Heimat, Horror, Hebebühne

Wie Theater sein Publikum bildet

Was ist eigentlich die Singstimme?

Wir gehen rein

Was macht das Theater, Bernhard Schütz?

Im Kunstfest Weimar stoßen Randerscheinungen ins Zentrum vor

Mecklenburgisches Staatstheater Schwerin: Strampeln bis zur Unmündigkeit

Erleuchtung und Ernüchterung

Es geht um ein Theater neuen Typs

„Was uns alle bedroht, sind die Angriffe auf Pluralität“

Residenztheater München: Fünf Fremde im Gefühlsgewitter

The Sound of Diversity

Kunst-Trabant in Wolfen-Nord

Den inneren Kompass stärken

Proxemik im Film

Mit dem Schriftbild ins Gespräch kommen

Die Kunst der Verteidigung

Thalia Theater Hamburg: Erinnern allein genügt nicht

Die Kunst des Dazwischen

Sex als Krieg!

Laying down a Path in Talking

Die Absicht trägt die Stimme

Belle Époque in Aspik

Chorsprechen

Der Standard, die Akzente und Vergemeinschaftungen

Recitar cantar

Über Freundschaft in Zeiten des Otorop

Die Akademie der Künste hat 30 neue Mitglieder aufgenommen. Das vermeldet die Akademie in einer Presseaussendung. Die Wahlen fanden auf der 57. Mitgliederversammlung (12. – 14. November 2021) in Berlin statt. Alle neu hinzugewählten Mitglieder haben mittlerweile ihre Wahl angenommen. In der Sektion Darstellende Kunst wurden Lars Eidinger und Ulrich Rasche aufgenommen. Lars Eidinger, geboren 1976, ist Schauspieler, Musiker und Regisseur. Während des Studiums an der Hochschule für Schauspielkunst Ern...

Neue Mitglieder der Akademie der Künste

Sprechen in den Studiengängen Dramaturgie und Regie

Vielfalt als Kompetenz

HAU Berlin: Das Abendmahl der Menschenfresserinnen

Vom singenden Sprechen im Musiktheater

Tradition in anderen Formaten

Kein Kiesel, kein Korken

Zirkus auf dem Weg zum Gesamtkunstwerk

Klimakatastrophe, Wohnungsnot und Deep Fakes

Demokratie als Event

Was macht das Theater, Daniel Morgenroth?

Schauspiel Leipzig: Lasst uns einen Kirschbaum pflanzen!

Staatstheater Hannover: „Inception“ in manisch-depressiv

Hören mit Akzent

Haltepunkt – Bushaltestellen im Oderbruch

Der Beitrag beschreibt zunächst die Sprechbildung an Schauspielschulen als ein fundiertes Handwerk mit klaren Kriterien und Techniken. Die Ausbildung zielt auf ein fest umrissenes Berufsbild. Dieses Berufsbild steht jedoch zunehmend im Spannungsfeld einer vielfältigeren Berufspraxis. Professionelles Sprechen ist kaum auf die Theaterbühne beschränkt, sondern findet auch im Film, im Hörfunk, auf Social Media und in anderen Medien statt. Zudem treten auch nicht an Schauspielschulen ausgebildete Personen als professionelle Sprecher:innen auf. Dadurch verflüssigen sich Berufsprofile. Gleichzeitig erweitert sich auf den Bühnen selbst das Spektrum an Sprechweisen, etwa durch Akzente, inklusive Ensembles, „Experten des Alltags“ und chorische Formen. Die Norm des „schönen Sprechens“ wird dadurch infrage gestellt, dass individuelle Klangfarben und Abweichungen zunehmend ästhetisch relevant werden. In historischer Perspektive betrachtet war die Sprechbildung stets an ästhetische, politische und gesellschaftliche Entwicklungen gebunden. Schon in den 1920er Jahren wurde Sprechen deshalb eigens als eine technische Grundlage der Schauspielausbildung betont, um dem Wandel des Berufsbilds durch Auflösung von Rollenfächern und den dramatischen Kanon ein tradiertes Handwerk entgegenzustellen. Der folgende Beitrag spürt der Idee nach, dass Sprechen und damit auch die Sprechbildung kein stabiles, überzeitliches Handwerk darstellen, sondern ein historisch, medial und politisch geformtes Praxisfeld bilden, dessen Normen sich ständig verändern. In ihrem Grußwort zur Konferenz...

