. Don’t call it a black grotto of the past, I thought and felt sad thinking of all the beautiful black boxes in the world that were the building stones for the development of contemporary performance and theater. Jan, I said, someone still has to make work for the existing black boxes, and I will be one of them. I had firmly said goodbye to the proscenium many years ago and was not ready for saying goodbye to the black box. You (the proscenium) are found in many theater houses, not always full-scaled with the arch and the sides boxing in the stage. The variations are numerous in the effort of revealing more in accordance to the trends: no arch – only sides, giant arch, stage spilling far out in front of the arch, audience placed on all sides, on three sides, on two sides…At the same time keeping the raised stage for, I can only guess, an idea of visibility and distance....

Dear Proscenium,

Sein Markenzeichen sind simple Zeichnungen, in denen er komplexe Themen aufgreift. Der Illustrator, Designer und Künstler Ben El-Halawany aka El Bebbe Grande ist aber vor allem ein guter Beobachter. Während seines Studiums an der Akademie der Bildenden Künste Stuttgart jobbte er in der Bar Rakete und beobachtete so über viele Jahre Theatermenschen, Publikum und Tresengäste. Seine Comics sind stets humorvoll, charmant, funky und neben Illustrationen für das ZEIT-Magazin, STERN oder das Glastonbury Festival gestaltete er auch regelmäßig das Monatsprogramm der Rakete sowie das Cover der ersten und einzigen Ausgabe des Rampe-Fanzines, das zur Spielzeit 2019/20 erschien. Daneben sorgte er als Kool DJ Bebbe nach Premieren oder im Line-Up des Raketen-Programms immer wieder für einen vollen Dancefloor.

Mittwoch, 24. Juni 2026

Künstler*innen, Kollektive, Förder- und Kooperationspartner*innen, ABK Stuttgart, Florence Adjidome, ADK Ludwigsburg, Magda Agudelo, Donya Ahmadifar, Surja Ahmed, Akademie Schloss Solitude, Zakarea Alsadi, Sonja Anders, Wolfram Apprich, ARGEkultur Salzburg, Gessica Arjona, AS WE ARE, Robert Atzlinger, Nora Marie Back, backsteinhaus produktion, Elmira Bahrami, Pierre Balazs, Ballhaus Ost, Barbis Ruder, Sarah Bauerett, Eva Baumann, Irene Baumann, Sophie Becker, Barbara Behrendt, Katharina Behrens, Sivan Ben Yishai, Lilly Bendl, Marcus Bergmann, Ana Berkenhoff, Anton Berman, Bewegung tut gut, Hans Konrad Biesalski, Azul Blaseotto, Iva Blazevic, Rainer Bocka, Eberhard Boeck, Vasily Bogatov, Bolle Lindenborn, Böller und Brot, Daniel Boy, Benedikt Brachtel, Max Braun, Helga Brehme, Virginia Breitenbaumer, Joscha Brettschneider, Dominique Brewing, Mona Bricke, BRTHR, Katja Brunner, Antje Budde, Marie Bues, Christopher Bühler, Dragana Bulut, Marina Buneta, Bureau Baubotanik, Otto Paul Burkhardt, Theresa Bürkle, Verena Buss, Elisabeth Caesar, Tommaso Calarco, CAMP, Rafael Capurro, Cargo-Theater Freiburg, Christian Carlier, Stefanie Carp, Samia Chancrin, Aliaksandr Charnukha, Chez Company, CHICKS* freies performancekollektiv, christians//schwenk, Christine Chu, Nupelda Ciftci, Citizen.Kane.Kollektiv, Axel Clesle, Tyler Coburn, Ariel Cohen, Compagnie LaPerformance / Julie Jaffrenou, contact Gonzo, Copy and Waste, Cosmic American Music Revue, Caroline Creutzburg, CyberRäuber, Fola Dada, Sara Dahme, Silinee Damsa-Ard, Sebastian Däschle, Jonaya de Castro Garbe, Giselle de Queiroz Rocha, Harry Delgas, Alex...

Liebe

„Is my future all in the past?“

Dear beloved, joyous gathering, sisters! As our Mother Earth always says, »Watch and pray, for you know neither the day nor the hour when the end of patriarchy will come«. And this is exactly why we’ve congregated here today. Our prayers have been heard, our urges have been noticed, and our actions have borne fruit. We’ve gathered here today to say goodbye to something that’s been shaping our existence for millenia. Something that’s been intoxicating us through dominance and power. Something that’s been oppressing and controlling our bodies, minds and lives. Something which we’ve been resisting and showing our resilience to for thousands of years. Something that has been abusing, ruining, destroying, bombing, killing, murdering everything that the woman­hood has created, brought, sustained, managed, maintained, mended and supported for thousands of years—life on this damned and damaged planet. Something whose incinerated ashes ought to be scattered all over a wildflower meadow in spring and serve as a fertiliser for a rebirth of our common giving, ever-­forgiving, ever-loving mother—Earth. We’ve congregated here today to bid farewell to him—the demised, deceased, perished one—the father figure, father issues, our father. The originator of hierarchy, marriage, family, war, colonisation, capitalism, democ­racy, neoliberalism, dictatorship and...

Eulogy to Resistance

Ich gehe ins Theater, und zwar enorm selten. Vermutlich bin ich einfach zu bräsig. Im Wissen, dass es großartige Inszenierungen gibt, die mich inspi­rie­ren und bereichern würden. Warum also schreibe ich diesen Abschieds­brief an dieses Theater? Weil ich Letzteres über die Jahre ein wenig kennenlernen durfte, weil ich diesen Ort des Schaffens mag und schätze? Weil ich als Stadtrat der Stadtisten im Beirat der Rampe sitze? Nein, das allein reicht nicht. Dafür kann ich leidenschaftlich davon schwärmen, was die guten Leute der Rampe in meinen Augen für Stuttgart tun. Wie sie in den vergangenen Jahren den (stadt)gesellschaftlichen Diskurs befeuerten und das bis heute tun – mit klarer, progressiver Haltung für einen offenen, diversen Pluralismus in immer schwieriger werdenden Zeiten. Das ist, wofür die Arbeit der fleißigen Frauen samt Männern und Diversen für mich steht. Die Rampe-Leute schwärmen aus, nicht nur im geografischen Sinne. Sie praktizieren das, was ich im Großen wie im Kleinen als Notwendigkeit betrachte: Die Beschäftigung mit uns selbst als geliebtes und gehasstes Kollektiv. Ohne Angst, daran zu scheitern. Die Schwierigkeiten unter Menschen, die sie auf künstlerische Art und Weise angehen. Die interdisziplinären, gleichzeitig nah- und greifbaren Versuche, komplizierte Umstände niederschwellig und dennoch mit großem Anspruch nicht nur...

