Ruhrtriennale: „West Side Bowie“ ohne Story

Wie Theater sein Publikum bildet

Von Kulturerbe, Ikonen und Ressourcen

13. Juli bis 17. Juli 2026

Blitz, Donner, Antike

Schneisen in die Gegenwart schlagen

Wir gehen rein

Einführung in die szenische Robotik

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Der Klebstoff von Benneckenstein

Im Kunstfest Weimar stoßen Randerscheinungen ins Zentrum vor

Mittwoch, 24. Juni 2026

Gedenktheater außerhalb der Theater ist meist fixiert auf Jubiläen. Etwa den 8. Mai 2025, 80. Jahrestag des Endes der NS-Herrschaft. Betrübte Gesichter, niedergelegte Kränze, salbungsvolle Reden, Rituale der Betroffenheit. Das seien selbstgefällige Versicherungen der Deutschen als Erinnerungsweltmeister, als die Geläuterten, die Guten. Der Publizist Max Czollek kritisiert dergleiche Inszenierungen in seinem gleichnamigen Buch als „Erinnerungstheater“. Im Theater Lüneburg war der Gedenktag hingegen Ausgangspunkt fürs Rechercheprojekt „Anfang – kein Ende“, das jetzt seine Uraufführung feierte. Es galt, das Wissen um den Holocaust, um Schuld, Verantwortung und die Folgen für die Gegenwart vor Ort zu erforschen. Lüneburg war eine NS-Hochburg, Gau-Hauptstadt, in der sich Heinrich Himmler, Reichsführer der SS, suizidal einer Anklage wegen Menschheitsverbrechen bestialischen Ausmaßes entzog. Auf dem nahe gelegenen Timeloberg wurde bereits am 4. Mai 1945 die bedingungslose Teilkapitulation für Nordwestdeutschland, Dänemark und die Niederlande unterzeichnet. Worauf die Stadtbevölkerung auf dem Marktplatz mit finsterem Schweigen reagierte, wie Filmaufnahmen zeigen. Und vielleicht auch eher konsterniert war, dass in Lüneburg nur fünf Monate nach der Befreiung des 80 Kilometer entfernten KZ Bergen-Belsen bereits die ersten Todesstrafen gegen Wachpersonal und Leitung verhängt wurden. Ort der Gerichtsverhandlung war eine Turnhalle schräg gegenüber dem heutigen Theater. Das schmiegt sich an einen von Kriegsbomben relativ unbeschädigten...

„Anfang – kein Ende“ von Juliane Hendes (UA) – Regie Juliane Hendes, Bühnen- und Kostümbild Barbara Bloch, Video Barbara Bloch, Juliane Hendes a. G.

Theater Lüneburg: Erinnern muss wehtun

Es geht um ein Theater neuen Typs

„Was uns alle bedroht, sind die Angriffe auf Pluralität“

Geplatzte Träume und umkämpfte Kompromisse

„Is my future all in the past?“

Auf neuen Wegen

Die Kunst der Verteidigung

Thalia Theater Hamburg: Erinnern allein genügt nicht

Bregenzer Festspiele: Scherben ohne Schock

Landkulturperle im Odenwald

Sex als Krieg!

Salzburger Festspiele: Die Überflugkraft des Unnützen

Theater des Ungehorsams

Salzburger Festspiele: Die Schlachthöfe der KI

Theater der Welt in Chemnitz: Den Affen spielen, den Menschen sezieren

Über Freundschaft in Zeiten des Otorop

Radikale Ästhetiken in Zeiten des Rechtsrucks

HAU Berlin: Das Abendmahl der Menschenfresserinnen

Ohne Not und Sachverstand

Die Absicht, eine Mauer zu bauen

„Es wird eine Kultur der Veteranen geben“

Erleuchtung und Ernüchterung

Was macht das Theater, Daniel Morgenroth?

