Theater Bielefeld: „Das Knurren der Milchstraße“ (UA) von Bonn Park. Regie Bonn Park, Ausstattung Julia Nussbaumer

Bielefeld: Laute Urliebe

Ein Kampf, der es wert ist

Eben noch alberte dieser Danton ausgelassen mit seinen Freunden im großen Lotterbett herum, tanzte, rauchte, ebenso gierig wie sie, und donnerte wuchtige Revoluzzersentenzen in die Runde, doch plötzlich ist aller Übermut passé. Danton zieht sich in sich selbst zurück – unmerklich fast, während seine Mitstreiter aus dem Nationalkonvent aufgekratzt weiter diskutieren. So wie in Alexander Charims grandioser Osnabrücker Inszenierung von Büchners „Dantons Tod“ ist der junge Schauspieler Julius Janosch Schulte oft zu erleben: Er ist gern mittendrin, entzündet sich lustvoll an anderen, trägt diese Flamme aber auch allein weiter. So auffallend er zu glühen, zu brennen vermag: Er ist mehr ein Teamplayer als ein Solist. Noch – denn wer weiß, wie er sich entwickeln wird. Schließlich ist das Engagement am Theater Osnabrück sein erstes nach dem Schauspielstudium am Mozarteum Salzburg. Seiner schlanken Gestalt, dem schmalen Gesicht mit den fast zarten Zügen und seinem sprachlichen Charisma mit den reichen Ausdrucksnuancen traut man sofort die großen Träumer der Dramenliteratur zu – und die großen Bösewichte: den Hamlet oder den Prinzen von Homburg, aber auch den Mephisto oder den Franz Moor, soweit sie das postdramatische Theater der Stimmenpluralität noch zulässt. In Osnabrück jedenfalls ist er unter dem Leitenden Schauspielregisseur Dominique Schnizer seit 2016/17...

Dem Osnabrücker Schauspieler Julius Janosch Schulte traut man alles zu – Träumer wie Bösewichte

Mit Stimmakrobatik in den Rollenspagat

Das Gegenteil von Selbstherrlichkeit und Schwarzmalerei

Popanz der Macht

Ich will die Menschen ausroden von der Erde

Das Kraftzentrum

Endlich faire Mindestgagen, aber woher kommt das Geld?

Lichtwarktheater: Ein Haus für alle

Residenztheater München: Oh, wie schön ist Paraguay

Ein Licht nicht von dieser Welt

Kim de l’Horizon – Michelle Steinbeck – Pablo Jakob Montefusco – Alexander Stutz

„Queer sein bedeutet für mich, das Leben zu genießen. Und es anderen möglich zu machen, es genießen zu können.“

Der Krieg und die „Kulturrevolution“

Theater Bielefeld: „Falscher Hase“ (UA) von David Gieselmann. Regie Christian Schlüter, Ausstattung Annette Breuer

Bielefeld: Höhenrausch mit Herz

Wende und Wandel

Das Lied der Guano-Vögel

Eine Fundgrube

Holzmarkt Berlin: Die Utopie vorurteilsfreier KI

Fair bezahlt und arbeitslos?

Manche Episoden der Geschichte führen immer wieder vor Augen, dass es oft zeitlich einigen Abstand braucht, um die ganze Wahrheit, frei von Tabus und Rücksichten, benennen zu können. Eine solche denkwürdige Episode sind die sogenannten DDR-Kinder von Namibia. Sie sind heute Mittdreißiger und haben selbst Nachwuchs. Einige dieser Kinder, Sabrina Kaulinge, Shakira Ntakirutimana und Gia Shivute, stehen nun auf der Bühne und spielen die ergreifende Lebensgeschichte ihrer Eltern nach. Vielleicht sollte man vom Recherchetheater, das derzeit so engagiert die neuralgischen Punkte unserer Gegenwart bearbeitet, nicht die ganze Wahrheit erwarten, sondern froh sein über erste mutige Annäherungen. Damit man nicht so zerrissen wird zwischen Bewunderung für das bravourös Bewältigte und Enttäuschung über das auffällig Unbewältigte. „Oshi-Deutsch – Die DDR-Kinder von Namibia“ heißt die deutsch-namibische Koproduktion, die der mit Rechercheprojekten erfolgreiche deutsche Regisseur Gernot Grünewald mit seiner namibischen Kollegin Sandy Rudd verantwortet hat – auf der kleinen Emma-Bühne des Osnabrücker Theaters. Es wird erzählt, was die sozialistische Bruderhilfe bewirkte. Es geht um über 400 namibische Kinder, die die DDR ab 1979 aufnahm, um sie vor den blutigen Unabhängigkeitskämpfen der SWAPO (South West African People’s Organization, die spätere Regierungspartei) gegen die Besatzungsmacht, das südafrikanische Apartheidsregime, in Sicherheit zu bringen. Die Kinder wurden in...

