September 2019

Premieren

Die Veranstaltungen zum 200-jährigen Jubiläum Theodor Fontanes bilden im Land Brandenburg den Schwerpunkt im Kultur­kalender 2019. Der Landesverband Ost des Deutschen Bühnenvereins hat zu diesem Anlass eigens ein Budget eingestellt und Fontane zum Gegenstand seiner 11. Thea­tertage gemacht, die nun mit dem jährlichen Spielzeitauftakt-Spektakel der neuen Bühne Senftenberg unter dem Titel „Fontane am Zug“ mit einem Inszenierungsdoppel eröffnet wurden. Der dafür gewählte Ort ist spektakulär: das weiträumige Gelände des Senftenberger Güterbahnhofs hinter dem in typische Nachwende-Ver­rottung gefallenen Bahnhofsgebäu­de. Der Gleisanschluss des ­Theaterprojekts erklärt sich durch den Spektakel-Partner Das letzte Kleinod und dessen für das Schienennetz zugelassenen Theaterzug, der unter der Leitung von Jens-Erwin Siemssen seit einigen Jahren von sich reden macht. In diesem stimmungsvollen Bahnambiente war es geradezu naheliegend, die Senftenberger Inszenierung „Theodor und wie er sich in die Welt schrieb“ von Katja Stoppa und Tilo Esche als Parcours anzulegen und Fahrkarten für das Anfahren von Stationen auszugeben. Fontane war ja nicht nur Wanderer, sondern auch Zugfan. Inhaltlich bezog man sich vor allem auf den populären Fontane und alles, was durchschnittliche „Effi Briest“-Leser mal in der Schule lernten. So läuft auch eine schmissige Parodie-Ver­sion des Romans über Freiluft­theaterbretter, die Kaiser Wilhelm I. (Jan ­Mixsa) gleichsam zur Zensurkontrolle und dem Publikum...

Die neue Bühne Senftenberg springt mit ihrem Theaterspektakel auf den Fontane-Jubiläums-Zug auf

Fontane mehrgleisig

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

„Geschichte widerholt sich … Es begann vor dem Krieg … Etwas lag in der Luft … Wir registrierten das Engagement verschiedener Leute; wir hörten Interviews; wir sahen, wie sich das, was sich öffentliche Meinung nannte, formierte.“ So erinnert sich Borka Pavićević, die große Belgrader Aktivistin und Gründerin des Zentrums für kulturelle Dekontamination, an das Jahr 1987. Etwas war im Gange. Und dieses Etwas sollte zu den jüngsten Kriegen der europäischen Geschichte führen. Jugoslawiens Präsident Josip Broz Tito war seit sieben Jahren tot. Der Staat zerfiel und verwandelte sich in ein Pulverfass. 1991 begannen die Kämpfe in Kroatien und Slowenien, 1992 in Bosnien, 1998 in Kosovo. Inmitten dieser Kriegsgräuel, Propagandaschlachten, Bombardements gründete Borka Pavićević als Akt des Widerstands gegen ­Nationalismus und Xenophobie 1994 ihr Zentrum für kulturelle Dekontamination in Belgrad. Vorausgegangen waren ethnisch motivierte Kündigungswellen selbst im Theater. Der damaligen künstlerischen Leiterin des Belgrader Drama Theaters wurde verboten, kroatische Autoren zu inszenieren. Pavićević und ihre Mitstreiter erhielten Bombendrohungen. „Ich werde nie den Tag vergessen, als unser Pförtner eines Tages in der Uniform der serbischen Streitkräfte zur Arbeit kam.“ Das Theater wurde zum Kampfplatz und schlussendlich zur politisch auf Linie gebrachten Zone. Am 30. Juni 2019 ist die Grande Dame des Widerstands...

Theatre in the Context of the Yugoslav Wars. Hg von Jana Dolečki, Senad Halilbašić und Stefan Hulfeld, Palgrave Macmillan, London 2018, 339 S., 103,99 EUR.

Propaganda und Widerstand

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Geboren 1931 in Halle, dort aufgewachsen und der Saalestadt zeitlebens eng verbunden, studierte Joachim Knauth Germanistik und Literaturwissenschaft in Leipzig, unter anderem bei Hans Mayer und Ernst Bloch. Schon während des Studiums verfasste er sein ­erstes Theaterstück. Zunächst am Theater in Meißen, arbeitete Knauth von 1958 bis 1962 unter Intendant Wolfgang Langhoff als Dramaturg am Deutschen Theater Berlin. Bedeutsam dort seine Mitarbeit an der legendären Langhoff-Inszenierung von Lessings „Minna von Barnhelm“ 1960. Ab 1962 war Joachim Knauth als freiberuflicher Autor tätig. Ich lernte ihn Anfang der siebziger Jahre kennen, und bald verband uns eine bis zu seinem Tod währende Freundschaft. Ich durfte über einige seiner Werke als Kritikerin berichten und liebte besonders seine Märchenstücke wie den „Prinz von Portugal“ und „Wie der König zum Mond wollte“. Es sind listige Deutungen einer scheinbar märchenhaften Welt, die aber nicht nur poetisch, komisch und frech anmutet, sondern voller Anspielungen auf die uns umgebende DDR-Realität steckt(e). Auch Bearbeitungen antiker Stücke wie „Der Maulheld“ oder „Die Weibervolksversammlung“, die Beschäftigung mit historischen Stoffen – schon in seinem ersten Stück „Heinrich der Achte oder Der Ketzerkönig“ – und seine letzte Dramatisierung „Die Mainzer Freiheit“ weisen oft komisch-satirische Momente auf. Knauth schrieb zudem auch zahlreiche theatertheoretische Essays, unter...

Der Dramatiker, Hörspielautor, Übersetzer und Essayist Joachim Knauth ist tot

Bursche von unendlichem Humor

In K1 wird gegessen: Glasnudelsalat, Aufstriche, Brot. Nah beim Eingang des Raums auf Kampnagel steht ein DJ-Pult, dort in Aktion: das Live-Electro-Orchester der Monika Werkstatt um Musiklegende Gudrun Gut. Das offene Format „Cooking in Crisis“ wurde von den Performern von Showcase Beat Le Mot und fluid states aus Kroatien erarbeitet. Laut Programmblatt handelt es sich „um ein begehbares Bühnenbild, in dem die Künstler*innen ein Menü kochen und dabei eine Gesprächssituation herstellen …, in der soziale Handlung und ­Gesellschaft als kulturelles Konzept zur Disposition gestellt werden“. Große Worte, allein: Nichts davon löst sich ein. Es ist und bleibt ein Essen mit Elektrosound, dessen improvisierten Sprech­gesang akustisch niemand versteht. Also weiter zur zweiten Vorstellung bei XCHANGES – Festival internatio­naler Performances: „Who Run the World – Das Evangelium nach Maria / Die Apokalypse nach Lilith“, eine Koope­ration des Theaters Rampe Stuttgart und des Teatru Spălătorie aus Moldawien. Die Autorin Nicoleta Esinencu hat mit Textpassagen aus der Bibel ihr eigenes Evangelium geschrieben: Adam wird gestürzt, Jesus ersetzt und das „Vaterunser“ zum „Mutterunser“. Esinencu feiert mit Maria Magdalena und ­Lilith zwei Dissidentinnen und stellt ihnen Frauen aus verschiedenen Kulturen an die Seite, die von Patriarchat, Sexismus und ­Gewalt erzählen. Den ersten Teil des Abends inszeniert...

Mit der Werkschau XCHANGES auf Kampnagel Hamburg geht das Förderprogramm „Szenenwechsel“ des ITI und der Robert-Bosch-Stiftung zu Ende

Mit der Welt auf Augenhöhe

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Der Philosoph Theodor W. Adorno hat seine Theorie einmal als eine Flaschenpost bezeichnet. Unbeirrt von der Frage, zu wem er eigentlich spräche, hielt er daran fest, dass ein Gedanke zuallererst seinem Objekt ­verpflichtet sei – und erst in zweiter Linie einem imaginären oder realen Publikum. Für „unbekannte Finder in einer ­un­bestimmten Zukunft“ waren seine Überlegungen gedacht, sah ­Adorno doch seinerzeit kaum Adressaten seiner radikalen Gesellschaftskritik. Die alte Linke war zerstört und geschlagen, die KPD verboten, die Nachkriegs-SPD sah er durch den Refor­mismus des Godesberger Programms zum Untergang verdammt, und die neue Linke, die zuerst in Gestalt der Studentenbewegung auftrat, war ihm mit ihrer Fixierung auf ­Symbolpolitik verdächtig. „Pseudoaktivität“ nannte er deren radikalen Gestus, der auf wahrhaft eingreifende Praxis verzichtete, aber auf der Oberfläche einen Strudel von Zeichen des radical chic erzeugte. Bei Suhrkamp wurde nun der von Adorno 1967 an der Wiener Universität gehaltene Vortrag „Aspekte des neuen Rechtsradikalismus“ herausgegeben. Adorno fragte nach den Bedingungen des damaligen Erfolgs der NPD. Und präsentierte eine radikale und kritische Analyse der Gesellschaft. Vor fünfzig Jahren, am 6. August 1969, ist Adorno gestorben. Wenige Tage später erschien in der ZEIT sein letzter Text „Marginalien zu Theorie und Praxis“, in dem er seine Thesen über...