Die guten Leute

Auf neuen Wegen

Wir danken allen Abschieds-Autor*innen für ihre zugewandten, kritischen, nach­denklichen und engagierten Beiträge. Wir danken der Fotografin Dominique Brewing, die ihr Archiv für uns sortiert und uns immer mit zärtlichem Blick begleitet hat. Für die konzeptionelle und redaktionelle Arbeit ist Kathrin Stärk zu danken, die mit ihren Ideen, ihrer Risikobereitschaft, ihrer großen Geduld und Beständigkeit dieses Buch mitgestaltet und vorangetrieben hat. Dem Rampe-Team danken wir für die gute Zuarbeit. Unser Dank gilt auch dem Verlag: Nicole Gronemeyer für ihr genaues und mitdenkendes Lektorat, Paul Tischler für seine Offenheit in der Produktion und Harald Müller für seine Verbundenheit. In diesem Sinne: Los. Jetzt geht alles wieder von vorne. <blockquote> Dein Theater Rampe </blockquote>

Vorwort

jetzt müssen wir uns wohl ­verabschieden! Ich bin jetzt auch ständig unterwegs. Griechenland und so. Dort lebt sich’s besser, mit deutschem Geld. Während du dich verabschieden lässt, verabschiede ich mich von meiner Mutter in Griechenland. Spielzeitbeginn! Ich muss wieder nach Deutsch­land, ArbeitArbeit. Aber hey, so weit liegt das alles gar nicht mehr auseinander. Deutschland beginnt jetzt nämlich schon am mazedonischen Flughafen in Kavala. Da wischt man sich die letzten Abschiedstränen aus dem Gesicht, und wenn der Blick wieder klar ist, steht man mit Rotgesichtigen aus NRW in der Schlange zum Check-in-Schalter. Der griechische Premierminister hat in einer Ansprache stolz verkündet, dass die Tourismuszahlen durch die Decke gegangen sind. Toll. Vielleicht wächst ja alles so zusam­men, dass ein ganz neues Land entsteht, so sexy wie Griechenland und so stinkreich wie Deutschland! Eine Freundin, die inzwischen so berühmt ist, dass ich sie nicht nennen brauche, meinte letztens zu mir, in wenigen Jahren werde in Griechenland so eine Dürre herrschen, da werde man froh sein, in Deutschland sein zu können! Hahaha … Bei einer meiner Premieren irgendwo im Mitteldeutschen brabbelte der Intendant, schon ordentlich angetrunken, ich zitiere: „Wie gut, dass es den Grexit nicht gegeben hat und Niko uns erhalten geblieben ist.“ Zitatende....

Hey Rampe, altes Haus,

Ehrlich Verbunden

Nur das Beste des Schweizer Theaters

Die Dugong-Seekuh wurde für ausgestorben erklärt, lese ich gerade. Sie sei sehr schreckhaft gewesen, und als ich das Foto anklicke, werde ich erst recht traurig, denn es scheint so, als sei ein sehr freundliches Tier von uns gegangen. Die Freundlichen erwischt es immer zuerst. Plötzlich erscheint es mir kinderleicht, ein paar Worte zum Abschied an der Rampe zu schreiben. Selbst dass mir zugedacht wurde, dass ich mich besonders von der Bühne verabschieden soll, mit der ich seit Jahren eine On-Off-Beziehung pflege, die auch ziemlich emotional ist, ist plötzlich ein Kinderspiel angesichts des Artensterbens. Ich denke: Wir müssen in den nächsten Jahren eh richtig gut werden im Abschiednehmen, die Dugong-Seekuh ist ja jetzt nur ein einzelner von mir herbeizitierter Fall innerhalb der großen Kata­stro­phe, die ansteht. Ich werde den Abschied also schnell und pragmatisch hinter mich bringen. Als ich die Bühne der Rampe kennen gelernt habe, da war sie keine Black Box wie jetzt, sondern eine White Box. Martina Grohmann und ich haben uns 2003 kennengelernt, als wir – beide engagiert vom Landestheater Tübingen – eine Koproduktion mit der Rampe machten, „Die Liebenden“, ein Text von Maxi Obexer. Schöner Text, hat Spaß gemacht. Einsame Menschen mit großer Sehnsucht vor weißen Wänden....

Abschied von Dugong

Liebe Martina, liebe Marie, Ihr habt um einen Abschiedsbrief gebeten. Da musste ich erst mal ne Weile nachdenken. Ihr verlasst die Rampe und Stuttgart, um an das Schauspielhaus nach Wien zu gehen. So weit so gut. Ist das eine große Sache? Wenn ja, für wen? Und was kann ich dazu sagen? Unsere Zusammenarbeit fand statt ganz am Anfang Eurer „Intendanz“, wie Ihr das scherzhaft genannt habt. 2013 hatte ich gerade am Stadt­theater aufgehört und war sehr froh, dass Ihr das Projekt mit der Rampe ange­fangen habt. Von 2013 bis 2015 haben wir bei <a href="https://tdz.de/artikel/5a046c33-3c9e-40ff-b0ce-b757000a5048">BOUVARD UND PECUCHET 3000</a> und beim TÉCHNE-Festival eng zusammengearbeitet, aber auch in der Stadt­biblio­thek oder auf der „Hidden-Hunger-Konferenz“. 2016 bin ich dann fest ans zeitraumexit in Mannheim gegangen, und damit endete auch unsere Zusammenarbeit erst mal, wobei wir immer im Austausch ge­blie­ben sind – beruflich und freundschaftlich. Mein Abschied von der Rampe liegt also schon zu lange zurück. Und von Euch verabschiede ich mich jetzt ja auch nicht. Vielleicht ist es diese Idee, dass nämlich ein Leitungswechsel von einer großen Abschiedsgeste begleitet werden muss, von der wir uns verabschieden sollten. Denn wenn etwas wirklich Interessantes und wirklich Grundlegendes und hoffentlich Bleibendes passiert ist an deutschen ­Kultur­­ein­richtungen in...

Kein Abschied!

