Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Wie beginnt Neues? Nicht mit einem großen Schritt, nicht mit dem Zerbrechen jeder Tradition, das wäre bloß eitel und unergiebig, die alte Falle, in der sich die Avantgarde verfängt. Das Neue beginnt, indem man dem längst Bekannten etwas ablauscht, was einen selbst verwundert. Das Wissen, dass das Alte gar nicht so alt ist, wenn man es nur recht bedenkt. So wie Dimiter Gotscheff an sich selbst immer noch etwas entdeckt, was ihn erstaunt. Er liest Shakespeare, Tschechow oder Heiner Müller fortgesetzt mit jener Verblüffung, die konstatiert: Das ist ja gar nicht vergangen, das fängt erst an! – Wie jeder, dem es ernst mit dem Neuen ist, pflegt er das Alte, lauscht den längst bekannten Texten nach, den Worten, den Silben darin. Wer etwas sagen will, muss zuvor hinhören, was gesprochen wird, selbst dann, wenn alles schweigt. Gotscheff inszeniert wie ein alter bulgarischer Bauer, der weiß: Wer ernten will, muss säen. Dieser Regisseur erwartet immer etwas von einem Stück, von seinen Schauspielern. Und weil das so ist, muss er die Erwartungen anderer auch enttäuschen. Wer den Dingen lange nachlauscht, der beginnt etwas zu hören, was anderen Ohren ungewohnt klingt, was anderen Augen befremdlich scheint. Gotscheff hat ein intimes Verhältnis zum Ursprung...

Zum 70. Geburtstag von Dimiter Gotscheff

Visionär in archetypischer Landschaft

„Silbersee“ war zeitweise ein (Un-)Wort, mit dem Veranstalter alt gewordener neuer Musik hinter vorgehaltener Hand ihr Publikum umschrieben. Tägliche Workshops, bei denen Kinder und Jugendliche mit Komponisten zusammenarbeiten, sprechen dagegen bei den Weimarer Frühjahrstagen für zeitgenössische Musik gezielt die Akteure und Hörer der Zukunft an. Zudem umfasst das Programm dieses seit 2000 bestehenden Treffens neben traditionellen Konzerten auch elektroakustische, multimediale und experimentelle Performances. Dieses Jahr sind dort das FLAMEnsemble aus Florenz, die US-amerikanische Flötistin Carin Levine und der Schweizer Geiger Egidius Streiff zu Gast. Die Wittener Tage für neue Kammermusik, 1969 gegründet, streben u. a. ins Freie, tagen zum Thema „Musik nach draußen? Wege aus dem Konzertsaal“ und ermöglichen unter dem Motto „ Wittendrin“ auch Klangerkundungen im Stadtzentrum. Im hochkarätigen Hauptprogramm haben sich die Geigerin Carolin Widmann, der Akkordeonist Teodoro Anzellotti, das Trio Catch und das WDRSinfonieorchester angekündigt. Interessant dürften auch die Handschriften der eingeladenen Newcomer-Komponisten sein, etwa die des 25-jährigen Türken Emre Sihan Kaleli, der in Usbekistan studiert hat, nun in Amsterdam lebt und gerne Trip-Hop von Massive Attack hört. Das erst drei Jahre alte Festival Acht Brücken – Musik für Köln rückt dieses Mal die elektronische Musik ins Zentrum. Zum Warm-up gibt es Musikvideos zu Titeln von...

Entschleunigung im Untergrund

Musik

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Frühlingstheater

Applaus (von lat. applaudere: Beifall klatschen) ist in Form von „Händeklatschen, Trampeln, Brüllen“ (Henschel-Theaterlexikon) eine alte Theatersitte. Auch gekaufter Applaus ist schon in der römischen Antike und im spanischen Barocktheater belegt, weit verbreitet war er im französischen Theater des 19. Jahrhunderts durch sogenannte Claqueure. Heute ist die Claque weitgehend ersetzt durch Ultra- Fangruppen, die vor allem in den Premieren der Berliner Schauspielhäuser auftreten und durch ihr Tarzangebrüll auffallen. Was aber macht der Durchschnitts-Theaterbesucher, wenn er sein Missfallen ausdrücken möchte? Seit – dank der Ultras – Pfeifen eher Zustimmung signalisiert und man sich zu einem „Buh“ nicht couragiert genug fühlt, bleibt nur der stumme Abgang. Oder? Man kann natürlich schreiben, zum Beispiel an seine Tageszeitung. Aber Theaterthemen schaffen es selten auf die Leserbriefseite. Man kann ins Internet gehen. Wozu gibt es nachtkritik.de? Einige Theater legen im Foyer Gästebücher aus, die werden von Schreibwütigen (gern Wiederholungstäter) zu den putzigsten Einträgen genutzt (siehe Linzers Eck in TdZ 2/2013), manchmal wird aber auch nur um Zusendung des Monatsplans gebeten. Man kann versuchen, miteinander zu reden. In der „Ehemaligen“ war das Foyergespräch nach der Vorstellung eine feste Einrichtung (das Berliner Ensemble hat auch diese Tradition aufgegriffen), meine Erfahrung sagt allerdings, dass die Gespräche nur dann...

Beobachtungen zum Publikumsverhalten an Berliner Bühnen

Linzers Eck: Schreiben, reden oder besser gleich gehen?

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Stefan Hageneier, seit 400 Jahren gibt es die Passionsspiele von Oberammergau. Alle zehn Jahre werden sie als Megaspektakel für über 500 000 Zuschauer aus aller Welt veranstaltet. Wie muss man sich das vorstellen? Wenn man in Oberammergau aufwächst, empfindet man es als normal, dass man alle zehn Jahre Teil eines weltweit beachteten Ereignisses ist. Zum Beispiel wurde ich 1990 von Helmut Newton porträtiert, als ich den Ölberg-Engel spielen durfte. Ich...

