Diese lustige, wohlwollend provokative Kabarettshow basiert thematisch auf der Notwendigkeit der sexuellen Befreiung von Körpern, und die Puppe verändert im Laufe der Show auf spektakuläre Weise ihr Aussehen. Wie ein Objekt, das man manipulieren kann, fügt die Puppe sich selbst Körperteile hinzu und trennt andere ab. Sie bildet einen ungeheuer plastischen Hybridkörper, bei dem ein muskulöser, trainierter Oberkörper auf hohen, glatten Beinen sitzt; bei dem die Größe der männlichen Genitalien in der Erektion exzessiv wird; bei dem man fünfzig Brüste gleichzeitig tragen kann; bei dem die Vulva zum Sprechen gebracht wird oder das Gerippe zu tanzen anfängt. Die utopische Geste Hierbei kam mir der Gedanke, dass diese Theateraufführung etwas mit der „utopischen Geste“2 zu tun hat, von der Jill Dolan spricht. Ihrer Meinung nach „findet die Utopie (…) jetzt statt, in den Zwischenräumen gegenwärtiger Interaktionen, in flüchtigen Momenten möglicherweise besserer Möglichkeiten, als Menschen zusammen zu sein.“3 Und das gilt auch für die Puppe Hen, wenn sie das Publikum mit einer „queerphobischen“ Gesellschaft außerhalb des sicheren Theaterraums konfrontiert, in der ein Körper wie ihrer beleidigt und zu Tode geprügelt werden könnte. Aber was steht auf dem Spiel, wenn man einer queeren Puppe dabei zusieht, wie sie das „Groteske“4...

Benannt nach dem genderneutralen schwedischen Pronomen1 ist „Hen“ eine queere Puppenshow, die der französische Künstler Johanny Bert 2019 kreierte und die er bis heute aufführt. In seiner Performance wird der Puppenkörper aus Holz, Schaum und Stoff wie ein Puzzle verwendet. Die einzelnen Stücke werden immer wieder neu zusammengefügt, um eine neue Form, ein Bild, eine Bedeutung zu erschaffen. Der Theaterwissenschaftler Antoine Hirel beschreibt, wie dadurch die Puppe zu einer Materialisierung von neuen und utopischen Körperkonzepten wird, da sie essentielle, binäre, heteronormative Identitäten dekonstruiert und vielfache Möglichkeiten, Pluralitäten von Körpern visioniert.

Queeres Puppen-Kabarett als utopische Perspektive für sexuelle Körperidentitäten

Totkürzungen drohen

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Die Praxis der Gemeinsamkeit

„Figure It Out“ – der Name der wandernden Veranstaltungsreihe, die von der Allianz internationaler Produktionszentren für Figurentheater ins Leben gerufen wurde und letztes Jahr im Leipziger Westflügel Premiere feierte, lässt sich als Aufforderung an das Publikum, künstlerischer Ansporn und programmatische Setzung der Initiator*innen gleichermaßen verstehen. Das zehntägige Festivalprogramm der diesjährigen Berliner Ausgabe vereinte mit Installationen, Tryouts, Showings und einer Fachtagung eine Vielfalt an Präsentations- und Diskussionsformaten und trug damit auch der im Laufe der letzten Jahre immer stärkeren Ausrichtung des Hauses als Forschungs- und Produktionsstätte Rechnung; ging doch ein großer Teil der gezeigten Produktionen aus Forschungsresidenzen an der Schaubude oder ihren Partnerhäusern FITZ und Westflügel hervor. Irgendwo dazwischen ... Den Auftakt machte die Numen Company mit der Inszenierung „Hero“. Im Dämmerlicht erscheint zunächst der Umriss einer schwarz gekleideten Gestalt. Fast verloren wirkt Tibo Gebert als Performer in dem überwiegend dunklen, sehr reduziert gehaltenen Bühnenraum, bis er einen Bezugspunkt findet: eine lebensgroße Kinderpuppe, mit der er, zunächst noch zögerlich, in Kontakt tritt. In einem Wechselspiel von gegenseitiger Annäherung und Abkehr, von spielerischer Neugier und schmerzlich scheinender Konfrontation handeln die beiden Körper im weiteren Verlauf ihre Beziehung zueinander aus: sie zeigen sich sanft und verletzlich, dann wieder schroffer und fordernder. Langsam und...

Vom 2. bis 11. Juni 2023 lud die Schaubude anlässlich ihres 30-jährigen Jubiläums zu Showcase und Diskussionsveranstaltungen nach Berlin ein und schuf unterschiedlichste Austausch- und Begegnungsmomente zwischen Künstler*innen und (Fach-)Publikum. Das zentrale Thema: Künstlerische Forschung. Christina Röfer (Showcase) und Mareike Gaubitz (Fachtage) berichten für double von ihren Eindrücken.

