Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Theater der anderen Art erlebten Mädchen und Jungen der GutsMuths Grundschule Großräschen, als sie Ende Juni den „Markt der Möglichkeiten“ an der neuen Bühne Senftenberg besuchten. Sie bevölkerten als Zuschauer die Bühne und trafen dort auf Darsteller, die als ideenreiche Jungunternehmer agierten. Diese „Unternehmermesse“, auf die Bühne gebracht durch das Hamburger Künstlerkollektiv Wilske, Simoneit &amp; Friends, ist der erste Teil des dreiteiligen dokumentarischen Lehrstücks „Neue Unternehmer braucht das Land“. Begeisterung für unternehmerische Ideen und Kreativität zu wecken, ist das Anliegen des Projektes. Vor allem möchte es zeigen, warum der schöpferische Akt und die Kreativität des Unternehmers so wichtig sind und erhalten bleiben sollen. Nicht als Manager agieren, sondern selbst Ideen verwirklichen, diese Erfahrung will das Kollektiv den Kindern mit auf den Weg gegeben. Mit Unterstützung der neuen Bühne Senftenberg und gefördert im Fonds Doppelpass der Kulturstiftung des Bundes sowie durch das Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kultur des Landes Brandenburg, haben Regisseurin Judith Wilske, Dramaturgin Maren Simoneit und Künstler André Erlen im Frühjahr Schulen der Region besucht, um mit den Kindern erste Ideen zu entwickeln. 18 Unternehmensangebote sind daraus entstanden, die nun auf dem ,,Markt der Möglichkeiten“ präsentiert werden. Junge Buchautoren bewerben hier neben Verkäufern selbstgemachter Limo ihre Ein- oder...

„Neue Unternehmer braucht das Land“? In der neuen Bühne Senftenberg sind sie schon

Theater der Möglichkeiten

Mit Blick auf die dramatische Literatur ist es meistens so, dass eine neue künstlerische Form der Vorschlag zu einer veränderten, anderen Fragestellung angesichts gesellschaftlicher Krisen ist. Das institutionalisierte Theater begegnet solchen Vorschlägen meistens mit Antworten, was dann die Fragen im Keim erstickt. Sind die Formen hartnäckig genug, schaffen sie es irgendwann in die Stadt- und Staatstheater, aber oft – und das ist etwas, das nur Theater kann, oder die Politik – ohne die künstlerischen Fragen, die zu den Formen geführt haben, mit aufs Spiel zu setzen. Das führt zu unlösbaren Verunsicherungen darüber, welche künstlerischen Wege zu wagen sein könnten. Solange die Kunst dazu da ist, den Apparat zu legitimieren und in Gang zu halten, und nicht der Apparat immer wieder neu entsteht, den die Kunst braucht, wird sich das nur schwer ändern lassen. In den Ausbildungsinstitutionen ist das oft nicht sehr viel anders. Die Strukturen sind auf eine Dauer festgelegt, die künstlerischen Entwicklungen viel Spielraum nehmen kann. Die Angst, dass jede Veränderung zu Verschlechterung oder Abschaffung des einmal Erkämpften führt, ist ebenso groß wie die Verunsicherung darüber, für wen oder was ausgebildet werden soll. Der harte Kern der Argumentation betrifft immer wieder das „Handwerk“, welches die letzte Bastion gegen Veränderungen...

Ein Kommentar der Rektorin der Hochschule für Musik und Theater in Rostock

Die Schauspielausbildung gehört dringend renoviert

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Und es kracht doch. Der große grüne Buchstabe fällt vom Holzstab und auf die Straße. Dabei hatte Claudia Bosse das Premierenpublikum der sogenannten nomadischen Stadtkomposition wiederholt zur Sorgsamkeit aufgefordert. Bei der Prozession durch vier Wiener Gemeindebezirke wurde das titelgebende „Ideal Paradise“ als in den Stadtraum gestellte Behauptung von Station zu Station getragen. Und zerkrachte, zumindest in diesem Moment, an einer sich als spielverderbend erweisenden städtebaulichen Realität, genannt Straßenschild. Dieser Unfall zulasten des mit utopischen Ansprüchen aufgeladenen Requisits ist dann, nach Ende des vierstündigen Spaziergangs, einer der bemerkenswerteren Momente geblieben. Bemerkenswert oder zumindest auffällig, weil sich mit diesem Hoppla die in der „choreografischen Intervention“ durchgehend ausgeklammerte potenzielle Tragik von Paradies-Forderungen einfach so von selber herstellt. Und dergestalt doch noch ein wenig Widersprüchlichkeit und also Aufregung in der lückenlosen feel-good-Atmosphäre der „performativen Untersuchung“ zu spüren war. Die als Abschluss einer Projektserie konzipierte Produktion von Bosse und ihrem Kollektiv theatercombinat will nämlich vor allem irgendwelche nicht näherhin bestimmten neuen „Formen des Zusammenlebens in Zeiten politischer und kultureller Umbrüche“ feiern. Also durch ebenso nicht näherhin bestimmte „gemeinsame Rituale“ irgendein ausgesprochen unbestimmtes „utopisches Potenzial“ erfahrbar machen. Von all diesen sehr gut gemeinten theoretischen Versatzstücken, die das Programmheft zur Unterfütterung der Performance kredenzt, bleibt der...

Theaterkombinat: „Ideal Paradise“ (UA) von Claudia Bosse

Wien: Der lange Marsch ins Nichts

„Wer bin ich überhaupt?“, ruft einer auf der Bühne des Konzert Theaters Bern. Der Berner Autor und Rapper Jürg Halter hat sich viel vorgenommen. Die „großen Fragen“ sollen sich die Figuren in seinem ersten Theaterstück stellen. Fragen wie: Ist Freiheit möglich und wollen wir sie? Ein Stück mit Pathos-Potenzial. Eine Handlung im klassischen Sinn hat „Mondkreisläufer – eine Heimsuchung in vier bis unendlich vielen Akten“ nicht. Stattdessen gibt es ein simples weißes Podest, vier namenlose Schauspieler in weißer Einheitskleidung und eine Vision. Von einem besseren oder zumindest anderen Leben. Auf dem Mond. Die vier Personen treten an den Bühnenrand und wenden sich direkt ans Publikum. Es riecht nach Handke’scher Publikumsbeschimpfung. Doch statt zur Metareflexion über das Theater anzusetzen, präsentieren S und T, zwei junge Männer mit identisch gestutzter Gesichtsbehaarung (Gabriel Schneider und Nico Delpy), eine Art sales pitch. Die Zuschauer sollen überzeugt werden von der Notwendigkeit ihrer Weltraummission und am besten direkt mit an Bord steigen. Denn: „Es wird Zeit für den Ausgang des Menschen aus seiner selbstverschuldeten Freiheit!“ Es wird ein Endzeitszenario entworfen: Hinter den verschlossenen Türen beginnt das Nichts. Die Welt, wie wir sie kannten, existiert nicht mehr. S und T träumen von der Selbstauflösung in einer...

Konzert Theater Bern: „Mondkreisläufer“ (UA) von Jürg Halter. Regie und Bühne Cihan Inan, Kostüme Anouk Bonsma

Bern: Das bessere Leben

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Ein Mann geht durch einen Raum, während ihm ein anderer zusieht; das ist alles, was zur Theateraufführung notwendig ist.“ Dieser Satz stammt bekanntlich aus Peter Brooks Standardwerk „Der leere Raum“. Dem Choreografen Jérôme Bel dient das indirekt als Prolog zu seinem umwerfenden Tanzabend „Gala“. Einige Minuten lang werden nämlich lediglich Ansichten von Bühnen und Sälen eingeblendet, ob klassisch, antik, katholisch oder kindisch. Leere Räume in unterschiedlichen Ländern, aus unterschiedlichen Zeiten, groß, klein, schön, schief, alt, neu. Ebenso divers präsentiert sich danach Bels aus Wiesbadener Normalbürgern neu zusammengesetzte Kompanie. In der Dramaturgie ähnlichen Mustern folgend wie seine Produktion „Disabled Theater“, absolvieren die Akteure nacheinander die gleiche Aufgabenstellung. Einmal sollen sich alle bloß verbeugen, was sie einzeln tun, dann soll einer etwas vortanzen, was die anderen nachzumachen versuchen. Dabei wird schnell deutlich, dass jeder etwas kann und anderes nicht. Selbst die junge Frau im Rollstuhl ist ihren Mittänzern weit voraus, wenn es darum geht, schnell von einer Ecke in die andere zu flitzen. Gleiches gilt für den alten Mann, der einen Liegestütz an den anderen reiht, oder den kleinen Jungen, der sich ohne Unterlass auf den Boden wirft. Gemeinsam ertanzt sich die Menschenschar eine gesellschaftliche Utopie. Die mögen manche für ein Märchen...