Der Bühnen- und Kostümbildner Stefan Hageneier über die Oberammergauer Passionsspiele – ein Megatheater, dem Hunderttausende zuschauen, im Gespräch mit Ute Müller-Tischler

Sakrale Fiktion

Hamburger Marathon

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Was ist das für ein Theater, bei dem es mal auf jedes Zucken der Unterlippe ankommt, dann wieder schaut man stundenlang stoischen Berufstrinkern in einer weit entfernten Kneipe zu. Oder es schält sich aus hektischem Gerenne eine fast gemütliche „Bierrede“ heraus, in der es heißt: „Man darf schon Kunst machen, aber man darf nicht sagen, dass es eine ist. Weil sonst die einen das ernst nehmen und ganz schwachsinnig drüber reden und deswegen die andern nicht hereinkommen mögen, weil sie meinen, da herin, da segns des, was die einen drüber gsagt ham. Und des wollns wieder recht auf gar keinen Fall sehen. Dabei ist die Kunst der reinste Irrsinn. Aber sie haben ja nicht den Irrsinn ernst genommen, sondern die Kunst.“ Diese Sternstunde des Münchner Off-Theaters aus dem Jahr 1979 existiert noch bei YouTube, und sie stammt aus einer Zeit, als das proT noch ein eigenes Haus hatte. Lang ist’s her. proT wie Prozessionstheater, proT wie der Irrsinns- und eigentlich auch Kunst-Ernstnehmer Alexeij Sagerer. Gut 33 Jahre später empfängt er in seinem Atelier in der Zenettistraße, dessen deckenhohe Regale voller Videokassetten und manierlich gehefteter Pressespiegel das drohende Chaos mit fast pedantischem Ordnungssinn ausbalancieren. Und dann redet man stundenlang und schaut...

Warum der Münchner Theatermacher Alexeij Sagerer den Irrsinn ernst nimmt

Ein Mann Ein Bier Ein Anarchist

April 2013

Premieren

Der Materialergründer

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Es gibt keinen Zweifel daran, dass der Himmel – wie es ein antiker Dichter ausdrückte – das Schönste auf Erden ist. Seinem Zauber zu verfallen ist nicht schwer. Und genau das widerfuhr mir 1969, als ich eines Morgens beim Überqueren des Malecón in die Betrachtung der eigenwilligen Wolkenformationen versank und ein Motorrad mir die Knöchel brach, was mich zwang, drei Monate mit einem Gips am linken Bein zu leben. In diesen Tagen hatte sich bereits der Besuch von zwei berühmten Deutschen angekündigt, aus der umstrittenen Bundesrepublik Deutschland, abgeschirmt durch eine Mauer, die zwanzig Jahre später fallen sollte. Ich empfing die beiden Deutschen bei mir zu Hause im Vedado, in der 10. Straße, mit diesem verfluchten Gips, jedoch großer Lust, beide persönlich kennenzulernen. Hans Magnus Enzensberger und Hans Werner Henze waren gekommen, um das Geheimnis der Karibik zu ergründen und sich in die bereits stürmischen und turbulenten Wasser der Tropen zu stürzen. Der Dichter Enzensberger war seit geraumer Zeit der bekannteste deutsche Poet und Schriftsteller, und Henze, als Nachfolger Stockhausens in Köln, galt schon seit einer Weile als einer der bedeutendsten deutschen Komponisten der Avantgarde des 20. Jahrhunderts. Und was brachte diese beiden Schwergewichte in die bescheidene Kammer eines kubanischen Schriftstellers,...

Hans Werner Henze in Havanna

Das Zischeln der Karibik

Als Mitte Februar in allen öffentlichen Mitteilungsorganen von einem Stein berichtet wurde, der in Kürze nah am Erdstein vorbei seine Bahn ziehe, nicht gefährlich nah, aber bedenkenswert, und unter den modernen Menschen, mit ihrer ausgeprägten Bereitschaft zur Angst vor allem irdischen Unheil, Gleichgültigkeit bis bestenfalls Sternschnuppenwunschseligkeit die bevorzugte Teilhabe an diesem außerirdisch-irdischen Ereignis war, da scherten unbemerkt ein paar kleinere, subversiv getarnte Kiesel aus ihrer planen planetaren Erdumlaufbahn heraus und durchschlugen die Atmosphäre des Erdballs, der Menschen unantastbar geglaubte Heimstatt, zerschlugen da Fenster und Dächer im weiten Umkreis, verbreiteten Schrecken und Ratlosigkeit, beendeten vorübergehend die seltsame Gleichgültigkeit der Heimbewohner – und ermöglichten ihnen so eine kurze Beunruhigung als Abwechslung bis zum alsbaldigen beruhigten Zurückfinden in die alte, gewohnte und prätentiös genossene Erdverbundenheit. Dieses Ereignis war ganz der Menschen Sehnsucht nach ungewissem Wohlbefinden naturgegeben angepasst. Sonst war es nichts, absolut nichts. Höchstens noch vielleicht ein Hinweis darauf, wie komplett hilflos und damit bedeutungslos das Menschendasein im Planetarium des Alls der nichtkünstlichen Planeten ist: Es kann von jedem anderen Stein jederzeit beendet werden. Das erzählen die Kiesel in Russland. Wir haben uns damit nur abzufinden. Je bewusstloser, desto unruheärmer. Ein paar Tage später kam ein Brief vom Oberleiter eines großen deutschsprachigen Theaters,...

Steinschlag

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

„Mein Herz, ich suche immer noch nach den richtigen Worten – vergebens!“ Es gibt sie zu Abertausenden, die Briefe, die zwar geschrieben, aber nie abgeschickt wurden. Weil der Mut dazu fehlt, weil es dem Verfasser nur darum geht, die eigenen Gedanken zu ordnen, oder weil der Absender bereits tot ist; Gründe gibt es viele: „Ich kann schreiben und schreiben. Es hilft nichts.“ Oft stecken diese Briefe voller Larmoyanz, Selbstmitleid, Hass, Vulgärpsychologie, manchmal aber dringt berührende Trauer und große Liebe aus den Zeilen, die ihren Adressaten nie erreichen. Diese nicht abgeschickten Briefe hat die junge kroatisch-schweizerische Autorin und Regisseurin Ivna Žic zum Inhalt eines Theaterabends auserkoren. „Briefe“ lautet sinnigerweise der Titel des Projekts, das im Rahmen des Förderprogramms für neue Schweizer Dramatik „Stück Labor Basel“ in der Studiobühne UG des Luzerner Theaters uraufgeführt wurde. Es handele sich um echte Briefe, schreibt das Theater, Briefe, die in einer großen Menge zusammengetragen, das heißt, dem Produktionsteam auf eine öffentliche Ausschreibung hin zugeschickt wurden – ein Panoptikum an abgewürgter Kommunikation, unerfüllten Gedanken und Sehnsüchten. Ivna Žic stellt nun nicht die Verfasser dieser Briefe auf die Bühne, sondern greift zu einem Kunstgriff. Zu erleben ist eine Art Archiv der nicht zustande gekommenen Kommunikation, ein surrealer...

