Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Ein großes Wasserbecken besetzt die Mitte des Gemäldes „Der Jungbrunnen“ von Lucas Cranach d. Ä., links tapern gebrechliche Frauen mit hängenden Brüsten hinein, rechts hüpfen die Verjüngten fidel, nass und nackt heraus: Es braucht keinen Gott, um den Tod abzuwenden, sondern einen Maler. „Wenn nichts mehr hilft, hilft Cranach“, lautet das Mantra des Ich-Erzählers in dem zweiten Roman der österreichischen Autorin (und Malerin) Teresa Präauer. Denn auch in Johnny und Jean stehen nicht weniger als Kunst und Leben und vor allem deren Zusammenhang auf dem Spiel. Mit einer Nacherzählung ist diesem Roman mithin wenig gedient, da er seinen inhaltlichen Konformismus mit sichtlich ironischem Vergnügen ausstellt. Zwei Jungs vom Dorf ziehen in die „zweitgrößte Stadt“ des Landes, um Künstler zu werden, und in den Sommerferien fährt man auf Interrail. Der eine reüssiert bei Kommilitonen, Galeristinnen und Kritikern. Der andere, der Ich-Erzähler, zeichnet erst nur Fische, dann das Nichts in Form weiß grundierter Leinwände, dann wieder Fische; nichts wünscht er sich sehnlicher, als mit dem einen befreundet zu sein (außer vielleicht das erste Mal Sex zu haben). Der Titel des Romans nennt die Namen der beiden – und nennt sie doch nicht, denn weder heißt Jean Jean noch Johnny Johnny. So taufen...

Cranach, hilf!

Literatur

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Um nach Budapest zu gelangen, wo die Bäume voller Guaven hängen, muss man die große Straße überqueren, durch den Busch und am großen Stadion vorbei. Etwas länger dauert der Weg nach Shanghai, er führt an Budapest vorbei, Richtung Osten bis zum Steinbruch und ein Stück darüber hinaus. Diese buchstäblich verrückte Topografie stellt in dem Debütroman Wir brauchen neue Namen von NoViolet Bulawayo die Kindheitslandkarte der Ich-Erzählerin Darling dar; darauf auch ihr Zuhause, ein Slum namens „Paradise“, bewohnt von den Opfern des – will man Simbabwe, das Geburtsland der Autorin, als Vorbild gelten lassen – Regimes von Robert Mugabe. Auch Darlings Eltern wurden in dieses „Paradies“ vertrieben, mittlerweile lebt der Vater in Südafrika, um Geld zu verdienen, während die Mutter versucht, die Familie durchzubringen. Da die Lehrer den scheiternden Staat längst verlassen haben, streunen Darling und ihre Clique alltäglich durch Paradise, Budapest und manchmal bis nach Shanghai, um ihren Hunger zu stillen, ihren Hunger nach Nahrung und Erfahrung, nach Leben und Liebe. Am liebsten spielen sie Krieg – sei’s abstrakt als Rivalität verschiedener Nationen, deren Grenzen mit einem Stock im Sand gezogen wurden, sei’s konkret mit ihren neuen Plastikspielzeugwaffen. Nicht nur Darling hofft auf eine Emigration in die USA, zu ihrer...

Literatur: Vom Paradies über die Straße bis nach Shanghai

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Es zeugt von einem gerüttelt Maß an Souveränität, wenn eine Autorin dem Protagonisten ihres Debütromans einen Allerweltsnamen verpasst. Was buhlt die nachwachsende Generation nicht andauernd um Bedeutung, halst ihren Adas und Leanders Namen auf, die bloß irgendwie außergewöhnlich klingen sollen. Nicht so Lilian Loke. Schlicht und einfach Thomas Meyer, so heißt man also bei ihr. Und genauso meint sie das auch: Dieser Meyer, der sich immerhin mit einem zwar unhörbaren, aber buchstäblich extravaganten y schreibt, dieser Meyer ist zugleich Leerstelle und tragische Person, zugleich Typus und Individuum, so entfremdet wie authentisch, und er tut genau das, was sein Name ihm historisch vorhersagt. Früher hat ein Meier Grundbesitz verwaltet, heute stellt er sich als Immobilienmakler vor. Gold in den Straßen wagt genau das, was ein Roman stets wagen muss, nämlich die ganz große Geschichte vom Aufstieg und vom Niedergang, von der Karriere und vom Scheitern. Am Beginn steht eine Ohnmacht, Meyer ertrinkt aus lauter Angst vor dem Ertrinken beinahe im Stadtweiher. Dass er nicht schwimmen kann, weiß nur – als gliche ein Handicap das andere aus – sein blinder Freund Koll, ein Vertrauter seit seiner Zeit als Bankkaufmann, ein Relikt aus graueren Tagen. Meyers neue Welt gibt sich bunter und...

