Das Lager erzählen. Das ist die Prämisse für das Schreiben von Warlam Schalamow. Der russische Schriftsteller (1907–1982) musste das GULag-System während mehrerer erzwungener Aufenthalte in den zwanziger, dreißiger, vierziger und fünfziger Jahren am eigenen Leib erfahren. Dabei war er nicht der antikommunistische Dissident, als den der Westen sich ihn gewünscht hatte. Schon gar nicht sehnte er Russland – wie der Literaturnobelpreisträger und gänzlich andere Chronist des Lagers, Alexander Solschenizyn – ­zurück ins Zarenreich. Er gehörte zur linken Opposition in der Sowjetunion, die in den Jahren Stalin’scher Herrschaft erbarmungslos verfolgt wurde. Nach kleineren publizistischen Arbeiten in den dreißiger Jahren widmete er sich seit Beginn der Chruschtschow-Ära einer Aufgabe, für die er bereits in seiner Haftzeit mit seinen „Kolymaer Heften“ den Grundstein gelegt hatte: Er wollte das Lager erzählen und hat dafür eine große Literatur geschaffen, die Worte für die Unmenschlichkeit sucht. Für dieses Thema eine Öffentlichkeit zu finden in dem Staat, der doch angetreten war, mehr Menschlichkeit hervorzubringen, war freilich schwer. Wenn auch der Mythos, es sei unmöglich gewesen, nicht stimmt, vielmehr Unkenntnis der Bedingungen für das literarische Arbeiten im Realsozialismus offenbart. Zwischen Samisdat und Tamisdat erkämpfte Schalamow sich ein Publikum; in den Literaturzeitschriften der Sowjetunion erschienen vereinzelt seine Werke, in...

Das Lager auf die Bühne bringen – Zu Warlam Schalamows Stück „Anna Iwanowna“

Kolyma in Miniatur

Wie oft erlebt man schon einmal, dass nahezu das gesamte Publikum eines großen Hauses am Ende einer Vorstellung Standing Ovations gibt? Eher selten. Und wenn das doch einmal der Fall sein sollte, hat man es als Kritiker schwer, etwaige Einwände vorzubringen. Im Fall von Ryan McBrydes Inszenierung von ­William Shakespeares Klassiker „Romeo und Julia“ ist dies tatsächlich auch nicht nötig. Im Gegenteil: Aller Jubel ist gerechtfertigt und schon lange ersehnt. Die Aufführung scheint wie ein frischer Atemzug durch das gebeutelte Theater Trier zu ziehen. Schließlich ist es kaum zwei Jahre her, dass der Vertrag mit dem vorma­ligen Intendanten Karl Sibelius wegen eines satten Defizits von drei Millionen bei zudem rückläufigen Besucherzahlen aufgelöst ­wurde. Jenseits der medialen und politischen Schlammschlacht führte der Skandal sogar zu staatsanwaltlichen Ermittlungen und der generellen Infragestellung des Spielstandortes an der Mosel. Und dann kam Manfred Langner, vormals Intendant der Schauspielbühnen in Stuttgart und überdies ausgebildeter Steuerinspektor – für ein derart in Finanzeklats geratenes Dreispartenhaus zweifelsohne eine gute Kombination. Denn dass mit der Ernennung seines Vorgängers der kaufmännische Verwaltungsdirektorenposten weggefallen und dadurch die künstlerische mit der haushälterischen Leitung zusammengelegt worden war, hatte ­sicherlich auch zur Misere beigetragen. Mit Langner ist nun ein solider Allrounder in Amt und...

Nach Querelen und Skandalen gelingt dem Theater Trier ein erstaunlicher Neubeginn: mit Unterhaltung, Politik und großen Gefühlen

Eroberung im Herzen Europas

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Am 20. Februar verstarb in Leipzig Manfred Pauli in seinem 86. Lebensjahr. In der gärenden, überaus kreativen Leipziger Atmosphäre der frühen fünfziger Jahre studierte er – unter anderen gemeinsam mit Uwe Johnson – als Schüler Hans Mayers Germanistik und Theaterwissenschaft. Hier fand er zu seiner lebenslangen bewundernden Liebe zu Brecht, den er bei einem Praktikum am Berliner Ensemble noch selbst kennenlernen konnte. Nach dem Studium arbeitete er bis 1966 als Dramaturg in Zwickau und Erfurt, in beiden Häusern zuletzt als Chefdramaturg. Er fand seine eigentliche ­Bestimmung als erfolgreicher Dozent an der Theaterhochschule „Hans Otto“ in Leipzig, später am neu gegründeten Institut für Thea­terwissenschaft der Leipziger Universität. ­Seine Vorlesungen und Seminare waren histo­rische Tiefenbohrungen, und die Studierenden schätzten seine menschliche Art und Ansprache. Als Buchautor ist er unter anderem Verfasser eines umfänglichen Standardwerks über das dramatische Werk von Sean O’Casey, von Büchern über Begriff und Geschichte des Volkstheaters (das Thema seiner Habilitationsschrift), über Leipziger Theatergeschichte sowie über Stücke, die – wie etwa der „Sommernachtstraum“ oder die Werke ­Pirandellos – das Theaterspiel selbstreferenziell thematisieren. Da die letztgenannten, wichtigen Bücher in kleinen Verlagen erschienen sind, die unterhalb der Schwelle der kapitalistischen Aufmerksamkeits­ökono­mie liegen, sind sie leider weniger beachtet worden, als sie es verdient...

Zum Tod des Leipziger Theaterwissenschaftlers Manfred Pauli

Historische Tiefenbohrungen

Arbeiten

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

PERSONEN: Anna Iwanowna Rodina1 Bauleiter Ermittler Arzt Chefarzt Sanitätschef Grischa Ganove Vorarbeiter NKWD-Mann Diensthabender Großer Natschalnik Kleiner Natschalnik Und die anderen – Häftlinge und Freie, Tote und Lebende ERSTES BILD Trassenkantine Abend oder Nacht, egal. Winter. Eine Trassenkantine, in der es nur tagsüber Essen gibt. Vier kleine Tische, ein geheiztes Öfchen aus einem halben Metallfass. Ein Büfetttresen. Darüber – wie über tausend anderen ­Tresen – das Bild „Drei Recken“ von Wasnezow. Hier arbeitet die Büfetteuse Anna Iwanowna. An den ­Tischen Kraftfahrer, Durchreisende. Sie essen Mit­gebrachtes und holen sich vom Büfett nur Tee, heißes Wasser in Blechbechern oder Sprit, den Anna Iwanowna mit einer blechernen Maßkelle schöpft. Herein kommt Erster Kraftfahrer. Erster Kraftfahrer: Anna Iwanowna, dein Kerl ist angekommen. Anna Iwanowna: Wo steckt er denn? Erster Kraftfahrer: Ins Büro gegangen. Anna Iwanowna: Also fahren wir weg. Zur geologischen Erkundung. Erster Kraftfahrer: Das Büfett gibst du auf. Sowas Einträgliches. Anna Iwanowna: Alles Geld kann man nicht verdienen. Erster Kraftfahrer: Aber danach streben sollte man. (Lacht.) Und wohin mit dem Kind? Anna Iwanowna: Fürs Erste ins Internat. In die Taiga nehmen wirs nicht mit. Erster Kraftfahrer: Ihr habt also schon alles bedacht. (Die Tür geht auf und lässt eine weiße Dampfwolke herein...

