Nicht weit vom venezianischen Ghetto, dem Namensgeber für einen bis heute nachwirkenden integrationspolitischen und städtebaulichen Irrweg der frühen Neuzeit, bezogen Theatermacher und Laien aus Deutschland gemeinsam eine Kirche. Die ehemals klösterliche, nunmehr seit Jahrzehnten entwidmete Chiesa dell’Abbazia della Misericordia wurde für eine Woche im Oktober vergangenen Jahres zur „Veddel Embassy“, zu einer Botschaft des interkulturellen Dialogs. Unter dem Motto „Reporting from the Front“ lud der Architekt Alejandro Aravena zur 15. Internationalen Architekturbiennale Venedig 2016. Für den deutschen Beitrag „Making Heimat. Germany, Arrival Country“ wurden an vier Stellen der denkmalgeschützten Wände des Pavillons Löcher geschlagen – ein fragwürdiges Zeichen für das weltoffene Deutschland. Mit wirkmächtigen Fotografien, einer Vielzahl von Grafiken und recht schlichten Weisheiten („Die Arrival City braucht die besten Schulen“ etc.) wird die bundesrepublikanische Integrationspolitik zum Erfolgskonzept stilisiert. Wo „Making Heimat“ durch kühl verkündete, scheinbare Wahrheiten auffällt, versuchen die beiden Regisseure Björn Bicker und Malte Jelden die Menschen hinter dem zur Phrase verkommenen Begriff „multikulturelle Gesellschaft“ zu zeigen. Im Rahmen ihres Begleitprogramms zur Architekturbiennale, „Performing Architecture“, gibt das Goethe-Institut den Künstlern Gelegenheit, unter dem Titel „The Veddel Embassy. Representing Germany“ fast sechzig Menschen aus Hamburg nach Italien zu bringen. Ein jeder von diesen, kaum jemand ohne sogenannten Migrationshintergrund, fungiert als...

Bei der Architekturbiennale in Venedig wird ein Hamburger Stadtteil zur Botschaft des interkulturellen Dialogs

Die offene Gesellschaft und ihre Freunde

Geht, nun geht schon, sprach der Vogel: Der Mensch / Verträgt nicht sehr viel Wirklichkeit.” So lauten zwei bekannte Verse aus T. S. Eliots „Burnt Norton“, dem ersten seiner vier Quartette. Ist die Wirklichkeit, die diese Verse meinen, die reality, die sie am Ende erwähnen, die Wirklichkeit eines „neuen“ künstlerischen Realismus eines Realismus, der das Wirkliche als einen sinnvollen, erkennbaren und verständlichen Zusammenhang darstellt, um durch ein „gemeinsames Erleben“ kathartisch die Vorstellung seiner Veränderbarkeit zu erwecken, im Zuschauer und im Zuhörer, in allen, die aufgehört haben, an eine solche Wirklichkeit zu „glauben“? Wenn der Mensch „nicht sehr viel Wirklichkeit“ verträgt, wenn er erst zum Vogel werden muss, um mehr Wirklichkeit zu ertragen, ihre Last auf sich zu nehmen und sich nicht von ihr abwenden zu müssen, dadurch, dass er aufhört, an ihre Veränderbarkeit zu glauben, oder dadurch, dass er an ihrer Veränderbarkeit festhält, dann ist die Wirklichkeit unveränderbar – unveränderbar im Sinne einer dauernden Herausforderung, eines Widerstands, den man nicht zu brechen vermag. Sie ist das, was immer wieder die realistische Darstellung durchbricht. Sie ist das, was eine schwer zu ertragende Veränderung in der Fiktion herbeiführt, die der Realismus erzeugt. Stellt man also Eliots Verse – unbekümmert um den...

#11 „Nicht sehr viel Wirklichkeit“

TdZ on Tour

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

Es wird herumgerätselt, was Trump bringen wird. Dabei hat er schon über ein Jahr lang geliefert. Er hat durch seine Art des Wahlkampfs und den daraus resultierenden Wahlsieg gezeigt, dass nun eine Mehrheit der wählenden Amerikaner Verfügungsmasse geworden ist. Das war sie allerdings schon immer. Schon die sogenannten Väter der demokratischen Verfassung haben darauf geachtet, dass im niedergeschriebenen Recht die Anhäufung von Macht mit wirtschaftlichen Mitteln durch die Tatkräftigen von...

Über Trump, PR-Maschinen und den barbarischen Gebrauch der Sprache

Der Rattenfänger von Manhattan

double feiert Jubiläum

Personen: Die Musterfamilie: Mama Papa Moni Maxi Moritz Schöpfer (Stimme aus dem Off) Bühne: Das Filmset für einen Werbespot. Minimalistisch mit maximalem Effekt. Diese grossen tollen Lampen. Blue-, Green- oder Yellow-Box, aber auf keinen Fall eine Black-Box. Das Skelett eines Einfamilienhauses. Das Leben als Baustelle. Die Musterfamilie sitzt an einem grossen Tisch. Alles ist perfekt eingerichtet. Abendessen. Papa Was gibt es Neues? Mama Du meinst, abgesehen von meinem Schmorbraten? Papa Entschuldigung. Er schmeckt herrlich. Mama Das Rezept habe ich von deiner Mutter. Moni Mama, bitte zeig mir, wie man so gut kocht. Mama Nichts lieber als das. Papa Was sind das für Kräuter? Es liegt mir auf der Zunge. Mama Das ist Liebstöckel. Papa Nein, das stimmt nicht. Mama Natürlich. Das ist Liebstöckel. Papa Ich muss dich enttäuschen. Mama Wie meinst du das? Papa Das ist nicht Liebstöckel. Das ist Ich-habeuch-alle-lieb-Stöckel. Mama Ach du. Ich hab dich auch lieb. Papa Sie dürfen die Braut nun küssen. Mama Ist das so? Papa Ich muss es ganz einfach riskieren. Sie küssen sich. Moni Könnt ihr nicht aufhören zu flirten? Maxi Ihr seid schon verheiratet. Schluss mit Romantik. Pause. Papa Irgendwas ist anders. Alles wirkt irgendwie – Mama Irgendwie was? Papa Heller. Tiefer....

retten, was zu retten ist

Werner Fritsch ist der oberpfälzische Weißmagier unter den Theaterdichtern. In den achtziger Jahren lernt er bei Herbert Achternbusch und Alejandro Jodorowsky, die ihm gleichermaßen zur Reflexion der bayerischen Provinz sowie der Weltbühne raten. Fritsch ist bekennender Eklektizist, und so wundert es nicht, wenn seine Collage „Shakespeares Schädel in Fausts Faust“ sich ohne große Verschleierung einem vielfältigen ikonographischen Kosmos – von Aristoteles bis Zillertaler Schürzenjäger – bedient. Dass das Theater Regensburg den lokalen Sonderling, nach der ersten Zusammenarbeit „Enigma Emmy Göring“ im Jahre 2013, diesmal mit einem Auftragswerk betraut, erweist sich als wahrer Glücksgriff für das Haus in der Domstadt, das sich in der Vergangenheit öfter und nicht zu Unrecht dem Vorwurf des provinziellen Muffs aussetzen musste. Bernd Liepold-Mosser inszeniert Fritschs Suche nach einer besseren Welt, die Venus-Utopie als ein Gegenpol zum römischen Kriegsgott Mars. Überraschend, und anders als bei den Vorbildern des Autors, gibt es in diesem Stück keine dionysischen Orgien mit Blut, Kot und Farbe. Karla Fehlenberg, die für die Ausstattung verantwortlich zeichnet, konstruiert eine klinische, monochrom-weiße Bühne, die sich im Laufe des Abends zu einem feuchten Limbus fernab des böhmischen Meeres verwandelt. Diese ausgezeichnete Kulisse ist wichtig, denn Fritschs Textkonvolut erschöpft sich recht schnell in Shakespeare-Fragmenten und dem...

