Berliner Ensemble: Mit Blitzeinschlag

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Von der Sonne in den Swimming Pool und zurück 

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Sepp Bierbichlers behutsames Ausbreiten der Fragestellung, warum die den Münchner Kammerspielen angegliederte Schauspielschule nach Otto Falckenberg benannt worden ist, hat mir sehr gefallen. Gerade deshalb hat mich die Pointe des letzten Satzes seiner Ausführungen verstört. Zwar hat Gustaf Gründgens in seiner Antrittsrede am Deutschen Schauspielhaus in Hamburg 1955 vor dem Ensemble erklärt, dass ihn die Berufung an das Staatliche Schauspielhaus am Gendarmenmarkt in Berlin 1934 völlig unvorbereitet getroffen habe und er aus Verantwortungsgefühl, an das man bei ihm appelliert habe, darauf eingegangen sei. Liest man jedoch in dem von Peter Suhrkamp 1953 herausgegebenen Band „Wirklichkeit des Theaters“ die Rede nach, die Gründgens 1932 unter dem Titel „Zur Situation des Schauspielers“ gehalten hat, stellt man mit Erschrecken fest, dass seine Entscheidung für die sich abzeichnende neue Ordnung längst gefallen war. Er positioniert sich darin gegen Max Reinhardt, der gerade seiner Bitte entsprochen hatte, seinen seit 1928 laufenden Vertrag aufzulösen. Als Hauptargument benutzt er den Hinweis auf die Entfremdung zwischen Theater und eigentlichem Leben, was in der Öffentlichkeit damals intellektuelle (wenn nicht jüdische) Zersetzung hieß: „Wo sind die Führer, denen die Schau- spieler sich anvertrauen können?“ Das Signal war eindeutig. 1944 aber bestätigte Gründgens sich und seinen Getreuen als ihre eigentliche Leistung...

Anmerkung zur Kolumne von Josef Bierbichler in TdZ 4/2016

Leserbrief

Alles total anders

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Liebe lässt die europäische Eiszeit schmelzen 

Berliner Chaos-Tage

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Stiller Abbau?

Samtener Schutzraum

Leere Bühnen  für volle Köpfe?

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Das Nest sauber halten

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Erst der Wald, dann der Boden

Mit der Pfeilspitze ins Herz hinein

Bewegen, Zeichnen, Überzeichnen

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

Publikumserregung mit Extradimension

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Deutsches Nationaltheater Weimar: Drei Fiktionen für dreizehn Millionen Schicksale

Der Notfall als Prinzip

Neue Dramatik trifft Figurentheater

Dober Dan, Ljubljana

RambaZamba Theater Berlin: Riesenspaß mit Hintersinn

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Lego meets Ikea

Brennender Schatten

Um unsere Träume ein Bauzaun

Eine Wette auf die Zukunft

Bodyhorror/Tarantino

R Ä U M E

sogar theater Zürich: Easy said, but schwer getan

Das Ährenfeld als stille Utopie

Ja, er lebt noch – oder: Brecht is back!

Dramaturgie der Solidarität

Belgrad: Nikita Milivojević nicht als künstlerischer Leiter von BITEF verlängert

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Zerbrochene Familiengeschichten

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Anfangszeiten der Inklusion

Das Thema Hitze  wird in Zukunft  auch dazugehören

Wir gehen rein

Die Signatur unserer Zeit

Die Grenzen der Freiheit

Stück Labor 2023/24

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

München: Auswahl für Radikal jung Festival

Mit nachhaltiger Kunst  die Menschen berühren

Schauspiel Stuttgart: Überleben in der Karaokebar

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Was macht das Theater, Alexander Scheer?

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Die Zukunft nebenan

Das Problem mit der Apokalyptik

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

Kampf im Käfig

Feminismus neu ausrichten

Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

Zug: Sélection fürs Schweizer Theatertreffen bekanntgegeben 

Was macht das Theater, Thomas Köck?