Stück in fünf Bildern. Aus dem Russischen von Thomas Reschke. Dem Andenken G. G. Demidows gewidmet

Anna Iwanowna (Originaltitel: Anna Ivanovna)

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

Manches braucht seine Zeit. So beginnen sich dreißig Jahre nach der Öffnung der Grenze auch die Debatten über die DDR zu öffnen. „DDR neu erzählen!“ heißt es – selbstbewusst mit Ausrufungszeichen versehen – Mitte März im Berliner HAU Hebbel am Ufer bei der zentralen Diskussionsveranstaltung des Festivals „Comrades, I Am Not Ashamed of My Communist Past – Erinnerungspolitik 30 Jahre nach dem Fall der Berliner Mauer“, bei dem Stücke wie She She Pops „Schubladen“ und „little red (play): ‚herstory‘“ von and­com­pany&amp;Co. gezeigt wurden. Schon am Wochenende zuvor hatten die Berliner Festspiele den Palast der Republik wiederauferstehen lassen, zahlreiche Gäste – Intellektuelle aus aller Welt – diskutierten über das Ende der DDR und die fortschrittlichen Ideen der Demokratisierung des Sozialismus, die an den Runden Tischen damals zwar erörtert, aber nicht verwirklicht worden waren. Verpasste Gelegenheiten sind auch verlorene Utopien. Und auf die Runden Tische folgten die forcierte Währungs- und Wirtschaftsunion, der übereilte Beitritt zur BRD und die wenig rühmliche Geschichte der Privatisierung und Abwicklung einer gesamten volkseigenen Wirtschaft durch die Treuhand. Aus der DDR wurde Geschichte gemacht – und als solche wurde sie Gegenstand erbitterter Debatten und Kämpfe um die Deutungshoheit. Im HAU eröffnete die Historikerin ­Carola S. Rudnick die Debatte....

Unter dem Titel „DDR neu erzählen!“ wird am Berliner HAU über das Geschichtsbild des Ostens diskutiert

Der lange Schatten des Stalinismus

Im Anfang war das Wort, in geschliffenen Versen, präsentiert in pointierter Form, immer als politische Aussage auf der Bühne. Das West-Berliner Reichskabarett war Teil der Studentenbewegung und agitierte mit Spott und Satire gegen die alte Bundesrepublik, die Große Koalition und den amerikanischen Imperialismus. Nach drei Jahren kam es dann zur Geburt des Grips Theaters. „Das Kabarett habe ich aufgegeben“, sagt Gründungsvater Volker Ludwig, „weil wir nur Publikum hatten, das sowieso unserer Meinung war.“ Kinder waren als neue Zielgruppe entdeckt, das erfolgreichste Kindertheater der Welt erfunden. „Wir waren ein sozialistisches Theater, und für uns waren die Kinder eine unterdrückte Klasse. Und wir versuchten, ihnen ein bisschen Selbstbewusstsein beizubringen.“ Das ist nun 50 Jahre her, Grund genug in der Arena-Bühne am Hansaplatz zu feiern; denn das Grips hat in der Tat Neuland in den darstellenden Künsten betreten, in Themenwahl, Dramaturgie sowie musikalischer Akzentuierung und immer wieder gerne auch als moralische Instanz. Wolfgang Kolneder, dritter im künst­lerischen Bunde mit dem Autor Ludwig und dem Komponisten Birger Heymann, hat einmal das Spezifische der Grips-Stücke beschrieben, deren Grundregel die Genauigkeit in Einzelheiten sei, im Typischen, mit Konzentration auf das Wesentliche. Die Spielweise war geprägt von Recherchen vor Ort. „Auf Schulhöfen, in Heimen und Diskotheken beobachteten...

Das erfolgreichste Kinder- und Jugendtheater der Welt wird 50

Grips macht Mut

Münchner Kammerspiele: Klamauk und Katastrophe

Zwei Fußballtore stehen halb versunken inmitten eines kleinen Sees im Stadtpark von Antwerpen. Enten ziehen ihre Kreise auf dem Wasser, finden den Weg ins Netz oder gleiten knapp am Pfosten vorbei. Seniorinnen und Senioren zu beiden Seiten des Sees verfolgen das Geschehen eher nachlässig. Familien schlendern vorbei, vereinzelt feuert ein Kind eine der Enten an. Den Enten scheint das herzlich egal zu sein. Die Sonne geht langsam unter, der Park leert sich. Das Spiel geht weiter. Es ist eine dieser simplen Anordnungen, wie sie Benjamin Verdonck nun schon seit über zwanzig Jahren immer wieder gelingen. Er setzt Alltagsgegenstände, Orte und Menschen zueinander in Beziehung und schafft damit kleine und große Erzählungen, für alle, die bereit sind, sich darauf einzulassen. Ist hier ein Kinderspielplatz einem fundamentalistischen Landschaftsgärtner zum Opfer gefallen − oder steigt der Wasserspiegel in Belgien so dramatisch? „The Finale“ (2015) war Teil des zweijährigen Projektes „Even I Must Understand It“, in dem sich Verdonck mit den Auswirkungen des Klimawandels, kollektiver Verantwortung und der Frage beschäftigte, wie man vom Wissen zum Handeln kommt. Sie zieht sich wie ein roter Faden durch Verdoncks künstlerisches Schaffen, das sich ansonsten weder auf ein Genre noch auf ein Format oder ein Thema festlegen lässt....

Der belgische Künstler Benjamin Verdonck erprobt Modelle für eine bessere Welt − auf der Bühne und in der sogenannten Wirklichkeit

Von der Beiläufigkeit großer Fragen

Berliner Ensemble: Umsturzphantasien mit KI

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Sie promovierte in Kulturpädagogik, arbeitete als Theaterpädagogin am Staatstheater Braun­schweig und war Deutschlands erste Universitätsprofessorin für Kinder- und Jugendtheater: Geesche Wartemann lehrte und forschte in Hildesheim, engagierte sich regional in der Lehrerausbildung für Darstellendes Spiel und international als Präsidentin von ITYARN, dem akademischen Netzwerk der Vereinigung des Theaters für Kinder und Jugendliche, das auf ihre Initiative hin gegründet wurde. Schwerpunkte ihrer Interessen waren das Theater für die Allerkleinsten und die partizipativen Formate in den darstellenden Künsten für ein junges Publikum. „Gerade im Vermittlungsbereich ist es wichtig, eine eigene Haltung zu entwickeln und Theaterbegriffe zu reflektieren, damit man nicht nur den zahlreichen Erwartungen, die von verschiedensten Seiten an einen herangetragen werden, willfährig dient, sondern selbstbewusst einen eigenen Weg entwickelt“, schrieb sie in dem Rechercheband „Theatermachen als Beruf“ bei Theater der Zeit. Theater für junge Zuschauer seien die Vorreiter in der Entwicklung und Reflexion von Modellen der Vermittlung, von denen alle Theater profitieren könnten, lautet eine ihrer Hildesheimer Thesen auf nachtkritik.de. „Heute zeichnen sich die Theater für junge Zuschauer dadurch aus, dass sie ihr Publikum schon im Produktionsprozess einbeziehen und ihm immer mit Neugier begegnen.“ 2009 folgte Geesche Wartemann für zwei Jahre einem Ruf an die Universität von Agder im norwegischen Kristiansand,...

In Gedenken an Geesche Wartemann, die erste Professorin für Kinderund Jugendtheater

Die Pionierin

Hamlet sein

„KOPER“ steht in großen, rot leuchtenden und unübersehbaren Buchstaben auf dem Kapuzenpullover jener Schauspielerin, die schnellen Schrittes und mit großen, strahlenden Augen direkt von der Probe in das Jenaer Theatercafé hereinspaziertkommt. Ihre silbern glitzernde Sporttasche lässig über der Schulter hängend, braucht sie nicht lange, um sich für Bier statt Tee zu entscheiden. Für die 26-jährige, in Bremen aufge­wachsene Künstlerin ist Kneipenkultur ein wesentlicher Ausdruck sozialen Miteinanders. Wir stoßen an. Mona Vojacek Koper hat Schauspiel an der Otto Falckenberg Schule in München studiert. Das Engagement am Theaterhaus Jena ist ihr erstes. Mit ihrer Studienkollegin Henrike Commichau gründete sie im zweiten Studienjahr das Künstlerinnenkollektiv #monike. Was ver­birgt sich hinter dem Hashtag? Unermüdliches Recherchieren, Dokumen­tieren und schließlich Performen – die Themen sind aktuell, verhandeln femi­nistische Fragestellungen und Forderungen, wie etwa die Debatte um die Paragrafen 218 und 219a. Gemeinsam haben sich die beiden auch für das Ensemble des neuen Leitungskollektivs Wunderbaum in Jena beworben. Beide oder keine. Nun steht ein Abend zum Thema Abtreibung an. „Damenwahl“ lautet der Titel, Mona Vojacek ­Koper ist begeis­tert. „Wir wollen eine Dauerwerbesendung ­machen, denn wenn die Ärztinnen und Ärzte nicht informieren dürfen, machen wir es.“ Die Schauspielerin, die sich vielmehr als Theatermacherin versteht, zeigt sich energisch, fröhlich...