Die neue Wiesbaden Biennale setzt unter dem Motto „This is not Europe“ inhaltlich wie künstlerisch auf das Jetzt

Jünger, schicker und urbaner

„Alle meine Stücke sind Tragödien – sie werden nur komisch, weil sie unheimlich sind“, schrieb Ödön von Horváth 1932 in der berühmten „Gebrauchsanweisung“ zu seinen Volksstücken. Allerdings hat er kein einziges davon tatsächlich als Tragödie bezeichnet. Dachte man zumindest, bis bei einer Auktion in Berlin ein unbekanntes Stück von ihm auftauchte: „Niemand. Tragödie in sieben Bildern“. Der Titel ist schon allein deshalb passend, weil es so gut wie keine Hinweise auf die Existenz des Textes gab. Nach einem Stück, das keiner kennt, sucht auch: niemand! In der Versenkung verschwunden ist es schon kurz nach seiner Entstehung. Offenbar eine Art Kollateralschaden bei der Pleite des Verlages, dem Horváth den Text anvertraut hatte. Im März 2015 hat die Wienbibliothek das 95-seitige Typoskript ersteigert. Für 11 000 Euro. Ein Schnäppchenpreis für einen Sensationsfund. Bereits vollständig versammelt in „Niemand“ ist die Kleinbürgerklientel, die Horváths Theaterkosmos auch fürderhin bevölkern wird. Schauplatz der Handlung ist ein Mietshaus. In der späten Uraufführung – bald 80 Jahre nach dem Tod des Autors – steht es in Gestalt eines Stiegenhaus-Ungetüms auf der Bühne des Wiener Theaters in der Josefstadt, betongrau und nackt wie ein Rohbau. Im Grunde ist auch „Niemand“ nichts anderes als das: der Rohbau eines klassischen Horváth-Dramas....

Theater in der Josefstadt: „Niemand. Tragödie in sieben Bildern“ (UA) von Ödön von Horváth. Regie Herbert Föttinger, Bühnenbild Walter Vogelweider, Kostüme Birgit Hutter

Wien: Im Rohbau

Der konzeptionelle Neustart im vergangenen Jahr hat dem Impulse Theater Festival gut getan: Weg von der Unübersichtlichkeit und der Not inszenierter Shuttle-Touren zwischen den Orten, konzentriert sich das Festival nun auf eine der austragenden drei Städte. In diesem Jahr ist der Gastgeber das Forum Freies Theater in Düsseldorf. Der neu geschaffene jährliche Modus des Festivals wird seinem Namen Impulse gerecht und beansprucht nicht mehr, eine Werkschau der Besten zu sein. Neben den neun eingeladenen Produktionen, Installationen und Hörspielen sind es wieder drei internationale Auftragswerke, die das Programm inhaltlich zuspitzen. Schlüssig ist es auch, dass die omnipräsente Theoriedebatte, die Florian Malzacher als künstlerischer Leiter von Beginn an in die Waagschale geworfen hat, noch verstärkt wurde. Bereits im vergangenen Jahr gründete das Festival in Kooperation mit dem Ringlokschuppen in Mülheim an der Ruhr die Silent University und folgte damit einer Initiative an der Londoner Tate Modern, ein Forum für Lehrende und Wissenschaftler zu schaffen, denen die Lehre aus unterschiedlichen Gründen verwehrt ist, weil sie zum Beispiel Flüchtlinge oder Asylbewerber sind. In diesem Jahr erschien nun das Buch zur couragierten Jungfernfahrt dieser komplexen Konstruktion zwischen Kunst und Wissenschaft. Herausgegeben von dem kurdischen Künstler und Initiator der Silent University, Ahmet Ögüt, der Soziologin und...

Das Impulse Theater Festival ermöglicht geflüchteten Wissenschaftlern in der Silent University die Lehre

Fang an zu kochen, Rezept folgt

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Am Ende einer breiten Straße liegt in der Abendsonne das Gebäude des ehemaligen Königlich-Preußischen Schwurgerichts Naumburg. Der repräsentative Backsteinbau wirdzum Teil durch eine Gefängnismauer verdeckt, mit Wachturm und Stacheldraht. 2012 stellte die Justizvollzugsanstalt Naumburgihren Betrieb ein, seitdem steht die Anlage leer. Man betritt das Foyer. Auf dem Absatz der Treppe sitzen auf einer Bank drei Personen, links ein junger Mann, rechts zwei Frauen, eine ältere und eine jüngere, vielleicht Mutter und Tochter. Über ihnen prangt ein monumentales Gemälde, „Der Tod Abels“ des zur Düsseldorfer Malerschule zählenden Eduard Bendemann. Der erschlagene Abel liegt am Boden, die Trauerenden nähern sich von links, während Kain die Szene nach rechts verlässt, verstoßen wird von Gott, der mit dem Gesetz in der Hand über den Fall zu Gericht sitzt. Der Erzengel Michael wacht mit dem Schwert über das Urteil – die Justiz als göttliche Gewalt, das war das Selbstverständnis der preußischen Gerichtsbarkeit und bis heute verbindet Religion und Justiz möglicherweise noch mehr als der obligatorische Talar. Der Saal ist hell, in Form einer Apsis, in der Mitte eine Tür nach hinten. Rechts und links rahmen jeweils eine geschwungene hölzerne Bank die Szene und fügen sich in den Raum, als wären sie schon immer dort gewesen....

Theater Naumburg: „Der zerbrochne Krug“ von Heinrich von Kleist. Regie Stefan Neugebauer, Bühne und Kostüme Markus Meyer

Naumburg: Wenn die Lüge spricht und die Wahrheit schweigt

Kurz vor dem Ende gab es dann noch ein großes Fest. Im ausverkauften Theater Neustrelitz feierten ihn am 14. Juni Hunderte seiner Leserinnen und Leser zum 90. Geburtstag. Mit vier Bussen waren sie auch aus Berlin angereist. Das Theater hatte Intendant Joachim Kümmritz zur Verfügung gestellt, Wolfgang Kohlhaase sprach, und der lange schon schwer kranke Hermann Kant, in Begleitung von Ärzten aus dem Krankenhaus gekommen, freute sich auf seine Art, die darin bestand, es sich bloß nicht anmerken zu lassen. Beides nicht: wie er sich freute und wie schlecht es ihm ging. Hinterher saß er noch im Foyer und signierte eine halbe Stunde lang, ein tapferer Abschied des bereits Erblindeten, von dem es hieß, nur der Wille halte ihn noch am Leben. Der Schriftsteller Hermann Kant ist immer ein Stein des Anstoßes gewesen, mit seinen Büchern, aber auch als Mensch. Arrogant jederzeit, hielt er von Gleichmacherei nichts. Er brachte etwas in die DDR-Kultur ein, das sie vor Mittelmaß hätte bewahren sollen: ein sicheres Gespür für Rangunterschiede. Das ließ er andere auch spüren. Es gab die großen und wichtigen Autoren, die er auch dann noch mit Respekt behandelte, wenn er sie eigentlich nicht mochte (Stefan Heym!) – und es gab jene,...

