Heimat, Horror, Hebebühne

Wie Theater sein Publikum bildet

Was ist eigentlich die Singstimme?

Schneisen in die Gegenwart schlagen

Wir gehen rein

Was macht das Theater, Bernhard Schütz?

Im Kunstfest Weimar stoßen Randerscheinungen ins Zentrum vor

Mecklenburgisches Staatstheater Schwerin: Strampeln bis zur Unmündigkeit

Erleuchtung und Ernüchterung

Es geht um ein Theater neuen Typs

„Was uns alle bedroht, sind die Angriffe auf Pluralität“

The Sound of Diversity

Zwischen der WBS 70 und den Hagebuttenhecken steht die Sonne schon tief, als sich die Gäste um die große Tafel setzen. Zur Vollversammlung, die das letzte OSTEN Festival beschließt, haben einige selbstgebackenen Kuchen mitgebracht. Der wird geteilt, während andere erzählen, was sie mit dem Kunsttreiben in Bitterfeld-Wolfen verbinden: Der Sohn hat im Werksorchester trompetet, die Nachbarin im Amateurtheater mitgespielt oder man selbst hat die Kartoffelsuppe gekocht, die nach dem Kuchen gereicht wird. Alle Gäste, denen die Kurator:innen Aljoscha Begrich und Anne Diestelkamp ein Mikro vor die Nase halten, sind mit dem Kunstfestival verwoben. Auch der Oberbürgermeister von Bitterfeld-Wolfen, Armin Schenk, verkündet stolz, dass dreihundert Jugendliche Teil der diesjährigen Ausgabe gewesen seien. In den letzten zwei Septemberwochen wurden junge und alte Locals selbst zu Schaffenden, gestalteten Rundgänge, performten oder verlasen selbstgeschriebene Geschichten aus dem Leben ihrer Großeltern. So wehte zwischen den Auftritten von Performance-Gruppen wie She She Pop, les dramaturx und DAS HELMI der Geist des Bitterfelder Wegs, jener kurzlebigen DDR-Kulturdoktrin, in der die Werktätigen im Dienste der sozialistischen Bewusstseinsbildung selber Künstler:innen werden sollten. Die Erfahrungen der Jugendlichen, die am letzten Tag durch die Plattenbausiedlung Wolfen-Nord führen, bieten dabei eine notwendige Kontrastfolie zum verklärten Blick der Angereisten aus Leipzig, Halle und...

Zwischen Plattenbau und stillgelegtem Kraftwerk sucht das OSTEN Festival nach Zukunft – mit absurden Performances, kollektiven Erinnerungen und den Menschen vor Ort. Zum Abschied wird aus dem Kultursprint ein Marathon: In Wolfen soll die künstlerische Arbeit ganzjährig weitergehen.

Kunst-Trabant in Wolfen-Nord

Den inneren Kompass stärken

Geplatzte Träume und umkämpfte Kompromisse

Proxemik im Film

Mit dem Schriftbild ins Gespräch kommen

Die Kunst der Verteidigung

Thalia Theater Hamburg: Erinnern allein genügt nicht

Die Kunst des Dazwischen

Sex als Krieg!