Die Jenaer Schauspielerin Mona Vojacek Koper versteht sich als Theateraktivistin und Überbringerin drängender Zeitfragen

Humor als Waffe

Bei der Trauerfeier am 6. April in Berlin-Baumschulenweg gab es zehn lange Minuten der Unterbrechung, des stillen Eingedenkens und Betrachtens. Keine Schweigeminute, zu der man sich üblicherweise erhebt, sondern eine Situation ganz im Geiste des Verstorbenen. Denn eine der Lieblingstheorien von Andrzej Wirth galt einem „Theater ohne Publikum“. Nun war beim Abschied deren Umkehrung zu erleben: ein von ihm versammeltes Publikum ohne Theater. Ein Publikum freilich, das, von dem ­Theoretiker geschult, diesen Moment erkennen konnte und zu schätzen wusste als letzte Performance dieses großen Theatermanns aus drei Ländern, der wie kaum ein anderer Theorie und Praxis des Theaters, dessen Geschichte und Gegenwart bis in seine letzten Tage munter zusammenbrachte. Geboren am 10. April 1927 in Włodawa, im Grenzland zwischen Polen, Weißrussland und der Ukraine, wuchs Wirth als Sohn eines Offiziers und einer dem polnischen Adel entstammenden Mutter in unruhiger Zeit auf. Der Hitler-Stalin-Pakt und die Besetzung Ostpolens durch sowjetische Truppen bedeuteten das Ende einer behüteten Kindheit und später den Besuch eines Untergrund-Gymnasiums in Warschau unter deutscher Besatzung, die für Polen keine höhere Schulbildung zuließ. Theater lernte er unter den Umständen der Okkupation nur als heimliche Rezita­tionsabende kennen, nicht als Bühnenereignis. Gleichwohl hatte er im Untergrund hervorragende Lehrer, die ihn auf...

Eine Erinnerung an den großen Theatertheoretiker

Theater ohne Andrzej Wirth

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Herr Ensslin, welche Bedeutung hat Hannah Arendts Leben und Werk für unsere heutige Zeit? Hannah Arendt ist ein Stachel im Fleisch unserer politischen Gegenwart. Wir verstehen Politik heute oft als Kampfplatz der Interessenvertretung oder greifen zum Megafon, um unsere Bedürfnisse zu artikulieren. Arendt dagegen verstand die griechische Agora, den Marktplatz im Zentrum der Stadt, als einen vorbildhaften politischen Raum. Menschen stellen sich dort durch ihre Handlungen, nicht durch ihr Selbstbild zur Schau, während die Zuschauenden das Gesehene beurteilen. Artikuliert durch die unterschiedlichen Aktivitäten der Menschen, vermitteln Handeln, Urteilen und Denken so eine noch unerhörte, eine noch ungesehene Zukunft. Wie kann das Theater auf das Theatralische der Politik reagieren? „Theatralik“ meint im Deutschen so etwas wie „Showmanship“ im Englischen: Gauklerei, das heißt die Schaffung von Evidenz für falsche Tatsachen. Denken Sie aktuell etwa an die Brexit-Debatte, das Phänomen Donald Trump, die AfD und so weiter. Dagegen steht der „Raum der Erscheinung“ für das Verhältnis von Handelnden und Zuschauern. Befreit von der Identifikation mit den eigenen Geschichten, Bedürfnissen und Forderungen, ermöglicht dieser Raum die Einnahme immer neuer Rollen. Am Horizont entsteht so möglicherweise die Gestalt einer anderen Zukunft, eines anderen Gemeinwesens, einer anderen Politik. Was heißt das für das Theater? Wie im...

Was macht das Theater, Felix Ensslin?

Warum Theater,

München: Förderpreis für neue Dramatik 2025 ausgeschrieben

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Sie blickt von ihrem Buch auf, die beiden aufgeschlagenen Seiten sind mit zahlreichen Anstreichungen versehen. Das sei in Vorbereitung auf das neue Stück, erzählt Rebekka David. In dem geht es um den Verlust der Zukunft aufgrund der Durchökonomisierung aller sozialen Beziehun­gen. Andreas Reckwitz’ „Gesellschaft der Singularitäten“ sei da eine hilfreiche Lektüre. Im Laufe des Gesprächs stellt sich heraus, dass sie unter anderem auch Oliver Nachtweys „Die Abstiegs­gesellschaft“, Ulrich Becks „Risikogesellschaft“ und Heinz Budes „Gesellschaft der Angst“ gelesen hat. Sollte man sich wundern, dass eine Theater­regisseurin geradezu exzessiv soziologische Theorie liest? Wohl kaum. Es kann nur von Nutzen sein, die Gesellschaft möglichst ­genau zu kennen. Sie könnte ja auch Gegenstand des Theaters sein. Oder sollte es sein, wenn es nach David geht. Denn mit Historismus, der der Gegenwart entflieht, kann sie nichts anfangen. Das hat sie schon früh bemerkt. Bevor sie an der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ in Berlin ein Regie­studium begann, hospitierte die 1993 Geborene am Deutschen Theater Berlin und assistierte am Theater Basel. Auf der Bühne können Probleme verhandelt werden – und warum nicht jene, welche die Menschen gerade jetzt haben? Für ihr Stück „Nora oder Die Macht des Geschlechter-Norman“ in der Berliner Brotfabrik hat sie Henrik Ibsens...

Die Regisseurin Rebekka David bringt die Diskurse unserer Zeit auf die Bühne – unter Verwendung neuester Gesellschaftstheorien

Wann, wenn nicht jetzt

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

„Es gibt keine neuen Beweise“, heißt es, die Erwartungen dämpfend, gleich am Anfang des „Recherche-Thrillers über europäische Steueroasen“ des Regisseurs Simon Solberg (Textcollage Volker Racho und Ensemble). Das Faktum brutum lässt sich im Grunde in einem einzigen Satz bündeln: Große Firmen entwickeln Steuervermeidungsstrategien auf Kosten des Gemeinwohls. Die „Panama-­Papers“ haben diese Strategien vor einiger Zeit anhand eines Datenlecks in großem Stil aufgedeckt, aber Panama ist nicht der einzige Staat, in dem Briefkastenfirmen geduldet werden – und Malta auch nicht der einzige Staat in Europa. Auch Deutschland ist eine Steueroase, im Jahr 2018 belegt Deutschland Platz sieben im „Schattenfinanzindex“, deutlich vor Panama oder den Bahamas. Fast überall auf der Welt kann man Gewinne ­verschwinden lassen – durch Geldwäsche­prozeduren aller erdenklichen Art. Es heißt, dass dem deutschen Staat 160 Milliarden Euro jährlich durch Steuervermeidung verloren gehen. Simon Solberg und sein Team ent­wickeln aus den haarsträubenden Daten in der Werkstatt des Theaters Bonn einen knappen, lustvollen Theaterabend. Fünf Spieler – Doris Dexl, Alois Reinhardt, Annika Schilling, Gustav Schmidt und Klaus Zmorek – erzählen in ständig wechselnden Rollen eine beiläufig skizzierte Recherche-Story: Eine Rundfunkreporterin reist nach Malta und wird dort Zeugin des Mordes an der Journalistin Daphne Caruana Galizia, die ebenfalls darum bemüht war,...