Literatur: Meyer, Alphatier

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Auch Hans Schweikart, damals gerade neuer Nachkriegsintendant der Münchner Kammerspiele, beantwortete einst die Frage nach der Wirklichkeit und der Fiktion. Da bezeichnete er die authentische Geschichte, die er in seiner Erzählung Es wird schon nicht so schlimm! verarbeitet hatte, als „Anlass“, den es gelte, „in das allgemeine Gültige umzusetzen“. Der Anlass dieser Novelle war ein entsetzlicher: In der Nacht zum 7. November 1941 nahm sich das Schauspielerpaar Meta und Joachim Gottschalk das Leben, aus Todesangst vor der NS-Verfolgung ihrer „Mischehe“. Ihr achtjähriger Sohn Michael starb mit ihnen, ebenfalls durch Veronal und Gas. Laut eigener Aussage begann Schweikart – als Kollege wie als Freund der Gottschalks – schon 1942 mit der Arbeit an dem Text. Die Erzählung über das Lieben, Leben und Sterben des Schauspielerehepaars Lilly und Gregor Maurer nennt sich selbst „Ein Filmvorschlag“ und wurde als solcher bereits 1947 von dem DEFA-Regisseur Kurt Maetzig aufgegriffen („Ehe im Schatten“). Dank der Recherche von Carsten Ramm, Intendant der Badischen Landesbühne Bruchsal, darf man Schweikarts feinsinnige, feinfühlige Vorlage nun gedruckt, als eigenständige literarische Erzählung und ergänzt mit einem inspiriert klugen Nachwort, in Händen halten. Gleich der erste Satz – „Heute wissen wir es besser“ – widerspricht der bangen Titelbeschwichtigung „Es wird schon nicht...

Literatur: Kühle Wärme

Der Materialergründer

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Kompositionsprinzip Collage

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

„Work hard, play hard?“

Der genetische Code Amerikas

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Es braucht fast zwei Seiten, bis der Erzähler in Leif Randts neuem Roman Planet Magnon vom Wir zum Ich findet. Statt weiterhin aus der Perspektive des Kollektivs zu sprechen, sagt er endlich „ich“. „Draußen war es viel windiger, als ich im Bus angenommen hatte“, lautet der Satz, mit dem Randt den Wechsel vom Plural zum Singular inszeniert, und tatsächlich verdichtet sich darin das Thema seiner interstellaren Dystopie. Wir befinden uns im Jahr 48 n.AS. Die neue Zeitrechnung ist einer neuen Erlöserfigur geschuldet, einer „Actual-Sanity“ genannten künstlichen Intelligenz, die nichts anderes als die totale Marktforschung betreibt. Jedes Gesetz entspricht durchweg dem Willen der Bevölkerung, und das Bewusstsein darüber sorgt dafür, dass die auf mehrere Planeten verteilte Menschheit (die diesen Namen im Grunde nicht mehr verdient) weitestgehend friedlich und positiv gestimmt vor sich hin lebt, unterstützt von diversen Drogen, deren Erforschung ja von allen gewollt wird und also sinnvoll ist. Wenn da nur diese Subjekte nicht wären, die sich gegen die Ideologie des Kollektivs zu wehren beginnen: Wo Wir war, soll wieder Ich werden, und zwar im Dienste der guten alten bürgerlichen Glaubenssätze. Die Rebellen, man nennt sie „Hanks“, wollen das Individuum und dessen Liebesfähigkeit zurück; auch vor Anschlägen schrecken sie nicht...