Die Osnabrücker Inszenierung „Oshi-Deutsch“ zeigt mit den Mitteln des Recherchetheaters die Geschichte der „DDR-Kinder von Namibia“

Sozialistischer Drill

Was macht das Theater, Bernhard Stengele?

Luzern: Siegerprojekt für das Neue Luzerner Theater gekürt

wann, wenn nicht jetzt?

Auffallend jung und beweglich wirkt der Schauspieler Patrick Berg auf der Bühne, nicht selten jünger als seine Mitspieler, auch die Berufsanfänger. Denn zu ihnen gehört Patrick Berg, Sohn eines Hamburger Schauspielerpaares, nicht mehr ganz: Er beginnt seine vierte Spielzeit am Osnabrücker Theater am Domhof und ist gerade 31 Jahre alt geworden. Was ihn so jung wirken lässt, hat mit seiner temporeichen Körpermotorik und Sprachartistik zu tun. Wenn er spielt, können seine großen, sprechenden Augen unversehens die Gefühlsfarbe wechseln; seine Mimik unterstreicht das Gesprochene – das zieht selbst noch aus großer Entfernung in den Bann. Sein Körper schnellt von der Stelle, so als gäbe es keine Schwerkraft, wie als Cléante in PeterLichts Molière-Bearbeitung von „Der Geizige“ (2012) oder in Schillers „Die Räuber“ (2013). Patrick Berg spielt einen Franz Moor, der sichtlich mit Leib und Seele darauf brennt, Vater und Bruder aus dem Weg zu räumen. Aggressiver Strom katapultiert diesen Franz leichtfüßig über diverse Requisiten auf eine Kommode, während er sich auch noch sprachartistisch an seinen Intrigen berauscht. Später tanzt er dann wortlos seine Zerrissenheit zwischen Familienloyalität und Verrat auf den Bühnenboden. Dabei wirkt Berg nicht einmal sonderlich muskulös. Sport treibt er gar nicht, wie er im Gespräch sagt. Aber eine tolle...

Der Osnabrücker Schauspieler Patrick Berg formt Charaktere, die unversehens die Gefühlsfarbe wechseln

Wannensteins Nager

Was macht das Theater, Yana Salakhova?

Die wirkende Erinnerung

Vorhang runter, Zelt weg

Spanische Theaterautor:innen im Überblick

Zuhören. Eine radikal-politische Erfahrung

Programmieren auf der Probe?

Wladimir Putin – eine Figur von Dostojewski?

Deutsches Theater Berlin: Moral und Ästhetik in Zeiten des Kriegs

An den Städtischen Bühnen wird Goethes "Faus I und II" unter der Regie von Markus Kopf verpoppt und verrockt

Münster

Glanz oder Harnisch: Das Laboratorium

Theater und Arbeiterklasse

Das Risiko des zeitgenössischen Dramas

Die Erfindung des Theaters aus dem Geist der Malerei

Der Anti-Katastrophenfilm

Ein Mann in allen Medien

Wilde Dramaturgie – Nachdenken über Textarbeit

Was macht das Theater, Christiane Schneider?

Theater Paderborn: „Das weiße Zimmer/ Long Ya“ (UA) von Andreas Sauter. Regie Maya Fanke, Bühne Wolfgang Menardi, Kostüme Zhan Qiang

Paderborn: Der Zahn des Drachens

Unboxing Chévere

„Es geht um magische Momente“

I do you!

