Prägende Zeiten an der WLB

Aufbrechen/Ankommen: Innenansichten

Was macht das Theater, Philipp Adlung?

Fluid, Trans, Drag

Cripped Curricula

Es geht nur gemeinsam

Das Programm ARTplus

wir hoffen, dieser Brief erreicht Dich bei bester Gesundheit. Uns geht es gut, doch wir sind ein wenig sentimental. Zehn Jahre lang gestalteten wir – Marie Bues (2013 – 2021), Martina Grohmann (2013 – 2023) sowie Franziska Stulle (2021 – 2023) – als Theaterleiterinnen gemeinsam mit unserem Team das Theater Rampe. In unserer Arbeit reflektierten wir von Anfang an, wie Theater als Betrieb, als Arbeitsgefüge, als Kunstform und als kultureller Ort weiterentwickelt werden kann, und wir versuchten es von Anfang an zu öffnen: für Kollaborationen und ästhetische Prozesse, die nicht immer ergebnisorientiert waren, für transdisziplinäre Experimente, Zusammenarbeit mit der Stadtgesellschaft und Initiativen, für Popkultur und soziokulturelle Formate. Es sollte ein Ort für Begegnung und Versammlung sein und ein Ort, der nicht aufhört, sich weiterzuentwickeln: „Wir bleiben am Anfang und wollen immer weiter anfangen“, hieß es da im Vorwort zu unserem ersten Spielplan. „Im Schatten der Zahnradbahn – Vol. 2“ ist die Fortsetzung des Buches, das 2013 zum Ende der Intendanz von Eva Hosemann am Theater Rampe in Zusammenarbeit mit Theater der Zeit erschien. Zu unserem Abschied 2023 haben wir Freund*innen, Verbündete, kritische Begleiter*innen und Gastkünstler*innen eingeladen, Abschiedsbriefe zu schreiben. Dabei sollte es nicht nur um den erinnernden Blick auf das...

Liebe*r Leser*in,

Abschiedsworte

Voll Feuer für Figurentheater

Theater Oberhausen: Die Menschheits-Show wird abgesetzt

Figurentheater zwischen Tradition und Transformation

Ich sehe was, was du nicht siehst

Wir wollen alle sehen! Wege in die Darstellende Kunst für Menschen mit Behinderung

Den Stein zeigen

Heilbronn: Leon Engler gewinnt mit „Wo die Götter kauern wie Hunde“ den internationalen Dramenwettbewerb „Science & Theatre“ 2025

Theater Oberhausen: No King today

Studieren mit Behinderung – (k)ein Privileg

Versuche einer thematischen Ordnung

Theater Thikwa Berlin: Dinner-Theater mal anders

Unregelmäßigkeiten im Brandschutzsystem

„Ich bin nur durch die Welt gerannt“

„Gesellschaft besteht aus Menschen und Menschen können Dinge ändern“

Not Just Any’s Body And Mind

Was macht das Theater, Daniel Schüßler?

