Verletzte Körperlandschaft

Theater für Taiwan

Was macht das Theater, Maciej Nowak?

Rekonstruieren, was uns die Diktatur genommen hat

Freiheiten keinesfalls ungenutzt lassen

Warum Theater,

Das Unbehagen fest umklammert

Figaro qua, Figaro là – Figaro hier, Figaro da! Ob in Salzburg, Berlin, Frankfurt, in Meiningen, bald auch in Hamburg, sowie in München: Mozarts Kultoper „Die Hochzeit des Figaro“ ist in. In München war das schon immer so. Acht Jahre nach der Uraufführung am Wiener Hoftheater 1786 kam das Stück 1794 erstmals ans Salvator-Theater. Seit 1821 wurde es am Hof- und Nationaltheater gespielt und im Cuvilliéstheater seit 1904, im Prinzregententheater seit 1946, im Gärtnerplatztheater seit 1953. Sogar die Münchner Kammerspiele stellten 2016 eine Bearbeitung zur Diskussion. 2017 gab es eine Neuinszenierung von Christof Loy an der Bayerischen Staatsoper, die nun offenbar ausgedient hat, denn nun folgt – nach der im Sommer am Gärtnerplatztheater – eine neue Produktion mit dem kasachische Regisseur Evgeny Titov. Vor der Premiere gab es bereits Protest. Die Facebook-Seite „Against Modern Opera Productions" rief Anfang Oktober zum Boykott auf, wegen „Sadomaso-Elementen", und meinte damit wohl den vollautomatischen (Folter-Lust-)Dildo-Stuhl (Ausstattung von Annemarie Woods), eines der zentralen Bühnenrequisiten der Inszenierung. Nach einem Statement von Titov wurde der Eintrag gelöscht. „Dieser 'Figaro' wird witzig sein, auch pikant im französischen Sinn“, versprach der Regisseur in einem Interview. Und:„Alles bleibt ganz im Geiste Mozarts.“ Ein hoher Anspruch, schließlich präsentiert Mozart den Menschen...

„Le nozze di Figaro“ von Wolfgang Amadeus Mozart, Libretto von Lorenzo Da Ponte –  Musikalische Leitung Stefano Montanari, Inszenierung Evgeny Titov, Bühne und Kostüme Annemarie Woods, Licht D. M. Wood

Bayerische Staatsoper München: Unter Feuer

Guerrilla Marika

50 Jahre nach dem Putsch in Chile

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Dafür gibt es in ihrer Sprache bestimmt einen Ausdruck 

Reaktion als Emanzipation

Räume im Besitz der Bürger

Hessisches Landestheater Marburg: Spiel mir das Lied von der EU-Bürokratie

„Falsch wie Fischstäbchen“

Mein Land

Widerhall einer kollektiven Erinnerung in Chile

Theater als Raumschiff

Allianzen bilden

Jetzt ist alles politisch

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Die Straße wird queer

Der Albtraum ist noch nicht vorbei

Zu woke für das Publikum?

Vom toten Huhn bis zu den Millennials

Emily weint doch nie

Was folgt

Hamlet oder doch nicht? Das war die eigentliche Frage zum Auftakt der Opernfestspiele in der Bayerischen Staatsoper mit der Münchner Erstaufführung von Brett Deans Vertonung von Shakespeares „Hamlet“. Um es gleich vorwegzunehmen: War es nicht. Allzu drastisch waren die Veränderungen, die Brett Dean im Verbund mit seinem Librettisten Matthew Jocelyn an Shakespeares epochalem Seelen-Drama vorgenommen hatte, an das sich weder Tschaikowski, Verdi noch Wagner wagten. Ganze vier Fünftel der insgesamt viertausend Verse Shakespeares wurden gestrichen. „So etwas wie ein ‚Hamlet‘ gibt es nicht“, hatte Jocelyn in einem Interview im Programmheft zum Glyndebourne-Festival 2017, auf dem die Oper uraufgeführt wurde, gesagt. Schließlich sei die Quellenlage widersprüchlich – abgesehen davon, dass es wohl kaum einen Opernlibrettisten gibt, der sich um eine literarische Vorlage schert. Die Story einer dysfunktionalen Familie am dänischen Königshaus wollten Komponist und Regisseur (Neil Armfield) nun erzählen ohne die geopolitischen Aspekte des Dramas, die Spannungen zwischen Dänemark und Norwegen. Auch kein schlechter Opernstoff, der allerdings nur funktioniert, wenn die Essenz der Figuren herausgefiltert wird und Deans Musik mitspielt. Doch was bleibt von Shakespeares charismatischer Figur, wenn ikonische Passagen und sein berühmter Monolog gestrichen und selbst das berühmteste Zitat der Theatergeschichte „To be or not to be“, das sinnbildlich für...

