Ruhrtriennale: „West Side Bowie“ ohne Story

Wie Theater sein Publikum bildet

Von Kulturerbe, Ikonen und Ressourcen

Bauanleitung für ein Theater der Zukunft

13. Juli bis 17. Juli 2026

Warten auf Eklavya

Blitz, Donner, Antike

Schneisen in die Gegenwart schlagen

Editorial

Wir gehen rein

Einführung in die szenische Robotik

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Der Klebstoff von Benneckenstein

Im Kunstfest Weimar stoßen Randerscheinungen ins Zentrum vor

Mittwoch, 24. Juni 2026

Es geht um ein Theater neuen Typs

„Was uns alle bedroht, sind die Angriffe auf Pluralität“

Geplatzte Träume und umkämpfte Kompromisse

„Is my future all in the past?“

Auf neuen Wegen

Die Kunst der Verteidigung

Thalia Theater Hamburg: Erinnern allein genügt nicht

Bregenzer Festspiele: Scherben ohne Schock

Landkulturperle im Odenwald

Sex als Krieg!

Zusammen+Arbeiten

Salzburger Festspiele: Die Überflugkraft des Unnützen

Mut, Diversity, Zeit, Zukunft

Theater des Ungehorsams

Salzburger Festspiele: Die Schlachthöfe der KI

Theater der Welt in Chemnitz: Den Affen spielen, den Menschen sezieren

Über Freundschaft in Zeiten des Otorop

Radikale Ästhetiken in Zeiten des Rechtsrucks

HAU Berlin: Das Abendmahl der Menschenfresserinnen

Einfach(e) Tatsachen in Corona-Zeiten

Termine | Impressum

Ohne Not und Sachverstand

Die Absicht, eine Mauer zu bauen

„Es wird eine Kultur der Veteranen geben“

Erleuchtung und Ernüchterung

Was macht das Theater, Daniel Morgenroth?

Festival d’Avignon: Das Böse als Barspektakel

Chemnitzer Stempel

Diversität als Festivaldramaturgie

Der Wald, der nicht vergisst

Haltepunkt – Bushaltestellen im Oderbruch

Von der Forschungsreise zur Inszenierung

Fragile Normalität

Wo sind wir jetzt?

Ruhrtriennale: Brustmassage über Gräbern

Wissenswert

Schauspiel Frankfurt: Kanonenfutter, sprich!

Hacken für das Theater

Die Schreie der Opfer in den Kriegen der Welt

Wie kommt das Neue in die Welt?

Milliardenprojekt mit ungewisser Zukunft

Ruhrtriennale/Deutsches Theater Berlin: Kindertheater für alle

Lausitz Festival: Pathos-Supernova im Hangar

Hiermit erklären wir Euch zu: Expert*innen

Programmgestaltung im Ausnahmezustand – eine Bestandsaufnahme

Ins Offene der Möglichkeiten

Neuköllner Oper: Kein Applaus bei einer Premiere?!

Zwischen Gegenwartsdrang und Festivalmüdigkeit

„Wir bauen an einem Ort der Demokratie“

Vom Wandel, neuen Narrativen und Dramaturgien in einem Theater der Generationen

Das Theater der Digital Natives

In unsicheren Zeiten

Jenseits des Schubladendenkens

Bayreuther Festspiele: Friedensboten als Taubenplage

Theater wie Video? Oder: richtig spielen

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Klimawandel

Corona

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Polen

Musiktheater

Queeres Theater

Europa

Theater der Zeit

Politische Konfliktzonen

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Tanz

Performance

Kunstinsert

Debatte

Asien

Brandenburg

Neue Dramatik

Keine Spielstätte

Theorie

Wissenschaft

Hessen

Berlin

Dramaturgie

Afrika

Ukraine

International

Körperlichkeit

Praxiswissen

Digitales Theater

Kinder- & Jugendtheater

Recherchen

Akteur:innen

Dramatik

Baden-Württemberg

Puppen-, Figuren- & Objekttheater

Regie

Theaterkritiken

Schleswig-Holstein

Festivals

Schweiz

Digitale Reihe

Bertolt Brecht

Freie Szene

Sprechtheater

Kritiken

Stücke

Tarife & Theater

Bühne & Film

Kostüm und Bühne

Kulturkürzungen

Startseite

IXYPSILONZETT "IXYPSILONZETT 02/2020"