Theater Regensburg: „Shakespeares Schädel in Fausts Faust“ (UA) von Werner Fritsch. Regie Bernd Liepold-Mosser, Ausstattung Karla Fehlenberg

Regensburg: Zwischen Traum und Albtraum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

Das Theater Neumarkt Zürich steht seit einiger Zeit in der Kritik. Seine Schließung wurde wiederholt gefordert, nicht nur von den üblichen Verdächtigen. Mittlerweile äußern auch Menschen diese Ideen, von denen man dies nicht vermutet hätte. Zum Beispiel die zuständigen Redakteure in den Feuilletons der beiden meinungsbildenden Zeitungen. Im November 2014, nachdem die Publikumszahlen in der ersten Spielzeit unter der Intendanz von Ralf Fiedler und Peter Kastenmüller eingebrochen waren, ließ der Zürcher Tages-Anzeiger vernehmen, man solle den Laden besser schließen und das Geld der innovativeren, flexibleren freien Szene zukommen lassen. Ein Jahr später, als sich die Zahlen am Neumarkt stabilisiert hatten, fand sich ein anderer Anlass. Dieses Mal war es ein durch eine Indiskretion veröffentlichtes Papier aus dem Kulturamt der Stadt Zürich, in dem über die Umlegung der Subventionen und eine „Fusion“ des Neumarkts mit dem Theaterhaus Gessnerallee nachgedacht wurde. Neuer Anlass, derselbe Klang, jetzt in der Neuen Zürcher Zeitung vom 3. November 2016: „Über die Notwendigkeit des Theaters am Neumarkt muss diskutiert werden.“ Es steht der Öffentlichkeit frei, die Verteilung der Steuergelder zu diskutieren. Aber in diesem Fall kann man die Auseinandersetzung kurz halten. Die Frage, ob und wozu das Theater Neumarkt, ob überhaupt irgendein Theater notwendig sei, ist zügig...

Warum Theater? Eine Positionsbestimmung

Freude und Notwendigkeit

Das Europäische Festival für junge Regie Fast Forward, das vom 24. bis 27. November bereits zum sechsten Mal in Braunschweig stattfand und von Barbara Engelhardt kuratiert wird, gehört zu den wertvollsten Festivals im deutschsprachigen Raum. Denn hier gibt es nicht nur besondere Theatertalente zu entdecken, sondern auch die seltene Möglichkeit, am Beispiel von acht Arbeiten aus sieben Ländern eine Generation junger Europäerinnen und Europäer im Alter zwischen Ende zwanzig und vierzig Jahren vergleichend in den Blick zu nehmen und zu verfolgen, welche Inhalte ihnen wichtig sind und welche Formen sie reizen und herausfordern. Für das vergangene Fast Forward sind drei Beobachtungen festzuhalten. Erstens: Mit Data Tavadze, Maria Protopappa und Gülce Ugurlu werden zum ersten Mal bei Fast Forward auch Georgien, Griechenland und die Türkei repräsentiert. Die drei Theaterschaffenden adressieren aktuelle gesellschaftliche Sujets (Umgang mit den Folgen militärischer Konflikte und politischer Unruhen in Georgien seit Mitte der nuller Jahre, Finanzkrise in Griechenland, Stadtentwicklungspolitik in der Türkei), lassen Interviewmaterial oder biografische Erinnerungen in die Arbeiten einfließen und setzen ganz auf das Erzählen. Dies tun sie jedoch nicht im Sinne des Dokumentarischen, sondern indem sie ihre Erzählungen in die dramatischen Rahmen klassischer Vorlagen betten (Euripides „Die Troerinnen“ bei Tavadze, und Sophokles „König Ödipus“...

Drei Beobachtungen und ein Nachtrag zum Braunschweiger Festival Fast Forward

Alles – nur nicht still

Es wurde alles rascher, damit mehr Zeit ist. Es ist immer weniger Zeit. Elias Canetti Wie, wenn dir eines Tages oder Nachts, ein Dämon in deine einsamste Einsamkeit nachschliche und dir sagte: „Dieses Leben, wie du es jetzt lebst und gelebt hast, wirst du noch einmal und noch unzählige Male leben müssen; und es wird nichts Neues daran sein, sondern jeder Schmerz und jede Lust und jeder Gedanke und Seufzer und alles unsäglich Kleine und Große deines Lebens muss dir wiederkommen, und Alles in der selben Reihe und Folge (...). Die ewige Sanduhr des Daseins wird immer wieder umgedreht – und du mit ihr, Stäubchen vom Staube!“ – Würdest du dich nicht niederwerfen und mit den Zähnen knirschen und den Dämon verfluchen, der so redete? Friedrich Nietzsche Personen Ein Chor von Knaben Der Chauffeur Die Köchin / = markiert den Beginn der nächstfolgenden Replik bei gleichzeitigem Sprechen. 1. SZENE (Chor) – Was ist der Mensch? Ist das eine gute Frage? – Warum sind Pferde so anmutig? Ist das eine gute Frage? – Und wofür steht der Clown? – Ist das eine gute Frage? – Warum weiße Handschuhe? Und ist Gewalt eine Lösung? – Ist Milchpulver eine Lösung? – Ist das...

Die Beflissenen. Luzerner Fassung

Essen Zahlen Sterben. Ein Theaterabend von Dominik Busch, Michael Fehr und Ariane Koch am Luzerner Theater, in Zusammenarbeit mit der Zürcher Hochschule der Künste

Dominik Busch, Michael Fehr und Ariane Koch, aus Ihrer gemeinsamen Arbeit am Theater Luzern im Rahmen vom Stück Labor ist die Produktion „Essen Zahlen Sterben“ entstanden. Sie sind drei sehr unterschiedliche Künstlerpersönlichkeiten. Haben Sie sich denn vorher gekannt? Busch: Wir haben uns durch die Zusammenarbeit am Theater Luzern kennengelernt. Anfangs haben wir mit dem Publikum Workshops gemacht, wussten aber noch nicht, wie sich das Kollektiv entwickeln würde. Mir hat der Austausch viel gebracht, auch mit den anderen Autoren vom Stück Labor Basel. Am Ende hat aber jeder von uns eigene Texte geschrieben, die Teil eines gemeinsamen Abends geworden sind. Parallelen in den Stücken haben sich eher zufällig ergeben. Koch: Ich arbeite oft in Kollektiven – auch in der bildenden Kunst –, jedoch meistens mit Menschen, die ich gut kenne. Die Erfahrung am Luzerner Theater war spannend, um sich an den Schreibprozessen der anderen und deren Perspektiven auf das Theater zu reiben. Ich konnte durch die geteilte Verantwortung experimenteller arbeiten als sonst, und mir gefiel der Umgang des Regisseurs Franz-Xaver Mayr mit meinen Texten. Außerdem fand ich es interessant, den Betrieb eines Stadttheaters und sein Publikum kennenzulernen. Da hatte ich bisher wenig Erfahrung. Mit dem Züricher Dramaturgen Erik Altorfer haben Sie...

BuschFehrKoch über ihr Projekt „Essen Zahlen Sterben“ am Theater Luzern im Gespräch mit Elisabeth Maier

„Kollektive brauchen Zeit, um zu reifen“

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Meldungen

Reaktion als Emanzipation

Die Erweiterung der Bühne durch neue Medien war der höchst aktuelle Gegenstand der internationalen Konferenz „The Art of Scenography“ am 17. und 18. November an der Akademie der Bildenden Künste in München. Die Bühnenbildnerin Katrin Brack und die Theaterwissenschaftlerin Birgit Wiens organisierten ein Forum, das den inszenierten Raum oder „design as performance“ untersuchte, wie es der dritte Gastgeber, Christopher Balme von der Ludwig-Maximilians-Universität München, zusammenfasste. Was man allgemein unter Bühnenbild versteht und hier präziser Szenografie genannt wird, hat sich in den letzten dreißig Jahren so verändert, dass man ein neues ästhetisches Verständnis der Sache braucht. Im Grunde handelt es sich um einen Dreischritt in der Auffassung von Szenografie: vom konventionellen Bühnenbild zu einem komplexen Verständnis von Bühnenraum und schließlich dessen medialer Erweiterung und Entgrenzung, hin zu Orten außerhalb des Theaters. Birgit Wiens hat schon vor der Tagung ihre Habilitationsschrift mit dem Titel „Intermediale Szenographie. Raum-Ästhetiken des Theaters am Beginn des 21. Jahrhunderts“ vorgelegt. Diese Studie behandelt ausgewählte Künstler, die das gegenwärtige Feld der Szenografie weiterentwickelt haben. Gleichwohl geht es – und das beschäftigt das freie wie auch das Stadttheater seit einiger Zeit – um die Erweiterung der Bühne für ein großes Publikum, nicht zuletzt um auf dessen veränderte Erwartungen und...