Ein Abschied, den wir erfahren haben, begann vor zehn Jahren. Er dauert noch an, ist nicht an einzelne Personen gekoppelt, wird aber nur durch sie verwirklicht. Dieser Abschied könnte eine andere Form, Theater zu pro­duzieren und herauszufordern, begründen. Mit Theater meinen wir hier die Kunstform und die Institution gleichermaßen. Die Rede ist hier vom Abschied von der Unverbindlichkeit. Dessen Geschichte geht so: Was wäre, wenn eine ganz neue Theaterinstitution nicht durch künstlerische Praktiken befragt, sondern durch sie erst eingerichtet würde? Wenn diese Institution, durch Solidarität, Großzügigkeit und Vertrauen getragen, nachbarschaftlich verwurzelt, globale Zusammenhänge verant­wor­tungsvoll gestalten würde? Wenn Kunst und ihre Institutionen nicht mehr in Direk­tionen, Verwaltungen, geschaffene Werke und Abteilungen für Audience De­vel­opment sortiert, sondern kollektive Leitungssitzungen selbst öffentliche Performances wären und durch künstlerische Strategien neue Formen der Kol­laboration zwischen allen Gewerken und Öffentlichkeiten initiiert würden? Lange schienen diese Fragen bloß Spekulationen Einzelner – z. B. im Rah­men von experimentellen Werkstatt- und Performanceformaten im wahrscheinlich einzigen Theater mit Zahnradbahn – angeregt zu haben. Morgen aber wird nun ein erstes hybrid und dezentral organisiertes Theater seine vielen Türen geöffnet haben. Es wird erst durch die Besucher:innen selbst aktiviert worden sein. Es wird online wie on site gleichermaßen besuchbar sein. Es wird...

Abschied von der Unverbindlichkeit – oder: Für ein Theater von morgen

# 6 TAGE FREI 41, 145 Wer besucht ein Festival? Was bedeutet es den Künstler*innen? Wer ist eingeladen? Wer kuratiert es? Welche Impulse gibt das Festival in die Stadt? Welche in die freie Szene? Wie finden wir einen Ausgleich zwischen dichtem Angebot und entspannter Festivalzeit? Was ist, kann, will ein Festival? Alle zwei Jahre probten wir ein Festival. Hervorgegangen war es aus dem „Stuttgarter Theaterpreis“, der im Rahmen eines Festivals schon seit 1988 am Theaterhaus Stuttgart verliehen worden war. Das Theater Rampe übernahm ab 2015 seine Ausrichtung im neuen Format unter dem Titel 6 TAGE FREI. ­Sukzessive verabschiedeten wir uns von der Grundidee der Preisverlei­hung. Anstelle von Wettbewerb und Aus­zeich­nung wollten wir Kollaboration und Versammlung zum Ausgangspunkt machen. Die vielfältigen Formate, interdisziplinären Verschränkungen und Experimente bekamen eine Plattform. Das Festival stellte Arbeitsweisen und Such­­bewe­gungen vor und es befragte Produktions­möglich­keiten in Baden-Württemberg. Es sorgte mit Gastspielen und Stipendien für regionalen und überregionalen Austausch. Zum Beispiel reisten ausgewählte Festivalproduk­tionen 2016 an die Berliner Sophiensæle, die zur „Schwabensause“ eingeladen hatten. A Auszeichnungen 63, 83, 97, 147 Als Stadttheater neuen Typs würdigte die Jury das Theater Rampe mit dem Theaterpreis des Bundes 2019, der von der damaligen Staatsministerin Monika Grütters in Kooperation mit dem...

Wir haben Abschiedsbriefe gesammelt – von Künstler*in­nen, Kooperationspartner*innen, von Publikum und Nachbar*innen, denn es gibt viel zu verabschieden. Nicht nur ein Rampe-Team, sondern weit über das Theater hinaus: über­holte Konzepte, Weltvorstellungen, den Theaterkanon. Die Geschichten, welche die westeuropäische Kultur in ihrem nach vorne gerichteten Blick bereithält, sind auserzählt. Die Parameter, nach denen wir unsere Welt aufgebaut haben, funktionieren nicht mehr. Wird es leichter, neue Welten zu denken, wenn wir Raum finden, die alte zu betrauern?
Wir müssen uns von vielem verabschieden, haben aber kaum Worte dafür. Was wollen wir hinterlassen, was erin­nern, aufheben, teilen, verbreiten, vergessen?
In diesem Abschiedsbuch vollzieht sich ein langsames künstlerisch-rituelles Abschiednehmen.

Index

Zu schön, um wahr zu sein?

Junges Theater in Kriegs- und Krisenzeiten

Theater des Ungehorsams

Schauspiel Stuttgart: Party mit Schlammschlacht

Theater der Welt in Chemnitz: Den Affen spielen, den Menschen sezieren

Staatsoper Stuttgart: Klangarchiv der Sehnsüchte

Dienstag, 26. Mai 2026

Ein Abschiedsbrief: Ist das nicht etwas in die Jahre gekommen? Ist das nicht etwas, was die Boomer so machen? So einen richtigen Brief schreiben? Von Hand … Auf schönem Papier und am Ende alles in einen Umschlag und ablecken … Und dann wohin? Wer ist eigentlich der Adressat, die Adressatin, was ist diese Rampe eigentlich? An wen geht dieser Brief? Sind das die Leute, die dort arbeiten? Aber die wissen doch schon alles, von dem ich schreiben könnte. Die waren ja auch da, die kennen das ja. Kennen sich, kennen mich. Oder an das Publikum? Aber die sind doch nicht wegen der Nostalgie da. Nicht wegen des staubigen Miefs und des Tamtams, die wollen doch was Neues sehen, wollen mit der Zeit gehen, wollen sich überraschen lassen, wollen Autor*innen-Theater mit so vielen Sternchen, wie auf das Programmheft draufpassen, wenn’s geht. Oder an das Gebäude, an dem groß RMPE draufsteht, nicht mal richtig geschrieben. Arm und auch noch stolz drauf nämlich. Mut zum Schreibfehler würde ich das nennen. Adressiert an die gemeinsame Zeit, an das Flüchtige und Ephemere, das keine offizielle Adresse hat. Einmal an: Spielzeit 2017 bis 2018, Filderstraße 47, 70180 Stuttgart Expressversand mit der Rakete durchs Wurmloch. Titel: Abschiedsbrief...

Ein AB-SCHIEDS-BRIEF

Den verschwundenen Zirkusgebäuden auf der Spur 

Liebe Hochkultur, wo beginnen wir nur? Zuerst mal liebe Rampe, danke! Dass du es zugelassen hast, auf deiner Bühne zu stehen, obwohl niemand anderes krank war, macht uns dankbar. Wir durften den klassischen Kanon zeigen und uns vor dir, der Hochkultur, verneigen. Ja ok, wir haben damals den Schauspielunterricht geschwänzt. Hochkultur: „Die schauspielerischen Fähigkeiten sind begrenzt.“ M&amp;M TK: Die Gazetten durften sich gönnen Hochkultur: „Man hätte es drastischer ausdrücken können: Ihr darstellerisches Talent bewegte sich im Bereich des Dilettantismus.“ M&amp;M TK: Reimemaschine.de sagt, darauf reimt sich Algorithmus. Hochkultur: „Lauscht man den Kommentaren, wenn sie aus ihrer Geschichte aussteigen“ (im Hintergrund jetzt Violinen und Geigen) Hochkultur: „und die Theatersituation reflektieren,“ (die Bratschen beginnen zu investieren) Hochkultur: „ist man geneigt zu glauben:“ (das Orchester beginnt sich in neue Höhen zu schrauben) Hochkultur: „Sie wissen, dass sie nichts können.“ M&amp;M TK: Wir haben wirklich versucht, was Gutes zu bauen, Hochkultur: „Man möchte ihnen eine runterhauen.“ M&amp;M TK: Wir spielten auch mit Requisiten, Hochkultur: „die selbst das tiefste Schultheater-Niveau noch ­unterbieten.“ M&amp;M TK: Wir sind gegen deine Erwartungen angerannt, Hochkultur: „Das Stück ist ästhetisch uninteressant.“ M&amp;M TK: Manche formulierten mit Kawumm: Hochkultur: „Das ist brandgefährlich. Und strohdumm.“ M&amp;M TK: Andere zurückgenommener und leiser: Hochkultur:...