Geschichte vom Herrn H.: Adornos Flaschenpost

Oliver Kluck, Ihr neues Stück trägt den Titel „Baader Panik“, was mich auf eine falsche Spur geführt hat: Ich habe einen Text über die RAF erwartet. Ich habe keinen direkten Zugriff auf die RAF, was etwas mit meiner Herkunft zu tun hat. Mein Deutschland fängt irgendwann in den späten achtziger Jahren an. Prägend war der in der Familie gepflegte Umgang mit dem Ministerium für Staatssicherheit. Später die Übertragung kollektiven Eigentums an Privatpersonen aus den alten Bundesländern. Hinzu kam der Verlust gewohnter Arbeitswelten und Strukturen, wovon meine Eltern direkt betroffen waren. Ihre Titelfigur Baader ist ein Theaterautor. Ein weiterer Dramatiker, der in Ihrem Text eine wichtige Rolle spielt, ist Gerhart Hauptmann. Was bedeutet er für Sie? So wie ich ihn darstelle, könnte Baader genauso gut ein Langschläfer sein, ein Fußgänger oder Abbruchunternehmer eines ganzen Landes. Gerhart Hauptmann kommt mir aus biografischen Gründen unter. Ganz gleich wohin mich meine Wege führen, er war immer schon da und ist es immer noch. Für mich ist er eine ambivalente Figur. Auf der einen Seite gibt es die öffentlichen Auftritte, die ich als inszeniert betrachte. Im privaten Bereich dann eine nicht ausgelebte Weiblichkeit, auf die ich in meinem Versuch eingehe. Sie wurden auf Rügen geboren...

Der Autor Oliver Kluck über sein Stück „Baader Panik“ im Gespräch mit Erik Zielke

Theaterarbeit als Kulturkatastrophe

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Die Wiener Festwochen haben personell turbulente Jahre hinter sich. Auf Stefanie Carp 2013 folgten die Schauspielchefs im jährlichen Wechsel: Frie Leysen, Stefan Schmidtke, Marina Davydova und zuletzt als Gesamtchef Tomas Zierhofer-Kin. Nun aber ist – so fühlt es sich zumindest an – wieder Ruhe eingekehrt. Nach dem vorzeitigen Abgang Zierhofer-Kins unmittelbar nach Festival­ende 2018 hat Christophe Slagmuylder, versierter Kurator und bis dahin Leiter des Kunstenfestivaldesarts, die Agenden übernommen. Und er hat es gleich in seiner ersten Saison verstanden, die Wogen zu glätten, die sein Vorgänger hochgehen ließ, weil er mit ungeschickt herumgerissenem Ruder programmierte und das Stammpublikum mehr als erwartet verstörte. Slagmuylder war der Richtige, um das zerrüttete Verhältnis der Festwochen zum Publikum wieder zu befrieden. Er ist nicht nur ein ausgesprochen sympathischer Mensch, als langjähriger Festivalchef in Brüssel hat er das Programmieren auch im kleinen Finger. Man braucht schon ein dickes Adressbuch und langjährige Arbeitsbeziehungen, um in so kurzer Zeit (zehn Monate) ein ­Festival dieser Größe auf die Beine zu stellen: 45 Premieren an 27 Spielstätten, anberaumt für 6 Wochen. Dabei galt es auch noch, die Festwochen-Klientel zu besänftigen, ohne anbiedernd zu werden. Als Besänftiger versteht sich Slagmuylder allerdings garantiert nicht. Im Gegenteil, von den Formaten seines Vorgängers gedachte...

Phia Ménard und ihre Compagnie Non Nova verblüffen mit „Contes Immoraux“ bei den Wiener Festwochen

In den Ruinen Europas

Auf der Biennale Venedig 2019

„Sun & Sea (Marina)“

Warum Theater,

Die Augen seien der Spiegel der Seele, sagt man. In den weit aufgerissenen Augen, die in den tiefen Höhlen im Kopf dieses Bregenzer Don Quijote sitzen, blitzt die ganze Tragik jenes verrückt abstrusen und zugleich faszinierenden Wesens der Weltliteratur durch: Sie sind wach und blicken doch vernebelt durch die Realität hindurch, sie sind gutmütig, tieftraurig und forsch zugleich. „Hast du immer noch nicht begriffen, dass bei den fahrenden Rittern alles nach Hirngespinst und Ungereimtheiten aussieht und wie umgestülpt ist“, sagt er einmal zu seinem Knappen Sancho Panza. Ein Moment der Wachheit? Nur bedingt, denn sogleich fällt der Ritter wieder in seine Scheinwelt zurück: „Weil immerzu ein Schwarm von Zauberern unter uns wandelt, die all die Dinge ­verzaubern und vertauschen, wie es ihnen beliebt …“ Es sind Schlüsselsätze in der Dramatisierung des berühmten monströsen Abenteuer­schmökers durch Jakob Nolte, die zugleich als Schlüssel zur Inszenierung von Jan Bosse dienen können. Natürlich darf der legendäre Kampf gegen die Windmühlen nicht fehlen und ist die hingebungsvolle Liebe zu Dulcinea Thema. Aber die Riesen mit den weiten Flügeln und die Angebetete bekommen wir nur in der mentalen Reflexion, gespiegelt in den Augen des Ritters, mit. Letztlich ist es ja auch unmöglich, die Geschichte von „Don...

Ulrich Matthes und Wolfram Koch zaubern bei den Bregenzer Festspielen mit Regisseur Jan Bosse einen „Don Quijote“ aus der Kiste

Sternstunden der traurigen Gestalten

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Meine erste Begegnung mit dem Theater Waidspeicher in Erfurt fällt mit dem Beginn der Intendanz von Peter ­Fischer Mitte der neunziger Jahre zusammen. Gegründet 1979, residierte das Theater seit 1986 am Domplatz und erfand sich – fast das komplette Ensemble war ans Puppentheater Halle gegangen – gerade neu. Als Regieanfänger betrat ich mit einiger Aufregung über den Bühneneingang das alte Fachwerkhaus. Was hatte ich nicht alles über den Ort gehört, der aus der Sparte Puppentheater der Städtischen Bühnen Erfurt hervorgegangen war. Der „Waidspeicher“, wie er in der überschaubaren Szene des ostdeutschen Puppentheaters, die seit 1989 mit der so ganz anders gewachsenen westdeutschen fremdelte, ehrfurchtsvoll genannt wurde. Dabei hätte ich eigentlich entspannt sein können, war ich doch nur die Regiebegleitung der Einstandsinszenierung eines neuen Spielers; auf diesem lag die Aufmerksamkeit. Nach unserer – ebenfalls sehr aufgeregten – Premiere gab es bei Brötchen, Bier und Hackepeter Gespräche. Das komplette Spiel­er­ensemble inklusive der Leitung war da, die Puppenbauerin und der Puppenbauer, Beleuchter – ich lernte lauter Menschen kennen, die allesamt mit Ernst­haftigkeit über unsere ­Arbeit, die Geschichte, den neuen Kollegen und ihr Haus sprachen. Aus der Berliner Thea­terszene mit ihrer ­ Eitel- und auch Oberflächlichkeit kommend, be­gegnete ich staunend einer Art kollektiver Anstrengung,...

40 Jahre Theater Waidspeicher Erfurt

Die Kraft des Ensembles

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was ihr die Bühne bedeutet? Da lächelt Rosa Thormeyer versonnen: „Die Bühne fühlt sich oft so an, als käme ich nach Hause.“ Dort kann sie permanent über Grenzen gehen, und nichts bricht ihren unbändigen Mut. Sie spricht selbst vom „Drang“, auf der Bühne Lebens- als Spielweisen auszuloten. Wer ihr Spiel von außen betrachtet, kommt durchaus ins Philosophieren. Denn Rosa Thormeyer konfrontiert ihr Zuhause der Bühne mit der radikalen Darstellung von Unbehaustheit. Die Ausbildung zur Schauspielerin an der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ begann 2013. Ihr Studium in Berlin empfand Rosa Thormeyer dann als inspirierend, wenn Sollens-Vorgaben in den Hintergrund traten. Zentral war und ist für sie die Frage: „Was bin ich – nicht, was soll ich sein.“ Alexander Simon hat als Dozent ihr Vertrauen in die eigene Persönlichkeit gestärkt. Sein Lob galt ihrer „Leichtigkeit“, mit der sie sich Figuren gegenüber verhalte. Aus dieser Leichtigkeit heraus entstehe bei ihr Unabhängigkeit. Rosa Thormeyer verfügt über die besondere Fähigkeit, eine Figur zu behaupten und umgehend wieder abzulegen. Ihr Erstengagement führte sie 2017 von Berlin ans Theater Freiburg. Dort brilliert sie früh in Shakespeares „Sommernachtstraum“ (Regie Ewelina Marciniak): Sie öffnet den existenziellen Abgrund der Hermia-Figur, zwischen den Shakespeare-Archetypen der Einsamkeit und des Waldes spannt...