Luzerner Theater: „Briefe“ (UA) von Ivna Žic. Regie Ivna Žic, Ausstattung Doris Margarete Schmidt

Luzern: Archiv der Sehnsüchte

Kompositionsprinzip Collage

Douglas Gordon wurde mit Videoinstallationen über Ikonen des Gruselkinos bekannt – wie „Psycho“ von Hitchcock oder „Der Exorzist“ von Friedkin. Auch seine eigenen Filmproduktionen zeugen von düsterer Ausweglosigkeit und Bitternis, unvergesslich in „Feature Film“ (1999), wo dem heute 46-jährigen Künstler aus Glasgow eine herausragende Interpretation von Hitchcocks „Vertigo“ gelang. Gordon ließ vom Orchester der Opéra National de Paris die Filmmusik neu aufführen und filmte aus verschiedenen Perspektiven Gesicht und Hände des Dirigenten. Heraus kam ein Konzentrat an eigenen Gesten und mimischen Ausdrucksformen jenseits des Drehbuchs. Dass es mehr als einen mitreißenden Plot in Filmkunstwerken geben kann, haben seine Arbeiten analytisch wie filmästhetisch immer wieder thematisiert. In seiner neuen Ausstellung in der Galerie BlainSouthern in Berlin ist das aktuell nachzuvollziehen. Zu sehen sind Filme und Videoinstallationen, die auf seinen Reisen nach Tanger und Marrakesch entstanden und zu einer Werkgruppe zusammengefasst sind. Anders als in unüberschaubaren Medienräumen früherer Ausstellungen ist die Dramaturgie hier linearer, aber genauso von suggestiver Verlorenheit geprägt. Gordon verwendet Motive, die den Zuschauer in Staunen und Schrecken versetzen, Schlangen und Skorpione zum Beispiel. Sie erzeugen den Eindruck vom Ende der Zeiten ganz ohne technische Zaubertricks. Die zentralen Arbeiten der Ausstellung sind „Full Circle“ und „Sharpening Fantasy“ aus dem vergangenen...

Vom Ende der Zeiten

Kunst

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Erster Teil Die Welt Früher, in der Zeit der Sklaverei, habe ich oft in den Himmel geschaut. Die Farbe des Himmels gefällt mir sehr. Einmal hat er sich verfärbt wie eine Kohlenglut, und es gab eine entsetzliche Dürre. Ein anderes Mal verfinsterte sich über der ganzen Insel die Sonne mitten am Tag. Es war, als ob der Mond mit der Sonne kämpfte. Die Welt ging rückwärts. Manche verloren die Sprache. Andere hat der Schlag getroffen. Ich weiß nicht, woher solche Dinge kommen. Die Natur bringt sie hervor. Die Natur ist alles, auch das, was man nicht sehen kann. Über den Menschen sind die Götter. Ich weiß, daß sie fliegen können. Alles, wozu sie Lust haben, bringen sie fertig, durch Zauberei. Warum haben sie nichts gegen die Sklaverei getan? Das geht mir im Kopf herum wie ein Rad. Angefangen hat die Sklaverei mit den mohnroten Tüchern. Früher war ganz Afrika mit der alten Mauer umgeben. Die alte Mauer war aus Palmen gemacht, und es wohnten Insekten in ihr, die wie der Teufel stachen und bissen. Deshalb konnten die Weißen nicht in Afrika eindringen. Bis es ihnen einfiel, auf ihrem Schiff die roten Tücher zu schwenken. Als die schwarzen Könige das sahen,...

Recital für vier Musiker. Text aus dem Buch von Miguel Barnet. Übersetzt und für Musik eingerichtet von Hans Magnus Enzensberger

El Cimarrón

Badisches Staatstheater: „Müdigkeitsgesellschaft / Versuch über die Müdigkeit“ (UA) nach Byung-Chul Han und Peter Handke. Regie Stefan Otteni, Ausstattung Anne Neuser

Karlsruhe: Einladung zum Müßiggang

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Wenn man nur lange genug hinschaut, werden aus dem einen Bild viele. Ein Spektrum des 20. Jahrhunderts: Klassenkampf, Weltkrieg, Emigration, Lagerhaft, Funktionärskarriere in der DDR. Und dabei dennoch immer nur die eine Familiengeschichte. Zerfällt das Bild so unaufhaltsam wie die Familie Powileit – sie ist das literarische Pendant zu Eugen Ruges Familie – oder multipliziert es sich nach eigenen Gesetzen und statt der einen gelebten scheinen plötzlich viele ungelebte Wahrheiten auf? Es gibt keine einfachen Wahrheiten. Alles ist und bleibt kompliziert, das jedenfalls steht fest am Ende dieser groß angelegten Romandramatisierung, in der Weltbilder ins Nichts stürzen. Es gibt auch keine einfache Scheidung von Opfern und Tätern. Wenn nur genug Zeit vergeht, dann wechseln unaufhaltsam die Rollen – es wird unüberschaubar, und jedes schnelle Urteil lügt. Eugen Ruges Roman „In Zeiten des abnehmenden Lichts“ nimmt sich in der vom Autor selbst erarbeiteten Bühnenfassung aus wie die „Buddenbrooks“ in Zeiten des Klassenkampfes: der Zerfall einer fortschrittsgläubigen Familie. Die Großeltern Wilhelm und Charlotte (Christian Grashof und Gabriele Heinz): zwei Parteisoldaten ohne Wenn und Aber. Im mexikanischen Exil haben sie von ihrem Sohn Kurt (Bernd Stempel) und seinem Bruder in der Sowjetunion seit Jahren nichts gehört. Kein Wunder, Kurt ist im Arbeitslager und...

Deutsches Theater: „In Zeiten des abnehmenden Lichts“ (UA) von Eugen Ruge. Regie Stephan Kimmig, Bühne Katja Haß, Kostüme Anja Rabes

Berlin: Ein Jahrhundert implodiert

Es müssen Köpfe rollen

Knie an Knie mit der ersten Reihe schaut eine junge Frau ihr Publikum an. Mit wachen Augen sucht sie Kontakt, blickt direkt ihr Gegenüber an. Weder Text noch Figur noch Konflikt werden hier etabliert, vielmehr vergewissern sich alle gegenseitig ihrer Anwesenheit, bis eine ganz besondere Aufmerksamkeit im Raum schwingt. Wenn Gesine Hohmann auf der Bühne zu sprechen beginnt, entsteht der Eindruck, als mache sie sich erst und genau in diesem Moment bewusst, welche Geschichte sie zu erzählen auf die Bühne trat – denn eine zu erzählende Geschichte gibt es immer. Die Debütinszenierung „Vom Schlachten des gemästeten Lamms und vom Aufrüsten der Aufrechten“ verschneidet die scheinbar ausweglosen Schicksale zweier Männer, deren Überlebensenergien doch ungebremst sind: die des isländischen Bauern Bjatur und des US-amerikanischen Müllmanns John. Statt eine Probenverabredung nachzuahmen, lassen vorschlag: hammer den Inszenierungstext stets neu geschehen, indem sie im Augenblick der Aufführung in ihrer Erinnerung und für ihr Publikum die Geschichten aufs Neue hervorbringen: „Wir sind ja nicht dieser Bauer, sondern er ist unser Material.“ So dichten und singen und witzeln sie stets improvisierend den Moment – je nachdem, welchen Spielball sie sich zuwerfen. Nach der Präsentation beim Hildesheimer Festival State of the Art wurde diese erste Produktion von Kristofer...