Im gierigen Sex donnern zwei Körper an die Bühnenwände, bis zur totalen Erschöpfung. Doch die zwei Welten, in denen George und Leila leben, berühren sich kaum. George, der alternde, arbeitslose Alkoholiker, ist zu kaputt, um noch sein Leben zu ändern. Leila, die junge Frau mit den arabischen Wurzeln, sehnt sich fort in die ihr unbekannte Heimat ihres Vaters. Nach „Arabien, wo alles gut werden kann“, wo es noch Herzlichkeit gibt und Schutz vor dem Gefühl, sich falsch und fremd zu fühlen in diesem Land, hier „auf der verlorenen Seite der Welt“. Ziemlich am Nullpunkt steht die Begegnung der Kulturen in Azar Mortazavis Stück „Ich wünsch mir eins“, das nun im emma-theater des Osnabrücker Theaters aus der Taufe gehoben wurde. Hier der abgetakelte George „mit Bier im Herzen“, dort die schöne Leila, die neben ihm einschlafen will, sich ein Familienleben und ein Kind von ihm wünscht. Azar Mortazavi, mit iranischen Wurzeln selbst Kind zweier Kulturen, hat für ihr Erstlingsdrama „Todesnachricht“ 2010 den renommierten Else-Lasker-Schüler-Stückepreis erhalten. Ein neues Drama hat sie gerade fertiggestellt, ein Romanprojekt wächst. Gerade hat die erst 28-Jährige ein Studium in Kulturjournalismus und Kreativem Schreiben in Hildesheim abgeschlossen. So fremd und unversöhnlich stehen sich die Welten gegenüber, dass man...

Theater Osnabrück: „Ich wünsch mir eins“ (UA) von Azar Mortazavi. Regie Annette Pullen, Ausstattung Gregor Sturm

Osnabrück: Auf der verlorenen Seite der Welt

Leonhard-Frank-Stipendium zur Förderung zeitgenössischer Dramatik geht an Elisabeth Pape

(Fast) alles neu bei Theater der Zeit

Leidenschaftlich zeitgenössisch

Was macht das Theater, Johanna M. Keller?

Aalto-Musiktheater Essen: Der Mensch ist gar nicht gut 

Systemcheck

„Das Etikett ‚AUFSTREBEND‘ ist grausam und hält die Autorinnen klein“

Mit forschendem Blick sitzen sie einander gegenüber, die drei schwarzen und drei weißen Schauspieler. Feierlich wirken die Rotund Orangetöne der afrikanischen Kleider und das eher klassische Schwarz der europäischen. Theaterleiterin Maria Manuela de Labão Soeiro und Christin Treunert (Bühne und Kostüme) haben sie gemeinsam ausgewählt. Die Wand mit den Glasfenstern zwischen ihnen lässt an den Besuchsraum eines Gefängnisses denken. Doch die murmelnden Stimmen weisen auf Christa Wolfs Roman „Medea“ hin, darauf, worum es wirklich geht: Euripides’ uralten Stoff für unsere Gegenwart zu befragen. Medea, Jason und Kreusa, auf der einen Seite der Fensterwand von schwarzen, auf der anderen von weißen Schauspielern verkörpert: Mehr Figuren aus dem 2500 Jahre alten Drama brauchen das Theater Osnabrück und das Teatro Avenida aus dem südostafrikanischen Mosambik nicht, um zu prüfen, wie es um Tragik und Missbrauch von Medea stünde, wäre sie eine Frau im Europa beziehungsweise im Afrika von heute. Für die deutsch-mosambikanische Koproduktion „Medea2 – Dois mundos, uma narração“ zeichnet das Regieteam um Manuela Soeiro aus Mosambiks Hauptstadt Maputo sowie um Dominique Schnizer, leitender Schauspielregisseur in Osnabrück, und seinen Chefdramaturgen Jens Peters verantwortlich. Es werden Textpassagen und Sinngehalt aus anderen „Medea“-Bearbeitungen benutzt. Neben Christa Wolf sind es Franz Grillparzer, Jean Anouilh und...

Theater Osnabrück: „Medea² – Dois mundos, uma narraçao“ nach Euripides, Franz Grillparzer, Jean Anouilh, Christa Wolf und mit Texten von Paulina Chiziane. Regie Dominique Schnizer, Ausstattung Christi

Osnabrück: Über Grenzen hinweg

Ein Wald in Flammen

Berliner Ensemble: Unmittelbare Trägerschaft des Landes Berlin angestrebt

Was macht das Theater, Juan Mayorga?