Sprechen als wandelbares Praxisfeld statt überzeitliches Handwerk: Influencer:innen, „Experten des Alltags“ und inklusive Ensembles stellen die Norm des „schönen Sprechens“ infrage – vom Jessner-Leitsatz von 1925 bis zu Rimini Protokoll.
<blockquote>Eine Norm des schönen Sprechens ist immer auch ein Filter, der Zwischentöne, stimmliche Färbungen und Ticks abkappt oder ihnen andere Sprechorte zuweist als jene des professionellen Sprechtheaters. Die Sprechnorm funktioniert wie die MP3-Komprimierung von Musik – bestimmte Obertöne fallen weg, der Sound wird clean.</blockquote>
— Wolf-Dieter Ernst
Mit Hilfe von KI generiert

Sprechtechnik im Wandel

„Sprechen, Sprechen und nochmals Sprechen“

Das integrative Moment der deutschen Sprache im theatralen Kontext

Mainfranken Theater Würzburg: Vom Wert der kleinen Freuden

Schwarze Leere, fahles Licht: Menschen im Halbdunkel. Sie schreiten in ruhigem Tempo gegen den Lauf der Drehbühne, treten somit auf der Stelle. Und sie deklamieren den Text im langsamen Geh-Rhythmus, mit regelmäßigen Pausen, oft chorisch. Die Sätze fließen nicht, sie kommen nur stockend voran, wie eben erst entwickelt. Das zwingt zum Zuhören. Es wird ein langer, fast vierstündiger Marsch durch die Finsternis. Ulrich Rasche, verantwortlich für Regie und Bühne, hat bei den Salzburger Festspielen Lessings „Nathan der Weise“ inszeniert – viele würden sagen: erwartbar. Bei Aischylos‘ Klagepoem „Die Perser“, Rasches Debüt 2018 in Salzburg, hat sein formstrenger Oratorien-Stil funktioniert. Doch klappt das auch bei „Nathan“ (1779), dem Paradestück der Aufklärung? Soviel vorweg: Es ist erstaunlich, welche Varianzfülle dieser Regisseur seinem scheinbar übersichtlichen Personalstil immer wieder abzutrotzen vermag. Der dringliche Tonfall, die Kraft des uniform gekleideten Kollektivs, der konstante Groove der Sprache und noch dazu der spacige Live-Sound mit Keyboard und dumpf pochenden Trommeln – Rasche, der auch „Nathan“ in Crescendowellen, Abbrüche und Neuansätze gliedert, ist Überwältigungsstratege. Wiederentdeckung der Langsamkeit? Renaissance des Pathetischen? Slo-Mo-Rap im Theater? Auch im Salzburger „Nathan“ ist jene Sogwirkung spürbar, von der manche schwärmen. Wir sehen keine Rollenspiele, sondern ein postdramatisches Oratorium – Sprache fast pur, rhythmisch...

„Nathan der Weise“ von Gotthold Ephraim Lessing – Regie und Bühne Ulrich Rasche, Komposition Nico van Wersch, Kostüme Sara Schwartz, Chorleitung Toni Jessen

Salzburger Festspiele: Ein langer Marsch durch die Finsternis

Fragile Normalität

Ruhrtriennale: Brustmassage über Gräbern

Schauspiel Frankfurt: Kanonenfutter, sprich!

