Oliver Bukowski, Ihr Stück „Der Sohn“ ist – wie auch schon eine Reihe früherer Arbeiten – in der Lausitz angesiedelt und blickt auf eine Familie: den arbeitslosen Bergmann Thomas Walter, ­Mitte fünfzig, seine Frau Anja und die beiden Kinder Finn und Tine, beide 16 Jahre alt, aber in ihrer pubertären Protesthaltung völlig gegensätzlich eingestellt. Ein Riss zwischen den Generationen zeigt sich, aber auch ein völliges Unverständnis der beiden Kinder füreinander. Liegt da immer noch der lange Schatten jener Verwerfungen über uns, wie sie mit der Wende entstanden, oder sind mittlerweile auch ganz andere Zentrifugalkräfte am Werk, die die Menschen immer wieder zu Randfiguren der Geschichte machen? Sowohl als auch. Gerade der Teil der Generation Wende, der zu Hause blieb und deshalb eben nicht zu „Wende-Gewinnern“ wurde, scheint sich nun endgültig zu einer Art verlorenen Generation zu entwickeln. Diese Menschen wurden nach der Wende noch ganz klassisch arbeitslos und begehrten traditionell klassenkämpferisch dagegen auf, sind nun aber zu alt, um noch auf die modernen Marktanforderungen umzulernen. Ein Elon Musk braucht in seinen menschenleer roboterisierten Hallen keinen Arbeiter am Band. Sie ­stehen also da, beharren auf ihrer Position, nicht gebraucht, nicht anerkannt und ungerecht behandelt zu werden, während ihre Kinder rechts und...

Oliver Bukowski über sein neuestes Stück „Der Sohn“ im Gespräch mit Gunnar Decker

Lagerbildung, wohin man auch blickt

Reges Treiben, chaotische Szenen, das ist normalerweise der Bühne vorbehalten. Nicht so beim diesjährigen Brechtfestival in Augsburg, das unter den neuen Künstlerischen Leitern Tom Kühnel und Jürgen Kuttner zu einem Spektakel wurde, einem Volksfest als sozialem Laboratorium, das samt Riesenrad und Dutzenden Inszenierungen zugleich eine Hommage an den Augsburger Plärrer ­darstellte, Schwabens größten Jahrmarkt, bei dem sich Jung und Alt tummeln und den auch Brecht geliebt haben soll. An zwei Abenden mit dem ­Titel „Spektakel I und II“ wurde das Festivalgelände zu einer einzigen Szenerie – und das Publikum war plötzlich mittendrin. An die Hand gab es einen Spielplan, der zum Stadtplan des Festivalgeländes wurde, auf welchem man sich treiben ließ oder zielstrebig versuchte, ans Ziel zu gelangen. Ziele aber gab es zuhauf, und so traten die Pläne oft in den Hintergrund, wenn der Zufall einen in die nächste Attrak­tion verschlug. Durch labyrinthische Gänge zwischen Bühne, Umkleiden und Lagerhallen schlängelte sich das Publikum, nur um am Popcornstand hängen zu bleiben und sich dann doch in ein ganz anderes Lehrstück ­katapultieren zu lassen. Vieles wirkte improvisiert, und doch vermutete man einen Masterplan hinter dem Geschehen, was zugleich für Verwirrung sorgte und allerhand Spontanität bei den Besuchern gebar. Kühnel und Kuttner müssen...

Staunen, Schreck und Attraktionen – Unter den neuen Künstlerischen Leitern Tom Kühnel und Jürgen Kuttner wird das Brechtfestival in Augsburg zum Spektakel

Wahlkampf im Riesenrad

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Im Frühjahr 1937 ging Herbert Köfer mit 16 Jahren an die Schauspielschule des Deutschen Theaters Berlin. Mit 19 nahm er sein erstes Engagement am Stadttheater Brieg im tiefsten Schlesien an, in der Hoffnung, dass die Wehrmacht ihn dort nicht suchen würde. Aber schon nach einem Jahr wurde er einberufen, und nach drei Jahren Krieg kam er in britische Kriegsgefangenschaft, wo er seine erste Theatergruppe gründete. Nach der Entlassung tingelte er durch Berliner Kleinkunstbühnen und Kabaretts, bis ihn Wolfgang Langhoff 1950 ans Deutsche Theater engagierte. Dort blieb er nur für eine Spielzeit, denn 1951 begann der Aufbau des Fern­sehens der DDR, das Köfer einlud, sein erster Nachrichtensprecher zu werden. Nach ein paar Tagen sagte dessen Intendant kopfschüttelnd: „Herbert, du sprichst die Nachrichten nicht, du spielst sie!“ So kam Köfer zum Schauspieler-Ensemble des DFF und war dort als einer der beliebtesten Komödianten neben Rolf Herricht und Agnes Kraus in Fernsehserien wie „Maxe Baumann“ oder „Geschichten übern Gartenzaun“ zu sehen. Nach 1990 musste er mit 69 Jahren noch einmal neu anfangen und gründete nach Gastspielen am Theater am Kurfürstendamm und an der Comödie Dresden sein zweites Theater: Köfers Komödienbühne. Damit zog er 15 Jahre lang durch die Lande und spielte nebenbei im „Jedermann“...

Herbert Köfer: 99 und kein bisschen leise. Eulenspiegel Verlag, Berlin 2020, 176 S., 14,99 EUR.

Köfers Komödiantenleben

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

Meldungen

Münchner Kammerspiele: Klamauk und Katastrophe

Berliner Ensemble: Umsturzphantasien mit KI

double feiert Jubiläum

Einen Kloß für den Käfer! Auf der klugerweise weitgehend leer geräumten Bühne (Peter Gross) laufen die Diener hektisch umher, um immer neue Klöße herbeizuholen. Anfangs sind sie klein wie Tennisbälle, schließlich groß wie Medizinbälle. Das Ungeheuer, das hier gemästet wird, scheint unersättlich, frisst den Eselsdreck schließlich roh. Ein riesiger Mistkäfer, der laut Peter Hacks aber auch eine Allegorie sein kann, soll den attischen Weinbauern Trygaios zu Zeus in die Wolken hinauftragen. Dort will er Klage führen über die geschäftsschädigende Wirkung des Krieges. Wo bleibt denn der Frieden? Zeus jedoch ist vor dem Lärm des schier endlosen Peloponnesischen Krieges geflohen, Trygaios trifft auf Hermes, der an der Himmelspforte Wache hält und ihn ab­zuweisen versucht. Aber Trygaios bleibt hartnäckig, schließlich muss er für seine Geschäfte sorgen. Ralf-Peter Schulze hat den „Frieden“ von Peter Hacks nach Aristophanes am Mittelsächsischen Theater Freiberg/Döbeln als eine der Musik von André Asriel traumsicher folgende musikalische Revue auf die Bühne gebracht. Diese bindet die sich – wie immer bei Hacks – selbstgefällig in ihrer Geschliffenheit rekelnden Pointenkaskaden rhythmisch ein, sodass sie hier schließlich wohldosiert scheinen. Ein Zuviel von solcherart prätentiösen Beweisen der eigenen unübertroffenen Klugheit des Autors führte leicht in ungewollte Regionen der Selbstparodie. So aber bleibt es...

Mittelsächsisches Theater: „Der Frieden“ von Peter Hacks nach Aristophanes. Regie Ralf-Peter Schulze, Bühne Peter Gross, Kostüme Nina Reichmann

Döbeln: Mistkäfer flieg!