Was macht das Theater, Florentina Holzinger?

Die eigene Dringlichkeit

Wo die Kanonen blühn - „Die Hermannsschlacht“

Detmold / Osnabrück / Bielefeld

Neue Dramatik, alte Geschichten, neue Welten

Das Cartoonartige ausloten

Faszinierend, dieser Vorgang: Eine Spielzeit beginnt, junge, noch unbekannte Schauspieler machen neugierig. Sie bringen frischen Schwung und ein anderes, oft jugendlicheres Sozialverhalten in die Bühnenfamilie. Erst einmal dienen sie ganz dem Ensemble, beleben und stärken es von den Rändern, den Neben­rollen her. Bis einer eigene Konturen annimmt, so wie Philippe Thelen am Theater Osnabrück. Der 31-jährige Luxemburger wollte schon früh Schauspieler werden, nahm aber erst den Umweg über einen Master of Arts. Dann ließ er sich im amerika­nischen Amherst und in Stuttgart doch noch zum Schauspieler aus­bilden. Jetzt, nach seinem ersten Fest­engagement und drei Spielzeiten in Osnabrück sowie einigen Rollen in Kurz- und Kinofilmen, zieht es ihn als Freiberufler zu Film und Fern­sehen. Dem Theater will er aber treu bleiben, wie er sagt. Auf der Bühne ist Philippe Thelen eigentlich ständig in Bewegung. Nicht hektisch oder nervös, sondern eher in der athletischen Grundspannung eines Boxers, der ganz leicht und locker seinen Kampfplatz umtrippelt. Seine wohltönende Baritonstimme, seine lebhafte, gern ausladende Gestik: Dieser Spieler füllt mühelos auch einen großen Raum. Wenn er das als Rupert in „Die Familie Schroffenstein“ mit nacktem Oberkörper und kraftgeblähtem Imponiergehabe macht, wirkt er in seiner Körpersprache ein bisschen wie der junge, noch schlanke Gerard Depardieu. Mal...

Der Osnabrücker Schauspieler Philippe Thelen verwandelt sich mühelos vom Wirbelwind zum Nervenbündel

Die Wendigkeit eines Boxers

Rufer in der Wüste

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Passionsspiele Oberammergau 2022

"Zwischen Zwingli und Zukunft"

"Theater unser"

Patrick Berg.

Recherchen 165 "#CoronaTheater"

"Theater der Vereinnahmung"

Recherchen 163 "Der Faden der Ariadne und das Netz von Mahagonny  im Spiegel von Mythos und Religion"

"Die Passion hinter dem Spiel"

"Passion Play Oberammergau 2022"

Recherchen 162 "WAR SCHÖN. KANN WEG …"

"Scène 23"

Recherchen 156 "Ästhetiken der Intervention"

backstage "HÜBNER"

"Pledge and Play"

Arbeitsbuch 31 "Circus in flux"

Peter Kurth: Die Verwandlung

Theater und Migration

Der Knick im Kopf

Über den Einbruch der Performance in die Oper

System startet neu

Er kann in seinem Spiel bravourös stutzig sein, brummig stupide oder liebenswert betriebsselig, er kann mit Leib und Seele nach der Welt greifen und all seinen plebejischen Realitätssinn virtuos mit dem Grotesken kurzschließen: Charly Hübner, Jahrgang 1972, Gastwirtssohn aus Feldberg-Carwitz. Ein faszinierender Ausnahmespieler auf der Bühne des Deutschen Schauspielhauses Hamburg und vor der Kamera.
Seine Kunst: Höhenflüge im Höllentief. Noch eine Schleife Verlorenheit, noch eine Prise Verzweiflung, noch einen Humpen Witz. Am liebsten spielt Hübner wohl am Schnittpunkt, wo die Spannung zwischen Eingelöstem und Ersehntem am unerträglichsten ist. Jenseits aller Kultur, mit der wir einander abdämpfen und abrichten. Mit dem Journalisten Hans-Dieter Schütt führte er Gespräche über Herkünfte und Hingaben, erzählt von seinem Dokumentarfilm „Wildes Herz“, einem Porträt des Frontmannes „Monchi“ Gorkow der Punkband Feine Sahne Fischfilet, und seinem Buch über „Motörhead“.
Mit Texten von Charly Hübner, Tobias Rempe, Heinz Strunk und Christian Tschirner.
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HÜBNER