„Hamlet“ von Brett Dean, Libretto Matthew Jocelyn nach William Shakespeare, Musikalische Leitung Vladimir Jurowski, Inszenierung Neil Armfield, Bühne Ralph Myers, Kostüme Alice Babidge

Bayerische Staatsoper: Pappfigur Hamlet

Schauspiel Leipzig: I got to break free

Das unheimliche 13. Jahr

Der ewige Wettkampf

 Das Ende der Verzichtsmetapher

Laudation von Jurymitglied Martin Brachvogel für Lena Gorelik

Etikettenschwindel

Mythos trifft auf Psychoanalyse. Frühbarock auf spätromantischen Expressionismus. Und dazwischen zehn Minuten Techno. So könnte man die Doppelpremiere an der Bayerischen Staatsoper mit Henry Purcells einziger „richtiger“ Oper „Dido and Aeneas“ (1688/89) nach Vergils Aeneis und Arnold Schönbergs Monodram „Erwartung“ von 1909 umschreiben. Über zwei Jahrhunderte Musikgeschichte trennen die beiden Werke, stilistisch, ästhetisch, klanglich. Und doch verbindet die beiden Opern ein Sujet: Zwei Frauen mit ihren Träumen und Ängsten und ihrer Geschichte um unerfüllte Liebe und Tod. In der Welt des Regisseurs Krzysztof Warlikowski gibt’s keine Helden und keine Herrscher. Königin Dido von Karthago (Sopran Aušrinė Stundytė) ist für ihn nicht mehr als eine labile etwas derangierte Frau, und der Prinz von Troja Aeneas (Bariton Günter Papendell), den die Götter einst mit der Mission betrauten, in Latium ein neues Reich zu gründen, ein Hippie mit Schlaghosen und Hang zum Alkohol und anderen Substanzen. Didos Palast ist nun ein funktionaler Bungalow aus den 1970ern inmitten einer auf einer Leinwand projizierten einsamen Waldlandschaft. Entmystifizierung, Entzauberung, Ironie als Regie-Konzept? Oder vielmehr simples Desinteresse des Regisseurs an seinen Figuren, deren Beziehungen und inneren Konflikten? Aus der Musik heraus setzt Warlikowski das Werk jedenfalls nicht in Szene, und auch nicht aus der Motivation seiner Figuren,...

Nach „Dido and Aeneas“ von Henry Purcell und „Erwartung“ von Arnold Schönberg – Musikalische Leitung Andrew Manze, Inszenierung Krzysztof Warlikowski, Bühne und Kostüm Małgorzata Szczęśniak

Bayerische Staatsoper München: Unerfüllte Erwartung 

Gründung einer Akademie der darstellenden Künste in München

Wenn alles auf der Goldwaage liegt

SagdochmalLuca

Mateja Koležniks „Kinder“

GRIPS 2.0 – Neue Räume für das Kinder- und Jugendtheater

Bonobo

Vom Verschwinden der Körper in frostiger Zeit

Theater für alle versus faire Bezahlung?

Laudatio von Jurymitglied Brigitte Korn-Wimmer für Marisa Wendt (Auszug)

Laudatio von Jurymitglied Eva-Maria Voigtländer für Yannic Han Biao Federer

Vielleicht ein Aufbruch

Was macht das Theater, Anne Rabe?