„Figure It Out“ – Showcase und Fachtagung anlässlich des 30. Jubiläums der Schaubude

Ein Haufen Fragen und mindestens so viele Antworten

Frühlingstheater

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Alles total anders

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Berliner Chaos-Tage

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

Ich sitze, grüble und krame, dann ruf ich aus, die Begeisterung ist die Utopie, sie gibt die Richtung an und zeigt geradeaus, zu dem was kommen wird. Die Begeisterung über eine Idee, die unbelastet von all der Schwerfälligkeit der Umsetzung mich vorwärts treibt, dieser Funke, der mich in Gang setzt. Alles was beflügelt, ist die Utopie. Das Himmelsreich ist die Utopie. Solche Ideen geben mir das Gefühl, ich kann das, ich habe die Erfahrung und Routine, das mach ich gleich, das hab ich gleich, da muss ich nur dies und das, und … und Schwupps sind zwei Jahre weg. Da ist sie wieder, die Zeit. Sie mischt sich immer ein. Aber was soll die Zeit, sie ist jetzt nicht wichtig, sie kümmert mich nicht, weil ich mach heute Utopie. Wieso denn nur eine Utopie, wo ich doch viele haben kann. Zum Beispiel Die Kontur ist die Utopie. Dass ich das eine vom anderen unterscheiden kann, dass sich etwas deutlich vom Hintergrund abhebt, das macht die Kontur, sie schafft Klarheit, kein verschwommenes Überfließen von einem ins Andere. Das ist wichtig für meine Betrachtung des Puppenspiels. Die Puppe sitzt genau auf der Grenze zwischen Leben und Tod, sie ist die Nicht-Lebendige, die...

Immer voran!

Eine erste Assoziation mit Animation ist vielleicht der Trickfilm, in dem ebenso wie im Figurentheater Animation im wörtlichen Sinn, also Belebung stattfindet. Animation als Aktivierung oder Realisierung von Aktivität zu verstehen, findet eine theoretische Entsprechung bereits bei Aristoteles, mit dessen Lebenskonzeption sich Animation als prozessualer Vollzug von Lebendigkeit verstehen lässt. Bei Aristoteles zeichnet sich Lebendiges durch sein realisiertes Vermögen zu Bewegung aus, das auch der Assoziation mit dem Trickfilm zugrunde liegt. Hier ist ebenso wie im Kontext des Figurentheaters das In-Bewegung-Versetzen oder Zur-Bewegung-Verhelfen von Unbewegtem zentral. Motivation (im Sinne von Bewegung oder als Summe der Gründe für intentionales Handeln), Aktivierung (als Realisierung eines gegebenen Vermögens, das ein Passives erfordert) und Manipulation (im wörtlichen Sinn als Handhabung) sind zwar notwendige Momente, aber keine hinreichende Bestimmung der Animation, wie sie im Figurentheater erscheint: Ihre spezifische Differenz besteht in der Abwägung und Explikation des Verhältnisses zwischen Subjekt und Objekt oder Mensch und Welt. ‚Sich in den Dienst der Dinge stellen‘ als emanzipatorische Umkehrung „In den Augen der einen ist die Handlungsfähigkeit ein Attribut der Person […]; in den Augen der anderen ist [sie] der Effekt von Diskursbedingungen, die aus diesem Grunde nicht auch ihren Gebrauch kontrollieren müssen; sie ist keine transzendentale Kategorie, sondern...

40 Jahre „Theater animierter Formen“! Nicht nur das FITZ hat mit seiner Änderung des Namenszusatzes vor rund zwei Jahren eine Akzentverschiebung vorgenommen. Der Studiengang Figurentheater an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Stuttgart hat sich im Laufe der Zeit ebenfalls stetig gewandelt und jüngst das Hauptfach von „Materialtraining“ in „Animation“ umbenannt. Der Auseinandersetzung mit diesem Begriff waren auch die Lecture-Performances anlässlich der Geburtstagsfeier beider Institutionen Anfang des Jahres gewidmet, die Celine Klotz zum nachfolgenden Text inspiriert haben.

Gedanken zur Animation anlässlich der Jubiläen des Studiengangs Figurentheater und des FITZ in Stuttgart

Die Kunst lebendig zu machen

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Ehrfürchtig erahnen wir die Ausmaße der Krise, die auf uns zu kommt, dennoch bleibt sie schwer fassbar. Das komplexe Netzwerk von Ursache und Wirkung macht uns Menschen ziemlich hilflos. Ich möchte die Zukunft üben und über die Angst hinausdenken, über das Mögliche, über das Offensichtliche, über das, was wir schon wissen. Der Theatersaal bietet uns Raum, um zu denken, Raum für Phantasie und für langsame Veränderung. Das ist die Herausforderung unserer Zeit: Wie können wir eine Vision eines ausgewogeneren Zusammenlebens mit dem Planeten ermöglichen? Der menschliche Körper besteht aus einer viel größeren Menge nicht-menschlicher Zellen (Bakterien usw.) als menschlicher Zellen. Jede*r von uns ist daher schon ein Zusammenleben (cohabitation), vielfältig (multitude), der Individualismus ist am Ende und wird hoffnungslos überschätzt. Wir sind viele und in vielem. Die romantische Bewegung am Ende des 18. Jahrhunderts schlug eine Gegenbewegung zur Aufklärung vor, die versuchte, Mensch und Natur wieder zu integrieren, in Ehrfurcht vor der Unermesslichkeit der Natur, gegen eine rein utilitaristische Nutzung ihrer Ressourcen. Es ist an der Zeit, wieder romantisch zu werden. Erdverbunden zu sein. Vom Wissen der Einheimischen zu lernen. Zuzuhören und immer auch etwas zurückzugeben. Mit der Trilogie „Rituals of Transformation“ (Teil 1 „Ginkgo“, Teil 2 „Atmen“, Teil 3...

warum Kunst, in diesen Zeiten, in denen wir alle guten Grund haben, wegen der Klimakrise in Panik zu verfallen und zu rebellieren, in der Hoffnung, so die notwendige Transformation zu beschleunigen?