Theater Bonn: „Oh wie schön ist Panama Malta“ (UA) von Volker Racho und Ensemble. Regie und Bühne Simon Solberg, Kostüme Franziska Harm

Bonn: Steueroasen im Herzen Europas

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Alles begann in den fünfziger Jahren bei den Erlanger Theaterwochen. Beim Treffen der Studententheater, so erzählt es Karlheinz Braun, begegnete sich alles, was später einmal Rang und Namen haben sollte in der Theaterszene. Man unterschied seinerzeit zwischen „Hüpftheater“ und „Sitztheater“. Ersteres verband man mit Sprüngen und ausladenden Gesten, Letzteres war „alles, was mit dem Denken zu tun hat“. Braun selbst hatte es eher mit dem Denken. Karlheinz Braun, der Gründer und langjährige Leiter des Verlags der Autoren, hat seine Erinnerungen zu Papier gebracht, und das in imponierender Gründlichkeit. Der volumi­nöse Band „Herzstücke“ ist eine erfrischende Mischung aus detailfreudiger Autobiografie, die auch das fränkische Kellerbier nicht auslässt, und einer Theatergeschichte der zweiten Jahrhunderthälfte aus erster Hand. Braun promovierte in Frankfurt über den Roman „Stiller“ von Max Frisch. Ein Suhrkamp-Thema sozusagen, so war der Sprung ins Büro von Peter Suhrkamp verblüffend leicht. Wenige Wochen vor seinem Tod vermittelte der Verleger den so ehrgeizigen wie selbstbewussten jungen Mann als Regieassistent an Harry Buckwitz, den Frankfurter Intendanten. Suhrkamps Nachfolger Siegfried Unseld wiederum gründete, vor allem aus kommerziellen Gründen, einen eigenen Bühnenvertrieb, für dessen Leitung er im Juli 1959 Braun engagierte. Suhrkamp war damals ein kleiner Verlag mit kaum mehr als einem Dutzend Angestellten. Die...

Karlheinz Braun: Herzstücke. Leben mit Autoren. Schöffling & Co., Frankfurt am Main 2019, 676 Seiten, 32 EUR.

Der Verlagsdramaturg

Junge Hoffnung

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Was folgt

Liebe, Schreiben, Popmusik

Rechnung an Theater der Zeit

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

So viel Werktreue auf deutschen Bühnen ist selten. Das klingt erst einmal überraschend, wenn es um die Adaption eines Romans für die Bühne geht, auch wenn dieser Roman sich zugleich als Essay, als Versuchsanordnung und philosophische Erzählung versteht, also eine reflexive und hypothetische Anlage wie einen Regietheateransatz in seinem Textkorpus birgt. Wie Werktreue in Zeiten filmischer Mittel auf der Bühne, mit Bezügen auf den Filmkanon aussehen kann, das ist in Kay Voges’ Inszenierung von „Die Stadt der Blinden” nach dem Roman von José Saramago am Hamburger Schauspielhaus zu sehen: Sie sieht in großen Teilen so aus wie Fernando Meirelles’ Verfilmung von 2008. Nur dass das leider nicht im Programmheft steht. Saramagos dystopischer Roman ist eine Allegorie auf den modernen Menschen, führt vor, wie dünn der Firnis der Zivilisation ist, wie schnell wir unsere Wert- oder Moralvorstellungen unter Extrembedingungen aufgeben, um zu überleben. Der Autor lässt in einer namenlosen Großstadt Menschen an einer mysteriösen, milchig-weißen Blindheit erkranken, dem „weißen Übel”, das scheinbar ansteckend ist. Da immer mehr Menschen erkranken, für Panik und Chaos sorgen, stellt die Regierung diese unter Quarantäne, zum Beispiel in einer leer stehenden Irrenanstalt, streng bewacht von Soldaten, isoliert, sich selbst überlassen. ­Diese Vorgeschichte lässt Kay Voges sehr...

Schauspielhaus Hamburg: „Die Stadt der Blinden” nach dem Roman von José Saramago in einer Fassung von Kay Voges, Bastian Lomsché und Matthias Seier. Regie Kay Voges

Hamburg: Tierischer Überlebensmodus

Magisch und anders

Meldungen

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Das konsequent weibliche Konzept der Karlsruher Schauspielchefin Anna Bergmann war sogar der New York Times einen Bericht wert. Seit September führen am Badischen Staatstheater nur Frauen Regie. Dass ihr deutliches Zeichen im Zuge der #MeToo-Debatte für so viel Aufsehen sorgen würde, hatte die profilierte Opern- und Schauspielregisseurin nicht erwartet. Mit ihrem Team will sie in ihrer ersten Spielzeit „ein Zeichen setzen für die Gleichheit der Geschlechter“. Und die ist im hierarchisch strukturierten Theaterbetrieb noch lange nicht durchgesetzt. Nach einer Statistik des Vereins Pro Quote Bühne stammen rund siebzig Prozent der Inszenierungen von Männern. Mit stilprägenden Regisseurinnen und vielversprechenden Talenten der deutschen und europäischen Theaterszene präsentieren Bergmann und ihr Leitungsteam zudem einen Spielplan, der auch durch Autorinnen und starke Frauenrollen aufhorchen lässt. „Wir versammeln starke, ästhetisch sehr unterschiedliche Regiehandschriften am Haus“, sagt Anna Bergmann, deren Theaterfassung des Filmstoffs „Persona“ von Ingmar Bergman als eine der zehn besten Inszenierungen im deutschsprachigen Theater im Mai zum Theatertreffen in Berlin eingeladen ist. Diese herausragende Arbeit hat sie am Deutschen Theater Berlin als Kooperation mit dem Stadsteater Malmö inszeniert. Mit der Ibsen-Überschreibung „Nora, Hedda und ihre Schwestern“ der Dramatikerin Ulrike Syha hat sie zum Auftakt ihrer Schauspieldirektion in Karlsruhe die selbstbewussten Frauenfiguren des Norwegers aus...

Schauspielchefin Anna Bergmann überlässt in Karlsruhe ausschließlich Frauen das Regiepult – ein Zeichen für die Gleichheit der Geschlechter

Aus der Perspektive starker Frauen

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Ein Montag im März. Von den vier Stühlen rund um den ­Kaffeehaustisch wählt André Jung zufällig den aus, der zwanzig Zentimeter kleiner ist als die übrigen. Mit dem Ergebnis, dass er nun deutlich tiefer sitzt als sein Gegenüber. Ob ihn das nicht ­störe, so von oben herab befragt zu werden? Jung winkt lächelnd ab: „Darüber bin ich längst hinaus!“ 65 Jahre ist er jetzt alt und hat im Theater so ziemlich alles erlebt. Wieso sollten ihn da Kleinigkeiten irritieren? Dazu die vielen Auszeichnungen. Zwei Mal „Schauspieler des Jahres“ zum Beispiel. Und am Tag vor dem Interview ist er aus Bensheim gekommen, wo ihm der Gertrud-Eysoldt-Ring verliehen wurde. Die Jury würdigte ihn als einen der „feinsinnigsten, radikalsten und erstaunlichsten Bühnenkünstler unserer Zeit“. „Ich habe tolle Sachen über mich gehört!“, freut sich Jung. Die Auszeichnung hat ihn aber auch ins Grübeln gebracht. Zum Beispiel über den Preis, den man als viel beschäftigter Schauspieler im ­Privaten zahlt. Sein sechzehnjähriger Sohn hat ihn nach Bensheim begleitet. Er kommt auch oft zu Besuch aufs Filmset, wenn André Jung auswärts dreht. „Wir vermissen einander halt auch ab und zu.“ In der Nachdenklichkeit im Gespräch findet man jenen ­André Jung wieder, den man von der Bühne kennt....

Der Schauspieler André Jung – ein Protagonist ohne Allüren

Kraftvoll, zart, luzide

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Die Bühne von Stefan Heyne liegt da wie eine Eiswüste, in der sich Schollen aufeinandergeschoben haben: ganz weiß. Unbefleckt? Nein, eher tödlich, so wie in Georg Trakls „Psalm“, wo es heißt: „Es ist ein Raum, den sie mit Milch getüncht haben.“ Autoreifen, ein vergessener Weihnachtsbaum, Büroreste und eine Art Hochsitz: alles erscheint wie in einen weißen Schutzanzug gesteckt. Die Szenerie wirkt aber nicht nur sehr kalt, sondern auch sehr gefährlich. Weiß, das ist die Farbe des Todes oder, wie der Autor Lars Werner (geboren 1988) sagt, der offenbar an Grafikdesign denkt: „Zwischen zwei geschriebenen Zeilen ergibt sich durch den Weißraum eine optische Grenze.“ Werner hat mit seinem Stück, für das er 2018 den Kleist-Förderpreis erhielt, ein Experiment unternommen. Er untersucht die unsichtbaren Grenzen, die uns trennen, nicht mehr nur Ost und West oder Junge und Alte, auch jene, die sich äußerlich gesehen gleichen. Aber sie sind eben doch verschieden. Und das ist immer wieder auch eine schmerzhafte Erfahrung. Eine Frau wird am verlassenen Provinzbahnhof überfallen. Sie ruft laut um Hilfe. Versuchte der Marokkaner Munir Bounou sie zu vergewaltigen? Man wird es nicht erfahren, denn Uli, der Gleiswärter (Mario Gremlich), ist der Frau zu Hilfe geeilt. Er schlägt so stark auf...