Über Zeitenwenden hinaus

Wer liest noch Dramen? oder: Plädoyer für die Pause

Tanz ist einfach überall

Seine Arbeit war autobiografisch

Kultur- und Musikmanagement mit Hürden

Challenge(d) Bodies

Und wieder ist Weltuntergang. Auf den Bühnen sieht er meist ganz schön aus, und weil Trübsal keinen Spaß macht, geben sich die Ensembles alle Mühe, ein paar ironische Funken aus dem Schlamassel zu schlagen. Thomas Köck ist – spätestens seit der „Klimatrilogie“ – ein zuverlässiger Lieferant literarisch hochwertiger und inhaltlich herumschlawinernder Theatertexte. Man kann ja auch nicht ständig Jelinek spielen. Sein neues Stück „Eigentum – Let’s face it we’re fucked“ nennt er sogar eine Komödie. Zwei von fünf Kapitel handeln von einem Haus. Ein Gebäudeskelett ist auch das Zentrum von Heike Mondscheins Bühnenbild. Im ersten Teil gleitet Katharina Schmalenberg auf einem zweirädrigen Elektrobrett, behängt mit einer Menge Handtaschen, über die Bühne. Sie ist die mächtige Maklerin. Später streiten sich die Bewohner:innen darum, wer gerade welches Zimmer besetzt hat und wem der Wintergarten gehört. Ein Gesellschaftsgleichnis, selbstredend. Hier kommt es zu angedeuteten Pointen, die aber in der von mir besuchten zweiten Vorstellung keinen Lacher auslösten. Thomas Köck wollte wahrhaftig eine Komödie schreiben. „Komödien haben ja immer einen gesellschaftskritischen Anspruch“, sagt er in einem Interview im Programmheft. „Lachen ist höchst subversiv. Aber dann ist mir da etwas explodiert beim Schreiben.“ Und er ließ der Explosion freien Lauf, erzählt von einer gescheiterten Landnahme...

„Eigentum – Let’s face it we’re fucked“ von Thomas Köck (UA) – Regie Marie Bues, Bühne Heike Mondschein, Kostüme Amit Epstein, Musik Kat Kaufmann

Schauspiel Köln: Apokalypse, leicht verköckt

Im Ozean aus Klang und Licht

Wille zum Glauben

Durch den Raum wabern meditative Elektrosounds in Stereo. Tiefe Bässe wechseln sich mit gleichförmigen Wellen ab. Im Abgrund einer hektagonalen Kraterlandschaft liegt ein ruhig atmender Körper, den Kopf auf einem Stein abgestützt. Brust und Beine sind von lila-grünen Malen übersehen, die Haut ist löchrig und hängt in Fetzen von den Knochen, wie von einer Krankheit zerfressen. Und dennoch scheint er, im wellenförmig flackernden Licht, das über ihn streift, seltsam ruhig, fast schön. Langsam beginnt der Körper sich zu bewegen, tastet sich vorsichtig über die raue Oberfläche des Bodens, auf dem er liegt. Als gallertige Substanz rutscht er immer weiter in die Mitte des Abgrundes. Es ist eine merkwürdige Situation, die Marie Bues zu Beginn ihrer Inszenierung von Kevin Rittbergers „Wir sind nach dem Sturm“ am Schauspiel Hannover schafft. Geradezu ambivalent verhalten sich die einzelnen Gestaltungselemente zueinander: das zombieeske Kostümbild von Moran Sanderovich mit seinen Wunden und Löchern und Fetzen gegen die fast bieder gesteckten Flechtfrisuren mit pudrig-pastelligem Farb-Haarspray, das beruhigende Sounddesign von Johannes Frick gegen die mondartig dystopische Bühnenlandschaft von Shahrzad Rahmani. Durch dieses Spannungsfeld dringt plötzlich die Stimme von Alrun Hofert. Sie ist das „Ich“, ein Atom, das wahrscheinlich mit dem Urknall entstanden ist und seitdem Carbonteilchen, Magma, Dinosaurier-Zelle,...

„Wir sind nach dem Sturm“ von Kevin Rittverger (UA) – Regie Marie Bues, Bühne Shahrzad Rahmani, Kostüme Moran Sanderovich, Musik Johannes Frick, Video Camille Lacadee 

Staatstheater Hannover: Mitten im Sturm 

„Die Vielfalt ist das Herz der Freien Szene“

Respekt und Vertrauen

Inszenierte Körper

Theater Ulm: Mit doppeltem Boden?