Das Kollektiv vorschlag:hammer generiert Sinnzusammenhänge erst im Moment der Aufführung

Den Text geschehen lassen

Er ist der präziseste Chronist einer Eiszeit namens Gegenwart. Falk Richters Theatertexte machen fast durchweg die Weltraumkälte spürbar, die sich im westlichen Geldall ausgebreitet hat. Sie zeigen Menschen, die ökonomisch, politisch und emotional aus der Sinnspur einer zielführenden Existenzgewissheit katapultiert wurden. Und die, wo es überhaupt zur Berührung mit anderen kommt, mehr Abstoßungs- als Anziehungskräfte entwickeln. Egal, ob Richter die hohle Phraseologie der Unternehmensberater als beklemmend melodische Partitur tönen lässt, ob er von zynischer Kriegsbilderproduktion, verirrten Weihnachtsflaneuren oder verlorenem Vertrauen erzählt – das durchklingende Grundthema seiner Arbeit ist die Einsamkeit. Damit verbunden: die hoffnungslose Sehnsucht. Nur eben nicht als individuelle Suchbewegung, sondern als zwangsläufige Systemfolge. Der permanente Krisenkosmos des Berliner Autor-Regisseurs Richter ist jetzt in geballter Form in einem lesenswerten Band zu erfahren, der den zwischen Prätention und Schlichtheit oszillierenden Titel „Theater“ trägt. Im Untertitel: „Texte von und über Falk Richter 2000 – 2012“. Vom Hörstück „Verletzte Jugend“ über das Opernlibretto zu „Unter Eis“ und die Tschechow-Bearbeitung „Der Kirschgarten“ führt das Kompendium zu den jüngsten Richter-Werken wie „Protect me“ und „Play Loud“. Insgesamt zwölf Stücke hat Herausgeber Friedemann Kreuder versammelt, die in der Zusammenstellung eine Art Anthropologie der Entfremdung ergeben. Eine Kunde des „global vernetzten Menschen, der sich klug selbst...

Friedemann Kreuder (Hg.): Theater. Texte von und über Falk Richter 2000 – 2012. Tectum Verlag, Marburg 2012, 720 S., 24,90 EUR.

Aus der Sinnspur katapultiert

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Matthias Lilienthal, hatten Sie heute schon eine Explosion vor der Tür? Nein. Ich habe bisher nur eine mitbekommen, Anfang Oktober. Es knallt nicht täglich? Quatsch, das ist schwer zivilisiert hier. Unsere Studenten haben 2000 Quadratmeter Atelierfläche. Das ist vom Feinsten. Das Feinste, das ist Ashkal Alwan, der Ort, an dem Sie arbeiten. Was verbirgt sich dahinter? Das Ashkal Alwan ist aus dem Home-Works- Festival hervorgegangen, in dem Künstler wie Walid Raad, Rabih Mroué und Lina Saneh groß geworden sind – eine Generation von Künstlern, die über den libanesischen Bürgerkrieg reflektieren und die Medialität seiner Bilder hinterfragen. Die Schule ist ein Postgraduate- Ausbildungsmodell für bildende Künstler und an das Home-Works-Festival angebunden. Wie viele Studenten unterrichten Sie, und wo kommen sie her? Es sind 14. Ein Drittel kommt aus dem Libanon, ein Drittel aus dem arabischen und ein Drittel aus dem westlichen Raum. Sie kommen entweder aus der ganz armen oder der ganz reichen Schicht, aber nicht aus der Mitte. Warum machen Sie mit ihnen eine neue Ausgabe von „X Wohnungen“? Ich mache das, weil ich, wenn ich unterrichte, am liebsten praktische Projektarbeit mache. Ich glaube nicht an ein Unterrichten, das aus dem Schatz der eigenen Erfahrungen berichtet, sondern an einen Unterricht,...

Was macht das Theater, Matthias Lilienthal?

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Ein Schulterzucken. Mit einem leicht seitlich geneigten Kopf, hochgezogenen Augenbrauen und nach oben gerichteten Handflächen. Ein Schulterzucken, das eindeutig signalisiert: Es liegt nicht bei mir. Ob das Museum geöffnet habe? – Schulterzucken. Ob die Flüge trotz Schneechaos starten? – Schulterzucken. Doch diese Geste vieler Rumänen impliziert weder Resignation noch Gleichgültigkeit. Sie ist freundlich und optimistisch: Alles wird gut. Irgendwann. In Timișoara/Temeswar ist schon vieles gut geworden. Vom Zentrum des Banats, der historischen Region in Mitteleuropa, die sich heute über Ungarn, Serbien und das westliche Rumänien erstreckt, ging im Dezember 1989 die Revolution aus. Auf dem Balkon des Theaterhauses an der Piața Victoriei (deutsch Siegesplatz) wurde das erste Dokument zur Gründung eines demokratischen Rumäniens verlesen. In dem Gebäude befinden sich gleich vier voneinander unabhängige Theater: Die rumänische Oper und das rumänische Nationaltheater blicken auf die pittoreske Altstadt, die wegen ihrer Bauten aus der Kaiserzeit (Temeswar gehörte lange zu Österreich-Ungarn) als „Klein Wien“ bezeichnet wird. Im rechten Seitenflügel haben das Ungarische und das Deutsche Staatstheater (DSTT) ihren Platz gefunden. Deutsches Staatstheater? Lucian Vărşăndan, seit 2007 Intendant des DSTT, nimmt die sich so offensichtlich aufdrängende Frage vorweg: „Jeder vernünftige Mensch denkt: ‚Klar, es gab das Theater, weil es hier einmal eine große Minderheit...