Theater Vorpommern: „Weißer Raum“ von Lars Werner. Regie Reinhard Göber, Ausstattung Stefan Heyne

Greifswald/Stralsund: Gefangen in der ideologischen Blase

Halle: Kathrin Vieregg gewinnt für ihren Stückentwurf „Mutter Vater Rind“ den „Preis der Jungen Dramatik“

Derman sendedir

Im Februar 2018 debattierte der Deutsche Bundestag in einer Aktuellen Stunde zum Thema „Erinnerungskultur“. Der Grünen-Abgeordnete Cem Özdemir stand am Rednerpult. Gerade hatte er mit gespielter Verwegenheit in der Stimme die Abgeordneten der AfD als „Rassisten“ bezeichnet. Applaus brandete auf, in den hinein Özdemir „Diese Damen und Herren hier“ sagte. Immer wieder sagte er: „Diese Damen und Herren hier“, und dabei stach sein ausgestreckter Zeigefinger mehrmals anklagend in Richtung der AfD-Fraktion. „Ich hab’ das Mikrofon, und Gott sei Dank können Sie es mir nicht abstellen“, rief er. „Ich weiß, in dem Regime, von dem Sie träumen, könnte man das Mikrofon abstellen. Aber das können Sie hier nicht. Und Sie werden es nicht schaffen, glauben Sie es mir.“ Dabei hätte ihm in diesem Moment niemand das Mikrofon abstellen wollen, erst recht nicht die AfD. Denn die weiß ganz genau, dass der Grüne wieder einmal das Spiel der Rechten spielte – und ihnen mit dieser kurzen Rede weitere Wähler geschenkt haben dürfte. Bernd Stegemann verfolgt offenbar nicht allzu oft Bundestagsdebatten. Vielleicht ist das auch gut so, denn dann wäre sein neues Buch „Die Moralfalle“ unmöglich zweihundert Seiten schlank geblieben, so viele Belege für seine zentrale These hätten sich aufgedrängt. Der Mitinitiator der...

Bernd Stegemann: Die Moralfalle. Für eine Befreiung linker Politik. Matthes & Seitz, Berlin 2018, 205 Seiten, 18 EUR.

Moral zum Wohlfühlen

Die Stress-Knoten auflösen

Im Mai hat man die Wahl oder die „10er Auswahl“: In zehn Bundesländern stehen Kommunalwahlen an, die in Brandenburg, Sachsen und Thüringen als Gradmesser für die Landtagswahlen im Herbst gelten. In Brandenburg hat der CDU-Chef Ingo Senftleben angekündigt, notfalls eine Koali­tion mit der Linken einzugehen, während sein Parteikollege, der Bundestagsabgeordnete und frühere Oberbürgermeister von Frankfurt (Oder) Martin Patzelt sich auf Bundesebene nach 2021 eine Koalition mit der AfD vorstellen kann....

Editorial

„Ist das eigentlich Schulstoff?“, fragen sich Besucher des Plauener Theaters beim angeregten Gespräch nach der Vorstellung. Die angesprochene Zielgruppe der Heranwachsenden ist jedenfalls auffallend zahlreich vertreten und applaudiert mit dem heute üblichen Begeisterungskreischen. Es ist nun einmal der unnachahmliche Brecht, der kapitalistische Funktionsmuster exemplarisch und lebenswirklich auf die Bühne gebracht hat wie hier in der „Heiligen Johanna der Schlachthöfe“. Der „Sickereffekt“ – wenn die ganz oben viel mehr haben, kommt auch ganz unten etwas mehr an – und staatliche Abfederung mildern zwar heute Elendsfolgen. Aber Ausbeutungsmechanismen erkennen offenbar auch heutige Jugendliche wieder. Der Plauen-Zwickauer Intendant Roland May kann solche Parabeln plausibel erzählen. Er hat bei Heiner Müller gelernt und den Grundwiderspruch des Kapitalismus als Schulstoff verinnerlicht. Seiner Johanna-Version muss man erst einmal ihre Durchschaubarkeit und Verständlichkeit zugutehalten. Denn Systemerkenntnis könnte auch durch das Bemühen gefährdet werden, die komplexen Wirtschaftshandlungen um den Fleischkrieg zu Chicago möglichst detailgenau zu veranschaulichen. Die Tricks muss man nicht im Einzelnen verstehen, um auch in Plauen die Moral mitzunehmen, dass die Besitzenden immer oben bleiben und die Habenichtse stets verlieren. Zur Entstehungszeit des Großwerkes während der 1929 beginnenden Depression waren die Verhältnisse auch noch durchschaubarer zu personalisieren. Heute verwirrt die Zwitterstellung des Shareholders eindeutige Frontstellungen. Mauler...

Theater Plauen-Zwickau: „Die heilige Johanna der Schlachthöfe“ von Bertolt Brecht. Regie Roland May, Bühne Oliver Kostecka, Kostüme Thurid Goertz

Plauen-Zwickau: Weichgezeichneter Brecht

Der Grünzeughandel in Chicago überlässt eigentlich nichts dem Zufall. Wirtschaft, Politik und Medien sitzen alle im gleichen Boot, alle verdienen sie mit bei den Geschäf­ten des Trusts. Aber es hilft nichts, der Karfiol verfault, niemand kauft ihn. Wenn schon der Blumenkohl keine Zukunft hat, was wird dann aus denen, die davon leben, ihn zirkulieren zu lassen? Als Brecht 1935 nach New York kam, sah er erstaunt, dass hier Gangster zu Medien­stars wurden. Der bekannteste: Al ­Capone. Die Zeitungen waren voll von groß aufgemachten Berichten, im Kino liefen Gangsterthriller – ein Spektakel, das Brecht tief beeindruckte. Jede Zeit hat die Helden, die sie verdient! Arturo Ui liegt derweil faul herum, wartet auf seinen großen Auftritt, von dem er weiß, er wird kommen. Denn dem Blumenkohl ist mit legalen Mitteln nicht zu helfen. Der Trust hat schon versucht, mittels einer betrügerischen Anleihe zum Bau von Kaianlagen wieder zu Kapital zu kommen. Aber das hat der alte Dogsborough, die graue Eminenz der lokalen Politik, durchschaut – und verhindert. Jetzt ist die Stunde des Arturo Ui, spezialisiert auf Drohungen, Erpressungen und Mord. Alles im Dienste der Konjunktur des Karfiols. So kalkuliert der Trust, aber er kalkuliert falsch: Denn Arturo Ui plant seinen eigenen Aufstieg,...

Staatstheater Braunschweig: „Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui“ von Bertolt Brecht Regie Dagmar Schlingmann Bühne Sabine Mader Kostüme Inge Medert

Braunschweig: Mörderischer Schönredner

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Der Traum von einem vereinten Kontinent zerbröselt den Menschen in den Händen. Peter Staatsmann, der Intendant des Zimmertheaters Rottweil, spürt in seiner Stückentwicklung „Raub der Europa“ den Widersprüchen dieses fragilen politischen Konstrukts nach. Dazu nimmt der Regisseur zwei Alt-68er in den Blick, die beim Marsch durch die Marktwirtschaft ihre Menschlichkeit auf der Strecke gelassen haben. Virtuos spielt er mit dem Mythos vom Raub der Europa durch Zeus. In Gestalt eines Stiers entführte der olympische Gott die phönizische Königstochter. Die Historikerin Annette Kuhn hatte vor Jahren die patriarchalische Überlieferung des Ovid aus feministischer Sicht neu interpretiert. Diese Befreiung aber bleibt den Frauen in der vielschichtigen Regiearbeit versagt. Auf einen faszinierenden Spagat lässt sich Staatsmann mit dem zweieinhalbstündigen Theaterabend ein. Der skrupellose Manager Richard, von Peter Raffalt knallhart karikiert, ermöglicht seiner Frau ein Luxusleben. Zwischen Bildbänden und Gemälden sucht das Wohlstandsweib Marie verzweifelt nach einem Lebenssinn. Tizians „Raub der Europa“ hängt als Kunststück an der Wand. Petra Weimer verkörpert die Leere der Unternehmersgattin mit all ihren dunklen Konsequenzen. Bettina Schültkes Kostüme zeigen den sozialen Kontext klar und doch schlicht. Staatsmanns Bühne ist ein Wohnzimmer, das Bildungs­bürgerlichkeit und Wohlstand spiegelt. Hier machen die Alten ihre Kinder, die von einer besseren Welt träumen, zu...