Warum Theater,

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Nationalsozial-charaktermasken

Editorial

Samtener Schutzraum

Endlich: Nach vier Jahren ist man mit den Festivalaktivitäten zurück in den Theatern, den eigens errichteten Spielstätten, im öffentlichen Raum, den Kneipen und Restaurants und fragt sich: Was geht? Lässt sich – nach der erzwungenen Distanznahme per Videocalls und anderen Mediatisierungen der Existenz – so etwas wie eine Sehnsucht nach Liveness, nach Begegnung und Austausch erkennen und neu kultivieren? Die erste Festival-Woche zeigte ungewohnte Lücken im Parkett; das, was ‚früher‘ schnell ausverkauft gewesen wäre, gibt es nur noch als Erinnerung. Es scheinen sich viele Dinge geändert zu haben. Das Festival hat dies zu spüren bekommen … Unsere Welt heute ist aufgeregter (und aufregender?) geworden: Die recht kurze pandemische Stille, in der allein das höllische Flattern der Absperrbänder auf Spielplätzen und öffentlichen Sitzgelegenheiten zu vernehmen war, wurde recht bald vom Geschrei hyperindividualisierter Zeitgenossen mit Rundumahnung und -meinung übertönt. In diesem haben sich vorwiegend destruktive Kräfte gesammelt, deren politisches Potential aktuell hinreicht, aus der Krise einen profitablen Dauerzustand zu machen, in dem allein Verweigerung die Grundmelodie zu sein scheint. Das Thema Gesundheit war gestern, heute bestimmen Klima, Konsum, Kolonialismus und Krieg die Agenda. Wenn man morgen wach wird, könnte noch ein weiteres Thema, eine andere Krise dazugekommen sein, ohne dass man wüsste,...

Vom 12. bis 21. Mai 2023 fand das internationale Figurentheaterfestival in Erlangen, Nürnberg, Fürth und Schwabach nach pandemiebedingter Digitalausgabe wieder in Präsenz statt und präsentierte ein gewohnt vielfältiges Programm. Doch lässt sich nahtlos anknüpfen an die Zeit vor der welterschütternden Zäsur der letzten Jahre? Und welchen Umgang findet die Kunst mit den andauernden multiplen Krisen unserer Zeit? André Studt teilt seine Beobachtungen zur diesjährigen Festivalausgabe.

Eindrücke vom 23. Internationalen Figurentheaterfestival in Erlangen

(un)freiwilliges Tempolimit

Darwin-Theater

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Schau mal einer an

Angstlos! Heimatlos?

Wenn ich im Büro an meinem Schreibtisch sitze, läuft vieles nach Plan. Mein Kalender gibt den Takt der Gesprächstermine, Planungstreffen und, ja, auch der Pausenzeiten vor. Da erlebe ich es als Glücksmoment, wenn für kurze Augenblicke die Abschweifung gelingt. Wenn der Blick vom Computerbildschirm wegwandert. Hin zu meiner Pinwand. Und dort lese ich dann „RESISTANCE OF THE HEART AGAINST BUSINESS AS USUAL“. Darunter zwei holzschnittartige rote Blüten, aus grünem Blättergestrüpp herausragend. Wow. Das katapultiert mich direkt in einen anderen Raum, in eine andere Zeit. Hinein in die Utopie. Schon bin ich gedanklich und emotional am utopischen Nicht-Ort, am eu-topischen, guten Ort. Und dort regiert eben nicht der Computer in Komplizenschaft mit dem Kalender, sondern Traum, Abschweifung, Fantasie, Gestrüpp, Unordnung, Freiheit! Die eben beschriebene Postkarte hat mir John Bell vor ein paar Monaten mit lieben Grüßen zugeschickt, um sich für die reibungslose Organisation einer Tagung zu bedanken.1 Moment mal. Ist das nicht paradox? Haben nicht Computer und Kalender diese Reibungslosigkeit verursacht? Wie kommen jetzt die ‚resistance‘ und der utopische Wegweiser ins Spiel? Ist das eine doppelte Botschaft von John? Oder stammt sie doch direkt vom Großmeister der Utopie, von Peter Schumann, der seit vielen Jahren diese Postkarten und Poster mit...

Wie kommt die Utopie in unserem Alltag dazwischen? Und, was hat das Figurentheater damit zu tun? Erzählung und Performanz einer ‚besseren Welt‘ verbinden sich im Theater, um Utopien in unsere Köpfe und Körper zu pflanzen. Dabei kann das Figurentheater gerade im Hinblick auf die posthumanistische Utopie einer anderen Weltwahrnehmung und Weltbeziehung ihre besonderen Objekt- und Materialgefüge nutzen.

Eine Postkarte in die Utopie

In eurem Stück begebt ihr euch auf die Suche nach einem utopischen Ort, den ihr „Qutopia“ nennt. Wie sieht er aus und konntet ihr mit all euren Perspektiven diese eine Utopie schaffen? Carla: Im Prozess haben wir gemerkt, dass es schwer wird, sich auf eine Utopie zu einigen. Utopie sieht für jeden anders aus. Im Stück haben wir in einer Poetry-Slam-artigen Szene Fragen nach der Utopie gestellt: Ist Utopie romantisch? Ist Utopie queer? Wie sieht Utopie überhaupt aus? Im Stück ging es eher um die Suche nach der Utopie. Wir hatten eine Reisegruppe, die durch das Stück geführt hat und auf der Suche nach dem Ort Qutopia war. Diese Gruppe bestand aus ganz unterschiedlichen Charakteren. Und es wurde nach und nach deutlich, dass jede*r etwas Anderes sucht. Und trotzdem waren sie gemeinsam auf dem Weg. Der Weg ist das Ziel Und kommen sie in ihrem Qutopia an? Katja: Das ist die Frage. Aber sie kommen zueinander und finden sich als Freund*innen. Das ist ein Utopie-Moment. Es gab super viele Utopie-Momente in unserem Theaterstück und wir haben immer gesagt, dass die Utopie der Weg sei und nicht das Ziel. Wir hatten aber auch Momente, in denen wir von uns...

