Ein Kampf, der es wert ist

Das Gegenteil von Selbstherrlichkeit und Schwarzmalerei

André Studt: Ist „Künstlerische Begleitung“ ein Euphemismus für Regie? Joachim Fleischer: Ich komme originär nicht von der darstellenden, sondern von der bildenden Kunst. Viele Prozesse der (freien) Figurentheaterbühnen in ihrer künstlerischen Arbeit sind mir sehr geläufig. Oft sind diese Prozesse ja stark bildnerisch geprägt und ausgerichtet, zumal die Mitwirkenden in der Regel nicht nur darstellerisch, sondern auch in Bau und Gestaltung der Figuren, der Objekte, des Bühnenbilds und Sets tätig sind. Darin steckt so etwas wie der Universalgedanke eines Künstlers. Der Versuch einer Begriffsbestimmung von Regie ist, glaube ich, in diesem Zusammenhang vor allem dem Verfahren und der Praxis der Bühnen selbst geschuldet. Von den Bühnenmitgliedern aus entstehen die ersten Konzeptionen und Ideen für Stücke und Theaterformen. Dadurch ist das künstlerische Konzept erstmal stark geprägt von der jeweiligen Bühne. Da es dann meist um die Darstellung und Entwicklung der eigenen künstlerischen Sprache einer Bühne, mit der ich arbeite, geht, greifen manche, teils konventionelle Grundannahmen, die mit dem Begriff ‚Regie’ verbunden sind, hier wahrscheinlich nicht mehr. Deshalb gibt es Versuche, diesen Prozess anders zu benennen und abzubilden. Wunschprojektion dabei ist vielleicht, den nicht autoritären Partner mit reflektorischem Blick, Überblick, Außenblick, als Begleitung zu finden, eine Persönlichkeit, die im Sinne der produzierenden...

An Joachim Fleischer, der in unterschiedlichen Produktionen der Figurentheaterszene als Reflektor, ‚Außenblicker‘ oder künstlerischer Begleiter und Lichtgestalter (z.B. Duo florschütz &amp; döhnert, Tangram Kollektiv, Wilde&amp;Vogel, Rafi Martin oder bei der Numen Company) fungiert, schickte der double-Autor André Studt einige Fragen betreffs seines Selbstverständnisses als Regisseur oder eben: als künstlerischer Begleiter. Für Joachim Fleischer waren diese Fragen Ausgangspunkt für den Versuch, eine nicht immer klare Position im Inszenierungsprozess zu beschreiben und zu benennen.

Inszenierungsprozesse differenziert abbilden

Regie oder Künstlerische Begleitung?

Popanz der Macht

Ich will die Menschen ausroden von der Erde

Das Kraftzentrum

Endlich faire Mindestgagen, aber woher kommt das Geld?

Lichtwarktheater: Ein Haus für alle

Residenztheater München: Oh, wie schön ist Paraguay

Wenn es der Kultur um die Thematisierung von Barrieren geht, dann meist in einem Sinne der Sensibilisierung (Stichwort: Awareness) und in dessen Gefolge oft um deren Überwindung bzw. Bewältigung. Die dabei zur Anwendung kommenden kulturellen Praktiken sind, gebunden an konkrete Menschen und deren spezifische Kontexte, immer ambivalent: Sie verweisen auf das, was ist (bzw. was als Selbstverständnis zugrunde gelegt wird), und das, was sein sollte bzw. könnte (z. B. als Ergebnis von Austauschprozessen, Diffusion, In- und/oder Exklusivität etc.). Die damit verbundenen Prozesse sind keine Selbstläufer, sondern komplex und konfliktbehaftet – das hat auch mit (systemisch vorhandenen) Barrieren zu tun. Das mag banal klingen, lohnt aber dennoch einer (hier ob der Kürze nur skizzierten) Betrachtung. Die konzeptionelle Entwicklung eines Projekts zum Aufbau und zur Etablierung eines jungen Figurentheater-Ensembles in Erlangen, welches die Zeit zwischen dem biennal stattfindenden Festival produktiv überbrücken sollte, kann als Gegenreaktion auf die (glücklicherweise nicht umgesetzten) Pläne zu dessen Suspendierung wenige Jahre zuvor verstanden werden. In enger Abstimmung mit den Erlanger Veranstaltern des Festivals habe ich (in Funktion der wissenschaftlichen Begleitung, aus deren Perspektive auch dieser Beitrag verfasst ist) eine Anbahnung in drei Projektphasen ersonnen, in der zunächst Kinder und Jugendliche an das Genre herangeführt werden sollten (2013),...