Festival d’Avignon: Das Böse als Barspektakel

Chemnitzer Stempel

Diversität als Festivaldramaturgie

Der Wald, der nicht vergisst

Haltepunkt – Bushaltestellen im Oderbruch

Alles in Pink – zwei aufgeblasene Schweinehälften aus Plastik, davor die Fachverkäuferinnen in rosa Lackkleidern. Zarah Chi Chi und Karina wirken wie ein Langzeitpaar. Allerdings haben sie nur eine Kundin in ihrer Metzgerei. Und die kauft nichts, mutiert sogar zur Veganerin. Damian Popp hat gerade am Schlosstheater Moers die Uraufführung „Zwei Fleischfachverkäuferinnen“ inszeniert, eine albern-trashige und verspielt-hintergründige Groteske Rosa von Praunheims. Damian Popp gehört zu den Regisseuren, die ihren Abschluss während der Pandemie gemacht haben. Als er sich nach dem Regiestudium an der Folkwang Universität der Künste in Essen auf den freien Markt warf, gab es gerade keine Jobs. Durch die Lockdowns wurden die Premieren ­verschoben und später nachgeholt. Gerade für Newcomer war wenig Raum. Das hat sich nun geändert, zumindest für Damian Popp. Im Dezember hat Lessings „Miss Sara Sampson“ in ­Rostock Premiere, dann Gera, wieder ein Stück Rosa von Praunheims. Es folgt noch Sartre in Lüneburg. Eine volle Spielzeit. „Das ist schon ein großer Druck“, sagt Damian Popp. „Gerade am Anfang muss man ja zeigen, was man drauf hat.“ Sein Gespür für Timing hat er schon in freien Produktionen bewiesen, zum Beispiel im grandiosen Solo „Aggro Alan“ von Pene­lope Skinner, das immer noch auf dem Spielplan des Theaters...

Der 34-jährige Folkwang-Absolvent inszeniert in Moers, Rostock, Gera und Lüneburg

Damian Popp und die Gleichwertigkeit der Menschen

Fragile Normalität

Ruhrtriennale: Brustmassage über Gräbern

Schauspiel Frankfurt: Kanonenfutter, sprich!

Hacken für das Theater

Die Schreie der Opfer in den Kriegen der Welt

Milliardenprojekt mit ungewisser Zukunft

Die allermeisten Menschen verspüren nicht selten spontane Impulse, von der gesellschaftlichen Norm abzuweichen, ohne diesen aber wirklich nachzugeben. Wenn mich im Supermarkt touretteartig das Bedürfnis befällt, unnütze Dinge heimlich in meine Tasche zu stopfen, um das Geschäft dann ohne zu bezahlen zu verlassen, dann tue ich das (leider) eher nicht. Zu viel habe ich in die Aufrechterhaltung meines Normalseins investiert, als dass ich mir erlauben würde, mich von solch einem dummen Affekt fortreißen zu lassen. Das Bewusstsein über etwaige nachfolgende Konsequenzen hilft mir dabei. So aufregungsarm, möchte man meinen, gehen Menschen mit mehr oder minder stark ausgeprägter Sozialbindung einkaufen. Bei einer absichtlichen Nonkonformität stellt sich notwendigerweise die Frage nach der Motivation dazu. Die von Johann Wilhelm Möbius aus Friedrich Dürrenmatts „Die Physiker“ könnte hehrer nicht sein: die Rettung der Menschheit. Er will die Welt vor seinen möglicherweise gefahrbringenden physikalischen Erkenntnissen schützen und tut alles dafür, im privaten Sanatorium weggesperrt zu bleiben, um ohne weitere Beachtung seinem Forscherdrang nachkommen zu können. Wo die Verletzung informeller sozialer Verabredungen – etwa, dass man sein familiäres Umfeld nicht im Selbstverständnis eines Königs Salomo mit wirren Planetenpsalmen vollzukübeln hat – nicht zum Bleiberecht in der Anstalt ausreicht, muss mit qua Gesetz festgeschriebenen Grundsätzen gebrochen werden:...

„Die Physiker“ in Lüneburg – wie das Theater helfen könnte, dem Irrsinn in der Welt beizukommen

Ich habe Stimmen gehört

Ruhrtriennale/Deutsches Theater Berlin: Kindertheater für alle

Lausitz Festival: Pathos-Supernova im Hangar

Programmgestaltung im Ausnahmezustand – eine Bestandsaufnahme

Ins Offene der Möglichkeiten

Neuköllner Oper: Kein Applaus bei einer Premiere?!