Das Deutsche Staatstheater im rumänischen Temeswar bringt die Idee eines europäischen Theaters beispielhaft voran

Die Vordenker

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Seit Erving Goffman behauptete, dass wir alle Theater spielen, ist das Rollenspiel für Soziologen eine brauchbare Metapher für die Beschreibung sozialer Interaktion. In der März-Ausgabe von Theater der Zeit nahm sich Dirk Baecker der Thesen Goffmans an und kam zu der überraschenden Erkenntnis, dass wir nicht mehr Theater spielen, sondern Vertrauensspiele und dass die Funktion des Theaterspielens darin besteht, uns in eine paradoxe Rolle einzuüben: „Identifiziere dich nicht mit deiner Einmischung.“ Bernd Stegemann, der die Reihe nun fortführt, stellt den Unterschied zwischen der soziologischen Metapher des Theaterspielens und der künstlerischen Ausdrucksform des Schauspielens heraus, der im postdramatischen Theater zusehends verschwimmt. Er beschreibt die ästhetischen und ideologischen Implikationen des Schauspielens, um das Theater schließlich wieder als mimetische Kunst zu denken. Im Mai und Juni folgen die Antworten von Wolfgang Engler und Juliane Rebentisch. Wenn wir alle Theater spielen, was macht dann eigentlich der Schauspieler? Er spielt zur Schau, könnte eine launige Antwort sein. Und vielleicht steckt in dieser Laune auch schon ein erster Hinweis auf die Kraft, die in der sinnlichen Darstellung sozialer Bedeutungen liegt. Doch gerade diese Verbindung von Spielen und Zeigen scheint in eine Glaubwürdigkeitskrise geraten zu sein. Als Reaktion darauf hat sich das Schauspielen seit den 1990er Jahren...

Warum das mimetische Lügen dem Theater hilft, dem emotionalen Kapitalismus zu widerstehen

Schauspielen. Schaufühlen. Schausein.

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

In den Arbeiten von Thomas Heise trifft Kunst auf harte Wirklichkeit. Erst kürzlich hatte der Berliner Film- und Theaterregisseur die Möglichkeit, unterstützt vom Goethe-Institut rund drei Monate lang mit mexikanischen Jugendlichen, die wegen Raub, Mord und Entführung verurteilt sind, an einem Bühnenprojekt zu arbeiten. Bei den Proben in Mexiko- Stadt wurden die jungen Männer dazu angeregt, Texte von Brecht und Karl Marx zu analysieren und sie auf ihre eigene Situation zu beziehen. Heise wird aus dem Erlebten einen Film machen, den man gespannt erwarten darf. Bis es so weit ist, kann seine vorletzte Kinoarbeit besichtigt werden: Gegenwart, Szenen aus dem Alltag eines kleinstädtischen Krematoriums zwischen Heiligabend und Neujahr. Bilder ohne Worte: die eingeübten Produktionsabläufe an Verbrennungsofen und Aschemühle. Heise reflektiert über „die Endlosigkeit, den stetigen Nachschub, dem nicht zu entgehen war, nie eine Pause, niemals Stille, kein Moment, in dem ein Mensch zur Ruhe kommt. Das Offensichtliche, das mit uns geschieht.“ Eine dokumentarische Skizze als Metapher für die Routine des Lebens und Sterbens in der auf Effizienz getrimmten modernen Industriegesellschaft. „Gegenwart“ ist nur einer von mehreren starken Dokumentarfilmen, die neu in den Kinos zu besichtigen sind. Unbedingt sehenswert: Baselitz von Evelyn Schels, ein emphatisches Porträt des derzeit international bekanntesten...

Nachschub für die Aschemühle

Film

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Ist es möglich, Formen des Zusammenseins, der Kollektivität, vielleicht sogar der Gemeinschaft zu finden, die nicht auf einem Opfer beruhen? Kann man es mit anderen ohne einen „Sündenbock“ und dessen Blitzableiterfunktion aushalten, kann man mit ihnen in Beziehung treten, ohne sich über dem Tod eines Dritten zu vereinigen – wie immer dieses oder dieser Dritte genau beschaffen sein mag? Anders gefragt: Kann man das Opfer in all seinen Spielarten selbst opfern, es als den vermutlich wirksamsten Kitt, den Gemeinschaftsbildungen kennen, abschaffen? Drei Tänzer und vier Tänzerinnen finden sich auf der Bühne des HAU 1 zusammen. Sie tun es zaghaft, vorsichtig, mit tastenden, fragenden Bewegungen, so dass „zusammen“ fast schon eine zu starke Bestimmung ist. Dennoch werden immer wieder zeitweilige Verbindungen zwischen Einzelnen spürbar, vielleicht eher zwischen einzelnen Körperteilen und Extremitäten als zwischen ganzen, konturierten Körpern; auch flüchtige Gruppierungen lassen sich hie und da erahnen. Zugleich ist eine klopfende, flötende, irgendwie exotisch anmutende Musik von Leo Schmidthals zu hören. Es wird noch fast eine halbe Stunde dauern, bis endlich die berühmte Fagottpassage erklingt, die Igor Strawinskys „Le Sacre du Printemps“ eröffnet: jener Markstein der Ballett- und Musikgeschichte, der die Rhythmen des Maschinen- und Massenzeitalters mit dem heidnischen Opferritual einer archaischen russischen...

Das Berliner HAU verweigert sich unter der künstlerischen Leitung von Annemie Vanackere nach wie vor einer Programmatik – glücklicherweise

Permanenter Neustart

Alles fließt

Die bürgerliche Südstaaten-Welt, die Tennessee Williams in seinem 1955 uraufgeführten Stück beschreibt, gibt es nicht mehr. Und doch hat die Situation, die das Stück beschreibt, seine Relevanz bewahrt: Big Daddy, ein wohlhabender Mann, feiert seinen 65. Geburtstag im Kreise seiner Familie. Außer ihm und seiner Frau wissen alle, dass es sein letzter ist, weil er an Krebs leidet. Während sein älterer Sohn Brick trotz der Bemühungen seiner entfremdeten, sexuell frustrierten, kinderlosen Frau Maggie in alkoholinduzierte Apathie absäuft, haben es der jüngere Sohn und seine Frau auf das Erbe abgesehen und versuchen, mit Showeinlagen ihrer fünf Kinder zu punkten. Konflikte, Vorwürfe und viel Verdrängtes stellen die Familienbeziehungen auf die Probe. Wenn etwas an Williams’ Drama ein wenig veraltet wirkt, dann die Ausdrücklichkeit, mit der es die Dinge ausspricht und benennt. Stefan Pucher, dessen Zürcher Inszenierung von Arthur Millers „Tod eines Handlungsreisenden“ 2011 zum Theatertreffen eingeladen wurde, setzt diese Dialoge erstaunlich konventionell um und scheint ihnen gleichzeitig nicht zu trauen. Denn er reichert seine Inszenierung mit allem Möglichen an: Songs, begleitet von der Gitarristin Evelinn Trouble in Bastrock und Perücke; Videocollagen, die Erinnerungen, Perspektiven und Gefühlszustände der Figuren zeigen und von der Entstehungszeit des Stücks ins Heute übertragen. Sowohl Songs als auch...

Schauspielhaus Zürich: „Die Katze auf dem heißen Blechdach“ von Tennessee Williams. Regie Stefan Pucher, Bühne Barbara Ehnes, Kostüme Aino Laberenz

Zürich: Katze ausgestopft

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Sweet Dreams?