Romanze in Moll

Zeitgenössisch für wen? Über Gatekeeping und Zugang im Zirkus  

Die Absicht, eine Mauer zu bauen

Krieg &/vs. Kunst

Wir sind zu keinem Ende gekommen, geben Unabgeschlossenes und Unge­ordnetes weiter, wie den barrierefreien Umbau des Hauses, eine finanziell prekär aufgestellte Struktur, die Diversifizierung des Teams, das Ausprobieren einer Theaterpraxis, die sich eng mit der Stadtgesellschaft verbindet. Wir haben vieles angefangen und kein Ende gefunden. Dieser Wechsel in der Theaterleitung und in Teilen des Teams ist kein Aufhören. ­Es ist ein Übergang, ein Weiter so und ein Weiter, aber anders. Es ist ein Abschied von einer Zwischenzeit in die nächste. Das „Wir“, das ich als Absenderin in diesem Abschiedsbrief oft behaupte, ist ein vages und fluides Wir, ein- und ausschließend zugleich. Ich werde es oft nicht weiter bestimmen können. Weil es ungeordnet ist, wie das Gefüge des Theater Rampe. „Wir“ kann das Team der Rampe meinen, das sich in zehn Jahren sehr verändert hat, die Künstler*innen, die hier gearbeitet haben, auch Kollaborateur*innen, Gesprächspartner*innen, Gäste und Besu­cher*innen. Alle, die kürzer oder länger Teil des Gefüges waren und sind. Das Theater Rampe hat sich weit verzweigt und vernetzt, hat als eine Plattform funktioniert, als ein Produktions- und Koproduktionshaus ­zwischen der lokalen Nachbar*innenschaft und wiederkehrenden inter­na­tio­nalen Gästen. Seine künstlerischen und ästhetischen Konzepte und ­Prozesse waren sehr breit kuratiert: zwischen Schauspiel, Tanz, Performance, Musik­theater,...

An alle, die da waren, da sind, da bleiben

Bringt euch in Gefahr!

Das Theater Rampe ist eine meiner Homebases, sowohl institutionell wie auch persönlich. Ein zentraler Kooperationspartner und gleichzeitig ein Lieblingsort in meinem Kiez. Ein Ort, an dem kulturelle Teilhabe nicht nur gedacht, sondern auch gelebt wird. Das zeigt sich immer wieder im Programm wie auch in den Prozessen zu strukturellen Fragen, die teilweise öffentlich zugänglich gemacht und ausgetragen wurden. Begeistert rufe ich mir die vielen gemeinsamen Projekte mit dem Theater Rampe ins Gedächtnis, das Aushecken immer wieder neuer Themen und Formate sowie die permanente Verlässlichkeit und Ansprechbarkeit des Teams, wenn es um die inhaltliche Anbindung für Solitude-Stipendiat*innen aus aller Welt ging. Das Theater Rampe war für die Akademie Schloss Solitude stets ein Partner für Veranstaltungen und Festivals, sei es in der Entwicklung queerer historischer Stadtrundgänge mit Ebru Celkan1 oder bei einem Labor zur kollaborativen künstlerischen Forschung.2 Etwas sehr Zentrales, was mich mit dem Theater Rampe verbindet, sind das transversale Arbeiten und der stetige fachliche Austausch, der fortlaufend neue Perspektiven birgt und fast immer mit dem Zünden neuer Ideen einhergeht. Das solidarische Miteinander, eine Allianz des Vertrauens und der Empathie, gar des radikalen Respekts sind Teil der Verdichtung unserer Freundschaft. Unser vernetzendes Denken und Arbeiten prägte die Kooperationen. Es ließ...

RAMPE als Homebase – dem Unerzählten Raum geben

„Es wird eine Kultur der Veteranen geben“

Empathie aus dem 3-D-Drucker

Freitag, 19. Juni 2026

Dienstag, 19. Mai 2026

Diversität als Festivaldramaturgie

Vielfalt ohne Versprechen

Schauspiel Leipzig: Motel der Leere

Freitag, 22. Mai 2026

Ciao, do widzenia, adeus, bye-bye, au revoir zu: <blockquote> leichtsinniger Verwendung von Begriffen wie Diver­sität (stattdessen: Defizite klar benennen), Checklisten, die man einfach abarbeiten kann (stattdessen: akzeptieren, dass Arbeit an Veränderung nie abgeschlos­sen ist), allgemeingültigen Normen (stattdessen: vielfältige Körper, Bedürfnisse etc.), institutioneller Bequemlichkeit (stattdessen: sich selbst riskieren, raus aus der Komfortzone), Zeit- und Erwartungsdruck (stattdessen: Veränderung braucht Zeit!), schnellen Erfolgen (stattdessen: kleine Erfolge feiern), Angst vor öffentlichem Scheitern (stattdessen: offen über Fehler sprechen), großen, aber bedeutungslosen Gesten, Symbolpolitik (stattdessen: eigene Strukturen ernsthaft anschauen und langfristig Verantwortung übernehmen), Tschüss zu „Sprich mal lauter!!“ (stattdessen: besser zuhören), Bürokratie-Deutsch (stattdessen: verständliche, einfache Sprache), zur 40-Stunden-Woche (stattdessen: maximal 35-­Stunden-Woche), Adieu zu Produktionsdruck (dafür: Prozessarbeit!), Ehegattensplitting (lieber: andere Lebensmodelle gerecht besteuern und diejenigen zur Kasse bitten, die es sich leisten können), unbezahlter Carearbeit („Ihr nennt es Liebe, wir ­nennen es unbezahlte Arbeit“, Silvia Federici), deutscher bzw. europäischer Asylpolitik und Abschiebepraxis, </blockquote> Oh, wir driften ab, zurück zum Kulturbetrieb: <blockquote> Abhängigkeit von Förderungen für Barriere­freiheits-Maßnahmen (stattdessen: langfristige Investitionen in den Abbau von Barrieren), Tabuisierung von Burnout bzw. psychischen ­Krankheiten, Glauben, wir seien nicht rassistisch, weil es ja nicht so gemeint war (besser: Auseinandersetzung mit eigenen, internalisierten Rassismen), Trennung von Kinder- und Jugendtheater, Trennung von Amateur*innen und Profis, Angst vor...</blockquote>