Unter dem Titel „Qutopia – eine Versuchsanordnung“ machten sich 14 Jugendliche im Alter von 17 bis 28 Jahren im Queer Club des Theater der Jungen Welt in Leipzig in der Spielzeit 2022/23 auf die Suche nach der Utopie. Für double führte Anna-Maria Polke ein Gespräch mit den Leiter*innen Adam Williams und Veronique Nivelle sowie den Spieler*innen Carla Bublitz, Sixtine Dromigny und Katja Peter über die gemeinsame Arbeit und die Notwendigkeit, Wunschbilder auf der Bühne zu schaffen.

Vom Suchen und Finden der Utopie

Junge Hoffnung

Ran ans Märchen! 

Ein roter Theatervorhang bildet den Eingang. Durch diese Projektion (aus der Filminstallation „Floating Food“ von der Künstlerin Ulrike Ottinger) auf einen weißen Lamellenvorhang gelangt man in die Sonderausstellung. Diese Gleichzeitigkeit von Doppelung und Ergänzung könnte als Entree nicht passender sein, sollen doch hier neue Perspektiven auf die Sammlung geboten werden. So heißt es in der Einführung: „Das Kooperationsprojekt hinterfragt spielerisch die bislang nach Objektgattungen geografisch und chronologisch gegliederte Dauerausstellung Puppentheater / Schaustellerei, die von 1984 bis 2022 in diesem Räumen zu sehen war. Im Zusammenspiel mit Interventionen in die vorhandene Architektur eröffnen sich neue Perspektiven und Freiheiten, die einen Blick in die Geschichte, Gegenwart und Zukunft des Münchner Stadtmuseums zugleich gewähren.“ Exponate aus der Sammlung Goetz und aus der Sammlung Fotografie des Münchner Stadtmuseums sollen in einen Dialog mit den vorhandenen Objekten treten. Ein in 13 thematische Bereiche gegliederter Parcours führt durch die Ausstellungsräume. Die Puppe als Projektionsfläche für Identitäten und Sehnsüchte ... Gleich im ersten Raum „Rollenspiele und Menschenbilder“ präsentiert sich die simple wie eindrückliche Arbeit „Machine Readable Puppenheim“ des Münchner Künstlers Florian Freier, die extra für die Ausstellung entstanden ist. An der Wand neben der großen Vitrine mit über 400 Puppenköpfen vom 18. bis 20. Jahrhundert hängen über...

Die Sonderausstellung „(K)ein Puppenheim. Alte Rollenspiele und neue Menschenbilder“ (22.04.2023–07.01.2024) im Münchner Stadtmuseum verbindet gekonnt die Sammlung Puppentheater / Schaustellerei mit Gegenwartskunst aus der Sammlung Goetz und Arbeiten aus der Sammlung Fotografie des Münchner Stadtmuseums. Dieser Dialog mit Arbeiten zeitgenössischer Kunst ermöglicht einen neuen Blick auf Exponate der Dauerausstellung, die fast 40 Jahre im Münchner Stadtmuseum zu sehen war.

Zu Besuch in der Ausstellung „(K)ein Puppenheim“ im Münchner Stadtmuseum

Wo die Puppen (nicht) wohnen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Figurationen im Film

Der Notfall als Prinzip

Die digitale Masse

In Köln haucht El Cuco Projekt einer ausgestorbenen Wildrindart neues Leben ein und schickt sie vom Jenseits auf den Tennisplatz. Zwischen sportlichem Eifer und idyllischen Weidemomenten entspinnt sich eine amüsant-melancholische Performance. Lange wurde das Bild dieses berühmten Rückschlagsports von Persönlichkeiten wie Serena Williams oder Steffi Graf geprägt. Doch inzwischen stehen neue Stars am Tennishimmel bereit: Zwei besonders aufstrebende Spielerinnen präsentieren Sonia Franken und Gonzalo Barahona (El Cuco Projekt) in ihrem aktuellen Tanzperformance-Projekt „Mata Dora – ein tierisches Sportereignis“. Die Titelgebenden Protagonistinnen Mata und Dora sind Chimären aus Mensch und Kuh. Sie tragen hyperrealistische Masken, die dem in Europa ausgestorbenen Auerochsen (Bos Primigenius) nachempfunden sind. Kopfabwärts sind ihre menschlichen Körper in moderne Sportoutfits gehüllt. Zu Beginn ertönt Vogelgezwitscher, Mata und Dora entspannen in der Horizontalen. Auch das Summen imaginärer Fliegen stört sie nicht. Ihr herrliches Nichtstun entfaltet einen kontemplativen Sog, bis ein lauter Knall den Frieden stört. Eine Tasche fällt vom Theaterhimmel und die neugierigen Hybridwesen, die gerade noch innig beieinander geschlummert haben, stehen sich konfrontativ gegenüber. Jede mit einer Hand am Tragegriff dieses metallisch glänzenden Objekts. Licht und Sound kreieren eine geheimnisvoll düstere Atmosphäre, bis allmählich das Innere der Tasche hervorgeholt wird. Den Anfang machen zwei Goldmedaillen, die beim Aufeinanderschlagen...