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Ende Januar dieses Jahres beschloss die Frankfurter Stadtverordnetenversammlung den Abriss der Theaterdoppelanlage der Städtischen Bühnen am Willy-Brandt-Platz von 1963. Zu teuer und nicht lohnend sei eine Sanierung. Vorausgegangen waren sieben Jahre Diskussionen und Untersuchungen, die ihrerseits schon viele Millionen Euro gekostet haben. Anders als in Köln wollte man sich zu Recht nicht auf ein unüberschau­bares Abenteuer einlassen, zumal der Frankfurter Theaterbau ein wahres Palimpsest ist: In zwei Etappen in den 1950er und 1960er Jahren errichtet, enthält er umfangreiche Reste des Jugendstilbaus von 1902 und wurde später wiederholt umgebaut, saniert und erweitert. Unstrittig ist daher, dass die gewachsene Struktur vielfache Probleme birgt und nach Jahrzehnten intensiver Nutzung wie andere Nachkriegstheater­bauten nun einer umfassenden Sanierung bedarf. Doch begründet dies einen Komplettabriss? Das Gebäude von Otto Apel, Hannsgeorg Beckert und Gilbert Becker ist ein herausragender Theaterbau der Nachkriegsära, der über Jahrzehnte einer der prägenden Orte des kulturellen ­Lebens von Frankfurt war, an dem auch immer wieder gesellschaftlich relevante Diskurse ausgetragen wurden. Er hat Stadtgeschichte geschrieben und Identität gestiftet als ein Ort bürgerlicher Öffentlichkeit, an dem die Stadtgesellschaft über ihre Gegenwart und Zukunft nachgedacht und gestritten hat. Das Haus mit seinem großen urbanen Glasfoyer, das sich der Stadt zuwendet und es als eine Bühne...

Reaktionärer Geist und globalisiertes Standortmarketing geben sich beim Abriss der Städtischen Bühnen Frankfurt die Hand

Frankfurter Abrissfreunde

Nach drei Jahren als Schauspieldirektor am Staatstheater Cottbus verabschiedet sich Jo Fabian mit seinem „Antifaust“, zu dem er den Text schrieb, die Regie führte und die Bühne baute. Diesem „Faustkommentar“ als ambitioniertem Gesamtkunstwerk ging im vergangenen Jahr seine Inszenierung des „Faust“ voran. Fabian verlegte ihn ins Museum, auf die Biennale in Venedig. Kein Artenschutz für Klassiker, so lautete der Slogan. Denn was außer Hybris hat der immer nur strebende Doktor Faust zu bieten? Nichts, außer seinem elenden Menschsein, seinem Versagen, seinem Scheitern. Darin uns anderen gleich, immer mehr scheinen zu wollen, als wir sind. Gut, das musste gesagt werden gegen die glanzvolle Klassik und ihr nicht uneitles Menschenbild. Nur wäre es naiv, derart Goethe zu kritisieren, denn – auch so kann man den „Faust“ lesen – gegen den schönen falschen Schein des ­klassischen Ebenmaßes polemisiert G­oethe selbst am heftigsten. Nicht umsonst ist der Teufel die heimliche Hauptperson in diesem Drama des Erkenntnisstrebens um jeden Preis, der Untergang von Faust scheint von Anfang an beschlossen. Goethe setzt ganz auf Magie und Negation. Man fragt sich, warum Jo Fabian dann einen „Antifaust“ schreibt, den Goethe mit Mephisto bereits selbst ins Zentrum rückte. Oder verwechselt er hier Goethe mit dem schalen Schein von...

Staatstheater Cottbus: „Antifaust“ (UA) von Jo Fabian. Regie und Bühne Jo Fabian, Kostüme Pascale Arndtz

Cottbus: Der Mensch im Jammertal

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

„Die Toten sterben unsanft, im Jenseits gelten sie als Eindringlinge, sie müssen sich begnügen mit dem, was sie dort vorfinden, den Gruben und Löchern ganz unten im Dreck, bis die Zeit gekommen ist, daß dem Grundherrn aus langer Duldung eine Fürsorgepflicht für sie erwächst.“ Mit diesem Präludium beginnt Samuel Becketts Erzählung „Echos Knochen“, die er im Herbst 1933 als „Anhängsel“ zu seinem bereits abgeschlossenen Erzählband „Mehr Prügel als Flügel“ schrieb, weil der ­seinem Verleger Charles Prentice zu schmal erschien. Darin lässt Beckett seinen Protagonisten Belacqua, der in der Erzählung „Bammel“ schon gestorben war, aus dem Jenseits zurückkehren und auf seinem Läuterungsweg einer Reihe grotesker Gestalten begegnen. Zu ihnen gehören Miss Zaborovna Privet, die Bel­acqua zu Sex mit kubanischem Rum einlädt, der kinderlose Lord Gall of Wormwood, der ihn um einen Liebesdienst zur Aufrechterhaltung seiner Erbfolge bittet, sowie der Totengräber Doyle, der sein Grab öffnen und seine Über­reste fleddern will. All das wird immer wieder unterbrochen von makabren Prozessionen surrealer Figuren und einem U-Boot voller armer Seelen, das sich langsam der Küste nähert. Der Text ist eine Zitaten-Symphonie von Gesängen aus Ovids „Metamorphosen“ bis zu zeitgenössischen Gassenhauern, ein Triptychon wie von Hieronymus Bosch, James Ensor und Odilon Redon ausgeführt und ein...

Samuel Beckett: Echos Knochen. Hg. von Mark Nixon, Suhrkamp Verlag, Berlin 2019, 123 S., 24 EUR.

Echos aus dem Jenseits

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Impressum / Vorschau

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Er kam im Jahr 2006 als „Reisender ohne Gepäck“, passend zum Motto seiner ersten Spielzeit: Prof. Dr. Dr. Christoph Nix, Künstler und Jurist. Eine schillernde, ja polarisierende Persönlichkeit trat vor 14 Jahren in Konstanz seine dritte Intendanz an. Als er damals mit nur einer Stimme Mehrheit gewählt wurde, hätte kaum jemand jene Kontinuität erwartet, wie sie dann tatsächlich eintrat. Die aktuelle Spielzeit gestaltet den eigenen Abgang kämpferisch. „Bella Ciao“ lautet das Motto. Ja, das ist selbstreferenziell formuliert. Das trotzige Titelbild des Spielzeitheftes zeigt eine Faust auf rotem Grund. Intendant Nix wäre gerne wenigstens ein Jahr länger in Konstanz geblieben. Theaterfreunde, Zuschauer­gemeinschaften, viele in der Stadt unterstützten seinen Wunsch. Gemeinderat und Kulturbürgermeister waren und blieben anderer Ansicht. Nun beerbt ihn Karin Becker, derzeit noch Künstlerische Betriebsdirektorin am Thalia Theater Hamburg. Was hinterlässt ihr Christoph Nix? Der Kampf für eine bessere Gesellschaft ist Teil von Nix’ Persönlichkeit. Herrschaft und Macht gilt es zu hinterfragen. Schweigen ist zwar als inszenatorisches Mittel erlaubt, nicht aber im öffentlichen Diskurs. Den führt Nix hörbar laut, wenn es ­darum geht, Ungerechtigkeit anzuprangern. Das hat Folgen für die Spielplangestaltung. Ohne Brecht geht es nicht am Theater Konstanz. Martin Nimz eröffnete 2006 die Spielzeit mit Brechts „Der kaukasische Kreidekreis“....

Am Theater Konstanz endet nach 14 Jahren die Ära Christoph Nix

Bella Ciao!