Literatur: Wo Wir war, soll wieder Ich werden

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Man traut sich kaum heran an dieses Buch, schon weil Wolfgang Herrndorf verfügte, man solle Journalisten „mit der Waffe in der Hand“ von seinem Nachlass fernhalten. Der postum publizierte Text – der Titel Bilder deiner großen Liebe stammt noch vom Autor – stellt sich in der Unterzeile als „unvollendeter Roman“ vor. Als Fragment also, wie es der Schriftsteller laut seines Testaments nie veröffentlicht sehen wollte. Das Nachwort der Herausgeber Kathrin Passig und Marcus Gärtner informiert zwar darüber, dass Herrndorf seine Meinung änderte, allerdings ahnt man, woher sein Unbehagen rührte. „Bilder deiner großen Liebe“ ist zweifellos ein echter Herrndorf, jedoch mangelt es just an jener unheimlichen Perfektion, die diesen Schriftsteller nicht zuletzt ausmachte. Herrndorfs dichte Szenen, kristallklare Metaphern, verrückte Poetik: Sie finden sich in „Bilder deiner großen Liebe“ nur als Skizzen, Schemen, Gerüste. Zudem wurde ein alternativer Anfang nicht abgedruckt, der den Roman mit dem Tagebuch der Ich-Erzählerin Isa in eins hätte fallen lassen. Das dürfte nicht nur Literaturwissenschaftler („Germanisten niemals ranlassen“, befiehlt das Testament) schmerzen, sondern auch die Fangemeinde des Autors, schließlich verstrickte sich Herrndorf stets in verzwickte Verwicklungen mit der Metaebene. Allein, der Roman nimmt ohnehin eine Sonderstellung in Herrndorfs Werk ein. Isa ist darin nämlich keine Unbekannte; bereits...

Vom letzten Wollen und Sagen

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Festival der Besessenen

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

In den Kritiken des neuen Romans von Siri Hustvedt trifft man immer wieder auf denselben kritischen Mangel. Nicht wenige Rezensionen verpassen die vielleicht wichtigste Volte des Werks, wenn sie das Geschlecht der Herausgeberfiktion von „Die gleißende Welt“ vereindeutigen. Mal ist in den Artikeln von einer Kunsthistorikerin die Rede, die das Buch kompiliert habe, mal von einem männlichen Schöpfer der Anthologie. Tatsächlich trägt das fiktive Vorwort die Unterschrift „I.V. Hess“; Siri Hustvedt selbst – wie ähnlich die Namen klingen! – wies in einem Interview darauf hin: „we don’t know the sex of the editor“. Überhaupt hat es dieses Vorwort in sich. Es beginnt mit dem Satz einer gewissen Harriet Burden, den ein gewisser Richard Brinkman zitiert, welchen wiederum I.V. Hess zitiert, um zu erklären, wie er/sie auf Burden aufmerksam wurde – um schließlich herauszufinden, dass Richard Brinkmann nur eine der vielen Masken von Harriet Burden war, die – auch Spitznamen erfinden Identitäten – von allen schlicht „Harry“ genannt wurde. Die Uneindeutigkeit nicht nur, aber vor allem des Geschlechts darf als literarisches Programm von „Die gleißende Welt“ gelten, allererst jedoch stellt sie das Thema des Romans dar. I.V. Hess fand einige Tagebücher jener Harry, befragte deren Kinder, Freunde, Therapeuten, führte einige Interviews,...