Das große Plus an Menschlichkeit

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Klimawandel

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

double

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Polen

Musiktheater

Queeres Theater

Europa

Theater der Zeit

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Tanz

Performance

Slowenien

Kunstinsert

Debatte

Asien

Tschechien

Brandenburg

Neue Dramatik

Wissenschaft

Hessen

Berlin

Post-Ost(deutsch)

Dramaturgie

Afrika

Ukraine

Open Access

Labor Kulturjournalismus

International

Praxiswissen

Digitales Theater

Kinder- & Jugendtheater

Recherchen

Chile

Akteur:innen

Dramatik

Baden-Württemberg

Puppen-, Figuren- & Objekttheater

Regie

Theaterkritiken

Schleswig-Holstein

Festivals

Schweiz

Ungarn

Dramaturgie der Zeitenwende

Bertolt Brecht

Freie Szene

Sprechtheater

Kritiken

Stücke

Bühne & Film

Kostüm und Bühne

Musik im Schauspiel

Georgien

Scène

Stück Labor – Neue Schweizer Dramatik

Kulturkürzungen

Startseite

Magazin

Autor, Regisseur und Verleger, Köln

Die „bunte Esse“, ein Wahrzeichen von Chemnitz

Dieses Buch beschreibt erstmals die wechselvolle Geschichte des Schauspielhauses Chemnitz in einer transdisziplinären Betrachtung von Architektur und theater-künstlerischer Praxis. Es verfolgt gleichermaßen die Entwurfsprozesse wie die Aufführungsweisen der letzten fünfzig Jahre. Neben Darstellungen der verschiedenen Spielorte und der Architektur von Rudolf Weißer werden die Raumaneignungen befragt in Gesprächen mit Theaterleuten wie Hartwig Albiro, Hasko Weber, Carsten Knödler, Gundula Hoffmann und Raj Ullrich. Weitere Theaterkonzepte erklärt Stefan Schmidtke im Kontext der Kulturhauptstadt Europas 2025.
Vor dem Hintergrund der aktuellen Interimssituation von Schauspiel und Figurentheater („Spinnbau“) wird mit der Publikation zugleich die Bedeutung und Perspektive des Theaters als vielschichtiger Kulturort für die Stadt aufgezeigt.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=schauspielhaus_chemnitz_e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>
<a href="../../api/files/55148814-d9c0-4ad5-8dc4-0e7e40a53920/Schauspielhaus_Chemnitz_E-PDF.pdf" target="_blank">Eine kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: PDF-Download (46 MB)</a>
ISBN 978-3-95749-567-9 (Open Access)  DOI: <a title="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" href="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" data-outlook-id="e526c996-5be6-478d-a074-ff6f174f4806">10.35287/9783957495679</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a title="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" data-outlook-id="b6230f1d-8c98-42e4-bb03-0a4b291c320e">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Zwischen Zeiten und Räumen

Schauspielhaus Chemnitz

Denken wir heute an „Zirkus“, so tauchen in unseren Köpfen gemeinhin Bilder von Artistik- und Tierdressurnummern in der Manege eines Zirkuszeltes auf. Historische Quellen, die in Archiven und Bibliotheken schlummern, zeichnen jedoch ein überraschend anderes Bild der Zirkuskunst um 1900. Die in diesem Buch versammelten Fotografien, Auszüge aus Briefwechseln, Patentschriften, Presseberichte, Bauzeichnungen und vieles mehr, bieten tiefe Einblicke in die Zirkuskultur Berlins um 1900. Sichtbare Spuren der einst erfolgreichen Zirkusgesellschaften mit ihren pompösen Gebäuden mitten im Stadtzentrum finden sich heute hingegen kaum mehr. Anhand von historischen Quellen lässt das Buch Aufführungspraxis, Architekturen, Herausforderungen und Erfolge von Zirkussen, Künstler:innen und Techniker:innen auf eindrückliche Weise zutage treten.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=zirkuskunst_in_berlin_e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>
Eine kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../api/files/f3468a94-12c9-4680-9280-ee99ad88c389/Zirkuskunst_in_Berlin_OA.pdf" target="_blank" rel="noopener">PDF-Download (52 MB) </a>
ISBN 978-3-95749-565-5 (Open Access)  DOI: <a title="https://doi.org/10.35287/9783957495020" href="https://doi.org/10.35287/9783957495020" data-outlook-id="c180ea25-f06b-4836-a7c2-fc4b1261b69b">10.35287/9783957495655</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Einblicke in eine vergessene Praxis

