Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Der Stolz, mit dem in Festreden oder Landtagsdebatten von der „reichen sächsischen Theaterlandschaft“ die Rede ist, klingt nie ganz überzeugend. Seit 26 Jahren schwingt stets auch ein „leider“ mit, denn das reiche Erbe bedeutet auch eine Last. Die Zeiten, als ein kulturbewusstes Bürgertum beispielsweise im heute nur 24 000 Einwohner zählenden mittelsächsischen Döbeln 1872 auf einen prächtigen Theaterneubau drängte, sind nicht nur in Sachsen vorbei. Die DDR wiederum leistete sich...

Sachsen gibt im Ländervergleich das meiste Geld für Kultur aus – die Theater müssen dennoch gegen den Rotstift kämpfen

Stolzes oder lästiges Erbe?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Der Fuchs und der Wolf – ein Duo wie aus der Fabel: schlau der Fuchs, gefürchtet der Wolf. Titelheld des Romans von Nis-Momme Stockmann der eine, (un-)heimlicher Hauptdarsteller bei Roland Schimmelpfennig der andere. Wobei: Hauptdarsteller? Das klingt dann doch zu sehr nach Theater. Wo wir es hier doch mit den belletristischen Debüts zweier Dramatiker zu tun haben. Allerdings haben weder Stockmann noch Schimmelpfennig zuletzt das klassische Dialogdrama bedient, sondern sich in ihren Stücken längst der Prosa angenähert. Von der Bühne zum Buch war es da nur noch ein kleiner Schritt. Nis-Momme Stockmann empfand den Übergang daher weniger als Wechsel in eine andere Disziplin als vielmehr auf eine andere Distanz. Und er hat weidlich Gebrauch gemacht von den Möglichkeiten, die sich vor ihm auftaten. Mit seinen rund 700 Seiten, mythologischen Anspielungen sowie Anleihen im Horror- und Fantasy-Genre liest sich „Der Fuchs“ wie ein außer Rand und Band geratenes Treatment zu einem monumentalen Katastrophenfilm voller Nebenhandlungen und Motivanleihen aus Populärkultur wie klassischem Kanon. Es beginnt mit einer Jahrhundertflut, die ein Nordseestädtchen fortspült. Dass wir es hier nicht mit einem gewöhnlichen Küstenkaff zu tun haben, lässt sich bereits am Namen ablesen, den der Autor ihm gegeben hat: Thule. Wie die sagenhafte, meeresumtoste Insel...

N. M. Stockmann: Der Fuchs. Roman. Rowohlt 2016, 24,95 EUR.; R. Schimmelpfennig: An einem klaren, eiskalten Januarmorgen zu Beginn des 21. Jahrhunderts. Roman. S. Fischer 2016, 19,99 EUR.

Tiere sehen dich an

Die erste Inszenierung, die ich von Simon McBurney sah, war „The Visit“, 1991 in London, eine überdrehte Slapstick-Version von Dürrenmatts „Besuch der alten Dame“. Die Schauspieler/-innen der freien Gruppe waren naturgemäß allesamt jung, und so konnte man schon damals ein typisches McBurney-Prinzip beobachten: Kathryn Hunter spielte die alte Dame nicht auf alt, sie war, die sie war – alt und gebrechlich waren ihre mit dicken Mullbinden bandagierten Krücken. Das Théâtre de Complicité galt damals bereits als eine der erfolgreichsten Fringe-Gruppen im Land, McBurney als verrücktes Junggenie mit unbändigen Haaren, unmöglichen Klamotten und unerschöpflichen Assoziationsketten, redend wie ein Wasserfall, quirlig und stets mit vier Sachen gleichzeitig beschäftigt. Er suchte seinen Stil, und dabei haute er eine tolle Inszenierung nach der anderen heraus. Simon McBurney, geboren 1957 in Cambridge, studierte dort zunächst englische Literatur, aber dann zog es ihn an die berühmte Theaterschule von Jacques Lecoq in Paris. Dort lernte er, schauspielerische Kreativität aus den Erinnerungen des Körpers, dessen Sinnen und Erfahrungen zu entwickeln. Diese Lecoq’sche Lehre ist bis heute eine der Grundlagen seiner Arbeit. Nach dem Verlassen der Schule arbeitete er eine Zeit lang bei Jérôme Deschamps, bis er 1983 gemeinsam mit Annabel Arden und Marcello Magni das Théâtre de Complicité...

Der britische Weltregisseur Simon McBurney spricht gern von Theater als dem letztem Ort der Kommunikation – und liefert den Beweis gleich mit

Das große Leuchten

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Streng wie Kati Witt

Herr Brankatschk, Sie gehören einer Familie an, die seit Generationen sorbische Traditionen pflegt. Der Onkel ihrer Großmutter, Johann Schneider, gründete das sorbische Theater, Ihre Mutter, Janina Brankatschk, war vierzig Jahre im Ensemble des Bautzener Theaters, ihre Schwester Anna-Maria ist hier ebenfalls Schauspielerin. Und auch Sie gehören seit 2003 dem Bautzener Ensemble an. Ist das eine ungebrochene Familientradition, in der Sie stehen? Nein, nicht ungebrochen. Da gab es frühe Aufbrüche und Abbrüche. Der wichtigste Schritt in meinem Leben war, dass ich im September 1989 über Ungarn aus der DDR in den Westen geflohen bin. Warum? Ich war damals zwanzig und hatte eine Band, mit der wir in Dresden sogar zusammen mit Feeling B aufgetreten sind. Die wurde verboten. Ich wusste, dass ich in der DDR keine Zukunft hatte – mir war alles zu eng und zu dumm geworden. Ich wollte nur noch raus; ich ging ohne Abschied, ohne an Rückkehr zu denken. Nicht mal von meiner Mutter habe ich mich verabschiedet – sie hat mir verziehen. Und wo gingen Sie hin? Zuerst nach Stuttgart. Da habe ich mich nicht wohlgefühlt. Ich habe als ostdeutscher Migrant ähnliche Erfahrungen gemacht wie manch Flüchtender in unseren Tagen. Das war nicht die weite Welt, in...

Der deutsch-sorbische Schauspieler und Regisseur Mirko Brankatschk im Gespräch mit Gunnar Decker

Heimkehr des Odysseus

Caligula denkt traurige Gedanken. Seine Schwester Drusila ist gestorben. Sie hat er geliebt, nun ist sie tot und er untröstlich. Warum lebt er selbst denn noch weiter und all die anderen unwürdigen Menschen hier? Wozu? Das alles hat keinen Wert mehr. Wenn ein Herrscher trübsinnig wird, leben seine Untertanen gefährlich. Stefan Migge, der Chemnitzer Hamlet in der Inszenierung von Bogdan Koca, ist auf faszinierend ungreifbare Weise Caligula. Verbindet Hamlet und Caligula mehr, als man im ersten Augenblick vermutet? Immer wieder verlässt Migge die Bühne, schiebt sich durch die Zuschauerreihen. Immer höflich, immer bestimmt sich Platz schaffend, dabei offensichtlich getrennt von dem Geschehen vorn auf der Bühne. Gegen die Dunkelheit im Zuschauerraum hilft eine Taschenlampe. Aber zur Erleuchtung langt es nicht mehr. Er bleibt umnachtet. Was macht man mit so einem? Falsche Frage, denn Caligula steht an der Spitze der Machtpyramide; mit ihm macht man nicht etwas, er selbst macht etwas mit den anderen, die er nur noch als Störung seiner einsamen Traurigkeit ansieht. Es gibt einen Namen für diese tödliche Krankheit, nicht nur der Seele, sondern der Kultur: Nihilismus. Die Bühne von Wojciech Stefaniak: ein Abglanz von Stahl, der ewige Widerschein von Macht, die keinen Widerspruch duldet. Davon weiß das...