Literatur: Identitätskaleidoskop

Tagtäglich stranden an Europas Küsten immer noch mehr Flüchtlinge, auch aus Syrien, so sie ihre Reise übers Meer denn überleben. Obwohl es also keinen besseren Zeitpunkt geben könnte, um die syrische Literatur ins Zentrum der Aufmerksamkeit zu rücken, bleiben die hiesigen Verlage ziemlich stumm. Eine der kleinen großen Ausnahmen stellt Dunkle Wolken über Damaskus dar: ein Band mit Erzählungen der syrischen Autorin Dima Wannous, der vor kurzem in der Edition Nautilus erschienen ist. Der Eindruck, dass dieses Buch wie eine Flaschenpost vor unsere Füße gespült würde, liegt nicht am maritimen Namen des deutschen Verlags, vielmehr enthält „Dunkle Wolken über Damaskus“ tatsächlich Nachrichten aus der Vergangenheit. Aus einer Vergangenheit, die gemessen an Jahren nicht allzu lange her ist, doch weit, weit, weit entfernt wirkt. Auf Arabisch erschien der Band 2007, aber gefühlt sei er ein Dutzend Jahre alt, schreibt Dima Wannous im Vorwort: „Das irrige Zeitgefühl ist ein Resultat der syrischen Revolution, die im März 2011 (…) begann.“ Was vorher war, sei „aus unserer Erinnerung ausgemerzt“, man lebe nun „ausschließlich in der Gegenwart“ – daher die Verwunderung angesichts der eigenen Erzählungen. Dem „irrigen Zeitgefühl“ begegnet man allerdings schon in den einzelnen Geschichten immer wieder. Wannous erzählt von Menschen, die sich auf...

Literatur: Nachrichten aus der Vergangenheit

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Explodierendes Dokumentartheater

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Die vierte Wand in der Kunst der Gegenwart

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

TdZ-Geschichte

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Klimawandel

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

double

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Sparten

Rheinland-Pfalz

Polen

Musiktheater

Queeres Theater

Europa

Theater der Zeit

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

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Performance

Kunstinsert

Debatte

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Überbordend sinnlich, international gefeiert, diversitätsoffen und jenseits von disziplinären Grenzen, zugleich angefeindet, verbrämt, umkämpft: Die Intendanz von Benjamin von Blomberg und Nicolas Stemann am Schauspielhaus Zürich war eine richtungsweisende Zeit. Als alphabetisches Glossar verpackt, evoziert der vorliegende Reader die Hoffnungen und Versprechen, die mit der Intendanz verbunden waren, repräsentiert die vielfältigen Handschriften der beteiligten Künstler:innen und ruft öffentliche Debatten um die Neuausrichtung des Schauspielhauses auf.
Was also bleibt, von diesem Versuch das Stadttheater für das 21. Jahrhundert neu zu denken? Theater Is Dead. Long Live Theater. Schauspielhaus Zürich 2019 – 2024 gibt darauf keine finalen Antworten, sondern versammelt Material, das für zukünftige Erneuerungsversuche relevant sein könnte. Dabei entsteht ein künstlerischer Text- und Bildband, der einen erweiterten Theaterbegriff feiert und die in Zürich entstandenen Arbeiten zwischen Theater, Tanz, Film und den performativen Künsten abbildet und kontextualisiert.
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Schauspielhaus Zürich 2019 – 2024 

Theater is Dead. Long Live Theater

Kampnagel – Deutschlands größte freie Spiel- und Produktionsstätte mit multifunktionalem Bühnenkomplex, feiert vierzigsten Geburtstag. Die Geschichte der Hamburger Kulturfabrik vom Fabrik-Underdog zum Staatstheater ist ein sich fortschreibendes Kapitel deutscher und europäischer Kulturgeschichte. In den völlig unheiligen Hallen Kampnagels kristallisiert sich, wie sich Theaterkultur in Bezug auf Spielformen, politische Anliegen, institutionelles Handeln sowie Internationalität verändert hat. Das Buch „40 Jahre Widerspruch“ beschreibt, bewertet und befragt die Geschichte, Gegenwart und Zukunft des Hauses sowie der Spiel- und Produktionspraxis. In fünf Kapiteln, die seinen inhaltlichen Schwerpunkten folgen, präsentiert sich Kampnagel als das Zentrum eingreifenden Denkens und Handelns: solidarisch, nachhaltig, avantgardistisch. 
Mit Beiträgen u. a. von Benjamin Foerster-Baldenius, Nikolaus Müller-Schöll, Sibylle Peters, Anne Lacaton und Jean-Philippe Vassal,  Alok, God’s Entertainment, Ibrahim Arslan, Carina Book und Sophia Hussain, Ewelina Benbenek sowie Holger Bergmann.
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Workbook zum Jubiläum