Die Konferenz „The Art of Scenography“ in München beschreibt aktuelle Raumentwicklungen im Theater

Vom klassischen Bühnenbild zum entgrenzten Bühnenraum

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Eine Frau nachts allein in der Villa Silberblick, dem Nietzsche-Archiv in Weimar, umgeben von stummen Exponaten. Kein Wunder, dass die Assoziationsmaschine anspringt. Evy Schuberts Text „Goldene Angelegenheiten“ ist unter solch skurrilen Umständen im Frühjahr 2016 während eines Stipendienaufenthalts entstanden. Umgeben von Zeugnissen eines gewichtigen Denkerlebens, die hier nachts völlig unbeachtet herumstehen, umkreiste sie schreibend die An- und Abwesenheit von Blicken, ein universelles Künstlerthema, das im Text durchaus auch (selbst-)ironische Züge trägt. Als tragikomische Tour de Force einer lebendig gewordenen Skulptur im goldenen Ganzkörperanzug wurde die Suchbewegung am Ballhaus Ost von der Autorin jüngst inszeniert: das verlassene Museum als Metapher für das fragile Phänomen des Ruhms. Eine verführerische, denkende Frau. Mächtig und hilflos, Charmeoffensive und Gedankenbombardement. Schuberts Regie verblüffte, weil sie die mäandernde Suchbewegung dezidiert sinnlich auf die Bühne brachte, streng und leicht zugleich. Ursprünglich von der Fotografie kommend, wurde Schubert, wie sie beim Kennenlernen in einem Café in Berlin Mitte berichtet, an der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz zur Regisseurin. Über Jahre assistierte sie Dimiter Gotscheff und Herbert Fritsch. Mit Schauspielern aus deren Dunstkreis drehte sie 2015 und 2016 je einen preisgekrönten Film. Nach dem Stellenwert von Film- und Theaterarbeit gefragt, denkt sie nicht lange nach. „Meine Sozialisation ist vom Theater geprägt“,...

Die Berliner Autorin und Regisseurin Evy Schubert zeigt Kommunikation als Ausgreifen in Richtung Mitmensch

Die Mehrhändige

„Das Meer an sich ist weniger“, schreibt der Schriftsteller Peter Wawerzinek. Erst im Bunde mit dem Wind wird ein Meer aus dem Meer. Ein frischer muss es sein, wenn es etwa nach Börsenkrach stinkt. Doch geht das mitunter auch nach hinten los. Dann fegt dieser Wind haltlos umher, spült Schiffe, Menschen, Tote an Land. Und wir hier im Dunkeln starren blind vor uns hin, hören den Sturm und können doch nichts tun. Plötzlich dann Licht. Sekunden der Konfusion. Was jetzt? Wohin, wenn überall Bühnenbild steht? Die einen treibt es zur Seite, die anderen nach vorn. Momente, in denen man denkt, dieses Chaos sortiert sich nie. Heterotopia heißt die Installation des Bühnenbildners Sebastian Hannak in der Oper Halle, eine wild wuchernde Konstruktion, die den ganzen Raum einnimmt. Und das ist wörtlich zu verstehen, denn vom roten Plüsch des Zuschauersaals hat das neue Leitungsteam unter Intendant Florian Lutz kaum etwas übrig gelassen. Eine Ansage als Absage dessen, was vorher hier stattfand: Oper, wie sie gemeinhin üblich ist. Stattdessen gibt es jetzt Theater total, in einem Raum, in dem sich Drinnen und Draußen überlagern. Im Bühnenhintergrund erhebt sich ein zweistöckiges Haus in die Höhe mit Bar, Wohn- und Badezimmer, die linke Seitenbühne und...

Unter dem neuen Intendanten Florian Lutz wird die Oper Halle zum Totaltheater

Und Marx macht die Bar

Was es bald nicht mehr gibt: Dass man am Morgen, wenn man aufsteht und die ersten Vögel hört, noch vor der Post, etwas aus dem Briefkasten nehmen kann. Als Autor und Theaterschaffender habe ich seit dreißig Jahren mit Medien zu tun. An Zeiten, die ich mir zurückwünsche, erinnere ich mich dabei nicht. Die Kulturberichterstattung war immer eine zwiespältige Angelegenheit. Da gab es die Ewigkritiker, die ihre Texte im Pluralis Majestatis verfassten. Es gab die Unbedarften, mit denen ich mich über mein neues Buch unterhielt, ohne dass sie es gelesen hatten. Es gab aber auch kritische Begleiter, mit denen ich mich über die Jahre anfreundete. Und es gab Überraschungen: dass ein Buch oder eine Aufführung eine unerwartete Beachtung fand. In eine neue Dimension der Auseinandersetzung mit Medien brachte mich eine Aktion vor sechs Jahren. Der Rechtspopulist und Milliardär Christoph Blocher hatte über Strohmänner die Basler Zeitung gekauft und sie inhaltlich umgepolt: von einer regionalen Forumszeitung zu einem politischen Kampagneninstrument mit nationaler Ausrichtung. Zusammen mit anderen Kulturschaffenden lancierte ich den Webaufruf „Rettet Basel!“, der innerhalb weniger Tagen von 18 000 Personen unterzeichnet wurde. Wochenlang beschäftigte uns die Aktion rund um die Uhr. Sie zog weitere Aufrufe, künstlerische Interventionen und Initiativen nach sich,...

Die Zeit nach der Zeitung

In Formation

Als die kaum 30-jährige Carola Neher im Mai 1929, ein knappes Jahr nach der Uraufführung, in der Regie von Erich Engel in der „Dreigroschenoper“ die Polly spielte, hatte sie im deutschen Theater jener Jahre bereits den Ruf einer Schauspielikone. Kurz darauf stach sie in der gleichen Rolle in Hans Schweikarts Inszenierung an den Münchner Kammerspielen hervor – und war 1931 schließlich auch die Polly in Georg Wilhelm Pabsts Verfilmung „Die Dreigroschenoper“. Nach ihrer Darstellung der Lilian Holiday in Bertolt Brechts und Kurt Weills „Happy End“ und der Titelrolle in der Rundfunkversion von Brechts „Heilige Johanna der Schlachthöfe“ galt sie, neben Helene Weigel, als der Star im Kreis von Brecht. Damit stand Carola Neher, die den nachexpressionistischen Darstellungsstilen der Weimarer Zeit eine ganz eigene Note zu verleihen wusste, eine ganze Welt offen. Publikum und Theaterkritik waren begeistert, und auch die damals noch nicht so genannten Lifestyle-Zeitschriften wurden auf sie aufmerksam. Ihnen verriet Neher ihr kosmetisches Geheimnis – beim Waschen Eis aufs Gesicht, worüber Brecht ein Gedicht machte. Nehers erster Lebenspartner war der Dichter Klabund, dessen „Kreidekreis“ 1925 wohl das erste für sie geschriebene Stück sein dürfte – Brecht nutzte es später als Anregung für seinen „Kreidekreis“. 1928 starb Klabund an Tuberkulose....