Das Kerngeschäft im Theater sind Feelings

ETA Hoffmann Theater Bamberg: Liftboys und Logbücher

Teufelsgeige

Filmstills

Inklusion versteht sich nicht von selbst

Reflexion fördern

Rückwärts durch die Zeit der Gegenwart

Landestheater Tübingen: Heimat in der ganzen Welt wiederfinden

Solidarität und Glitzer

Nationaltheater Mannheim: Wettstreit der Wahrheiten

Trans*respekt versus anti-trans Gewalt

Die Pflanze, die ich also bin

Living Beneath

Körperpolitik ohne Ende

Garage und Galaxie

Vorwort

Münchner Kammerspiele: Lokalgeschichte meets historische Schuld

Vertonen

„Ich lausche meinem Körper die choreografische Form ab“

Archipel der Kunst

Körper und Körperlichkeit

Unsere Körper sind Text

Die Rückkehr der großen Geschichten

Ride & Resistance

Die Hüfte ist das Zentrum

Der kluge Mann baut vor

Salzgebäck und Puppenstars

Die erste <a href="https://tdz.de/artikel/5a046c33-3c9e-40ff-b0ce-b757000a5048">Plakatserie</a>, mit der Martina und ich an der Rampe antraten, fragte die Stadtöffentlichkeit: „Wem gehört die Welt?“ Die Frage wurde beant­wortet – mit vielen gesprayten und gekritzelten Antworten von uns, von Zuschauer*innen, von Kollaborateur*innen, von einer realen Stadtöffent­lichkeit. Vielfältige bunte Antworten zierten die schwarz-weißen Plakate. Nun nach zehn Jahren stellen wir eine ähnliche, aber spezifischere Frage: „Wem gehört das Theater?“ Diese Frage soll am Ende offenbleiben, kann nur von jede*m/r selbst beantwortet werden, regt hoffentlich an, das Theater als eigenen öffentlichen Raum wahrzunehmen und als diesen für sich in Anspruch zu nehmen. „Wem gehört die Welt“ bis „Wem gehört das Theater“ stellt in der Zeitspanne unserer künstlerischen Leitung zudem die Frage nach einer Deutungs- und Diskurshoheit, nach einer Perspektive, einem point of view, sprich nach einer Autor*innenschaft und ihrer Wirkmacht auf die Erzählung auf der Bühne. Diese Frage hat uns die Jahre am Theater Rampe beschäftigt, fungierte als interne Überschrift und führte zu einer Bandbreite von Erzähl­formen, Expe­­rimenten und Koproduktionsformaten in sehr unterschiedlichen Projekten. Barack Obama, gefragt von Studierenden, sagte, jetzt von mir sehr frei zitiert: „Wir denken immer, Personen handeln aus profitorientierten oder egoistischen Gründen, oft aber handeln Personen angetrieben von der Macht einer Geschichte, einer...

Öffentliches Sprechen

Die Gewalt geht vom Volke aus

Nicht nur Gestell für Stimmbänder und Handgesten

Von Sprachverbotsversuchen, Sprechermöglichungen und Körperwirklichkeiten

Die Arbeit der Frauen: Punch und Judy

Auf dem Gipfel der Verzweiflung

Tanzen zwischen künstlerischer Perfektion und Höchstleistungssport

Spielart-Festival München: „Sie sind gelaufen, damit ich gehen kann“

Ausgebeuteter Körper

Unidentical Dude

Oldenburgisches Staatstheater: Betont präzise und seelenlos

Zirkus

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Das Licht im Kasten

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Karl und Rosa. Für Geister Eintritt frei

Schleifpunkt

Die Reise ins Innere des Zimmers

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Die Verfassung der Strände

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Wir sind keine Barbaren!

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Ich distanziere mich von allem (und jetzt Gut´Nacht)

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Stück aus Holz

Bartsch, Kindermörder

ICH RUFE MEINE BRÜDER

Der Hund des alten Mannes

Bauern, Bonzen und Bomben

Ich, dein großer analoger Bruder, sein verfickter Kater und du

Edward Snowden steht hinterm Fenster und weckt Birnen ein

Die vielen Stimmen meines Bruders

Antigone. Ein Requiem

Die Unterrichtsstunde

Der Berg, über den kein Vogel fliegt

Lysistrata

Maria Stuart

was zündet, was brennt

X-Freunde

geboren 1980 in Erlenbach, studierte von 2000 bis 2004 Schauspiel an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Stuttgart, bevor sie 2006 als Regieassistentin an das Theater Basel wechselte. Seit 2008 arbeitete sie als freie Regisseurin und inszenierte u. a. in Basel, Osnabrück, am Residenztheater München, am Jungen Theater Göttingen und in Heidelberg. Von 2013 bis 2021 war sie Ko-Intendantin am Theater Rampe in Stuttgart.