Laying down a Path in Talking

Die Absicht trägt die Stimme

Belle Époque in Aspik

Chorsprechen

Der Standard, die Akzente und Vergemeinschaftungen

Salzburger Festspiele: Die Schlachthöfe der KI

Recitar cantar

Über Freundschaft in Zeiten des Otorop

Sprechen in den Studiengängen Dramaturgie und Regie

Vielfalt als Kompetenz

HAU Berlin: Das Abendmahl der Menschenfresserinnen

Vom singenden Sprechen im Musiktheater

Tradition in anderen Formaten

Kein Kiesel, kein Korken

Zu Besuch im Ballhaus Ost, der langjährigen Heimspielstätte des Berliner Puppenspielkollektivs Das Helmi um die beiden Brüder und Schaumpuppenbastler Florian und Felix Loycke, Musiker Jakob Dobers und Performer Emir Tebatebai. Das Publikum versammelt sich auf der Bühnenfläche mit umgekehrter Blickrichtung auf die unbestuhlte Podesterie. Es fühlt sich ein bisschen an wie ein Konzertbesuch mit Freunden. Ungezwungen, unaufgeregt. Vermutlich auch, weil die Premiere keine klassische Premiere ist, sondern der Auftaktabend einer zehnteiligen Reihe mit dem ambitionierten kreativen Vorhaben, sich in monatlichen Folgen mit verschiedenen Gästen und Publikum auf die „Suche nach der Ur-Oper“ zu begeben. Oper als die Kunstform bürgerlicher E-Kultur gilt bekanntlich auch als „Kraftwerk“ für die Produktion tragischer Liebesgeschichten, gepaart mit der Theatralität großer Gefühle. Keine schlechte Idee also, sich künstlerisch mit Darstellungs-, Präsentations- und Produktionsweisen gesellschaftlichen Fühlens auseinanderzusetzen – zumal in einer krisengebeutelten Zeit, in der auf allen Kanälen Emotionen wie Wut, Hass, Neid oder Angst beständig fabriziert, zirkuliert und reproduziert werden – sei es zur politischen Mobilisierung, zur rationalismuskritischen Legitimierung von Standpunkten oder im Streit um Deutungs- und Diskurshoheit. Titel- und Materialgeberin der Auftaktperformance, die zwischen Puppenspiel, Musiktheater, Performance und Improvisation angesiedelt ist, ist die Graphic Novel „Ich fühl’s nicht“ der schwedischen Erfolgsautorin Liv Strömquist. Hierbei handelt...

„Die Suche nach der Ur-Oper“ von das Helmi (Serie) – Von und mit Emir Tebatebai, Florian Loycke, Brian Morrow, Jakob Dobers, Felix Loycke, Bühne und Gestaltung Student:innen der Bühnenbildklasse der UdK unter der Leitung von Prof. Janina Audick, Outside Eye Kara Schröder, Künstlerische Mitarbeit Louise Pons, Produktion Judith König und ehrliche Arbeit

From Helmi with Love  

Zirkus auf dem Weg zum Gesamtkunstwerk

Klimakatastrophe, Wohnungsnot und Deep Fakes

Demokratie als Event

Was macht das Theater, Daniel Morgenroth?

Schauspiel Leipzig: Lasst uns einen Kirschbaum pflanzen!

Hören mit Akzent

Chemnitzer Stempel

Haltepunkt – Bushaltestellen im Oderbruch

„Sprechen, Sprechen und nochmals Sprechen“

Das integrative Moment der deutschen Sprache im theatralen Kontext

Fragile Normalität

Ruhrtriennale: Brustmassage über Gräbern

Schauspiel Frankfurt: Kanonenfutter, sprich!

„Im Moment sein – dann geschieht alles von selbst“

Sie heißt Loretta, wird aber lieber Lottie genannt. Sie erzählt von Menschen, die in Millhaven ermordet wurden, einem Kind, einer alten Frau, einem Handwerker, einem Professor. Bestialische Morde, und Lottie hat sie begangen. La la-la-la, la la-la-lie. Nun sitzt sie in einer geschlossenen Anstalt und ist ein glückliches Monster. Die Spielerin Gloria Iberl-Thieme lässt bei diesem Song eine Puppe mit grüner Haut, flatterigem Kleid und zotteligen roten Haaren über die Bühne fliegen. Manchmal liegt sie quer in der Luft, Lottie will etwas spüren. Mehr Erklärung gibt es nicht für ihre Lust am Morden. Der Song „The Curse of Millhaven“ kommt nach einer Stunde, kurz vor der Pause des Stücks „Death is not the End“. Es ist der Höhepunkt des Abends, weil Gloria Iberl-Thieme ihn entspannt singt, weil sich Lottie mit Leichtigkeit bewegt, der Schrecken zum Musical wird und gerade so die nötige Schärfe bekommt. Tiefschwarze Romantik, der Tod ist eine erotische Erfüllung, der Tod der anderen natürlich. Hier ist spürbar, was aus der Idee hätte werden können, Nick Caves „Mörderballaden“ zu einem finsteren Puppen-Musical zu verarbeiten. Leider sind die zwei Stunden drumherum zäh, zerfasert und vor allem zerfaselt. Das Kollektiv Das Helmi hat sich eine riesige Arbeit gemacht. Die Puppenspieler:innen...