„Im Moment sein – dann geschieht alles von selbst“

Die Beine straucheln. Der Widerstand wächst. Nichts ist mehr im Gleichgewicht. Faust kämpft gegen jene Teile seiner Persönlichkeit an, die er nicht durchschauen darf. Ulrich Rasche interessiert der innere Konflikt von Goethes großer tragischer Figur in seiner bildgewaltigen Neuauflage des „Faust I“ auf der Perner-Insel in Hallein bei den Salzburger Festspielen. Der Meister der Drehbühne schickt den Protagonisten auf eine Reise, die dessen brutale Machtgier offenlegt. Und dafür gibt der Regisseur Gretchen ihre eigenständige Kraft zurück – und ihre Geschichte. Rasches virtuoses Spiel mit den Möglichkeiten der Drehbühne hat der studierte Kunsthistoriker mit den Jahren perfektioniert. Diese Technikaffinität hat ihm in der Theaterszene den Ruf eines „Maschinisten“ eingebracht. 2023 setzte er in Salzburg Lessings „Nathan der Weise“ mit vergleichbar komplexer Bühnenmaschinerie in Szene. Im „Faust I“ spielt er noch radikaler mit den Möglichkeiten der Technik. Mit dem großartigen Ensemble des Münchner Residenztheaters, das die Festivalproduktion koproduziert, tritt Rasche jedoch den Beweis an, dass es ihm nicht um Effekte geht. Die Drehbühne zwingt die Akteur:innen in ein Zeitlupentempo, das die Reise in ihr Innerstes noch fesselnder macht. Inspiriert vom Surrealismus des Filmregisseurs David Lynch, stellt Rasche zwei riesige Bildschirme in den Mittelpunkt. Sie lassen sich mit komplexer Technik steuern, bewegen sich...

„Faust I“ von Johann Wolfgang von Goethe – Regie und Bühne Ulrich Rasche, Komposition und Tondesign Alfred Brooks, Kostüme Annika Lu, Video Florian Seufert, Lichtdesign Gerrit Jurda

Salzburger Festspiele: Machtspiele in Zeitlupe

Milliardenprojekt mit ungewisser Zukunft

Wenn Klang eine Rolle spielt

Diversität divers begegnen

Ruhrtriennale/Deutsches Theater Berlin: Kindertheater für alle

Lausitz Festival: Pathos-Supernova im Hangar

Neuköllner Oper: Kein Applaus bei einer Premiere?!

Lehrmaterial Text

„Wir müssen die Rezitative auf ihre szenische Aussage hin genau betrachten“

„Wir bauen an einem Ort der Demokratie“

Mehr Resonanz!

Kontakt im Raum V

Kaserne Basel: Wirklichkeit erscheint

In unsicheren Zeiten

Jenseits des Schubladendenkens

Textflächen entziffern, Textflächen sprechen

Das Boot, Beckenbauer und der Dialekt

Theater Plauen-Zwickau: Romantik im Überfluss

Freeing the Natural Standard

Mehr Licht für die Nische

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Michael Kohlhaas

4.48 Psychose

Wilhelm Meister. Eine theatralische Sendung

Warten auf Godot

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 Warten auf Godot

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Die Perser

Dantons Tod

Sieben gegen Theben/Antigone

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WIlhelm Meister. Eine theatralische Sendung.

Die kosmische Oktave

Die Räuber

Die Bakchen

Die Apokalypse

Ulrich Rasche (*1969 in Schwäbisch Hall) ist ein deutscher Regisseur, der für bildgewaltige, körperlich extreme Inszenierungen bekannt ist. Nach einem Studium der Kunstgeschichte arbeitete er an zahlreichen deutschsprachigen Bühnen, darunter in München, Frankfurt, Zürich, Wien und Berlin. Charakteristisch sind monumentale Bühnenmaschinen, Laufbänder, Chöre und eine präzise musikalisch-rhythmische Sprache. Seine Arbeiten wurden mehrfach zum Berliner Theatertreffen eingeladen.

Szene aus „Faust I“ bei den Salzburger Festspielen in Koproduktion mit dem Residenztheater München in der Regie von Ulrich Rasche. 

Nathan der Weise bei den Salzburger Festspielen 2023: Nicola Mastroberardino (Sultan Saladin), Valery Tscheplanowa (Nathan).

Theater der Zeit 9/2026

Ein machttrunkener Faust im Zeitlupenstrudel aus Drehbühne, Video und Klang: Ulrich Rasche legt Goethes Tragödie bei den Salzburger Festspielen als bildgewaltige Innenschau eines Getriebenen neu frei – und schenkt Gretchen ihre eigene Stärke und Geschichte zurück.