Theater der Zeit 9/2026

Die Mobilität von Tanz- und Theaterproduktionen wächst: Festivals und Häuser zeigen vermehrt Gastspiele und entwickeln transnationale Koproduktionen. Zugleich wird diese Praxis kritisch hinterfragt. Seit der Covid-19-Pandemie haben hybride Formate zugenommen, Aufführungen verlagerten sich auf den Bildschirm, und neue Strategien entstanden, die ohne Live-Publikum vor Ort funktionieren. Auch im Hinblick auf Klimagerechtigkeit stellt sich die Frage nach verantwortungsvollen Zirkulationsformen. Behinderte Theater- und Tanzschaffende haben schon längst Erfahrungen mit erschwerter Mobilität gemacht und daraus eigene Ästhetiken und Arbeitsweisen entwickelt. Ihre Erfahrungen wurden in den bisherigen Debatten jedoch kaum mitgedacht. Der Sammelband erweitert die Diskussion um Im/Mobilität in den Darstellenden Künsten um eine Disability-Perspektive und versammelt künstlerische Beiträge, Essays und wissenschaftliche Analysen. Auditive Formate, Videos und Zusammenfassungen in Leichter Sprache eröffnen barrierearme Zugänge für ein breiteres Publikum.Der Band erscheint zugleich als MIMOS – Schweizer Jahrbuch Darstellende Künste Nr. 87–2026, herausgegeben von der Schweizerischen Gesellschaft für Theaterkultur (SGTK) mit Unterstützung der Schweizerischen Akademie der Geistes- und Sozialwissenschaften (SAGW). Ein Teil der Auflage enthält eine französischsprachige Broschüre mit Abstracts der Beiträge.

Zugänglichkeit und Verantwortung in den performativen Künsten

Im/Mobile Möglichkeiten

Einzigartige Primärquellen aus einem weitgehend undbekannten Kapitel der DDR-Ballettgeschichte
Erscheint zum 80. Jubiläum der Zeitschrift Theater der Zeit
DDR-Ballett, ostdeutsche Tanzgeschichte und selten aufgeführte Choreografien zwischen 1975 und der späten „Nachwendezeit“: Dieser Band versammelt erstmals wegweisende Rezensionen, Essays und Augenzeugenberichte aus dem Deutschen Tanzarchiv Köln, der seit 1946 bestehenden Zeitschrift Theater der Zeit und aus Tageszeitungen. Ein erfahrener Tanzredakteur, Dietmar Fritzsche, und sein damals junger, heute renommierter Autor, Volkmar Draeger, führen kenntnisreich durch vergessene Bühnenmomente – von Uraufführungen u. a. in Berlin, Dresden, Leipzig bis zu neu inszenierten Werken aus den, wie es offiziell hieß, „befreundeten sozialistischen Ländern“.
Kompakt, fundiert und spannend zeichnet das Buch die Entwicklung des DDR-Balletts nach, beleuchtet künstlerische Höhepunkte, politische Tendenzen, ästhetische Irrwege. Damit bildet das Buch ein unverzichtbares Nachschlagewerk für Tanzwissenschaft, Kulturgeschichte und alle, die ostdeutsche Bühne, Tanzkritik und Ballettgeschichte erkunden möchten.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank-Manuel Peter (Hg.): Die andere Seite. Tanz in der DDR von 1975 bis 1997" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank-manuel_peter_hg._die_andere_seite._tanz_i&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Tanz in der DDR von 1975 bis 1997