Das kulturpädagogische Projekt „Alles was ich bin“ wurde im Zeitraum 2013 bis 2015 im Rahmen und in direkter Anbindung an das figuren.theater.festival Erlangen entwickelt. Ideelles Initial war die Überbrückung der Zeit zwischen den Festivals, die in kontinuierlicher Arbeit mit Kindern und Jugendlichen und eingeladenen Künstler*innen aus dem Genre zum Aufbau eines Ensembles führen sollte; Zielsetzung war die Produktion einer Aufführung im Rahmen des Festivals. André Studt, der an der Konzeption und Durchführung dieses Projekts maßgeblich beteiligt war, versucht sich in seinem Beitrag an der retrospektiven Aufarbeitung dieses im Endeffekt gescheiterten Vorhabens – und nutzt den Begriff der ‚Barriere‘ zur Plausibilisierung dieses Umstands.

Oder: Der Umgang mit Barrieren als Kern von Kulturarbeit

Ein Rückblick auf das, was wir nicht werden konnten

Ein Licht nicht von dieser Welt

Kim de l’Horizon – Michelle Steinbeck – Pablo Jakob Montefusco – Alexander Stutz

An zwei Tagen wurde in drei Sprachen (man beachte die differenten semantischen Räume des jeweiligen Tagungstitels!) per akademischer Druckbetankung in einem Dutzend Referaten, zwei Keynotes, einem Workshop, einer Lecture und einer Präsentation von Kunststudenten aus Bern das produktions- wie rezeptionsästhetisch Faszinierende und damit diskursiv Reizvolle des Genres substantiell herausgearbeitet. Dabei zeigte sich, dass die Schweiz als mehrsprachiger Standort mit diesbezüglicher Wissenschaftstradition als Schauplatz und Scharnier für eine intensive, cross-kulturelle Befragung des zeitgenössischen Figurentheaters geradezu prädestiniert scheint. Dies wurde schon vom ersten Panel „Object Identities“ an deutlich, wo die Mehrsprachigkeit in den Beiträgen praktiziert und damit implizit das Tagungsmotto als Dramaturgie genutzt wurde: Nicht nur die jeweilig gesprochene Sprache verwies dabei auf bestehende Unterschiede der Perspektivierung, sondern auch das damit verbundene Denken, das sich als Sprache zeigt und in Argumentationen ausbuchstabiert. Dabei sah sich der Blick auf diverse Wissenschaftskulturen geöffnet, die gleichberechtigt nebeneinander stehen und in einen Austausch kommen können. Gerade in Hinblick auf die lebendige Szene in Frankreich, die sich vielschichtiger und vielleicht auch konzeptionell saturierter ausnimmt als ihr deutschsprachiges Pendant, scheint eine Intensivierung des Austausches theoretischer Perspektiven eminent von Bedeutung – und diese Tagung zeigte, auch wenn man in der Sache uneins war (bzw. ob der Unterschiedlichkeit der behandelten...

Seit 2017 hat sich an der Universität Bern, in enger Zusammenarbeit mit der dortigen Hochschule der Künste und unter den Förderfittichen des Schweizerischen Nationsfonds, ein veritabler Forschungscluster zum Figurentheater gebildet, in dem dieses als „Movens einer spartenübergreifenden Theater-, Tanz- und Musiktheaterforschung“ verstanden wird. Der vorläufige Ertrag dieses Vorhabens wurde – kurz vor dem Ende des Förderzeitraums im Juni 2020 – in Form einer internationalen Konferenz unter dem Titel „Uneins. Identitätsentwürfe im Figurentheater“ mehr als sichtbar.