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Die Coronavirus-Pandemie hat das öffentliche Leben in zahlreichen Ländern weltweit zum Stillstand gebracht. Shutdown. Geschlossen sind auch die Theater. Ebenso die Grenzen. Nicht nur für Flüchtlinge. „Dies ist also eine Art Brief an mich selbst. In dem auch steht, dass diese Pandemie auch eine weitere Einübung in geschlossene Räume ist, deren Anzahl seit Jahren stetig zunimmt. Die Festung Europa, die Bubbles im Netz, die eingefrorenen Blicke, das Lagerdenken, der...

Editorial

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Du bist blass, Luise? Iwo. Diese Luise, ungebändigtes Blondhaar und Lederjacke überm pinkfarbenen Rock, ist tough. Auch wenn sie, wie es Friedrich Schillers stürmendes und drängendes Ränkespiel „Kabale und Liebe“ nun einmal vorsieht, den Intrigen der männlich Mächtigen hilflos ausgeliefert ist, auch wenn sie gelegentlich sprachlos wird ob deren Niedertracht: Ein schwaches Opfer ist sie nie. Selbstbewusst erhebt sie ihre Stimme – und was bei Schiller nur die Hoffnung auf ein besseres, ein gerechteres Leben im Jenseits ist, verkündet sie als ein Ziel, für das es zu ­kämpfen gilt: „Wenn die Schranken des ­Unterschieds einstürzen, wenn Menschen nur Menschen sind.“ Zu erleben ist diese Luise am Landestheater in Eisenach, wo Christine Hofer, die Leiterin der Kinder- und Jugendtheatersparte, den Schiller-Klassiker in einer auf zwei Stunden verdichteten Fassung für ein junges Publikum auf die Bühne gebracht hat. Verkörpert wird sie von einer Schauspielerin, die auch ganz persönlich für die Vision einer Welt ohne Schubladendenken und scheinbar natürliche Grenzziehungen steht: Oska Melina Borcherding, als Mann geboren, lebt zwischen den Geschlechtern und nennt sich selbst genderneutral „Actor*“. Wenn Borcherding, wie ­zumeist und wie nun auch als Luise in Eisenach, eine Frauenrolle spielt, dann ist sie auf der Bühne eine Frau. Kein Mann in...

Landestheater Eisenach: „Kabale und Liebe“ von Friedrich Schiller. Regie Christine Hofer, Ausstattung Dirk Seesemann

Eisenach: Starke Frauen, eitle Gockel

Jetzt ist alles politisch

Die Berlinale: roter Teppich, Promitrubel und Mediengewusel. Vor einer Stellwand mit Werbung für einen verbrecherischen Automobilkonzern und ein skandalumwittertes Kosmetikimperium sitzt Lars Eidinger. Auf der Berlinale ist er in zwei Hauptrollen zu sehen, als KZ-Kommandant und als Starschauspieler an der Berliner Schaubühne. An eben jener Schaubühne feierte er kurz zuvor Premiere mit einem neuen Stück – einzige und damit Hauptrolle: er selbst. Zur Pressekonferenz ist er ohne seine 550-Euro-Designertasche im Aldi-Look gekommen, mit der er sich vor einem Obdachlosenlager hatte ablichten lassen. Ist die Welt für ihn nichts weiter als eine Kulisse für seine Auftritte? „Unsere Gesellschaft“, so sagt Eidinger, sei „dermaßen vergiftet von Hass und Missgunst“, doch er kämpfe wacker dagegen an und trage „die Liebe in die Welt“. Während dieser Ansprache kullern ihm die Tränen über die Wangen. Ist das der echte Lars Eidinger? Oder spielt er nur? Aber wen – den KZ-Kommandanten oder den Starschauspieler? Ich bin verwirrt. Insbesondere verwirrend finde ich die Aussage, unsere Gesellschaft sei vergiftet (hört man zurzeit ja öfter). Wer macht denn so etwas, eine Gesellschaft vergiften? Und vor allem: Welche Gesellschaft lässt denn so etwas Blödes mit sich machen, sich einfach vergiften zu lassen, wenn es ihr vorher offenbar so viel besser...

Geschichten vom Herrn H.: Heul leise, Lars

Fehlende Vernetzung, eine unterentwickelte Kultur des Feedbacks und des (analogen) Sprechens: So lautet die bittere Diagnose, die am Anfang von Cheers for Fears stand. Selbst Studierende der Ruhr-Universität ­Bochum am Institut für Theater­wissenschaft mit Schwerpunkt Szenische Forschung, begründeten Jascha Sommer und Johanna Yasirra-Kluhs 2013 deshalb eine mobile Akademie. Ein begehrtes und lang erwartetes ­Nischenprodukt, wie sich bald herausstellt, denn Nordrhein-Westfalen bietet jungen Menschen nicht nur eine Vielzahl an künstlerischen Studien- und Ausbildungsmöglichkeiten, sondern konfrontiert sie auch mit einer nahezu unüberschaubaren Landschaft aus Institutionen, Produktionsstätten und Fördermöglichkeiten. „Say it loud, lost and proud, cheers for fears“ wird die Parole und schenkt der Initiative ihren Namen, unter dem sie bis heute firmiert. Ihre Macher beginnen mit der Organisation von stammtischartigen Begegnungen. An den zahlreichen Akademien und Universitäten sondieren Kontaktstudierende Themen und Stimmungen. In Kooperation mit dem Ringlokschuppen Ruhr – der der Initiative auch die notwendige Infrastruktur ermöglicht –, dem FFT Düsseldorf, den Theatern in Oberhausen und Dortmund entstehen Werkschauen und Festivals in Nord­rhein-Westfalen, die für die jungen Kunstschaffenden den notwendigen Freiraum herstellen, um Kontakte zu knüpfen und sich etablieren zu lernen. Immer ist ein gemeinsamer Workshop der Ausgangspunkt für Symposien, Werkschauen und Festivals. Daraus ergibt sich auch die kluge Beschränkung auf das...

Die Netzwerkgründer von Cheers for Fears entwerfen in ihrem Labor neue Formen künstlerischer Zusammenarbeit

Erfolgreich und etwas größenwahnsinnig

Junge Hoffnung

Die Geschichte Deutschlands ist eine Geschichte der Migra­tion. Sie ist jedoch geprägt von rassistisch motivierten Gewalttaten in West und Ost. Die Wellen rechter Gewalt reagieren jeweils auf Kämpfe der Migration, in denen um Rechte gerungen wird, etwa für das Recht auf Bürgerschaft, auf angemessenes Wohnen, auf faire Löhne, gute Ausbildung, politische Teilhabe, kulturelle Repräsentation, und dabei gesellschaftliche Hierarchien herausgefordert werden. Rassismus ist nicht ahistorisch, sondern richtet sich gegen konkrete Versuche der Überwindung von gesellschaftlichen Exklusionsmechanismen und die damit verbundene Pluralisierung und Demokratisierung der Gesellschaft. Er zieht sich zwar kontinuierlich durch die Geschichte, kann aber nur in seiner jeweiligen historischen Spezifik begriffen und überwunden werden. Allen Rassismen ist gemein, dass sie in ihrer Dynamik einer bestimmten Konjunktur im öffentlichen Diskurs folgen. Die verschiedenen Formen der Gewalt unterscheiden sich sowohl in ­ihren ideologischen Begründungen, Anlässen und Planungen als auch darin, ob und wie sie von staatlichen Stellen sanktioniert werden. In jedem Fall sind sie eine Realität, mit der alle Eingewanderte aus dem europäischen wie globalen Süden, schwarze Deutsche, Juden und Jüdinnen sowie Roma und Sinti konfrontiert sind. Bereits in den 1950er Jahren fanden gruppenbezogene Gewalt­taten gegen die ersten sogenannten Gastarbeiter statt, mit teil­weise tödlichen Folgen. Diese Angriffe waren Ausdruck und Ergebnis der...