Wir sagen Tschüß

„Setzen wir uns auseinander, nicht zusammen“

Theater der Welt & Humboldt-Forum: Schnaps aus Peking, Schrott aus Chemnitz

Liebe Rampe! Ihr wart Verbündete, Inspiration, Umwälzer*innen, Partner*innen und Freund*innen und nun ist’s ein Abschied und irgendwie auch ein Neuanfang für uns alle. Außerdem habe ich mich während unserer Zusammenarbeit davon ver­ab­schiedet, Kostüm dramaturgisch in den Dienst der Regie zu stellen. Ich verabschiede mich vom feindseligen Blick auf Körper. Und ich verab­schiede mich von den Gesetzen Euklids<a class="_idFootnoteLink _idGenColorInherit">1</a> und einer Welt der Geradlinigkeit, Rechtwinkligkeit und Gitternetze, die sich über zwei Jahrtausende geometrischen Lernens in uns verankert haben. Denn außerhalb unserer rechteckigen Welt wimmelt die Natur nur so von geschwungenen, gekräuselten und krenelierten Formen, die Blätter, Pilze, Seeschnecken und Nacktkritter gebildet haben, genau wie unsere eigenen Körper mit ihren Rundungen und Einbuchtungen. Kostüm ist für mich die Schnittstelle zwischen innen und außen. Jeder Mensch macht an dieser Stelle eine Erzählung von seinem*ihrem Selbst. Hier erzählt sich der erste Eindruck einer Persönlichkeit, vermittelt dessen Identität. Hier wird der Körper zum Erzähler. Hier fängt seine Geschichte an. Hier treffen wir die Tabus, die No-Gos und den Zwang, dem unsere Körper ausgeliefert sind. Meine Performance-Ideen fangen fast immer genau an dieser Schnittstelle an. Es sind Geschichten, die sich über das Kostüm erzählen. Das Kostüm erweitert eine performative Arbeit um eine eigene künstlerische Erzählung von...

Ein Abschied von der euklidischen Geometrie, von Kostüm und Form

Dienstag, 23. Juni 2026

Oh wie gern denke ich an meine Zeit im Theater Rampe zurück. Heute bin ich ein altes Zirkuspferd, aber damals war ich: Butter, das Action-Pony. Ich hatte viele Jahre mit meinen Kolleginnen Fly und Flatter auf dem Pony­hof gearbei­tet. Die Zustände auf dem Hof waren unzumutbar geworden. Aber auch nachdem wir uns entschlossen hatten, den Hof selbst zu leiten, gerieten wir auf den gefährlichen Weg der gnadenlosen Selbstoptimierung Richtung Burnout. Mit unserer Geschichte wollten wir anderen, die gesell­schaftlich oder finanziell ebenfalls so unter Druck standen, dass ein Burnout zu befürchten war, die Augen öffnen: Handelt, bevor es zu spät ist. Wir wandten uns also an die Intendantinnen des Theater Rampe Marie Bues und Martina Grohmann. Wir hatten gehört, dass ihnen aktuelle gesellschaftspolitisch relevante Themen sehr am Herzen lagen und dass sie die Leidenschaft und auch das nötige Knowhow hätten, um diese Themen berührend und pointiert umzusetzen. Anna Gschnitzer schrieb unsere Geschichte auf, Marie Bues inszenierte uns, und unsere eigenen Ponys (die Ponys der Ponys) setzten die musikalischen Akzente. Unsere Ankunft im Theater war ein großes Hallo! Ich erinnere mich an die großen Räume: das Foyer, das mit der Straßenbahn geteilt wird, und die ebenso geräumige Bühne, wo wir guten Auslauf...

Abschied von Butter

„Du solltest auf jeden Fall ins k-fetisch gehen!“, war eine der ersten Empfehlungen, als ich vor zehn Jahren nach Berlin kam. Auf der Internetseite des k-fetisch schreiben die Mitglieder des ­Kollektivs: „Wir alle teilen einen feministischen und anti-rassistischen Grundkonsens. Unsere diversen politischen Überzeugungen sind in diesen Laden geflossen und werden auch immer mal wieder neu verhandelt. Unser Anspruch auf Vielfältigkeit bildet sich in der Unterschiedlichkeit unserer Veranstaltungen sowie auch in den wechselnden Buchreihen ab. Wir wünschen uns einen Ort zu ermöglichen, an dem sich möglichst viele Menschen, von Nachbar*in bis ,Szene‘, wohlfühlen. Dazu gehört für uns, möglichst barrierearm zu sein – auch bei den Preisen (…) vor allem – sorgt mit dafür, dass rassistisches, homophobes, sexistisches und anderweitig diskrimi­nierendes Verhalten hier keinen Platz findet.“ Aber dann erhielt ich am 29. Mai 2020 den folgenden k-fetisch-Newsletter: „Liebe alle, einige von euch wundern sich vielleicht, warum der Laden geschlossen ist. Wir haben von grenzüberschreitendem bzw. sexualisiertem übergriffigem Verhalten von zwei cis-männlichen Kollektivmitgliedern erfahren. In einem Fall handelt es sich um einen Vorfall außerhalb des k-fetisch. Im zweiten Fall handelt es sich um mehrere Vorfälle in- und außerhalb des k-fetisch. Die erstgenannte Person ist aus dem Kollektiv ausgestiegen. Wir sind klar partei­lich und...

Das Paradox der Veränderung

Proberaum

Liebe Rampe, fast auf den Tag genau vor neun Jahren entstand die Bühnenproduktion „Nana not alone“. Mein Instrument, ein Keyboard aus 49 Tasten, war dafür mit meiner Sprechstimme und gesprochenem Text, statt wie zuvor mit musikalischen Tönen gefüllt. Der Abschied als Musiker von meinem Instrument mit dem gewohnten Klang und die Erweiterung meines Körpers brachten die Möglichkeit mit sich, das Publikum in der unwillentlichen Einordnung meiner Person im Hinblick auf Gender, Herkunft, Klasse heraus­zufordern. Ich hatte zu diesem Zeitpunkt nur eine vage Ahnung, dass dies ein persönliches sonisches Archiv meiner Stimme werden sollte, die sich in den kommenden Jahren im Klang veränderte. Wenn ich den Text mit meiner heutigen Stimme spreche, merke ich, obwohl es derselbe Text ist, dass es rein der Klang meiner Stimme ist, der den Worten anderen Inhalt verleiht. Durch die Zusammenarbeit und den physischen Theaterraum sind in den darauffolgenden Jahren aus den 49 Tasten 392 geworden. Eine sechs Meter lange Skulptur, die in den Produktionen, die in der Rampe entstanden sind, eine Transformation in ein Instrument erfahren hat. Ein Instrument, das nicht eine Klangfarbe, Melodie oder Rhythmus in einem musikalischen Gesamtarrangement zur Aufführung eines musikalischen Werks beiträgt, sondern das Instrument hat es sich zur Aufgabe gemacht,...