Zwischen Gegenwartsdrang und Festivalmüdigkeit

„Wir bauen an einem Ort der Demokratie“

In unsicheren Zeiten

Jenseits des Schubladendenkens

Bayreuther Festspiele: Friedensboten als Taubenplage

Zirkus

Thüringen

Look Out

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Klimawandel

Corona

Ozeanien

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Theaterpädagogik

D / A / CH

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Inklusion

Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

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Was macht das Theater...?

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Leonce und Lena

Senkungen – Das Stadtprojekt über eine Stadt auf schwankendem Grund

Salz 3 – Kurzdramen- und Autorenfestival

Das kleine Gespenst

Die Katze auf dem heißen Blechdach

Der Menschenfeind

Woyzeck

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Die Kurve

King A

Clyde & Bonnie

Nathan der Weise

Wir lieben und wissen nichts

Benefiz – Jeder rettet einen Afrikaner

Haram

Oh, wie schön ist Panama

Wie es euch gefällt

Friss oder stirb

Das Leben ist doch immer irgendwie

Clavigo

Mensch Maschine

Theater Lüneburg

Das Theater Lüneburg ist ein Dreispartentheater in Lüneburg mit eigenen Ensembles für Schauspiel, Musiktheater und Ballett. Als Spielstätten dienen das Große Haus mit 542 Sitzplätzen, das Studio T.NT mit 99 Sitzplätzen und das Junge Theater T.3.

Das Theater Lüneburg ist ein Dreispartentheater in Lüneburg mit eigenen Ensembles für Schauspiel, Musiktheater und Ballett. Als Spielstätten dienen das Große Haus mit 542 Sitzplätzen, das Studio T.NT mit 99 Sitzplätzen und das Junge Theater T.3.

Juliane Hendes’ Rechercheprojekt „Anfang – kein Ende“ am Theater Lüneburg seziert lokale NS-Verstrickungen und zeigt, wie umkämpft Erinnerungskultur im Schatten von Holocaust, AfD und völkischen Siedlungen bleibt.

Theater der Zeit 9/2026

Damian Popp

Stürzende Gegenwart

Barbara Mundel

Die Mobilität von Tanz- und Theaterproduktionen wächst: Festivals und Häuser zeigen vermehrt Gastspiele und entwickeln transnationale Koproduktionen. Zugleich wird diese Praxis kritisch hinterfragt. Seit der Covid-19-Pandemie haben hybride Formate zugenommen, Aufführungen verlagerten sich auf den Bildschirm, und neue Strategien entstanden, die ohne Live-Publikum vor Ort funktionieren. Auch im Hinblick auf Klimagerechtigkeit stellt sich die Frage nach verantwortungsvollen Zirkulationsformen. Behinderte Theater- und Tanzschaffende haben schon längst Erfahrungen mit erschwerter Mobilität gemacht und daraus eigene Ästhetiken und Arbeitsweisen entwickelt. Ihre Erfahrungen wurden in den bisherigen Debatten jedoch kaum mitgedacht. Der Sammelband erweitert die Diskussion um Im/Mobilität in den Darstellenden Künsten um eine Disability-Perspektive und versammelt künstlerische Beiträge, Essays und wissenschaftliche Analysen. Auditive Formate, Videos und Zusammenfassungen in Leichter Sprache eröffnen barrierearme Zugänge für ein breiteres Publikum.Der Band erscheint zugleich als MIMOS – Schweizer Jahrbuch Darstellende Künste Nr. 87–2026, herausgegeben von der Schweizerischen Gesellschaft für Theaterkultur (SGTK) mit Unterstützung der Schweizerischen Akademie der Geistes- und Sozialwissenschaften (SAGW). Ein Teil der Auflage enthält eine französischsprachige Broschüre mit Abstracts der Beiträge.