Die Schauspielerin Rosa Thormeyer verkörpert auf der Bühne paradoxe Gegensätze zwischen Brutalität und Zauber

Gesunder Wahnsinn

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Jetzt ist alles politisch

Come to Austria Country. Come to where the flavor is. Der Western ist, in seiner traditionellen Variante, das Reich der Alphamännchen. Ihr Revier ist der Wilde Westen, denn die Gesetze, die hier herrschen, gelten natürlich auf gar keinen Fall für sie. Mit gestählten Mustangs brettern sie durch die Straßen, im unerschütterlichen Glauben, sie hätten alles im Griff. Solche Alphamännchen gibt es viele. Reichlich übel wird es, stoßen sie in die...

Editorial

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Die achte Ausgabe des trinationalen Theaterfestivals J-O-Ś am Gerhart-Hauptmann-Theater Görlitz-Zittau im östlichen Dreiländereck stand unter besonderen Vorzeichen: Es endete nach fünf prallen Tagen mit elf Vorstellungen am 26. Mai, dem EU- und Kommunalwahltag. Die langjährige Kooperation der drei ausrichtenden Bühnen – neben dem Gerhart-Hauptmann-Theater das Teatr im. Cypriana Kamila Norwida im polnischen Jelenia Góra und das Divadlo F. X. Šaldy im tschechischen Liberec – wurde 2011 etabliert. Seit 2016 durch den Europäischen Fonds für regionale Entwicklung gefördert, ignoriert sie erfolgreich das gestörte Verhältnis zu den östlichen EU-Nachbarn auf der politischen Bühne. Zudem stand das Festival ganz im Bann einer Bürgerbefragung zur Zittauer Bewerbung als Kulturhauptstadt Europas 2025. Eine Dreiviertelmehrheit stimmte mit Ja. Auch die ­Zittauer Schauspielintendantin Dorotty Szalma dürfte sich über das Ergebnis gefreut haben, sie saß fünf Jahre für die ­Wählervereinigung „Zittau kann mehr“ im Stadtrat. Mit ihrer Inszenierung „Reigen. Zehn Chats nach Arthur Schnitzler“ lieferte Szalma auch den Zittauer Festivalbeitrag. Eigentlich hatten die Partnertheater eine dreisprachige per Internet zusammengeschaltete Dreifach-Uraufführung geplant. Doch das im Rahmen des Zittauer Writer-in-Residence-Programms entstandene Stück von Sascha Hargersheimer „Der Kommissar verschwindet“ wurde nicht wie geplant fertig – und so das Dreiländereck zum Bermuda-Dreieck für eine ambitionierte Kooperationsidee. Denn für ihren im Geiste von...

Das trinationale J-O-Ś-Festival am Gerhart-Hauptmann-Theater Zittau erweitert seinen Radius

Dreiländereck als europäische Bühne

Den Narben begegnen

Auf der Shortlist der italienischen Bewerber für die Europäische Kulturhauptstadt 2019 stand neben Promis wie Siena oder Ravenna auch die Kleinstadt Matera im Süden des Landes. Und zur großen Überraschung aller Beteiligten war sie es, die den Zuschlag erhielt. Matera in der Basilikata, die Höhlenstadt an der Sohle des Stiefels, galt bis weit ins 20. Jahrhundert hinein als „Schande der Republik“. Gut 60 000 Einwohner leben hier, viele von ihnen wohnten lange Zeit gemeinsam mit ihren Tieren in Grotten, den „Sassi“, ohne Wasser und Licht. Seit den 1950er Jahren gab es ein staatliches Umsiedlungsprogramm: Die Höhlenbewohner ver­ließen ihre Sassi und bezogen neugebaute Sozialwohnungen. Einige der Sassi sind heute Luxushotels oder Ausstellungshallen; Matera wurde vom Schandfleck zur Vorzeigestadt. Die Stadt wurde auch deshalb ausgesucht, weil Paolo Verri, Leiter der Stiftung Matera 2019, der das Projekt jahrelang vorbereitet hatte, sehr viel Wert auf Bürgernähe legte. Sein Konzept war nicht von oben über die Stadt gestülpt, sondern gemeinsam mit den Bewohnerinnen und Bewohnern erarbeitet. Das zeigt sich auch ­daran, dass jedermann und jedefrau durch den Erwerb der Kulturkarte für 19 Euro ein Jahr lang sämtliche Veranstaltungen von „­Matera 19“ umsonst besuchen kann: von der Großausstellung ­„Rinascimento visto da Sud“ (Die Renaissance aus Sicht...

Das Teatro delle Albe erforscht mit Dante die Kulturhauptstadt Matera

Als die Erde ein Garten war

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Die Szene zeigt eine englisch sprechende „Kuratorin“ und fünf Geflüchtete aus Syrien in einer fiktiven Kunstausstellung. Aufmerksam, aber auch skeptisch lauschen die fünf den Ausführungen der Expertin, die immer abstrusere Formen annehmen. Kriegerische Objekte, beispielsweise Bomben, ließen sich in „Schönheit“ verwandeln, so die Kuratorin. Solche Objekte sind den Zuhörern wohlbekannt, sie kommen schließlich aus einem vom Krieg verheerten Land. In einem anderen Setting wird eine Frau aufgefordert, einen kitschigen Porzellanhund zu zertrümmern; das Objekt werde sich dann in einen Gott verwandeln („Dogs to Gods“). „All Inclusive“ von Julian Hetzel versteht sich als satirischer Beitrag zur Adaption von Gewalt in der Kunstszene, wie es Künstler bis hin zu erklärten Stars wie Ai Weiwei immer wieder praktizieren, dessen Ausstellung in Düsseldorf derzeit Besucherrekorde bricht. Es geht also um das Verhältnis von Ethik und Ästhetik. Bei den Impulsen, dem alljährlich in drei Städten stattfindenden Festival der freien Theaterszene im deutschsprachigen Raum, sind meistens diejenigen Arbeiten am interessantesten, die sich nicht reibungslos erklären und auch nicht unbedingt auf allgemeine Zustimmung stoßen. Man könnte darüber streiten, ob Hetzel mit der Kritik an einer bestimmten Spielart innovativer Kunst nicht unfreiwillig die moderne Kunstszene insgesamt trifft. Wenn in einer weiteren Szene zwei Performer Mikrofonständer zu Gewehren umwidmen,...

Zwischen schwer erträglich und beinahe lieblich: Beim diesjährigen Impulse Theater Festival in Düsseldorf, Köln und Mülheim an der Ruhr ist die ästhetische Spanne wieder groß

Bomben zu Kunst

Hamlet wird nie alt. Er ist immer wieder neu der junge Intellektuelle, den die Praktiken der Macht anekeln. Er spürt in sich den „Riss in der Zeit“ und sieht keinen Ausweg. Resignation oder Revolte? Er kann sich nicht entscheiden – und daran letztlich geht er zugrunde. T. S. Eliot hat Shakespeares Stück „die Mona Lisa der Literatur“ genannt und gefolgert: „Wir müssen verstehen, was Shakespeare selber nicht verstand.“ Ein Gedanke, wie er Platon in seinen Dialogen immer wieder beschäftigt, dieses: „Wir müssen, wie es scheint, erwägen, wie beschaffen etwas ist, von dem wir noch gar nicht wissen, was es ist“ („Menon“). Die Hamlet-Frage also ist keine rein retrospektiv zu behandelnde, sie hat immer etwas mit der gegenwärtigen Verfasstheit von Geschichte zu tun – und dem Stellenwert des Intellektuellen in ihr. Diesem Unterfangen widmet sich Peter W. Marx in seiner überaus kompakten Umschau nach den Hamlet-Projektionen der vergangenen zweihundert Jahre. Doch Goethe und Nicolai, die Frage nach Hamlet zwischen Aufklärung, Klassik und Romantik, werden dann (gemessen am Folgenden) relativ knapp auf den ersten hundert Seiten abgehandelt. Dem Autor geht es vor allem um die verschiedenen Aufführungsformen der vergangenen hundert Jahre. Hamlet als „nationaler Sehnsuchtsfigur“ widmet sich das zweite Kapitel, die „Sehnsucht...