Theater Bremen: Die persönliche Schmerzfigur

Beste Stücke

Drive in

Mönchszellen und Bühnenräume

Muttertier

Theater und Digitalität

Wir sind pessimistisch

Betriebswirtschaftliche Zusammenhänge im (Freien) Kinder- und Jugendtheater

Schauspiel Wuppertal: Generalabrechnung mit der Menschheit 

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Inspiration durch Stille – Kreativität durch Bewegung

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

„Die Glaswanne darf nie kaltlaufen“

Colina

Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer

Viel Potenzial, wenig Raum

„Robin Hood“ am Düsseldorfer Schauspielhaus – die Burg des Usurpators Prinz John ist aus Pappe. Wie die anderen Requisiten, vieles sieht aus wie selbstgebastelt. Der Wettbewerb im Bogenschießen ist dagegen ein cooles Video, ein Hightechgame. Das Kinderstück ist die aktuelle Zusammenarbeit des Bühnen- und Kostümbildners Patrick Bannwart mit dem Regisseur David Bösch. Die beiden bilden seit fast 20 Jahren ein Team. 2004 designte Bannwart die Bühne für Böschs Diplominszenierung „Frühlings Erwachen“ an der Schauspielschule Zürich. Seitdem arbeiten die beiden zusammen, stets in enger Absprache. Die Räume stecken voller Erinnerungen und Emotionalität, in Büchners „Woyzeck“ am Schauspiel Essen wie in Dorsts „Parzival“ am Burgtheater Wien. Bannwarts Bilder liefern eine Mischung aus konkreten Elementen und Offenheit, geben ein Fundament für die Spieler:innen, lassen aber auch Freiräume, die sie füllen können. Ein Gespräch über die Bilder, die Gefühle, das Teamwork. 19 Jahre gemeinsame Arbeit – was verbindet David Bösch und dich eigentlich genau? PB: Ich vergleiche es oft mit einer Paarbeziehung (grinst). Wir sind beide relativ ungeduldige Menschen, die immer weitersuchen und -entwickeln. David meinte mal, dass für ihn Proben Verändern heißt. Das empfand ich auch so. Ich kam gerade aus einer Stadttheaterproduktion, wo Szenen gestellt wurden und dann in tödlicher Langeweile...

Der Bühnen- und Kostümbildner Patrick Bannwart

Das Cartoonartige ausloten

Theater Heidelberg: Psychoanalyse mit der VR-Brille

Gebrannt hat es immer schon

Theater und Transformation

Klänge von Gestern und Heute auf den Bühnen Chiles

Leichensäcke mit Leichtigkeit

Warum wir das Theater brauchen

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Bayerische Staatsoper München

Die Bayerische Staatsoper in München zählt zu den renommiertesten Opernhäusern der Welt und kann auf eine beachtliche Geschichte und Tradition zurückblicken. Europaweit beachtete Uraufführungen fanden bereits um 1700 statt.

Theaterregisseur Yair Shermann

Gemischtes Doppel? „Dido and Aeneas“ von Henry Purcell und „Erwartung“ von Arnold Schönberg als Inszenierung von Krzysztof Warlikowski an der Bayrischen Staatsoper München.

Patrick Bannwart

Und wieder ein neuer Figaro in München: Die lederlastige Inszenierung von Evgeny Titov löste schon vor der Premiere ein Presseecho aus.

Probebühne von „Die Präsidentinnen“ von Werner Schwab am Wiener Akademietheater 2015