Ein sonisches Archiv der Möglichkeiten

Let’s burn down the patriarchy

Hacken für das Theater

Die Schreie der Opfer in den Kriegen der Welt

Bayerische Staatsoper München: Ein Opernthriller 

Die Kunst der Widersetzlichkeit

Künstlerische Leitung Marie Bues (2013 – 2021), Martina Grohmann (2013 – 2023) Geschäftsführung Franziska Stulle (2013 – 2023), Julian Bogenfeld (2017 – 2018) Referent*in der Geschäftsführung Florian Rzepkowski (2013 – 2017), Kati Trinkner (2018 – 2023) Produktionsleitung Aliki Schäfer (2013 – 2015, 6 TAGE FREI 2016 – 2017), Rahel Häseler (2015 – 2017), Silinee Damsa-Ard (verschiedene Projekte, 2018 – 2022), Monika Kebieche-Loreth (2018), Klara Fritz (2018 – 2019), Laura Oppenhäuser (6 TAGE FREI 2018 – 2022), Siri Thiermann (2019 – 2023) Künstlerisches Betriebsbüro Anna Bakinovskaia (2020 – 2022) Presse- und Öffentlichkeitsarbeit Anna Katharina Winkler (Referentin, 2013 – 2014), Hannah Buchheister (Referentin, 2014), Sarah Theilacker (2014 – 2017), Olaf Nachtwey (2017 – 2018), Kathrin Stärk (2018 – 2023) Dramaturgie, Mitarbeit in der künstlerischen Leitung Paula Kohlmann (2018 – 2023) Regie-, Ausstattungs- und Produktionsassistenz Sarah Brodbeck (2015 – 2016), Marina Landrichter (2015), Tobias Tönjes (2016 – 2019), Silinee Damsa-Ard (2017), Pierre-Marcel Balazs (2019), Marlis Wiedemann (2019 – 2020), Theresa Bürkle (2021) Technische Leitung Joscha Eckert (2013 – 2017), Robin Burkhardt (2018 – 2019), Max Kirks (2019 – 2023) Veranstaltungstechnik Robin Burkhardt (2013 – 2017), Simon Kraemer (2014), Max Kirks (2015 – 2017), Benjamin Böttle (2017 – 2018), Sebastian Fürst (2017 – 2022),...

Mitarbeitende

Programmgestaltung im Ausnahmezustand – eine Bestandsaufnahme

Ins Offene der Möglichkeiten

Zwischen Gegenwartsdrang und Festivalmüdigkeit

Tanja Krone arbeitet als Regisseurin, Kuratorin, Performerin und Musikerin. Ihre Performances reichen von der Gründung der weltgrößten Frauenrockband über die Erfindung utopischer Staaten in Afrika bis hin zur Schaffung einer modernen Heilsarmee in Berlin. Im Juni 2014 reaktivierte und kuratierte sie als Gregoria Gog den VAGABUNDENKONGRESS (2014) in Stuttgart, inszenierte mit THE EUROPEAN HOUSE OF GAMBLING (2017) ein Casino für alle, führte als Wiedergängerin von Christine de Pizan den Einzug in die STADT DER FRAUEN* (2018) an und wirkte in Projekten des Volks*theater Rampe - Ensembles mit. Für seine Marienplatz-Bespielung AUF DIE PLÄTZE (2021) entwickelte sie gemeinsam mit dem Ensemble und dem Musiker Friedrich Greiling ein Konzertprogramm. Ihr Abschiedsbrief ist ein Song. <a href="http://tanjakrone.de/erfolgsgeschichte/">Den Song hier anhören.</a>

Erfolgsgeschichte

Die erste <a href="https://tdz.de/artikel/5a046c33-3c9e-40ff-b0ce-b757000a5048">Plakatserie</a>, mit der Martina und ich an der Rampe antraten, fragte die Stadtöffentlichkeit: „Wem gehört die Welt?“ Die Frage wurde beant­wortet – mit vielen gesprayten und gekritzelten Antworten von uns, von Zuschauer*innen, von Kollaborateur*innen, von einer realen Stadtöffent­lichkeit. Vielfältige bunte Antworten zierten die schwarz-weißen Plakate. Nun nach zehn Jahren stellen wir eine ähnliche, aber spezifischere Frage: „Wem gehört das Theater?“ Diese Frage soll am Ende offenbleiben, kann nur von jede*m/r selbst beantwortet werden, regt hoffentlich an, das Theater als eigenen öffentlichen Raum wahrzunehmen und als diesen für sich in Anspruch zu nehmen. „Wem gehört die Welt“ bis „Wem gehört das Theater“ stellt in der Zeitspanne unserer künstlerischen Leitung zudem die Frage nach einer Deutungs- und Diskurshoheit, nach einer Perspektive, einem point of view, sprich nach einer Autor*innenschaft und ihrer Wirkmacht auf die Erzählung auf der Bühne. Diese Frage hat uns die Jahre am Theater Rampe beschäftigt, fungierte als interne Überschrift und führte zu einer Bandbreite von Erzähl­formen, Expe­­rimenten und Koproduktionsformaten in sehr unterschiedlichen Projekten. Barack Obama, gefragt von Studierenden, sagte, jetzt von mir sehr frei zitiert: „Wir denken immer, Personen handeln aus profitorientierten oder egoistischen Gründen, oft aber handeln Personen angetrieben von der Macht einer Geschichte, einer...