Differenz als Chance und Impuls – Tagungseindrücke aus Bern

At Odds = Uneins = Désuni

„Queer sein bedeutet für mich, das Leben zu genießen. Und es anderen möglich zu machen, es genießen zu können.“

Oder: Wie eine Interrail-Reise mit der Inszenierung eines Brecht-Textes zusammenhängt

Europa als Egotrip

Der Krieg und die „Kulturrevolution“

Wende und Wandel

Das Lied der Guano-Vögel

Eine Fundgrube

Fair bezahlt und arbeitslos?

Was macht das Theater, Bernhard Stengele?

Was uns in diesem Heftschwerpunkt beschäftigt hat, kann schlicht auf die Losung „Regie: Fragezeichen“ heruntergebrochen werden. Denn neben dem Aspekt der künstlerischen Profilierung in den besonderen Produktionsprozessen des Figurentheaters stellen sich grundsätzliche Fragen an Anspruch und Bedeutung, an die sozialen und politischen Dimensionen von Regie immer drängender. Letzteres geht nicht nur mit der allgemein diskutierten Infragestellung von (missbrauchten) Hierarchien im Theaterbetrieb einher, sondern auch mit produktionsästhetischen Eigenarten eines Theaters der...

Zwischen Autor*innenschaft und Außenblick

Regie?

Luzern: Siegerprojekt für das Neue Luzerner Theater gekürt

wann, wenn nicht jetzt?

Zur aktuellen Situation der niederländischen Kulturszene

Lärmendes Schweigen

Was macht das Theater, Yana Salakhova?

Die wirkende Erinnerung

Vorhang runter, Zelt weg

Spanische Theaterautor:innen im Überblick

Zuhören. Eine radikal-politische Erfahrung

Programmieren auf der Probe?

Wladimir Putin – eine Figur von Dostojewski?

Deutsches Theater Berlin: Moral und Ästhetik in Zeiten des Kriegs

Glanz oder Harnisch: Das Laboratorium

Theater und Arbeiterklasse

Das Risiko des zeitgenössischen Dramas

Die Erfindung des Theaters aus dem Geist der Malerei

18. Internationales Figurentheater-Festival Erlangen, Nürnberg, Fürth, Schwabach

Die Welt als Tisch

Ein Besuch beim Steinacher Theatrum Mundi

Zwischen den Zeiten und doch im Heute

Der Anti-Katastrophenfilm

Ein Mann in allen Medien

Wilde Dramaturgie – Nachdenken über Textarbeit

Was macht das Theater, Christiane Schneider?

Unboxing Chévere

„Es geht um magische Momente“

I do you!

Leonhard-Frank-Stipendium zur Förderung zeitgenössischer Dramatik geht an Elisabeth Pape

(Fast) alles neu bei Theater der Zeit

Leidenschaftlich zeitgenössisch

Was macht das Theater, Johanna M. Keller?

Aalto-Musiktheater Essen: Der Mensch ist gar nicht gut 

Das Motto dieser double-Ausgabe, „Gewalt spielen“, setzt ein ambivalentes Thema. In den nachfolgenden Überlegungen zum szenischen Umgang mit Gewalt möchte ich einen Versuch starten, durch ein Umkreisen bestimmter Aspekte von Gewalt, die (a) als Spiel verstanden, (b) als Spiel aufgeführt und (c) dementsprechend wahrgenommen werden können, Dimensionen einer (szenischen) Gewalt implizit aufscheinen zu lassen. Dabei muss man aufpassen, nicht in die Falle des gefährlich attraktiven Affekt-Potentials des Themas zu geraten. Gewalt und Spiel sind Phänomene, deren aufeinander bezogenes Miteinander zu Problemen führen kann, was sowohl in der Praxis (= was wie real tun?) als auch in der Interpretation, dessen Horizont zwischen einer erkannten Verherrlichung (= zu real?) oder Verharmlosung (= zu fiktional?) des Gegenstands aufgespannt sein kann. Diese Gemengelage verschärft sich, wenn das dem Spiel selbst innewohnende Gewalt-Potential (das sich z.B. im Wettkampf-Aspekt zeigt) die Grenzen zwischen den Begriffen und den damit verbundenen Praktiken verschwimmen lässt. Die dann gebotenen moralisch-ethischen Kategorien einer Flankierung von Reflexion und Kritik tragen ihren Teil dazu bei, dass dieses Terrain, vor allem, wenn es auf das Feld der Kunst ausgedehnt wird, komplex genannt werden kann – und mit Vorsicht zu genießen ist. Gewalt als Spiel verstehen Gewalt ist etwas Ernstes; die Konsequenzen, die eine Anwendung,...