Kampnagel Hamburg. 40 Jahre Widerspruch

Auf dem Titel und im Kunstinsert: Gisèle Vienne. Die französisch-österreichische Choreografin hat in den letzten 20 Jahren ein „Ensemble“ von lebensgroßen Puppen­ zusammengestellt, die immer wieder in ­ihren Arbeiten zwischen Tanz, Performance, Fotoporträts der offenbar misshandelten Figuren und auch Film anzutreffen sind. Jetzt gibt es in Berlin erstmals eine große Retrospektive dieser ungewöhnlichen Künstlerin – alles im Beitrag von Theresa Schütz auf den Seiten 26 bis 31.
Ensemble heute ist das Thema des Schwerpunkts in diesem Heft. Brechts Berliner Ensemble wurde vor 75 Jahren gegründet. Der derzeitige Intendant Oliver Reese spricht im Interview über seine „Ensemble-Euphorie“, die aufrechtzuerhalten ihm nicht immer leichtfällt, auch wenn er für ein Foto auf das Dach des Hauses mit dem legendären, von Peter Palitzsch entworfenen und noch immer in die Nacht leuchtenden Signet gestiegen ist. Indes gibt es auch ganz andere Ensemble-Modelle, die auf der umfassenden Idee für eine Theatergemeinschaft basieren. Die transnationale KULA Compagnie, das Theaterhaus Jena und das seit über 40 Jahren auf der Schwäbischen Alb bestehende Theater Lindenhof in Melchingen, porträtiert von der Baden-Württemberg-TdZ-­Redakteurin Elisabeth Maier.
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Gisèle Vienne Unheimliche Collagen

Ensemblekultur heute

Über den Einbruch der Performance in die Oper

System startet neu

Das sommerheft 2024 von ixypsilonzett. darstellende künste &amp; junges publikum widmet sich dem Thema Theatervermittlung als Vermittlungskunst: Die Beiträge aus Praxis, Wissenschaft und Diskurs spannen dabei beispielhaft einen breiten Bogen in die verschiedenen Arbeitsfelder der Theatervermittlung. Partizipative Inszenierungen und Spielclubs, Workshops, freie Projekte, fachlicher Austausch: Hier überall findet täglich Vermittlungskunst statt und wird mit den Mitteln der Performance, des Schauspiels, Musiktheaters, des Tanzes sowie interdisziplinär gestaltet. Für alle Autor:innen verbindend sind die Fragen: Wie lässt sich die ästhetische Praxis bzw. das spezifisch künstlerische Handeln in den unterschiedlichen theatervermittelnden Formaten beschreiben? Was braucht Theatervermittlung, um im besten Fall Vermittlungskunst zu sein?
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Vermittlungskunst

Vor genau 20 Jahren wurde double gegründet und unsere Leser*innen halten gerade die 50. Ausgabe in der Hand. Dieses Doppeljubiläum war für uns Anlass, den Blick zurück nach vorne zu richten und das Heftthema ‚Reenactment‘ mit der Heftgründung in Verbindung zu bringen. Haben Sie es erkannt? Das Cover greift das Titelbild des allerersten Heftes auf, und auch einige mit ‚Reenact!‘ gekennzeichnete Beiträge spinnen Themen von double 1 weiter fort. Neben aktuellen Berichten nehmen wir uns die Zeit, um unsere Reise zu reflektieren.
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Reenactment im Figurentheater