Öffentliches Sprechen

Schreibweisen der zeitgenössischen Zirkuskritik

Theater Magdeburg: Polyphonie des Schmerzes

Schlicht lebensverändernd

Liebes Theater (Rampe), es gibt ja diesen Mythos der siebenjährigen Phasen, die der Mensch* durchläuft. Wir waren die letzten <a href="https://tdz.de/artikel/5a046c33-3c9e-40ff-b0ce-b757000a5048">sieben Jahre mit backsteinhaus produktion</a> an diesem theatralen Ort, am Theater Rampe, und haben Black Boxes aufgeladen. Es ist also an der Zeit, die nächsten sieben Jahre zu beginnen, das Aufladen zu überdenken. Aber erst wollen wir uns verabschieden. Auch wenn Abschieden oft etwas Emotionales, Destruktives, ja fast schon Nihilistisches anhaftet, ist es doch ein universales Momentum. Wie Tanz. Oder Sex. Alle kennen es, alle tun es. Alleine und solidarisch. Kontinuierlich. Mit jedem Einschlafen verabschiede ich mich von meinem Bewusstsein. Mit jedem Kaffee von meiner Lethargie. Mit jedem Kunstwerk von meiner Unangreifbarkeit. Mit jedem Lächeln von Radikalität. Mit jeder Ausatmung verabschiedet sich mein Körper vom Leben und betritt diesen klitzekleinen Transitbereich vor der nächsten Einatmung. Es ist dieser Zwischenmoment, der alle Möglichkeiten bietet. Das Bewegliche darin macht das Reizvolle aus. Dieser Transitbereich eröffnet uns einen emanzipatorischen Gestus, der uns fordert, ja befördert. Der eupho­risierend wirkt. Die Utopie hat darin Bestand. Fast glaube ich, orgiastische Zustände liegen dort zugrunde. Also tun wir es jetzt. Nehmen wir Abschied vom Theater und damit unserer Gesellschaft als bekanntem Ort. In transformativen Kleinstprozessen streifen wir das...

Abschied nach sieben Jahren

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Buchpremiere

Im Schatten der Zahnradbahn Vol. 2

Theater Rampe

Team des Theater Rampe 2019

Zacke, Einfahrt in die Rampe

"Im Schatten der Zahnradbahn"

Das Theater Rampe in Stuttgart, gegründet 1984 als Studentenbühne, wurde von 1998 bis 2013 von Eva Hosemann geleitet, in den ersten Jahren gemeinsam mit Stephan Bruckmeier. In dieser Zeit ist das Theater Rampe in dem pittoresken alten Zahnradbahnhof im Süden der Stadt zu einem unverzichtbaren Teil des Stuttgarter Kulturlebens geworden - als Autorentheater, als Ort für zeitgenössische Literatur, als Netzwerker mit anderen Kulturinstitutionen Stuttgarts. Grund genug, Bilanz zu ziehen, die Arbeit der vergangenen fünfzehn Jahre zu dokumentieren und die Erfahrungen zu resümieren.
„Im Schatten der Zahnradbahn" stellt die von Hosemann und Bruckmeier entwickelte und mittlerweile auch anderswo nachge- ahmte Konzeption eines Autorentheaters, Spezialprojekte und Koproduktionen des Theater Rampe vor. Zwei Autoren, Eugen Ruge und Lutz Hübner, die mit dem Theater kooperiert haben, berichten von ihren Erfahrungen. Kurzstatements, eine Liste der Inszenierungen sowie zahlreiche Illustrationen ergänzen den Band.

Das Theater Rampe in Stuttgart

Im Schatten der Zahnradbahn

Die Mobilität von Tanz- und Theaterproduktionen wächst: Festivals und Häuser zeigen vermehrt Gastspiele und entwickeln transnationale Koproduktionen. Zugleich wird diese Praxis kritisch hinterfragt. Seit der Covid-19-Pandemie haben hybride Formate zugenommen, Aufführungen verlagerten sich auf den Bildschirm, und neue Strategien entstanden, die ohne Live-Publikum vor Ort funktionieren. Auch im Hinblick auf Klimagerechtigkeit stellt sich die Frage nach verantwortungsvollen Zirkulationsformen. Behinderte Theater- und Tanzschaffende haben schon längst Erfahrungen mit erschwerter Mobilität gemacht und daraus eigene Ästhetiken und Arbeitsweisen entwickelt. Ihre Erfahrungen wurden in den bisherigen Debatten jedoch kaum mitgedacht. Der Sammelband erweitert die Diskussion um Im/Mobilität in den Darstellenden Künsten um eine Disability-Perspektive und versammelt künstlerische Beiträge, Essays und wissenschaftliche Analysen. Auditive Formate, Videos und Zusammenfassungen in Leichter Sprache eröffnen barrierearme Zugänge für ein breiteres Publikum.
Der Band erscheint zugleich als MIMOS – Schweizer Jahrbuch Darstellende Künste Nr. 87–2026, herausgegeben von der Schweizerischen Gesellschaft für Theaterkultur (SGTK) mit Unterstützung der Schweizerischen Akademie der Geistes- und Sozialwissenschaften (SAGW). Ein Teil der Auflage enthält eine französischsprachige Broschüre mit Abstracts der Beiträge.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Celestina Widmer, Thubten Shontshang, Nina Mühlemann und Yvonne Schmidt: Im/Mobile Möglichkeiten" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=celestina_widmer_thubten_shontshang_nina_m_hlema&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Zugänglichkeit und Verantwortung in den performativen Künsten

Im/Mobile Möglichkeiten

Einzigartige Primärquellen aus einem weitgehend undbekannten Kapitel der DDR-Ballettgeschichte
Erscheint zum 80. Jubiläum der Zeitschrift Theater der Zeit
 
DDR-Ballett, ostdeutsche Tanzgeschichte und selten aufgeführte Choreografien zwischen 1975 und der späten „Nachwendezeit“: Dieser Band versammelt erstmals wegweisende Rezensionen, Essays und Augenzeugenberichte aus dem Deutschen Tanzarchiv Köln, der seit 1946 bestehenden Zeitschrift Theater der Zeit und aus Tageszeitungen. Ein erfahrener Tanzredakteur, Dietmar Fritzsche, und sein damals junger, heute renommierter Autor, Volkmar Draeger, führen kenntnisreich durch vergessene Bühnenmomente – von Uraufführungen u. a. in Berlin, Dresden, Leipzig bis zu neu inszenierten Werken aus den, wie es offiziell hieß, „befreundeten sozialistischen Ländern“.
Kompakt, fundiert und spannend zeichnet das Buch die Entwicklung des DDR-Balletts nach, beleuchtet künstlerische Höhepunkte, politische Tendenzen, ästhetische Irrwege. Damit bildet das Buch ein unverzichtbares Nachschlagewerk für Tanzwissenschaft, Kulturgeschichte und alle, die ostdeutsche Bühne, Tanzkritik und Ballettgeschichte erkunden möchten.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank-Manuel Peter (Hg.): Die andere Seite. Tanz in der DDR von 1975 bis 1997" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank-manuel_peter_hg._die_andere_seite._tanz_i&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Tanz in der DDR von 1975 bis 1997