„Gewalt spielen“ lautet die Setzung für den Thementeil dieser Ausgabe von double. Der Theaterwissenschaftler André Studt umkreist in seinem einleitenden Essay in einem Dreischritt den szenischen Umgang mit Gewalt auf der Bühne des Figurentheaters und denkt nach über verschiedene Aspekte im Spannungsfeld zwischen Gewalt und Spiel.

Vorsichtige Überlegungen zur szenischen Verhandlung von Gewalt

Zwischen Fiktion und Realität

Systemcheck

„Das Etikett ‚AUFSTREBEND‘ ist grausam und hält die Autorinnen klein“

Herr Studt und Herr Becker verabreden sich um Punkt sechs im Erlanger Theatercafé, um gemeinsam über ein Geburtstagsgeschenk zur 300. Jahrfeier vom Markgrafentheater nachzudenken

Ein Wald in Flammen

Berliner Ensemble: Unmittelbare Trägerschaft des Landes Berlin angestrebt

Was macht das Theater, Juan Mayorga?

Was macht das Theater, Florentina Holzinger?

Die eigene Dringlichkeit

Neue Dramatik, alte Geschichten, neue Welten

Ein Gespräch mit den neuen Professorinnen des Studiengangs Figurentheater an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart

Createur und Interpret

Das Cartoonartige ausloten

Rufer in der Wüste

Statt Begriffe subjektiv, auf die eigene Erfahrung bezogen auszulegen, um sie dann operativ in der (künstlerischen) Arbeit wirksam werden zu lassen, besteht der Luxus der Geisteswissenschaft vor dem Diskurs in der schweifenden Beobachtung eines Feldes und der beschreibenden Zuordnung von wahrgenommenen Phänomenen sowie in vorhandener Fachsprache: Da, wo die eigene Disziplin sprachlich / denkend schon einmal war, wandert der Blick meist weiter, bis man eine Lücke im vermeintlich Bekannten entdeckt zu haben scheint, die eine forschende Aufmerksamkeit verdient. Das, was unvertraut erscheint, wird fokussiert, auf denkbare Perspektiven der Betrachtung befragt. So werden, das noch fremde Phänomen umkreisend, abstrahierende Systematiken der Modellierung und möglichen Versprachlichung entwickelt, um die eigene reflexive Befangenheit anderen ggf. daran interessierten Kolleg*innen mitzuteilen. Diese können, wenn überhaupt darauf aufmerksam geworden, dann Zustimmung und – viel wichtiger – Widerspruch artikulieren. Und dann beginnt das, was als Diskurs bezeichnet werden kann. Dieser hat einen paradoxen Nebeneffekt: Das eben noch faszinierend Fremde wird zu einer routiniert verarbeiteten Form der Wirklichkeit, die banal erscheint und die man verstanden zu haben glaubt, so dass man sich auf die Suche nach neuen Lücken macht … In meinem fachlich motivierten Interesse für Theater-Regie – sowohl als expliziter Begriff der Personifikation als auch von (impliziter)...

Aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet der Theaterwissenschaftler André Studt (FAU Erlangen-Nürnberg) das Phänomen „Regie“, mit dem er sich auch in seiner Arbeit an der Schnittstelle von Theorie und Praxis seit längerem auseinandersetzt.

Mutmaßungen zu einem scheinbar ungeliebten Begriff

Regie! Regie?