Die andere Seite

Die Maiausgabe von „Theater der Zeit“ widmet sich im Schwerpunkt dem Thema Teamintendanzen und fragt, wie kollektive Leitungsmodelle Theaterarbeit, Machtverteilung und Verantwortung verändern. In Interviews und Porträts kommen u. a. Thomas Bockelmann, das Leitungsteam des Nationaltheaters Weimar sowie Inka Neubert und Pascal Wieandt vom Theaterhaus G7 Mannheim zu Wort – was sind die Vorteile einer Teamintendanz? Welche Konflikte gibt es? Ist eine geteilte Intendanz wirklich Machtverteilung oder schafft sie neue Abhängigkeiten? Ergänzt wird der Schwerpunkt durch ein Gespräch mit Schauspielerinnen des Theaters Magdeburg über Probenprozesse in der Teamintendanz, das einen konkreten Blick aus der Ensembleperspektive bietet.
Ergänzt durch Beiträge zu den großen Theaterfestivals im Sommer: die Mülheimer Theatertage, das Theatertreffen, das Schweizer Theatertrffen und: Florentina Holzinger über ihren Auftritt bei der Biennale in Venedig!
Drüber hinaus erinnert die Ausgabe an Peter Zadek und Konstanze Lauterbach und würdigt den verstorbenen Autor und Regisseur Alexander Kluge. Wie immer: Stückabdruck (diesmal Robert Seethalers „Vernissage“), eine Kolumne von Max Glauner und eine Buchkritik zur ersten Biografie von Judith Malina.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="TdZ_05/26_Florentina Holzinger in Venedig" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_05_26_florentina_holzinger_in_venedig&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Schwerpunkt Teamintendanzen

Florentina Holzinger in Venedig

Das Juni-Heft von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Horror, das Unheimliche auf der Bühne“ und verbindet ästhetische, kulturpolitische und traumagesellschaftliche Perspektiven. Essays von Joseph Pearson und Hannah von Sass, Stefan Keim und Horrorspezialist Jörg Buttgereit untersuchen das Unheimliche in Schauspiel und Musiktheater – das auch bei den Bayerischen Theatertagen in Form von Stephen Kings „The Shining“ als Oper in Regensburg wieder auftaucht.
Das Magazin verhandelt zudem aktuelle Konflikte um Theaterbauten und Kulturpolitik – exemplarisch am Chemnitzer Schauspielhaus.
Das Stück im Juniheft: Kevin Rittbergers „Wunde Stadt“ verhandelt das Attentat von Magdeburg, flankiert von einem Stückgespräch.
Kolumnen von Mateja Meded („Habitus-Passing“) und Lina Wölfel („Wir gehen nicht rein“) reflektieren Klassenverhältnisse, Diversität und Auswahlmacht im Theaterbetrieb, während Berichte von Festivals und Ausstellungen (u. a. Heidelberger Stückemarkt, Bayerische Theatertage, Bühnenbildklasse Düsseldorf, Brecht-Journal) den Blick auf internationale Szenen und Theatergeschichte erweitern.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" title="TdZ 06_26_Horror" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_06_26_horror_581b2934d5d078&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Horror, das Unheimliche auf der Bühne

Wie gewinnt ein Textvortrag, obwohl er aus wiederholbaren Zeichen besteht, Bühnenpräsenz? Was kann die heutige Sprechausbildung im Schauspielstudium leisten, um die Studierenden darin zu unterstützen?
Helmut Becker geht diesen zentralen Fragen in seiner Dissertation nach. Basierend auf aktuellen Leiblichkeitskonzepten und einem phänomenologisch orientierten Textbegriff analysiert Becker Möglichkeiten der Texterschließung und Textgestaltung an klassischen Werken von Euripides, Shakespeare, Schiller, Kleist, Kafka, Mann, Camus sowie zeitgenössischen Autoren wie Heißenbüttel, Brinkmann und Gernhardt.
Durch die gezielte Schulung von Atemqualitäten und deren Anwendung am Text entsteht ein neues, tiefgehendes Verständnis von Leiblichkeit. Das Buch zeigt, wie ein solches Leibbewusstsein die Lust am Text, an kraftvoller Bühnenpräsenz und authentischer Textperformanz nachhaltig fördert – und richtet sich an Schauspielstudierende, Bühnenprofis sowie alle, die sich für lebendige Textpräsentation, Stimmtraining und performative Literaturvermittlung begeistern.
Mit zahlreichen Hörbeispielen als Audiofiles begleitend zum Lesen.