Die andere Seite

Die Maiausgabe von „Theater der Zeit“ widmet sich im Schwerpunkt dem Thema Teamintendanzen und fragt, wie kollektive Leitungsmodelle Theaterarbeit, Machtverteilung und Verantwortung verändern. In Interviews und Porträts kommen u. a. Thomas Bockelmann, das Leitungsteam des Nationaltheaters Weimar sowie Inka Neubert und Pascal Wieandt vom Theaterhaus G7 Mannheim zu Wort – was sind die Vorteile einer Teamintendanz? Welche Konflikte gibt es? Ist eine geteilte Intendanz wirklich Machtverteilung oder schafft sie neue Abhängigkeiten? Ergänzt wird der Schwerpunkt durch ein Gespräch mit Schauspielerinnen des Theaters Magdeburg über Probenprozesse in der Teamintendanz, das einen konkreten Blick aus der Ensembleperspektive bietet.
Ergänzt durch Beiträge zu den großen Theaterfestivals im Sommer: die Mülheimer Theatertage, das Theatertreffen, das Schweizer Theatertrffen und: Florentina Holzinger über ihren Auftritt bei der Biennale in Venedig!
Drüber hinaus erinnert die Ausgabe an Peter Zadek und Konstanze Lauterbach und würdigt den verstorbenen Autor und Regisseur Alexander Kluge. Wie immer: Stückabdruck (diesmal Robert Seethalers „Vernissage“), eine Kolumne von Max Glauner und eine Buchkritik zur ersten Biografie von Judith Malina.
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Schwerpunkt Teamintendanzen

Florentina Holzinger in Venedig

Das Juni-Heft von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Horror, das Unheimliche auf der Bühne“ und verbindet ästhetische, kulturpolitische und traumagesellschaftliche Perspektiven. Essays von Joseph Pearson und Hannah von Sass, Stefan Keim und Horrorspezialist Jörg Buttgereit untersuchen das Unheimliche in Schauspiel und Musiktheater – das auch bei den Bayerischen Theatertagen in Form von Stephen Kings „The Shining“ als Oper in Regensburg wieder auftaucht.
Das Magazin verhandelt zudem aktuelle Konflikte um Theaterbauten und Kulturpolitik – exemplarisch am Chemnitzer Schauspielhaus.
Das Stück im Juniheft: Kevin Rittbergers „Wunde Stadt“ verhandelt das Attentat von Magdeburg, flankiert von einem Stückgespräch.
Kolumnen von Mateja Meded („Habitus-Passing“) und Lina Wölfel („Wir gehen nicht rein“) reflektieren Klassenverhältnisse, Diversität und Auswahlmacht im Theaterbetrieb, während Berichte von Festivals und Ausstellungen (u. a. Heidelberger Stückemarkt, Bayerische Theatertage, Bühnenbildklasse Düsseldorf, Brecht-Journal) den Blick auf internationale Szenen und Theatergeschichte erweitern.
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Wie gewinnt ein Textvortrag, obwohl er aus wiederholbaren Zeichen besteht, Bühnenpräsenz? Was kann die heutige Sprechausbildung im Schauspielstudium leisten, um die Studierenden darin zu unterstützen?
Helmut Becker geht diesen zentralen Fragen in seiner Dissertation nach. Basierend auf aktuellen Leiblichkeitskonzepten und einem phänomenologisch orientierten Textbegriff analysiert Becker Möglichkeiten der Texterschließung und Textgestaltung an klassischen Werken von Euripides, Shakespeare, Schiller, Kleist, Kafka, Mann, Camus sowie zeitgenössischen Autoren wie Heißenbüttel, Brinkmann und Gernhardt.
Durch die gezielte Schulung von Atemqualitäten und deren Anwendung am Text entsteht ein neues, tiefgehendes Verständnis von Leiblichkeit. Das Buch zeigt, wie ein solches Leibbewusstsein die Lust am Text, an kraftvoller Bühnenpräsenz und authentischer Textperformanz nachhaltig fördert – und richtet sich an Schauspielstudierende, Bühnenprofis sowie alle, die sich für lebendige Textpräsentation, Stimmtraining und performative Literaturvermittlung begeistern.
Mit zahlreichen Hörbeispielen als Audiofiles begleitend zum Lesen.
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Die Leiblichkeit der Texte

Im Gebäude eines Theaters mag man einiges erwarten – aber eine Zahnradbahn dürfte selbst hartgesottene Theatergänger*innen überraschen. Schon der Ort ist programmatisch für das Theater Rampe. Hier mischen sich Theater und Popkultur, Tanz und Schauspiel, Nachbarschaft und globale Perspektiven. Mehr und mehr entwickelte sich das Theater Rampe zu einem Stadttheater neuen Typs, in dem die Übergänge zwischen zeitgenössischen Theatertexten und Performances der freien Darstellenden Künsten fließend sind.
2023 steht in der Rampe ein Leitungswechsel an. Ein guter Moment um innezuhalten. Künstlerische Wegbegleiter*innen, Freund*innen und Partner*innen erinnern in persönlichen Abschiedsbriefen die vergangenen zehn Jahre, schreiben Ideen fort oder blicken in die Zukunft.
Eine Sammlung von Briefen, die keinen Anfang und kein Ende kennt. Denn Abschied nehmen heißt auch weitermachen, weiterarbeiten, weiterdenken.
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Theater Rampe 2013 – 2023

25 Bühnenbilder von Katrin Brack, entstanden zwischen 2010 und 2025, inklusive ihrer Rauminstallation anlässlich der Verleihung des Goldenen Löwen in Venedig 2017: Die Bildstrecke macht signifikante Gemeinsamkeiten wie auch Brüche und Entwicklungen in diesen 15 Jahren deutlich, die durch die Zusammenarbeit mit u. a. Dimiter Gotscheff, René Pollesch, Luk Perceval, Karin Henkel geprägt ist. Ergänzt wird dieser fotografische Schwerpunkt sowohl von unveröffentlichten Zeichnungen, die Einblicke in Konzeption, Entstehung und Realisation der einzelnen Bühnenarbeiten gewähren, wie von unterschiedlichen Textbeiträgen.
Im Gespräch mit dem Herausgeber Frank M. Raddatz erläutert die Ausnahmebühnenbildnerin die Kunstprinzipien, von denen sie sich leiten lässt. Der Philosoph Robert Pfaller verortet ihre Arbeiten in der jüngeren Kunstgeschichte der Gegenwart, während Birgit Wiens die Spezifika dieser Räume aus theaterwissenschaftlicher Sicht untersucht. Josef Bairlein und Götz Leineweber geben Einblicke in Bracks Lehre an der Kunstakademie München und die kollektive Arbeitsweise ihrer Bühnenbildklasse. Statements von Birgit Minichmayr, Tabea Braun, Sybille Meier, Luk Perceval und Thomas Thieme werfen Licht auf diese lebendigen Bühnen.
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Bühne / Stage Katrin Brack

Im Schatten der Zahnradbahn Vol. 2

Assoziationen

Theater

Theater Rampe

Im Schatten der Zahnradbahn

Neuerscheinungen im Verlag