Zimmertheater Rottweil: „Raub der Europa“ von Peter Staatsmann. Regie und Bühne Peter Staatsmann, Kostüme Bettina Schültke

Rottweil: Ein Kontinent ohne Seele

Durch eine Kleine Anfrage von Steffen Dittes, Abgeordneter des Thüringer Landtags für die Partei Die Linke, war bekannt geworden, dass am 27. November 2017 durch die Staatsanwaltschaft Gera gegen eine Gruppe von Aktionskünstlern ein Verfahren nach § 129 des Strafgesetzbuches eingeleitet wurde – wegen Bildung einer ­kriminellen Vereinigung. Es handelte sich ­dabei um das Zentrum für Politische Schönheit (ZPS), Beschuldigter war dessen Leiter ­Philipp Ruch. Am 22. November hatte das ZPS einen Nachbau des Berliner Denkmals für die ermordeten Juden Europas auf dem Nachbargelände des AfD-Politikers Björn Höcke errichtet. Eine lange Verfahrensdauer ist bei Ermittlungen nach § 129 sowie § 129a und § 129b, Bildung einer terroristischen Vereinigung im In- und Ausland, nicht ungewöhnlich. Die Besonderheit dieser Paragrafen liegt darin, dass sie den Strafverfolgungsbehörden weitgehende Befugnisse einräumen – ohne dass eine konkrete Straftat verfolgt würde. Es handelt sich dabei um Telekommunikationsüberwachung, Observa­tion, Einsatz von V-Leuten und verdeckten Ermittlern, Erstellung von Bewegungsprofilen, also Maßnahmen, die auf die Aus­setzung von Grundrechten zielen und deswegen nur in Ausnahmefällen zum Einsatz kommen sollten. Außerdem wird außer Kraft gesetzt, dass ein Beschuldigter in einer Sache nicht mehrmals belangt werden kann. Doch trotz des Urteils des Landgerichts Köln vom 15. März 2018, das fest­stellte, dass die...

Gegen das Zentrum für Politische Schönheit wurde wegen Bildung einer kriminellen Vereinigung ermittelt – eine Bedrohung für die Kunstfreiheit

Politische Justiz

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Mit dem ökologischen Fußabdruck des Gastspiels seiner Landesbühne Niedersachsen Nord in Tübingen hadert der Schauspieler Stefan Faupel, der als König Richard III. auf der Bühne steht. „Die weite Fahrt mit dem Zwölftonner wegen sechs Holzbrettern“, sagt er und spielt dabei auf das klar strukturierte, weiße Bühnenbild von Regisseur Sascha Bunge und Christine Bertl an. Das Konstrukt ähnelt einem Käfig. In diesem Versuchslabor zeigen die Akteure ein packendes Spiel um Macht. Das Ensemble mit Sitz in Wilhelmshaven bespielt zwölf Kommunen, erreicht etwas mehr als 100 000 Zuschauer im Jahr. Bei den Landesbühnentagen in Reutlingen und Tübingen zeigte die Abstecherbühne mit dem Schauspiel „Richard III. – Bin durch Sümpfe gewatet, menschliche oder nicht“ des flämischen Dichters Peter Verhelst ein bemerkenswertes Beispiel neuer Dramatik. Die Inszenierung ist eine deutschsprachige Erstaufführung. Bunge offenbart anhand des Stücks nicht nur die menschliche Seite von William Shakespeares großer, tragischer Figur, die als Inkarnation des Bösen schlechthin gilt. Die Schauspieler rocken Verhelsts ­griffige, leidenschaftliche Sprache, die Shakespeares tragischen Helden ins Hier und Jetzt holt. Faupel legt seine Rolle als die eines Manipulators nach heutigem Zuschnitt an. Nicht allein diese ­Arbeit offenbart die Kraft, die in deutschen Landesbühnen steckt. Trotz schwieriger Produktionsbedingungen bringen sie innova­tive Stoffe in die Fläche,...

Die Landesbühnentage in Tübingen zeigen das künstlerische Potenzial der Abstechertheater – politische Stoffe und anspruchsvolles Musiktheater in der Fläche

Innovative Ästhetik aus dem Zwölftonner

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Autoren Mai 2019 / Vorschau

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Mai 2019

Premieren

In den Tassen dampft Kaffee, der zu wässrig geraten ist. Dazu bedienen sich die Zuschauer aus der Keksdose. Als der Schauspieler Jürgen Herold auf der Studiobühne des Tübinger Landestheaters mit seiner Versuchsanordnung beginnt, fühlen sich die meisten wohl. „Bestätigung“, die Schocktherapie des Autors und Performers Chris Thorpe aus der Arbeiterstadt Manchester in England, wird die traute Atmosphäre stören. Am Schreibtisch mit Laptop mitten im Raum startet Jürgen Herold in Thorsten Weckherlins Inszenierung sein psychologisches Experiment. Die Bühne ist ein leeres Labor. Unvermittelt fällt Herold aus der Gastgeberrolle, wenn er erläutert, was „Bestätigungsfehler“ sind, um die es im Stück geht. Das ist nach den Worten des Autors Thorpe „die Neigung, jede Information so zu interpretieren, dass sie ins eigene Weltbild passt“. Der britische Performer hat den Text gemeinsam mit der amerikanischen Regisseurin Rachel Chavkin entwickelt, die ihn am 4. August 2014 an der Northern Stage at King’s Hall in Edinburgh zur Uraufführung brachte. Protagonist ist ein linker Gutmensch, der die Weltsicht eines Rechtsradikalen verstehen will. Katharina Schmitts deutsche Übersetzung ist in Theater der Zeit 2/2016 abgedruckt. Seinen unverfänglichen Plauderton lässt Herold in latente Aggression kippen. Dabei bewahrt er ironische Distanz. Klug kitzelt LTT-Intendant Weckherlin die Selbstherrlichkeit des Menschen heraus, der einen...

Landestheater Tübingen: „Bestätigung“ von Chris Thorpe. Regie und Ausstattung Thorsten Weckherlin

Tübingen: Gefangen in der Filterblase

„Is my future all in the past“

Herbert Grönemeyers Song „Kinder an die Macht“ ist seit 33 Jahren ein Klassiker. Drei Jahre nach Erscheinen, also 1989, wurde von der UN-Vollversammlung die Kinderrechtskonvention angenommen. Als Vater dieser Kinderrechte gilt der 1878 geborene polnische Kinderarzt, Pädagoge und Buchautor Janusz Korczak. Er ging in die Geschichte ein, als er 1942 die Kinder seines Waisenhauses vom Warschauer Getto in das Vernichtungslager Treblinka begleitete und dort mit ihnen ermordet wurde. Am Theater...