Same, same but different

Der Schwerpunkt Puppen- und Figurentheater geht von den vielfältigen Beob­achtungen der Redaktion im Feld des Schauspieltheaters aus, wo Puppenspieler:innen bedeutende Partner sind oder gleich die große Bühne übernehmen. Ein Trend, der vor 25 Jahren schon einmal herausragende künstlerische Produktionen hervorbrachte, als die Regisseure Tom Kühnel und Robert Schuster zusammen mit Suse Wächter und ihren Puppen kanonische Stücke wie Goethes „Faust“ neu sehen ließen. So etwas sollte schon in der Ausbildung als „Bandenbildung“ angestiftet werden, meint Jörg Lehmann von der Berliner Ernst-Busch-Schule, und TdZ-Redakteurin Elisabeth Maier beschreibt, wie der Studiengang Figuren­theater an der Stuttgarter Hochschule für Musik und Darstellende Kunst angelegt ist. Es gibt da noch viel zu entdecken – und vor allem auch viel auf die Bühnen zu bringen.
Die Errichtung der vierten Wand in der Bildenden Kunst – Das ist eine sogar theatertheoretische Überraschung, die der Venedig-Biennale-­Künstler Ersan Mondtag im Gespräch mit dem Dramaturgen Ludwig Haugk in den Ring wirft. Mondtag bespielt den deutschen Pavillon in Erinnerung an seinen Großvater, der als türkischer Arbeitsmigrant nach Deutschland kam, unter dem Titel „Monument eines unbekannten Menschen“ mit Performances, in denen der kraftvolle Volksbühnen-Schauspieler Frank Büttner im Zentrum steht und viele verblüfft. Alles dazu im Kunstinsert dieser TdZ-Ausgabe.
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Puppen- und Figurentheater

Das Theaterlabor Bielefeld, gegründet 1983 von Siegmar Schröder gemeinsam mit Studierenden, ist ein prägnantes Beispiel für die Entwicklungen, die seit den 1980ern zu einer Modernisierung des deutschen Theaters und in Folge zur Konstituierung des Freien Theaters als „Zweiter Säule“ der Theaterlandschaft führen sollten.
Ein Ensemble, das kollektiv und egalitär die ­Gegenstände und Themen seiner künstlerischen Arbeit selbst bestimmte, sich permanent bei den großen, beispielgebenden Künstler*innen des „anderen Theaters“ in Europa aus- und weiterbildete, das zu internationalen Festivals eingeladen wurde und schon früh auch selbst Festivals und Koproduktionsbeziehungen in Europa und bis nach Nordamerika entwickelte und schließlich eine Institution bildete, die Bestand hat und inzwischen von einer nachgewachsenen Generation übernommen wurde.
Die Entwicklung dieser Theaterkunst aus der Kraft der Selbstermächtigung wird von Siegmar Schröder und Henning Fülle in Berichten und Interviews, Gesprächen und Erinnerungen nachgezeichnet und in den Kontext der künstlerischen und institutionellen Aufbrüche der westdeutschen Thea­terlandschaft seit den 1970er Jahren eingebettet.
Mit Interviews und Texten von Eugenio Barba, Yoshi Oida, Leo Bassi, Margarete Pikes, Horacio Czertok, Nullo Facchini, Robert Jakobson, u.v.m.
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Reisen in internationale Theaterwelten

 Wir haben es einfach gemacht!