Zirkuskunst in Berlin um 1900

Die 24. Ausgabe der Anthologie SCÈNE widmet sich Fragen von Geschlechtskonstruktion und genderbasierter, struktureller Gewalt. Acht Texte von Autor*innen aus Frankreich, Belgien, der Schweiz und Québec machen das Private zum Politischen – oft aus einer queeren Perspektive. Vom experimentellen Prosastück zur (nicht nur sprachlichen) Zurichtung weiblich gelesener Körper über lesbische Science-Fiction-Szenarien bis hin zu feministischen Überschreibungen klassischer Theatertexte ist dabei sowohl thematisch als auch formal große Vielfalt geboten. Gemeinsam ist allen Stücken ihr intersektionaler Ansatz: Soziale, ökologische, antikapitalistische und sexuelle Revolutionen werden zusammengedacht und auf die Bühne gebracht – mal agitatorisch-sprachspielerisch, mal performativ versponnen und mal mit fein-ironischem Humor.
 
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_scene24_e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Neue französischsprachige Theaterstücke

In den letzten Jahren wird viel über Generationenwechsel, Generationenkonflikt, Generationengerechtigkeit und -dialog gesprochen. In diesem winterheft wird genauer nachgefragt: Geht es eigentlich um einen Generationen- oder Gesellschaftskonflikt? Auch in den Darstellenden Künsten finden und fanden in den letzten Jahren viele Umbrüche durch u.a. Generationenwechsel in den Leitungen der Theaterhäuser oder Sparten sowie in diesem Jahr innerhalb des ASSITEJ-Vorstandes und der KJTZ-Leitung statt. Dem Theater für und mit jungem Publikum ist die Begegnung verschiedener Generationen quasi per se eingeschrieben. Aber was genau ist mit dem Begriff “Generation” eigentlich gemeint? Und welche Rolle spielen in diesem Zusammenhang Altersdiversität, Adultismus und Ästhetik?
Der wissenschaftliche Beitrag des winterhefts beschäftigt sich mit der sozialen Praxis des Generation-Werdens sowie Konzepten von crip time und queer time, die normativen Vorstellungen von Zeitlichkeit widersprechen. Um das Verhältnis von jungen Menschen und Erwachsenen auf, vor und hinter der Bühne geht es in Artikeln zum Publikum, zu Theaterproduktionen und einer digitalen Bühne. Wie intergenerationelle Räume gestaltet werden können, beschreiben Praxiseinblicke in ein mehrgenerationelles Stadtensemble und die Vermittlung einer Kunsthalle. Zuletzt blicken wir auf uns selbst und laden scheidende ASSITEJ-Vorstandsmitglieder und KJTZ-Leitung zum Gespräch.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=xyz_winterheft_e-pdf_klein&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Generation what?!

Das Arbeitsbuch widmet sich dem Intendanten und Regisseur Peter Carp. Als Schauspieldirektor in Luzern (2004–2007), als Intendant des Theater Oberhausen (2008–2017) und seit 2017 als Intendant des Theater Freiburg entwickelte er ein Theaterkonzept immer stärker aus, welches auf konsequente Internationalisierung setzte, auf ein Theater als „Weltempfänger“. Kennzeichnend für seine Arbeit war eine ausgeprägte Entdeckerlust, wie er sich generell als Förderer verstand (Simon Stone, Ewelina Marciniak, Amir Reza Koohestani, Yair Sherman, Herbert Fritsch). Das reich illustrierte Arbeitsbuch gibt Auskunft zu verschiedenen Aspekten der Arbeit des Regisseurs und Intendanten Peter Carp und versammelt Zeugnisse seiner Weggefährten.