Der Schriftsteller Hermann Kant ist mit 90 Jahren in Neustrelitz verstorben

Hüter der Rangunterschiede

Der Materialergründer

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

„Aida“, 4. Akt, 2. Szene: Mit einem unheilvollen Knirschen schiebt sich der letzte Stein in die Mauer. So zumindest stellt man es sich vor, wenn man die Handlung dieser Verdi-Oper liest. Radames und Aida, lebendig begraben. Was das heißt, thematisiert die Oper indes nicht. Nicht das langsame Dahinsiechen, das Verdursten, die Atemnot – bei Verdi findet sich davon: nichts. Nirgendwo sonst stirbt es sich so schön wie in der Oper. Weil sie, wie Alexander Kluge es formuliert, trotz Mord und Totschlag Hüterin des „Wahren, Guten, Schönen“ sein will. Und weil sich vieles, wie im Musiktheater eben so üblich, in der Musik abspielt, und zwar in einer, die sich zumeist in tonalen Strukturen bewegt, da Opernhäuser das Zeitgenössische viel zu oft scheuen. Damit wäre man auch schon beim nächsten Problem: Opern mit neu komponierter Musik und einem Libretto, das Geschichten aus dem Heute erzählt, werden an Opernhäusern kaum gespielt. Bürgerliche Erholungsstätten – so nannte Theodor W. Adorno die Institution Oper in seiner „Einleitung in die Musiksoziologie“, Alexander Kluge bezeichnet sie als Bunker. Die Neuköllner Oper, in einem der quirligsten, aber auch sozial problematischsten Berliner Bezirke gelegen, wäre somit keine Oper, zumindest: keine Oper im klassischen Sinne. Wie ihre Lage an der...

Eine Umfrage von Theater der Zeit und Neuköllner Oper

In Schönheit sterben

Nicolas Stemann, der erste Text von Elfriede Jelinek, den Sie inszenierten, war „Das Werk“ im Jahr 2003. Was bedeutete das für Sie, einen Jelinek-Text auf die Bühne zu bringen? Was hat Sie angezogen, was eventuell auch abgestoßen? Ich dachte zunächst, dass ich das nicht machen kann. Ich war ziemlich am Anfang meiner Regielaufbahn, hatte gerade mit „Hamlet“ und ein paar anderen Stücken erste Erfolge gehabt, als das Burgtheater auf mich zukam. Sie hatten „Das Werk“ in Auftrag gegeben, nach dem „Sportstück“ sollte es die zweite Zusammenarbeit zwischen Elfriede Jelinek und Einar Schleef werden. Nun war, während Elfriede daran schrieb, Einar Schleef gestorben – und sie wussten nicht, was sie jetzt damit machen sollten. Das Stück war als großes Chor-Epos geschrieben: Es gab den „Chor der Peters“ und den „Chor der Heidis“, den „Chor der Hänsels und Tretels aus dem Arbeiterheer“, am Schluss trat dann noch der „Chor der Mütter auf der Dammkrone“ auf. Man merkte, wie sehr Elfriede beim Schreiben an Schleef gedacht hatte. Alles an diesem Stück schrie nach Schleef als Regisseur. Ich wusste nicht, was ich da zu suchen hatte. Außerdem verstand ich bei den ersten Leküreversuchen wirklich nur Bahnhof. Dass ich schließlich doch zusagte, lag an einem...

Und manchmal gegen sie: Nicolas Stemann gratuliert Elfriede Jelinek zum 70. Geburtstag. Ein Gespräch mit Jakob Hayner

Für Elfriede

Der Veranstaltungsort mit dem schönen Namen Südpol befindet sich in Kriens bei Luzern. Es ist ein hässlicher Flachbau mit dem Charme einer Turnhalle, der alternative Musik-, Theater- und Tanzaufführungen präsentiert und mit der Premiere von Dimitri de Perrots „Myousic“ eine sehr besondere Überraschung bot. Das von seinem Schöpfer als „konzertante Installation“ bezeichnete Werk wendet sich eher ans Ohr als ans Auge und besteht aus Tönen, Geräuschen, Stimmen, Schweigen und Dunkelheit. Zu Beginn gibt es ein wildes Schlagzeugsolo, das sich in den heranfahrenden Zug der Brüder Lumière verwandelt, nur akustisch statt optisch. Nach all der visuellen Opulenz scheint es im internationalen Theater einen neuen Trend zu geben, der auf Audiosuggestion setzt. Von Simon McBurneys phänomenalem „The Encounter“, das den ganzen Amazonas mit seinen Schrecken und Wundern durch 3D-Sound erschafft, bis zur Inszenierung von Tschechows „Platonow“ durch die irische Gruppe Dead Centre, in der Stück- und Regisseurskommentar über manipulierte Kopfhörer vermittelt werden. Kopfhörer gibt es auch bei „The Encounter“, das in dieser Saison am Broadway zu sehen ist. De Perrot hingegen kommt ohne sie aus, „Meinedeinemusik“ passiert live durch versteckte Lautsprecher und per Hand hergestellte Geräusche, wie das Schaben auf einer Glasplatte, das zum Weinen oder Lachen werden kann. Das Einstimmen des...

Südpol: „Myousic“ von Dimitri de Perrot

Luzern: Open the door!

Kompositionsprinzip Collage

für die hoffnungsloseste aller Romantikerinnen Personen Sascha ist jung Schura ist jung Alexander ist noch nicht begraben Sascha und Schura sitzen auf der Fensterbank und lassen die Beine baumeln. Sie schauen ins Dunkel. So dunkel, dass man bestimmt nichts erkennen kann außer sich selbst, wenn man nah genug rankommt. Sascha: Einfach raus? Schura: Einfach raus. Sascha: Und dann? Schura: Sag du es mir. Sascha: – Schura: Wenn sie einfach rausgehen. Sascha: – Schura: Ohne Tricks. Sascha: Ich weiß es nicht. Schura: – Sascha: – Schura: Die sehen wirklich aus wie Ratten von hier oben. Sascha: Als würden sie einen Schwanz hinter sich herziehen, siehst du das? Siehst du? Die wackeln, als würden sie zittern. Schura: Und die Zähne fallen raus. Sascha: Stimmt. Schura: Die Arme sind verkrümmt. Sascha: Komisch, ja. Schura: Als wären Knochen falsch zusammengewachsen. Sascha: Trotzdem schön. Schura: Na ja, auf ihre Art. Sascha: Nein, wirklich schön, ich bin ein wenig verschossen in sie. War ich immer. Schura: In wen? Sascha: Ich bin so verknallt in die manchmal, als wär ich – als wären sie...

Die Aristokraten

Meldungen

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Bude Bett Bargeld

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

Der Tiroler Thomas Kasebacher, der zusammen mit der katalanischen Künstlerin Laia Fabre notfoundyet 2007 gegründet hat, gastierte 2012 in der chilenischen Stadt Valparaíso mit der Produktion „Dark Matter“ von Kate McIntosh. Dort stieß er durch Zufall auf „2666“, den letzten Roman des 2003 verstorbenen chilenischen Schriftstellers Roberto Bolaño. Der Literaturwissenschaftler Kasebacher fand darin nach eigener Aussage einen „konkreten literarischen Ausgangspunkt, ein Thema, an dem wir konzeptuell zu arbeiten begannen“. Ein bezeichnendes Beispiel dafür, wie die „bespielten Installationen“ – so die beiden Künstler – entstehen, nämlich anhand von konkreten Ausgangspunkten in der Literatur, im Alltag oder auch im Essen, wie etwa bei der Videoinstallation „Pudding“ („a supercharming infocomercial terror show“) für das Impulstanz Festival 2012. Der Name ist sozusagen Programm – notfoundyet. Wobei sich die beiden Künstler ihre Inspirationsquellen auch aus ihren unzähligen Kollaborationen und Einzelarbeiten holen. Laia Fabre hat Tanz und Performance in Barcelona studiert und ist derzeit in der Klasse von Dorit Margreiter (Video/Installation – zuvor Harun Farocki) an der Akademie der bildenden Künste Wien. Sie selbst beschreibt ihren Werdegang als „moving from performance into visual arts and surrealism“. Ihre Kunstperformances zeigte sie in Galerien wie dem Kunstraum Niederösterreich in Wien oder beim Steirischen Herbst 2013 in einer Zusammenarbeit...