Theater Junge Generation: „König Macius der Erste“ von Janusz Korczak in einer Fassung von Wojtek Klemm und Ulrike Leßmann. Regie Wojtek Klemm, Bühne Michał Korchowiec, Kostüme Julia Kornacka

Dresden: Kinder an die Macht

Große Romane, also die großen Erzählungen von Menschen als Gesellschaft, sind für Sebastian Hartmann keine Herausforderungen fürs Theater, das wäre das falsche Wort. Schon 1999, nach seiner Off-Off-Theaterzeit mit dem ziemlich wilden wehrtheater hartmann, inszenierte er „Clockwork Orange“ von Anthony Burgess am Jungen Theater Göttingen, das damals als quirlige Durchgangsstation neuer Theaterentwicklungen galt. Bei „Clockwork Orange“ dachte man eher an Stanley Kubricks Alex-ist-alles-Verfilmung und seinerzeit auch an Castorfs Helmut-Kohl-Ver­einigungsscheiße aus den frühen Jahren seiner Volksbühne. Dort fiel, nach seinem grandiosen Debüt mit ­Ibsens „Gespenster“, auch sein Interesse an erzählender Literatur auf und zeigte sich 2001 mit einer in die Gegenwart der Erin­nerung verkanteten Version von Christa Wolfs allseits geschätztem Werk „Der geteilte Himmel“, als komisches Traumspiel einer DDR, für die sich der westdeutsche Mainstream seltsamerweise gerade zu interessieren begann. Christa Wolf war die Inszenierung ihres Buchs aus den frühen 1960er Jahren entsetzlich unheimlich, doch Hartmann lag mit der surreal grotesken Entleerung der DDR-Produktions- und Liebeswelt ästhetisch auf dem Kamm der Welle von Castorfs Volksbühne, allerdings ohne große Schnittmenge mit Christa-Wolf-Lesern. Rund zwanzig Jahre später hat der Regisseur mit einer ganzen Dostojewski-Linie an Theaterhäusern in Leipzig, Frankfurt am Main und Dresden („Schuld und Sühne“ als vierter Streich zum Ende des Monats)...

Der Regisseur Sebastian Hartmann hat die Auseinandersetzung mit Romanen auf der Bühne in eine neue Freiheit geführt

Auf der Suche nach dem totalen Ereignis

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Zeitreise und Fundgrube zugleich ist dieses Buch, das die Geschichte von Regisseurinnen der DEFA und ihrer Filme darstellt. Vermutlich wäre es den meisten der im Buch Vertretenen nicht unbedingt recht gewesen, von ihren männlichen Kollegen derart separiert zu werden – denn die Geschlechter definierten sich in der DDR nicht gegeneinander, sondern über den gemeinsamen Gegenstand, der hier der Film ist. Aber aus heutiger Sicht ist es dennoch interessant zu erfahren, wie viele Frauen unter den DEFA-Regisseuren waren und auch, warum manch eine nicht so bekannt geworden ist, wie sie es verdient hätte. Dieses im alphabe­tischen Lexikon-Stil aufgebaute Buch erlaubt es, sich gleichsam assoziativ in ihm zu bewegen. Oft kennt man die Namen, aber nicht die Biografie dazu. So die von Marion Keller, frühe Lebens­partnerin von Kurt Maetzig, mit dem sie die DEFA-Kino-Wochenschau „Augenzeuge“ gründete. Als sich Maetzig nach seinem Spielfilmdebüt „Ehe im Schatten“ (1947) mehr und mehr eigenen Projekten widmete, leitete sie den „Augenzeugen“ von 1947 bis Ende 1949 allein, getreu dem Motto eines demokratischen Neuanfangs: „Sie sehen selbst, Sie ­hören selbst, urteilen Sie selbst.“ Die neue DEFA-Wochenschau sollte das Gegenteil zur Propaganda der Nazi-Wochenschau sein: ­zuerst sachliche Information. Aber dann, so Maetzig, verschwand der Vorspruch und mit ihm der...

Sie – Regisseurinnen der DEFA und ihre Filme. Cornelia Klauß, Ralf Schenk (Hg.), DEFA-Stiftung Schrif- tenreihe, Bertz u. Fischer, Berlin 2019, 416 Seiten plus zwei DVDs, 29 EUR.

Der weibliche Blick?

Eine erstaunliche Unruhe geht von dem namenlos bleibenden Mann aus. Er ist fortwährend in Bewegung. Mal klettert er auf das kleine Bühnenplateau, das sich vor den Zuschauerreihen wie ein übergroßer Altar erhebt. Mal irrt er rastlos zwischen den in Sitzsäcken versunkenen Zuschauerinnen und Zuschauern hin und her. Eigentlich dürfte er dabei kein einziges Wort sagen. So sieht es zumindest Salat Lehel, der Autor von „Europe – My Heart Will Be Broken and Eaten“, in seinen Regieanweisungen vor. Der nicht mehr ganz junge Mann ist dazu verdammt, stumm zu bleiben. Sprechen darf nur die junge Frau, mit der er, ein verheirateter Familienvater, eine kurze Affäre hatte. Sie, die versucht, als Schauspielerin Fuß zu fassen, kommt einfach nicht mehr von ihm los. Wie die Frau in Jean Cocteaus Einakter „Die geliebte Stimme“ spricht sie unaufhörlich in ein Telefon. Der Dialog findet nur mehr als mäandernder Monolog statt. Die Antworten des Mannes sind die Leerstellen, um die Salat Lehels Text geradezu manisch kreist. Mal ist die junge Rumänin Sirene, mal Erinnye. Sie umgarnt den Mann und hält ihn auf Distanz, erzählt von sich und dringt in ihn. Das einseitige Liebesdrama weitet sich mehr und mehr zur politischen Parabel vom Ungleichgewicht zwischen West- und...

Mit dem Théâtre National du Luxembourg hat Intendant Frank Hoffmann im Schmelztiegel Luxemburg eine Art Welt-Nationaltheater begründet

Ein utopisches Paradox

Mit so abgenutzten Begriffen wie Achtsamkeit und Entschleunigung würde man Marina Abramović nicht assoziieren, doch hat sie ihre Methode „Anders hören“ in der Alten Oper in Frankfurt am Main unter solche Überschriften gestellt. Die simple Idee: Wir verfolgen Theater, Oper und die performativen Künste nicht konzentriert, haben Kopf und vor allem Körper nicht frei. Dagegen versammelten die Performance-Künstlerin, die erst einmal nicht präsent war, und ihre künstlerische Leiterin Lynsey Peisinger das Publikum über insge­samt zwölf Stunden an drei Tagen zu zwei Workshops und einem Konzert. Der erste Teil war ein Parcours durch den Großen Saal, Smartphone und Uhr mussten vorher abgegeben werden. Die Abramović-Methode, eher eine Aneinanderreihung wohl-vertrauter Methoden der Körpererfahrung, begann mit Lockerungs- und Atemübungen der leger gekleideten Hundertschaft Normalmenschen. Dann galt es, drei Stunden komplett zu schweigen. Teilnehmende Paare warfen sich noch stumme Gesten zu, bevor sie den sehr dicht schließenden Kopfhörer aufsetzten. Zu hören war jetzt nur der eigene Atem (und womöglich Tinnitus), hier und da gedämpft ein Stolperschritt. Freundliche, schwarz gekleidete Helferinnen nahmen einen an die Hand, man konnte den Parcours aber auch allein durchlaufen. Er bestand aus sieben Teilen: Stehen mit geschlossenen ­Augen, extrem verlangsamtes Gehen, Durchtasten einer Dunkelzone, Entspannen auf dem Feldbett, Fixieren von...

Alte Oper Frankfurt: „Anders hören“ von Marina Abramović

Frankfurt am Main: Präsenz zeigen

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Heidelberg: Heidelberger Stückemarkt geht mit Preisverleihung zu Ende

Das Theater Arche in Wien (vormals Theater Brett) liegt in einer der zauberhaftesten Ecken Wiens, der Münzwardeingasse in Mariahilf, und ist eine dieser einzigartigen, lange wild gewachsenen Neighbourhood-Bühnen, die frei und ein wenig stur ihren Spielplan kreieren. Jakub Kavin hat den Standort nun von seinen Eltern Ludvik Kavin und der 2018 verstorbenen Nika Brettschneider übernommen und mit einem fabelhaften Stück im ­Februar unter neuem Namen eröffnet. „Anstoß“ befasst sich mit den Abgründen des Sportbusiness. Ein an Theatern rares Thema, an das sich nach Einar Schleefs gewaltigen Chorszenen in Elfriede Jelineks „Sportstück“ 1998 keiner mehr so richtig rangetraut hat. Kavin, ein kämpferischer indes besonnener Theatermensch, hat für seinen riesigen Themenaufriss (das einzige Problem der Produktion) Tausende Seiten recherchiert und zu einem dreistündigen Stück verdichtet. „Anstoß“ erzählt vom Sport als kapitalistischer Maschine, von der Opferung des Körpers (Doping, Verletzungen, Diäten), vom tabuisierten psychischen Druck und den Depressionen der Einzelnen, von ­Rivalität und Homophobie. Kavin führt unterschiedliche Stimmen zusammen, Sportler, Fans und Angehörige, Trainer und Bosse, Journalisten, Ärzte und Schiedsrichter. Auf der an zwei Seiten von Zuschauertribünen gesäumten Bühne agieren 13 Schauspielerinnen und Schauspieler in wechselnden Rollen. Sie tragen diverse Sportdressen: als die zum Attentat getriebene Eiskunstläuferin Tonya Harding oder als der alkoholkranke...