Wie wollen wir sprechen? Wie sollen wir sprechen? Der Band thematisiert eine zentrale Komponente darstellender Künste: das Sprechen auf der Bühne und in den Medien. Er verknüpft aktuelle Praktiken und Diskurse mit Fragen des institutionellen Wandels und mit einer Reflexion über gegenwärtige Ausbildungsverhältnisse. Beiträge aus Wissenschaft und Ausbildungspraxis beleuchten die Bedeutung des Sprechens im Sprech- und Musiktheater, in die Geschichte und Institutionalisierung der Sprechausbildung sowie ihren derzeitigen Herausforderungen. Welchen Wert räumen wir der Standardaussprache und einem von ihr abweichenden Sprechen ein? Inwiefern bestimmen leibliche und materielle Aspekte des Sprechens den Unterricht? Welche spezifischen Ästhetiken werden fokussiert? Und welche Rolle spielen stimmgesundheitliche Aspekte?Mit Beiträgen von Helmut Becker, Wolf-Dieter Ernst, Uwe Hollmach, Salome Kammer, Doris Kolesch, Christiane Plank, Tim Schüler u. v. m.

Sprechen in Theater, Ausbildung und Praxis

Sprechen Gestalten

Die Mobilität von Tanz- und Theaterproduktionen wächst: Festivals und Häuser zeigen vermehrt Gastspiele und entwickeln transnationale Koproduktionen. Zugleich wird diese Praxis kritisch hinterfragt. Seit der Covid-19-Pandemie haben hybride Formate zugenommen, Aufführungen verlagerten sich auf den Bildschirm, und neue Strategien entstanden, die ohne Live-Publikum vor Ort funktionieren. Auch im Hinblick auf Klimagerechtigkeit stellt sich die Frage nach verantwortungsvollen Zirkulationsformen. Behinderte Theater- und Tanzschaffende haben schon längst Erfahrungen mit erschwerter Mobilität gemacht und daraus eigene Ästhetiken und Arbeitsweisen entwickelt. Ihre Erfahrungen wurden in den bisherigen Debatten jedoch kaum mitgedacht. Der Sammelband erweitert die Diskussion um Im/Mobilität in den Darstellenden Künsten um eine Disability-Perspektive und versammelt künstlerische Beiträge, Essays und wissenschaftliche Analysen. Auditive Formate, Videos und Zusammenfassungen in Leichter Sprache eröffnen barrierearme Zugänge für ein breiteres Publikum.Der Band erscheint zugleich als MIMOS – Schweizer Jahrbuch Darstellende Künste Nr. 87–2026, herausgegeben von der Schweizerischen Gesellschaft für Theaterkultur (SGTK) mit Unterstützung der Schweizerischen Akademie der Geistes- und Sozialwissenschaften (SAGW). Ein Teil der Auflage enthält eine französischsprachige Broschüre mit Abstracts der Beiträge.

Zugänglichkeit und Verantwortung in den performativen Künsten

Im/Mobile Möglichkeiten

Musiktheater zwischen Krise, Kanonkritik und Zukunftsentwürfen: Das Oktoberheft von Theater der Zeit fragt nach den ästhetischen und politischen Möglichkeiten einer Kunstform, die sich zunehmend für gesellschaftliche Gegenwart öffnet. Hannah Schmidt untersucht neue Tendenzen im zeitgenössischen Musiktheater – von Pandemieerfahrungen und Machtmissbrauch bis zu den großen Erfolgen aktueller Opernproduktionen. Stefan Keim sucht nach Hoffnungserzählungen und Utopien in neuen Opernstoffen. Im Gespräch mit Andrea Moses geht es darum, problematische Aspekte des klassischen Repertoires nicht zu glätten, sondern produktiv und unterhaltsam auf die Bühne zu bringen. Ein Porträt stellt die Regisseurin Ilaria Lanzino vor, Friedrich Dieckmann schreibt über Achim Freyers szenische „Winterreise“. Außerdem: Marina Abramović über ihre Arbeit, Elfriede Jelinek zum 80. Geburtstag, neue tschechische Dramatik, das Zürcher Theater Spektakel und die Ruhrtriennale.