Das Künstlerduo notfoundyet erkundet die Abgründe der menschlichen Natur

Yoga und Gewalt

Nichts ist leichter, als diese „Iphigenie“ zu verdammen, so manieriert, verrätselt und nervig gebärdet sie sich. Dabei kommt sie, obwohl zum Auftakt der Goethe Festwoche gegeben, ganz ohne Goethe-Worte aus. Das ist beim Regisseur Ersan Mondtag nicht verwunderlich, da er sich meist mehr um Bilder als um Worte schert. Seine „Iphigenie“ gleicht dabei einem Assoziationsgewitter der maßlosen Art. Die Bühne gibt sich als rot gewandeter, schick düsterer Ort, ein Zwischending aus Badetempel und Altarraum. Im Vordergrund der Kammerspiele öffnet sich ein kleines Becken und hinten ein großes, knöcheltief mit Wasser gefüllt. Figuren umstehen die Bühne wie Statuen. Eine spricht heilige Worte auf Griechisch, zumindest hört es sich heilig und griechisch an. Die Worte evozieren Fremdheitsgefühle, die dem Mythos um die geopferte Königstochter gut anstehen. Im Laufe des nicht viel länger als eine Stunde währenden Abends formiert sich dann eine Schar von Männern und Frauen, allesamt bloß in knallroter Badehose, zu immer wieder neuen bildmächtigen Konstellationen. Das Wasser im Becken sieht mal wie Blut aus, dann markiert es den Ursprung allen Lebens, ist mal Ursuppe, mal Jungbrunnen. Gegen Ende winden sich die Darsteller darin als hilflos greinende Babys, wie an dem Abend ohnehin immer wieder fürchterliche Schreie und Jammertöne qualvoll hinaustönen....

Schauspiel Frankfurt: „Iphigenie“ (UA) von Ersan Mondtag. Regie Ersan Mondtag, Bühne Stefan Britze, Kostüme Raphaela Rose. „Königin Lear“ (DSE) von Tom Lanoye. Regie Kay Voges, Bühne Daniel Roskamp, K

Frankfurt/Main: Heiße Höschen, kalte Räume

„Work hard, play hard?“

Der genetische Code Amerikas

manchmal denkt man im leben einen menschen verpasst zu haben – bei mir war das/ist das martin kippenberger – ein großartiger künstler – aber noch viel mehr haben mich seine exzesse beeindruckt – seine völlerei – vom wodkawetttrinken bis zum umsonstschlemmen in der paris bar – so einen exzentriker habe ich verpasst – bis ich auf daniel josefsohn stiess dagegen ist kippenberger doch ein waisenknabe im atelier von dj – einem gartenhäuschen in der bergstrasse – da wurde getrunken geraucht – die kreditkarten hackten im gleichschritt und schöne frauen und schöne männer und hunde und … ein hund der heisst jesus – denn er ist ein sohn von josef so einfach kann die welt sein – so einfach kommt man auf lösungen – so einfach und dennoch genial oder gerade deswegen hat daniel josefsohn fotografiert alles andere hat er vorher erledigt – skateboarder bankräuber heroinabhängiger bis ihm ein betreuer geld für eine kamera gab – ab da war er wieder süchtig – nach motiven – nach situationen es ist sicher kein zufall dass daniel so viel fürs theater gearbeitet hat – impulse – volksbühne … er hat inszeniert – seine modelle waren für ihn schauspieler auf seinen bildern ein sms-verkehr:...

Zum Tod von Daniel Josefsohn

menschen, viecher, situationen

Thorsten Merten, vor 25 Jahren drehten Sie Ihren ersten Film mit Andreas Dresen, seinen Debüt-Film „Stilles Land“. Darin geht es um ein Provinztheater, in dem man ohne Mühe das Theater Anklam erkennt, wo Sie als Jungregisseur Becketts „Warten auf Godot“ inszenieren wollen. Doch dann platzt die Wende mitsamt Maueröffnung dazwischen. Ich habe 1990 an der Ernst-Busch-Schule mein Schauspielstudium beendet, das war das erste Mal, dass wir beim Intendantenvorsprechen vor leeren Rängen spielten, weil keine Intendanten kamen. Dann ging ich nach Schwerin, wo Christoph Schroth gerade dabei war, nach Berlin zu wechseln. Im ersten Nachwendejahr spielten wir immer nur vor einer Handvoll Zuschauer, die Leute hatten andere Dinge im Kopf. Eine schlechte Zeit für die Kunst, für jede Form von Nachdenklichkeit überhaupt. Und da kam Andreas Dresen und bot mir die Rolle an. Woher wusste er von Ihnen? Dresen hatte ja enge familiäre Verbindungen nach Schwerin und da sagte ihm Schroth quasi im Weggehen, schau dir den doch mal an! Das hat er dann auch getan und gab mir – ohne Filmerfahrung – die Hauptrolle. Und ich Idiot hab die dann total verhampelt! Finden Sie? Es fällt schon auf, dass es ein junger Regisseur voll innerer Unruhe ist, aber ich habe...

Was macht das Theater, Thorsten Merten?

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Shenja Lacher, Sie haben jüngst Ihren Vertrag als Schauspieler am Münchner Residenztheater gekündigt und diesen Schritt unter anderem mit den schlechten Arbeitsbedingungen begründet. Dies ist auch einer der Hauptpunkte, Lisa Jopt und Johannes Lange, den das Ensemble-Netzwerk kritisiert. Sie alle haben bereits mehrere Jahren erfolgreich als Schauspieler an verschiedenen Stadttheatern gearbeitet. Warum sagen Sie jetzt, wie es läuft, läuft es verkehrt? Lisa Jopt: Es gab vor eineinhalb Jahren in Oldenburg eine Ensembleversammlung, bei der die Frage gestellt wurde: Was brauchen wir Schauspieler, um künstlerisch arbeiten zu können? Da kam eine lange Liste mit vielen Kleinigkeiten zusammen, die größtenteils betrieblich bedingt sind, wie zum Beispiel Samstagsproben oder Anproben während der Arbeitszeit. Wir haben dann sehr konstruktiv mit der Theaterleitung darüber sprechen können, sodass wir merkten: Ach, da kann man ja Sachen verändern. Und wenn das in Oldenburg geht, dann muss es doch auch an anderen Häusern gehen. Wir wechseln ja alle paar Jahre das Theater, da wäre es doch zu kurz gedacht, nur vor Ort ein gutes Arbeitsklima zu haben. Man will ja an seiner nächsten Station nicht jedes Mal wieder von vorn anfangen. Shenja Lacher: Bei mir war das eine Entwicklung über einen längeren Zeitraum. Ich weiß gar nicht mehr,...

Über den Zauberkasten Theater und seine Schattenseiten, schädlichen Zynismus und die Ziele des neugegründeten Ensemble-Netzwerks – die Schauspieler Lisa Jopt, Shenja Lacher und Johannes Lange im Gespr

Wer wenn nicht wir

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Seit Jahren geistern auch durch deutsche Schauspielschulen und allerlei Workshops die „Repetition Exercises“ des US-amerikanischen Schauspiellehrers Sanford „Sandy“ Meisner (1905–1997); Regisseure wie Thomas Ostermeier „meisnern“ in ihrer Probenarbeit. Nun ist die 1987 von seinem Schüler Dennis Longwell aufgeschriebene, von Meisner selbst autorisierte „Bibel“ seiner „Meisner-Technik“ von Tanja Handels mit Gespür für den umgangssprachlichen Duktus ins Deutsche übertragen worden. Meisner gehörte nebst seinen Mitstreitern vom New Yorker Group Theatre, Stella Adler und Lee Strasberg, zu den Vorreitern der transatlantischen Adaption von Stanislawskis Schauspielkunst des Erlebens. Von 1935 an unterrichtete er bis ins hohe Alter Generationen von Schauspielern und Theatermachern, darunter Gregory Peck, Grace Kelly, Diane Keaton und David Mamet. Schon früh entfernte sich Meisner dabei von der auf dem „emotionalen Gedächtnis“ basierenden Methode seines Mentors Strasberg. Seine „Meisner-Technik“ folgt der späteren Psychophysik Stanislawskis. Dabei bleiben die Rollenfigur und deren „wahrhaftige Emotionen“ wie für jeden Stanislawski-Adepten oberstes Ziel der Schauspielkunst. Meisner setzt zu diesem Zweck aber gerade nicht auf das Innere des Schauspielers, sondern auf Handlung und die spontane Reaktion auf äußere Impulse, vor allem die vom Spielpartner ausgehenden. Schauspielen ist für Meisner eben nicht Projektion eines imaginierten Egos, sondern Reaktion auf einen Impuls. Solange dieser Impuls zum Handeln nicht da ist,...