Mit dem Theater Arche eröffnet in Wien eine neue freie Bühne – das erste Stück „Anstoß“ von Jakub Kavin dreht sich um die Abgründe des Sportbusiness

Anarchie mit klaren Regeln

TdZ on Tour

Da beginnt einer über sich hinaus zu schreiben, in eine Zukunft, die die gelebte Vergangenheit mit einschließt, vor allem jene, für die Ernst Bloch das ebenso schöne wie mysteriöse Wort „unabgegolten“ fand. Volker Braun wird am 7. Mai achtzig Jahre alt, und sein ­Schreiben trägt diesem Datum Rechnung. Die Zeit wird knapp? So rechnen nur die Krämerseelen, zu denen Braun, der weiträumige Geist, nie gehörte. Aber sein Schreiben verändert sich, letzte Worte, die etwas von ersten Worten erlangen − das gibt seinen Lesern, die ebenfalls von der vergehenden Zeit malträtiert werden, neue Hoffnung. Wie Heiner Müller wandelten sich auch für Braun nach 1990 die Koordinaten des Schreibens. Aus den Dramatikern wurden Epiker, wütende Melancholiker, hoffnungshungrige Kommentatoren eines bis heute kaum verstehbaren Zeitenwechsels. Wie hält eine Biografie von achtzig Jahren das zusammen? Nur als kaum aushaltbarer Widerspruchsschmerz. Dazu lese man Volker Brauns Werktagbücher. Jenes von 1977 bis 1989 geführte endet mit dem Eintrag vom 31. Dezember 1989: „nun haben wir eine biographie. aus dem widerstand und den geducktheiten tretend, haben wir jeder eine geschichte durchlaufen, unter die ein harter strich gezogen wird. unter die alten wahrheiten, unter die alte zukunft. aber wir werden nicht loskommen davon, weil wir sie nicht gelebt...

Dem Schriftsteller Volker Braun zum 80. Geburtstag

Aufklärers Traum

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Das Werk Heiner Müllers ist unverwechselbar, seine Sprache einzigartig – und trotzdem ist es außerordentlich schwierig, diese Eigenheiten auf einen Begriff zu bringen. Es trotzdem zu versuchen, kann allerdings durchaus erkenntnisfördernd sein, wie Mirjam Meuser mit ihrer kürzlich veröffentlichen Studie „Schwarzer Karneval – Heiner Müllers Poetik des Grotesken“ zeigt. Es handelt sich dabei um die Dissertation der Dramaturgin, die am Theater Heilbronn arbeitet. Sie untersucht darin Müllers dramatisches Verfahren, das weder tragisch noch komisch zu nennen sei, sondern grotesk. Der Begriff des Grotesken ist wohl kaum trennscharf zu bestimmen, zu fließend sind die Übergänge zum Parodistischen und Karnevalesken, zum Absurden und Bizarren, zur Travestie und zum Unheimlichen. In der Begriffsgeschichte weist Meuser auf prägende Bestimmungen in der Renaissance und vor allem in der Epoche der Romantik hin. Gegen die Regelmäßigkeit des Klassizismus widersetzte sich das Groteske in ästhetischer Unstimmigkeit und Regellosigkeit. Das Groteske grenzt sich vor allem von einem Ideal ab. Eine weitere Bestimmung erfährt der Begriff nach Meuser in der modernen Dramentheorie durch Friedrich Dürrenmatt, der das Groteske als Reaktion auf die verwaltete Welt deutet, in der die Bedingungen eines tragischen oder komischen Helden nicht mehr gegeben seien. Die Wirklichkeit selbst tendiere zur Tragikomödie. So deutet Meuser auch Müller,...

Mirjam Meuser: Schwarzer Karneval – Heiner Müllers Poetik des Grotesken. De Gruyter, Berlin und Boston 2019, 484 Seiten, 99,95 EUR.

Nachtseite der Vernunft

Unter Beobachtung

In keinem Stück von Elfriede Jelinek ist das Autorinnen-Ich so präsent wie in „Am Königsweg“. Noch nie hat die Dramatikerin den mutmaßlich verlorenen Posten ihrer gesellschaftskritischen Dichtkunst so ausgeleuchtet und offensiv thematisiert. Seit geraumer Zeit reflektiert Jelinek ihre „alte Leier“ (mit der sie ihr jüngstes Stück „Schnee Weiß“ sogar untertitelt hat) in den Texten mit. Das ist schon mal ein Grund, sie, die Autorin, „leibhaftig“ auf die Bühne zu bringen. In der Uraufführungsinszenierung von Falk Richter am Deutschen Schauspielhaus Hamburg übernahm Ilse Ritter voller Grandezza diese sich selbstbefragende Jelinek-Rolle. Am Landestheater Niederösterreich, das auf Wunsch der Autorin nun die Österreich-Premiere des Stücks ausrichtete, geht Nikolaus Habjan mit Puppen ans Werk. Tatsächlich erbat sich Jelinek in einer der wenigen Regieanweisungen Figuren aus der Muppet Show. Daran knüpfte Regisseur Habjan an und entwarf eine kleine Horde ­seiner gespenstischen Klappmaulpuppen, darunter in dreifacher Ausführung auch die ­Autorin mit roten langen Haaren. Figürliche Kopien Jelineks (meist waren es Zopf-Dou­bles) haben schon in einigen Inszenierungen für Furore gesorgt. In der Konfrontation der literarischen Schöpferin mit ihrem eigenen Stimmengewirr liegt nun einmal Spannung. Die Jelinek-Puppe ermöglicht Habjan aber auch die Abbildung eines signifikanten ­Gedankens: Alle Agierenden sind „blinde ­Seher“, die Autorin inklusive, ihr (der Puppe) werden...

Landestheater Niederösterreich: „Am Königsweg“ von Elfriede Jelinek. Regie Nikolaus Habjan, Bühne Jakob Brossmann, Kostüme Cedric Mpaka

St. Pölten: Die Puppen sind los

„Alles nur Theater? Zum Umgang mit dem Kulturkampf von rechts“ lautet der Titel einer kürzlich erschienenen Broschüre für die Bühnenwelt. Das dort geschilderte Szenario eines Kulturkampfs von rechts mag zunächst reichlich dramatisch klingen, als müsse man sich vor jeder Theateraufführung durch Massen rechter Demonstranten kämpfen. Das ist zum Glück nicht so, selbst wenn engagiertes Theater ohne entsprechende Reaktionen eben auch nicht zu haben ist. Auf eine solche rhetorisch erzeugte Bedrohungslage sollte man aber zugunsten einer nüchternen Analy­se der Lage verzichten. Im Moment konzentrieren sich die Rechten darauf, zur Legitima­tion staatlichen Eingreifens Begriffe wie Ideologiefreiheit und Neutralität strategisch zu benutzen – als ob es das gäbe! Völlig zutreffend ist die in der Broschüre vertretene These, dass antidemokratische Ansichten auch in der selbsterklärten „Mitte der Gesellschaft“ zu finden sind, was den Erfolg der Rechten begünstigt. Ein Befund, der sich allerdings ins Gegenteil verkehrt, wenn er statt kritischer Einsicht nur Selbstgerechtigkeit und Etikettendenken befördert. Ist der Kulturkampf von rechts zurzeit die größte Bedrohung der Demokratie? Hört man sich in an Kunst und Kultur interessierten Kreisen um, so ist das allseits zu vernehmen. Spricht man mit Leuten, die ihre Zeit nicht nur im Theater verbringen, sieht die Sache freilich etwas anders aus. Aber so...

Berliner Theatertreffen: Unendliches Spiel

Neuerscheinungen im Verlag