Weltempfänger in Luzern, Oberhausen und in Freiburg

Peter Carp

Theater der Leere macht die Katastrophen des technowissenschaftlichen Zeitalters zum Ausgangspunkt für die Annäherung an das Theater und zeigt, dass die Leere im zeitgenössischen Theater mehr ist als ein bloßes Nichts. Im Gegenteil, sie ist das Potenzial und die Möglichkeit einer radikalen Transformation des Theaters selbst.
In der Hinwendung zur Leere verschränkt Kovacs Debatten über Transformation und Zukunft mit der Reflexion über die komplexe Beziehung zwischen Theater und den Naturwissenschaften und macht deutlich, dass die Theaterformen, die bislang unter dem Begriff des „Postdramatischen Theaters“ diskutiert wurden, eine Zukunft haben.
Kovacs bringt in ihrer Studie Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch zusammen und zeigt, was es bedeutet, wenn der Nullpunkt zum zentralen Energiefeld des Theaters wird. Die Studie entfaltet nicht nur überraschend neue Perspektiven, sondern legt auch bislang übersehene Linien frei, die die Arbeiten dieser vier Theatermacher:innen durchziehen und verbinden. Sie argumentiert, dass wir im ‚Theater der Leere‘ eine theatrale Grammatik entdecken können, die uns in der von Nukleartechnologie und Klimawandel bedrohten Gegenwart viel zu sagen hat.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_re172_theater_der_leere_e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch

Theater der Leere

Die künstlerische Arbeit am Theater ist unmittelbar kooperativ und immer auch Arbeit an ihrer eigenen Form. Theatermacher:innen in der Weimarer Republik haben dies voraussetzend versucht, im mitlaufenden Verweis auf ihr Tun eine bessere, nicht kapitalistische Gesellschaft real und imaginativ vorwegzunehmen. Wieso endete dieser Versuch in einem Lob der großen Produktion statt in einer Befreiung von ihr? Oder in einer naiven Verwendung rassistischer Stereotypen? Tropen des Kollektiven beantwortet diese Fragen, indem es ein solches Scheitern von Utopie am Beispiel des Epischen Theaters – der Piscator-Bühne, der Truppe 31, der Versuche-Gruppe, zu der Bertolt Brecht gehörte – nachvollzieht. Weil das Buch nach dem Verwertungsregime künstlerischer Arbeit schlechthin fragt, gelten die Antworten, die es gibt, nicht nur für die Theater-Avantgarde.
<a href="https://mailchi.mp/tdz.de/rothe-briefing">Briefing</a>
 
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_re170_matthias_rothe_tropen_des_kollektiven_e-&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Horizonte der Emanzipation im Epischen Theater

Tropen des Kollektiven

Chemnitz – Kulturhauptstadt Europas. Was man dort als Programm geplant hat, entsteht vor allem aus der Stadt selbst heraus. Ein ganzes Jahr lang andauerndes Experiment für eine traditionell auf magne­tische Internationalität angewiesene Großveranstaltung. Programmgeschäftsführer Stefan Schmidtke, selbst im nahen Döbeln aufgewachsen, erklärt die Philo­sophie hinter Chemnitz 2025. Wie sie konkret aussieht, kann man im Kunstinsert „#3000Garagen“ erfahren, für das übrigens Eiskunstlaufweltstar Katarina Witt das Nummernschild ihres ersten ­Autos beisteuerte: TKW 1-11. T war damals das Kennzeichen für Karl-Marx-Stadt, der Rest erklärt sich von selbst.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_12-2024&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Kulturhauptstadt Chemnitz