„Death is not the End“ nach Nick Caves Mörderballaden von Das Helmi Puppentheater – Regie und Textfassung Florian Loycke, Co-Regie Nolundu Tschudi, musikalische Leitung Jakob Dobers, Bühne und Kostüm Louise Pons

MiR Puppentheater Gelsenkirchen/Das Helmi: Mühsam Morden

Milliardenprojekt mit ungewisser Zukunft

Wenn Klang eine Rolle spielt

Diversität divers begegnen

Ruhrtriennale/Deutsches Theater Berlin: Kindertheater für alle

Lausitz Festival: Pathos-Supernova im Hangar

Neuköllner Oper: Kein Applaus bei einer Premiere?!

Lehrmaterial Text

„Wir müssen die Rezitative auf ihre szenische Aussage hin genau betrachten“

„Wir bauen an einem Ort der Demokratie“

Mehr Resonanz!

Kontakt im Raum V

Kaserne Basel: Wirklichkeit erscheint

In unsicheren Zeiten

Jenseits des Schubladendenkens

Textflächen entziffern, Textflächen sprechen

Das Boot, Beckenbauer und der Dialekt

Theater Plauen-Zwickau: Romantik im Überfluss

Freeing the Natural Standard

Mehr Licht für die Nische

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Der Minator 2 - Judgement Day

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STRUGATZKI I DAS HELMI GOES RUSSISCHE PHANTASTIK

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Strugatzki V - Stalker

Fatrasien

Das Helmi Puppentheater Kollektiv aus Berlin ist seit 2006 am Ballhaus Ost. Das Helmi verbindet viele künstlerische Sprachen und Richtungen in seinen Shows in denen stets auch die Helmi-Puppen und eine selbstgeschriebene Musik Hauptrollen einnehmen.

Das Osten-Festival 2026 in Zschornewitz und Wolfen-Nord.

Theater der Zeit 9/2026

Bestialische Morde, und Lottie hat sie begangen: „Death is not the End“ nach Nick Caves Mörderballaden von Das Helmi Puppentheater.

Die Mobilität von Tanz- und Theaterproduktionen wächst: Festivals und Häuser zeigen vermehrt Gastspiele und entwickeln transnationale Koproduktionen. Zugleich wird diese Praxis kritisch hinterfragt. Seit der Covid-19-Pandemie haben hybride Formate zugenommen, Aufführungen verlagerten sich auf den Bildschirm, und neue Strategien entstanden, die ohne Live-Publikum vor Ort funktionieren. Auch im Hinblick auf Klimagerechtigkeit stellt sich die Frage nach verantwortungsvollen Zirkulationsformen. Behinderte Theater- und Tanzschaffende haben schon längst Erfahrungen mit erschwerter Mobilität gemacht und daraus eigene Ästhetiken und Arbeitsweisen entwickelt. Ihre Erfahrungen wurden in den bisherigen Debatten jedoch kaum mitgedacht. Der Sammelband erweitert die Diskussion um Im/Mobilität in den Darstellenden Künsten um eine Disability-Perspektive und versammelt künstlerische Beiträge, Essays und wissenschaftliche Analysen. Auditive Formate, Videos und Zusammenfassungen in Leichter Sprache eröffnen barrierearme Zugänge für ein breiteres Publikum.Der Band erscheint zugleich als MIMOS – Schweizer Jahrbuch Darstellende Künste Nr. 87–2026, herausgegeben von der Schweizerischen Gesellschaft für Theaterkultur (SGTK) mit Unterstützung der Schweizerischen Akademie der Geistes- und Sozialwissenschaften (SAGW). Ein Teil der Auflage enthält eine französischsprachige Broschüre mit Abstracts der Beiträge.