Die Leiblichkeit der Texte

Expert*innenwissen reloaded

Positionsbestimmungen

Wie demokratisch sind unsere Theater? Kulturelle Teilhabe ist die zentrale Herausforderung für Theater und Kulturpolitik – zwischen Sparzwang, Publikumsrückgang und gesellschaftlicher Verantwortung. „Demokratisches Theater“ untersucht erstmals im internationalen Vergleich, wie öffentlich geförderte Theater und Kulturpolitik in Deutschland, England und Frankreich den Auftrag kultureller Teilhabe verstehen und welche Strategien sie dafür entwickeln.Auf Grundlage von Demokratietheorien, Kulturmanagement- und Kulturvermittlungsdiskursen zeigt die empirische Studie von Maria Nesemann deutliche Unterschiede in der theater- und kulturpolitischen Praxis – und im Verständnis davon, worin der gesellschaftliche Auftrag von Theater besteht. Die Publikation macht sichtbar, dass Teilhabe ein komplexer, nicht widerspruchsfreier Begriff ist.Das Buch liefert praxisrelevante Impulse für Theaterschaffende, Kulturpolitik und Forschung und zeigt Wege auf, wie Teilhabe zwischen künstlerischer Autonomie und gesellschaftlicher Öffnung gestaltet werden kann.

Teilhabe am öffentlich geförderten Theater in Deutschland, England und Frankreich

Demokratisches Theater

25 Bühnenbilder von Katrin Brack, entstanden zwischen 2010 und 2025, inklusive ihrer Rauminstallation anlässlich der Verleihung des Goldenen Löwen in Venedig 2017: Die Bildstrecke macht signifikante Gemeinsamkeiten wie auch Brüche und Entwicklungen in diesen 15 Jahren deutlich, die durch die Zusammenarbeit mit u. a. Dimiter Gotscheff, René Pollesch, Luk Perceval, Karin Henkel geprägt ist. Ergänzt wird dieser fotografische Schwerpunkt sowohl von unveröffentlichten Zeichnungen, die Einblicke in Konzeption, Entstehung und Realisation der einzelnen Bühnenarbeiten gewähren, wie von unterschiedlichen Textbeiträgen.
Im Gespräch mit dem Herausgeber Frank M. Raddatz erläutert die Ausnahmebühnenbildnerin die Kunstprinzipien, von denen sie sich leiten lässt. Der Philosoph Robert Pfaller verortet ihre Arbeiten in der jüngeren Kunstgeschichte der Gegenwart, während Birgit Wiens die Spezifika dieser Räume aus theaterwissenschaftlicher Sicht untersucht. Josef Bairlein und Götz Leineweber geben Einblicke in Bracks Lehre an der Kunstakademie München und die kollektive Arbeitsweise ihrer Bühnenbildklasse. Statements von Birgit Minichmayr, Tabea Braun, Sybille Meier, Luk Perceval und Thomas Thieme werfen Licht auf diese lebendigen Bühnen.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank M. Raddatz (Hg.): Bühne / Stage Katrin Brack" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank_m._raddatz_hg._b_hne_stage_katrin_brack&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Bühne / Stage Katrin Brack