Wenn Verlorenes die Gegenwart befragt: „Mata Dora“ von El Cuco Projekt

Der ewige Wettkampf

Wohin man schaut: Krise! Hungersnöte, Kriege, Desinformation, Klimakatastrophen. So manche*r empfindet die aktuelle Epoche als einen heftigen Orkan, bei dem kein Stein mehr sicher auf dem anderen steht. Woran kann man sich da noch halten? Wie soll es so weitergehen? Institute entwerfen Zukunftsszenarien, in denen sie Parameter zur Berechnung möglicher Zukünfte anwenden und versuchen, damit Richtungen zu denken, die Realität werden könnten. Es gibt angenommene Situationen, in denen sich gesellschaftliche Strukturen und ihr Umgang mit Ressourcen ins Positive verändern und Worst-Case-Szenarios, die ein eher dystopisches Weltbild zeigen. Wohin wird die Reise gehen? Noch kann man es nicht wissen. Doch zwischen all den aktuellen Krisen und Konflikten blitzt ein Hoffnungsschimmer durch den Theatervorhang. Das Theater schafft Räume, um über Realitäten und ihre Alternativen nachzudenken. Hier treffen Utopien auf Dystopien, es geht um die Sehnsucht nach dem Alten und das Streben nach etwas Neuem. Es wird geforscht, getüftelt, gebaut und verworfen. Wie schafft man es auf der Bühne, Utopien im Jetzt zu (er-)gründen und schon heute eine mögliche utopische Zukunft zu erschaffen? Diese Ausgabe beschäftigt sich mit den Möglichkeiten, Utopien im Figurentheater zu denken, zu erleben und zu leben. Meike Wagner wird von einer Postkarte in die utopische Abschweifung geschickt, während Antoine...

Utopische Weltentwürfe im Figurentheater

Gegen den Lauf der Dinge

Das Theater mit den Finanzen

Die performative Baustelle

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Theater ist überlebensnotwendig

Wie würde eine Stadt aussehen, die von Frauen entworfen wurde? Wäre sie barrierefreier, sicherer, mehr auf das gemeinschaftliche Leben ausgerichtet als die jetzigen – naja, mehrheitlich von Männern entworfenen – Städte? Diese Frage steht am Schluss der Produktion „Civitas Cunt – Stadt der Frauen“, kreiert von Dubs/Schnakenberg. Doch wird sie letztlich offen bleiben müssen, denn die im Stück vorgestellten Entwürfe sind – im ursprünglichen Sinne des Wortes Utopie, abgeleitet von altgriechisch οὐ ou „nicht“ und τόπος tópos „Ort, Stelle“ – nicht existierende Orte, beziehungsweise „Nicht-Orte“. Stadtutopie Auch wenn diese Orte nicht existieren ist klar, dass sie keine gegen das Patriarchat gerichteten Wunschvorstellungen des 21. Jahrhunderts sind, sondern die Idee mindestens seit dem frühen 15. Jahrhundert zirkuliert: Die Produktion orientiert sich am 1405 entstandenen Werk „Das Buch von der Stadt der Frauen“, verfasst von der französischen Schriftstellerin und Philosophin Christine de Pizan, einer der ersten Frauen in der westlichen Welt, die von ihrem literarischen Schaffen leben konnte. Die Figur der de Pizan tritt auch zu Beginn der Produktion von Dubs/Schnakenberg auf: Eine Figur, gestaltet nach dem Vorbild höfischer Frauen im Mittelalter, der drei Frauen der Moderne entgegen treten, denen de Pizan Baustoffe mitgeben möchte, um die Stadt ihrer Wunschvorstellung gestalten zu...

Gleich zwei Produktionen von (teilweise) in der Schweiz angesiedelten Kollektiven setzen sich anhand von Miniaturmodellen mit Gedanken zu unserer jetzigen Welt auseinander, indem sie eine Utopie bzw. eine Dystopie entwerfen und durchspielen. Im Zentrum steht dabei jeweils die Frage: Was wäre, wenn?

Utopien und Dystopien in „Civitas Cunt“ von Dubs/Schnakenberg und „Five Lines“ von Cia. Frau Trapp

Weltentwürfe im Miniaturmodell

Die erste Definition von Utopie, die ich im Wörterbuch auf Französisch, meiner Muttersprache, finde, lautet: „Ideal, politischer oder sozialer Standpunkt, der die Realität nicht berücksichtigt“. Eine Definition, die weit von einer idyllischen Vision entfernt ist! Was ist das Ideal, was ist die Realität? Anhand meiner beiden letzten Projekte, „The Ceremony of Weight“ und „Resonancias“, möchte ich euch erzählen, wie die Stoffe dieser beiden Projekte – Gewicht und Schwerkraft bei dem einen, Meteoriten und Magnetismus bei dem anderen – mich dazu eingeladen haben, ein Verhältnis zu entwerfen, das genau diese Realitäten berücksichtigt, um das zu utopisieren, was unsere Leben miteinander verbinden kann. Um die 2020er Jahre herum wurde ein Berliner Boxclub, die Boxgirls Berlin, zu meinem zweiten Zuhause, in dem ich manchmal sogar zweimal täglich trainierte. Ich war sowohl von den Boxerinnen fasziniert, die ich dort antreffen konnte – Halbprofis, die ihre starken und geschmeidigen Körper auf Säcke warfen und die schweren Metallketten an der Hallendecke herausforderten – als auch davon, dass ich meinen Körper an Grenzen bringen konnte, die weit von dem entfernt waren, was ich kannte. Als ich mit Julika Mayer einen Dialog über Fragen der Wiederaneignung von Gewalt begann, schlug sie als Beginn ein relativ einfaches Dispositiv vor:...