Bettina Nir-Vered, Reinhard Müller, Irina Scherbakowa, Olga Reznikova (Hg.): Carola Neher – gefeiert auf der Bühne, gestorben im Gulag. Kontexte eines Jahrhundertschicksals. Lukas Verlag, Berlin, 2016

Zwischen Bühne und Gulag

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Die Verschnaufpause tat gut. Knapp eineinhalb Jahrzehnte kam Markus Trabusch kaum je dazu durchzuatmen. Erst war er in leitender Funktion am Mozarteum in Salzburg tätig, dann Spartenchef fürs Sprechtheater in Augsburg. 2014 aber war dort Schluss – und das Leben als freier Regisseur ließ endlich etwas Luft, Bücher nicht nur quer, sondern auch mal zu Ende zu lesen. Zum Beispiel über Religion und Glaubensfragen, die nun auch Trabuschs ersten Würzburger Spielplan prägen. Als der heute 54-Jährige den Zuschlag für den Intendantenposten des Dreispartenhauses Mainfranken Theater bekam, war er gerade in Verhandlungen für eine Inszenierung von Lessings „Nathan der Weise“ in Jerusalem. Wegen Würzburg wurde daraus nichts. Dafür hat Trabusch nun seine Intendanz mit dem „Nathan“ eröffnet. Die Inszenierung war Teil eines Dreiklangs. Zum Auftakt gab es außerdem die Meyerbeer-Oper „Die Hugenotten“, in Szene gesetzt von Tomo Sugao, sowie Marianna Salzmanns „Muttersprache Mameloschn“ (Regie Inga Lizengevic), allesamt Stücke, die um Fragen der (Glaubens-)Identität kreisen. Trabusch selbst treiben diese Fragen spätestens seit den Pariser Anschlägen auf Charlie Hebdo und einen jüdischen Supermarkt im Januar 2015 massiv um. Dass eineinhalb Jahre später auch in Würzburg ein islamistischer Attentäter in einem Regionalzug auf Mitreisende losgehen würde, konnte zu dem Zeitpunkt keiner ahnen. Als sich...

Der neue Intendant des Mainfranken Theaters Markus Trabusch hinterfragt in der Bischofsstadt Würzburg das Wiedererstarken der Religion

Plan W

Janine Ludwig, 2017 feiert die Internationale Heiner-Müller-Gesellschaft (IHMG) ihr 20-jähriges Bestehen. Was sind die Aufgaben der Gesellschaft, welche Zwecke hat sie sich gesetzt? Die IHMG möchte das Werk Heiner Müllers unterstützend verbreiten, Informationen bereitstellen und Müllers Denken in die Öffentlichkeit bringen, zum Beispiel mit Veranstaltungen. Die Gesellschaft hat sich im Laufe der Zeit erheblich gewandelt. Am Anfang bestand die IHMG vor allem aus Personen, die Müller kannten oder die Weggefährten waren, inzwischen gibt es einen Wandel hin zu einer jüngeren Generation, auch im letzten Vorstand, der 2013 gewählt wurde. Wir wollen allerdings keineswegs einen Bruch mit der geschichtlichen Erfahrung, sondern vor allem ein Weitertragen ins 21. Jahrhundert. Uns geht es darum, verschiedene Generationen ins Gespräch zu bringen. In den letzten Jahren ist es uns gelungen, die Mitgliederbasis zu verbreitern und zu verjüngen und zugleich auch weitere internationale Mitglieder zu gewinnen. Welche Veranstaltungen hat die IHMG in der letzten Vorstandsperiode organisiert? Im Oktober 2014 hat unter dem Titel „Das Rätsel der Freiheit“ in der Theaterbuchhandlung Einar &amp; Bert und in der Akademie der Künste Ost und West eine „Transatlantische Konferenz zur Bedeutung Müllers im 21. Jahrhundert“ stattgefunden. Und im März des vergangenen Jahres haben wir mit dem HAU Hebbel am Ufer...

Was macht das Theater, Janine Ludwig?

Am Beginn der Frankfurter Intendanz von Oliver Reese vor sieben Jahren stand ein wuchtiger Antiken-Doppelschlag: „Ödipus/ Antigone“, inszeniert von Regisseur Michael Thalheimer. Zum nahenden Abschied von Reese im kommenden Sommer wird es wiederum Thalheimer sein, der mit „Ödipus vor der Stadt“ als Open-Air-Aufführung den Schlusspunkt setzt, bevor er dann mit Oliver Reese ans Berliner Ensemble wechselt. Dem Publikum haben beide in den vergangenen Jahren manch einen großen Abend beschert: „Maria Stuart“, „Medea“, „Penthesilea“. Jetzt hat Thalheimer am Schauspiel Frankfurt Heinrich von Kleists „Prinz Friedrich von Homburg“ merkwürdig hölzern abgewickelt. Das passt insofern gar nicht schlecht, als dieser Prinz Friedrich Arthur von Homburg im Laufe des Abends zur holzköpfigen Marionette mutiert. Der Schauspieler Felix Rech, der zuletzt an selber Stelle als Achilles neben der Penthesilea von Constanze Becker klein aufspielte, verkörpert ihn im vorerst blütenweißen Nachthemd, grauen Wollsocken und Siegesgewissheit im stechenden Blick als hageren Mann, der nicht von dieser Welt scheint. Wie neben sich steht er an der Bühnenrampe und streckt zuweilen ein Bein nach hinten oder zur Seite aus, als ordne sich sein schlanker Körper nicht steuerbaren Impulsen unter, wie beim Tourette-Syndrom. So einem wie ihm traut man ohne Weiteres zu, dass er den Befehl des Kurfürsten von Brandenburg,...

Schauspiel Frankfurt: „Prinz Friedrich von Homburg“ von Heinrich von Kleist. Regie Michael Thalheimer, Bühne Olaf Altmann, Kostüme Nehle Balkhausen

Frankfurt: Ein Albtraum, was sonst?

Philippe Heule, Sie sind Schauspieler, Autor und haben in Zürich Regie studiert. Was hat einem vielseitigen Künstler wie Ihnen, der mit dem Theaterbetrieb sehr vertraut ist, die Zeit als Hausautor im Stück Labor gebracht? Zunächst war da die Zusammenarbeit mit dem Dramaturgen und erfolgreichen Dramatiker Ewald Palmetshofer. Er ist ein aufmerksamer Leser und hat sich viel Zeit genommen. Wir haben sehr oft und ausführlich über mein Stück „retten, was zu retten ist“ geredet, das im Stück Labor entstanden ist. Außerdem hatte ich in Basel die Möglichkeit, meine anderen Arbeiten zu zeigen. Die Abschlussinszenierung „Fritz, wo ist dein Zorn geblieben?“ war im Theater zu sehen. Mein Stück „Die Simulanten“ habe ich mit den Schauspielern des Basler Ensembles in szenischer Lesung eingerichtet. Von ihrem Blick auf den Text habe ich sehr profitiert. Dann habe ich Kolumnen fürs Theatermagazin geschrieben und einen Text für die „Lange Nacht des Grundeinkommens“. Auch bei Kevin Rittbergers Projekt „Community in Progress“ war ich dabei. Das Allerschönste war, dass ich einfach dort war und so viele Inszenierungen sehen konnte. Den Aufbruch des Intendanz-Neustarts von Andreas Beck mitzuerleben, war eine tolle Sache – zumal ich davor nicht übermäßig viele Erfahrungen am Stadttheater gemacht habe. Das ist ein riesiger Apparat,...

Philippe Heule, Hausautor am Theater Basel 2015 /16, über fremde Blicke auf seine Stücke im Gespräch mit Elisabeth Maier

„Ich freue mich, wenn ein Text auf die Reise geht“

Jetzt ist alles politisch

Wie kommt Faust nach Rudolstadt? Vermutlich mit der Eisenbahn. Da steht er dann allerdings am Bahnhof vor dem Stationsschild „Schillerstadt“. Was so viel heißt wie: Besetzt. Mach, dass du weiter kommst! Schon wieder ist der Konkurrent, den man vorsichtshalber Freund nennt, vor einem da, mitsamt seinem penetrant universalen Idealismus. Was also tun – schnell weiterfahren? Das wäre feige. Dies hier ist die Provinz, die darauf wartet, vom Geist erweckt zu werden, aber vom richtigen, also vom eigenen. Aussteigen, hier und jetzt! – Hat es sich so zugetragen? Von Goethe wissen wir es nicht, er kam – knapp, aber erwiesenermaßen – nicht über die Postkutsche als Verkehrsmittel hinaus. Und als Steffen Mensching ankam, nicht nur (aber auch), um den Faust zu spielen, und, wie Goethe andernorts, in dieser Stadt ein kleines, aber feines Theater zu leiten? „Wenn man anfängt, weiß man nicht, wie lange es dauert“, sagt Steffen Mensching. Wir sitzen in seinem Büro im Schminkkasten, der Miniaturausgabe eines klassizistischen Gebäudes. Er sagt nicht: Zum Glück wisse man das nicht. Das wäre nicht nur unhöflich einer kleinen Stadt gegenüber, die von ihren 30 000 Vorwende-Einwohnern inzwischen mehr als zwanzig Prozent verloren hat, es stimmte wohl auch nicht. Unzufrieden wirkt Mensching keineswegs....