Lange bevor die Passionsspiele in Oberammergau alle zehn Jahre ins allgemeine Bewusstsein vordringen, haben die Vorbereitungen im Ort bereits begonnen. Bühnenbildner Stefan Hageneier entwirft Pläne, nach denen die Bühne des Passionstheaters gestaltet wird. Chor und Orchester beginnen unter der Leitung von Markus Zwink zu proben. Und Spielleiter Christian Stückl macht sich Gedanken über die Textfassung und die Besetzung von Jesus, Kaiphas und der anderen Hauptrollen. 
Dieses Fotobuch dokumentiert die Entstehung der Passionsspiele 2022. Sebastian Schulte ist selbst Oberammergauer und hat den gesamten Arbeitsprozess aus der Innenperspektive miterlebt und mit seiner Kamera festgehalten. Seine Bilder entstanden mitten auf der Bühne, mitten auf den Proben. 
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Preparations for the Passion Play in Oberammergau start long before most people start thinking about it. Stefan Hageneier creates new plans for the stage and costumes of Passion Play Theater. Markus Zwink starts to rehearse with the choir and orchestra. And director Christian Stückl starts to rewrite the script and thinks about the cast for Jesus, Caiaphas, and the other main characters. 
This book documents the making of the Passion Play 2022, starting with the first preparations, rehearsals, the postponement due to the Corona Pandemic, and finally, the premiere in May 2022. Sebastian Schulte lives in Oberammergau and also plays a servant of the high priest Caiaphas. He has experienced and captured the entire process of the making of the Passion Play with his camera. His photographs show the perspective from the inside, immersed in the rehearsals, immersed in the play.

Die Passion hinter dem Spiel

Mit dem Begriff der Intervention ist eine Überschreitung der Kunst durch die Kunst selbst aufgerufen. Damit einher geht nicht nur das Versprechen einer spezifischen Wirksamkeit, sondern eine Praxis des Aushandelns ästhetischer und politischer Sphären. Im Theater scheint die Rede von Intervention dann besonders prägnant zu sein, wenn die komplexen Wechselwirkungen von Öffentlichkeit, Gesellschaft und Medienwirklichkeit über die Szene hinaus thematisiert werden. Der aus einer Tagung an der Ludwig-Maximilians-Universität München hervorgehende Band versammelt Beiträge, die kritische Perspektiven auf Theaterprojekte und theatrale Aktionen werfen, die mit unterschiedlichen Strategien des Eingreifens arbeiten. Dabei wird die Pluralität der interventionistischen Ästhetiken und ihre Theoriebildung aufgezeigt.
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Ein- und Übergriffe im Regime des Theaters

Ästhetiken der Intervention

Freie Szene: Kathrin Tiedemann im Gespräch

Prekäre Verhältnisse

What’s the story with the little village of Oberammergau in the Bavarian Alps? For nearly 400 years, the people who live here have performed the Passion of Christ every ten years. All together. Grandparents, parents, children and grandchildren all join each other on stage. They are fulfilling a vow once made by their ancestors to stave off the plague. This book sets out to discover why the villagers’ enthusiasm for theatre has endured to this day. It takes a look behind the scenes and accompanies the creation of the 2022 Passion Play with its 2,400 participants. In a series of conversations, the author explores their motivations, special rituals such as the Hair and Beard Decree and theatre life in times of the coronavirus pandemic. And why giving up is not an option.
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How the Passion Play in Oberammergau Changes  a Village and Impacts the World