Zugänglichkeit und Verantwortung in den performativen Künsten

Im/Mobile Möglichkeiten

Einzigartige Primärquellen aus einem weitgehend undbekannten Kapitel der DDR-Ballettgeschichte
Erscheint zum 80. Jubiläum der Zeitschrift Theater der Zeit
DDR-Ballett, ostdeutsche Tanzgeschichte und selten aufgeführte Choreografien zwischen 1975 und der späten „Nachwendezeit“: Dieser Band versammelt erstmals wegweisende Rezensionen, Essays und Augenzeugenberichte aus dem Deutschen Tanzarchiv Köln, der seit 1946 bestehenden Zeitschrift Theater der Zeit und aus Tageszeitungen. Ein erfahrener Tanzredakteur, Dietmar Fritzsche, und sein damals junger, heute renommierter Autor, Volkmar Draeger, führen kenntnisreich durch vergessene Bühnenmomente – von Uraufführungen u. a. in Berlin, Dresden, Leipzig bis zu neu inszenierten Werken aus den, wie es offiziell hieß, „befreundeten sozialistischen Ländern“.
Kompakt, fundiert und spannend zeichnet das Buch die Entwicklung des DDR-Balletts nach, beleuchtet künstlerische Höhepunkte, politische Tendenzen, ästhetische Irrwege. Damit bildet das Buch ein unverzichtbares Nachschlagewerk für Tanzwissenschaft, Kulturgeschichte und alle, die ostdeutsche Bühne, Tanzkritik und Ballettgeschichte erkunden möchten.
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Tanz in der DDR von 1975 bis 1997

Die andere Seite

Die Maiausgabe von „Theater der Zeit“ widmet sich im Schwerpunkt dem Thema Teamintendanzen und fragt, wie kollektive Leitungsmodelle Theaterarbeit, Machtverteilung und Verantwortung verändern. In Interviews und Porträts kommen u. a. Thomas Bockelmann, das Leitungsteam des Nationaltheaters Weimar sowie Inka Neubert und Pascal Wieandt vom Theaterhaus G7 Mannheim zu Wort – was sind die Vorteile einer Teamintendanz? Welche Konflikte gibt es? Ist eine geteilte Intendanz wirklich Machtverteilung oder schafft sie neue Abhängigkeiten? Ergänzt wird der Schwerpunkt durch ein Gespräch mit Schauspielerinnen des Theaters Magdeburg über Probenprozesse in der Teamintendanz, das einen konkreten Blick aus der Ensembleperspektive bietet.
Ergänzt durch Beiträge zu den großen Theaterfestivals im Sommer: die Mülheimer Theatertage, das Theatertreffen, das Schweizer Theatertrffen und: Florentina Holzinger über ihren Auftritt bei der Biennale in Venedig!
Drüber hinaus erinnert die Ausgabe an Peter Zadek und Konstanze Lauterbach und würdigt den verstorbenen Autor und Regisseur Alexander Kluge. Wie immer: Stückabdruck (diesmal Robert Seethalers „Vernissage“), eine Kolumne von Max Glauner und eine Buchkritik zur ersten Biografie von Judith Malina.
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Schwerpunkt Teamintendanzen

Florentina Holzinger in Venedig

Das Juni-Heft von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Horror, das Unheimliche auf der Bühne“ und verbindet ästhetische, kulturpolitische und traumagesellschaftliche Perspektiven. Essays von Joseph Pearson und Hannah von Sass, Stefan Keim und Horrorspezialist Jörg Buttgereit untersuchen das Unheimliche in Schauspiel und Musiktheater – das auch bei den Bayerischen Theatertagen in Form von Stephen Kings „The Shining“ als Oper in Regensburg wieder auftaucht.
Das Magazin verhandelt zudem aktuelle Konflikte um Theaterbauten und Kulturpolitik – exemplarisch am Chemnitzer Schauspielhaus.
Das Stück im Juniheft: Kevin Rittbergers „Wunde Stadt“ verhandelt das Attentat von Magdeburg, flankiert von einem Stückgespräch.
Kolumnen von Mateja Meded („Habitus-Passing“) und Lina Wölfel („Wir gehen nicht rein“) reflektieren Klassenverhältnisse, Diversität und Auswahlmacht im Theaterbetrieb, während Berichte von Festivals und Ausstellungen (u. a. Heidelberger Stückemarkt, Bayerische Theatertage, Bühnenbildklasse Düsseldorf, Brecht-Journal) den Blick auf internationale Szenen und Theatergeschichte erweitern.
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Horror, das Unheimliche auf der Bühne