Das Theater Chemnitz lotet Machtfragen aus – und holt sich dafür Verstärkung aus Polen

Festung Ich?

„Antigone“ in Leichter Sprache

Ein gemalter Gebirgsprospekt vor der hinteren Bühnenwand zeigt eine kahle, zerklüftete Ebene in Weiß und Grau, am Horizont felsige Berge. Menschenleere. Dystopie? Der Krater des Vulkans, auf dem in diesem Stück angeblich alle tanzen? Nach dem Ascheregen? Wenn, dann ist dieser Vulkan erloschen; denn der Gesellschaft, die sich hier im Haus des Chemikers Protassow und seiner Frau versammelt, droht an diesem Abend in Lübeck keine Gefahr von außen, sondern einzig die, die sie für sich selbst darstellt. Maxim Gorki hatte „Kinder der Sonne“ nach der niedergeschlagenen Demonstration des sogenannten Blutsonntags 1905 geschrieben. Über 100 000 Menschen waren vor das Winterpalais in St. Petersburg gezogen, den Zaren um Reformen zu bitten. Doch dieser ließ nur das Feuer auf die Massen eröffnen. Dem Elend der Bevölkerung, dem Brodeln in der vorrevolutionären Gesellschaft Russlands gibt Gorki in seinem Stück ein metaphorisches Antlitz: eine Choleraepidemie. Aber er lässt die Oberschicht inklusive Intelligenzija auch den Gestaltungs- und Aufstiegswillen der Unterschicht spüren, die bereits Immobilien kauft und Fabriken plant. In Lübeck versammelt Regisseur Marco Štorman die kleine Gesellschaft in einem hölzernen, halboffenen Pavillon mit Sauna und vorgelagertem Pool. Da sitzen, liegen, rauchen und planschen sie, passend zum russischen Banja-Klischee, in Badesachen und Pelzmützen mit dem Sexappeal...

Theater Lübeck: „Kinder der Sonne“ von Maxim Gorki. Regie Marco Štorman, Bühne Frauke Löffel, Kostüme Sara Schwartz

Lübeck: Kinder des Ennuis

Nach 67 Jahren verlässt das theater junge generation – nach dem Leipziger Theater der Jungen Welt das zweitälteste Kinderund Jugendtheater in Deutschland – sein Haus und zieht ins ehemalige Kraftwerk Mitte und damit ins Zentrum der Landeshauptstadt. In einem ansehnlichen Industriebau der Gründerzeit, der schon von Ferne etwas Großartiges ausstrahlt, wird das tjg nun zu Hause sein. Die Intendantin Felicitas Loewe spricht von einer „Spielzeit des Einpackens, Aufbrechens, Unterwegsseins“, denn im Sommer gibt es Theater im Zoo, im Großen Garten und mehreren Dresdner Freibädern, bevor ab Dezember dann im Kraftwerk mit einer ganzen Serie von Ur- und Erstaufführungen alle Sparten und Energien endlich gebündelt werden. Zurück bleibt das von vielen Dresdnern lieb gewonnene Theaterhaus an der Meißner Landstraße im Stadtteil Cotta. Vor Generationen als Nachkriegsprovisorium eingerichtet, wurde das schmucklose flache Gebäude wie viele Theaterbehelfsbauten in anderen Städten in Ost und West zur mehr oder weniger akzeptierten Dauereinrichtung. 2016 ist also das Jahr, in dem in Dresden ein neuer Theaterbau bezogen wird – was wahrlich nicht alle Tage passiert und überregionale Aufmerksamkeit nicht nur in der eigenen Szene erwarten lässt. Zentraler Ort der nächsten Spielzeit soll der „Generator“ werden, ein Kunstraum zum Experimentieren, in dem die Energie des alten Kraftwerks die...

Das tjg. theater junge generation in Dresden macht sich auf den Weg in ein neues Quartier

Mitten im Umzug

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Mudar Alhaggi, wie geht es dem Theater in Syrien? In der Hauptstadt Damaskus gibt es zwei Welten von Theater. Das große, offizielle Theater, in dem die Botschaften der Regierung von Bashar al-Assad verkündet werden. Es ist langweiliges Theater. Und dann gibt es Künstler, die die Revolution unterstützen. Sie können nicht offen agieren, weil Damaskus noch immer vom Regime kontrolliert wird. Also gehen sie in den Untergrund und machen Stücke von Harold Pinter und Samuel Beckett, in denen sie politische Aussagen verbergen. Ganz anders ist die Situation in den Städten und Dörfern fern von Damaskus. Dort gibt es gänzlich neue Theaterformen, eine neue Generation von Theatermachern. Das Theater ist direkt aus der Revolution entstanden. Die Leute wollten am Ende der Demonstrationen noch ein Forum, auf dem sie sich austauschen können. So sind erste Theateraufführungen entstanden. In manchen dieser Aufführungen werden auch schon die neuen lokalen Regierungen kritisiert. Es ist ein Theater der neuen Staatsbürgerschaft. Also schon die Keimzelle für ein neues Syrien? Ja, das kann es bedeuten. Hier in Europa wird der Krieg in Syrien ja meist als Bürgerkrieg dargestellt. Natürlich gibt es Elemente davon. Aber eigentlich findet eine Revolution statt. Am Anfang war nur ein politischer Machtwechsel angestrebt. Inzwischen aber...

Was macht das Theater, Mudar Alhaggi?

Freitag, 1. April, Bundeskanzleramt. Die erste Hürde auf dem Weg zu Kulturstaatsministerin Monika Grütters ist geschafft: fünf Polizisten in schusssicheren Westen. Der Sicherheitscheck unserer Daten hatte offenbar nichts Auffälliges ergeben. Wir sind drin – nun heißt es warten. Im Foyer springt uns im Tagesspiegel eine Schlagzeile entgegen. Der IS hat ein neues Video produziert, darin zu sehen: das Bundeskanzleramt, wie es von einem Panzer angegriffen wird. So ist die Lage....

Editorial

Es will gar nicht mehr aufhören zu regnen. Ein starker Tropenregen rauscht, droht alles fortzuspülen. Auf der Bühne des RambaZamba-Theaters in der Berliner Kulturbrauerei sammelt sich das Treibgut. Es sieht chinesisch aus. In der Mitte hängt ein großer Schirm, innen mit billiger blauer Rummelplatzbeleuchtung ausgekleidet. Überhaupt, Schirme sind gefragt bei diesem Wetter! Die beiden Erzengel, die Gott nach „Downtown“ schickt, gehen keinen Schritt ohne Schirm. Was prägt diese merkwürdige Reise zwischen Himmel und Erde in der Regie von Gisela Höhne, Theatermitgründerin und RambaZamba-Leiterin seit 25 Jahren? Neben dem Bühnenbild von Angelika Dubufé am stärksten die Kostüme und Masken von Ausstatterin Beatrix Brandler. Auch dass die übervolle Bühne in „Der gute Mensch von Downtown“ keinen Moment lang biedermeierlich wirkt, ist wohl vor allem ihr Verdienst: Die wohlüberlegten Details besitzen sämtlich eine präzise dramaturgische Funktion innerhalb der Inszenierung. Am vorderen Bühnenrand deuten silbrig wie Weihnachtsbaumlametta glänzende Stanniolgirlanden jenes merkwürdige Zugleich an, das in „Der gute Mensch von Downtown“ eine Atmosphäre aus lauter Widersprüchen erschafft. Irgendwo zwischen Welterlösung und Weltuntergang schlagen sich die Menschen eine Schneise durch ihren verqueren Downtown-Alltag. Für Höheres haben sie weder Zeit noch Geld. Aber das soll sich ändern, das muss sich ändern! Denn wenn die beiden ausgesandten Erzengel...