Peter W. Marx „Hamlets Reise nach Deutschland – Eine Kulturgeschichte“. Alexander Verlag, Berlin 2018, 440 S., 24,90 EUR.

Geist trifft Macht

Was folgt

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Kennengelernt hatten wir uns bei einer Podiumsdiskussion über die Position von Frauen im Theater. Das war Mitte der achtziger Jahre, und sie war die berühmteste deutsche Gegenwartsdramatikerin, viel gespielt, auch international. „Sonntagskinder“, 1976 in Stuttgart heraus­gekommen, war ein Riesenerfolg. Aber vorher gab es schon „Doppelkopf“ und „Leben und Tod der Marilyn Monroe“, beides eher experimentelle Stücke und ­ihrer Zeit weit voraus in Form und Inhalt. „Sonntagskinder“ war ein „nor­ma­les Stück“, und war doch so anders als die „normalen Stücke“ der Männer. Der „weib­liche Blick“, damals ein Lieblings­thema des Feminismus, konnte dort wie im Lehrbuch studiert werden. Die Beschreibung der Nachkriegszeit machte sich hier nicht am Großen fest, sondern an vielen kleinen Details – ein Blick von unten gewissermaßen, dessen scharfe Beobachtungen gebündelt wurden zu einem vielschichtigen Gesamtbild aus Wiedererkennen und Explosion. Begonnen hatte Gerlind Reinshagen mit Hörspielen, doch dann reichte ihr das nicht mehr: „Ich wollte sehen, was geschieht, statt es mir immer nur vorzustellen“, hat sie mal zu mir gesagt. Das Sichtbarmachen war ihr Thema in vielen Varianten, ob es um gesellschaftliche Tabus ging, um Familiengeheimnisse oder verfälschte Erinnerung. Ibsens „Lebenslüge“ ist wie der dröhnende Nachbar zu diesen leise beharrlichen Tönen aus Melancholie und Verzweiflung. Seit Else Lasker-Schüler und...

Erinnerungen an die Schriftstellerin und Dramatikerin Gerlind Reinshagen

Wiedererkennen und Explosion

Die Burschenschaft Hysteria veröffentlichte am 18. Mai 2019 auf Facebook eine Abrechnung für eine Sommerklausur 2017. Darunter die Posten: Charterflug Wien–Ibiza plus CO2-Kompensationszahlung, Miete Finca inklusive Endreinigung, Bier, Snacks und ein USB-Stick 16 GB. Am Vorabend dieser „Offenlegung“ stellten Spiegel, Süddeutsche Zeitung und Falter Ausschnitte des mittlerweile als Ibiza-Video in die Geschichte eingegangenen Mitschnitts von HC Strache, Johann Gudenus und der „Oligarchen-Nichte“ online. Die Hysteria insinuierte mittels Facebook-Posting, sie selbst sei verantwortlich für das kompromittierende Material und reklamierte Ibiza-Gate als Hysteria-Erfolg. Laut eigener Geschichtsschreibung 1810, also noch vor der sogenannten Urburschenschaft 1815 in Jena, als Geheimloge rund um Maria Leopoldine von Österreich, spätere Kaiserin von Brasilien, entstanden, schreibt sich die Burschenschaft Hysteria seit Anfang 2016 in die öffentliche Wahrnehmung ein. Die Frauen tragen Wichs und Coleurnamen, treten zähnefletschend, wie ihr Wappentier Hyäne, als matriarchale Verbindung auf. „Auf zum goldenen Matriarchat!“, skandieren sie. Kapern die Insignien und Rituale schlagender Burschenschaften, präsentieren online und offline eine lückenlose Selbstinszenierung. „Kunstprojekt“ oder „Persiflage“ – das hört die Hyäne nicht gerne und beißt. Subversion durch Überaffirmation und nirgendwo ein Augenzwinkern. 2017 landete die Hysteria einen ultimativen Coup. Mitglieder der Burschenschaft entrollten auf dem Wiener Akademikerball ein Banner und erklärten die Tanzveranstaltung in der ­Hofburg...

Die Wiener Burschenschaft Hysteria dringt ein ins Herz der rechtsextremen Finsternis

112 Jahre Männerwahlrecht waren dumm

Magisch und anders

Österreich ist so schnell nichts peinlich. Aber im Fall des ­Ibiza-Videos, das im Mai überraschend die Regierung zu Fall brachte, war es dann doch so weit. Bundespräsident Alexander Van der Bellen entschuldigte sich für den geistig-moralischen ­Zustand der darin agierenden Politiker mit dem einfachen Satz „So sind wir nicht“. Aber wie sind wir dann? Immerhin handelt es sich bei Heinz-Christian Strache um einen demokratisch gewählten Politiker und niemand Geringeren als den damals amtierenden Vizekanzler. Tausende seiner Fans haben ihm am Tag eins nach Bekanntwerden seiner korrupten Pläne gleich trotzig ihre weitere Unterstützung zugesagt. Das muss die Faszination am Grauen sein. Andererseits war die FPÖ aber auch immer gut darin, sich das Märtyrer-Mäntelchen umzuhängen. Und daran wird die Partei, die sich vornehmlich aus rechtsnational bis rechtsextrem gepolten Burschenschaftern rekrutiert, vermutlich wieder genesen. Traditionell linksliberal gesinnte Kulturschaffende beißen sich an der FPÖ jedenfalls seit Jahren die Zähne aus. Gegen billigen Populismus ist eben schwer anzukommen. Künstlerinnen und Künstler in Österreich sind aber auch schon müde geworden, sich ideologisch immer wieder gegen eine latent rassistische, mit dem Faschismus liebäugelnde, fremdenfeindliche und frauen­verachtende Partei zu positionieren. Von den im Video zutage getretenen Abgründen (Errichtung eines regierungstreuen Pressemonopols, Ausverkauf heimischer Wasservorräte etc.) zeigten sich viele...

Österreichs Künstler und die Polit-Malaise – Ein Land zwischen Ibiza-Skandal und Nationalratswahl

Anale Phase

Ofira Henig ist eine der wichtigsten Regisseurinnen Israels und hat doch große Schwierigkeiten, dort zu arbeiten. Der Grund ist die Politik. Sie gilt als zu kritisch, zu radikal, um offiziellen Institutionen vorzustehen. Dabei hat sie es durchaus erfolgreich getan, war Künstlerische Leiterin des Jerusalem Khan Theatre (1996 bis 2001), der Abteilungen Theater, Tanz und Kreation des Israel Festivals (2001 bis 2004), des Theaters The Lab in Jerusalem (2004 bis 2006) sowie des Stadttheaters in Herzlia (2007 bis 2011). Dass sie so oft die Position wechselte – mitunter nicht freiwillig –, hat mit ihren hohen Ansprüchen, ihrer Kompromiss­losigkeit und einer großen Portion Kampfgeist zu tun. 1960 im Kibbuz Ruhama geboren, studierte sie nach dem Militärdienst Drama am Kibbutzim College Tel Aviv und begann zu inszenieren, und das gleich am berühmtesten Theater des Landes, dem Habima in Tel Aviv. Später übernahm sie die Leitung des Khan Theatre in Jerusalem, einer ehemaligen osmanischen Karawanserei, umgestaltet zu einer der schönsten Spielstätten des Landes und versehen mit dem Versprechen der Freiheit. Rückblickend sagt sie: „Die Zeit im Khan Theatre war entscheidend für mich. Da verwandelte ich mich von einer ‚interessanten Regisseurin‘ zu einer ‚ernsthaften Künstlerin‘.“ Sie inszenierte Tschechow und Genet, Howard Barker und Koltès, und...