Sanford Meisner / Dennis Longwell: Schauspielen. Die Sanford-Meisner- Methode. Alexander Verlag, Berlin 2016, 384 Seiten, 25 EUR.

Das Erröten der Eleonora Duse

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Die Auswahl von Schauspielstudierenden findet normalerweise hinter verschlossenen Türen statt. Jedes Jahr reisen Hunderte von Bewerberinnen und Bewerbern zu den Aufnahmeprüfungen an den staatlichen Schauspielschulen, um in mehrtägigen Vorsprechen einen der begehrten Studienplätze zu ergattern. Wenige dürfen bleiben, die anderen wissen oft nicht genau, warum es bei ihnen nicht geklappt hat. Dem Filmemacher Till Harms ist es gelungen, bei einer Auswahlrunde an der Hochschule für Musik, Theater und Medien (HMTM) Hannover dabei zu sein. Sein Film „Die Prüfung“, der bei der diesjährigen Berlinale lief und nun auf DVD erscheint, zeigt im Stil des Direct Cinema ein konzentriertes Bild der Suche nach den größten Talenten: 687 Bewerber, zehn Plätze, neun Dozierende, zehn Tage. In immer neuen Runden berät die Kommission aus Schauspiel-, Sprech- und Bewegungslehrern, ob die Bewerber das mitbringen, was sie bei einem Bühnenschauspieler suchen: emotionale Durchlässigkeit, körperliche und stimmliche Begabung, Präsenz im Raum. Sie fragen, wie er oder sie mit dem Text umgeht und ob die Person auf Situationen, neue Aufgaben, Impulse eines Gegenübers im Moment reagieren kann. Es sind schwer bestimmbare Kategorien der Erlebens- und Reaktionsfähigkeit, nach denen hier gefahndet wird, und in der Auswahl werden durchaus auch die Vorlieben der Lehrenden sichtbar, aber ebenso die Lust und...

Junge Schauspielstudierende diskutieren beim Schauspielschultreffen in Bern über ihre Haltung zur Welt

Die Spielfreudigen

Das 2009 in Göttingen uraufgeführte „Zorn“ ist ein Krisenstück. Die Geschichten von Liebe und Verzweiflung, Terrorangst und Geldgier werden mit acht Figuren in einer Short-Cut-Dramaturgie miteinander verwoben. Die in Georgien geborene Autorin Nino Haratischwili, in Hamburg als Regisseurin ausgebildet und hier vor allem als Romanautorin bekannt, wollte es nach der Uraufführung unbedingt auch selbst inszenieren. So entstand am Theater Freiburg das Projekt einer bilingualen deutschgeorgischen Koproduktion, die im Frühsommer am Tumanischwili Theater in Tbilissi Premiere feierte. In ihrem Herkunftsland ist die auf Deutsch schreibende und inzwischen auch ins Georgische übersetzte Haratischwili zwar keine zentrale Figur der Theaterszene, dafür aber als die heute in Deutschland bekannteste georgische Autorin umso mehr geschätzt. Ihre Inszenierung setzt die Figuren im Bühnenbild von Julia Bührle-Nowikowa um eine mit Kleidungsstücken behängte Spirale: riskantes Klettergerüst und Käfiggitter zugleich – vor allem aber ein offenes Bild für eine Gesellschaft im brüchigen Übergang zwischen postsowjetischer Last und westlicher Gegenwart, in der eine mit Reality-Trash erfolgreiche TV-Produzentin gar nicht so weit entfernt von einem Aussteiger im Wald lebt, der die neue Konsumkultur ablehnt. Das wurde in Tbilissi vom Publikum wahrscheinlich noch drängender empfunden als in Freiburg, wo ein Mann, „der nach den Sternen sucht“, in heutigen Kontexten eher als Spinner...

Das Theater Freiburg reist mit der deutsch-georgischen Koproduktion „Zorn“ von Nino Haratischwili nach Tbilissi

Die nach den Sternen sucht

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Nicolas Stemann anlässlich des 70. Geburtstags von Elfriede Jelinek im Gespräch mit Jakob Hayner Nicolas Stemann, der erste Text von Elfriede Jelinek, den Sie inszenierten, war „Das Werk“ im Jahr 2003. Was bedeutete das für Sie, einen Jelinek-Text auf die Bühne zu bringen? Was hat Sie angezogen, was eventuell auch abgestoßen? Ich dachte zunächst, dass ich das nicht machen kann. Ich war ziemlich am Anfang meiner Regielaufbahn, hatte gerade mit...

An vorderster Stelle der Avantgarde oder Der Beginn einer wunderbaren Zusammenarbeit

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Sasha Marianna Salzmann, wir haben erstmals 2012 ein Stück von Ihnen gedruckt, „Muttersprache Mameloschn“. Mein erster Gedanke bei der Lektüre von „Die Aristokraten“ war jetzt: Wo ist das Spielerische, Zärtliche geblieben? Ein anderes Thema braucht einen anderen Umgang. In „Mameloschn“ habe ich über Liebe in der Familie geschrieben, die sich nicht kommunizieren lässt. Man scheitert an allen Skills, die man sich über Jahre antrainiert hat. In „Die Aristokraten“ geht es ja genau um das Gegenmodell, um eine künstlich zusammengesetzte, behauptete Familiensituation, in der man aneinander das abarbeitet, was man eigentlich an der Welt abarbeiten möchte. Dieser Mikrokosmos spiegelt wider, woraus zwei junge Menschen entstanden sind: Die brutalen Spielchen, die sie miteinander spielen, haben sie in ihrer Welt gelernt. Eine Brücke zwischen beiden Stücken gibt es aber doch: Die Frage, welche Rolle Humor spielen kann in verschiedenen Graden der Verzweiflung. In „Mameloschn“ ist es der jüdische Witz. „Die Aristokraten“ hingegen ist nach einem bekannten Stand-up-Comedy-Witz benannt, der darin besteht, dass sich der Erzähler schlimmstmögliche Schweinereien ausdenkt. Wie würden Sie die Rolle des Witzes in Ihrem Stück beschreiben? Witze sind eben nicht immer lustig. In „Mameloschn“ tun die Protagonist/-innen so, als würden sie sich einfach unterhalten, reden aber miteinander permanent in Witzen....

Die Autorin Sasha Marianna Salzmann über ihr neues Stück „Die Aristokraten“ im Gespräch mit Lena Schneider

Wir sind die Aristokraten

Oktober 2016

Premieren

In rosaroter Unterwäsche kauern Frauen auf dem Boden. Die Rücken sind gekrümmt. Immer wieder stocken ihre Stimmen, dann verstummen sie ganz. Tief sind die Wunden, die Kriege und Vergewaltigungen in ihre Seelen gerissen haben. Manon Chircens kraftvolle Choreografie „Morsure“ (Biss) spiegelt die Gewalt gegen das weibliche Geschlecht. In ihrer klug konzipierten Regiearbeit, die das Furore Festival an der Akademie für Darstellende Kunst Baden-Württemberg eröffnete, erkundet die Theaterstudentin aus Paris Angsträume, in die Frauen gedrängt werden. Jenseits überholter feministischer Theorie untersucht die vielseitige Theaterfrau, die auch Kostüme und Bühnenbild entworfen hat, wie der Kampf der Geschlechter Frauen in unterschiedlichen Kulturkreisen prägt. 14 Produktionen von Studierenden aus Warschau, Berlin, Craiova, Salzburg, Budapest und anderen europäischen Städten waren an vier Tagen auf dem Ludwigsburger Campus und im Staatstheater Stuttgart, einem der Kooperationspartner, zu erleben. Die jungen Theatermacher trotzten mit dem selbst organisierten Festival der Krise, die Europas Gesellschaften im Moment vor eine Zerreißprobe stellt. In allen Kulturen werden Werte zerschlagen. Dass der Theaternachwuchs zu diesem schleichenden Prozess beherzt Position bezieht, macht Mut. Politisches Theater hat an den Akademien und Konservatorien einen hohen Stellenwert. Obwohl das Spektrum ihrer ästhetischen Ansätze breiter kaum sein könnte, taten die jungen Künstler viele Berührungspunkte auf. In Gesprächsrunden oder...