Radikal anders

Die 51. Ausgabe von „double“ mit dem Schwerpunkt „Zum Verhältnis von Puppe und Text“ beleuchtet auf vielfältige Weise die komplexe und sich wandelnde Beziehung zwischen dem geschriebenen Wort und der performativen Kraft des Figurentheaters. Das Heft untersucht historische Entwicklungen, gegenwärtige Tendenzen und zukünftige Perspektiven dieser spannungsreichen Interaktion. Es kommen sowohl Theoretikerinnen als auch Praktikerinnen zu Wort, die ihre Erfahrungen und Überlegungen zu diesem zentralen Aspekt des Puppen-, Figuren- und Objekttheaters teilen.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=double_51._worte_formen&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Zum Verhältnis von Puppe und Text

Worte formen

Das Thema Nachhaltigkeit hat Theater der Zeit schon öfter beschäftigt. Im Arbeitsbuch „Transformers – Digitalität Inklusion Nachhaltigkeit“ aus dem Jahr 2021 wird erstmals ein Nachhaltigkeitsmanagement am Theater vorgestellt, damals an der Oper in Göteborg. Inzwischen gibt es das Phänomen in wachsender Zahl im gesamten deutschsprachigen Theater. TdZ-Redakteurin Elisabeth Maier porträtiert Anna Haas, die am Staatstheater Karlsruhe diesen Aufgabenbereich übernommen hat – Teil des umfangreichen Schwerpunkts zum Thema, dazu auch das Kunstinsert von Daniel Kötter und seinem Feld des Extraktivismus.
Auch den Neustart am Rheinischen Landestheater Neuss könnte man noch dem Thema zuordnen, denn die Intendantin Marie Johannsen hat das Foyer zu einem öffentlichen Raum zur Stadt hin gemacht – nachhaltige Nutzung von Theaterräumen.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=theater_der_zeit_03_2025_nachhaltigkeit&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Nachhaltigkeit

In den vergangenen Wochen wurden die Theater in fast allen Bundesländern mit­ drastischen Einsparungsszenarios der öffentlichen Hand in nie dagewesener Weise konfrontiert. In Berlin, Sachsen und Nordrhein-Westfalen wird schon der Notstand für dieses Jahr diskutiert. Meist mit der Formel, wenn 10 Prozent gekürzt werden, ist das genau der Etat für die künstlerische Produktion, denn der große Rest dient dem Betrieb der Institutionen. Dazu kommen in diesem Moment noch so genannte Tarifaufwüchse, die garantierten Lohnangleichungen für Festangestellte.
Teilweise gibt es aber auch Abmilderungen und Umverteilungen wie in München und Berlin, wo die Kinder- und Jugendtheater weniger hart betroffen sein sollen. Planungen ändern sich wöchentlich, wenn nicht sogar täglich. Für den Schwerpunkt haben Wolfgang Schneider, einst Mitglied einer Enquete-Kommission für die weitsichtig planvolle Entwicklung der Darstellenden Künste in Deutschland, und der frühere Berliner Kultursenator Thomas Flierl, mit Blick auf die besonders verschärfte Situation in Berlin, geschrieben. Dazu NRW-Redakteur Stefan Keim zu der Frage, ob mit der fehlenden Finanzierung für Impulse auch das wichtigste Festival der Freien Szene vor dem Aus steht, und ein Gespräch mit dem Schweriner Intendanten Hans-Georg Wegner über die Herausforderungen in Mecklenburg-Vorpommern.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_01-2025&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Wie Einsparungen Theater bedrohen