Steffen Mensching leitet seit acht Jahren das Theater Rudolstadt – als Laboratorium gesellschaftlicher Existenzmöglichkeiten

Endstation Sehnsucht?

Autoren Januar 2017/Vorschau

Zunächst einmal hat sie Humor – eine Eigenschaft, die in der deutschen Performance-Szene nicht gerade weitverbreitet ist. Aber von der unterscheidet sich Antonia Baehr auch in manch anderer Hinsicht: durch originelle Konzepte, gut durchdacht und delikat zugespitzt, durch demonstrativen Verzicht auf Tagesmoden und durch ihre Weigerung, unzählige Variationen des ewig Gleichen abzuliefern. Sie ist – wie schön! – eine ganz eigenständige Künstlerin, ein Solitär, geistreich, selbstbewusst und unberechenbar. Die Denkschubladen, die wir alle im Kopf haben, ob wir wollen oder nicht, reißt sie aus der Denke, schüttet den Inhalt aus und schmeißt ihn juchzend durcheinander. Aus diesem Chaos entsteht ihre Kunst, frei, verschwenderisch, voll kindlicher Lust am Erschaffen von Welt. Aber Vorsicht: Das Kind ist „jungklug“, und in seinen Schubladen war viel Wissen und Kühnheit, auch Theorie. Ein Chaoskuchen, aus solchen Zutaten gebacken, hat natürlich seine Tücken. Er mundet und sitzt adrett in der Form, ist geistig, poetisch – und giftig: jedes Stück eine Falle, in die man wohlig hineintappt. Die Dialektik von Chaos und Struktur ist kompliziert, aber bei Antonia Baehr kommt sie ganz selbstverständlich daher. Je größer das Chaos, desto raffinierter die Struktur, die es zum Leuchten bringt. Und weil sie die Listen der Klugheit mit den Kapriolen...

Die Berliner Künstlerin Antonia Baehr ist eine Gertrude Stein der Bühne, radikal, surreal – ein Gesamtkunstwerk

Ein Ich ist ein Ich ist ein Ich

Mit dem Kollektiv BuschFehrKoch hat das Theater Luzern im Rahmen des Förderprogramms Stück Labor in der Spielzeit 2015/16 Neuland betreten. Das Schauspiel des Theaters Luzern hat drei Autoren mit unterschiedlichen ästhetischen Schwerpunkten zusammengebracht. Geteilte Autorschaft, ist das überhaupt eine Perspektive für das Schreiben? Die Bühne am Vierwaldstätter See wagte das Experiment. Dominik Buschs philosophisch inspirierte Dramatik, der eine zarte Melodie innewohnt, Michael Fehrs gewaltig zerklüftete Sprachkunst und Ariane Kochs verführerische Grenzgänge zwischen Literatur und bildender Kunst – auf den ersten Blick haben sie wenig gemeinsam. Dass es in dieser Gruppe fruchtbar knisterte, war zu spüren. Im Projekt „Essen Zahlen Sterben“ ließ sich zwischen den drei Teilen nur eine lose Klammer auftun. Fehr stand als Performer auf der plüschroten Bühne, malte die Parabel von Ida, der Maus, die vom Mädchen zur Frau wird, mit Worten und Lauten. Die anderen Texte haben junge Regieabsolventen der Zürcher Hochschule inszeniert. Johanna Zielinski zeigte Buschs „Die Beflissenen“ als dichtes Beziehungsspiel, in dem Gewalt die Oberhand gewinnt. Sie findet schlüssige Bilder für das Sterben der Kommunikation, das sich auch bei Ariane Koch offenbart. Ihren surrealen und aktuellen Text „All you can eat“ hat Franz-Xaver Mayr als grausame Farce in Szene gesetzt. Auf dem Speiseplan stehen frische...

Das Stück Labor Basel geht mit Hausautoren an Schweizer Bühnen neue Wege

Andere Blicke auf die Autorschaft

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

„Ich soll mich finden, sagt mir das Gestirn. Mich finden? Müsst’ ich da mich nicht vorher verlieren?“, spricht die sanfte Stimme des namenlosen Protagonisten aus den „Kleinen Dichtungen“ des Schweizer Schriftstellers Robert Walsers gleich zu Beginn des Stückes. Eine Hand schiebt sich durch den braunen Anzug in den Kopf der Puppe, bringt sie zum Sprechen. Und daneben steht Nikolaus Habjan – die Quelle der Sprache, Mimik und Gestik der menschengroßen Klappmaulpuppe. Der zweifache Nestroy-Preisträger (2012 Beste Off-Produktion, 2016 Publikumspreis) gibt bei dem Euro-Scene Leipzig – Festival zeitgenössischen europäischen Theaters und Tanzes mit vier Stücken einen Einblick in sein umfangreiches Œuvre als Puppenspieler, Regisseur und Kunstpfeifer. Sein Stück „Doch bin ich nirgend, ach! zu Haus“ ist titelund themengebend für das ganze Festival, welches mit 13 Gastspielen aus zehn Ländern vom 8. bis zum 13. November vergangenen Jahres an verschiedenen Leipziger Spielstätten stattfand. Ob sich Habjans Stücke unter dem schlichten Motto „Heimat“ fassen lassen, ist fragwürdig, verdeutlichte seine Werkschau doch eine komplexe Be- und Verarbeitung diverser historischer Stoffe und Variationen des Figuren- und Puppentheaters. Was ihnen gemein ist, sind die Formen der Verfremdung, welche Struktur der Stücke und Charakter der Puppenfiguren prägen. Den Auftakt des Festivals bildete die Aufführung von „F. Zawrel...

Den Höhepunkt des Leipziger Festivals Euro-Scene bildet die Werkschau des Puppenspielers Nikolaus Habjan

Episches Figurentheater

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Was folgt

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

„Die Schweiz ist des Wahnsinns“. So lautete der Titel eines Artikels, den der Schweizer Schriftsteller Lukas Bärfuss am 15. Oktober 2015 in der Frankfurter Allgemeinen Zeitung veröffentlichte. Im Fokus seiner Analyse standen die gesellschaftspolitischen Entwicklungen des Landes, die er scharf kritisierte. So sprach er von einem vorherrschenden Gefühl der Kleinheit, das mit einer Propaganda der Überhöhung kompensiert werde. In unserem Schweiz Schwerpunkt haben wir rund ein Jahr nach dieser öffentlichen...

Editorial

Magisch und anders

Benedikt von Peter, neuer Intendant am Luzerner Theater, und Jonas Knecht, neuer Schauspielchef am Theater St. Gallen, über Basisdemokratie, Populismus und ein Theater, das mehr sein will als eine gute Geschichte, im Gespräch mit Dorte Lena Eilers und Jakob Hayner Jonas Knecht, Sie sind in St. Gallen geboren und aufgewachsen, haben fast 20 Jahre in Berlin gelebt, studiert und gearbeitet, jetzt sind Sie der neue Schauspieldirektor am Theater St. Gallen....

Hausbesuch: Wie tickt die Schweiz?

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

„Woei!“ ist ein Stück für drei Musiker und sechs Blasinstrumente für Kinder ab einem Jahr. Es handelt vom Pusten, Luftablassen, von gehauchten Küssen und vom Einatmen und Ausatmen. Es gibt keine Geschichte und keine Bühnenrollen. Die Mitglieder der holländischen Truppe Alle Hoeken van de Kamermuziek machen vor allem eins: Musik. „Woei!“ bedeutet frei übersetzt „hui“ oder „wusch“, und schon aus dem Titel weht ein frischer Wind. Er steht für die Lebendigkeit des Kindermusiktheaters, deren Macher die Junge Oper Mannheim für eine Woche eingeladen hat. Vom 20. bis 27. November vergangenen Jahres waren 14 Produktionen aus sieben europäischen Ländern zu Gast. Ein kleiner Sturm des Hörens! Zu Beginn des Festivals tagte ein Kongress, den das Kinder- und Jugendtheaterzentrum und die Junge Oper gemeinsam veranstalteten. Ina Karr, eine der Kuratorinnen des Festivals, beschrieb im Eröffnungsvortrag die Vielfalt der Formen, die die junge Gattung in Europa ausmacht – in Deutschland durch seine dichte Theaterlandschaft eher von der Oper bestimmt, in Belgien, den Niederlanden oder Frankreich oft durch das Konzert und das szenische Musizieren inspiriert. Mit umfangreichen Workshops setzte der Kongress einen praktischen Schwerpunkt. Wie gestaltet sich beim „musiktheatralen Komponieren mit Kindern“ der Weg der Materialerforschung? Laufen Theaterleute Gefahr, den Kompositionsprozess zu früh mit...