Rafi Martin beschreibt utopische Aspekte in seinen Projekten „The Ceremony of Weight“ und „Resonancias“. Gewicht und Schwerkraft, Meteoriten und Magnetismus treten mit uns in ein Verhältnis, das über gewohnte Erfahrungswelten hinausreicht.

Das Unsichtbare, das uns verbindet – Schwerkraft und Magnetismus

Am Eröffnungsabend rollten die raumgreifenden und funkensprühenden Flugmaschinen des Walk Acts „Firebirds“ vom Theater Titanick über den Marktplatz. Mit ihren gekonnt slapstickhaft scheiternden Flugversuchen führten die Pilot*innen die große Publikumsgruppe zum Theater der Nacht. Die weiteren künstlerischen Beiträge, die den theoretischen Impulsen auf dem Symposium gegenübergestellt waren, blieben oft ähnlich spektakelhaft. Sie zeigten eine eher einseitige Ästhetik des Genres Figurentheater, das in den Vorträgen wesentlich differenzierter dargestellt und diskutiert wurde. Einen facettenreichen Vortrag hielt die geschäftsführende Museumsdirektorin des KOLK17 in Lübeck, Dr. Antonia Napp. Sie näherte sich dem Thema „Perspektivwechsel“ anhand der Provenienzforschung innerhalb des Projektes „Who’s talking?“. Hierfür wurde das Depot der Figurentheatersammlung 2021 für die Forschungsprojekte von sechs internationalen Künstler*innen unterschiedlicher Sparten geöffnet, die anschließend in einer digitalen Ausstellung präsentiert wurden. Auf Grundlage des entstandenen Austausches und der Anschlussfragen wird derzeit mit den Künstler*innen die Ausstellungsgestaltung der neuen Räume im Museum konzipiert. Eine Perspektive aus der Puppenspiel-Praxis bot die ungarische Puppenspielerin und Präsidentin der Initiative „FreeSZFE“ Kata Castó, die eine allgemein formulierte Kritik an der Bedeutungsgenese in Inszenierungsprozessen übte und sich für eine stärkere Klarheit und direkte Artikulation von Positionen aussprach. Im gleichen Panel gab die Puppenspielerin und Theaterwissenschaftlerin Silke Technau, Mitbegründerin des KOBALT Figurentheaters in Lübeck, einen...

Vom 18. bis 20. August 2023 trafen sich unterschiedliche Akteur*innen des Figurentheaters auf dem Symposium der 7. Deutschen Figurentheaterkonferenz in Northeim. Die vom Verband Deutscher Puppentheater, der UNIMA Deutschland und dem Theater der Nacht veranstaltete Konferenz stand dieses Jahr unter der Überschrift „Aus anderer Perspektive“.

Zum Symposium der 7. Deutschen Figurentheaterkonferenz in Northeim

Perspektivwechsel

Brennender Schatten

Ende der Exception Culturelle

Mein Ausgangspunkt ist die kürzlich beim internationalen Figurentheaterfestival in Erlangen gezeigte postapokalyptische Vision „Farm Fatale“, koproduziert 2019 von Philippe Quesnes Vivarium Studio mit den Münchner Kammerspielen. Weniger wortkarg als andere Arbeiten des Regisseurs, auch (scheinbar) weniger mystisch verrätselt kommt dieser musikalische Bilderbogen daher. Fünf charmant staksige Vogelscheuchen, überlebende Gattung des menschengemachten Erd-Desasters, plappern – nach einem langen Schweige-Intro, bei dem ausschließlich Vogelstimmen zu hören sind, denen alle verzückt lauschen – einander und uns Zuschauenden die Ohren voll. Angesiedelt ist das Ganze in einem Landwirtschaftsambiente mit angedeuteter Strohballen- bzw. Heugabelromantik und sterilem Weiß als dominierender Hintergrundfarbe (Bühne: Philippe Quesne). Schon dieses Bild oszilliert zwischen nostalgischer Restidylle und nachapokalyptischer Tabula Rasa. Die bei jeder Aufregung mit den Händen flatternden, skurrilen Scheuchen erzeugen darin eine ebenso immense wie grundlose Zuversicht, die sich von Poesie, Sanftmut und freundlicher Sturheit nährt. Dabei ist hier nichts mehr „natürlich“: Das durchaus philosophisch, umweltpolitisch und gemeinschaftsethisch grundierte Gequassel der Scheuchen ist stimmlich komplett elektronisch bearbeitet, das Licht scheint unwirklich hell, die Vogelstimmen kommen vom Band – und zwar nicht nur als Inszenierungsnotwendigkeit, sondern auch in der Vogelscheuchenwelt, wie bald klar wird. Denn es gibt nicht nur keine Menschen, sondern auch keine lebendigen Tiere mehr, alles ist nur noch...