Warum die israelische Regisseurin Ofira Henig in ihrem Heimatland überall aneckt und lieber frei arbeitet als mit staatlichen Geldern. Ein Porträt

Wir spielen nicht Kooperation

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Menschen baumeln im Park an der Lichtentaler Allee in Baden-Baden an den Ästen eines Baums. Angst und Leidenschaft sprechen aus den kraftvollen Bewegungen der Tänzerinnen und Tänzer des Dance Theatre Heidelberg. Der künstlerische Leiter Iván Pérez lotet mit „The Inhabitants“ den Konflikt zwischen mondänem Kurstadt-Flair und roher Natur aus. „Die Stadt als Theaterraum einbeziehen“ wollte Annelie Mattheis mit den Baden-Württembergischen Theatertagen. Das ist der Festivalleiterin in der Kurstadt geglückt, durch die täglich Touristen und wohlhabende Gäste flanieren. Das Tanzprojekt eroberte auch das weltbekannte Kunstmuseum Frieder Burda. Dort bewegten sich die Performer im kaltblauen ­Neonlicht der Ausstellung „Ensemble“, einer Kooperation des Kunstmuseums mit dem Pariser Centre Pompidou. Die Zuschauerinnen und Zuschauer standen allerdings draußen im Nieselregen. So spürten sie, was Ausgeschlossensein aus der (Stadt-)Gesellschaft bedeutet. ­Kritisch hinterfragte das zehntägige Festival mit dreißig Produktionen den elitären Kulturbegriff. Treffend war das Motto „#draußen“ gewählt. Kuratorin Annelie Mattheis und Nicola May, Intendantin des Theaters Baden-Baden, blickten hinter die Fassade der finanzkräftigen Kur- und Casinostadt. Ungewöhnliche Perspektiven eröffnete das Stadt-Gesellschafts-Spiel „Welterben“, das Michael Uhl für das Festival entwickelt hatte. Im Bus ging es in den Stadtteil Oos zur Baumschule Eberts, die weltbekannt war für ihre Bambus-Zucht. Nun verwildert der Garten, weil sich kein Nachfolger fand;...

Die Baden-Württembergischen Theatertage in Baden-Baden legen Konfliktpotenziale offen und hinterfragen dabei das Elitäre in der Kultur

Risse in der glänzenden Fassade

Das gegenwärtige Theater geht mit pädagogischen Begriffen eigentlich nicht unbedingt sparsam um. Allerorten ist von der Veränderung von Sichtweisen die Rede, von neuen Erfahrungsräumen, vom Erlernen von Empathie oder dem Verlernen von Vorurteilen. Umso erstaunlicher ist es, dass wenig von einer Pädagogik des Theaters gesprochen wird, wenn es sich nicht gerade um den Bereich der Theaterpädagogik handelt. Brecht nannte seine Theorie des epischen Theaters noch eine „kleine Pädagogik“, doch das Pädagogische gilt heute eher als verrucht, weil bevormundend und zeigefingerverdächtig. Und meist kommt es dann auch so daher. Sind erzieherische Maßstäbe aber nur dort zu finden, wo sie auf den ersten Blick sichtbar sind? Wie es um eine „Pädagogik im Verborgenen“ bestellt ist, fragt ein kürzlich von dem Bildungswissenschaftler Clemens Bach herausgegebener Sammelband mit dem Unter­titel „Bildung und Erziehung in der ästhe­tischen Gegenwart“. Der Band geht von Friedrich Schillers Schrift „Über die ästhetische Erziehung des Menschen“ aus und untersucht verschiedene Modelle zwischen Bildung und Ästhetik. Darunter auch solche, die man hier nicht unbedingt erwarten würde. So gibt es einen Beitrag des Erziehungswissenschaftlers Malte Brinkmann über die Band Kraftwerk. Und einen über Stadtgestaltung als Erziehungsmaßnahme sowie über die Verpackungen von Kinderlebensmitteln. Daneben gibt es Beiträge, die sich explizit mit dem Theater...

Pädagogik im Verborgenen. Bildung und Erziehung in der ästhetischen Gegenwart. Hg. von Clemens Bach, Springer VS, Wiesbaden 2019, 387 S., 49,99 EUR.

Erziehung auf der Bühne

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

Personenverzeichnis ERZÄHLERIN BAADER KRITIKER ZENSOR FEIST FEISTOR Und 3 Männer und 3 Frauen, die alle anderen Rollen spielen Einleitung KRITIKER Der Autor Baader … ja … Was sich der Dramatiker Baader unter einem Gespräch vorstellt … Baader, der seinem Publikum durch eine längere Zeit der Sprachlosigkeit abhandengekommen ist … Mit seinem Versuch Baader Panik stellt er einen Text vor, der typisch ist für das Schreiben heute. Wie andere Autoren seiner Zeit, verarbeitet Baader in seinen Texten eine Vielzahl an Informationen. Er bedient sich dabei einer stark verdichteten Sprache, der Sprache eines Dichters. Titel ANSAGERIN Baader Panik Oliver Kluck, Berlin 2018 Erstes Heft (EH) EH.1 In der Theaterkantine – ERZÄHLERIN Erstes Heft. BAADER Das Burgtheater liegt griffbereit da, wie Werkzeug in einer Kiste. ERZÄHLERIN Baader sagt, das einzige, was er wirklich gebrauchen könnte … BAADER Das einzige, was ich wirklich gebrauchen könnte, ist ein Vorschlaghammer. FEISTOR Wer ist Baader? ERZÄHLERIN Fragt sich Intendant Feistor. BAADER Ich bin eine Figur in einer Geschichte, die den Titel Baader Panik trägt. KRITIKER Baader hat das Burgtheater immer auf seine Figuren reduziert betrachtet. Für ihn habe es die Funktion einer Scheibe … BAADER Für mich hat es die Funktion einer Scheibe, in die man eine...

Baader Panik

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Die Strache-Partei, die Österreicher-AfD, auf Deutsch gesagt, hat bei der Europawahl meiner Erinnerung nach um die 17 Prozent eingefahren. Die deutschen Linken dagegen nur 5,5 Prozent. Genau so viel haben im Vergleich zu vorausgegangenen Landeswahlen beide Parteien verloren. Heißt: Die deutsche Linke ist für Europa in Deutschland halbiert worden. Die Strache-Sause („Ja bist du deppert: Is de schoaf.“) in Ibiza hat gleich die ganze österreichische Regierung abgetakelt. Die deutschen Linken haben sich darauf geeinigt, dass die Verluste bei ihnen mit ihrer Zerrissenheit in Sachen EU zu tun haben: Die einen wollen sie, die anderen nicht. Die sie wollen, glauben an (oder hoffen auf) ein Europa der Völker. Die, die Europa ablehnen, tun es, weil sie genügend Belege zu haben meinen, dass Europa sowieso von Anfang an als Europa der Konzerne gedacht war. Auf jeden Fall ist Brüssel ein beliebter Treffpunkt von Lobbyisten: Laut der Zeitung der Freitag vom 4. Juli 2019 kommen vier von denen auf eine(n) EU-Beamt(e)in. Die werden also alle permanent geviertelt. Wie soll da ein einiges Europa herauskommen? Und dieses Gemetzel soll die neue Übermutter Frau von der Leyen im Auftrag von Macron und Merkel nun koordinieren – also im Auftrag der europäischen Konzerne. Ganz stimmt das...

Über den Ursprung der europäischen Idee als ein Europa der Völker

Die drei von Ventotene

Ein fast sirenenhafter Chorgesang mit dem unleugbaren ­Potenzial, einen einzulullen, von suggestiver musikalischer Einfachheit. „This year the sea is as green as the forest“, eine Liedzeile, langsam sich auf Endsilben ausruhend. Doch wie bei den mythologischen Sirenen ist Aufmerksamkeit geboten: ­Unter dem gleißenden Licht riesiger Lampen, die in einer alten ­Lagerhalle über einem künstlich aufgeschütteten Sandstrand ­hängen, wird von den dort auf Badehandtüchern dösenden Sonnenanbetern der Burn-out des Planeten besungen. Die zeitkritische Opernperformance „Sun &amp; Sea (Marina)“ der litauischen Künstlerinnen Rugilė Barzdžiukaitė, Vaiva Grainytė und Lina Lapelytė war der diesjährige Überraschungssieger auf der Biennale in Venedig: Das Trio gewann den Goldenen Löwen für den besten nationalen Beitrag. Seitdem strömen unzählige Besucher in das alte Gebäude im Militärhafen vis-à-vis des Arsenale-Geländes, um dort auf einer umlaufenden Empore aus der Vogelperspektive die unter ihnen im Sand liegenden Performer zu betrachteten und ihrem Gesang zu lauschen, der nach circa siebzig Minuten stets übergangslos in eine nächste Wiederholung geht und über acht Stunden seinen Sog entwickelt. Ein seeeehr langer Tag am Strand. Was sich da unten im Sand paniert und unter der künstlichen Sonne brutzelt, ist ein „fleischliches Tableau vivant“, ein Abbild unserer Gesellschaft, Menschen aus unterschiedlichen gesellschaftlichen Schichten, alt, jung, männlich oder weiblich,...