Ein Kongress und ein Festival zeigen in Mannheim die Vielfalt des Musiktheaters für Kinder

Happy New Ears!

Jonas Knecht, Sie sind in St. Gallen geboren und aufgewachsen, haben fast zwanzig Jahre in Berlin gelebt, studiert und gearbeitet, jetzt sind Sie der neue Schauspieldirektor am Theater St. Gallen. Wie ist die Rückkehr nach St. Gallen? Ist das der Weg von der deutschen Metropole in die Schweizer Provinz? Jonas Knecht: Es ist einerseits toll und andererseits merkwürdig. Berlin zu verlassen, ist nicht einfach, denn die Stadt ist mir sehr ans Herz gewachsen, ist meine Heimat geworden. Nun in die Stadt zurückzukehren, in der man groß geworden ist, ist sehr eigenartig. Man fühlt sich fremd und doch heimisch. Einige Dinge haben sich verändert, aber vieles ist auch unverändert geblieben. Und dann soll man plötzlich an dem Haus, an welchem man selbst das Theater überhaupt erst entdeckt hat, Theater machen. Es ist fast surreal. Aber es fühlt sich total richtig an, denn mich verbindet eine Geschichte mit dem Ort hier, er regt mich an und auch auf. Eigentlich die beste Voraussetzung, um genau hier Theater zu machen. Die Spielzeit haben Sie mit „Hamlet“ eröffnet – und zwar in drei Varianten, als Schauspiel im Großen Haus, als Tanzstück in der Lokremise und als Jugendstück im Studio. Auf der Großen Bühne gibt das...

Benedikt von Peter und Jonas Knecht im Gespräch mit Dorte Lena Eilers und Jakob Hayner

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Die Erwartungen an das diesjährige Programm des Internationalen Theaterfestivals Pilsen waren weit und vage gefasst. Festivaldirektor Jan Burian proklamierte „exzellente Theaterkunst“ auf dem „Niveau bewährter, neuer und Umbrüche signalisierender Trends des europäischen Theaters“, erprobt am Blick auf „starke soziale Themen“. Etwas konkreter klingt es in den Worten Dora Viceníkovás vom Festival Board, die eine Klammer in dem Versuch sieht, die heutige Welt vor allem in „dunklen Tönen“, in der „Offenlegung von Hoffnungslosigkeit“ und in „verstörender Form“ zu skizzieren. Jenseits direkter Ansprache sickerten, im Sinne von Egon Friedells kulturgeschichtlicher „Idee vom unterirdischen Verlauf historischer Wirkungen“, unübersehbar Befindlichkeiten der heutigen Zeit aus den Rissen der meisten Inszenierungen. Die verstörende Grundstimmung ist wohl am besten als Unbehagen an der Zivilisation zu fassen. Das Ausloten derselben, egal ob als großer politischer und sozialer Kosmos oder als kleine Welt von Familie, sozialer Gruppe oder Nachbarschaft, erzeugt Beklemmung. Ob integriert in diese oder in isolierender Ausgliederung mehren sich Verstörung, Hilflosigkeit, Depression sowie Erfahrungen von Zwang, Stillstand und Ohnmacht. Integration in den zivilisatorischen Momentzustand oder Isolation führen gleichermaßen nur zu scheinbaren Lösungen. Die Frage ist, welche Möglichkeiten und Fähigkeiten der Mensch hat, in den gegebenen Gesellschaftsformen eigene Orientierungen und Lebensformen zu finden. Was bleibt im Spektrum von...

Das Internationale Theaterfestival Pilsen widmet sich dem wachsenden Unbehagen an der Zivilisation

In Kafkas Bau

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Künstlerinsert: Installationen

Es gibt keine Krise des Theaters. Eine Krise des Sprechens über Theater gibt es offenbar schon! Diese Einsicht vermitteln die gerade vorgelegten 465 Seiten von Thomas Schmidt, Professor für Theater- und Orchestermanagement an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt am Main. Mit Friedrich Schiller stellt der Autor das Motto gewissermaßen als Status quo ante voran: „Geben Sie Gedankenfreiheit, Sir!“ – Geschenkt, wenn es im „Don Carlos“ wahrscheinlich „Sire“ heißt. Im missgeschicklichen Wortwitz offenbart sich dagegen der mitgesagte, durchaus zeitgenössische Tenor: „Man wird doch noch mal sagen dürfen!“ – Soll das die Stoßrichtung der „Kritik des deutschen Theatersystems“ sein, wie der vormalige Direktor des Deutschen Nationaltheaters und der Staatskapelle Weimar (2003 bis 2013) sowie auch deren Intendant (Spielzeit 2012/13) sein gerade bei Springer VS erschienenes Buch „Theater, Krise und Reform“ untertitelt? Wahrlich, nein, Schmidt redet nicht mit Schaum vor dem Mund. Das Thema ist auch zu wichtig, um es salbungsvoll in kulturpolitischer Quacksalberei zu baden. Das Buch ist ein substanzieller Beitrag zur laufenden Debatte um die Zukunft der Theaterarbeit in Deutschland. Es ergänzt sinnvoll die vielen Wortmeldungen, wenn auch hier nur um eine – allerdings hervorragende – Diskussion diverser quantitativer Zugänge. Reizvoll setzt Schmidt mit der Finanzproblematik am...

Thomas Schmidt: Theater, Krise und Reform. Eine Kritik des deutschen Theatersystems. Springer VS, Wiesbaden, 2016, 465 S., 69,99 EUR.

Sprechen über Theater in der Krise

Etikettenschwindel

Zwölf Untersuchungsausschüsse waren in Bund und Ländern bislang schneller als die Justiz. Doch auch Tausende Seiten föderaler Parlamentarismus bieten bislang keine Aufklärung über ein Phänomen, das in den fünf Jahren seit seiner Entdeckung bereits rund 80 deutsche Theaterstücke hat entstehen lassen und als Abkürzung medial zur neuen Marke NSU stilisiert wurde. Der „Nationalsozialistische Untergrund“, ein offenbar mindestens zehnfaches Mördertrio, hat enorme gesellschaftliche Sprengkraft entwickelt. Das elftägige Festival „Unentdeckte Nachbarn“ – selbstbewusst Theatertreffen genannt – beschäftigt sich fünf Jahre nach dem Tod von Uwe Böhnhardt und Uwe Mundlos mit dem Leben der Terrorgruppe. Und zwar genau dort, wo sie nach ihrer Flucht aus Jena zusammen mit Beate Zschäpe untergetaucht waren: in Chemnitz und Zwickau. Insgesamt 13 Jahre hausten sie hier – durchaus in Kontakt zur Außenwelt, überliefert sind auch Sommerurlaube im Wohnmobil am Ostseestrand – vermeintlich unerkannt bis unbehelligt. Ambitioniert wäre für das Treffen arg untertrieben. Initiiert von der freien Künstlergruppe Grass Lifter hatte das Festival unter Projektleitung von Franz Knoppe zum Ziel, Erinnerung, Aufarbeitung und Aufklärung in neue Wege zu leiten und so zu stärken. Die Gruppe hatte im Vorfeld zahlreiche Kooperationspartner gewinnen können, darunter die Theater Chemnitz, vertreten durch Gundula Hoffmann, Chefin der Chemnitzer Figurentheatersparte, sowie rund 140 000...