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wissenschaftlicher Mitarbeiter am Lehrstuhl für Theaterwissenschaft der Friedrich-Alexander-Universität Erlangen-Nürnberg. Arbeitsschwerpunkte: ‚pragmatische‘ Theaterwissenschaft, Dramaturgie/Inszenierung ästhetischer Kommunikation, Formen der Theaterpädagogik, Regie-Theater, Projektentwicklung. Publikationen u. a.: SchattenOrt: Theater auf dem Reichsparteitagsgelände. Ein Monument des NS-Größenwahns als Lernort und Bildungsmedium (Mhg.; 2013); Leben im OFF – ein Bilder- Lese-Buch (Mhg.; 2015); Mitherausgeber der Zeitschrift Schultheater.

Passionsspiele Oberammergau 2022

"Zwischen Zwingli und Zukunft"

"Theater unser"

Recherchen 165 "#CoronaTheater"

"Theater der Vereinnahmung"

Recherchen 163 "Der Faden der Ariadne und das Netz von Mahagonny  im Spiegel von Mythos und Religion"

"Die Passion hinter dem Spiel"

"Passion Play Oberammergau 2022"

Recherchen 162 "WAR SCHÖN. KANN WEG …"

"Scène 23"

Recherchen 156 "Ästhetiken der Intervention"

backstage "HÜBNER"

"Pledge and Play"

Arbeitsbuch 31 "Circus in flux"

Interdisziplinäre Perspektiven auf Europa im Theater der Gegenwart

Vorstellung Europa – Performing Europe

Er kann in seinem Spiel bravourös stutzig sein, brummig stupide oder liebenswert betriebsselig, er kann mit Leib und Seele nach der Welt greifen und all seinen plebejischen Realitätssinn virtuos mit dem Grotesken kurzschließen: Charly Hübner, Jahrgang 1972, Gastwirtssohn aus Feldberg-Carwitz. Ein faszinierender Ausnahmespieler auf der Bühne des Deutschen Schauspielhauses Hamburg und vor der Kamera.
Seine Kunst: Höhenflüge im Höllentief. Noch eine Schleife Verlorenheit, noch eine Prise Verzweiflung, noch einen Humpen Witz. Am liebsten spielt Hübner wohl am Schnittpunkt, wo die Spannung zwischen Eingelöstem und Ersehntem am unerträglichsten ist. Jenseits aller Kultur, mit der wir einander abdämpfen und abrichten. Mit dem Journalisten Hans-Dieter Schütt führte er Gespräche über Herkünfte und Hingaben, erzählt von seinem Dokumentarfilm „Wildes Herz“, einem Porträt des Frontmannes „Monchi“ Gorkow der Punkband Feine Sahne Fischfilet, und seinem Buch über „Motörhead“.
Mit Texten von Charly Hübner, Tobias Rempe, Heinz Strunk und Christian Tschirner.
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HÜBNER

Lange bevor die Passionsspiele in Oberammergau alle zehn Jahre ins allgemeine Bewusstsein vordringen, haben die Vorbereitungen im Ort bereits begonnen. Bühnenbildner Stefan Hageneier entwirft Pläne, nach denen die Bühne des Passionstheaters gestaltet wird. Chor und Orchester beginnen unter der Leitung von Markus Zwink zu proben. Und Spielleiter Christian Stückl macht sich Gedanken über die Textfassung und die Besetzung von Jesus, Kaiphas und der anderen Hauptrollen. 
Dieses Fotobuch dokumentiert die Entstehung der Passionsspiele 2022. Sebastian Schulte ist selbst Oberammergauer und hat den gesamten Arbeitsprozess aus der Innenperspektive miterlebt und mit seiner Kamera festgehalten. Seine Bilder entstanden mitten auf der Bühne, mitten auf den Proben. 
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Preparations for the Passion Play in Oberammergau start long before most people start thinking about it. Stefan Hageneier creates new plans for the stage and costumes of Passion Play Theater. Markus Zwink starts to rehearse with the choir and orchestra. And director Christian Stückl starts to rewrite the script and thinks about the cast for Jesus, Caiaphas, and the other main characters. 
This book documents the making of the Passion Play 2022, starting with the first preparations, rehearsals, the postponement due to the Corona Pandemic, and finally, the premiere in May 2022. Sebastian Schulte lives in Oberammergau and also plays a servant of the high priest Caiaphas. He has experienced and captured the entire process of the making of the Passion Play with his camera. His photographs show the perspective from the inside, immersed in the rehearsals, immersed in the play.