Theatermusik ist stets im Wandel. Sie folgt Moden, aber auch eigenen Konventionen – und wie sie dann wieder aufgebrochen werden. Ruhr-Triennale Intendantin Barbara Frey war einst auch Schlagzeugerin. Sie spricht im Interview mit NRW-­Redakteur Stefan Keim über ihre Auffassungen der Musikalisierung des Schauspiels. Thüringen-Redakteur Michael Helbing stellt das Deutsche Nationaltheater Weimar als die wohl im Moment avanciertest Musik-Schauspiel-Bühne vor, und PC Nackt, dieser Wanderer zwischen Elektro-Punk-Projekten und Theaterbühnen mit Schorsch Kamerun und Sebastian Hartmann, lud zum Gespräch auf ein Boot ein, wo die Geräusche des bewegten ­Wassers nebenbei auch als Sounds besprochen wurden. Ein Schwerpunkt auf den Seiten 10 bis 24.
Das Haus der Kulturen der Welt in Berlin hat eine wechselvolle Geschichte. Von dem amerikanischen Architekten Hugh Asher Stubbins, Jr. entworfen, wurde der Bau als Kongresshalle 1957 eingeweiht. Die zu den ikonischen Architekturen des alten West-Berlin zählende „schwangere Auster“ musste nach einem Teileinsturz des Gebäudes 1980 saniert werden und wurde – kurz vor einer anderen Zeitenwende! – im Januar 1989 zum Haus der Kulturen der Welt, mit der Spezialisierung auf die Präsentation nicht-europäischer Kulturen. Nun wird es, nach einer nochmals notwendigen Renovierung, mit neuer Leitung wiedereröffnet. Intendant und Chefkurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, studierter Biotechnologe, und sein vielköpfiges Team der verschiedensten Kunst- und Wissenschaftssparten ließen schon bei der Pressekonferenz im März erkennen, dass nun einiges anders gemacht werden soll bei der Programmierung und Kuratierung. Im Zusammenspiel beinahe wie eine Big Band, jedenfalls auch mit großem Spaß an der Sache. Ute Müller-Tischler traf sich mit Ndikung und den beiden für die Performing Arts verantwortlichen Kurator:innen, Carlos Maria Romero und Marie Helene Pereira, zum Gespräch.
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Welttheater – Haus der Kulturen der Welt Berlin

Theatermusik

Der Schwerpunkt „Millennials im Theater“ geht auf ein schon viel diskutiertes Generationsphänomen zurück. Die Soziologie versucht, mit immer ausgefeilteren Methoden, Generationen nach gemeinsamen Erfahrungen, Wertvorstellungen, Biografien und – das ist der springende Punkt der letzten Jahrzehnte – im Konsumverhalten zu konstruieren. Gleichzeitig entwerfen Medien, darin zum Teil nur auf die Soziologie zurückgreifend, Generationsbilder, die oft mit kulturellen Akteuren sichtbar werden. Genau an dieser Stelle – oder Schwelle – wollten wir ins Theater blicken: mit den Porträts der Schauspieler:innen Miriam Haltmeier, Jonas Dumke, Dominik Dos-Reis und dem Gespräch mit dem Regisseur Wilke Weermann, zusammen mit den beiden übergreifend betrachtenden Artikeln von Leander F. Badura und Martín Valdés-Stauber. (S. 12­–15) Anna Bertram porträtiert außerdem das Leitungstrio am Theater Neumarkt in Zürich.
 
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Eine Generation auf der Suche

Millennials im Theater

Wolf Biermanns Sohn erzählt seine packende Familiengeschichte Klaus Thaler, und der schrieb sie aus der Sicht einer Puppe auf.
Ich bin eine Puppe, my name is Zorro der Bär. Mein schicksalhaftes Buch lebt von der Vermischung aus absurdem Puppenspiel mit realer Geschichte. Kommt mit auf meinem Flug durch die Ost-Berliner Boheme vor dem Mauerfall! Gleich landen wir im Utopia 1990, direkt auf dem Tacheles mit Eimern voller Niemandsland. Der rote Faden rock‘n‘rollt sich vor- und rückwärts auf. Er entpuppt Biermanns „Treuehand“ und entknotet Freygangs „Firma“. Ich finde eine Spur ins Barocke, erzähle von der legendären Hanswurst-Vertreibung der „Neuberin“ und höre vom gemeinen Rammstein. Ein Märchenbilderbuch deutsch-deutscher Aufklärung von Lessing bis Corona. 
Klappe zu und Vorhang auf!
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Dokumentarroman