Beatrix Brandler entwirft für das Berliner Theater RambaZamba Kostüme, die das Spiel der Schauspieler beatmen

Die zweite Haut

Der Materialergründer

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Herr Bürgin, gerade steht die Forderung der Mitte-rechts-Parteien im Raum, das Theater Neumarkt zu schließen, im November 2015 stand bereits das Theater Winkelwiese auf der Kippe. Die Bürgerlichen im Zürcher Stadtparlament wollten die Subvention von 724 500 Franken bis 2019 um fast 20 Prozent auf 592 000 Franken reduzieren. Das war heftig. Doch dann wurde die Winkelwiese unter anderem dank der Stimme eines früheren Mitglieds der Schweizerischen Volkspartei gerade noch einmal verschont. Mit nur fünf Stimmen Unterschied votierte das Parlament gegen die Subventionskürzungen. Die Linke lobte die Kellerbühne und deren „einzigartiges Nischenprofil“. Woran hatte sich die Debatte überhaupt entzündet? Die Mitte-rechts-Politiker störten sich vor allem daran, dass die Winkelwiese im Vergleich zu den Zürcher Theatern Sogar und Stadelhofen mit einem annähernd gleichen Angebot von 60 bis 100 Plätzen hohe Ausgaben bei Werbung und Drucksachen habe und zu niedrige Einnahmen aufweise. Aber diese Häuser lassen sich doch gar nicht miteinander vergleichen. Das Theater Sogar konzentriert sich auf Inszenierungen von Theaterliteratur und szenische Lesungen, das Theater Stadelhofen auf Figurentheater. Richtig. Die Winkelwiese ist dagegen ein Haus, das vom zeitgenössischen Autorentheater ausgeht. Wir zeigen in erster Linie Eigen- und Koproduktionen mit der freien Theaterszene sowie nationale und internationale Gastspiele. Aber selbst ein Haus...

Die Zürcher Theaterszene ist aufgeschreckt. Manuel Bürgin über die aktuelle Zürcher Kulturpolitik im Gespräch mit Elisabeth Feller

Gerade noch davongekommen?

Vier Schauspieler, zwei Musiker sitzen zu Beginn im Lichtschein eines sehr modernen Lagerfeuers: Auf zusammengerollten Kabeln sind Neonröhren bodennah aufgeschichtet. Ab und an hält einer seine Hände vor die künstliche Lichtquelle, als wäre Wärme zu spüren. Alle stöbern in Bücherklassikern zum Klimawandel sowie zur synthetischen Biologie, geben sich gegenseitig Lesetipps, tauschen sich aus. Es ist ein gänzlich unaufgeregter Beginn für einen fulminanten Abend mit radikalen Tempowechseln. Über die Rezitation von Eichendorffs „Mondnacht“ wird das benannt, was verloren ist: eine idyllische Natur, welche die Kraft hat, Himmel und Erde zu vereinen. Die Rezitation bricht folgerichtig ab, geht über in ein gemeinsames Gebet. Wieder und wieder beschwört die Lagerfeuergesellschaft eine Passage aus Angela Merkels Rede auf dem Kopenhagener Klimagipfel 2009: „Die Lebensgrundlage des Menschen langfristig zu bewahren, es gibt wohl kaum eine wichtigere politische Aufgabe als diese, denn die wissenschaftlichen Ergebnisse sind eindeutig: Er (der Klimawandel) bedroht unser Wohlergehen, unsere Sicherheit und wirtschaftliche Entwicklung – wenn wir nicht entschlossen gegensteuern. Nicht irgendwann, sondern – jetzt.“ Zyklisch und folgenlos zieht sich der Theaterloop, passend zur Tatenlosigkeit politischer Rhetorik, zunehmend überlagert von der exzentrischen Wildheit einer sich zum Sturm steigernden Bühnenmusik. Martin Schütz und Bo Wiget entfesseln im kongenialen Nebeneinander eines klassischen und eines...

Theater Freiburg/Kaserne Basel: „Naturzwei“ von Christoph Frick, Martin Schütz und Bo Wiget. Regie Christoph Frick, Ausstattung Clarissa Herbst

Freiburg / Basel: Romantik trifft Synthetik

Kompositionsprinzip Collage

Manos Tsangaris, Daniel Ott, der Münchener Biennale wurde oft vorgeworfen, weltfremd zu sein, sich nur für innermusikalische Vorgänge zu interessieren. Was halten Sie mit Ihrer Neuversion der Biennale dagegen? Daniel Ott: Das eine tun, das andere nicht lassen. Wir kommen aus der Tradition des neuen Musiktheaters, die ich nicht missen möchte. Gleichzeitig habe ich einen großen Wunsch nach Welthaltigkeit. Jedoch ist nicht das, was nach Welthaltigkeit aussieht, automatisch welthaltig und...

Im Nervenzentrum

Das Kulturprogramm der AfD in Sachsen-Anhalt, besser könne man das in Nordkorea auch nicht machen, so schloss Ulrich Matthes anlässlich der Verleihung des großen Berliner Kunstpreises an Frank Castorf aus dem eben verlesenen Zitat: „Museen, Orchester und Theater sind in der Pflicht, einen positiven Bezug zur eigenen Heimat zu fördern. Die Bühnen des Landes Sachsen-Anhalt sollen neben den großen klassischen internationalen Werken stets auch klassische deutsche Stücke spielen und sie so inszenieren, dass sie zur Identifikation mit unserem Land anregen.“ Wie bei den Nazis, flüsterte jemand neben mir, und ich nickte eifrig. Preaching to the own crowd?, könnte man fragen. Ja, natürlich, aber die eigene Crowd hat sich ja auch etwas verlaufen, sie hat auch etwas verschlafen und schläft vermutlich weiter, denn man weiß ja manchmal gar nicht, was die eigene Crowd so wirklich ist, sie besteht eher aus einem Konsensgefühl. Da haben Sie ganz andere Informationen? Sie kommen hier aber jetzt nicht zu Wort, zu Wort kommen die, die richtige Sätze sagen: „Wir haben jetzt ja alle mit Flüchtlingen zu tun“, oder: „Wir setzen uns ja alle für das Menschliche ein“, oder: „Wir schaffen das, die offene Gesellschaft.“ Richtige Sätze, die umso richtiger wären, würden sie weitergehen, aber...

Neben Nordkorea

Hamlet, der Zögerer, der Intellektuelle, der sich nicht zur Tat entschließen kann? Das ist es nicht, was sie an dem Stück interessiert. Annett Wöhlert sitzt im Theater Freiberg in ihrer kleinen Mansarde, die ihr Schauspieldirektorenbüro ist. Sie sitzt auf dem Sprung, erstens weil gleich die Probe beginnt und zweitens weil das ihre Natur ist. Nur so kann sie auch Hamlet verstehen: immer auf dem Sprung, sei es ins Unbekannte, sei es in sein Verderben. Auf dem Fensterbrett steht ein Foto ihres einstigen Mentors Christoph Schroth, bei dem sie zur Wendezeit in Schwerin erstmals selbst inszenierte. Schroth hielt 2010 auch die Laudatio auf sie, als sie den Förderpreis zum Berliner Kunstpreis bekam. Was sie, damals Oberspielleiterin in Neustrelitz, selbst bei dieser Gelegenheit zu sagen hatte, das ist als „Mecklenburger Aufschrei“ immer noch nachlesenswert. Inzwischen ist Schroth zu krank für öffentliche Auftritte, aber sie telefonieren regelmäßig. Schroth stellte in Schwerin in den 1980er Jahren beide Teile des „Faust“ auf die Bühne, auf eine Art, dass man sich heute noch daran erinnert. Wie schafft man es, auf künstlerische und zugleich politische Weise etwas drängend zu machen? Das ist auch die Frage, vor der sie bei „Hamlet“ steht. Die Lesebrille hat sie lässig wie...