Zu den Konjunkturen rassistischer Mobilmachung gegen die Gesellschaft der Vielen

Migration, Einwanderung und rechter Terror

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

„Wenn dieser Engel nun – krank geworden!“, versucht Nathan die sehnsüchtigen Visionen seiner Pflegetochter Recha, die nach der Errettung aus dem Feuer vom Tempelherrn schwärmt, zu mildern. Es ist ungewollt der Satz des Tages im Deutsch-Sorbischen Volkstheater Bautzen. Das Haus spielte Mitte März gerade noch, während die Dresdner Staatstheater bereits vor der virulenten Geißel Gottes kapitulierten. Schade, dass auch diese beachtliche und anhaltend gut besuchte Inszenierung nun ausgesetzt werden muss. Lessings „Nathan der Weise“ kommt seit 1783 zyklisch und vergleichbar epidemisch auf deutschsprachige Bühnen, wenn Toleranz und Akzeptanz von Verschiedenartigkeit in besonderer Weise bedroht sind. Das dramatische Standardwerk der Aufklärung hat folglich angesichts der neurechten Ideolo­gisierung derzeit Konjunktur. Wir leben ­wie­der in einer Zeit der Kreuzzüge, und der Handlungsschauplatz Jerusalem kommt im Brennpunkt des Kampfes dreier Religionen um den „echten Ring“ seit zwei Jahrtausenden nicht zur Ruhe. Ein Ausgleich ist möglich, lautet die Botschaft Lessings in dieser vertrackten Geschichte um eine Familienzusammenführung nach Leid und Gemetzel. Im Vergleich der ungezählten Inszenierungen und Verfilmungen des zeitlosen Stoffes kann die Bautzener Version mehr als nur mithalten. Schon die personelle Konstellation, unter der sie zustande kam, weckte Neugier. Intendant Lutz Hillmann kehrt höchstselbst als Nathan auf die Bühne zurück, auf der er bei...

Deutsch-Sorbisches Volkstheater: „Nathan der Weise“ von Gotthold Ephraim Lessing. Regie Carsten Knödler, Ausstattung Frank Hänig

Bautzen: Medizin gegen rechts

Natürlich hebt Jonathan Meese immer wieder den ausgestreckten rechten Arm zum Gruß. Natürlich streift sich das Enfant terrible der Kunst- und Performance-Welt mehrmals eine schwarze Uniformjacke mit Hakenkreuz-Binde über. Natürlich brüllt er ständig Sätze heraus, in denen vom Deutschsein und vom Führer, vom Ende der Demokratie und von Richard Wagner die Rede ist. Und natürlich bekommt auch die neunzigjährige Mutter des Künstlers ihren großen Auftritt, zunächst nur in einem auf den eisernen Vorhang projizierten Film, in dem sie eine ausführliche Inhalts­angabe von Nabokovs Roman „Lolita“ verliest. Aber während der Premiere von „Lolita (R)evolution (Rufschädigendst) – Ihr Alle seid die Lolita Eurer selbst!“ hat sie nach etwa zweieinhalb pausenlosen Stunden ihren Platz im Parkett verlassen, um ihren Sohn von der ersten Reihe aus zu bitten, die Performance zu beenden. Der holt sie daraufhin auf die Bühne und bindet sie stattdessen noch in das Geschehen ein. Aus der Rammstein-Zeile „Hier kommt die Sonne“ wurde „Hier kommt die Mutterrrr …“. Wieder und wieder hat Meese diesen Satz intoniert und dabei sehr zum Missfallen der Mutter reflexartig den rechten Arm in die Höhe gestreckt. Im Prinzip verlief also alles in erwartbaren Bahnen. Jonathan Meese hat mit dieser variablen Bühnen-Aktion seinen „Diktatur der Kunst“-Kosmos nicht...

Schauspiel Dortmund: „Lolita (R)evolution (Rufschädigendst) – Ihr Alle seid die Lolita Eurer selbst!“ von Jonathan Meese. Regie und Ausstattung Jonathan Meese

Dortmund: Ein deutscher Exorzismus

Was folgt

Liebe, Schreiben, Popmusik

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Arbeiten der Künstlerin Dr. GoraParasit

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

hannsjana – das sind Marie Weich, Katharina Siemann, Laura Besch, Alice Escher, Juliane Gorke und Lotte Schüßler. Bereits seit 2011 musiziert, recherchiert und produziert das Kollektiv gemeinsam. Drei von ihnen promovieren nebenbei (in Theaterwissenschaft und Medizin), die anderen drei sind hauptberufliche hannsjanas. Alles begann als Band mit eigenen Songs, die ein bisschen an die Musik der deutschen Liedermacherin Dota erinnern. Eigenes Liedgut findet sich auch heute noch in fast allen Formaten des Kollektivs. ­Neben Konzerten erarbeiten sie für Museen und Festivals vor allem Audiowalks und seit 2014 auch größere Bühnenproduktionen. Ende 2019 hatte „Die große M.I.N.T.-Show“ in Kooperation mit den Sophiensaelen in Berlin Premiere. Aktuell proben sie nach dem Erfolg der parodistischen Dragking-Performance „Diane for a Day“ zum zweiten Mal gemeinsam mit Spielerinnen und Spielern des Theaters Thikwa, für „Merkel“, eine Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen Zuschreibungs-, Erwartungs- und Vorwurfsmustern an eine Frau in Machtposition. Ihre Stoffe und Perspektiven sind stets dezidiert feministisch, ästhetisch haben sie nicht zuletzt durch den Einsatz großer Tier-Pappmaché-Masken, die Marie Weich baut, einen hohen Wiedererkennungswert. Eine große Stärke ihrer Arbeiten liegt darin, wie sie exis­tierende Klischees und Stereotype – sei es zum Thema Männlichkeit oder zum Thema Ost/West – intelligent zu verkehren und damit lustvoll ad...

Das Kollektiv hannsjana unterläuft kulturelle Stereotype mit radikaler Freundlichkeit

Klischeeverkehrungsspiele

Derman sendedir

Es gehört zu den Paradoxien des Spätkapitalismus, dass sich die Menschen zwar permanent miteinander vernetzen, sich einander übereinander informieren und miteinander kommunizieren, und doch weniger als je ­miteinander zu tun haben. Der Philosoph ­Byung-Chul Han bringt diesen Befund mit der Erosion einer spezifischen Kulturtechnik zusammen, dem Ritual. „Vom Verschwinden der Rituale. Eine Topologie der Gegenwart“ ist ein knapp über einhundert Seiten umfassender, ausgesprochen pointierter Essay. Han kontrastiert das Ritual mit der Gegenwart. Während ersteres eine Gemeinschaft ohne Kommunikation gestiftet habe, hätten wir nun Kommunikation ohne Gemeinschaft, wie er mehrfach betont. Das Ritual ist eine durch Wiederholung strukturierte symbolische Vermittlung, die zur Form wird. Ohne das breitet sich das narzisstische Selbst aus, form- und distanzlose Affektkommunikation herrscht vor. Was Han beschreibt, ist der gesellschaftliche Wandel der Subjektwerdung. Welche Mittel stehen dem Einzelnen bereit, sich in der Kultur zu bewegen? In der nach Authen­tizität heischenden Performancegesellschaft sehr wenige, wenn man Han fragt, der sich damit an ältere Analysen wie „Die Tyrannei der Intimität“ von Richard Sennett und „Das Zeitalter des Narzissmus“ von Christopher Lasch anschließt. Vor allem die mediale ­Ausbreitung des Ichs ist ein Symptom seiner Verarmung. Der Narzissmus verdrängt den Eros aus der Kultur, auch die Kunst wird zum Diskurs –...