Eine Puppe packt aus

Anlässlich des 50. Jahrestages des Putsches gegen die sozialistische Regierung Salvador Allendes in Chile bringt Theater der Zeit ein SPEZIAL zum zeitgenössischen Theater in Chile heraus. Vorgestellt werden neueste Tendenzen des politischen, feministischen und digitalen Theaters sowie auch die anhaltende Beschäftigung mit dem Putsch und seinen Folgen. Mit Beiträgen von Manuela Infante, Guillermo Calderon, Alejandro Moreno, Verena Lehmkuhl, Amalia Kassai u.a.
Ein Projekt von Goethe-Institut Chile und Theater der Zeit
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Was für eine Art von Theater es nach dem Krieg in Israel geben könnte, haben wir den Regisseur Yair Sherman (auf dem Titel) am Ende eines längeren Videogesprächs gefragt. Eskapistische Komödien, Stücke für Trost und Trauer oder Patriotisches und Politisches? Man müsse erstmal herausfinden, was genau die Menschen fühlen und wie das zu verarbeiten ist, so Sherman in seiner Wohnung in Tel Aviv. Noch Wochen nach dem Angriff vom 7. Oktober stehen alle unter Schock. Sherman war gleich nach der Premiere seiner Inszenierung von Shakespeares „Wintermärchen“ am Theater Freiburg nach Israel zurückgekehrt.
Themen-Schwerpunkt dieser Ausgabe ist das Theater für junges Publikum, welches sich zur Zeit verändert. Die Kinder- und Jugendtheater werden offener, machen mehrsprachige Angebote und führen schon die Jüngsten in Projekte ein.
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Yair Sherman: Theater und Israel

Kinder- und Jugendtheater

In den 1960er Jahren vollzog sich in den Künsten unübersehbar eine performative Wende. Anstelle von „Werken“ erschaffen Künstler zunehmend Ereignisse, an denen nicht nur sie selbst, sondern auch die Betrachter beteiligt sind. Angesichts dieser radikal veränderten künstlerischen Produktion stellt sich auch die Frage nach dem geistigen Eigentum grundlegend neu. Moritz Johannes Ott, Fachanwalt für Urheber- und Medienrecht, untersucht die Ästhetik des Performativen in ihren urheberrechtlichen Konsequenzen.
Er fragt danach, ob und wie performative Kunst urheberrechtlich geschützt ist und inwieweit vor diesem Hintergrund szenische Aufführungen in ihrer Gesamtheit neu zu bewerten sind: Liegt der Schlüssel zum urheberrechtlichen Schutz aller Bühnenkunst im Urheberrecht des Regisseurs an seiner Inszenierung?

Theater, Aktion, Performance

Der urheberrechtliche Schutz performativer Kunst

Die Bayerische Theaterakademie August Everding ist eine der herausragenden Ausbildungsstätten für Bühnenberufe, in der sich Theorie und Praxis auf einzigartige Weise durchdringen. Im Herbst 2023 wird sie dreißig Jahre alt. „DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN“ dokumentiert die wechselvolle Geschichte der Institution in der Vielfalt und Heterogenität ihrer Studiengänge im Spiegel der jüngeren Theatergeschichte. Der Band stellt außerdem Fragen nach einer zeitgenössischen Theaterausbildung und reflektiert das Theater als Kollektiv mit seinen unzähligen Allianzen, Kooperationen und ineinander verwobenen Arbeitsprozessen.
Neben Aufsätzen der Lehrenden enthält das Buch zahlreiche Interviews mit und Statements von Wegbegleiterinnen und -begleitern sowie umfangreiches, bisher unveröffentlichtes Bildmaterial.
Edition Bayerische Theaterakademie August Everding
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30 Jahre Bayerische Theaterakademie August Everding

DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN

Der niederländische Theaterkünstler Johan Simons kann auf eine großartige Karriere als Regisseur und Theaterleiter zurückblicken. Erste Erfolge als künstlerischer Leiter der Theatergroep Hollandia machten ihn in den 1980er und -90er Jahren international bekannt. Seine Arbeit hat ihn in die Leitung der Münchner Kammerspiele und der Ruhrtriennale (2015 bis 2017) geführt, seit 2018 ist er Intendant des Bochumer Schauspielhauses. Das vielleicht wichtigste Thema seiner Inszenierungen ist die Auseinandersetzung mit dem Tod, legendär seine Bochumer „Hamlet“-Inszenierung von 2019 mit der Ausnahmeschauspielerin Sandra Hüller in der Titelrolle.
Dieses reich illustrierte Arbeitsbuch will nicht nur Aufschluss geben über verschiedene Aspekte der Arbeit des Regisseurs Johan Simons, es versammelt auch Zeugnisse seiner Mitstreiter:innen und Weggefährt:innen. Zu Wort kommen u. a. Sandra Hüller, Pierre Bockma, Elsie de Brauw und Mieke Koenen in Interviews, Essays, Bildern und Skizzen.
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Dialog mit dem Tod