Nachdem die Freie und die inklusive Szene den Weg bereitet haben, sind in den letzten Jahren auch einige Stadttheater in Deutschland inklusiver geworden. Eines davon sind die Münchner Kammerspiele. Unter der Intendanz von Barbara Mundel sind erstmals nicht nur Schauspieler:innen mit körperlicher Behinderung, sondern auch Schau­spieler:innen mit kognitiver Beeinträchtigung fest in einem Stadttheater-Ensemble angestellt. Auch im Bereich Text, Regie und Choreografie arbeiten die Münchner Kammerspiele inklusiv. Das Theater der Zeit Spezial geht von diesen konkreten Erfahrungen der vergangenen Spielzeiten seit 2020/21 aus.
Einen kurzen Abriss zur Geschichte des inklusiven Theaters in Deutschland gibt Georg Kasch. Der Schauspieler Dennis Fell-Hernandez interviewt die Intendantin Barbara Mundel und das Team der Münchner Kammerspiele um Nele Jahnke reflektiert über die strukturellen Entwicklungen und Erfahrungen und weitere beteiligte Künstler:innen teilen ihre Perspektiven.
Das Spezial ist wendbar und erscheint in Alltagssprache und in Leichter Sprache.
+++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++ In Leichter Sprache:
Bis jetzt wird nur an wenigen Theatern in Deutschland inklusiv gearbeitet. Zum Beispiel bei den Münchner Kammerspielen.
Die Münchner Kammerspiele finden Inklusion wichtig. Darum gehören zum Ensemble der Münchner Kammerspiele auch Schauspieler:innen mit Behinderung. Es sind Schauspieler:innen mit Körper·behinderung. Und Schauspieler:innen mit anderen Lern·möglichkeiten. Sie spielen fest an den Kammerspielen.
Manchmal kommen weiter Künstler:innen mit anderen Lernmöglichkeiten und Körperbehinderung an die Kammerspiele und denken sich Theaterstücke aus.
Das Magazin Theater der Zeit Spezial berichtet von den Erfahrungen der Münchner Kammerspiele mit dem Thema Inklusion.
Es werden Beispiele beschrieben aus den Jahren 2020 bis heute.
Georg Kasch schreibt über die Geschichte des inklusiven Theaters in Deutschland. Der Schauspieler Dennis Fell-Hernandez interviewt die Intendantin Barbara Mundel. Das Team der Münchner Kammerspiele denkt über die Erfahrungen aus ihrer inklusiven Arbeit nach. Und weitere Künstler:innen teilen ihren Blickwinkel.
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Notizen zu Inklusion an einem Stadttheater

All Abled Arts

Der Regisseur Krzysztof Warlikowski

Jammer und Glorie

„Ich war nie in einem Theaterbetrieb, ich war immer frei“, bekundet der Theatermacher Willy Praml.
In Frankfurt am Main verankert, behauptet er mit seiner künstlerischen Arbeit ein selbstbestimmtes und politisches Theater. Seit den 1970er Jahren erregte Willy Praml Aufsehen durch die Erprobung neuer theatraler Formen mit Lehrlingen, im ländlichen Raum und mit dem „Faust 1 &amp; 2“ in der Frankfurter Paulskirche. Nachdem sein Theaterkollektiv 2000 in einem Industriedenkmal in der Main-Metropole, der Naxos-Halle, seine Heimat fand, inszeniert das „Theater Willy Praml“ dort Gesamtkunstwerke, literarisch sowie musikalisch und immer wieder auch interkulturell mit Geflüchteten. Mittlerweile ist aus dem Provisorium ein Produktionshaus geworden. Im „Studio Naxos“ arbeiten Künstler:innen aus der freien Szene; Kino und Konzerte gehören ebenso zum Programm. Autor:innen aus Feuilleton und Wissenschaft beschreiben und reflektieren in ihren Beiträgen fünfzig Jahre dieser Theatergeschichte – fünfzig Jahre einer permanenten künstlerischen Auseinandersetzung mit der sozialen Wirklichkeit.
 
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Theater Willy Praml

Poesie, Heimat und Politik

Je suis Charlie

Am 5. November heißt es in den USA: Trump oder Harris. Eine Schicksals- und Zukunftswahl für die ganze Welt. In der Theaterwelt sind die USA, ab Mitte des 20. Jahrhunderts wichtiger Impulsgeber für das europäische Theater, längst nicht mehr führend und selbst die immer kreative New Yorker Avantgarde ist für die deutsche Szene kein Magnet mehr, während der Broadway brummt nach Corona und Krise. Trotzdem lohnt ein Blick in die schwächer gewordenen Wechselbeziehungen. Die amerikanische Theaterkünstlerin und Dramaturgin Theresa Buchheister stellt das aufregende New Yorker Performanceduo Peter Mills Weiss und Julia Mounsey vor, Robert Wilson erklärt, warum er mit „Moby Dick“ ein Schlüsselwerk der amerikanischen Kultur inszeniert, und TdZ-Redakteur Stefan Keim spricht mit Noah Haidle, dem aktuell präsentesten amerikanischen Dramatiker auf deutschen Bühnen. Enjoy the show!
Zum Amerika-Schwerpunkt gehören außerdem die Doppelbesprechung der Adaptionen von Ottessa Moshfeghs Roman „Mein Jahr der Ruhe und Entspannung“ in München und Graz sowie der Vorabdruck zu Judith Malinas <a href="https://tdz.de/shop/produkt/daa87cc5-7f2f-4604-8790-e380631debe0">„The Piscator Notebook“</a>, das erstmals auf Deutsch erscheint und somit auch an die früher einmal sehr engen Wechselbeziehungen zwischen amerikanischem und deutschem Theater erinnern soll. Vielleicht wird es ja auch wieder anders?
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Amerikanisches Theater