Das Theatertreffen „Unentdeckte Nachbarn“ widmet sich in Chemnitz und Zwickau der Aufarbeitung des NSU

Die Neonazis von nebenan

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Eine herbe Diseuse im schwarzen Hosenanzug und mit Krawatte – das war das von ihr selbst sorgfältig gepflegte Image. Doch Gisela May, 1924 im hessischen Wetzlar geboren und während der Kriegsjahre in Leipzig als Schauspielerin ausgebildet, war in ihrer Doppelbegabung als singende Schauspielerin und darstellende Sängerin stets viel mehr. Als sie 1951 ans Deutsche Theater nach Berlin kam, wurde sie von Wolfgang Langhoff gleich in seinen beiden wichtigen Klassiker-Inszenierungen besetzt: Als Eboli in „Don Carlos“ und in der Titelrolle von Lessings „Minna von Barnhelm“. Es war bald darauf Hanns Eisler, der die Doppelbegabung erkannte, was Kollege Paul Dessau später treffend kommentierte: „Die May singt nicht schön, sie singt richtig.“ Eine doppelte Laufbahn bot sich Gisela May, als sie 1961, geradezu folgerichtig, ans Berliner Ensemble wechselte. Dort spielte sie – in ihrer am längsten währenden Bühnenrolle – in Erich Engels und Wolfgang Pintzkas Inszenierung von Bertolt Brechts „Schweyk im Zweiten Weltkrieg“ bis weit in die siebziger Jahre an die 700 Mal die Wirtin Frau Kopecka mit ihrem „Lied von der Moldau“, später, ab 1978, dann die „Mutter Courage“. Parallel dazu eroberte sie in einer internationalen Solokarriere mit Brecht-Weill-Eisler-Liederabenden sogar den Broadway und überzeugte in markanten Rollen in Fernsehfilmen, etwa als „Jenny...

Zum Tod der Sängerin und Schauspielerin Gisela May

Es wechseln die Zeiten

Was passiert, wenn Big Brother auf einmal lebt? Wenn er als Mitbewohner samt Haustier im Zimmer nebenan schläft? Wenn er einem nachgeht und Aufzeichnungen anfertigt? Für eine WG, irgendwo in Deutschland und zu irgendeiner Zeit, gerät plötzlich die Welt aus den Fugen. Denn der Alltag hätte weiterhin angenehm sein können, wären nicht Alec und sein Kater eingezogen. Die 1970 geborene und in der jüngeren Vergangenheit mehrfach für den Mülheimer Theaterpreis nominierte Autorin Felicia Zeller lässt in ihrem neuem Stück „Ich, dein großer analoger Bruder, sein verfickter Kater und du“ das Abstrakte ganz konkret werden. Und zwar beunruhigend konkret in einem geisterhaften Zeitgenossen. Zu sehen bekommen die Zuschauer den ominösen Mitbewohner in der Uraufführung am Staatstheater Saarbrücken nicht. Wie das unerreichbare und doch in den Köpfen stets präsente Schloss in Kafkas gleichnamigen Roman wirkt Alec auf die vier Bewohner ein. Mit einem Mal stehen einfache Prozesse wie Mülltrennung wieder auf der Tagesordnung, werden in epischer Absurdität besprochen. Auch der Gang zur Toilette hat längst nichts mehr Intimes. Bevor sie die Tür zum Bad öffnen, rufen sie fortan „männlich“ oder „weiblich“. Die kleinen Veränderungen summieren sich. Fassungslosigkeit und Paranoia machen sich breit. Das mit großer Energie spielende Quartett (Barbara Behrendt, Yevgenia Korolov,...

Saarländisches Staatstheater Saarbrücken: „Ich, dein großer analoger Bruder, sein verfickter Kater und du“ (UA) von Felicia Zeller. Regie Marie Bues, Ausstattung Indra Nauck

Saarbrücken: Big Data ist ein Kater

Derman sendedir

Januar 2017

Premieren

Die Stress-Knoten auflösen

Lässt sich Geschichte in Geschichten erzählen? Kann Wahrheit Substrat subjektiver Sichtweisen sein? Wenn ja, wie viele Erzählungen hält dann eine Historie aus? Die deutsche Literaturtradition lernte diese Fragestellung vor allem durch die subjektivistische Provokation ihrer Dichterfürsten kennen. Peter Handke hat einen solchen Diskurs vor zwanzig Jahren eröffnet, als er „Gerechtigkeit für Serbien“ rief. Wenig später wurden von Martin Walser, mit seinem Roman „Ein springender Brunnen“, ähnliche Positionen auf die NS-Zeit angewandt. Hier wie dort erhob des Dichters Blick Kraft poetischer Autorität Anspruch auf eine eigene Wahrheit. Die weißrussische Schriftstellerin Swetlana Alexijewitsch erhielt zwar wie Walser den Friedenspreis des deutschen Buchhandels und dazu 2015 den Nobelpreis für Literatur, Dichterfürstin ist sie dennoch keine. Alexijewitsch arbeitete als Journalistin, bevor sie begann, Romane zu schreiben. In ihrer literarischen Arbeit bedient sie sich noch immer einer journalistischen Strategie: der Originalton-Montage. Auch in „Secondhand-Zeit“, ihrem 2013 erschienenen Roman zum „Leben auf den Trümmern des Sozialismus“ collagiert sie aus einer Unzahl von Interviews das vielfarbige Diptychon der Welten dies- und jenseits jener historischen Zäsur, die der Zerfall des Sowjetreiches markiert. Es sprechen Parteimitglieder, Soldatenkinder oder Aufsteiger der Jelzin-Jahre. Alexijewitsch lässt Opfer des Stalinismus ebenso zu Wort kommen wie Leute, die man als Nostalgiker bezeichnen würde. Was...

„Secondhand-Zeit – Leben auf den Trümmern des Schauspielhaus Graz: Sozialismus“ (DEA) von Swetlana Alexijewitsch. Regie Alia Luque, Ausstattung Christoph Rufer

Graz: Die Texte turnen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Was sollte „Der Schimmelreiter“ von Theodor Storm einem zeitgenössischen Publikum erzählen können? Ein Buch aus dem 19. Jahrhundert, die Handlung spielt sich gar Mitte des 18. Jahrhunderts ab – ist die Gegenwart dieser Vergangenheit nicht schon längst entwischt? 21. Jahrhundert, das klingt nach sogenannten neuen Medien, Digitalisierung, Hochgeschwindigkeit, Information, Innovation, Veränderung – eine sich absolut setzende Gegenwart, die mit der dunklen Vorzeit nichts mehr zu tun haben möchte. Aber nun ist das 21. Jahrhundert eben auch verbunden mit Religion und religiösem Fanatismus, Aberglauben, Dünkel, Vorurteilen, Irrationalismus. Der Fortschritt der technischen Naturbeherrschung ist nicht identisch mit einem Fortschritt der Gesellschaft als solcher, einem sozialen Fortschritt. Die Geschichte ist die in sich verworrene Auseinandersetzung zwischen Aufklärung und Aberglauben, Fortschritt und Religion. Dass die mit der Aufklärung einhergehende Säkularisierung in Aberglauben und Mythos umzuschlagen droht, indem sie von ihren gesellschaftlichen Bedingungen und Wirkungen abstrahiert, haben einst Max Horkheimer und Theodor W. Adorno als „Dialektik der Aufklärung“ bezeichnet. In Johan Simons’ Inszenierung des „Schimmelreiters“ am Hamburger Thalia Theater wird der Konflikt zwischen Religion und Aufklärung auf eine reduzierte, aber eindringliche Weise dargestellt. Der von Jens Harzer großartig gespielte Hauke Haien schult sich schon im frühen Alter an Euklid und macht Berechnungen zur Verbesserung des...