Das Theater geht vom Mythos aus“, lautet eine Notiz Bertolt Brechts, die man in zwei Richtungen entfalten kann. Dass das Theater vom Mythos ausgeht, bedeutet, dass es den Mythos voraussetzt. Es kann aber auch heißen, dass es nur dort Theater ist, wo es den Mythos bereits hinter sich gelassen hat. Das Theater steht demnach in einem sehr eigentümlichen Verhältnis zu mythischen Formen, etwa zu Festen und Ritualen: Diese mögen zwar...

Über die Nähe des Theaters zum religiösen Ritual

Das entleerte Heilige

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Festival der Besessenen

Mit Glauben kennt er sich aus. Mit Religion weniger. Es sei denn, man begreift den real existierenden Sozialismus als Staatsreligion der ehemaligen DDR. Als die zusammenbrach, war Steven Scharf, geboren in Vacha, einem Ort im Thüringischen, 14 Jahre alt, in einem Alter also, wo er, vorsichtig formuliert, „kurz davor war, Zweifel zu entwickeln“. Bis dahin aber, sagt Scharf, gab es für ihn keinen Grund dazu: „Ich hatte eine glückliche Kindheit....

Warum tiefstapeln? Dem Müchner Schauspieler Steven Scharf geht es um alles

Nüchterner Rausch

Disappearing Birdie Coonan

Jérôme Savary brach Mitte der 70er Jahre über das westdeutsche Stadttheater herein und wirkte als Befreiung und Provokation. Sein in Paris gegründeter Grand Magic Circus, eine freie Gruppe, huldigte den Tugenden der Revue, der Music-Hall, des Zirkus, der Artistik, des Cabarets, der Operette, der Show und brachte den Nachweis, dass gerade (auch) mit den Mitteln dieser gelegentlich von „seriösen“ Künstlern hochnäsig behandelten Genres vitales, sinnliches und berührendes Theater möglich ist. Seine Schauspielertruppe war bunt zusammengewürfelt: ein Kostümschneider, Michel Dussarat (genannt Dudu), ein der Oper entlaufener argentinischer Sänger vom Teatro Colon (Guy Gallardo) und die dicke amerikanische Schauspielerin Gayle Gatterburg. Seine Hauptdarstellerin Mona hatte Savary sich aus einem Stripteaselokal geholt (und dann auch gleich geheiratet). Hauptkriterium für die Auswahl seines Ensembles: Ja nicht langweilig! Akrobatisches, musikalisches Können und Körpereinsatz über jede Schamgrenze hinweg waren selbstverständliche Voraussetzung. Jérôme Savary hatte vor (was seit Nestroy schon Horváth oder Brecht mit dem „Puntila“ getan hatten), das verachtete Genre „Volkstheater“ wieder zum Leben zu erwecken. Die kleinen Leute, die Périchole in der gleichnamigen Offenbach-Operette, die Pariser Tip-Tap-Boys, die sich unter deutscher Besatzung im Zweiten Weltkrieg dem Jazztanz und dem unpolitischen Leben widmeten und deshalb mit der Gestapo in Konflikt kamen, der deutsche Gefreite und der...

Jérôme Savary hat das Stadttheater ein Leben lang aufgemischt – jetzt ist er 70-jährig gestorben

Der charmante Ganove

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

Herr Ritsema, Sie leben in einem ehemaligen Kloster mit über sechzig Zimmern in der Champagne. Was für einen Traum namens PAF (Performing Arts Forum) träumen Sie hier? Ich hatte keinen Traum. Ich bin Künstler und gar nicht dafür gemacht, so etwas zu organisieren. Das bedeutet, ich habe meine eigene Arbeit, bin sehr an mir selbst interessiert, natürlich auch an der Gesellschaft, aber durch mich selber hindurch. Ich bin zufällig zu diesem Anwesen gekommen. Ich hatte ein Haus in Südburgund und ein zweites in Brüssel, wo ich als Lehrer für Tanz an der Schule von Anne Teresa De Keersmaeker arbeitete, und suchte etwas, das näher an Brüssel liegt, um die Wochenenden dort zu verbringen. Ein Immobilienagent zeigte mir dieses ehemalige Kloster, und zwei Gedanken fingen an mich zu beschäftigen. Erstens: Seit 1995 tanze ich und gehöre der konzeptionellen zeitgenössischen Tanzszene an. Diese Szene wächst einerseits permanent, andererseits nahm die Desorientierung zu. Da wäre eine Plattform, wo wir uns austauschen können, sehr sinnvoll. Zweitens: Gerade weil es heute keine gemeinsame Ideologie mehr gibt, brauchen wir Räume, wo Leute experimentieren können, um so Gemeinsamkeiten und damit Perspektiven zu erkennen. Dieses Gebäude kann wie ein Instrument, eine Maschine gebraucht werden, wo man sagt: Versuchen...

Der niederländische Theatermacher Jan Ritsema lebt und arbeitet in einem ehemaligen Kloster in der Nähe von Reims – einem Raum der Kunst. Eine Wiederentdeckung von Frank Raddatz

The Army of Artists

Theater fand Judith Wilske langweilig. Deshalb studierte sie als 19-Jährige erst einmal Wirtschaftswissenschaften – etwas, von dem sie keine Ahnung hatte, was ihr aber wichtig schien. Später holte das Theater sie dann doch ein: Sie absolvierte ein Regie- und Kunststudium an De Amsterdamse School / Advanced Research in Theatre and Dance – DasArts und benutzt seither theatrale Mittel zur Erkundung von Phänomenen, die sie beschäftigen. Ihre Wirtschaftsausbildung verraten nicht nur die ökonomischen Begriffe, die sie gerne ins Gespräch einflicht, sondern auch die Themen, die ihre Theaterarbeiten prägen: die sozialen Auswirkungen einer Fabrikschließung in „Ortschaft abgeschaltet“ (mit dem Künstlerkollektiv Futur3, Köln 2012), ein alternatives Bankenmodell in „Die gute Bank“ (Bern 2012) oder individuelles Shopping- Verhalten in „Why Do You Shop?“ (Hamburg 1999), in dem sie in einem Wohnwagen Passanten ihre Shopping-Gewohnheiten reflektieren ließ. Judith Wilske ist an Wirkung interessiert. Sie möchte „etwas in die Welt setzen, was man dann von allen Seiten beleuchten und worüber man sich austauschen kann“. Mit ansteckender Energie und Neugier untersucht die 43-Jährige in langjähriger Zusammenarbeit mit der Theaterwissenschaftlerin Maren Simoneit unter dem Namen Wilske, Simoneit &amp; Friends wirtschaftliche Mechanismen, entwickelt überraschende Modelle, führt verspielte Experimente durch und wertet diese in „Lehrstück- Performances“ aus. Dabei bezieht sie...