Schauspieldirektorin Annett Wöhlert inszeniert „Hamlet“ am Mittelsächsischen Theater Freiberg / Döbeln. Ein Probenbesuch

Utopist unter Handwerkern

Manos Tsangaris, Daniel Ott, der Münchener Biennale wurde oft vorgeworfen, weltfremd zu sein, sich nur für innermusikalische Vorgänge zu interessieren. Was halten Sie mit Ihrer Neuversion der Biennale dagegen? Daniel Ott: Das eine tun, das andere nicht lassen. Wir kommen aus der Tradition des neuen Musiktheaters, die ich nicht missen möchte. Gleichzeitig habe ich einen großen Wunsch nach Welthaltigkeit. Jedoch ist nicht das, was nach Welthaltigkeit aussieht, automatisch welthaltig und umgekehrt. Es kommt auf ein dialektisches Verhältnis an, das entsteht, wenn etwa in einer strengen Form Abgründe auftauchen oder in der Soap-Opera eine formale Strenge wie beim Sprechtheater des Nature Theatre of Oklahoma. Manos Tsangaris: Gerade heutzutage, wo uns die Medienrealität überschüttet mit Kompositionen, wo jeder Clip, jede Kleinigkeit, die uns als Information verkauft wird, schon so fein abgeschmeckt ist, finde ich es gut, wenn es direkte Verweise zu dem gibt, was wir als Welt annehmen. Dabei ist es aber genauso wichtig, gerade als Musiker, zu versuchen, die formalen Verschlüsselungen und die Nervenzentren der Grammatik unserer öffentlichen Kommunikation aufzusuchen. Das halte ich sogar für bitter notwendig. Das ist ein sehr weit gefasster Begriff von Komposition. Ott: Ja, für einen Komponisten ist alles Komposition. So wie Beuys sagte, alles ist Plastik....

Die neuen Leiter der Münchener Biennale Manos Tsangaris und Daniel Ott über die Analyse der Realität mit kompositorischen Mitteln im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Mit „So fängt es an“ startete Manuel Bürgin im Frühherbst 2015 in seine erste Spielzeit an der Zürcher Winkelwiese in der Villa Tobler. Er hat den langjährigen Leiter Stephan Roppel abgelöst und steht nun – gemeinsam mit Ingo Ospelt – gleich auch als Schauspieler auf der Bühne. Mit Stephan Teuwissens „Märtyrerkomödie“ kommt der neue Intendant derart gut an, dass eine Kritikerin bilanziert: „Manuel Bürgin ist zu Hause im Theater Winkelwiese angekommen.“ Nichts scheint den Horizont zu trüben, doch kurze Zeit später entrinnt das Kleintheater nur ganz knapp einer Budgetkürzung (siehe Interview). Wie es weitergeht, wird man sehen. Das 1964 von Maria von Ostfelden als Gegenpol zum Schauspielhaus Zürich gegründete Theater an der Winkelwiese hat schon manches erlebt und ist dabei doch stets eines geblieben: unverwechselbar. Manuel Bürgin nickt: „Die Winkelwiese ist ein Nährboden, auf dem ganz vieles gewachsen ist.“ Unter Bürgin wird wieder anderes wachsen. Sprache und Text liegen dem neuen Intendanten am Herzen. Früher sagte er dazu einmal: „Der Text ist für mich eine Aufforderung, etwas mit ihm anzustellen.“ Zu welchen Ergebnissen das führt, ist in dem von drei Seiten bespielbaren Keller des Hauses zu sehen. Das Publikum liebt ihn, weil er immer für Überraschungen gut ist. Einfach zu...

Unter dem neuen Intendanten Manuel Bürgin soll das Theater Winkelwiese in Zürich zu einem Habitat für Sprache werden

Nährboden Winkelwiese

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Zwei Häuser, die so gar nicht nach Provinztheater aussehen. Der eindrucksvolle neoklassizistische Theaterbau am Görlitzer Demianiplatz wird von den Einheimischen sogar als Kleine Semperoper bezeichnet. 500 Zuschauer fasst der nobel ausgestattete Saal. Zittau wiederum gehörte mit seinem schon 1802 eröffneten Schauspielhaus zu den Theaterpionieren in Deutschland. 1932 fiel dieses Haus den Flammen zum Opfer. Vier Jahre später konnte der Neubau im typischen Stil dieser Jahre wiedereröffnet werden. Beide Häuser befinden sich baulich im Bestzustand. In Görlitz wurde bis 2002 gründlich gebaut, in Zittau bis 2010 saniert. In wirtschaftlicher Hinsicht kann jedoch von Bestzustand nicht die Rede sein. Fusionen sind keine Erfindung der postsozialistischen Ära. Die erste zwischen Görlitz und Zittau zu einem Theaterkombinat 1963 hatte allerdings eher künstlerische Gründe. Größere Ensembles sollten anspruchsvollere Aufführungen ermöglichen. Wie heute auch wurden Tanz und Musiktheater in Görlitz, das Schauspiel hingegen in Zittau konzentriert. Chronisten führen eine mangelhafte Zusammenarbeit beider Städte als Grund für die 1988 wieder erfolgte Trennung der Häuser an. Animositäten, die nach der erneuten Fusion 2011 nicht mehr auf Leitungsebene, aber in der Belegschaft noch immer spürbar sind. Vor allem für Zittau begann damals ein bis heute anhaltender Überlebenskampf. Fast schon vergessen sind die zwei Jahre nach 1991, als alle Mitarbeiter...

Das Gerhart-Hauptmann-Theater Görlitz-Zittau macht viel aus seiner geografischen und wirtschaftlichen Grenzlage

Am Rand

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

„Work hard, play hard?“

Jules Verne schickte seine Abenteuerhelden „In 80 Tagen um die Welt“. Das Londoner Globe Theatre nahm sich dafür immerhin zwei Jahre Zeit. Zwischen Shakespeares 450. Geburtstag im April 2014 bis zu seinem 400. Todestag im letzten Monat war die ganze Welt Bühne für den „Hamlet Globe to Globe“. Auch wenn sich so eine Erdumrundung heute um einiges komfortabler gestaltet als zu Vernes Lebzeiten: Abenteuerlich war der Versuch, in allen Ländern der Welt zu gastieren, gleichwohl. Ein paar Stopps musste die Truppe von der Themse aber doch auslassen, aus Sicherheitsgründen. Syrien zum Beispiel. Immerhin wurde vor Syrern gespielt, in einem Flüchtlingscamp. Die (Wander-)Bühne, die Jonathan Fensom für die Inszenierung von Dominic Dromgoole geschaffen hat, dürfte sich in ihrer Schlichtheit dort gut eingefügt haben: rechts und links mit Seilen abgespannte Holzplanken, zwischen denen eine Schnur samt rotem Vorhang verläuft. Herumstehende Reisekisten dienen nicht nur zur Aufbewahrung von Requisiten, sondern werden immer wieder umgestellt, um die Zinnen von Schloss Helsingör zu markieren oder Ophelias Grab. An der Bühnenrückwand gibt es Kleiderhaken für Kostüme, oder für Musikinstrumente, mit denen die Darsteller den passenden Gruselsound zum Auftritt des Geistes von Hamlets Vater erzeugen. Alles handgemacht, passend zu einer bodenständigen, fest in der Konvention verankerten Aufführung,...