Zugänglichkeit und Verantwortung in den performativen Künsten

Im/Mobile Möglichkeiten

Einzigartige Primärquellen aus einem weitgehend undbekannten Kapitel der DDR-Ballettgeschichte
Erscheint zum 80. Jubiläum der Zeitschrift Theater der Zeit
DDR-Ballett, ostdeutsche Tanzgeschichte und selten aufgeführte Choreografien zwischen 1975 und der späten „Nachwendezeit“: Dieser Band versammelt erstmals wegweisende Rezensionen, Essays und Augenzeugenberichte aus dem Deutschen Tanzarchiv Köln, der seit 1946 bestehenden Zeitschrift Theater der Zeit und aus Tageszeitungen. Ein erfahrener Tanzredakteur, Dietmar Fritzsche, und sein damals junger, heute renommierter Autor, Volkmar Draeger, führen kenntnisreich durch vergessene Bühnenmomente – von Uraufführungen u. a. in Berlin, Dresden, Leipzig bis zu neu inszenierten Werken aus den, wie es offiziell hieß, „befreundeten sozialistischen Ländern“.
Kompakt, fundiert und spannend zeichnet das Buch die Entwicklung des DDR-Balletts nach, beleuchtet künstlerische Höhepunkte, politische Tendenzen, ästhetische Irrwege. Damit bildet das Buch ein unverzichtbares Nachschlagewerk für Tanzwissenschaft, Kulturgeschichte und alle, die ostdeutsche Bühne, Tanzkritik und Ballettgeschichte erkunden möchten.
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Tanz in der DDR von 1975 bis 1997

Die andere Seite

Musiktheater zwischen Krise, Kanonkritik und Zukunftsentwürfen: Das Oktoberheft von Theater der Zeit fragt nach den ästhetischen und politischen Möglichkeiten einer Kunstform, die sich zunehmend für gesellschaftliche Gegenwart öffnet. Hannah Schmidt untersucht neue Tendenzen im zeitgenössischen Musiktheater – von Pandemieerfahrungen und Machtmissbrauch bis zu den großen Erfolgen aktueller Opernproduktionen. Stefan Keim sucht nach Hoffnungserzählungen und Utopien in neuen Opernstoffen. Im Gespräch mit Andrea Moses geht es darum, problematische Aspekte des klassischen Repertoires nicht zu glätten, sondern produktiv und unterhaltsam auf die Bühne zu bringen. Ein Porträt stellt die Regisseurin Ilaria Lanzino vor, Friedrich Dieckmann schreibt über Achim Freyers szenische „Winterreise“. Außerdem: Marina Abramović über ihre Arbeit, Elfriede Jelinek zum 80. Geburtstag, neue tschechische Dramatik, das Zürcher Theater Spektakel und die Ruhrtriennale.

Krise, Kanonkritik und Zukunft

Neues Musiktheater

Die Maiausgabe von „Theater der Zeit“ widmet sich im Schwerpunkt dem Thema Teamintendanzen und fragt, wie kollektive Leitungsmodelle Theaterarbeit, Machtverteilung und Verantwortung verändern. In Interviews und Porträts kommen u. a. Thomas Bockelmann, das Leitungsteam des Nationaltheaters Weimar sowie Inka Neubert und Pascal Wieandt vom Theaterhaus G7 Mannheim zu Wort – was sind die Vorteile einer Teamintendanz? Welche Konflikte gibt es? Ist eine geteilte Intendanz wirklich Machtverteilung oder schafft sie neue Abhängigkeiten? Ergänzt wird der Schwerpunkt durch ein Gespräch mit Schauspielerinnen des Theaters Magdeburg über Probenprozesse in der Teamintendanz, das einen konkreten Blick aus der Ensembleperspektive bietet.
Ergänzt durch Beiträge zu den großen Theaterfestivals im Sommer: die Mülheimer Theatertage, das Theatertreffen, das Schweizer Theatertrffen und: Florentina Holzinger über ihren Auftritt bei der Biennale in Venedig!
Drüber hinaus erinnert die Ausgabe an Peter Zadek und Konstanze Lauterbach und würdigt den verstorbenen Autor und Regisseur Alexander Kluge. Wie immer: Stückabdruck (diesmal Robert Seethalers „Vernissage“), eine Kolumne von Max Glauner und eine Buchkritik zur ersten Biografie von Judith Malina.
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Schwerpunkt Teamintendanzen