Bei Philippe Quesne und seinem Vivarium Studio ist nie klar, ob sich auf der Bühne gerade eine Utopie oder eine Dystopie entfaltet. So unklar wie im Leben. Punkt. Damit könnte unter der Überschrift „Utopie“ eigentlich schon alles gesagt sein über die gleichermaßen berückenden wie verstörenden Inszenierungen des französischen Ausnahmeregisseurs und seines Ensembles. Eigentlich. Doch was sich da wie entfaltet an utopisch-dystopischem Potenzial, welche Sinn- und Unsinn-Tiefen ausgelotet werden, wie alles schwankt und sich munter widerspricht, wie vor, nach oder mitten in der Apokalypse spielerische Gemeinschaften erprobt werden, deren voraussehbares Scheitern zutiefst berührt … das lässt sich auf diese Weise mitnichten abtun, wie unsere Autorin Anke Meyer meint.

Die Utopien von Philippe Quesne und Vivarium Studio

Melancholischer Trost

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Hummer sind faszinierende Tiere. Sorgt doch in ihrem Organismus ein Enzym dafür, dass sie ein Leben lang wachsen – und dabei nicht nur nicht älter, also schwächer, sondern im Gegenteil größer, kräftiger, mithin fruchtbarer werden. Das heißt, mikrobiologisch betrachtet altern diese Tiere nicht! Die Natur, so scheint´s, widerspricht sich selbst, postuliert eine Umkehrung des gemeinhin natürlichen Lebenslaufs in Form regelmäßiger Regeneration und Häutung. Unzählige Male entledigen sich Hummer dafür ihres alten, zu eng gewordenen Exoskeletts, auf dass ihnen ein neues wachse. Metabolismus offeriert sich als Daseinsgarantie; das Abstreifen zu eng gewordener Hüllen als Voraussetzung für Beweglichkeit und Wachstum. Fürs Weiterleben schlechthin. Im Juni feierte der Westflügel, das in Leipzig ansässige internationale Produktionszentrum für Figurentheater, sein 20-jähriges Bestehen mit einem Festival. „Twist it! Figur und Tanz“ hieß das und bot, wie es sich für ein solches Geburtstags-Festival gehört, einiges an Kunst, Fachaustausch und – nicht zu vergessen – Party. Und natürlich ist auch an dieser Stelle noch einmal hervorzuheben, wie sehr es der Westflügel vermochte, in diesen zwei Dekaden seines Bestehens zu einer Instanz mit einiger Strahlkraft zu werden. Im Theatergefüge der Stadt Leipzig. Und, weit darüber hinaus reichend, für die Kunstform, der man sich am Westflügel verschrieben hat. Nun klingt...

Im Juni feierte der Leipziger Westflügel sein 20-jähriges Bestehen mit einem Festival: „Twist it! Figur und Tanz“ bot Kunst, Fachaustausch, Party und eine utopische Vision wider der künstlerischen Erstarrung.

Figur und Tanz im Leipziger Westflügel

Metabolismus als Kunstform

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

Sweet Dreams?

Eine Wette auf die Zukunft

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

R Ä U M E

„Wochenlang haben wir Spaghetti gefressen. Rein in die Stadt, spielen, raus aus der Stadt, proben, rein in die Stadt, wieder spielen. Das Geld ging für den Sprit drauf. Der Rest für Spaghetti.“ – Ihre erste Reise als Straßenkünstlerin ist für Priska Praxmarer eine Erfahrung, die für die Autodidaktin in Sachen Puppenspiel prägend sein wird. Zum Puppentheater wird sie allerdings erst später kommen und das zunächst aus ganz pragmatischen Gründen. Als Priska Praxmarer ihr Diplom in Sozialpädagogik macht, ist ihr schon klar, dass sie in diesem Beruf wohl kaum arbeiten wird. Seit ihrer Jugend macht sie Theaterprojekte, besucht Kurse z. B. bei Walter Hess und in der Mimenschule Ilg in Zürich. Statt an ihrer Diplomarbeit zu schreiben, sieht sie sich lieber die Schweizer Varieté-Theatergruppe Karl‘s kühne Gassenschau an, wo sie im Regen unter einer gemeinsamen Decke Elli Huckenbeck kennenlernt, mit der sie später auf Tour durch Deutschland, Frankreich und Italien gehen wird. Sie probieren sich mit wandelbaren, abstrakten Kostümen in den Innenstädten aus. Es ist eine harte Schule, das Straßentheater. Praxmarer erfährt hier vor allem zweierlei: Da ist zum einen die Aufregung, die Angst vor dem Auftritt, und gleichzeitig der Drang weiterzumachen, der sie bis heute antreibt. Zum anderen beginnt sie...

Die freischaffende Theatermacherin Priska Praxmarer wurde dieses Jahr mit dem PRIX ASSITEJ Schweiz für ihr Engagement als Kulturschaffende ausgezeichnet. Moritz Schönbrodt hat mit ihr gesprochen und sie für double portraitiert.