Shakespeare – irgendwo in Afrika

Genf / Stratford-Upon-Avon

Im November 2015 hat die Arbeit an der praktischen Umsetzung der Idee eines Archivs des freien Theaters begonnen – mit einem Vorprojekt, das die Vision und die konzeptionellen Ideen konkretisieren und auf belastbare Grundlagen stellen soll. Unter Leitung von Wolfgang Schneider vom Institut für Kulturpolitik der Universität Hildesheim und getragen von einem Konsortium, zu dem sich der Bundesverband Freie Darstellende Künste, der Dachverband Tanz Deutschland, das Internationale Theaterinstitut mit dem Berliner Mime Centrum und das NRW KULTURsekretariat mit dem Festival Impulse zusammengeschlossen haben, entsteht jetzt eine Kartografie der Bestände, und es werden konzeptionelle Grundsatzfragen in Workshops und Konferenzen bearbeitet. Gefördert wird dieses „Vor-Projekt“ von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Verbund mit den Kulturministerien von fünf Bundesländern (Brandenburg, Hamburg, Niedersachsen, Baden-Württemberg und Sachsen). Dass ein solches Archiv, das die Geschichte und künstlerische Praxis des freien Theaters in Deutschland aufbereitet und zugänglich machen soll, ein unbedingtes Desiderat ist, zeigen alle Reaktionen auf den ersten Aufruf zur Meldung von Beständen und die ersten Besuche der Projektmitarbeiter bei „Bestandshaltern“, also Künstlergruppen, Produktionshäusern, Theaterveranstaltern und „Zeitzeugen“, zunächst in Berlin, Köln, Bonn und Frankfurt am Main. Die Idee, dass der kulturpolitischen Randständigkeit des freien Theaters in der Theaterlandschaft durch eine Vergewisserung seiner...

Das Forschungsprojekt „Performing the Archive“ hat die Arbeit an einem Archiv des freien Theaters aufgenommen

Raus aus den Bananenkisten

Der genetische Code Amerikas

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Am 1. Juni 2016 jährt sich der 50. Todestag von Inge Müller, deren Lyrik seit längerem zu den wichtigsten Texten der Literatur aus der DDR gezählt wird. Ihr Werk wurde postum nach und nach – teilweise auch aus dem Nachlass ihres damaligen Ehemannes Heiner Müller – erschlossen, bis zu der von Sonja Hilzinger 2002 im Berliner Aufbau Verlag herausgegebenen Gesamtausgabe in einem Band. Diese Ausgabe enthält auch das bislang sehr wenig beachtete, 80 Seiten lange Prosafragment „Ich Jona“, das man als Ausgangspunkt für den Entwicklungsroman einer jungen Frau in der NS-Zeit und danach erkennen kann. Jona, die Frau mit dem Namen eines biblischen Propheten, wird nach ihrer Einberufung von der Kriegsmaschine verschlungen, bis es nach den von Inge Müller schon in anderen Texten beschriebenen traumatischen Erlebnissen der letzten Kriegstage im vorletzten Abschnitt einen Zeitsprung gibt und plötzlich von einem „Kombinat“ die Rede ist. Die Uraufführung von Lothar Trolles Bearbeitung fand am 14. April 2016 in der Regie von Silvia Rieger an der Berliner Volksbühne statt. Lothar Trolle, was hat dich dazu bewogen, diesen Text, der ja nicht nur als Ganzes Fragment blieb, sondern auch in seinen insgesamt 80 Einzelteilen oftmals abbricht, für die Bühne zu bearbeiten? Ich wollte schon seit...

Der Dramatiker Lothar Trolle über seine Bearbeitung von Inge Müllers Prosafragment „Ich Jona“ im Gespräch mit Thomas Irmer

Existenzielle Entwurzelung

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Zu den wunderbarsten Obskuritäten der Kinogeschichte gehört sicherlich die Zusammenarbeit zwischen Samuel Beckett und Buster Keaton, der Film „Film“ von 1965, der, pünktlich zu Beginn des Videozeitalters, die Frage stellte, was das Kino eigentlich gewesen ist – oder vielleicht eher: gewesen sein wird. Tatsächlich kann man das rund zwanzigminütige Kinostück als ein präzises Resümee und eine verdichtete Analyse der basalen Bild- und Wahrnehmungstypen entziffern, die den spezifischen Möglichkeiten des Kinobildes entsprechen (in diese Richtung beschrieb bereits Gilles Deleuze in der kurzen essayistischen Skizze „Der größte Film Irlands“ das Resultat der Beckett-Keaton-Connection). Umso lohnender ist es aber, sich das kurze Werk heute noch einmal vorzunehmen, ein halbes Jahrhundert nach seiner Entstehung und zugleich in einer Zeit, da das Kino noch immer mit seinem langen Abschied zu ringen scheint, während die seinerzeit auftrumpfende analoge Videotechnik schon wieder weitgehend im Orkus mediengeschichtlicher Innovationen und ihrer Scheinblüten verschwunden ist. Es ist darum auch ein Glücksfall, dass vor kurzem unbekanntes Schnittmaterial von „Film“ aufgetaucht ist, nämlich eine ausgedehnte Variante der anfänglichen Straßensequenz, die nicht in die Endfassung aufgenommen wurde. Von Ross Lipman, dem amerikanischen Filmhistoriker, der das Material entdeckt hat, stammt darüber hinaus auch eine kluge Kinodokumentation über die Entstehung von „Film“, die gerade in...

Neuigkeiten von Beckett

kirschs kontexte: Warten auf Godeau

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Mai 2016

Premieren

Impressum/Vorschau

Sweet Dreams?

Die Tanzplattform findet alle zwei Jahre an einem anderen Ort statt. Sie zeigt zwölf von einer Jury ausgewählte relevante Positionen des zeitgenössischen Tanzschaffens. Im Jahr 2016 fand sie in Frankfurt am Main statt und wurde vom Mousonturm ausgerichtet. Ein umfangreiches Rahmenprogramm mit Künstlern, Featurings, Panels und Diskussionen begleitete die Aufführungen, die über das ganze Rhein-Main-Gebiet verstreut gezeigt wurden. An der Auswahl fällt positiv auf, wie unterschiedlich die Arbeiten in Bezug auf Form, Format und Umgang mit Themen sind. Es fällt außerdem auf, wie stark sich der zeitgenössische Tanz mit anderen Genres mischt und wie weit er in die Performance übergegangen ist. Viele Arbeiten beziehen sich thematisch auf das heutige soziale Miteinander. Sie verhandeln ethnische oder Genderzuschreibungen, Fragen der transkulturellen Bedeutung oder einer kritischen Praxis. Andere sind ganz auf die Beziehungen der Körper zum Raum und der Performer untereinander orientiert. Einige Arbeiten widmen sich in unterschiedlichen Weisen den markanten Manifestationen der frühen Moderne. Das Spektrum der Formen reicht von Aufführungen, in denen keine Sekunde getanzt wird, bis zu solchen, die ganz der Bewegung gewidmet sind. Die frivole postkoloniale Show „Not Punk, Pololo“ über kulturelle Aneignung und die Unmöglichkeit des Übersetzens von Gintersdorfer/Klaßen und großartigen ivorischen und deutschen Performern eröffnete das Festival....

Die Tanzplattform 2016 am Künstlerhaus Mousonturm in Frankfurt am Main zeigt ein großes Spektrum an Formen, Formaten und Themen

Fördere deine Selbstartikulation

In Notzeiten werden traditionelle Bindungen und regionale Zusammenhänge oft wiederbelebt. So waren die Beziehungen zwischen dem vogtländischen Plauen und dem oberfränkischen Hof traditionell eng, und schon 1928 sollte es eine Theatergemeinschaft zwischen beiden Städten geben. Doch die Weltwirtschaftskrise und die Machtergreifung der Nazis verhinderten das Projekt. Als das renommierte Theater Plauen 1991 nicht nur in eine Finanzierungskrise, sondern auch in eine Zuschauerkrise geriet, richteten sich die Blicke der vogtländischen Hauptstadt wieder hilfesuchend nach Hof. Doch bekanntlich war die formale deutsche Einheit längst keine mentale. In Hof sammelte man 14 000 Unterschriften gegen eine Fusion mit Plauen. 1997 wurde eine Plauener Abordnung mit Oberbürgermeister Rolf Magerkord und Intendant Dieter Roth bei einer Veranstaltung in der Hofer Freiheitshalle auf demütigende Weise nach Hause geschickt. Auch in Zwickau wandte sich zu dieser Zeit Intendant Wolfgang Hauswald leidenschaftlich an sein damals „merkwürdig reserviertes“ Publikum. Der langwierige Umbau des ehrwürdigen Gewandhauses, in dem das Theater seinen Sitz hat, vergrößerte die Existenzsorgen noch. Der Gedanke an eine Fusion beider Problembühnen wurde im Dresdner Kunstministerium immer häufiger diskutiert. Gegen alle Widerstände trat das Unvermeidliche im Jahr 2000 ein. Insgesamt sechs Millionen Mark sparte die Vereinigung zunächst ein. Die Schauspielproduktion wurde auf Plauen konzentriert. Die Besucherzahlen stiegen. Wie...