Byung-Chul Han: Vom Verschwinden der Rituale. Eine Topologie der Gegenwart. Ullstein Verlag, Berlin 2019, 128 S., 20 EUR.

Die Tyrannei der Formlosigkeit

Die Stress-Knoten auflösen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Dieses Stück ist etwas aus der Mode geraten, neuere Schauspielführer widmen ihm kaum mehr einen Satz. Gespielt wird es hier und da trotzdem, wie 2014 am Deutschen Theater Berlin mit Corinna Harfouch in der Titelrolle (Regie Stephan Kimmig) oder 2015 am Wiener Burgtheater (Regie Andreas Kriegenburg). Der Regisseur Evgeny Titov, der hier und da für Begeisterung sorgte und im vergangenen Jahr glücklos für die erkrankte Mateja Koležnik bei den Salzburger Festspielen einsprang, inszeniert das müde gewordene Gorki-Stück nun in Wiesbaden. Dort hat er 2018 schon Molières Komödie „Der eingebildete Kranke“ als düstere Parabel in Szene gesetzt. Auch „Wassa Schelesnowa“ begreift er als ausweglos schwarze Geschichte. Leslie Malton, die sich lange nicht auf dem Theater blicken ließ, übernimmt bei ihm die exaltierte ­Ti­telrolle. Sie ist eine kerzengerade Wassa ­Sche­lesnowa, eine wahrhaft eiserne Lady, die andere eiskalt abserviert und sich wie ein Ausrufungszeichen ins Bild schiebt. Das Stück, gezeigt wird die erste, vom Regisseur überarbeitete und neu übersetzte Fassung aus dem Jahr 1910, spielt im vor­revolutionären Russland, und die Familie, die Gorki vorführt, ist durch und durch dekadent. Hier ist sich, wie leider wohl fast überall, jeder selbst der Nächste. Mit zuweilen deftiger Fäkalsprache bugsiert Titov das Stück in eine zeitlos unheilvolle...

Hessisches Staatstheater: „Wassa Schelesnowa“ von Maxim Gorki. Regie Evgeny Titov, Bühne Duri Bischoff, Florian Schaaf, Kostüme Eva Dessecker

Wiesbaden: Die eiserne Lady

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anja Nioduschewski: Esra Küçük und Milo Rau, Anlass unseres Gesprächs sind die rassistisch und rechtsnationalistisch motivierten Mordanschläge der vergangenen Monate in Deutschland: in Hanau, Halle, Kassel. Anfang März hatte die AfD bei der Ministerpräsidentenwahl in Thüringen den ­demokratischen Par­lamentarismus vorgeführt. Es ist von Dammbruch rechtsextremer Gewalt die Rede, von geistiger Brandstiftung. Milo Rau, Sie hatten in Ihrer Eröffnungsrede der Hannah-Arendt-Tage 2018 in Hannover gesagt: „Protest heißt, die eigene Zeit nicht mitleidig oder liebevoll, sondern katastrophisch und unverhüllt, also zynisch zu betrachten.“ Was ist Ihre zynische, katastrophische Einschätzung der ­aktuellen politischen Situation? Milo Rau: Man ist ja als Marxist klassischerweise der Ansicht, dass der Faschismus die letzte Stufe des Kapitalismus ist. Wenn man sieht, was gerade an den europäischen Außengrenzen in Griechenland geschieht, muss man sich nur erinnern, was die Reak­tion war, als vor einigen Jahren von AfD-Seite gesagt wurde, man sollte auf die Flüchtlinge schießen. Da fanden die Medien das total irrwitzig. Jetzt haben wir Ursula von der Leyen, die Griechenland als „Schutzschild“ lobt und damit genau dafür dankt: dass auf Flüchtlinge, wenn sie nicht still in den Lagern zu sterben bereit sind, geschossen wird. Da hat sich also etwas normalisiert, was vorher als außerordentlich galt. Zynisch gesagt ist da...

Die Sozialwissenschaftlerin Esra Küçük und der Regisseur Milo Rau über Theater in Zeiten rechter Gewaltpolitik im Gespräch mit Dorte Lena Eilers und Anja Nioduschewski

Gegen rechte Normalisierung

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

I. There is no society, only Meinungen Nehmen wir einmal an, bei einer Umfrage würden zwei Drittel der Befragten einer Aussage zustimmen, die ungefähr so lautet: Wenn man sich heutzutage öffentlich äußert, muss man sich überlegen, was man sagt. Ein Grund zur Panik? Naht das Ende der Meinungsfreiheit, gar des Abendlandes? Mitnichten. Man kann sich auch fragen, was das restliche Drittel vor dem öffentlichen Sprechen macht. Kopf aus, Mund auf? Soll heißen: Das zu betrachtende Problem lässt sich mit Statistik allein nicht begreifen. Auch werden nicht jene Meinungen am bösartigsten unterdrückt, die das am schrillsten für sich reklamieren. „Jeder kann seine ­eigene Meinung haben, aber manche verdient Prügel“, sagt ein chinesisches Sprichwort. Es geht nicht wirklich um Schläge, sondern um Formen zivilisierter Verachtung wie Urteil und Kritik. Öffentlichkeit ohne Maßstäbe ist keine. Doch irgendetwas scheint ­gegenwärtig gestört. Vieles nennt sich Debatte, ist aber nur ein Stellungskrieg von unverrückbaren Meinungen. Empörung triumphiert über Argumente, Denunziation ersetzt die Auseinandersetzung, Moralisieren steht an der Stelle von Sachgehalt. Allein diese Bestandsaufnahme könnte sich schon unter weiteren alarmistischen Beschreibungen einordnen, verlangt aber nach Analyse. Denn in der Moderne war die Öffentlichkeit nie der „herrschaftsfreie Diskurs“, als der sie sich missverstand. Geleitet von unausgesprochenen Interessen war...

Ein Versuch über Öffentlichkeit, Moral und Kunst

Unter dem Shitstorm der Strand

LPG, FDJ, MAS? Junkerland in Bauernhand, August Bebel, Karl Marx? Den jüngeren Besuchern im E-Werk, der Nebenspielstätte des Schweriner Theaters, steht die Ratlosigkeit ins Gesicht geschrieben. Wie fern scheinen die Zeiten, als Geschichte noch Veränderung der Gesellschaft und nicht nur ihrer Vorstellung bedeutete. Möglich ist das zwar noch immer, aber allein dafür müssten Berge von Ideologie beiseite geräumt werden, die auf den Gehirnen der Lebenden lasten. Heiner Müllers „Die Umsiedlerin oder Das Leben auf dem Lande“ schildert die Bodenreform in der DDR, die Vollkollektivierung wirft ihren Schatten schon voraus. Enteignung der Großgrundbesitzer, Stärkung der Produzenten – ein klassisch sozialdemokratisches Programm der Umverteilung. Am Deutschen Theater in Berlin versuchten sich kürzlich Jürgen Kuttner und Tom Kühnel an dem Stück, in Schwerin führte nun Milan Peschel Regie. Immer diese ­Widersprüche: Die alten Verhältnisse sind zwar geschwächt, aber nicht über­wunden. Und die neuen noch nicht hergestellt. Ihnen den Weg zu bereiten, ist die wahre Maulwurfsarbeit der Politik. Der eifrigste Wühler im Erdreich ist der Parteisoldat Flint mit ­seinem Fahrrad. „Zwei Hände sind zu ­wenig“, klagt er, zudem werden seine Botschaften nicht von allen gerne gehört. Marko Dyrlich gibt den Flint als einen Arbeiter im Groben, der sich mit aufgerissenen Augen, wedelnden Armen und...