Wie gewinnt ein Textvortrag, obwohl er aus wiederholbaren Zeichen besteht, Bühnenpräsenz? Was kann die heutige Sprechausbildung im Schauspielstudium leisten, um die Studierenden darin zu unterstützen?
Helmut Becker geht diesen zentralen Fragen in seiner Dissertation nach. Basierend auf aktuellen Leiblichkeitskonzepten und einem phänomenologisch orientierten Textbegriff analysiert Becker Möglichkeiten der Texterschließung und Textgestaltung an klassischen Werken von Euripides, Shakespeare, Schiller, Kleist, Kafka, Mann, Camus sowie zeitgenössischen Autoren wie Heißenbüttel, Brinkmann und Gernhardt.
Durch die gezielte Schulung von Atemqualitäten und deren Anwendung am Text entsteht ein neues, tiefgehendes Verständnis von Leiblichkeit. Das Buch zeigt, wie ein solches Leibbewusstsein die Lust am Text, an kraftvoller Bühnenpräsenz und authentischer Textperformanz nachhaltig fördert – und richtet sich an Schauspielstudierende, Bühnenprofis sowie alle, die sich für lebendige Textpräsentation, Stimmtraining und performative Literaturvermittlung begeistern.
Mit zahlreichen Hörbeispielen als Audiofiles begleitend zum Lesen.

Die Leiblichkeit der Texte

Wie demokratisch sind unsere Theater? Kulturelle Teilhabe ist die zentrale Herausforderung für Theater und Kulturpolitik – zwischen Sparzwang, Publikumsrückgang und gesellschaftlicher Verantwortung. „Demokratisches Theater“ untersucht erstmals im internationalen Vergleich, wie öffentlich geförderte Theater und Kulturpolitik in Deutschland, England und Frankreich den Auftrag kultureller Teilhabe verstehen und welche Strategien sie dafür entwickeln.Auf Grundlage von Demokratietheorien, Kulturmanagement- und Kulturvermittlungsdiskursen zeigt die empirische Studie von Maria Nesemann deutliche Unterschiede in der theater- und kulturpolitischen Praxis – und im Verständnis davon, worin der gesellschaftliche Auftrag von Theater besteht. Die Publikation macht sichtbar, dass Teilhabe ein komplexer, nicht widerspruchsfreier Begriff ist.Das Buch liefert praxisrelevante Impulse für Theaterschaffende, Kulturpolitik und Forschung und zeigt Wege auf, wie Teilhabe zwischen künstlerischer Autonomie und gesellschaftlicher Öffnung gestaltet werden kann.

Teilhabe am öffentlich geförderten Theater in Deutschland, England und Frankreich

Demokratisches Theater

25 Bühnenbilder von Katrin Brack, entstanden zwischen 2010 und 2025, inklusive ihrer Rauminstallation anlässlich der Verleihung des Goldenen Löwen in Venedig 2017: Die Bildstrecke macht signifikante Gemeinsamkeiten wie auch Brüche und Entwicklungen in diesen 15 Jahren deutlich, die durch die Zusammenarbeit mit u. a. Dimiter Gotscheff, René Pollesch, Luk Perceval, Karin Henkel geprägt ist. Ergänzt wird dieser fotografische Schwerpunkt sowohl von unveröffentlichten Zeichnungen, die Einblicke in Konzeption, Entstehung und Realisation der einzelnen Bühnenarbeiten gewähren, wie von unterschiedlichen Textbeiträgen.
Im Gespräch mit dem Herausgeber Frank M. Raddatz erläutert die Ausnahmebühnenbildnerin die Kunstprinzipien, von denen sie sich leiten lässt. Der Philosoph Robert Pfaller verortet ihre Arbeiten in der jüngeren Kunstgeschichte der Gegenwart, während Birgit Wiens die Spezifika dieser Räume aus theaterwissenschaftlicher Sicht untersucht. Josef Bairlein und Götz Leineweber geben Einblicke in Bracks Lehre an der Kunstakademie München und die kollektive Arbeitsweise ihrer Bühnenbildklasse. Statements von Birgit Minichmayr, Tabea Braun, Sybille Meier, Luk Perceval und Thomas Thieme werfen Licht auf diese lebendigen Bühnen.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank M. Raddatz (Hg.): Bühne / Stage Katrin Brack" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank_m._raddatz_hg._b_hne_stage_katrin_brack&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Bühne / Stage Katrin Brack

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