Die Kürzungskatastrophe

Ja, es gibt sie wirklich, diese kleine, eher den schwäbischen Spaßmachern zuzurechnende Firma in Stuttgart, die mit dem Titel eines Artikels in der FAZ Sweat- und T-Shirts bedruckt. „In der Oper gewesen, gekotzt“, überschrieb Simon Strauß seinen Kommentar zu den angeblich katastrophen­artigen Notarzteinsätzen während der Auf­führung von Florentina Holzingers „Sancta“ an der Stuttgarter Oper. Baden-Württemberg-Redakteurin Elisabeth Maier schaut noch einmal auf die Geschichte von Paul Hindemiths Oper „Sancta“ in Stuttgart – während man mit Florentina Holzinger auf dem Cover dieser Ausgabe natürlich auch sagen muss: Danke, Kafka! Du hast uns nicht nur Geschichten vergeblicher Sinnsuche, sondern auch ein griffiges Modell der Theaterkurzkritik hinterlassen.
Als der Schauspieler Manuel Harder, Ensemblemitglied am Deutschen Theater Berlin, aus Chile, dem Land seiner Geburt, wieder nach Hause kam, bemerkte er mit Blick auf die Theatermacher dort: „Man muss schon dafür sterben wollen, um in Chile Theater zu machen. Es ist unglaublich – und mit hier gar nicht zu vergleichen.“ Beim Festival Teatro a Mil in Santiago hatte ihn besonders die Eröffnungsrede des Autors und Regisseurs Guillermo Calderón begeistert, in der er Theater als Ausdruck der politischen und sozialen Kämpfe unserer Zeit nannte. Und dennoch bei der Kunst blieb.
Ab dieser Ausgabe gibt es eine neue Kolumne, in der Online-Redakteurin Lina Wölfel nur scheinbar periphere Phänomene der Theaterwelt untersucht. Chris Isaaks Song „Wicked Game“, das erste Thema, in das sie vertiefend hineingeht, hat eine schon lange Appropriations­karriere hinter sich, die wohl 1990 mit David Lynchs „Wild at Heart“ begann. Man lese, höre und staune!
Mitten in der Arbeit an diesem Heft erfuhren wir am 7. März vom Tod des Schauspielers und Regisseurs Wolfgang Engel, der in den 1980er Jahren in Dresden mit großen, sensationellen Inszenierungen auf sich aufmerksam machte und von 1995 bis 2008 Intendant des Schauspiel Leipzig war. Ein Nachruf folgt im nächsten Heft.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=theater_der_zeit_04_2025_florentina_holzinger&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Performing Power

Florentina Holzinger

Die Nebenfigur ist keine Nebensache, aber das bedeutet nicht, sie zur heimlichen Hauptfigur zu erklären. Stattdessen gilt das Interesse dieses Bandes der Frage, welche Funktionen Nebenfiguren innerhalb einer Handlung, einer Partitur, eines Tableaus oder einer Szenografie einnehmen und wie die Wahrnehmung des Auftrittskontexts durch ihre Anwesenheit beeinflusst wird.
Nebenfiguren werden innerhalb von Konstellationen etabliert und ihrerseits eingesetzt, um Konstellation zu modellieren: als Respondierende oder Kommentierende, als Instanzen der Intervention und immer wieder als Instanzen des Blicks. Sie konstituieren sich relational, sekundär und als Effekt einer Betrachtung, die nicht auf solitäre Akteure, sondern auf eine je spezifische repräsentationale Ordnung gerichtet ist, an der Nebenfiguren durch ihre Auftritte Anteil haben.
<a href="https://mailchi.mp/tdz.de/nebenfiguren-briefing">Briefing</a>
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_re171_nebenfiguren_e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Nebenfiguren