Mecklenburgisches Staatstheater: „Die Umsiedlerin oder Das Leben auf dem Lande“ von Heiner Müller. Regie Milan Peschel, Ausstattung Magdalena Musial

Schwerin: Der letzte Cowboy der Partei

„God save the Queen / The facist regime / They made you a moron / A potential H-bomb.“ Als die britische Punk Band Sex Pistols im Mai 1977 mit diesen Zeilen aus ihrer Single „God Save the Queen“ das silberne Thron­jubiläum von Queen Elizabeth II. besangen, war in Großbritannien der Teufel los. Britische Radiosender weigerten sich, den antimonarchischen Song zu spielen. Trotz eines reißenden Absatzes, so besagen Gerüchte, wurde der Song in den UK Singles Charts absichtlich auf Platz zwei gehalten, um die Queen nicht zu echauffieren. Als die Band am 6. Juni, dem Hauptfeiertag des Jubiläums, auf einem Themse-Dampfer namens Queen Elizabeth ein Konzert geben wollte, wurde das Boot kurzerhand von der Polizei gestürmt. Das königliche Protokoll verträgt, auch wenn es in der konstitutionellen Monarchie Großbritanniens nur der Symbolpolitik dient, keine Abweichung. Der Schein muss gewahrt werden. „God save your mad parade“ – Gott schütze deine verrückte Parade. Albrecht Hirches „Maria Stuart“ am Theater an der Parkaue in Berlin ist durchdrungen vom britischen Punk der siebziger Jahre. Der Union Jack, der den gesamten Bühnenraum auskleidet, ist mit seinen grob dahingepinselten Farben dem Sex-Pistols-Cover des britischen Künstlers Jamie Reid nachempfunden. Die drei Kreuze der Flagge (das Georgskreuz für England, das...

Theater an der Parkaue: „Maria Stuart“ von Friedrich Schiller. Regie und Ausstattung Albrecht Hirche

Berlin: The Mad Parade

Am 7. Februar 2020 ist nach langer Krankheit die ehemalige Schauspielerin, Dozentin und Regisseurin Gertrud-Elisabeth Zillmer im Alter von 92 Jahren in Stralsund verstorben. 1927 im Saarland geboren, wo ihr Vater als Brauereimeister in Walsheim arbeitete, zog sie mit ihrer Familie nach der „Arisierung“ der Brauerei durch die Nationalsozialisten nach Eisenach. Sehr früh ging sie nach Berlin und ließ sich von Lilly Ackermann zur Schauspielerin ausbilden. In der Nähe der Gedächtniskirche wohnend, erlebte sie die Bombardierungen der Stadt. Nach der Flucht aus dem brennenden Berlin kehrte sie, auf strapaziösen Wegen und zum Teil zu Fuß, nach Eisenach zurück und begab sich nach Kriegsende auf die Suche nach einem Engagement. Über Frankfurt am Main, wo sie kein Aufenthaltsrecht von den Amerikanern erhielt, Weimar und Potsdam kam sie erneut nach Berlin und wurde von Bertolt Brecht als Schauspielerin an das Berliner Ensemble verpflichtet. Bald darauf begann sie auch als Theaterpädagogin zu arbeiten, zunächst an der 1954 gegründeten Deutschen Hochschule für Filmkunst im Potsdam-Babelsberg, ab 1965 an der Staatlichen Schauspielschule Berlin, der späteren Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ (HFS). Mit ihrer analytischen, auf Genauigkeit und hohe Energetik in der gestischen Umsetzung bedachten Ausbildungsmethode und in zahlreichen ­Studioinszenierungen prägte sie entscheidend den künstlerischen Werdegang...

In Erinnerung an die Schauspielerin, Regisseurin und Dozentin Gertrud-Elisabeth Zillmer

Auf unermüdlicher Suche nach dem Wesen des Menschen und der Welt

„Is my future all in the past“

April 2020

Premieren

Gibt es einen guten Tod? Anna leidet an einer unheilbaren Motoneuron-Krankheit und will aus dem Leben scheiden. Alles ist vorbereitet, der begleitete Suizid soll als Gartenparty mit Freunden gefeiert werden. Was letzte Worte betrifft, wird Anna von ihrer sieben­jährigen, superaltklugen Tochter Rose gecoacht – wie wär’s mit „Bis später“? Auch Dorothy, Annas Mutter, Geburts- und Sterbehelferin zugleich, hat elegante Profirhetorik parat, will „den Tod choreografieren“. Anna sieht es so: „Das hier ist meine Transmigra­tionszeremonie.“ Wenn sie dann kratzend auf der Geige dilettiert und der böse, nicht eingeladene Nachbar „Herrgott, nimm Unterricht!“ dazwischenblökt, wird klar: In Noah Haidles neuem Stück „Weltwärts“ schließt das Thema Sterbehilfe auch schwärzesten Humor nicht aus. Der 1978 in Michigan geborene US-­Dramatiker verlegt das Sujet in eine ganz ­normal verrückte Familie. Eine heikle Balance: Er spielt mit der Scheinheiligkeit mancher Euphemismen, lässt aber auch das Tröstliche darin gelten. Ähnlich erfolgreich wie vor Jahren der ebenfalls aus Michigan stammende Autor Neil LaBute ist derzeit auch Noah Haidle hierzulande unterwegs. Seit 2009 sind seine Stücke über Alltagsheldinnen, die im Scheitern noch Hoffnung vermitteln, auf deutsch­sprachigen Bühnen präsent. 2017 erhielt Haidle durch prominente Darstellerinnen wie Maria Furtwängler („Alles muss glänzen“ in Berlin) und Ulrike Folkerts („Für immer schön“ in Mannheim)...

Schauspiel Stuttgart: „Weltwärts“ von Noah Haidle (UA). Regie Burkhard C. Kosminski, Bühne Florian Etti, Kostüme Lydia Kirchleitner

Stuttgart: Heißt das, wir können jetzt weinen?

In einem amerikanischen College-Städtchen trifft die selbstbewusste Kunststudentin Evelyn auf den verdrucksten, schlecht gekleideten und außerdem auch finanziell geplagten Adam, Aufsichtskraft in einer Kunstausstellung. Die beiden kommen trotzdem zusammen, und aus Adam wird dank Fitness, neuer Klamotten samt Kontaktlinsen und einer Nasen-Schönheits-OP ein adretter junger Mann. Der gemeine Clou am Ende: Das Ganze stellt sich als Kunstprojekt Evelyns heraus – die Erschaffung eines neuen Adams als soziales Experiment mit den Mitteln der Manipulation. Auf den Vorwurf, die Beziehung missbraucht zu haben, antwortet Evelyn nur kühl, es wäre ja auch zu Adams Vorteil gewesen und er habe alles freiwillig gemacht. Neil LaButes „Das Maß der Dinge“ aus dem Jahr 2001 (von ihm selbst dann auch mit der Besetzung der Londoner Uraufführung in Amerika verfilmt) hat in Zeiten digitaler Selbstinszenierungen in den sozialen ­Medien und sogar im Kontext von #metoo (vor zwanzig Jahren hielt man diese zielgerichtete Unterwerfung eines Sexpartners für eine ­Exzentrik an einer amerikanischen Kunstuniversität) nicht an Brisanz verloren, eher noch zugelegt. Das hat Stefan Neugebauer, der Intendant des kleinen Theaters Naumburg, gut erkannt und das Stück mit seinem nur vierköpfigen Ensemble effektiv auf die Bühne gebracht. Dort sitzt zu Beginn Jörg Vogel als vermeintlich unbeobachtete Saalaufsicht und fummelt sich...