„Setting the Stage, Vol. 3 – Contemporary Spaces“ versammelt Positionen zu Bühnenbild und Szenografie aus dem Kunstinsert der Zeitschrift Theater der Zeit und richtet den Blick – im Vorfeld der Prager Quadriennale 2027 – auf die produktive Kraft von Bühne, Raum und Körper für das zeitgenössische Theater. In vier thematischen Kapiteln – Körper/Raum, Politische Topografien, Mediale und digitale Räume sowie Architektur/Natur – zeigen international arbeitende Künstler:innen, wie der Bühnenraum zum aktivierenden Gestaltungsmittel wird. Ihre Arbeiten machen sichtbar, wie aus Abwesenheit Präsenz entsteht, wie Stille Bedeutung trägt und wie Räume politische und ästhetische Aussagen provozieren.Mit Beiträgen u. a. von James Turrell, Anne Imhof, Lars Ramberg, Markus Selg und Henrike Naumann. Gespräche, Porträts, Werkdokumentationen und umfangreiches Bildmaterial eröffnen unmittelbare Einblicke in künstlerische Haltungen und Arbeitsweisen. Der Band setzt die editorische Linie fort, die Theater der Zeit mit den Vorgängerbänden „Das Bild der Bühne“ (1998) und „Setting the Stage, Vol. 2“ (2015) etabliert hat.

Contemporary Spaces

Setting the Stage, Vol. 3

Mensch-Technik-Verhältnis auf der Bühne
Inszenierungspraktiken und Kooperationsmodi
Ausgehend von der Frage nach einem post-anthropozentrischen Verständnis von Theater entfaltet Marcel J. V. Kieslich in seiner Studie eine theoretisch wie praktisch fundierte Untersuchung der szenischen Robotik. Im Zentrum steht die Analyse mehr-als-menschlicher Relationen und ihrer ästhetischen wie ontologischen Implikationen für die performativen Künste. Kieslich entwickelt auf dieser Basis neue Inszenierungspraktiken, die den Roboter nicht allein als technisches Artefakt, sondern als relationales Gegenüber begreifen. Dieses Spannungsfeld zwischen algorithmischer Steuerung und emergenter Autonomie fasst er unter dem Begriff der „Informierten Unbestimmtheit“. Im Zusammenspiel von Kunst- und Wissenschaftsforschung skizziert das Buch Kooperationsmodi, die das Verhältnis von Mensch und Technik in der Theaterpraxis neu bestimmen und einen Beitrag zur aktuellen Debatte um posthumanistische Ansätze in der Theaterforschung leisten.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" title="Marcel Kieslich: Informierte Unbestimmtheit. Robotik im Theater" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=marcel_kieslich_informierte_unbestimmtheit._robot&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Zur Robotik im Theater

Informierte Unbestimmtheit

Die sechste Ausgabe der VOICES wechselt die Blickrichtung: weg von der Bühne und hinein in den Publikumsraum. Sie schaut auf diejenigen, die Zeitgenössische Zirkusveranstaltungen besuchen und auf diejenigen, die sie nicht besuchen. Sie fragt nach Zugänglichkeit, Zirkustrends und dem Zirkuserlebnis Was passiert eigentlich zwischen Bühne und Publikumsraum? Wie erleben Zuschauer:innen eine Aufführung? Was verbirgt sich hinter der „Dramaturgie des Risikos“? Wo gibt es Feedbackschleifen und wann Gemeinschaftsgefühle? 
Das Magazin lädt dazu ein, genauer hinzuschauen – und sich selbst zu hinterfragen. Es bricht mit gängigen Zuschreibungen und eröffnet neue Denk- und Erfahrungsräume. Ganz im Sinne des Mottos „Come Closer“ vom Circus Dance Festival 2026 in Köln rücken partizipative Formate und aktuelle Trends der Zirkusproduktion ins Zentrum. VOICES VI betrachtet Möglichkeiten, Verantwortung, interaktive Strategien und Wünsche von Zirkusschaffenden, Programmverantwortlichen, Stadtplaner:innen – und natürlich vom Publikum selbst. Eine Einladung, näherzukommen.
23.05.26, 11 Uhr: Heft-Präsentation und Gespräch im Rahmen des Circus Dance Festivals 2026.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" title="CircusDanceFestival (Hg.): VOICES VI – reach out" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=circusdancefestival_hg._voices_vi_reach_out&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Zirkus und Publikum (VOICES VI)