Der Regisseur und Musiker Thom Luz

Song of Smoke

Der Tänzer-Choreograf Ismael Ivo

Die Bibliothek des Körpers

Der Wahlberliner Gottfried Pilz (*1944 in Salzburg, +2024 in Berlin) zählte zu den renommiertesten Bühnen- und Kostümbildnern des Musiktheaters. Seine feinsinnigen, beeindruckenden Arbeiten entwickelte er durch das intensive Studium von Libretto und Partitur – im Lauf der Jahre mit einer zunehmend abstrakten und minimalistischen Bildsprache. Pilz arbeitete unter anderem mit den Regisseuren John Dew, Götz Friedrich, Günter Krämer, Stefan Herheim und George Tabori zusammen. In der reich bebilderten Publikation sind großformatige Fotografien, Zeichnungen, Figurinen und Bühnenbildmodelle zu sehen. Es ist ein konzentrierter Ausschnitt mit 15 Projekten aus 50 Schaffensjahren einschließlich Regiearbeiten. Besonderer Bestandteil der Ausgabe sind die Camera-obscura-Aufnahmen der Fotografin Karen Stuke. Sie fotografierte viele Jahre die Opernaufführungen von Gottfried Pilz. Das Buch enthält eine Kurzbiografie, ein umfassendes Werkverzeichnis sowie ein sorgfältig recherchiertes Register.
Mit Textbeiträgen von Jochen Diederichs, Gottfried Pilz, Bärbel Reißmann, Kerstin Schröder und Karen Stuke 
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Bühne Kostüm Regie

Gottfried Pilz

Sie inszenieren an großen Theatern, ihre Arbeiten werden zu großen Festivals eingeladen, sie leiten sogar Häuser – und sie sind jung! Das im deutschsprachigen Raum viel diskutierte Regietheater hat eine neue Generation an Theatermacher:innen hervorgebracht, die etwas mehr als zwanzig Jahre nach dem Theater der Zeit Arbeitsbuch „Werk-Stück“ (2003) erstmals in dieser Zusammenstellung porträtiert werden will. In Inhalt und Darstellung disparat, eigensinnig und ohne einen Anspruch auf Vollständigkeit.
Das Arbeitsbuch 2024 stellt die Personen und Arbeiten der neuen Regie-Generation vor. Wir fragen: Welche Themen treiben sie um? Welche Haltungen haben sie? Wie arbeiten sie? Wie sehen sie ihre Zukunft? Und wem gehört sie?
Zwanzig Porträts: Lucia Bihler, Claudia Bossard, Alexander Eisenach, Jan-Christoph Gockel, Julien Gosselin, Sapir Heller, Florentina Holzinger, Heinrich Horwitz, Elsa-Sophie Jach, Pınar Karabulut, Ewelina Marciniak, Antú Romero Nunes, Bonn Park, Christopher Rüping, Marie Schleef, Rieke Süßkow, Luise Voigt, Wilke Weermann, Julia Wissert, Stas Zhyrkov
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Die neue Regie-Generation

Werk-Stück II

Katrin Schuster

Literatur: Identitätskaleidoskop

Literatur: Nachrichten aus der Vergangenheit

Literatur: Wo Wir war, soll wieder Ich werden

Literatur: Meyer, Alphatier

Literatur: Vom Paradies über die Straße bis nach Shanghai

Literatur

Literatur

Literatur: Kühle Wärme

Neuerscheinungen im Verlag