Studierende europäischer Theaterakademien trotzen beim Furore Festival in Ludwigsburg der Krise

Fenster auf, Seele rein

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Es waren für das Publikum höchst anregende und für die Veranstalter erfolgreiche Tage: Die Ausgabe 2016 des Theaterfestivals Basel, die dritte unter der künstlerischen Leitung von Carena Schlewitt, schloss an die ersten beiden Austragungen gelungen an. Die 20 Produktionen aus 17 Ländern lockten während der 13 Tage 9000 Besucherinnen und Besucher. Die durchschnittliche Auslastung lag bei 82 Prozent. Der große Zuspruch ist erst einmal bemerkenswert, denn die Festivalmacher haben nur wenige internationale Festival-Blockbuster-Produktionen aufs Programm gesetzt. Darunter „The Blind Poet“ der belgischen Startruppe Needcompany – eine geradezu prototypische Festivalproduktion mit spektakulären Bildern, schrägen Bühnenfiguren und fetziger Musik. Wirklich hängen blieben indes die weniger spektakulären Arbeiten, die inhaltlich und performativ umso mehr aufrüttelnde Erlebnisse vermittelten. Ein – wenn nicht der große – Höhepunkt war das Einmannstück „Acceso“ des chilenischen Regisseurs Pablo Larraín mit dem herausragenden Schauspieler Roberto Farías. „Acceso“ ist ein Bühnen-Folgeprojekt von Larraíns Film „El Club“, der 2015 auf der Berlinale mit dem Großen Preis der Jury ausgezeichnet wurde. Der Film beschreibt das Leben von fünf Padres, die des Missbrauchs von Minderjährigen beschuldigt werden und deshalb in ein abgelegenes Anwesen verbannt wurden. „Acceso“ erzählt nun auf der Bühne diese Geschichte aus Sicht eines Missbrauchsopfers neu. Farías, der den szenischen Monolog...

Das Theaterfestival Basel zeigt, wie nah das Theater am Zeitgeschehen sein kann

Bis dass die Welt untergeht

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Lucas ist der Anfang und das Ende. In immer neuen Identitäten ist von ihm die Rede: als kleiner Junge, als Geliebter, als Gastgeber. Dabei bleibt eines immer gleich: Lucas ist abwesend. Wie Becketts Godot taucht er kein einziges Mal auf der Bühne auf. Zwei Frauen, deren Rollen genauso unklar sind wie die von Lucas, erzählen von ihm. Sie sind jung oder alt, Schwester oder Geliebte. Sieben Mal rollen sie in ebenso vielen Szenen in dem in der Nebenspielstätte emma-theater uraufgeführten Stück „Lucas and Time“ dessen Geschichte neu auf. Die in Griechenland geborene und auf Englisch schreibende Autorin Niki Orfanou wurde zu ihrem Stück von Ted Hughes’ Gedicht „Besuch“ inspiriert. Darin schreibt der englische Schriftsteller über seine Ehefrau, die Dichterin Sylvia Plath, die erst berühmt wurde, nachdem sie sich 1963 umgebracht hatte. Hughes hatte sie betrogen und sie und die beiden gemeinsamen Kinder verlassen. Das Gedicht beginnt mit den Worten: „Mein Freund Lucas, einer / Von dreien oder vieren, die sich gleich bleiben / Wie Einsiedler / Ein Fels im Flussbett / An dem sich jede Strömung bricht.“ Orfanou greift diesen Einstieg auf und vertauscht so die Rollen. Nun erzählt nicht mehr ein Mann von seiner Frau, sondern umgekehrt erzählen zwei...

Theater Osnabrück: „Lucas and Time“ (UA) von Niki Orfanou. Regie Felicitas Braun, Bühne Timo von Kriegstein, Kostüme Aleksandra Kica

Osnabrück: Warten auf Lucas

Festival der Besessenen

Eine Bühne auf der Bühne, die Reflexion des Lichts auf der metallischen Oberfläche wirft Muster und Schatten an die Wände, in der Mitte fünf leere Stühle. Die Stühle stehen für fünf abwesende Künstler. „KULA – nach Europa“ von Robert Schuster basierte auf der Kooperation eines deutschen, eines französischen und eines afghanischen Ensembles. Doch die afghanische Gruppe Azdar bekam keine Erlaubnis zur Einreise, die deutschen Behörden hatten angenommen, dass dessen Mitglieder in Deutschland einen Asylantrag stellen würden, und mit dieser Begründung den kulturellen Austausch verhindert. Azdar hatte 2014 die Produktion „Heartbeat: The Silence After the Explosion“ in Kabul herausgebracht, eine der Aufführungen wurde Ziel eines Terroranschlags. Das Ensemble wird von den Taliban bedroht und kann inzwischen nicht mehr auftreten, aber auch in Europa, wo diese Bedrohung nicht existiert, kann es nicht auftreten. Die Premiere am 1. September beim Kunstfest in Weimar musste ohne die Künstler aus Afghanistan stattfinden, einzig der Leiter von Azdar, Ahmad Nasir Formuli, der sich seit 2015 in Deutschland aufhält, stand auf der Bühne. „KULA – nach Europa“ ist weiterhin am Deutschen Nationaltheater Weimar zu sehen, außerdem wird das Stück in Mulhouse, Bochum, Baden, Chur und Freiburg aufgeführt. Robert Schuster, Ihr Stück heißt „KULA – nach Europa“. KULA,...

Robert Schuster über „KULA – nach Europa“ beim Kunstfest Weimar und das Ende der Welt, wie wir sie kennen, im Gespräch mit Jakob Hayner

Im Herzen eng

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

tdz on tour

The Case of Digital Arts

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Nein, es hat nicht wenig an deutschsprachigen Theatern zu sehen gegeben zum Thema Flucht. Auch Das letzte Kleinod, ein freies Theater aus Schiffdorf, in der Nähe von Bremerhaven, hat sich damit in den vergangenen Jahren immer wieder beschäftigt. Aber nur selten rückte uns ein Stück so dicht auf die Pelle – geografisch, aber nicht zuletzt auch biografisch. Das schlicht „Flucht“ betitelte Stück erzählt von Fluchten mitten in Europa – kaum eine Familie, in der die Jahrhundertzäsur des Zweiten Weltkriegs nicht ihre Spuren hinterlassen hat. 20 Interviews hat Jens-Erwin Siemssen, Kopf des Letzten Kleinods geführt, mit Menschen, die einst vertrieben wurden, die von Krieg und existenzieller Bedrohung berichten. Sie waren Kinder damals. Sie kommen aus Bremerhaven, Frankfurt an der Oder, Gdynia und Kaliningrad. Indem er die Geschichten aus der europäischen Historie, aus der Vergangenheit unserer Gesellschaft holt, zeigt er, wie sich das Erlebte ähnelt. Und das Bedürfnis, von damals zu erzählen, ist offenbar groß. Siemssen erinnert sich an einen Zeitzeugen, der berichtete, wie seine Mutter vor seinen eigenen Augen vergewaltigt worden war, und während des Interviews in Tränen ausbrach. Bis vor zwei Jahren habe er niemandem davon erzählt. „Es ist ein Ventil“, sagt Siemssen, „und die Zeit ist reif, davon zu...