&gt; Theater- und Zeitgeschichte in einem Kompendium zum Nachschlagen und Entdecken.  &gt; In 7 Bänden mit Schuber im unverwechselbaren Thalia-Design. &gt; Ein Blick ins Innere des Thalia Theater Hamburg. 
Mit viel Engagement wurde ein einzigartiges Werk geschaffen, das auf beeindruckende Weise die Vielfalt des Thalia Theater dokumentiert. Es umfasst insgesamt sieben Bände, die verschiedene Aspekte des Theaters lebendig werden lassen. Zu Beginn steht eine Dokumentation der Arbeit der letzten 16 Jahre – eine wertvolle Dokumentation der kreativen Prozesse, stets verwoben mit den Ereignissen der Zeit- und Lokalgeschichte. Ein Bildband mit zahlreichen Aufführungsfotos lädt dazu ein, in die visuelle Welt des Thalia Theater einzutauchen. Der magazinartige Band „Fragen und Antworten“ gibt Künstlerinnen und Künstlern eine Stimme und beleuchtet die Perspektiven, die das Theater prägen. Ein weiterer Band widmet sich „Reden und Essays“, die im Thalia Theater gehalten wurden. Darunter sind Texte von prominenten Denkerinnen und Denkern wie Richard Sennett, Auma Obama, Norbert Lammert oder Navid Kermani. Diese Beiträge unterstreichen, wie das Thalia Theater immer wieder als Raum für gesellschaftlichen Diskurs und Austausch in der Stadtgesellschaft präsent ist. Zudem gibt es einen Band über die internationalen Gastspielreisen des Theaters auf alle Kontinente („Thalia on tour“) – ein Dokument der beeindruckenden globalen Präsenz des Hauses. Aber das Thalia ist nicht nur international präsent, sondern es hat auch auf vielfältige Weise Internationalität nach Hamburg geholt. Davon erzählt der Band „Thalia International“: von Festivals wie den „Lessingtagen“ oder „Theater der Welt“ wie auch von Koproduktionen mit international gemischten Besetzungen oder der Einladung von großen internationalen Gastspielen in die Hansestadt. Last but not least gibt es zum Abschluss eine beeindruckende Dokumentation der Outreach-Programme, die seit Jahrzehnten zum Markenkern des Thalia Theater gehören.
„Insgesamt dokumentiert das Werk, wie das Thalia Theater in den zentralen Bereichen Kunst, Gesellschaft und Internationalität in den vergangenen Jahren sein Profil gesucht und immer wieder auch gefunden hat. Zugleich ist es ein Beleg für die ungeheure Produktivität und Expertise des gesamten Hauses und seiner 350 Mitarbeiter und Mitarbeiterinnen. Ich finde den Schuber graphisch ziemlich cool. Und er macht Hoffnung: Wenn wir „Zusammenkunst“ titeln, verweist dies darauf, dass wir trotz der Vielfalt von Interessen und Personen nie aufgehört haben, um den Zusammenhalt zu ringen, gerungen haben. Auch der schöne, von Shakespeare und Kirill Serebrennikov inspirierte Satz: „Every day is an empty stage“ macht Hoffnung: So wie die leere Bühne jeden Tag aufs Neue beschrieben werden kann, wie ein leeres Blatt Papier, so können wir auch unsere Leben und unsere Zukunft (in gewisser Weise) täglich neu beschreiben. Nichts ist unverrückbar so wie es ist. Davon erzählt das Theater in seinen besten Momenten.“ Joachim Lux
 