Die Fusion der Theater Zwickau und Plauen hat die Bühnen keineswegs stabilisiert

Anspielen gegen den Niedergang

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Frau Grütters, greifen Sie ein!?“ Dieser Hilferuf erklingt mittlerweile aus vielen Ecken der Bühnenrepublik Deutschland. Kürzungen, Fusionen, Schließungen – Kulturetats werden frisiert, wo immer es geht. Kultur indes ist Ländersache – und doch will Kulturstaatsministerin Monika Grütters auch dort sein, wo’s brennt. Im April 2015 brach sie zu einer ganz besonderen Reise auf: Sie besuchte Theater in Mannheim, Bonn und Mülheim, unter anderem um Kriterien zu entwickeln für den im Januar 2016 erstmals verliehenen Theaterpreis des Bundes. Doch lassen sich damit die finanziellen Schwelbrände wirklich löschen? Dorte Lena Eilers: Frau Grütters, Sie haben Ende Januar in Berlin die Theaterpreise des Bundes vergeben. Diese sollen vor allem – neben dem Preisgeld – eine symbolische Würdigung der Arbeit kleinerer Theater sein. Nun sitzt gerade diesen kleinen Theatern das Jahr 2020 im Nacken, die Schuldenbremse in den kommunalen Haushalten. Ich nehme Sie nicht als jemanden wahr, die den Ball einfach weiterspielt und sagt, das sei alles Ländersache. Wie sehr ärgert es Sie, dass Sie als Kulturstaatsministerin nur punktuelle Akzente setzen können, die zwar wichtig sind, aber nicht direkt in die föderalen Strukturen eingreifen können? Monika Grütters: Ärgern wäre das falsche Wort – ich bin im Gegenteil eher eine Verfechterin des Kulturföderalismus. Und das...

Kulturstaatsministerin Monika Grütters über Theater als geistige Tankstellen und fatale Kürzungen kultureller Etats im Gespräch mit Dorte Lena Eilers und Gunnar Decker

Die Frage nach Sprit

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Anfangs sitzt man, genau wie in der Eröffnungsszene des Romans, in einer Kneipe und bespricht im Beisein eines Geheimpolizisten die neueste Nachricht, den Tod „unseres Fer- dinands“. Bei Jaroslav Hašek hält Švejk diesen für einen nur entfernt bekannten Apothekergehilfen, der erste Lacher. Bei Frank Castorf spricht der Wirt ins Münchner Publikum: „Ich will kein Preiß sein!“ Das kommt gut an – aber danach vergeht allen das Lachen über solche Scherze. Und eine so breite wie verästelte Spur vom Attentat in Sarajevo bis in unsere immer noch verworfene Welt ist gelegt. Aleksandar Denic hat wieder eine Drehbühne mit bis in die Höhe wunderbar verschachtelten Räumlichkeiten gebaut, in der Mitte einen Stacheldrahtverhau mit Bewegungsmelderblechbüchsen wie im Ersten Weltkrieg. Das markanteste Gebilde davor ist eine aus Brettern gezimmerte Nachbildung der 1914 eröffneten Berliner Volksbühne, die mehrfach als Tempel angesprochen wird und im Innern einen Kronleuchter aus dem Original erkennen lässt. An deren linker Front ist eine kleine Platte angebracht, die als Gedenktafel an den Sarajevo-Attentäter Gavrilo Princip (in kyrillischer Schrift) erinnert. Exakt diese Tafel wurde Hitler zu dessen 52. Geburtstag am 20. April 1941 als besonderes Geschenk zur Eroberung Jugoslawiens überreicht. Das Foto, auf dem der Österreicher diese Erinnerung an den Untergang seiner...

Residenztheater: „Die Abenteuer des guten Soldaten Švejk im Weltkrieg“ nach Jaroslav Hašek. Regie Frank Castorf, Bühne Aleksandar Denic, Kostüme Adriana Braga Peretzki

München: Der aufrecht Verlorene

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Kostüme

Herr Lübbe, Sie sind jetzt in der dritten Spielzeit als Intendant am Schauspiel Leipzig. Wie war die Situation, die sie 2013 hier vorgefunden haben? Ich kannte Leipzig bereits ganz gut, lebte von 1993 bis 2008 in der Stadt, arbeitete auch am Schauspiel, zuerst als Regieassistent bei Wolfgang Engel, dann als Hausregisseur. Als man mich im Sommer 2012 fragte, ob ich Intendant in Leipzig werden will, leitete ich das Chemnitzer Schauspiel. Die Vorbereitungszeit auf die erste Leipziger Spielzeit von einem Jahr war extrem kurz. Vor allem eines wurde mir schnell klar, wenn ich mit Leipzigern sprach: Es ging darum, verlorenes Vertrauen in der Stadt zurückzugewinnen. Es gab zur Zeit des Wechsels nicht einmal mehr 80 Abonnenten allein für das Schauspiel. Inzwischen haben wir knapp 300, das ist sicher noch nicht genug, aber eine deutliche Tendenz. Wenn man sich umhörte, dann waren es vor allem negative Stimmungen, die auch von Leuten kamen, die gar nicht ins Theater gingen. Zum Beispiel war der Name des Theaters ein absolutes Reizthema. Die Leipziger wollten kein Centraltheater? Nein, sie wollten ihr Schauspiel Leipzig. Das waren schwierige Stimmungslagen, auf die ich reagieren musste. Für mich persönlich war es nicht die primäre Frage, wie das Theater heißt, aber...

Intendant Enrico Lübbe über seine ersten drei Jahre am Schauspiel Leipzig im Gespräch mit Gunnar Decker

Gegenwart trifft Antike

Festival der Besessenen

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

Der Raum der Geschichte ist ein Bunker. Hermetisch abgeschlossen nach allen Seiten. Rechts, links, hinten: Beton. Ein Endlager für Sondermüll. So dachte man bislang. „Im Schottland der 1930er Jahre galt der Krieg durchaus als glamourös“, schreibt der Dramatiker David Greig. „Das Leben der ländlichen Arbeiterklasse war hart. Doch plötzlich waren da Piloten, Uniformen, Amerikaner, Abenteuer. Man fühlte sich endlich vereint, alle auf einer Seite. Der Tod zeichnete das Leben in kräftigeren Farben.“ Im Det Norske Teatret in Oslo blicken wir acht Stunden lang auf diesen Krieg. Auf junge Männer in Uniformen, Muskeln unter Feinripp, Stahlhelme, Fackelzüge, Hakenkreuze. Im Foyer hat der Künstler Lars Ø. Ramberg Postkarten wie zufällig verstreut, „Heil“ steht dort drauf wie der neueste heiße Slogan. Man könnte dieses Projekt als groß angelegte Albtraumnacht bezeichnen, geschrieben von vier Autoren aus vier verschiedenen Ländern, gespielt von null Uhr abends bis acht Uhr morgens, dessen Bilder man im ersten Licht des Tages schnell vergisst. Zweiter Weltkrieg? Längst abgehakt. Zumal auf deutschen Bühnen. Doch die Geschichten, die Lukas Bärfuss, Oleg Bogajew, David Greig und Maria Tryti Vennerød erzählen, die Bilder, die Regisseur Erik Ulfsby dazu findet, wirken anders. Sie vermischen sich: mit heutigen Bildern von jungen, sehr deutschen Männern, die sich...