Theater Naumburg: „Das Maß der Dinge“ von Neil LaBute. Regie Stefan Neugebauer, Ausstattung Rainer Holzapfel

Naumburg: Der neue Adam

Weit, weit weg, im äußersten Osten Russlands – tatsächlich so weit östlich, dass der Deutschen Sehnsuchtsort Sibirien auf dem Weg dorthin bereits Tausende Kilometer im Rücken liegt – befindet sich der Gora Parasit. Der Berg mit dem Namen Parasit. Auf einer Insel, zwischen erloschenen und vielen noch aktiven Vulkanen. Inmitten einer Grenzregion, die zahlreiche Schlachten zu verzeichnen hat – heute zu Russland gehörend, aber vor den Toren Japans gelegen. Ein südlicher Ausläufer der Halbinsel Kamtschatka und in direkter Nachbarschaft zur ehemaligen Sträflingsinsel Sachalin, die Anton Tschechow bereist hatte und über die er einen gleichnamigen Bericht veröffentlichte. Dieser Berg steht Pate für den Künstlernamen Dr. Gora­Parasit, hinter dem sich Gintarė Minelgaitė verbirgt, und gibt einige Hinweise: Die Vorliebe für das Ausloten von Grenzen wird offensichtlich. Ebenso für das Extreme. Wer Berge liebt, fürchtet auch den Abgrund nicht. Wenn Minelgaitė den Blick auf das östliche Ende des europäisch-asiatischen Festlandes richtet, bedeutet das zudem einen Blick in die Gegenrichtung. Denn sie selbst stammt aus Kaunas, der früheren litauischen Hauptstadt, wo man sich heute westwärts, das heißt am Zentrum der Europäischen Union orientiert. Litauen, das war aus sowjetischer Perspektive fast schon der erträumte Westen – und Kamtschatka das Ende der Welt. Die zwei vielleicht...

Die litauische Künstlerin Dr. GoraParasit ist eine Grenzgängerin zwischen Theater und Installation, Oper und Film – und versieht ihre Werke mit einer subtilen Erotik

Latex on the Beach

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

„Wir wollen unser Geld!“ Die Demonstrantinnen und ­Demonstranten rufen laut, erbost und auf Deutsch, denn ihre ­Forderung richtet sich eigentlich an die Deutsche Demokratische Republik. Und sie richtet sich an die FRELIMO, die mosambikanische Regierungspartei und ehemalige Front zur Befreiung ­Mosambiks, vor deren Arbeitsministerium der Demonstrationszug, den wir mit Kameras begleiten, angekommen ist. Es ist ein Mittwochmittag, Ende Januar 2020. Wir befinden uns inmitten von protestierenden Menschen mit DDR-Flaggen und Plattenbau-Hochhäusern im Zentrum von Mosambiks Hauptstadt Maputo. Und wir fühlen uns wie in einer Zeitkapsel. Es ist die letzte Station einer zweijährigen, europäisch-­afrikanischen Recherche für unser Projekt „Fight (for) Independence“. Sie führte uns im Februar 2019 in den Südsudan – die jüngste, unabhängige Nation der Weltgemeinschaft und noch vom soeben beendeten Bürgerkrieg gezeichnet. Dann ging es ­weiter ins Brexit-Chaos nach Großbritannien und schließlich ins beschauliche Bayern. Das Ergebnis dieser teils mit Ensemble­mitgliedern des Staatstheaters Nürnberg durchgeführten Recherche fand in Form eines filmisch-journalistischen Boten­berichts im Juni 2019 im Rahmen des Fonds Doppelpass der Kulturstiftung des Bundes unter dem Titel „Independence for All“ seinen Weg auf die Nürnberger Bühne. Unsere Kernfragen lauteten: Was bedeutet Unabhängigkeit heute, wofür und von was? Wollen wir dafür oder dagegen kämpfen? Und wie wirkt der Kolonialismus, Hintergrund...

Für ihr Projekt „Fight (for) Independence“ recherchierte die Costa Compagnie in Mosambik – ein Reisebericht

Unabhängigkeitskämpfe – gestern und heute

Anja Nioduschewski: Esra Küçük und Milo Rau, Anlass unseres Gesprächs sind die rassistisch und rechtsnationalistisch motivierten Mordanschläge der vergangenen Monate in Deutschland: in Hanau, Halle, Kassel. Anfang März hatte die AfD bei der Ministerpräsidentenwahl in Thüringen den demokratischen Parlamentarismus vorgeführt. Es ist von Dammbruch rechtsextremer Gewalt die Rede, von geistiger Brandstiftung. Milo Rau, Sie hatten in Ihrer Eröffnungsrede der Hannah-Arendt-Tage 2018 in Hannover gesagt: „Protest heißt, die eigene Zeit nicht...

Kornelia Kilga, das Koproduktionshaus Brut, ­Ankerplatz der freien Theaterschaffenden in Wien, hat seinen zentralen Standort im Künstlerhaus verloren. Wie konnte das passieren? In der Theaterszene wusste lange Zeit niemand, dass ein Verlust des Hauses droht. Es wurde zu Beginn der Sanierungsphase vor drei Jahren ja der Erhalt zugesagt. Erst Ende 2019 ließ Albertina-Direktor Klaus Albrecht Schröder plötzlich verlauten, dass er diesen Raum für sein Museum beanspruche. Davor wurde offenbar in alter sozialdemokratischer Tradition hinter verschlossenen Türen verhandelt, mit einem für die freie Szene schlechten Ergebnis. Warum wurde der Mietvertrag aufgelöst? Das ist nicht ganz klar. Der Mietvertrag wurde zurückgegeben oder aufgelöst, auf wessen Betreiben auch immer. Die Verantwortlichen der Stadt haben sich hinsichtlich des Erhalts des gesamten Künstlerhauses als von Künstlerinnen und Künstlern geführtes Haus mehr oder weniger tot gestellt, der Verlust des ­Theaters kam in der Folge. Es gab über die Jahre viele Möglichkeiten, ein Haus von dieser Dimension und in dieser Lage zu erhalten. Es fehlte der politische Wille. Kulturstadträtin Veronica Kaup-Hasler (SPÖ) würde nun sagen, dass ihr nicht der Wille, sondern das Geld fehlt. Man kann politische Entscheidungen nicht immer auf Geldfragen reduzieren. Eine Sozial­demokratie, die sich die Sorge um nicht-­profitorientierte Ressourcen stets auf die Fahnen heftet,...

Was macht das Theater, Kornelia Kilga?

„Die Frage eines Aktionisten ist natürlich: Wie komme ich zurück ins Bild?“, sagt Christoph Schlingensief irgendwann in Bettina Böhlers großartigem Dokumentarfilm „Schlingensief – In das Schweigen hineinschreien“, der eigentlich im April in den Kinos anlaufen sollte (die aber wegen des Coronavirus geschlossen sind). Und diese Frage gilt nicht nur für den Aktionskünstler Schlingensief, sondern auch für den Menschen, der, wie er sagt, die verflixte An­gewohnheit habe, die Welt als Film zu betrachten, und das Echo seiner eigenen Schöpfung sei. Schlingensiefs obsessives Ineinandersetzen von Weltbild und Bildwelt, seit frühesten Kindheitstagen bis hinein in seine töd­liche Krebserkrankung, ob als Film- und Theaterregisseur, Privatperson oder Aktionskünstler, resultierte schließlich in jenem unorthodoxen Œuvre von Filmen, Theaterinszenierungen, Aktionen und Installationen, die die deutsche Film- und Theaterwelt zwei Jahrzehnte lang zuverlässig verstörten, aber auch in einem Archiv an privaten 8-mm-­­Fil­men und Videos, unzähligen Interview-, Fern­seh- und Theateraufzeichnungen. Beides hat ­Bettina Böhler in ihrem Debütfilm zu ­einem ruhelosen Porträt eines ruhelosen Künstlers montiert. Es ist eine wilde und ­humorvolle Hommage, zehn Jahre nach Schlingensiefs Tod und zu seinem sechzigsten Geburtstag. Böhler war bis dato als eine der gefragtesten Cutterinnen des deutschen Kinos ­bekannt, hat mit Valeska Grisebach, Oskar Roehler oder Christian Petzold gearbeitet – und mit Schlingensief...