Johan Simons

Karin Beier empfing zum Gespräch nur wenige Tage vor der ersten Premiere ihres Antikenzyklus „Anthropolis“, an dem sie insgesamt zwei Jahre geprobt hat. Für unseren Fotografen Nikolaus Stein ließ sie die lebensgroße Tierplastik einer Kuh, zentrales Symbol des Fünfteilers um die Stadt Theben, in das Foyer des Deutschen Schauspielhaus Hamburg legen – siehe Titelbild. Lesen Sie das Gespräch auf den Seiten 28 bis 33.
Am 18. Oktober öffnet die Frankfurter Buchmesse ihre Tore, Gastland ist in diesem Jahr Slowenien. Zu den Höhepunkten des Programms jenseits der Bücher gehört der Auftritt der slowenischen Band Laibach in der Frankfurter Jahrhunderthalle am 19. Oktober. Laibach war einst Teil einer Untergrundkunstbewegung mit dem deutschen Namen Neue Slowenische Kunst, kurz NSK, die auch wesentlich zur Entwicklung der Performance-Szene in dieser jugoslawischen Teilrepublik und darüber hinaus beitrug. Später gehörte beispielsweise die Berliner Volksbühne zu den assoziierten Mitgliedern. Einen Schwerpunkt Slowenien, kuratiert von der Dramaturgin und einstigen Leiterin des slowenischen Theatertreffens Alja Predan, gibt es auf den Seiten 12 bis 26 bzw. noch erweitert im <a href="https://tdz.de/dossier/668ec5f3-8fab-45ce-9f15-599b7c730358">Online-Dossier zu Slowenien</a> auf tdz.de.
 
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Karin Beier: Antike als große Geste

Theater in Slowenien

Queeres Theater wird oft zuerst als Politikum oder Aktivismus wahrgenommen. Dabei entsteht es nicht mehr allein aus der freien Szene heraus, sondern queere Themen und Ästhetiken haben längst den Mainstream der Stadt- und Staatstheater erreicht und es wird viel diskutiert, was es dort bewirkt und an wen es sich in erster Linie wendet. Zeit für einen Schwerpunkt, den die Juniorprofessorin und Spezialistin für queeres Theater Jenny Schrödl mit einem ausführlichen Überblick einleitet, gefolgt von einer publikumssoziologischen Untersuchung und einem besonderen Beispiel am Landestheater Eisenach in Thüringen.
Romeo Castellucci sprach mit Thomas Oberender über seine neue Inszenierung „Mystery 11 Ma“, die am 1. September in der europäischen Kulturhauptstadt Elefsina in Griechenland Premiere hat und sich auf die frühantiken Initiations- und Weihe-Riten der Mysterien von Eleusis bezieht. Der Ort, das heutige Elefsina 30 km nordwestlich von Athen, war einst für Castellucci als Student der Ausgangspunkt für alles, was der Theatermacher bis heute geschaffen hat.
 
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Romeo Castellucci — Die Mysterien von Eleusis

Im Sommer 1972 begann an der damaligen Staatlichen Schauspielschule Berlin ein methodisches, kulturpolitisches und nicht zuletzt künstlerisches Experiment: die Gründung der Fachrichtung Puppenspiel, der ersten ihrer Art im deutschsprachigen Raum. Auf der Grundlage einer soliden Handhabung der darstellerischen Mittel steht seither die Beherrschung des Handwerks der Animation und die Entwicklung einer eigenen künstlerischen Sprache im Mittelpunkt des komplexen Studiums.
Studierende und Lehrende der heutigen Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch nahmen diesen Beginn vor fünfzig Jahren zum Anlass für ein Fest: Puppe50. Drei Tage Spiel und Begegnung, Foren und Diskussionen – getragen von lebendiger Erinnerung, Stolz und Visionen für die Zukunft dieser ganz besonderen Theaterform. Das Buch zum Jubiläum fragt, ganz im Sinne des Festes: Was war? Was ist? Was wird? Ein Innehalten nach fünf Jahrzehnten Ausbildung, eine Bestandsaufnahme in Wort und Bild.
Mit Beiträgen u. a. von Thomas Oberender, Kathi Loch, Gerd Taube, Markus Joss, Katja Kollmann, Robert Schuster, Andrea Tralles-Barck und Rimini Protokoll.