Det Norske Teatret: „Der Zweite Weltkrieg – Eine Nacht auf Erden“ von Lukas Bärfuss, Oleg Bogajew, David Greig und Maria Tryti Vennerød sowie mit Texten von Jens Raschke und Joseph Goebbels. Regie Eri

Oslo: Spurensicherung

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Im Stammhaus in Radebeul probt Intendant Manuel Schöbel gerade „Carmen“. Bizets Oper gehört als selbstverständlicher Teil des Spielplans zu den großen Formaten. Beachtliche vierzig Inszenierungen bieten die Landesbühnen derzeit an. Das Besondere: Die meisten davon reisen durchs Land – bis in kleinere Orte ohne Theaterhäuser, wo Schulen, Kirchen und Gemeinderäume für die Aufführungen genutzt werden. Gerade ist der Klassenzimmer-„Faust“ von Thilo Schüßler fertig geworden, Goethes Klassiker mit allen Requisiten aus einem Koffer auf dem Lehrertisch – als gewitzter Monolog für alle Rollen samt interaktivem Laserschwertkampf mit Mephisto. Einen ähnlich hohen Mobilitätsfaktor hat Maja Das Guptas „Lillys Bus“, das seit über zwei Jahren in einem echten Bus für junge Zuschauer spielt. Solche Spezialstrecken sind wichtige Elemente eines großen Konzepts, das man als Stadttheater in der Fläche bezeichnen könnte. Der Intendant erläutert, wie sich dieses Konzept während der letzten Spielzeiten weiterentwickelt hat: „Wir sind eines der wenigen Theater mit einer ganz klar definierten Aufgabenstellung. Mit der Rechtsformänderung vor vier Jahren wurde festgeschrieben, dass wir als Landestheater eine Ergänzung zum System der Kulturraumtheater sind. Sachsen zeichnet ja aus, dass es hier noch einige mittlere Städte mit vollständig erhaltenen Theatern gibt. Wir sollen dieses Angebot ergänzen. Da fahren wir beispielsweise mit unserer Tanzkompanie in...

Die Landesbühnen in Radebeul sind das mobilste Theater Sachsens

Stadt, Land, Bus

TdZ on Tour

„Wir sollten die Diskussion auch einmal von hier oben herunternehmen und für das Publikum öffnen.“ Diese Bemerkung Heiner Müllers in der hochbrisanten Debatte an der Akademie der Künste im Jahr 1990 über Hans-Jürgen Syberbergs als Buch und Film veröffentlichte Thesen zur ästhetischen Wirkung Adolf Hitlers hätte in Versalien auch über dem gesamten Heiner-Müller-Festival stehen können. Denn Müllers Werk aus den entrückten Gefilden von Ikonenhaftigkeit einerseits und der vermeintlichen Überholtheit andererseits herauszuholen und für jüngere Performergenerationen anschlussfähig zu machen, war der Anlass des von der Internationalen Heiner Müller Gesellschaft und dem HAU – Hebbel am Ufer kuratierten Festivals. Es gelang vor allem dann, wenn Müller als Dichter ernst genommen und der Rhythmus seiner Sprache wertgeschätzt wurde. Glanzpunkte waren daher die auf sphärische Gesangshöhen gebrachte Vertonung von „Verkommenes Ufer Medeamaterial Landschaft mit Argonauten“ durch das australische Performerduo Damian Rebgetz &amp; Paul Hankinson sowie der „Verräterschwein“-Song der Vokalabteilung der Pop-Punk-Band The toten Crackhuren im Kofferraum (im Rahmen von „‚Wie es bleibt, ist es nicht‘ / 5 Songs für Heiner Müller“). Rebgetz &amp; Hankinson schwangen sich in „Just Call Me Angel of the Morning“ bei Müllers Kindsmord- und Rachestück zuweilen bis in feierliche Countertenor-Regionen auf, brachen diese Feierlichkeit jedoch gleichzeitig durch ramponierte Engelsflügel und...

Beim Festival „Heiner Müller!“ im Berliner HAU – Hebbel am Ufer ruckelte und zuckelte die postdramatische Generation am Dichter und Dramatiker herum

Heiner Müller am Apparat

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Ein Anblick der Verwüstung. „Bodenlos“ – so hieß eine Schockinstallation des Künstlers Hans Haacke. Der hatte 1993 den deutschen, an monumentale NS-Zeiten erinnernden Pavillon in Venedig als zerstörte Zone mit herausgerissenen Bodenplatten präsentiert – bei der ersten Biennale nach der deutschdeutschen Vereinigung. Die glatt gestampfte Geschichte, sie brach wieder auf. Die Bühne von Anja Rabes – im März 2016 im Stuttgarter Kammertheater – erinnert ein bisschen daran. Auch hier: lauter weiße zerschlagene Steinplatten. Der Boden ein kaum mehr begehbares Trümmerfeld. Ein Scherbenmeer. Eine Grabungszone? Jeder Schritt ist gefährlich, die Splitter krachen, man kann leicht einbrechen. Es ist ein desolates, ein wuchtiges Bild – für die Folgen von Krieg und Zerstörung. In dieser Schuttzone werden wir Zeugen einer Spurensuche, die von 1941 bis 1989 ausgreift: „I’m searching for I:N:R:I (eine Kriegsfuge)“ heißt das neue Stück von Fritz Kater – jenem Pseudonym, hinter dem sich Armin Petras verbirgt, der Stuttgarter Schauspielchef (siehe auch Stückabdruck in TdZ 3/2016). Der Titel wirkt etwas aufgeklebt – denn gesucht wird hier nicht ein verlorener Glaube, nicht Jesus am Kreuz, sondern die verschüttete Wirklichkeit unter allen möglichen Überschreibungen. Katers Stationendrama erzählt von einer Liebe in der Nachkriegszeit. Maibom, ein Nazi-Jäger, und Rieke, seine Partnerin, verbergen ihre früheren...

Schauspiel Stuttgart: „I’m searching for I:N:R:I (eine kriegsfuge)“ von Fritz Kater (UA). Regie Jossi Wieler, Ausstattung Anja Rabes

Stuttgart: Und dann wird alles wie immer sein

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was haben zeitgenössische Autoren zum Thema Glaube zu sagen? „Ohne den Glauben an eine höhere Instanz, ein göttliches Wesen, ans Schicksal oder wenigstens an die Liebe, einfach an irgendetwas, was dem Dasein einen übergeordneten Sinn verleiht, steht der Mensch ziemlich verlassen da“, provoziert der Ausschreibungstext der diesjährigen Auflage des Essener „Stück auf!“-Wettbewerbs. Unter dem Motto „Einer muss dran glauben!“ wurden bis zum Anmeldeschluss 128 Stücke eingereicht. Acht davon wurden in einer anonymisierten Vorauswahl durch die Dramaturgie des ausrichtenden Schauspiels Essen einer fünfköpfigen Jury aufgetischt und der Öffentlichkeit in szenischen Einrichtungen an einem Marathon-Wochenende Anfang März dieses Jahres präsentiert. Zu vergeben waren ein vom Freundeskreis des Theaters ausgelobter Publikumspreis in Höhe von 1000 Euro und der mit 5000 Euro dotierte Autorenpreis der Stadt Essen, der von der Kulturstiftung der Stadt Essen sowie der Sparkasse Essen gefördert wird. Darüber hinaus richtet das Schauspiel Essen die Uraufführung des Preisträgerstücks aus. Im schrägen Setting eines Wartezimmers begegnen sich drei Fremde, die füreinander zu Therapeuten werden. Mit einer leichtfüßigen Ausholbewegung lässt Rinus Silzle in seinem Stück „Totschlagen“ seine Protagonisten nacheinander die Abhängigkeit von Benzodiazepinen beichten oder den vermeintlichen Mord eines Sechsjährigen an seinem ungeborenen Geschwisterchen. Der Dramatiker Bonn Park, der bereits beim Heidelberger Stückemarkt 2011...