Die Passion hinter dem Spiel

Zugänge zum Figurentheater

Barrieren | frei

Mit dem Begriff der Intervention ist eine Überschreitung der Kunst durch die Kunst selbst aufgerufen. Damit einher geht nicht nur das Versprechen einer spezifischen Wirksamkeit, sondern eine Praxis des Aushandelns ästhetischer und politischer Sphären. Im Theater scheint die Rede von Intervention dann besonders prägnant zu sein, wenn die komplexen Wechselwirkungen von Öffentlichkeit, Gesellschaft und Medienwirklichkeit über die Szene hinaus thematisiert werden. Der aus einer Tagung an der Ludwig-Maximilians-Universität München hervorgehende Band versammelt Beiträge, die kritische Perspektiven auf Theaterprojekte und theatrale Aktionen werfen, die mit unterschiedlichen Strategien des Eingreifens arbeiten. Dabei wird die Pluralität der interventionistischen Ästhetiken und ihre Theoriebildung aufgezeigt.
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Ein- und Übergriffe im Regime des Theaters

Ästhetiken der Intervention

Gewalt spielen

Figurentheater und Geschlecht

Puppe*

What’s the story with the little village of Oberammergau in the Bavarian Alps? For nearly 400 years, the people who live here have performed the Passion of Christ every ten years. All together. Grandparents, parents, children and grandchildren all join each other on stage. They are fulfilling a vow once made by their ancestors to stave off the plague. This book sets out to discover why the villagers’ enthusiasm for theatre has endured to this day. It takes a look behind the scenes and accompanies the creation of the 2022 Passion Play with its 2,400 participants. In a series of conversations, the author explores their motivations, special rituals such as the Hair and Beard Decree and theatre life in times of the coronavirus pandemic. And why giving up is not an option.
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How the Passion Play in Oberammergau Changes  a Village and Impacts the World

Pledge and Play

Was ist immersives Theater? Was bedeutet es, im Kontext der Theaterrezeption davon zu sprechen, dass Zuschauerinnen und Zuschauer „komplett eintauchen“? Die vorliegende Studie entwickelt anhand eines breiten Korpus von Aufführungen des partizipativen Gegenwartstheaters ein Verständnis von immersivem Theater im engen Sinn und trägt damit zur begrifflichen Unterscheidung von Partizipation und Immersion bei. Untersucht werden formale Gemeinsamkeiten der Publikumsinvolvierung in Arbeiten des Kollektivs SIGNA, von Paulus Manker, Punchdrunk und Scruggs/Woodard. Die Autorin zeigt, dass immersives Theater mit seinen multisensorischen und interaktiven Erfahrungsräumen wirkungsästhetisch auf komplexe Prozesse der Vereinnahmung zielt. Diese können sowohl in produktive Selbstreflexion umschlagen als auch unbemerkt bleiben, worin sich die gesellschaftspolitische Relevanz dieses „übergriffigen“ Theaters widerspiegelt.
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Die kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../../api/files/99046257-5541-410f-9ab6-b9e43a361bfc/TdZ_Recherchen_164_Theater der Vereinnahmung.pdf">PDF-Download (ca. 6 MB)</a>
ISBN 978-3-95749-429-0 (Open Access) DOI: <a class="PrimaryLink BaseLink" href="https://doi.org/10.35287/9783957494054" target="_blank" rel="noopener">https://doi.org/10.35287/9783957494054</a> Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Publikumsinvolvierung im immersiven Theater

Theater der Vereinnahmung

Neuerscheinungen im Verlag