Die litauischen Künstlerinnen Rugilė Barzdžiukaitė, Vaiva Grainytė und Lina Lapelytė erzählen in „Sun & Sea (Marina)“ auf der Biennale in Venedig vom Burn-out der Gesellschaft – und des Planeten

Konsum der Welt

Derman sendedir

Gründung einer Akademie der darstellenden Künste in München

Die Stress-Knoten auflösen

AUTOREN September 2019 / Vorschau

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Zwei schwerstarbeitende Künstlerkörper im Schweiße ihrer ­Bewegungen. Dazu hüpfen Tropfgeräusche aus Eimern, schwellen an zu Großstadtlärm. In dessen Rhythmus kompiliert Tänzer und Choreograf Hamdi Lakhdher den Bewegungskanon von Bauarbeitern und häuslichen Tätigkeiten, addiert Breakdance-Akrobatik, zitiert feierabendliche Männerrituale. Hetzt mit einem weiteren Tänzer selbstbehauptungswillig hin und her zwischen all den Anforderungen. Beide pendeln sich dabei lustvoll erschöpfend auf die Schwingungen des quer über die Bühne schlenkernden Lautsprechers ein, aus dem Partymusik dröhnt, und überführen ihre sportive Mobilität in Ausdrucksformen des zeitgenössischen Tanzes. Für den sie in der Heimat ­Tunesien kaum Zeit haben, da ihr Auskommen auf Großbaustellen verdient werden muss. Eine Szenencollage des Alltags – als beeindruckend elegante Choreografie: „I Listen, (You) See“. So eröffnet das Festival Outnow! im Theater Bremen. Und schickt das Publikum anschließend auf eine Reise: beschenkt mit Grünzeug, versorgt mit Bier und Schrumpelmöhren, 2,5 Kilometer zur nächsten Aufführung. Eine Prozession durch Ufer-, Park- und Stadtlandschaft, nur gestört durch kauzköpfig intervenierende Installationen, die Studierende des Fachbereichs „Temporäre Bauten“ an der Hochschule für Künste Bremen unter dem Titel „Zwischenräume“ bespielen – leider ohne Überzeugungskraft. Auch das Theater Bremen und die Schwankhalle eliminieren institutionelle und räumliche Grenzen. Der Platzhirsch beim Suchen und Finden neuer Musik-, Sprech- und Tanztheaterästhetiken und die...

Das International Performing Arts Festival Outnow! in Bremen – eine virile Plattform für den Nachwuchs

Talentproben

An einem milden Sommerabend vor dem Bremer Theatro entstiegen einem Taxi zwei Männer, die sich herzlich umarmten: Zu meiner Verblüffung waren es die beiden Choreografen ­Johann Kresnik und Helmut Baumann, von denen ich nicht wusste, dass sie seit den fünfziger Jahren miteinander befreundet waren, obwohl sie in ihrer beruflichen Ausprägung nicht gegensätzlicher hätten sein können. Der immer agile Choreograf, Tänzer und Regisseur Johann Kresnik ist am 27. Juli plötzlich im Alter von 79 Jahren in Klagenfurt gestorben. Kresnik war unumstritten der Vorreiter des modernen Tanztheaters. Seine Karriere begann er 1968 als Ballettmeister in Bremen während der Intendanz von Kurt Hübner. Seine etwa einhundert Tanz- und Theaterwerke sorgten regelmäßig für Skan­dale, da er oft konträr zur herkömmlichen Ballettästhetik arbeitete und seine stets politischen und gesellschaftskritischen Botschaften mit großem Nachdruck auf die Bühne brachte. Die österrei­chische Kulturstadträtin Veronica Kaup-Hasler, die ihm im Juli noch das Goldene Verdienstzeichen des Landes Wien überreichen durfte, nannte Kresnik einen Künstler mit „Wut im Bauch“. Er wurde bis an sein Lebensende immer als „Berserker“ bezeichnet, aufgrund seiner rabiaten Bühnenästhetik. Natürlich war Kresnik in seinen ästhetischen Mitteln erheblich brutaler als Helmut Baumann, er scheute keine ­radikalen ästhetischen Mittel, um seine Absichten deutlich werden zu lassen. Er ließ es...

Im Gedenken an den Choreografen, Tänzer und Regisseur Johann Kresnik

Die Zehn Gebote radikaler Theaterkunst

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Immer häufiger werden persönliche Lebensgeschichten zum Stoff, aus dem Gegenwartstheater gemacht wird. In einer offenen Gesellschaft, die nicht nur aufgrund von Migrationsprozessen größer und diverser wird, sondern auch, weil jahrzehntelange Kämpfe um Anerkennung minoritärer Positionen und nichtnormativer Lebensweisen gelebte Vielfalt möglich machen, wächst das Bewusstsein für die Vielstimmigkeit von Lebensgeschichten. Eine Gesellschaft erhält sich ihre Offenheit, wenn sie sich für die Geschichten „anderer“ interessiert und sich nicht vorschnell durch Be- oder Verurteilung verschließt. Das Theater kann jenen Geschichten Raum geben und zum Ort kritischer Reflexion machtvoller Repräsentationsverhältnisse werden: Welche Geschich­ten werden wie und von wem erzählt, was wird ausgeschlossen und wer entscheidet darüber? Wie unter einem Brennglas ließ sich die Auseinandersetzung mit diesen Fragen in ästhetischer wie struktureller Hinsicht auf dem diesjährigen Festi­val Theaterformen in Hannover studieren. Rückblickend fallen drei kuratorische Setzungen von Martine Dennewald und ihrem Team ins Auge: Erstens werden anstelle fertiger Produktionen (im Sinne einer Best-of-Auswahl) internatio­nale Künstlerinnen und Künstler eingeladen, um Produktionen vor Ort zu realisieren. Zweitens stehen persönliche Lebensgeschichten im Fokus aller eingeladenen Produktionen. Dies führt zu einem Schwerpunkt dokumentarischer und kollaborativer ­Arbeiten wie Bürgerbühnen („Die Geschwindigkeit des Lichts“ von Marco Canale) oder workshopgeleiteten Rechercheprojekten an der Schnittstelle zum Aktivismus („Adoption“ von Selina Thompson und...

Die Theaterformen in Hannover beschwören mit einer Vielzahl partizipativer Projekte die offene Gesellschaft und landen dabei leider auch beim Betroffenheitsdiktat

The Stage Is Yours

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Aufmerksam, aber ganz unprätentiös sitzt Luise Aschenbrenner am Tisch im Dresdner Schauspielhaus und geht nach kurzer Überlegung sorgfältig auf die Fragen ein. Eine junge, noch mädchenhaft wirkende Frau, und doch gewinnt man den Eindruck, dass diese 24-Jährige schon bemerkenswert tief in sich ruht. Keine Show, keine Allüren, keine Selbstinszenierung. Vielleicht wirkte sie deshalb als Tanja in „Eine Straße in Moskau“ nach dem Roman von Michail Ossorgin so verbindlich, warmherzig, so dicht an ihrem eigenen Wesen. Auch die jüngste Rolle der Luise als Luise im Schiller-Klassiker „Kabale und Liebe“ spielt sie auf natürlichste Weise. Beinahe folgerichtig läuft deshalb die Frage ins Leere, wie der schnelle Aufstieg im ersten festen Engagement nach dem Studium an der Berliner Universität der Künste zu erklären und ob er auch ein bisschen zu Kopf gestiegen sei. Ja, es sei schon ein Privileg, gleich zum Ensemble des Staatsschauspiels Dresden zu gehören, bestätigt sie. Zumal sie 2017 nicht von Intendant Joachim Klement aus Braunschweig mitgebracht wurde. Aber sie habe lange nicht darüber nachgedacht. „Jetzt erst reflektiere ich plötzlich, wo ich hier eigentlich ‚drin‘ bin“, lächelt sie. So spricht keine, die als jugendliche Narzisstin unbedingt an die Rampe wollte. Die Story vom Durchmarsch des kleinen Mädchens aus dem bayerischen...

Die junge Dresdner Schauspielerin Luise Aschenbrenner war nie scharf auf eine Bühnenkarriere

Einfach nur machen

„Is my future all in the past“

Jemand habe einmal gesagt, am Theater sei es wie beim Pizzalieferdienst. Am Ende geht es um die Pizza, nicht um den Boten. Und so verstehe sie auch ihre Aufgabe, sagt Anne Lenk. Als Regisseurin wolle sie hinter das Werk zurücktreten, sich nicht aufdrängen. Das habe auch mit Verantwortung zu tun. Der Begriff fällt in dem Gespräch des Öfteren. Verantwortung trage sie gegenüber dem Text, dem Raum, den Schauspielern – gegenüber der gemeinsamen Arbeit. Wenn sich die Schauspieler zur Verfügung stellen, so möchte sie als Regisseurin das ebenfalls tun. Keiner rangiert über dem anderen. Verbunden sind sie nicht durch ein eisernes Gehäuse der Hörigkeit, nicht durch Pflicht und Gehorsam, Befehl und Folgeleistung. Sondern durch die Arbeit an einer gemeinsamen Sache. Und die Lust daran. Denn die benötigt es zum Spiel. Sie wolle keine Schauspieler, die nur auf Befehl spielen, erzählt Lenk. Ihre Einwände sind nicht nur ethischer Natur, auch ästhetischer. Kunst kann nicht aus Pflichterfüllung, sondern aus Freiheit entstehen. Wobei, so ergänzt sie, zur Freiheit auch Regeln gehören. Regeln, die das gemeinsam Verabredete aus­drücken. „Theater ist Verabredung“, sagt Lenk. „Und auf Grund­lage dieser Verabredung fertigen wir ästhetische Produkte an.“ Das Ideal dieser Produkte ist, dass sie sich selbst tragen, dass sie...