Das letzte Kleinod / Teatr Gdynia Glowna: „Flucht – Ucieczka“ (UA) von Jens-Erwin Siemssen. Regie Jens-Erwin Siemssen

Schiffdorf/Gdynia: Im Zug durch die Zeiten

Als Matthias von Hartz 2013 das internationale Performance-Festival Foreign Affairs im Veranstaltungsreigen der Berliner Festspiele unter dem neuen Intendanten Thomas Oberender übernahm, ging es um die nicht geringe Aufgabe, das neu konzipierte Festival zu positionieren. Bereits 2012 hatte die belgische Kuratorin Frie Leysen mit der ersten Ausgabe ein spannendes Kontrastprogramm zum Vorgängerfestival spielzeit’-europa abgeliefert. Man halte sich dabei vor Augen, dass am HAU längst ein internationales Dauerprogramm etabliert war, die Schaubühne auf die Tradition ihres F.I.N.D.-Festivals zurückblickt und das Programm von Tanz im August Produktionen zeigt, die sich in Berlin dann nicht noch einmal präsentieren lassen. Hinzu kommen Veranstalter wie das Radialsystem und gelegentlich der Admiralspalast. Wahrscheinlich ist in keiner anderen europäischen Stadt über das ganze Jahr so viel internationales Theater zu sehen. Die Berliner Festspiele haben es sich dabei zur Aufgabe gemacht, internationale Großproduktionen zu bringen, also solche, die andere Institutionen aufgrund fehlender Mittel oder Logistik nicht schultern können, und dabei trotzdem nicht wie bloße Leuchtturm-Kuratoren auszusehen – sondern mit Überraschungen aufzuwarten. Für diese Quadratur des Kreises hat von Hartz selbstbewusst einen ziemlich eigenwilligen Weg gefunden, der sich konsequent an aktuellen Performance-Entwicklungen orientierte, sodass im Verlauf von vier Ausgaben ein durchaus eigener Katalog entstand, dem eine große Offenheit zu...

Zur letzten Ausgabe des Festivals Foreign Affairs an den Berliner Festspielen

Performance im Quadrat

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Ein Schiff fährt auf der Donau, darauf eine demontierte Lenin-Statue, in Einzelteile zerlegt, der Körper wirkt verschoben, wie in sich zusammengesunken, der Finger zeigt nach oben. Langsam verfolgt die Kamera den Weg des Schiffes und seiner eigentümlichen Ladung, etwas Geheimnisvolles, fast Mythisches umgibt die Szene, die aus dem Film „Der Blick des Odysseus“ von Theo Angelopoulos stammt. Der Film aus dem Jahre 1995 zeigt eine Region, den Balkan, im Zerfall. Eine der beteiligten Schauspielerinnen war Maia Morgenstern, die nun auf der Bühne sitzt, während über ihr, auf einer Leinwand, der Filmausschnitt zu sehen ist. In „Empire“, der neuesten Inszenierung des Regisseurs Milo Rau, werden vier Geschichten gezeigt und so arrangiert, dass sich immer wieder Verbindungen ergeben, Verweise und Kommentare. „Empire“ bildet nach „The Civil Wars“ und „The Dark Ages“ den Abschluss von Raus Europa-Trilogie. Es geht, wie er im Interview sagt, um folgende Fragen: „Was ist ein Krieg zwischen Bürgern? Ein Bürgerkrieg? Was – konkret – ist Macht und was Ohnmacht? Warum glauben wir? Und wie schreibt sich die europäische Gewaltgeschichte ein in unsere Körper, Herzen und die Bilder der Zeit?“ Von der, nicht nur europäischen, Gewaltgeschichte erzählen die vier Protagonisten des Abends, neben der schon erwähnten Maia Morgenstern aus...

Schaubühne am Lehniner Platz: „Empire“ von Milo Rau. Regie Milo Rau, Bühne und Kostüme Anton Lukas

Berlin: Fragmente einer Sprache des Schreckens

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

22 Menschen rennen auf der Bühne K6 auf Kampnagel um ihr Leben. Sie weichen einander aus, prallen doch aufeinander, heben sich gegenseitig im Laufen für ein paar Schritte in die Luft. Olivier Dubois testet in „Auguri“ die Schwarmkompetenz seines Ballet du Nord – ganz reduziert, mit nur vier massiv gerahmten Glasboxen im Bühnenhintergrund, die den Tänzern als Auf- und Abtritte dienen und rückseitig beleuchtbar sind, sodass es aussieht, als kämen die Tänzer aus einem gleißenden Nichts. Dubois spielt mit den Möglichkeiten von Gemeinschaft und Individualität, er lässt seinen Tänzerschwarm zum Orakel der Menschheit werden, inspiriert von den Auguren im alten Rom, die aus dem Flug der Vögel die Zukunft lasen. Dubois hat mit dieser Produktion eine außergewöhnliche Eröffnungspremiere für das Internationale Sommerfestival auf Kampnagel vorgelegt. Ein Paukenschlag von Tanztheater. Und ein Beweis für das geglückte Gelingen einer langfristigen Zusammenarbeit zwischen Kuratoren und Künstlern. András Siebold und sein Team legen Wert darauf, den Künstlern ein Partner zu sein. Auf dem Internationalen Sommerfestival sind neben geladenen Gastspielen auch 2016 wieder fünf Uraufführungen zu sehen. „Die Art der Zusammenarbeit, der Austausch, die Intensität und letztendlich auch die Anbindung der Künstler ans Festival sind von einer besonderen Qualität“, erläutert Siebold sein Konzept. „Ich habe...

Das Sommerfestival auf Kampnagel in Hamburg verweist mit fünf Uraufführungen auf den Wert langfristiger Kollaborationen zwischen Kuratoren und Künstlern

Woher haben Sie diese Nummer?

Die Taylor Swift unter den Theatern

Angenommen, eine Kritikerin einer führenden deutschen Tageszeitung berichtet in ihrem Blatt über ein Interview, das ein Schauspieler eines führenden deutschen Stadttheaters einer anderen führenden Tageszeitung gegeben hat, und versetzt sich dabei mit Einfühlungsvermögen und mithilfe von Zitaten aus dem Interview in die Situation des Schauspielers, der in der anderen Tageszeitung über sein wehrloses Ausgesetztsein in einem ausbeuterischen und diktatorisch geführten Stadttheater wehklagend berichtet. Angenommen, das ausgearbeitete Fazit der Kritikerin lautet wie folgt: In einer Zeit, in der die Wirtschaft schon längst begriffen hat, dass nicht strenge Maßregelung, sondern vor allem die freie Entfaltungsmöglichkeit der Individualität Kreativität und Produktivität der Mitarbeiter am Arbeitsplatz fördert, würde in den Theatern noch immer das hierarchische System einer vergangenen Zeit umgesetzt, unter herrschaftlich agierenden Intendanten und Regisseuren. Und das Resümee des Schauspielers klänge etwa so: Es bliebe für selbstbewusste Schauspieler und Schauspielerinnen, die sich nicht als Erfüllungsgehilfen, sondern als gleichwertiger Teil der Arbeit an einem gemeinsamen Projekt verstehen möchten, nur mehr der Ausweg Fernsehen. Das Theater also als letztes Refugium überholter Machtausübung, vor dem nur mehr die Flucht bleibt. Was für Gedanken würden sich da bei mir einstellen, bevor ich das erste Huhn lachen höre? Ich würde mich wahrscheinlich an meinen ersten Job beim Münchner...

Das Nagetier in uns

Was ist Theater?

„Ich wichse in meine Socken“, sagt Dmitrij Schaad und reibt sich, wie so oft in diesem Stück, als Zeichen seines (gespielten) Unwohlseins die Hände. „Ich wichse in meine Socken“, wiederholt er, wirft dann die Arme in die Luft und schiebt triumphierend hinterher: „So! Jetzt ist es raus. Das Wissen ist im Raum.“ Zufriedenes Glucksen im Publikum. Yael Ronens Inszenierungen sind, das zeigt ihre neueste Arbeit „Denial“ am Maxim Gorki Theater Berlin recht explizit, zu einer Art Selbstläufer geworden, böser gesagt: zu einer zuverlässig funktionierenden Masche. Seit der „Dritten Generation“, dem Stück, das Ronen in Deutschland bekannt machte, setzt die israelische Regisseurin auf den Effekt der kalkulierten Komik: Nichtigkeiten und Skurrilitäten werden mit dem Pathos der Ungeheuerlichkeit vorgetragen, Ungeheuerlichkeiten mit gespielter Beiläufigkeit benannt. Die Inszenierungen sollen durch fröhlichen Tabubruch den diskursiven Raum erweitern, um über Themen zu sprechen, über die sich, weil von Unkenntnis, Vorurteilen oder eben Tabus verstellt, schwer sprechen lässt: den Nahostkonflikt („The Situation“), die Balkankriege („Common Ground“), den Holocaust („Dritte Generation“). Auch „Denial“ lebt von dieser Strategie, wenngleich es Momente gibt, wo es scheint, die Regisseurin würde ihre Taktik selbstkritisch unterlaufen. Schon das Video-Intro des Abends, das zu dröhnenden Sounds den Stücktitel und die Gesichter der Schauspieler vorbeiziehen...