Florentina Holzinger in Venedig

Das Juni-Heft von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Horror, das Unheimliche auf der Bühne“ und verbindet ästhetische, kulturpolitische und traumagesellschaftliche Perspektiven. Essays von Joseph Pearson und Hannah von Sass, Stefan Keim und Horrorspezialist Jörg Buttgereit untersuchen das Unheimliche in Schauspiel und Musiktheater – das auch bei den Bayerischen Theatertagen in Form von Stephen Kings „The Shining“ als Oper in Regensburg wieder auftaucht.
Das Magazin verhandelt zudem aktuelle Konflikte um Theaterbauten und Kulturpolitik – exemplarisch am Chemnitzer Schauspielhaus.
Das Stück im Juniheft: Kevin Rittbergers „Wunde Stadt“ verhandelt das Attentat von Magdeburg, flankiert von einem Stückgespräch.
Kolumnen von Mateja Meded („Habitus-Passing“) und Lina Wölfel („Wir gehen nicht rein“) reflektieren Klassenverhältnisse, Diversität und Auswahlmacht im Theaterbetrieb, während Berichte von Festivals und Ausstellungen (u. a. Heidelberger Stückemarkt, Bayerische Theatertage, Bühnenbildklasse Düsseldorf, Brecht-Journal) den Blick auf internationale Szenen und Theatergeschichte erweitern.
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Horror, das Unheimliche auf der Bühne

BUCHPREMIERE: 15.10.26, Einar &amp; Bert, Winsstr. 72, 10405 Berlin, 19 Uhr, Eintritt frei.
Wie demokratisch sind unsere Theater? Kulturelle Teilhabe ist die zentrale Herausforderung für Theater und Kulturpolitik – zwischen Sparzwang, Publikumsrückgang und gesellschaftlicher Verantwortung. „Demokratisches Theater“ untersucht erstmals im internationalen Vergleich, wie öffentlich geförderte Theater und Kulturpolitik in Deutschland, England und Frankreich den Auftrag kultureller Teilhabe verstehen und welche Strategien sie dafür entwickeln.
Auf Grundlage von Demokratietheorien, Kulturmanagement- und Kulturvermittlungsdiskursen zeigt die empirische Studie von Maria Nesemann deutliche Unterschiede in der theater- und kulturpolitischen Praxis – und im Verständnis davon, worin der gesellschaftliche Auftrag von Theater besteht. Die Publikation macht sichtbar, dass Teilhabe ein komplexer, nicht widerspruchsfreier Begriff ist.
Das Buch liefert praxisrelevante Impulse für Theaterschaffende, Kulturpolitik und Forschung und zeigt Wege auf, wie Teilhabe zwischen künstlerischer Autonomie und gesellschaftlicher Öffnung gestaltet werden kann.

Teilhabe am öffentlich geförderten Theater in Deutschland, England und Frankreich

Demokratisches Theater

25 Bühnenbilder von Katrin Brack, entstanden zwischen 2010 und 2025, inklusive ihrer Rauminstallation anlässlich der Verleihung des Goldenen Löwen in Venedig 2017: Die Bildstrecke macht signifikante Gemeinsamkeiten wie auch Brüche und Entwicklungen in diesen 15 Jahren deutlich, die durch die Zusammenarbeit mit u. a. Dimiter Gotscheff, René Pollesch, Luk Perceval, Karin Henkel geprägt ist. Ergänzt wird dieser fotografische Schwerpunkt sowohl von unveröffentlichten Zeichnungen, die Einblicke in Konzeption, Entstehung und Realisation der einzelnen Bühnenarbeiten gewähren, wie von unterschiedlichen Textbeiträgen.
Im Gespräch mit dem Herausgeber Frank M. Raddatz erläutert die Ausnahmebühnenbildnerin die Kunstprinzipien, von denen sie sich leiten lässt. Der Philosoph Robert Pfaller verortet ihre Arbeiten in der jüngeren Kunstgeschichte der Gegenwart, während Birgit Wiens die Spezifika dieser Räume aus theaterwissenschaftlicher Sicht untersucht. Josef Bairlein und Götz Leineweber geben Einblicke in Bracks Lehre an der Kunstakademie München und die kollektive Arbeitsweise ihrer Bühnenbildklasse. Statements von Birgit Minichmayr, Tabea Braun, Sybille Meier, Luk Perceval und Thomas Thieme werfen Licht auf diese lebendigen Bühnen.
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Bühne / Stage Katrin Brack