Team des Theater Rampe 2019

Alrun Hofert und Johannes Frick (Live-Musik) in „Wir sind nach dem Sturm“  von Kevin Rittberger in der Regie von Marie Bues am Staatstheater Hannover.

Joscijka Abels‘ historischer Roman, setzt sich auf komplexe und tiefgründige Weise mit zentralen Fragen der menschlichen Existenz auseinander. Durch den Dialog der Romanfiguren enthüllt sich die performative Natur des Lebens, in der die Grenzen zwischen Realität und Inszenierung im „teatro mundi“ (Welttheater) verschwimmen. Die Reflexion über Kunst, Philosophie und Politik macht Abels Roman zu einer anspruchsvollen und lohnenden Lektüre.
Es ist im Jahre 1464, als Bernardo Rossellino, aus einer Zeitschleife zurückkehrend, sich in der Bibliothek seines von ihm erbauten Palazzo Piccolomini in Pienza wiederfindet. Wer er ist, weiß er nicht mehr. Und so beginnt für ihn die Suche nach seiner Identität. Wer war jener Gamberelli, von dem alle sprachen? Bernardo begegnet einer Abendgesellschaft, darunter Papst Pius II., vormals Eneas Silvio Piccolomini, dem Philosophen und Kleriker Cusanus, auch bekannt als Nikolaus von Kues, dem vielseitigen Architekten Leon Battista Alberti, seinem Tugendfreund Filarete und dem Mathematiker Paolo dal Pozzo Toscanelli. Sie versammeln sich jeden Abend um ein in der Mitte des Bibliotheksaales eingelassenes Spielfeld und widmen sich mit einer runden, ausgehöhlten Kugel dem Globusspiel. Es ist das Weisheitsspiel des Cusanus, in dem es gelingen soll, gleichsam durch einen Spiegel und im Rätselbild auf die Möglichkeiten in dieser Welt und in uns zu sehen. Was ist das Geheimnis des Enea Silvio Piccolomini? Warum hatte man die von Bernardo gebaute Erinnerungsarchitektur, das von diesem Papst gewünschte Memoriale an seinem Heimatort, so geändert? Wieso hatte sich über die cusanische Reform des julianischen Kalenders nicht nur ein Schleier, sondern der Mantel des Vergessens gelegt?
Die abendlichen Dialoge kreisen um nahezu alle Grundfragen, die aus der Renaissance überliefert sind. Die Runde öffnet sich den Quellen der griechisch-römischen Antike und reflektiert über die Beziehungen zwischen Architektur, Kunst und Wissenschaft, über die Wirklichkeit und Möglichkeit in der sichtbaren Malkunst, über den Ursprung der Welt, das Phänomen der Zeit und das Nebeneinander der Religionen.
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Kaleidoskop der Stimmen und Bilder

Julianische Tage im Schatten der Piazza

Mit zahlreichen Beispielen und Tipps wird in diesem Band das Entstehen gemeinsam improvisierter Szenen erläutert. Wie beginnen wir Szenen? Wie führen wir sie fort? Und wie beenden wir sie? Wie schaffen wir eine stabile Plattform? Und wie improvisieren wir ohne Plattformen? Wie erschaffen wir kraftvolle szenische Konflikte und wie spielt man intime Szenen? Wie unterstützen wir unsere Partner auf der Bühne und aus dem Off? Wie entsteht Komik und wie erschaffen wir berührende Szenen?
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Die Magie der Szene

Improvisationstheater (Bd. 3)

Neuerscheinungen im Verlag