Krise, Kanonkritik und Zukunft

Neues Musiktheater

Die Maiausgabe von „Theater der Zeit“ widmet sich im Schwerpunkt dem Thema Teamintendanzen und fragt, wie kollektive Leitungsmodelle Theaterarbeit, Machtverteilung und Verantwortung verändern. In Interviews und Porträts kommen u. a. Thomas Bockelmann, das Leitungsteam des Nationaltheaters Weimar sowie Inka Neubert und Pascal Wieandt vom Theaterhaus G7 Mannheim zu Wort – was sind die Vorteile einer Teamintendanz? Welche Konflikte gibt es? Ist eine geteilte Intendanz wirklich Machtverteilung oder schafft sie neue Abhängigkeiten? Ergänzt wird der Schwerpunkt durch ein Gespräch mit Schauspielerinnen des Theaters Magdeburg über Probenprozesse in der Teamintendanz, das einen konkreten Blick aus der Ensembleperspektive bietet.
Ergänzt durch Beiträge zu den großen Theaterfestivals im Sommer: die Mülheimer Theatertage, das Theatertreffen, das Schweizer Theatertrffen und: Florentina Holzinger über ihren Auftritt bei der Biennale in Venedig!
Drüber hinaus erinnert die Ausgabe an Peter Zadek und Konstanze Lauterbach und würdigt den verstorbenen Autor und Regisseur Alexander Kluge. Wie immer: Stückabdruck (diesmal Robert Seethalers „Vernissage“), eine Kolumne von Max Glauner und eine Buchkritik zur ersten Biografie von Judith Malina.
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Schwerpunkt Teamintendanzen

Florentina Holzinger in Venedig

Das Juni-Heft von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Horror, das Unheimliche auf der Bühne“ und verbindet ästhetische, kulturpolitische und traumagesellschaftliche Perspektiven. Essays von Joseph Pearson und Hannah von Sass, Stefan Keim und Horrorspezialist Jörg Buttgereit untersuchen das Unheimliche in Schauspiel und Musiktheater – das auch bei den Bayerischen Theatertagen in Form von Stephen Kings „The Shining“ als Oper in Regensburg wieder auftaucht.
Das Magazin verhandelt zudem aktuelle Konflikte um Theaterbauten und Kulturpolitik – exemplarisch am Chemnitzer Schauspielhaus.
Das Stück im Juniheft: Kevin Rittbergers „Wunde Stadt“ verhandelt das Attentat von Magdeburg, flankiert von einem Stückgespräch.
Kolumnen von Mateja Meded („Habitus-Passing“) und Lina Wölfel („Wir gehen nicht rein“) reflektieren Klassenverhältnisse, Diversität und Auswahlmacht im Theaterbetrieb, während Berichte von Festivals und Ausstellungen (u. a. Heidelberger Stückemarkt, Bayerische Theatertage, Bühnenbildklasse Düsseldorf, Brecht-Journal) den Blick auf internationale Szenen und Theatergeschichte erweitern.
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Horror, das Unheimliche auf der Bühne

BUCHPREMIERE: 15.10.26, Einar &amp; Bert, Winsstr. 72, 10405 Berlin, 19 Uhr, Eintritt frei.
Wie demokratisch sind unsere Theater? Kulturelle Teilhabe ist die zentrale Herausforderung für Theater und Kulturpolitik – zwischen Sparzwang, Publikumsrückgang und gesellschaftlicher Verantwortung. „Demokratisches Theater“ untersucht erstmals im internationalen Vergleich, wie öffentlich geförderte Theater und Kulturpolitik in Deutschland, England und Frankreich den Auftrag kultureller Teilhabe verstehen und welche Strategien sie dafür entwickeln.
Auf Grundlage von Demokratietheorien, Kulturmanagement- und Kulturvermittlungsdiskursen zeigt die empirische Studie von Maria Nesemann deutliche Unterschiede in der theater- und kulturpolitischen Praxis – und im Verständnis davon, worin der gesellschaftliche Auftrag von Theater besteht. Die Publikation macht sichtbar, dass Teilhabe ein komplexer, nicht widerspruchsfreier Begriff ist.
Das Buch liefert praxisrelevante Impulse für Theaterschaffende, Kulturpolitik und Forschung und zeigt Wege auf, wie Teilhabe zwischen künstlerischer Autonomie und gesellschaftlicher Öffnung gestaltet werden kann.

Teilhabe am öffentlich geförderten Theater in Deutschland, England und Frankreich

Demokratisches Theater

Neuerscheinungen im Verlag