reach out

Exklusive Einblicke in bisher unveröffentlichtes Bildmaterial eines preisgekrönten Kinder- und Jugendtheaters
Praxisnahe Inspiration für Pädagog:innen und Kulturschaffende
Seit 40 Jahren sprudelt in Nürnberg „die Pfütze“ – unerschöpflich, lebendig, widerspenstig. Was als kleine, private Initiative begann, ist heute ein einzigartiges Haus für junges Publikum: ein Ort, an dem Musik, Sprache und Bewegung zu einer eigenen, poetischen Ästhetik verschmelzen. Dieses Buch erzählt von Menschen, Ideen und Zufällen, die das theater pfütze geprägt haben – von Aufbrüchen, einem Theaterneubau und der unerschütterlichen Überzeugung, dass Kunst kein Alter kennt und Bewusstsein für gesellschaftliche Verantwortung braucht. Es ist eine Hommage an die Neugier, den Humor, das Staunen und an viele Künstler:innen, die dieses Haus mitgestaltet haben sowie an sein treues Publikum. Doch der Blick geht weiter: in die Zukunft eines Theaters, das nie stehen bleibt, das sich neu erfindet und fragt, was und wie wir morgen erzählen wollen. „Pfütze“ – das ist kein Name, sondern eine Haltung: spielerisch, tief, frei.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" title="Mutige Sprünge und große Wellen_40 Jahre theater pfütze" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=mutige_spr_nge_und_gro_e_wellen_40_jahre_theater_p&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

40 Jahre theater pfütze

Mutige Sprünge und große Wellen

Einzigartige Datentiefe: Interviews und empirische Belege veränderter Programmgestaltung nach der Pandemie
Praxisrelevante Insights
Wie behauptet sich öffentlich finanziertes Theater, wenn Bühnen schließen müssen? Angelika Endres zeigt in ihrer interdisziplinären Studie, dass die Lockdowns die Häuser in Deutschland, England und der Schweiz nicht lähmten, sondern einen bemerkenswerten Wandel in der Programmgestaltung auslösten. Streaming-Premieren, XR-Inszenierungen, partizipative Stadtteilprojekte, Diskursformate und sogar medizinische Angebote erweiterten das Repertoire. Auf Basis von 25 Formattypen, Angebotsanalysen und 33 Expert*innen-Interviews belegt Endres, dass Theater auf den gestiegenen Legitimationsdruck mit neuen Rollen reagieren: als Gemeinschaftsraum, „Dritter Ort“, Placemaker und Labor angewandter Praxis. Der Begriff „Reformatting Turn“ markiert diesen Paradigmenwechsel, der klassische Spartengrenzen auflöst und Kopräsenz um digitale Ko-Zeitlichkeit ergänzt. Das Buch liefert praxisnahe Argumente für Kulturpolitik, Dramaturgie und Wissenschaft – und beantwortet die Frage, was Theater künftig alles sein kann.

Neuformatierung, Transformation, Legitimation

Theater in der Pandemie

Deutschlands Theater stehen vor einer gewaltigen Bauaufgabe: Sanierung, Neubau, Interim – und die Frage, wie Theaterhäuser künftig als offene Orte der Stadtgesellschaft funktionieren können. Der Schwerpunkt dieser Ausgabe bilanziert Projekte von Hamburg bis Chemnitz, von Köln und Düsseldorf über Mannheim, Stuttgart und Karlsruhe bis Weimar und Wuppertal. Es geht um explodierende Kosten, Denkmalschutz, Nachhaltigkeit, politische Entscheidungen und die Folgen langer Ausweichspielzeiten für Ensembles und Publikum.Außerdem: Dorotty Szalma über Kulturpolitik, Demokratie und die AfD in Sachsen-Anhalt; ein erstmals gedrucktes Drehbuch von Thomas Brasch, „Alles Glück der Welt“; ein Porträt des Regisseurs und Videokünstlers Bert Zander sowie ein Nachruf auf den prägenden Dramaturgen Dieter Sturm. Reportagen vom Festival d’Avignon, von Theater der Welt in Chemnitz, dem Münchner Schultheaterfestival und dem Figurentheater-Festival Blickwechsel in Magdeburg ergänzen das Heft.