Schauspiel Essen: 4. „Stück auf!“-Marathon mit Rinus Silzle, Bonn Park, René Braun, Charlotte Roos, Christiane Kalss, Andreas Erdmann, Martina Clavadetscher und Jürgen Neff

Essen: Ein Engel für den Nahen Osten

Was ist Theater?

Herr Schulz, Sie schicken „Nathan der Weise“ in der Regie des Dresdner Altmeisters Wolfgang Engel zum Sächsischen Theatertreffen nach Bautzen – nicht „Graf Öderland/Wir sind das Volk“ von Volker Lösch, das zuletzt bundesweit Aufsehen erregte als eine Inszenierung, mit der sich das heutige Dresden „lesen“ lässt. Warum? Das ist in diesem Fall nicht zuletzt auch eine Entscheidung über die finanzielle und organisatorische Gastspielmachbarkeit gewesen. Unser Spielplan reagiert ja mit einer ganzen Reihe von Inszenierungen auf die dunklen sächsischen Verhältnisse. Da versuchen wir, von verschiedenen Ecken her das Licht der Aufklärung aufscheinen zu lassen. Diskutiert haben wir außer über „Öderland“ auch über „Morgenland“, eine Aufführung der Bürgerbühne mit arabischsprachigen Mitbürgern, und auch über „Unterwerfung“ nach Houellebecq. Der „Nathan“ ist es dann geworden, weil diese schöne, klare und suchende Inszenierung deutlich macht, wie ein Klassiker Reflexionsflächen für die Gegenwart bieten kann. Wichtig war uns zu zeigen, dass man sich zu der widersprüchlichen, zerrissenen politischen Realität im Freistaat verhalten kann. Der modern interpretierte Klassiker war eine der Erfolgslinien Ihrer Intendanz. „Don Carlos“ mit Christian Friedel und Burghart Klaußner in der Regie von Roger Vontobel wurde zum Berliner Theatertreffen eingeladen. Zuletzt sorgte auch der „Faust“ des schwedischen Regisseurs Linus Tunström für große Aufmerksamkeit. Ja,...

Der Dresdner Intendant Wilfried Schulz über die Öffnung des Staatsschauspiels zur Stadt und ihren Themen – auch zu jenen, die montags durch die Straßen tönen

Die Bürgerbühne

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Meldungen

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Klappern gehört zum Geschäft. Kein Presseverteiler der Leipziger Kultur- und Theatereinrichtungen läuft so hochtourig wie der des Theaters der Jungen Welt. Einladungen zu Gastspielen bei den Ruhrfestspielen 2016, nach Polen und Israel, die Nominierung für den Faust-Preis mit der Inszenierung „Ginpuin“ oder der Erhalt des Theaterpreises des Bundes – all das ist, neben den eigentlichen Spielplanankündigungen, erzählenswert. Jürgen Zielinski hat das Haus seit seinem Antritt im Jahr 2002 künstlerisch, administrativ und im Marketing nach vorn getrieben. Das schauspielerische Niveau ist hervorragend, die Besucherauslastung ebenso. In der Spielzeit 2014/15 zählte man 50 000 Besucher, außerdem 10 000 Teilnehmer bei theaterpädagogischen Angeboten. Blättert man die Spielzeithefte durch, so tut sich ein Füllhorn von Ideen auf. In einem von der Stadt Leipzig beauftragten Gutachten, mit dem im Jahr 2011 die Leistungsfähigkeit der Eigenbetriebe Kultur untersucht wurde, wird der Verwaltung des Theaters eine maximale Betriebseffizienz bescheinigt. Das Theater der Jungen Welt – es ist ein Musterschüler. Wie es mit Musterschülern so ist, schießen sie beseelt von ihrem Erfolg aber auch über Ziele hinaus. Die Öffentlichkeitsarbeit zur Inszenierung „Der Sturm – Lost in the Game“ ist ein Beispiel dafür. Sie verspricht eine Verschränkung von Shakespeares Kosmos und der Welt der Computerspiele: „‚Der Sturm‘ wird in...

Das Theater der Jungen Welt Leipzig ist national und international erfolgreich – nur die virtuellen Welten muss es sich noch erobern

Klassenbester

Explodierendes Dokumentartheater

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Ali tut der Schwanz weh. Deshalb kann er heute Nacht nicht mit zur wilden Katharina kommen, er will nach Hause. Nur ein Tänzchen wagt er noch mit der einsamen Witwe Emmi – angestachelt von seinen drei Freunden Fuad, Ahmed und Said, die sich wie Ali von der feschen Kellnerin Barbara und Dudelmeister Horst am Elektropiano gut bedient fühlen. Diese, angelockt von der Livemusik in der schäbigen Vorstadtkneipe mit Altenburger Flaschenbier und populären Melodien, mit Tischkicker und Karaoke-Einlagen, kehrt hier erstmals auf eine kleine Cola ein. Ali, ganz Gentlemen, bezahlt und bringt die gut 20 Jahre Ältere nach Hause. Dort schwatzen sie eine halbe Nacht lang, Ali muss nicht in sein Sechsmannzimmer zurück, die große Liebe bricht sich zwischen dem Kfz-Mechaniker und der Putzfrau Bahn – und endet in schneller Heirat bzw. dem Beginn rassistischer Anfeindungen, die nun auch Emmi, deren polnischer Mann vor zehn Jahren starb, mit voller Wucht ereilen. Die Drastik der Schimpfwortwahl erreicht schnell ihren moralischen Tiefpunkt, wobei die Gürtellinie in München anno 1974 sehr, sehr tief hing, es aber bei Verbalien blieb. Rainer Werner Fassbinders „Angst essen Seele auf“ zeigt – 1974 erst als Film, dann als Stück – das kurze Glück zwischen einem Einwanderer aus Marokko,...

Das Eduard-von-Winterstein-Theater in Annaberg-Buchholz changiert erfolgreich zwischen Tradition und Moderne

Hinterm Berg?

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Da ist der Vater, der sagt (als er nach Stunden (in denen er sehnsüchtigst erwartet wurde) nach Hause kommt) WOHNUNGEN SIND KNAPP. Der Onkel scheint es aber besser zu wissen, jedenfalls kuckt er (als er sagt: WOHNUNGEN SIND NICHT NUR KNAPP, ES GIBT ÜBERHAUPT KEINE, DIE REGIERUNG HAT EINFACH ANDRE SORGEN … (usw.)) den Vater an mit einem Blick „Ich stehe hier für die Regierung und was habt ihr für Ahnung, was es so gibt zwischen Himmel und Erden …“, aber daraufhin der Vater (?) (und dabei durchaus den Blick des Onkels erwidernd (Motto: ABER BEINAHE HÄTTE ICH …) „Einen Tag früher und ich hätte sie gehabt, zwei Zimmer, Küche, Bad. Am Fünfzehnten wäre sie bezugsfertig …!“ (usw.), und das ist der Augenblick an dem sich (sie blättert gerade in ihrem Wandkalender) die Großmutter zu Wort meldet: „Am Fünfzehnten, das wäre ja schon Montag!“, aber da wird der Onkel („Du mit deinem Kalender, der ist doch vom vorigen Jahr, der stimmt doch gar nicht mehr! … (usw.)) nun doch ( ) ( ), doch die Großmutter („Aber am Feiertag hat er gestimmt. (usw.)) ( ) ( ) und da klopft es von draußen an die Wohnungstür, und es ist die...

Frau Kulturstaatsministerin Grütters – greifen Sie ein!?

Neuerscheinungen im Verlag