„Setting the Stage, Vol. 3 – Contemporary Spaces“ versammelt Positionen zu Bühnenbild und Szenografie aus dem Kunstinsert der Zeitschrift Theater der Zeit und richtet den Blick – im Vorfeld der Prager Quadriennale 2027 – auf die produktive Kraft von Bühne, Raum und Körper für das zeitgenössische Theater. In vier thematischen Kapiteln – Körper/Raum, Politische Topografien, Mediale und digitale Räume sowie Architektur/Natur – zeigen international arbeitende Künstler:innen, wie der Bühnenraum zum aktivierenden Gestaltungsmittel wird. Ihre Arbeiten machen sichtbar, wie aus Abwesenheit Präsenz entsteht, wie Stille Bedeutung trägt und wie Räume politische und ästhetische Aussagen provozieren.Mit Beiträgen u. a. von James Turrell, Anne Imhof, Lars Ramberg, Markus Selg und Henrike Naumann. Gespräche, Porträts, Werkdokumentationen und umfangreiches Bildmaterial eröffnen unmittelbare Einblicke in künstlerische Haltungen und Arbeitsweisen. Der Band setzt die editorische Linie fort, die Theater der Zeit mit den Vorgängerbänden „Das Bild der Bühne“ (1998) und „Setting the Stage, Vol. 2“ (2015) etabliert hat.

Contemporary Spaces

Setting the Stage, Vol. 3

Mensch-Technik-Verhältnis auf der Bühne
Inszenierungspraktiken und Kooperationsmodi
Ausgehend von der Frage nach einem post-anthropozentrischen Verständnis von Theater entfaltet Marcel J. V. Kieslich in seiner Studie eine theoretisch wie praktisch fundierte Untersuchung der szenischen Robotik. Im Zentrum steht die Analyse mehr-als-menschlicher Relationen und ihrer ästhetischen wie ontologischen Implikationen für die performativen Künste. Kieslich entwickelt auf dieser Basis neue Inszenierungspraktiken, die den Roboter nicht allein als technisches Artefakt, sondern als relationales Gegenüber begreifen. Dieses Spannungsfeld zwischen algorithmischer Steuerung und emergenter Autonomie fasst er unter dem Begriff der „Informierten Unbestimmtheit“. Im Zusammenspiel von Kunst- und Wissenschaftsforschung skizziert das Buch Kooperationsmodi, die das Verhältnis von Mensch und Technik in der Theaterpraxis neu bestimmen und einen Beitrag zur aktuellen Debatte um posthumanistische Ansätze in der Theaterforschung leisten.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" title="Marcel Kieslich: Informierte Unbestimmtheit. Robotik im Theater" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=marcel_kieslich_informierte_unbestimmtheit._robot&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Zur Robotik im Theater

Informierte Unbestimmtheit

Die sechste Ausgabe der VOICES wechselt die Blickrichtung: weg von der Bühne und hinein in den Publikumsraum. Sie schaut auf diejenigen, die Zeitgenössische Zirkusveranstaltungen besuchen und auf diejenigen, die sie nicht besuchen. Sie fragt nach Zugänglichkeit, Zirkustrends und dem Zirkuserlebnis Was passiert eigentlich zwischen Bühne und Publikumsraum? Wie erleben Zuschauer:innen eine Aufführung? Was verbirgt sich hinter der „Dramaturgie des Risikos“? Wo gibt es Feedbackschleifen und wann Gemeinschaftsgefühle? 
Das Magazin lädt dazu ein, genauer hinzuschauen – und sich selbst zu hinterfragen. Es bricht mit gängigen Zuschreibungen und eröffnet neue Denk- und Erfahrungsräume. Ganz im Sinne des Mottos „Come Closer“ vom Circus Dance Festival 2026 in Köln rücken partizipative Formate und aktuelle Trends der Zirkusproduktion ins Zentrum. VOICES VI betrachtet Möglichkeiten, Verantwortung, interaktive Strategien und Wünsche von Zirkusschaffenden, Programmverantwortlichen, Stadtplaner:innen – und natürlich vom Publikum selbst. Eine Einladung, näherzukommen.
23.05.26, 11 Uhr: Heft-Präsentation und Gespräch im Rahmen des Circus Dance Festivals 2026.
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Zirkus und Publikum (VOICES VI)