Die Regisseurin Judith Wilske versteht Theater als Prozess der Selbstbelehrung

Die Realität verkünstlichen

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Guilt-Trip durchs Vogtland

Im Theater einzuschlafen, gilt als verpönt. Im Studio des Badischen Staatstheaters wird man momentan zu dieser Nachlässigkeit geradezu verführt. Ein mit Leinentüchern und Projektionen hergerichtetes Himmelszelt, darunter Matratzen, Bettzeug, beleuchtete Globen und schon zu Beginn der Hinweis: Einschlummern erwünscht! Früh wird klar, dass diese Uraufführung von „Die Müdigkeitsgesellschaft / Versuch über die Müdigkeit“ überraschende Finessen zu bieten hat. Ausgehend von den gleichnamigen Texten des Philosophen Byung-Chul Han und Peter Handkes,...

Die Taylor Swift unter den Theatern

Warte, bis es Nacht wird. Warte auf die Musik. Auf die Bongos und Timbales, Claves und Congas. Ihr Tock-Tocktock, gegen den Gleichschritt synkopiert. Herzschlag oder Kopfschmerz? Zündstoff! Immer wieder wird hier irgendjemand die Stille eskortieren, hitzig, schweißperlend, süffig. Traumtrunkene Droge in einer bröckelnden Stadt. Doch sind nachts eben auch andere Wege möglich. Der kubanische Fotograf Jose Goitia hat sie fotografiert, vor einer rotglühend im Meer versinkenden Sonne: sieben Männer auf einem Floß wie zum Ausflug bereit. Auch dieses Bild wird von Kuba erzählen. Es ist still im Centro Cultural Bertolt Brecht. Ratloses Schweigen. Vier Männer stehen um ein Stück Holz und kratzen sich grummelnd am Kopf. Ein Bühnenteil ist zu groß. Ausgerechnet für die Treppe, die später eisern und gewunden nach oben führen soll. Kuba – es geht voran! Doch zunächst heißt es schrauben, bis die Treppe, ein bisschen windschief, in ihrer Verankerung sitzt. Es sind noch drei Tage bis zur Premiere. Drei Tage, in denen Zuckerrohr rangeschafft und Licht eingerichtet werden muss. Drei Tage aber auch, an denen allen immer klarer wird, was sie hier tun: ein Stück auf die Bühne bringen, das nur scheinbar historisch ist. Hans Werner Henzes „El Cimarrón“. Der deutsche Komponist war 1969 in Havanna...

Wie Hans Werner Henzes Sklavenbefreiungsstück „El Cimarrón“ auf Kuba heute die Freiheit des Einzelnen beschwört

Das tägliche Etwas

Herr Seidl, wenn ich Ihre Volksbühnen-Inszenierung „Vater unser“ bedenke sowie Ihre Filme, von „Tierische Liebe“ über „ Jesus, du weißt“, „Import Export“ bis zur aktuellen „Paradies“-Trilogie, dann habe ich das Gefühl, die Welt ist ein Tal der verlorenen Seelen. Alle schreien nach Erlösung, aber es gibt keinen Erlöser? Da ist doch etwas anderes gewollt in meinen Filmen. Nicht die Hoffnungslosigkeit an sich ist das Thema. Es hat ja Gründe, dass...

Der Regisseur Ulrich Seidl über die Besessenheit im christlichen Glauben im Gespräch mit Gunnar Decker

Keine Paradiese

Was ist Theater?

Die Familie – ein Hort der Geborgenheit? Christine und Paul, um die 50, sind geschieden. Der Sohn Jean lebt – Gedichte schreibend und vom Schauspielerberuf träumend – noch zu Hause. Die Trennung hat Paul aus der Bahn geworfen, seine Arbeit hat er auch verloren. Und Christines Vater Pierre läuft seit seiner Verrentung ständig vor sich selbst weg, beispielsweise zu den Niagara-Fällen. Die Figuren in dem Hörspiel In meinem Wohlbefinden das Wohlbefinden aller, ich sage es ohne Selbstgefälligkeit nach dem gleichnamigen Theaterstück von Eddy Pallaro sehnen sich nach Liebe, wollen nützlich und nicht einsam sein. Aber sie finden keine gemeinsame Sprache, sich zu verstehen. Die 41-jährige Durchschnittsfrau Harper Regan finanziert ihre fast erwachsene Tochter und den Ehemann mit ihrer schlecht bezahlten Arbeit bei einem Logistikunternehmen. Harpers Mann fotografiert kleine Mädchen. Ganz harmlos. Oder möchte Harper das nur glauben? Ihr Mann ist nämlich ins Gerede gekommen. Als Harper erfährt, dass ihr Vater im Sterben liegt, will sie zu ihm. Dass ihr Arbeitgeber ihr nicht freigibt, hindert sie nicht. Sie fährt, ohne Tochter und Mann etwas zu sagen. Als sie in Stockport ankommt, ist es zu spät, um ihren Vater noch einmal zu sprechen. Harper verliert ihren Halt, in einer Kneipe fängt sie...

Haltlose Irrfahrten

Hörspiel

„Und immer mehr wie ein Schleier kommt mir meine Sprache vor, den man zerreissen muss, um an die hinterliegenden Dinge (oder das hinterliegende Nichts) zu kommen“, schreibt Samuel Beckett im Juli 1937 an seinen Berliner Bekannten Axel Kaun. „Oder sollte die Literatur auf jenem alten faulen, von Musik und Malerei längst verlassenen Wege allein hinterbleiben? … Um Antwort wird gebeten.“ Solche programmatischen Äußerungen sind selten in den Briefen des jungen Schriftstellers, die er zwischen 1929 und 1940 aus Dublin, London, Paris, Berlin und München an seine Freunde und Bekannten schickt. Es geht zu Anfang vor allem um die Versuche, seine Gedichte, Essays und ersten Prosatexte bei Verlagen unterzubringen und eine feste Anstellung zu finden. Aber schon bald wird das Schreiben wichtiger als das Publizieren oder die wissenschaftliche Karriere. Geld ist trotz der mütterlichen Unterstützung aus Cooldrinagh immer knapp, und die Urteile über Verleger und Agenten fallen entsprechend drastisch aus. Aber auch Künstler und Kollegen bekommen Becketts bitteren Witz ab: der Dirigent Wilhelm Furtwängler nach einem Konzert in London („Nazi-Massaker an einer Partitur“), der Dresdner Gemäldegalerie- Direktor Hans Posse für seine Präsentationen („der Rembrandt-Saal ein Skandal“) und sogar der Nürnberger Sebaldus-Altar („ein schwarzes Trumm“). Es gibt aber auch erfreuliche Begegnungen: beispielsweise...