Priska Praxmarer im Portrait

„Ich möchte nichts wissen, ich möchte herausfinden.“

Das Ährenfeld als stille Utopie

Festival der Besessenen

Dramaturgie der Solidarität

Notizen zu Piscator

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Anfangszeiten der Inklusion

Wann werden Texte ausgewählt und aus welchem Grund? Was bedeutet das für die Wahl der Mittel und die Besetzung? Wie werden die Stücke notiert? Was bleibt, wenn sie nicht mehr gespielt werden und wie könnten Institutionen wie Hochschulen bei der Bewahrung und Bewertung dieses Theatererbes beteiligt sein? Vom 23. bis 25. Mai 2023 begleitete dieser Fragenkatalog die 45 Vorträge, Künstler*innengespräche und Diskussionen zwischen Theaterschaffenden und Wissenschaftler*innen. Nun hat Text im Theater mit Dingen, Puppen, Figuren und Materialien eine so vielfältige Bedeutung und wird in so verschiedenen Formen und Qualitäten eingesetzt, dass eine Zusammenfassung schwerfällt. Das spiegelte auch die Mischung aus wissenschaftlichen Beiträgen und Arbeitsberichten verschiedener Theater, von denen nachfolgend nur einige kurz vorgestellt werden können, und machte den Marathon aus Worten spannend und inspirierend für beide Seiten. Didier Plassard konzentrierte in seiner Keynote die Fragestellung und den Stand der Dinge des „PuppetPlays“ Projekts. Ein Theatertext sei ein klassisches Festhalten von „linguistischer Realität und kristallisierter Sprache“. Das direkte Weitergeben von Stücken und Abläufen über Generationen von Puppenspieler*innen habe ein Festhalten jedoch oft nicht nötig gemacht. Die bisherigen Textsammlungen seien somit „eher Flugsand als Felsen“. Könne man sagen, dass es kaum Literatur für Figurentheater gibt und dadurch die Ausführenden automatisch zu Autor*innen...

Das Forschungsprojekt „PuppetPlays“ der Universität in Montpellier unter der Leitung von Didier Plassard widmet sich der Literatur von Theatertexten für das Figurentheater. Ein gewaltiges Unternehmen, unterstützt durch die Europäische Union. Die erste Konferenz richtete den Fokus 2021 auf Theaterliteratur von Autor*innen, die zweite widmete sich nun Stücken, die von Theatermacher*innen entwickelt wurden: Traditionelle und mündlich überlieferte Spieltexte, Variationen und Adaptionen sowie Gemeinschaftsarbeiten, die im Probenprozess entstanden.

Die internationale Konferenz „Portrait du Marionnettiste en Auteur“ in Montpellier

Schreibpraktiken des Figurentheaters in Westeuropa

Mit dem Theater die Welt verändern

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

Der Studiengang Figurentheater an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart ist fest in einem System verankert, welches spätestens seit der Bologna-Reform ein effizientes, leistungsorientiertes Studieren vorsieht und den romantischen Gedanken von der Hochschule bzw. der Universität als Raum des Ausprobierens, der persönlichen Entwicklung und des selbstbestimmten Lernens begraben hat. Wenn man einen Einblick hinter die Kulissen erlangt, sieht man allerdings, dass uns trotzdem Freiräume gewährt werden, die ansonsten sehr rar gesät sind. So haben wir beispielsweise mit unseren Schlüsseln rund um die Uhr Zugang zu fast allen Räumlichkeiten, können uns im Atelier die Nächte um die Ohren schlagen und dürfen eigenverantwortlich Maschinen und Materialien verwenden. Was aber viel wichtiger ist: Uns wird von Seiten der Dozierenden auf Augenhöhe begegnet, was nicht nur heißt, dass wir als Künstler*innen wahrgenommen werden, die in ihrer Entwicklung begleitet werden, sondern, dass uns auch ein gewisses Mitspracherecht zuteil wird. Es wird weitestgehend auf Notengebung verzichtet, Konkurrenzgedanken werden nicht befeuert. Macht das alles den Studiengang zu einer Utopie? Ich würde ihn eher als eine kleine Insel im neoliberalen Leistungsgesellschaftsmeer bezeichnen, auf der man eine kleine Verschnaufpause abhalten kann. In meiner Utopie gäbe es keine Aufnahmeprüfungen, generell keine Prüfungen, keine Hierarchien, keine Existenzängste, wir würden...

Drei Figurentheater-Studierende der Stuttgarter Hochschule für Musik und Darstellende Kunst schickten uns Gedanken zu ‚Utopie‘. Sie sprechen über Inseln in getakteten Studienprogrammen, die Utopie der Figurentheater-Magier*innen und den Verdruss über utopische Verweise auf eine unbestimmte Zukunft.

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Die Versuchung ist groß über die Schaumstoffoberfläche zu streichen, die abgeknickte Papierblume wiederaufzurichten, die umherliegenden Kügelchen aufzusammeln. Doch wie uns bei der Einführung erzählt wurde, haben Berge nun mal keine Hände und daher müssen die unter der Platte bleiben. Es bleibt, alles mit dem Blick abzutasten. „Im Garten der Potiniers / Au jardin des Potiniers“ sitzt das Publikum inmitten eines Wimmelbildes, in einer Pop-up-Landschaft, einer lebendigen Installation der französisch-belgischen Compagnie Ersatz und der Quebecer Theatergruppe Création Dans la Chambre. Gebückt habe ich mich unter die Platte begeben, meinen Kopf durch das Loch gesteckt und auf dem Drehhocker Platz genommen. Um mich herum erstreckt sich eine bunte Landschaft aus Schaumstoff. Der Boden vor mir beginnt sich zu heben und zu senken, er scheint zu atmen. Die Augen wandern umher. Wo wird sich wohl als nächstes etwas bewegen? Wird dieser Knubbel da vorne auch noch zum Protagonisten? Die Papieransammlung da hinten hat sich schließlich auch gerade in eine Blume verwandelt. Ein aufmerksames, gebanntes Schauen bestimmt die 50-minütige wortlose Vorstellung für Menschen ab 7 Jahren. Doch nichts bewegt sich von Geisterhand. An jeder der sechs Platten ist ein Mitglied des künstlerischen Teams damit beschäftigt, an verschiedenen versteckten Fäden zu ziehen, damit der Garten...

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