Fünf Jahrzehnte Puppenspielkunst  an der HfS Ernst Busch Berlin

Puppe50

Seit 40 Jahren prägen die vielfach ausgezeichneten Bühnenwelten des Österreichers Martin Zehetgruber die europäische Theaterszene. Es sind Bilder, die auf der Netzhaut nachbrennen. Erinnerungen. Keine Abbilder. Keine Vorlagen. Keine realen Räume. Reste von Eindrücken, die sich abgelagert haben im Gedächtnis – in seinem, in dem der Gesellschaft. Emotional begriffene Situationen, Bilder, Texte, Begegnungen. Sie türmen sich zur Abraumhalde in seinem Kopf. Dass sich seine Bilder aus dem persönlichen Erleben speisen, ist unverkennbar. Die Landschaften, die er auf die Bühnen setzt, sind ihm vertraut, auch die Nachtalben, die sie bevölkern. In allen Bühnen steckt er selbst. Und mit jedem seiner Räume fordert er den Dialog ein, zwingt zum Umgang mit ihnen.
Die Werkschau zeichnet den Werdegang von Martin Zehetgruber nach und versammelt Stimmen von künstlerischen Wegbegleiter:innen aus den verschiedenen Gewerken.
Mit Beiträgen von Barbara Frey, Judith Gerstenberg, Heide Kastler, Christoph Klimke, Alexander Koppelmann, Martin Kušej, Georg Nigl, Nicholas Ofczarek, Andreas Schlager, Elisabeth Schweeger und Klaus von Schwerin.
Das Buch enthält einen Online-Zugang zu den Texten in englischer Sprache. / The book includes online access to the texts in English.
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Bühnen – Martin Zehetgruber

Alles Katastrophe!

Wohin man schaut: Krise! Hungersnöte, Kriege, Desinformation, Klimakatastrophen. Doch zwischen all den aktuellen Krisen und Konflikten blitzt ein Hoffnungsschimmer durch den Theatervorhang. Das Theater schafft Räume, um über Realitäten und ihre Alternativen nachzudenken.  Diese double-Ausgabe beschäftigt sich mit den Möglichkeiten, Utopien im Figurentheater zu denken, zu erleben und zu leben. 
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Utopische Weltentwürfe im Figurentheater

Gegen den Lauf der Dinge

Die ASSITEJ untersucht in einer Auswertungsstudie zum Förderprogramm NEUSTART KULTUR – Junges Publikum den Wirkungsbereich und die Arbeitsrealität der Freien Kinder- und Jugendtheater in Deutschland. Erstmalig ist eine umfangreiche Datenerhebung entstanden, die Aufschluss über diese heterogene Theaterlandschaft gibt: Oftmals agiert sie unter dem Radar der kulturpolitischen Wahrnehmung, stellt jedoch eine zentrale Säule der flächendeckenden kulturellen Grundversorgung dar.
Diese Sonderausgabe ixypsilonzett – Wie macht Ihr das?! diskutiert die Studienergebnisse und entwickelt daraus Perspektiven für die Zukunft der Freien Darstellenden Künste für junges Publikum. Die Autorinnen und Autoren entwickeln gemeinsam mit einem Fachbeirat Handlungsempfehlungen für die Kulturpolitik, um die kulturelle Teilhabe von Kindern und Jugendlichen zukunftsorientiert zu sichern.
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Zahlen und Daten zur wirtschaftlichen und sozialen Lage der Freien Kinder- und Jugendtheater in Deutschland

Wie macht Ihr das?!

Neuerscheinungen im Verlag