Bettina Böhlers Dokumentarfilm „Schlingensief – In das Schweigen hineinschreien“ ist eine ästhetische und durchaus politische Hommage

Mehrfachbelichtung eines Künstlers

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Personen FINN Walter, 16 – der Sohn THOMAS Walter, Mitte 50 – Vater ANJA Walter, Ende 40 – Mutter TINE Walter, 16 – Finns Schwester, sie ist Youtube-Aktivistin und trägt gern eine modernisierte Sorben-Tracht – sie ist stolz, einer Minderheit anzugehören. FRAU MARKWART, Ende 50 – Lehrerin Finns MARTIN, Ende 50 – Wachmann und Security-Kollege des Vaters HERR DR. JAN BREMER, Ende 50 – der Hausarzt und Freund der Familie (MARTIN und JAN BREMER gern als Doppelbesetzung.) 1 Haus- und „Familien“-Arzt Dr. Jan Bremer untersucht Finn. Während er ihm in die Augen schaut: BREMER: … Survival of the Fittest heißt nicht, dass die Stärksten überleben, sondern die Angepasstesten. FINN: Hab ich schon anders gehört. BREMER: Die Kumpels? FINN: Wie du das sagst! Da hört man immer gleich die Anführungszeichen. „Kumpels“, aka Vollpfosten. BREMER: Tut mir leid. Also, deine Freunde, deine Buddies, Homies … FINN: … Lass gut sein, Doc. Wird nicht besser. BREMER: So alt bin ich? FINN: So alt bist du. Kurze Stille. Jeder hängt seinen Gedanken nach. Bremer untersucht weiter. FINN: Deine Evolution ist nich so der Punk, wie? (Frustriert) „Angepasst“, „Angepasst“ – ja, Scheiße, woran denn? „Man gebe mir einen Punkt, an den ich mich...

Der Sohn

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Die Türen sind endlich zugegangen. Die Stimmung entspannt sich, die leisen Gespräche werden ein Flüstern, dann verschwinden sie. Jetzt ist es still. Niemand kann mehr raus, niemand mehr rein – nur im Notfall. So ist das eben im Theater. Niemand erwartet wirklich, dass es von draußen zu klopfen beginnt. Wir alle wissen, es gibt jetzt erst einmal diesen einen Raum, auf den man sich zu konzentrieren hat und aus dem man mög­licherweise über die Bühne und deren Ränder hinaussehen kann, in das, was diffus „draußen“ genannt wird oder Welt. Ich bin aber nicht im Theater, ich bin zu Hause geblieben. Auch hier sind die ­Türen zu. Es herrschen nämlich die Wochen der geschlossenen Räume. Alles zu. Naja, beinahe alles. Die Absage ist Alltag geworden, und man ist jetzt allgemein in einem sehr kleinen Zimmer unterwegs. Der Unterschied zum Theater besteht erst einmal da­rin, dass es von außen klopft, und zwar ­beständig. Die Einschläge, so sagt man, kommen näher, und bald wird wohl an der Tür gerüttelt. Das Virus pirscht sich heran, es kommt aus der großen weiten Welt (und ist schon längst da), aus dem, was man vage China nennt und da vom Wildtierhandel, von den Fledermäusen. Schon mit seinem...

Über geschlossene Räume und verengte Horizonte in Zeiten von Corona

Ansteckung und Hygiene

Schon seltsam, wenn man plötzlich einen Doppelgänger hat. Gerade war Ralph Reichel im letzten Herbst Intendant des Volkstheaters Rostock geworden, da kamen immer wieder Menschen auf ihn zu, ihm zur Wahl zu gratulieren – als Oberbürgermeister! Denn er sieht dem frisch gewählten dänischen Oberbürgermeister Rostocks Claus Ruhe Madsen ähnlich wie ein eineiiger Zwilling dem anderen. Zumal sie das gleiche Brillengestell tragen und den gleichen silbrigen Vollbart von Männern um die fünfzig. Er sitzt in seinem Büro auf einem extra flexiblen Drehsessel, der Bandscheiben wegen. Ein Gesundheitsball wäre auch eine Möglichkeit gewesen, sagt er, wobei er hin- und herschwankt. Die Ähnlichkeit mit Madsen war schon verblüffend. Zumal er sehr viel weniger Gratulationen dafür bekam, nun – nach drei Jahren als Schauspieldirektor und Stellvertreter von Joachim Kümmritz – selbst Intendant geworden zu sein. Das Volkstheater zu leiten, das ist allerdings etwas, das man – nach all den Querelen der letzten Jahre – niemandem wünscht. Der Ruf des Hauses ist nicht der beste, die Bedingungen, ihn zu verbessern, sind nicht gerade ideal. Immerhin, es gibt den Theaterpakt der Landesregierung von Mecklenburg-Vorpommern, der so etwas wie eine Bestandsgarantie bietet. Somit soll es nicht mehr vorkommen, dass die Theater des Landes quasi im Halbjahrestakt vor...

Der neue Intendant des Volkstheaters Rostock Ralph Reichel versucht aus einem angeschlagenen Theater wieder ein attraktives kulturelles Zentrum zu machen

Bauen und flicken

Unter Beobachtung

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Meine erste leibhaftige Volker-Spengler-Erfahrung fand im Sommer 1988 in einem besseren ita­lienischen Restaurant in Berlin statt. Volker wollte dem Veranstalter eines Heiner-Müller-Events das Video seiner legendären Bremer „Quartett“-Aufführung mit Traute Hoess nur für eintausend D-Mark aushändigen. Seine Forderung spickte er mehrfach und lautstark mit der Anrede „Du Kulturnutte“. Ein paar Plätze weiter am gleichen Tisch erklärte Einar Schleef derweil einem mittlerweile von der Bildfläche verschwundenen sakkotragenden Regisseur, dass ihn ­seine Windjacke nur 3 D-Mark 95 gekostet hätte. Bei Woolworth. Dann setzte Volker seine Kanonade fort, während sein Ge­sprächs­partner immer mehr in sich zusammensackte, was der anwesende Heiner Müller mit „Angst essen Seele auf“ kommentierte. Irgendwann in der Spielzeit 1998/99 kamen wir auch außerhalb des Backstage-Bereichs zusammen. Düsseldorf erwartete, dass sein Schauspielhaus den 100. Geburtstag von Gustaf Gründgens ­feierte. Als mir Karl Kneidl mit­teilte, dass Peter Palitzsch und Volker gerne etwas zusammen erarbeiten würden, kam es zum Gründgens-Jubiläum-Projekt „Alles Theater“. Der Volker-Gründgens schwamm in einer braunen Brühe und bespritzte ab und an das Publikum. Zwar überzeugte die „grelle politische Revue“ den Spiegel, aber ansonsten schäumte Düsseldorf. Ein ­höherer Angestellter des ­Theaters warf mir vor, dass man angesichts dieses Spektakels glauben müsse, unsere ­Eltern und Großeltern wären alle wahnsinnig gewesen. Tatsächlich...

Rechte Gewalt

Neuerscheinungen im Verlag