Pledge and Play

Was ist immersives Theater? Was bedeutet es, im Kontext der Theaterrezeption davon zu sprechen, dass Zuschauerinnen und Zuschauer „komplett eintauchen“? Die vorliegende Studie entwickelt anhand eines breiten Korpus von Aufführungen des partizipativen Gegenwartstheaters ein Verständnis von immersivem Theater im engen Sinn und trägt damit zur begrifflichen Unterscheidung von Partizipation und Immersion bei. Untersucht werden formale Gemeinsamkeiten der Publikumsinvolvierung in Arbeiten des Kollektivs SIGNA, von Paulus Manker, Punchdrunk und Scruggs/Woodard. Die Autorin zeigt, dass immersives Theater mit seinen multisensorischen und interaktiven Erfahrungsräumen wirkungsästhetisch auf komplexe Prozesse der Vereinnahmung zielt. Diese können sowohl in produktive Selbstreflexion umschlagen als auch unbemerkt bleiben, worin sich die gesellschaftspolitische Relevanz dieses „übergriffigen“ Theaters widerspiegelt.
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Die kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../../api/files/99046257-5541-410f-9ab6-b9e43a361bfc/TdZ_Recherchen_164_Theater der Vereinnahmung.pdf">PDF-Download (ca. 6 MB)</a>
ISBN 978-3-95749-429-0 (Open Access) DOI: <a class="PrimaryLink BaseLink" href="https://doi.org/10.35287/9783957494054" target="_blank" rel="noopener">https://doi.org/10.35287/9783957494054</a> Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Publikumsinvolvierung im immersiven Theater

Theater der Vereinnahmung

Künstler, rettet die Welt!

Kunst und Klima

Im Vordergrund dieser 23. Ausgabe der Anthologie SCÈNE stehen außereuropäische Perspektiven: Acht Theaterautorinnen und -autoren mit Wurzeln in Nordamerika, Afrika, der Karibik und dem Nahen Osten beschreiben in ihren Texten Migrationsgeschichten, wirtschaftliche Abhängigkeiten, Kämpfe um Selbstermächtigung und die jahrhundertelangen Auswirkungen des Kolonialismus. Von der Versklavung der indigenen Bevölkerung in Québec schlagen sie einen Bogen über die Rassentrennung in den amerikanischen Südstaaten bis hin zur Verwüstung des Libanon und dem Arabischen Frühling in Tunesien. Stets wird dabei exemplarisch die Auswirkung der „großen“ Weltgeschichte auf normale –manchmal resiliente, manchmal pathetisch egoistische – Individuen gezeigt. Ob komödiantisch, dokumentarisch-literarisch, episch-chorisch, kammerspielartig oder grotesk – besonders beeindruckt die Vielfalt der ästhetischen Ansätze und Handschriften.

Neue französischsprachige Theaterstücke

Die Helferei in der Kirchgasse 13 in der Zürcher Altstadt, gelegen zwischen Grossmünster und Universität, ist ein Haus mit einer 750-jährigen Geschichten zwischen Kirche, Politik und Kultur. Ihr berühmtester Bewohner, der Reformator Ulrich Zwingli, hat die Schweiz politisch verändert wie nur wenige andere. Valeria Heintges zeichnet in ihrem Buch den Weg der Helferei vom Priesterhaus zu einer der ersten offenen multifunktionalen Einrichtungen Europas nach. Einst waren es Diakone, die der Helferei den Namen gaben. Heute sind es Künstlerinnen und Künstler, die unter diesen Namen im Haus ihre Arbeit entsprechend ausrichten. Hier wird Kultur gezeigt. Hier geht hin, wer Rat oder ein Gespräch sucht. Und seit Martin Wigger dieses Kulturhaus leitet, gibt es auch sehr viel Theater zu sehen. Er nahm an der Helferei das Konzept der "Social Critical Work" auf und entwickelte es weiter, zu einer Art "Social Critical Art Work".
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Die Helferei in Zürich

Zwischen Zwingli und Zukunft

Bertolt Brechts Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny und Ariadne auf Naxos von Hugo von Hofmannsthal: zwei Opern, deren Kultur- und Kapitalismuskritik oft nur vordergründig wahrgenommen wird. Charlotte Wegen geht in ihrer Studie einer kapitalismuskritischen Dimension in beiden Opern nach, die sich auf übergeordneter Ebene manifestiert: in der Gestik und Metaphorik des Textes, in Wiederholungen, Schablonierungen und Monologisierungen. Es sind Merkmale einer entleerten Zeit, einer Gegenwart ohne Zukunft, die sich im Kontext mythischer und religiöser Phänomene artikulieren und bereits im Bild der Ariadneschen Insel und der Wüste von Mahagonny ihren ersten Ausdruck finden.

Eine Untersuchung der Opernwerke Ariadne auf Naxos und Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny

Der Faden der Ariadne und das Netz von Mahagonny  im Spiegel von Mythos und Religion

Christine Adam