reach out

Exklusive Einblicke in bisher unveröffentlichtes Bildmaterial eines preisgekrönten Kinder- und Jugendtheaters
Praxisnahe Inspiration für Pädagog:innen und Kulturschaffende
Seit 40 Jahren sprudelt in Nürnberg „die Pfütze“ – unerschöpflich, lebendig, widerspenstig. Was als kleine, private Initiative begann, ist heute ein einzigartiges Haus für junges Publikum: ein Ort, an dem Musik, Sprache und Bewegung zu einer eigenen, poetischen Ästhetik verschmelzen. Dieses Buch erzählt von Menschen, Ideen und Zufällen, die das theater pfütze geprägt haben – von Aufbrüchen, einem Theaterneubau und der unerschütterlichen Überzeugung, dass Kunst kein Alter kennt und Bewusstsein für gesellschaftliche Verantwortung braucht. Es ist eine Hommage an die Neugier, den Humor, das Staunen und an viele Künstler:innen, die dieses Haus mitgestaltet haben sowie an sein treues Publikum. Doch der Blick geht weiter: in die Zukunft eines Theaters, das nie stehen bleibt, das sich neu erfindet und fragt, was und wie wir morgen erzählen wollen. „Pfütze“ – das ist kein Name, sondern eine Haltung: spielerisch, tief, frei.
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40 Jahre theater pfütze

Mutige Sprünge und große Wellen

Einzigartige Datentiefe: Interviews und empirische Belege veränderter Programmgestaltung nach der Pandemie
Praxisrelevante Insights
Wie behauptet sich öffentlich finanziertes Theater, wenn Bühnen schließen müssen? Angelika Endres zeigt in ihrer interdisziplinären Studie, dass die Lockdowns die Häuser in Deutschland, England und der Schweiz nicht lähmten, sondern einen bemerkenswerten Wandel in der Programmgestaltung auslösten. Streaming-Premieren, XR-Inszenierungen, partizipative Stadtteilprojekte, Diskursformate und sogar medizinische Angebote erweiterten das Repertoire. Auf Basis von 25 Formattypen, Angebotsanalysen und 33 Expert*innen-Interviews belegt Endres, dass Theater auf den gestiegenen Legitimationsdruck mit neuen Rollen reagieren: als Gemeinschaftsraum, „Dritter Ort“, Placemaker und Labor angewandter Praxis. Der Begriff „Reformatting Turn“ markiert diesen Paradigmenwechsel, der klassische Spartengrenzen auflöst und Kopräsenz um digitale Ko-Zeitlichkeit ergänzt. Das Buch liefert praxisnahe Argumente für Kulturpolitik, Dramaturgie und Wissenschaft – und beantwortet die Frage, was Theater künftig alles sein kann.
BUCHPREMIERE: 15.10.26, Einar &amp; Bert, Winsstr. 72, 10405 Berlin, 19 Uhr, Eintritt frei.

Neuformatierung, Transformation, Legitimation

Theater in der Pandemie

Deutschlands Theater stehen vor einer gewaltigen Bauaufgabe: Sanierung, Neubau, Interim – und die Frage, wie Theaterhäuser künftig als offene Orte der Stadtgesellschaft funktionieren können. Der Schwerpunkt dieser Ausgabe bilanziert Projekte von Hamburg bis Chemnitz, von Köln und Düsseldorf über Mannheim, Stuttgart und Karlsruhe bis Weimar und Wuppertal. Es geht um explodierende Kosten, Denkmalschutz, Nachhaltigkeit, politische Entscheidungen und die Folgen langer Ausweichspielzeiten für Ensembles und Publikum.Außerdem: Dorotty Szalma über Kulturpolitik, Demokratie und die AfD in Sachsen-Anhalt; ein erstmals gedrucktes Drehbuch von Thomas Brasch, „Alles Glück der Welt“; ein Porträt des Regisseurs und Videokünstlers Bert Zander sowie ein Nachruf auf den prägenden Dramaturgen Dieter Sturm. Reportagen vom Festival d’Avignon, von Theater der Welt in Chemnitz, dem Münchner Schultheaterfestival und dem Figurentheater-Festival Blickwechsel in Magdeburg ergänzen das Heft.

Sanierung, Neubau, Interim und andere Kostenfragen

Theaterbauten

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