Sanierung, Neubau, Interim und andere Kostenfragen

Theaterbauten

Der Leitgedanke eines „Theaters für die Stadtgesellschaft“, das als Ort des Nachdenkens und lebendigen Diskurses allen Bewohner:innen Düsseldorfs offensteht, prägte seit 2016 Wilfried Schulz’ Intendanz am Düsseldorfer Schauspielhaus. Unter seiner Leitung wurde das D’haus zu einem lebendigen Ort der Begegnung, an dem großes Sprechtheater, zeitgenössische Dramatik, Klassikerinszenierungen und spartenübergreifende Projekte ihren Platz fanden. Mit der Wiedereröffnung des Schauspielhauses am Gustaf-Gründgens-Platz erstrahlte 2019 ein Düsseldorfer Wahrzeichen neu und war fortan wieder zentral im Stadtleben verankert. Das Schauspielhaus wurde zu einer relevanten Stimme in gesellschaftlichen Debatten, während zugleich große Herausforderungen gemeistert wurden – von Renovierung und Umbau bis hin zu den Einschränkungen der Pandemie.
Der vorliegende Band bebildert umfassend die programmatische Vielfalt der vergangenen zehn Jahre, die Arbeit des herausragenden Ensembles mit renommierten Regisseur:innen sowie der Sparten Junges Schauspiel und des Stadt:Kollektiv mit seinen vielfältigen partizipativen Projekten. Erinnerungen und Beiträge von Persönlichkeiten, die mit dem D’haus verbunden sind, zeichnen das Bild einer Intendanz, die Kunst, Haltung und Öffentlichkeit einer Stadt nachhaltig geprägt hat.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" title="D’haus. Düsseldorfer Schauspielhaus 2016–2026" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=d_haus._d_sseldorfer_schauspielhaus_2016_2026&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Schauspiel – Junges Schauspiel – Stadt:Kollektiv

D’haus. Düsseldorfer Schauspielhaus 2016–2026

Zahlreiche Institutionen des Kinder- und Jugendtheaters feiern Jubiläum: Im November 1946 wurde mit dem Theater der Jungen Welt in Leipzig die erste Spielstätte für junges Publikum in Deutschland eröffnet. 1966 entstand der Interessenverband ASSITEJ Deutschland – ebenso wie das Berliner „THEATER FÜR KINDER im Reichskabarett", aus dem sich das GRIPS Theater entwickelte.
Das sommerheft greift diese Jubiläen auf und fragt angesichts aktueller Kürzungsszenarien, welche gesellschaftspolitischen und künstlerischen Entwicklungen vergangene Gründungen ermöglicht haben. Zugleich blickt das Magazin nach vorn: Theaterschaffende teilen ihre Visionen für Junges Theater, plädieren für kulturelle Grundversorgung junger Menschen als Basis einer demokratischen Gesellschaft und legen Potenziale des „Nicht-Wissens“ frei. Die Bildstrecke dokumentiert Ideen Jugendlicher im Planungsteam des neuen Theaterhauses für junges Publikum in Frankfurt am Main. Der internationale Beitrag rückt den globalen Einsatz der ASSITEJ für Kinder im Zeichen künstlerischer Vielfalt ins Zentrum.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" title="XYZ Sommerheft 2026: Blick zurück – nach vorn" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=xyz_sommerheft_2026_blick_zur_ck_nach_vorn&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Das Theater der Digital Natives

Assoziationen

Person

Katja Grawinkel-Claassen

Person

Irina-Simona Barca

Person

Kathrin Tiedemann

Neuerscheinungen im Verlag