Für Regisseurin Anne Lenk ist eine Theaterarbeit dann geglückt, wenn man die Regie fast vergisst und Schauspiel, Text und Raum zusammenfinden – ein Porträt

Wie schwebend

Die junge Theaterszene sei ständig in Bewegung, hat er im Vorwort zu dem von uns beiden herausgegebenen Buch „Schöne Aussicht. Kinder- und Jugendtheater in Baden-Württemberg“ (Theater der Zeit, Berlin 2012) geschrieben. „… und das nicht zuletzt, weil hier Menschen zugange sind, die genau wissen, warum sie ­Theater für ein wachsendes Publikum machen.“ Bernd Mand hat diese Kunstsparte ­neugierig beobachtet und kritisch begleitet, vor ­allem hat er sie zu schätzen gewusst, weil sie nicht nur zu unterhalten wisse, sondern sich auch aktiv in gesellschaftliche Zusam­menhänge einmische. In der Nacht auf den 9. Juli ist der studierte Kunsthistoriker im Alter von 41 Jahren an Herz-Kreislauf-Versagen ­gestorben. Baden-Württemberg nahm Abschied: Bernd Mand war eine „Institution der freien Szene“, formulierte die Rhein-Neckar-­Zeitung, der Mannheimer Morgen bekundete, für dessen Feuilleton er ebenso tätig war wie für das Onlineportal nachtkritik.de, die Zeitschrift Theater der Zeit oder das ASSITEJ-Magazin IXYPSILONZETT, er habe das Kulturleben der Region geprägt. Zusammen mit Inka Neubert leitete er zuletzt das Theaterhaus G7, eine Spielstätte für die professionelle freie Szene in Mannheim, er war engagierter Kurator und Juror in der europäischen Kinder- und Jugendtheaterlandschaft und bei Festivals beliebter „Impulsgeber“, wie die ASSITEJ-Vorsitzende ­Brigitte Dethier auf der Facebook-Seite ihres Jungen Ensembles...

Zum Tod des Theaterleiters und Festivalkurators Bernd Mand

Neugieriger Beobachter und Begleiter

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

800 Künstler aus 79 Ländern, das ist die Prager Quadriennale 2019 (PQ) in Superlativen. Der deutsche Beitrag, eine von Lenore ­Blievernicht und Christiane Kues im Auftrag des Internationalen Thea­terinstituts Deutschland kuratierte Hommage an Bert Neumann und die Berliner Volksbühne, wurde mit dem Spezialpreis der Jury ausgezeichnet. Neumann erschloss dem Theater neue operative Spielräume, nach innen wie nach außen, wie in Prag mit dem Zirkuswagen der „Rollenden Roadshow“ als externem Pavillon noch einmal zu sehen war. Insofern gilt die Auszeichnung einem Künstler, dessen Arbeit exemplarisch für die Ausrichtung der diesjährigen PQ zurück zur Theaterpraxis steht, nachdem vorherige Ausgaben dieser weltweit größten Ausstellung für Szenografie deren Autonomie betonten. Frau Fantová, in der Hauptausstellung der Quadrennial of Performance Design and Space ist in vielen Länderpavillons eine Rückkehr zu traditionelleren Ansätzen der Szenografie zu entdecken. War diese Hinwendung zur Praxis Ihr Programmansatz? Wir haben keine Vorgaben gemacht, welche Themen entwickelt werden oder wie stark die ausgestellten Arbeiten sich auf die Theaterpraxis beziehen sollen. Allerdings ging es in den letzten PQs seit 2007 tatsächlich oft darum, die Grenzen der Szenografie zu überschreiten und Anschlüsse an Bereiche außerhalb des Theaters auszuloten. Letztlich haben aber, wie bei ­allen anderen Ausstellungen seit der Gründung der PQ 1967, die...

Markéta Fantová, Künstlerische Leiterin der 14. Prager Quadriennale, über die Rückkehr der Szenografie zur Theaterpraxis im Gespräch mit Thomas Irmer

Back to the Roots

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Das Theaterfestival in Avignon ist das Highlight jeder Theatersaison und vor allem für seine politischen Stücke bekannt. Dieses Jahr steht der europäische Zusammenhalt im Mittelpunkt des Programms. In einem Gebäude in Vedène, 15 Kilometer von Avi­gnon entfernt, wurde das ambitionierte und geheimnisvolle Projekt „Outside“ von Kirill Serebrennikov gezeigt. Die Inszenierung erzählt von dem chinesischen Fotografen Ren Hang, der 2017 im Alter von 29 Jahren in seiner Wohnung in Berlin Suizid beging. Sein Selbstmord geschah zwei Tage vor einem geplanten Treffen mit dem russischen Theaterregisseur Kirill Serebrennikov, der ihm ein gemeinsames Projekt vorschlagen wollte. Vor dem ­Beginn der Vorstellung fragt man sich, was mehr Interesse beim Publikum hervorgerufen haben dürfte – der begabte chinesische Fotograf, der sich in jungen Jahren das Leben nahm, oder die Theaterproduktion eines Regisseurs, der mit dem größten Skandal der russischen Theaterszene verbunden ist. Doch spätestens wenn die Schauspielerinnen und Schauspieler mit ihren „Free Kirill“-T-Shirts zum Schlussapplaus auf die Bühne treten und das Publikum sie mit stehenden Ovationen empfängt, wird klar: Die größte Begeisterung ruft die von Serebrennikov in diesem Stück manifestierte Freiheit hervor. Ren Hang nahm zu Lebzeiten an mehr als siebzig Ausstellungen rund um die Welt teil, in seinem Heimatland China jedoch war er nicht...

Kirill Serebrennikovs „Outside“ beim Theaterfestival in Avignon

Ode an die innere Freiheit

In dem reichlich zersiedelten Flächenland Mecklenburg-Vorpommern findet sich eine erstaunliche Vielzahl von Theatern. Diese sind in jüngster Vergangenheit allesamt aus unerfreulichen Gründen in die Schlagzeilen geraten: Am Mecklenburgischen Staatstheater Schwerin hat der Generalintendant Lars Tietje nach zum Teil öffentlich ausgetragenen Machtkämpfen die Nichtverlängerung seines Vertrags bekannt gegeben. Das Volkstheater Rostock war zuvor zur Spielwiese für spätpubertäre Rangeleien in der kommunalen Politik geworden – mit dem Ergebnis, dass der engagierte Intendant Sewan Latchinian zum Aufgeben gezwungen wurde und der Ruf des Hauses nun dahin ist. Die drei Bühnen des Theaters Vorpommern sowie jene in Neubrandenburg und Neustrelitz können sich ihrer Existenz immer nur bis zum nächsten politischen Sparprogramm sicher sein. Eine Fusion über geografische Distanzen, die Theaterarbeit unmöglich macht, konnte nur mühevoll abgewendet werden. Künstlerisches Arbeiten findet hier stets nur der finanziellen Situation zum Trotz statt. Die erzählenswerte Geschichte des Theaters Anklam endet – so ist zumindest der Kenntnisstand des Autors – jäh im Jahr 1985. Umso erstaunlicher, dass sich nahe der Kleinstadt Pasewalk in der vorpommersch-brandenburgisch-polnischen Grenzregion mit dem Schloss Bröllin ein kulturelles Zentrum für die Umgebung und durch dessen Residenzprogramm auch ein Anlaufpunkt für (internationale) Künstler herausgebildet hat. Was hier als Schloss bezeichnet wird, ist eigentlich ein mittelalterlicher Gutshof...