Maxim Gorki Theater: „Denial“ (UA) von Yael Ronen und Ensemble. Regie Yael Ronen, Bühne Magda Willi, Kostüme Amit Epstein

Berlin: Jetzt ist raus

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Oktober 2016. Die Theater öffnen wieder ihre Tore, die Spielzeiten beginnen, das Publikum strömt in die Säle, setzt sich und seufzt beruhigt, dass jetzt andere auf der Bühne reden, spielen, rennen, turnen, lachen, weinen. Im besten Falle funktioniert der Bühnenzauber, und die Zuschauer sind ebenfalls wie verzaubert. Das meint eine „schöne Vorstellung“, nicht nur die gemütlichen Sessel, sondern einen Funken der Fantasie, der überspringt. Doch das Theater ist nicht nur...

Editorial

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Das Lehrgedicht „De rerum natura“ des römischen Dichters Lukrez ist einer der faszinierendsten Texte der Antike: eine hochpoetische Darstellung der epikureischen Lehre, die eine physikalische Theorie über den atomistischen Bau des Universums mit einer durch und durch pluralistischen, erstaunlich heutig anmutenden Glücksethik verbindet. „War Lukrez ein Hippie?“, fragte der Spiegel vor Kurzem sogar – und selbst in der reißerischen Schlagzeile im Bild-Stil spürt man noch echtes Erstaunen über die Modernität dieses Gedichtes. So hat nicht nur die Physik seit dem 20. Jahrhundert diverse Spekulationen bestätigt, die „De rerum natura“ über die „Welt aus Atomen“ aufstellte; auch in wichtigen ästhetischen Neuerungen des 20. Jahrhunderts haben die über 2000 Jahre alten Verse Spuren hinterlassen. Lukrez war ein Kronzeuge Bertolt Brechts, und noch immer hat man nicht genügend herausgearbeitet, wie sehr die produktivsten Momente der Brecht’schen Poetik Grundfiguren der lukrezianischen Physik aktualisieren: Lukrez sieht die Atome auf ewig durch einen unendlichen leeren Raum stürzen; dabei würden sie für immer in parallelen Sturzbewegungen gefangen bleiben und sich niemals verbinden (oder auch abstoßen), wenn nicht in jedem Atom von Anfang an eine nicht messbare Minimalabweichung – das ominöse „Clinamen“ – wirksam wäre. Dieses ähnelt einem unergründlichen Eigensinn, der jedes Atom anfänglich von seiner Sturzbahn...

Beim Lesen des Lukrez

kirsch kontexte: Vom Tanz der Atome

Explodierendes Dokumentartheater

Autoren Oktober 2016 / Vorschau

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Der Dichter Uwe Kolbe hat ein Buch über Bertolt Brecht geschrieben. Zumindest dem Titel nach, unprätentiös und einfach heißt es „Brecht“. Auch das Titelbild, kurzes Haar, runde Brille, den Blick auf ein Papier gerichtet – unzweifelhaft Brecht. Der interessierte Leser schlägt das Buch auf, beginnt zu lesen – und stellt nach einer Weile erstaunt fest, dass man über Brecht sehr wenig erfährt, um nicht zu sagen: nichts. Über Herrn Kolbe und seine Weltsicht ist allerdings eine Menge zu erfahren. Es handelt sich, bedauerlicherweise, bei diesem Buch um einen Grenzfall, den man schwerlich noch literarisch behandeln kann, es nötigt schon zur psychologischen Spekulation. Denn eine solch niederträchtige Beschimpfung, eine derart, auch sprachlich, grauenerregende denunziatorische Behandlung des gewählten Gegenstandes macht es sehr schwierig, an der Sache zu argumentieren, wo diese soeben mit allen Mitteln erledigt wird – weil hier einer mit seiner Vergangenheit abrechnet, Tabula rasa machen möchte. An ein paar Beispielen lässt sich zeigen, wie der Autor verfährt. So schreibt er, alles an Brecht sei „grau“, „dieses billige Grau“, wie „das Grau eines grauen und oft grauenhaften Staates“, das „Grau kontaminierte sein Werk, seine auf dem Nachttisch drapierten Kriminalromane, sein Grab, ja sogar sein berühmtes Grab“. Diese Passage ist sprachlich verräterisch....

Uwe Kolbe: „Brecht. Rollenmodell eines Dichters“, S. Fischer Verlag, Frankfurt am Main 2016, 176 S., 18,99 EUR.

Die Weltsicht des Herrn K.

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Eine Weinbar in Prenzlauer Berg, späterer Abend. Wolfram Koch hat neun Stunden Hörbuchproduktion von Gerhard Falkners „Apollokalypse“ hinter sich, das war eilig, denn dieser als Synthese aus Apollinischem und Dionysischem angekündigte Versuch steht auf der Longlist des Deutschen Buchpreises. Falkner hat sich ein Heidegger-Zitat als Motto seines zwischen Berlin und dem Universum irrlichternden Romans gewählt: „Im Seyn erzittert das Göttern.“ Das Göttern? Koch nickt. Der erste Falkner-Satz lautet: „Wenn man verliebt ist und gut gefickt hat, verdoppelt die Welt ihre Anstrengung.“ Aha, versteh ich nicht, aber egal. Wie ist es denn, mehrere Tage diesen Text zu lesen? Anstrengend, sagt Koch, vor allem wenn man vorher sechs Wochen unerreichbar im Urlaub in Frankreich war. Wobei Frankreich für den in Paris Geborenen ja eher eine zweite Heimat ist. Darauf einen Riesling, am besten von der Nahe. Auf das Apollinische oder auf das Dionysische? Die Entscheidung wird vertagt. Wolfram Koch ist ein Aktionsmensch, der immer an mindestens drei Schauplätzen zugleich arbeitet. Seine übliche Ausrede dafür lautet: Ich habe eine große Familie, die will ernährt sein. Sein Sohn Max kann sich nun jedenfalls selbst ernähren, nach dem Schauspielstudium in Rostock hat er soeben ein Engagement am Residenztheater in München bekommen. Müssen wir auch noch...

Blödsinn auf der Bühne ist wichtig, sagt der Schauspieler Wolfram Koch, er fördert Wahrheiten im unlogischen Wesen Mensch zutage

Zeitreise ins Absurde

Vielleicht muss man ein bisschen wahnsinnig sein, um diesen Schritt zu tun. Vielleicht sehr selbstsicher. Vielleicht, und das nimmt man Yohanna Schwertfeger dann schon eher ab, ist der Schritt aus dem Ensemblebetrieb heraus die Konsequenz einer Suche. Die 33-jährige Schauspielerin war bis zur vergangenen Spielzeit im Ensemble von Wilfried Schulz am Staatsschauspiel Dresden. Vorher war sie in Zürich und Wien, arbeitete mit Matthias Hartmann, Alvis Hermanis, Sebastian Baumgarten. In Dresden spielte sie auf. Man hatte hier eine Weile nicht mehr jemanden so spielen sehen. Sie machte aus guten Inszenierungen herausragende. Yohanna Schwertfeger hätte Schulz folgen können, ans Düsseldorfer Schauspielhaus. Sie tat es nicht. In ihren bisherigen Engagements war sie gebucht als „Sprachakrobatin“, wie sie sagt. Zugleich nahm sie mit einer gravitätischen Körperlichkeit die Bühne ein, dass man nur schauen musste und schon verstand, worum es ging. „Während meiner Zeit an der Burg war ich selbst zu sehr damit beschäftigt, den äußeren Rahmen und die Erwartungen zu bedienen“, sagt Yohanna Schwertfeger. Das habe sie geschwächt und abgelenkt. In Dresden konnte sie wieder besser zu sich finden, sich mehr auf ihre eigene Kraft besinnen. Ihre nächste selbst gesetzte Herausforderung ist, einmal ganz Abstand zum Theater zu nehmen, „aber ich bin eben doch...

Glanz und Elend

Assoziationen

Theater der Zeit 10/2020

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