Samuel Beckett: Weitermachen ist mehr, als ich tun kann. Briefe 1929 – 1940. Suhrkamp Verlag, Berlin 2013, 856 S., 39,95 EUR.

Um Antwort wird gebeten

Soll ein Editorial eine politische Resolution wie einen redaktionellen Beitrag behandeln? Wir meinen: Ja. Die Vorgänge in Ungarn sind derart alarmierend, dass wir uns neben dem Initiator Klaus Pierwoß, neben Unterzeichnern wie Elfriede Jelinek und Ulrich Khuon der Forderung nach einer europäischen Bewegung gegen den Abbau rechtsstaatlicher Instanzen anschließen. Während die protofaschistische Polarisierung der ungarischen Gesellschaft eine antisemitische Gesinnung salonfähig macht und Roma als Sündenböcke für die immensen ökonomischen Probleme...

Editorial

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lebende Bilder von Stefan Hageneier für die Passionsspiele Oberammergau 2010

Künstlerinsert

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Die Utopie, Schönheit und Funktion in eine Harmonie zu bringen, hatte im 20. Jahrhundert einen Ort: das Bauhaus Dessau. Das Bauhaus musste nach dem Ersten Weltkrieg aus Weimar fort und ging ins Dessauer Exil. Der Rüstungshersteller Hugo Junkers sah hier den Ort für einen Neuanfang nach dem verlorenen Krieg, an dem er gut verdient hatte. Aber Junkers war ein Romantiker, Gropius nannte ihn einen „unmodern denkenden Menschen“, aber „eine Persönlichkeit“. Seine ganze Zärtlichkeit gilt der Maschine, besonders jener, die den alten Ikarus-Traum des Menschen wahr macht. Er trauert um jedes Flugzeug, das im Krieg zerstört wird. „Ein Flugzeug zu bauen, damit es kurze Zeit später in Flammen aufgeht, ist mir ein Gräuel.“ Das ist sein Bekenntnis zu einer Friedensproduktion des Flugzeugs. Keine Massenfertigung will Junkers, der sich nicht als Kapitalist, sondern als Unternehmer fühlt – und dieser Eigensinn ärgert nicht erst die Nazis, sondern auch schon die Militärs der Weimarer Republik. Ist das ein Stoff fürs Theater? Gewiss, wenn man dem Dokumentarischen seine ureigene Dramatik abzulauschen versteht! Tine Rahel Völcker, die 2006 mit „Die Höhle vor der Stadt in einem Land mit Nazis und Bäumen“ in der Regie von Tilmann Köhler in Weimar einen großen Erfolg hatte, sollte sich eigentlich...

Anhaltisches Theater: „Der fliegende Mensch. Eine Junkers-Saga“ (UA) von Tine Rahel Völcker. Regie Andrea Moses, Ausstattung Karoly Risz

Dessau: Romantiker im Kapitalismus

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Und noch ein PS zu Theater und Religion: Kürzlich konnte man lesen, dass das seit einigen Monaten erscheinende polnische Magazin Miesiecznik Egzorcysta (Der monatliche Exorzist) nun auch eine internationale Ausgabe plant: eine Hochglanzzeitschrift für Teufels- und Dämonenaustreiber (und deren Sympathisanten) in der katholischen Kirche, mit einer Auflage von immerhin 15 000 Exemplaren (mehr als Theater der Zeit). Der Erfolg des Blattes verdankt sich einem allgemeinen Exorzismus-Boom: Unter dem Pontifikat Benedikts XVI., der 2005 die katholischen Exorzisten ermutigte, „mit ihrem wertvollen Dienst an der Kirche fortzufahren“, ist die Zahl der professionellen Teufelsaustreibungen erstaunlich gestiegen. In Deutschland werden zwar jährlich nur 700 Besessene behandelt, aber in Polen sind es 15 000, so dass man dort als Teufels- oder Dämonenopfer derzeit mit dreimonatigen Wartezeiten rechnen muss. Einige Exorzisten vollziehen den Ritus sogar schon zeitsparend per Skype. Trotzdem ist der Slogan des „monatlichen Exorzisten“ wohl nicht der terminlichen Überlastung polnischer Exorzisten geschuldet: „Mit Dämonen diskutiert man nicht“. Dabei ist der Zeitschrift zu danken. Selten war so deutlich sichtbar, dass Exorzisten selbst die wahren Besessenen sind, die mit aller Kraft an das glauben, was sie austreiben wollen. Mehr noch: Ein Blick auf die Bebilderung von Miesiecznik Egzorcysta genügt, um zu begreifen, dass Exorzisten wahre...

Teufel komm raus!

kirschs kontexte

Ja, ja ... Es gibt die Appelle und Artikel, Protestresolutionen und Briefe, Podiumsdebatten und Filmdokumentationen über und gegen die systematische Faschisierung in Ungarn, aber alles waren bisher nur Aktionen der Vergeblichkeit. Mit den üblichen Protest-Gepflogenheiten der demokratischen Zivilgesellschaft lässt sich in und gegen Ungarn nichts mehr ausrichten. Die ungarische Regierung Orbán verwandelt den Staat unbeeinträchtigt in ein Rechtsregime. Das politisch institutionalisierte Europa schaut tatenlos zu. Und die Intellektuellen schweigen auf nicht nachvollziehbare Weise; ihre Aktionen dienen allenfalls der Beruhigung des eigenen Gewissens. Es ist höchste Zeit, dass die Intellektuellen Europas ihre Untätigkeit und Selbstaufgabe beenden und in die Situation Ungarns, das sich zu einem Fäulnisherd Europas entwickelt, eingreifen. Kampf oder Kapitulation? Vorschlag: Von Wien aus sollte auf einem Strategiekongress eine mächtige Druckwelle der Gegenöffentlichkeit gegen die ungarische Politik ins Werk gesetzt werden. Der Filmtitel „Die Wahl der Waffen" ist eine Aufforderung an das geistige Europa, zusammen die bisherigen Mittel der Auseinandersetzung zu überdenken und zu einer neuen Radikalität zu finden. Der Pariser Kongress von 1935 „Zur Verteidigung der Kultur" und die „Kafka-Konferenz" von 1963 könnten wichtige Impulse geben. Philosophen und Publizisten, Musiker und Wissenschaftler, Theatermenschen und Filmemacher, bildende Künstler und Dichter, Greenpeace-Aktivisten, Internet- und SMS-Multiplikatoren - alle, die eine eingreifende...

Nüchterner Rausch

Assoziationen

Theater der Zeit 03/2011

Unruheland Ungarn

Neuerscheinungen im Verlag