Das Schloss Bröllin in Vorpommern bietet Raum und Ruhe für künstlerische Forschung

Zwischen Schlosskatze und Hofhühnern

Meldungen

Zum Jubiläum eines derart lebendigen ­Wesens wie des FFT ist es nicht damit getan, seine Geschichte knapp zu skizzieren. Auch lässt sich das FFT kaum fixieren. Eher gleicht es einer Spielerin, die sich der Kunst der ­Begegnung und des Austauschs hingibt, die ihre vielen Arme in vielerlei Richtungen zugleich ausstreckt und die mit einem bewundernswürdig langen Atem begabt ist. So ist in Düsseldorf an den Schnittstellen von Theater, Performance, Tanz, bildender Kunst und ­Musik mit der Zeit eine riesige Fülle entstanden. Angebunden an ein internationales Netzwerk freier Produktionsstätten, wird koproduziert und gezeigt, was heute Rang und Namen hat, aber nicht selten seine erste oder sehr beständige Beheimatung im FFT gefunden hatte: She She Pop, Claudia Bosse und das theatercombinat, andcompany&amp;Co., Showcase Beat Le Mot, Monster Truck, Gintersdorfer/Klaßen usw. An die frühen Arbeiten von Antje Pfundtner, Martin Nachbar oder Jochen Roller ist zu denken, an die jungen Künstler aus Düsseldorf, die wie Billinger &amp; Schulz im FFT angefangen haben, an die engen Kooperationen mit Thea­tern der Region oder dem Seniorentheater SeTa, das Fassbinder und Kaurismäki aufführt, an die Performances von Kindern und Jugendlichen, wie Ingo Toben sie verfolgt. Eine unglaubliche Vielzahl von Arbeitsweisen, Konzepten und Publikumsformaten von sehr verschiedenen Künstlerinnen und...

Das FFT Düsseldorf feiert zwanzigjähriges Jubiläum

Theater als Common Space

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Herr Kušej, der Burgtheater-Direktor, heißt es in Wien halb ernst, halb scherzhaft, rangiert in Österreich noch über dem Bundespräsidenten. Recht viel höher kann es für einen Theater­macher nicht hinaufgehen. Dagegen arbeite ich aber an. Ich möchte nicht als „Herr Direktor“ angesprochen werden. Ich bin niemand, der korrumpierbar wäre durch so eine Ansprache. Trotzdem mache ich mir Gedanken zu Geschichte und Tradition des Burgtheaters, die mir natürlich ­Respekt einflößen. Ich habe den Job angenommen, weil ich mich frage, wie man eine solche Institution fit macht für die Zukunft. Die Wiener Staatsoper, die Salzburger Festspiele und eben auch das Burgtheater begründen den Anspruch Österreichs als Kulturnation. Muss ich diese Tradition partiell auch ausblenden, um nach vorne zu schauen? Wie geht es weiter mit dem Theater in einer digitalen Gesellschaft? Welche Rolle kann das Theater spielen in einer Metropole wie Wien, wo viele Sprachen und Ethnien zusammenleben? Das sind Fragen, mit denen sich auch dieses Traditionshaus beschäftigen muss. Das will ich angehen. Was die Kulturnation Österreich angeht, hat die Zeit einmal geschrieben, das Burgtheater sei „Wahrzeichen eines Staats, der verlorene politische durch kulturelle Weltgeltung ersetzt“. Ist da was dran? Finde ich gar nicht. Wir können nichts ersetzen und müssen auch nicht für Weltgeltung...

Der neue Burgtheater-Intendant Martin Kušej über den steifen Wind aus Richtung der FPÖ und sein Gegenprogramm eines Theaters der kulturellen Vielfalt im Gespräch mit Christoph Leibold

Als Kärntner Slowene bin ich ein rotes Tuch

Edmond Budina, braucht Tirana, braucht Albanien ein neues Nationaltheater – der Architektur wegen oder wegen der Produktionsbedingungen –, oder erfüllt das aktuelle Gebäude alle Bedürfnisse? Natürlich brauchen Tirana und Alba­nien ein neues Nationaltheater, hoch­modern und mit verbesserten Arbeitsbedingungen. Aber das bedeutet nicht, dass man das existierende zerstören sollte. Das aktuelle Gebäude hat man mit Absicht verwahrlosen lassen, um es besser abreißen lassen zu können. Es ist aber, vom Raum her gesehen, von der Form, der Architektur, der Akustik und den Gewerken her, das beste. Es ist ein einzigartiges Gebäude, der ­Architekt hat sich dazu von einem Bild von Giorgio de Chirico inspirieren lassen. Schon allein deshalb sollte es mit allen Kräften geschützt werden. Was wären die Qualitäten des geplanten neuen Theaterbaus, was die Nachteile? Das Projekt des neuen Theaters, das von der Regierung vorgestellt wurde, erinnert mehr an ein betoniertes Einkaufszentrum als an ein Theater. Mit den angefügten Türmen zerstört es die architektonische Harmonie, die die italienischen Baumeister in den 1930er Jahren hier herstellten. Es wurde auch als ein Objekt ohne ­Details präsentiert: Niemand weiß, ob es in Zukunft ein kleines oder ein großes Theater enthalten wird, mit Einkaufszentren und Restaurants in seinem Inneren. Tirana hat bereits die bittere Erfahrung...

Was macht das Theater, Edmond Budina?

Blick in die Zaubermaschine

„Du lebst in diesem Technohouse ...“ – „Leben hier auch Indianer!?“ – „Nein. NEIN!“ – Oder doch. Vielmehr bald. Denn wer die Broschüre der Initiative Haus der Statistik aufschlägt, sieht ihn wieder auf dem leer stehenden Bürokomplex am Berliner Alexanderplatz thronen: 2011 hatte der französische Künstler Cyprien Gaillard den rot-weiß-blauen Indianerkopf, Logo des US-Baseballteams Cleveland Indians, anlässlich der Kunstausstellung „Based in Berlin“ auf dem Haus der Statistik installiert. Ein halbes Jahr grinste er von dort oben herab, Symbol einer geschichtsblinden Disney­sierung einstmals Vertriebener zu Zwecken des Marketings. Für Gaillard hatte der Indianer jedoch auch eine zweite Funktion. Als es der einstigen Stahlstadt Cleveland ökonomisch schlechter ging, kehrten viele Nachfahren amerikanischer Ureinwohner zurück. „Der Neon-Indianer“, sagte Gaillard damals der BZ, „zeigt, dass Städte sich immer verändern. Nach dem Motto: Wer zuletzt lacht …“ Die Initiative Haus der Statistik jedenfalls ist derzeit einer der Gewinner des Wandels. Nach jahrelangem Ringen um die Immobilie, die ursprünglich an einen Investor gehen sollte, soll nun in Kooperation zwischen Initiative, Stadtverwaltung und landeseigenen Wohnungsbaugesellschaften ein Areal für Kultur, Soziales, Bildung und integriertes Wohnen entstehen. Dass das diesjährige Performing Arts Festival (PAF), Berlins größte Plattform der freien Szene, an ebendiesem Ort sein Festivalzentrum aufschlug, war insofern...

Das Performing Arts Festival bezog mit dem Haus der Statistik eines der spannendsten Bauprojekte Berlins – diskutierte dann aber nur wenig über Gentrifizierung

Häuserkampf in Technohouse-City

Partitur der Geräusche

Unter Beobachtung

Sie sitzt vor dem Kleinen Haus des Staatstheaters Dresden in der Sonne und wünscht allen, die an unserem Tisch vorbeigehen, laut einen guten Morgen, obwohl es bereits nach 12 Uhr ist. Es klingt gelöst, oder soll man sagen: erlöst? Hinter Miriam Tscholl liegt eine kompakte Woche, das 4. Europäische Bürgerbühnenfestival in Dresden. Ein Jahr lang hat sie darauf hingearbeitet, reiste durch Europa und sah sich vor Ort Produktionen an sowie zusätzlich über dreihundert Videomitschnitte von Inszenierungen. Elf hat sie dann nach Dresden zum Festival eingeladen, insgesamt fanden 38 Veranstaltungen statt, bis gestern. Wahrlich Anlass für ein kräftiges „Guten Morgen!“, in den Mittag hineingerufen. Der thematische Bogen war weit geschlagen, die Formen denkbar vielfältig. Da waren etwa in „Stadium“ von Mohamed El Khatib und dem Collectif Zirlib die Fans des französischen Zweitligisten RC Lens. Einst war die Gegend nördlich von Paris eine Kohle- und Stahlregion, heute klammert man sich hier inmitten von Arbeitslosigkeit und Armut an den Fußball. Niemand sage, dass Fans immer jung und männlich seien, Yvette ist weiblich und 84 Jahre alt. Aber immer noch ziemlich ausschließlich in ihrer Liebe: „1977 sagte mein Ehemann zu mir: ‚Ich kann das mit deinem Fußball nicht mehr, dass das ganze Haus gelb...

Miriam Tscholl provoziert mit der Dresdner Bürgerbühne bewusst gesellschaftliche Durchmischungen – nach zehn Jahren gibt sie nun die Leitung dieses Erfolgsprojekts ab

Miser Felix Austria

Neuerscheinungen im Verlag