Die 7 Bände im Überblick:
Band I „Chronik“ erzählt und dokumentiert Schritt für Schritt und nahezu lückenlos rund 280 Inszenierungen, Spielzeit für Spielzeit, Besetzungen, Inhalte, Kritiken, Äußerungen der Beteiligten und oft auch den lokal- oder gesellschaftspolitischen Kontext aufregender und zeitweise auch aufwühlender Jahre.
Band II „Bilder“ zeigt bemerkenswerte Aufführungen oder Momente, Künstlerpersönlichkeiten, Gesten, Körper, Bühnenbilder, Kostüme oder das Licht in der Erinnerung – festgehalten in den schönsten Fotografien, von den besten Theaterfotografen eingefangen.
Band III „Fragen &amp; Antworten“ ist im Stil eines lockeren Magazins angelegt, in über 100 „Shorties“ äußern sich Künstlerinnen und Künstler, insbesondere aber die Schauspielerinnen und Schauspieler, über sich selbst, die Stoffe und Themen ihrer Arbeit.
Band IV „Reden &amp; Essays“ dokumentiert das Thalia Theater als einen zentralen Diskursort der Stadtgesellschaft, in Partnerschaft mit der „ZEIT“ und dem „SPIEGEL“, aber auch bei den Eröffnungsreden der Lessingtage. Große Köpfe wie Navid Kermani, Richard Sennett, Auma Obama, Norbert Lammert, Vandana Shiva u. a. kommen hier mit ihren Reden und Essays zu Wort.
Band V „Thalia International“ umfasst die erfolgreiche internationale Entwicklung und Präsenz der Festivals, Koproduktionen und Gastspiele in Hamburg, von den „Lessingtagen“ über die „Lange Nacht der Weltreligionen“, „Theater der Welt“ 2017, Thalia International 2019-2025, bis hin zum transkulturellen Festival „Nachbarşchaften – Komşuluklar“.
Band VI „Thalia on Tour“ erzählt von Reisen nach China, Australien, Russland, Namibia oder Südamerika. Das Thalia Theater ist als erste Hamburger Bühne gleich vier Mal beim Festival d'Avignon zu Gast und fünf Mal in Österreich bei den Wiener Festwochen sowie sieben Mal bei den Salzburger Festspielen. Aber auch in Helmut Schmidts Wohnzimmer in Langenhorn.
Band VII „Jung&amp;mehr“ dokumentiert die großartige Arbeit der Abteilung für Theaterpädagogik und Vermittlung, die, vor 40 Jahren gegründet, ein absoluter Trendsetter in ihrem Bereich ist. Von den Anfängen bis zu den heutigen, schier unendlichen „Outreach“-Programmen mit und für Erwachsene, Jugendliche und Kinder ist diese Arbeit für die Stadtgesellschaft unverzichtbar.

Das Thalia Theater 2009-2025

Zusammenkunst

Mit den Wahlen am 23. Februar steht auch in der Kulturpolitik viel auf dem Spiel. Die Ausrichtung der einzelnen Parteien ist indes nicht immer klar definiert und umfassend bekannt. Beim Bündnis BSW wusste man lange nicht, für welche Art von Kulturauffassung die neue Links-Partei überhaupt steht. Ihr kulturpolitischer Sprecher in Sachsen ist der ausgebildete Opern­regisseur und Musikwissenschaftler Ingolf Huhn, der drei Theater in diesem Bundesland als Intendant leitete. Das würde man eine einschlägige Fachkompetenz nennen, wie sie selten in Parteien anzutreffen ist. Aber ganz so einfach ist es dann doch nicht, denn die Positionen des BSW in Sachen Kultur bewegen sich noch in einer Phase der Ausdifferenzierung und können dabei regional recht unterschiedlich ausfallen, wie TdZ-Sachsen-Redakteurin Lara Wenzel feststellt.
Auch beim Thema Ukraine fallen Meinungen und Beurteilungen zunehmend auseinander. Was vor allem in der Berichterstattung deutscher Medien in letzter Zeit auffällt: Kultur kommt nicht vor, geschweige denn das Theater.
Im Schwerpunkt sprechen der Regisseur Stas Zhyrkov und die Dramatikerin Anastasiia Kosodii über die schwierigen Bedingungen des Theatermachens dort und ihre Exilerfahrungen hier. Zhyrkov erinnert zudem an die Geschichte des ukrainischen Regisseurs Andrij Zholdak, der vor 20 Jahren das Land unter Druck verließ. Einst die größte Hoffnung eines neuen ukrainischen Theaters war er zugleich einer der kontroversesten Regisseure mit seinen Schönheit und Gewalt auf extreme Weise verbindenden Inszenierungen. Heute arbeitet Zholdak, der seit Langem in Berlin lebt, vor allem im internationalen Musiktheater.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz-02-2024&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Theater zwischen Krieg und Exil

Isabelle Huppert: Exklusiv im Gespräch

Helmar Harald Fischer

Leserbrief

Neuerscheinungen im Verlag