Thalia Theater Hamburg: „Der Schimmelreiter“ von Theodor Storm. Regie Johan Simons, Bühne Bettina Pommer, Kostüme Teresa Vergho

Hamburg: Die Weltnacht breitet ihre Finsternis aus

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

„h.g.“ war der Wendepunkt: Jeder Zuschauer reist auf den Spuren von Hänsel und Gretel allein durch ein Labyrinth von Räumen an Schauplätze des bekannten Märchens. Die Vögel zwitschern, der Wald rauscht, da! – hört man Schritte hinter sich. Kinderlachen, ein Rumpeln im Haus, Geräusche der Nacht und eine Stimme, die einem ins Ohr flüstert: „Komm mit! Geh durch die Tür dort! Folge mir!“ Per Kopfhörer von Stimmen und Geräuschen geführt, durchwandert man die Ängste und den Grusel, die Dunkelheit und das Ungewisse, von denen das Märchen erzählt. Aber auch Mut, gemeinschaftliche Tatkraft und vor allem die Vorstellungskraft werden geweckt. Mit ihrer Reminiszenz an Hänsel und Gretel, ohne die physische Anwesenheit von Schauspielern umgesetzt, fanden TricksterP im Jahr 2009 zu ihrer ganz eigenen Form: präzise und detailreiche narrative Räume, dreidimensionale Soundlandschaften und eine vielschichtige, nicht lineare Erzählweise. Das war so nicht vorauszusehen gewesen. Kennengelernt hatten sich Cristina Galbiati und Ilija Luginbühl nämlich an der von Clown Dimitri gegründeten Accademia Teatro Dimitri im Tessin, wo beide in den späten neunziger Jahren in Akrobatik, Theater, Tanz und Mime ausgebildet wurden. 2002 begannen sie eigene Theaterarbeiten zu produzieren, in denen sie zum Teil auch selbst mit weiteren Performern auftraten. 2004 entstand „Rapsodia per giganti“,...

Das Schweizer Kollektiv TricksterP führt seine Zuschauer an die Orte berühmter Märchen, die alles andere als harmlos sind

Hinter den sieben Bergen

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Sein Start 2013 kam beim Publikum gut an, zwei Einladungen zum Berliner Theatertreffen bestätigten den Erfolg auch bei der Kritik. Unlängst verlängerte er sogar vorzeitig seinen Vertrag bis 2021: Für Armin Petras, Intendant am Schauspiel Stuttgart, schien alles glänzend zu laufen. Trotzdem hat er es sich nun anders überlegt. 2018 soll bereits Schluss sein, Petras gibt dafür „persönliche und familiäre Gründe“ an. Tatsächlich wurde er von einem Teil der örtlichen Kritik schon seit längerem heftig attackiert: Der Intendant, hieß es da, trete in Wirklichkeit wegen schlechter Zuschauerzahlen den Rückzug an. „Armin Petras gibt auf“, suggerierte eine Schlagzeile in rauem Tonfall – was schon fast nach Treibjagd klingt. Was ist los in Stuttgart? Sinkende Besucherzahlen, künstlerische Durchhänger und zu viel importiertes hippes Berliner Performance-Theater – vor allem auf diese Punkte berufen sich die Petras-Kritiker. In der Tat, der Verlust von rund 30 000 Zuschauern und eine von 87 auf 74 Prozent abgesackte Auslastung (2015/16) sind deutliche Warnsignale. Doch Vorsicht: Ein Intendant muss den Freiraum haben, zeitweise auch gegen Teile des Publikums und der Kritik arbeiten zu können. Und im Umkehrschluss ist bekanntlich nicht alles, was Massenzustrom erbringt, künstlerisch allererste Sahne. Dennoch, Petras hätte schneller gegensteuern müssen. Doch wegen der fälligen „Nachsanierung“...

Über das vorzeitige Ende von Armin Petras’ Intendanz am Schauspiel Stuttgart

Katzenjammer

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Was heißt hier Pfusch? Der Mann ist Perfektionist! Der Pfusch ist ohnehin immer der der anderen. Die Politiker etwa, die schuld daran sind, dass Fritsch nun in die Schaubühne am Lehniner Platz umziehen muss. Fritschs perfektionistischer Pfusch aber ist der Volksbühnen-Virus, der bleibt. Ganz in der bewährten Mischung aus barockem Vanitas-Aroma (Tod!), futuristischer Bedingungslosigkeit der Form (grell, immer mit Ausrufungszeichen!) und buntem DADA-Spaß (Feier des Absurden!) will er sich auf keine inhaltliche Äußerung festlegen lassen. Die einen erblicken darin den ultimativen Endpunkt des Theaters als politisch-moralischer Anstalt, die anderen dagegen feiern dessen Wiedergeburt aus dem sinnfreien Spiel. Eine formal zugespitzte Formensprache ist hier zu besichtigen. Was ist Original, was Kopie, was vollendetes Werk, was bloße Skizze, was Wirklichkeit, was bloße Simulation – was noch Schauspiel oder bereits Performance? Klingt nach Dercon, ist aber Fritsch, der uns die Botschaft übermittelt: Egal, Hauptsache „schon“! Oh Moment, zwei mit kleiner Verspätung nachgereichte Punkte auf dem „o“ stellen die Fritsch-Welt von den gewöhnlichen Beinen auf den exorbitanten Kopf: „Schön“ soll sie sein, wie man in Buchstaben auf jener riesigen Röhre lesen kann, die dann von der Bühne immer mal wieder auf uns zurollt. So wie die Lokomotive in einem der ersten Filme, den man...

Volksbühne: „Pfusch“ (UA) von Herbert Fritsch. Regie und Bühne Herbert Fritsch, Kostüme Victoria Behr

Berlin: Nicht nur in die Röhre schauen

„Is my future all in the past“

„Der Poet wohnt in einem einzigen Garten“, schrieb Peter Handke einmal in eines seiner zum literarisch-grafischen Werk gehörenden Notizbücher. In einem Garten spielt auch der 2011 geschriebene Sommerdialog „Die schönen Tage von Aranjuez“. Dieses etwas luftigabgehobene Gespräch zwischen einem Mann und einer Frau wirkte wie ein Erholungsausflug nach dem episch ausgreifenden autobiografischen Familienstück „Immer noch Sturm“. Doch der unter anderem Liebes- und Verlusterfahrungen umkreisende Dialog zwischen den beiden nicht näher...

Zwei sehr unterschiedliche Filme nähern sich dem Dramatiker Peter Handke

Des Dichters Gärten

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Einst war es ein großer Bittgesang: „Die Schutzflehenden“ von Aischylos, aufgeführt vor 2500 Jahren. Nun also die Antwort von Elfriede Jelinek, buchstäblich über die Jahrtausende hinweg: „Die Schutzbefohlenen“. Und immer noch das gleiche große Thema: Menschen auf der Flucht. Bei Aischylos war es eine mythische Szenerie, die mit der Kuh Io anhebt. Diese paart sich mit Zeus als „kuhbrünstigem Stier“, wird dann jedoch von einer Bremse gestochen und stürmt davon. In der Fremde bringt sie ihre Söhne zur Welt, die Syria und Lybia heißen. Mit den Namen sind wir wieder in der Gegenwart: Syrien als ein von Krieg verwüstetes Land, aus dem die Menschen massenhaft fliehen. Vor allem nach Europa. In Libyen sieht es ähnlich aus. Hier nun setzt Elfriede Jelineks „Die Schutzbefohlenen“ an: bei uns und unserer Abwehr gegen jene, die da zu uns kommen. 2012 demonstrierten Flüchtlinge in Wien gegen die unzumutbaren Bedingungen im Aufnahmelager Traiskirchen. Die Folge war, dass die Kirche Asyl anbot, was zu weiteren Diskussionen führte. Die Antwortmöglichkeiten auf das Problem der vielen, die kamen und bei uns Schutz suchten, konnten gegensätzlicher nicht sein. Von „Öffnet alle Tore“ bis zum geforderten Ausbau der „Festung Europa“ reichten die Reaktionen. Letztlich – und darum kreist Jelineks Text...

Landestheater Neustrelitz: „Die Schutzbefohlenen“ von Elfriede Jelinek. Regie Eberhard Köhler, Ausstattung Dirk Steffen Göpfert

Neustrelitz: Eine Sprache, die kultiviert

Open Table: Uncanny Valley

Bislang dachte man, ein schmutziger Wahlkampf bestünde darin, die Abfalltonnen der Gegner zu durchwühlen und den Dreck ans Licht zu zerren, sich selbst aber als Saubermann darzustellen. Seit 2016, mit den Überraschungserfolgen der Brexiteers, von Trump und seinen Geistesverwandten, kann man es nun besser wissen: Es gibt Politiker, die ihre Stärke daraus beziehen, ihren eigenen Dreck nicht nur nicht zu verbergen, sondern sich sogar mit ihm schmücken zu können. So war einer der wohl exemplarischsten Momente des Trump’schen Wahlkampfes die Nutzbarmachung des kurz vor dem Wahltermin aufgetauchten Videos, das den Sexismus des Milliardärs in all seiner brutalen Banalität offenbarte. Alle, die glaubten, nun habe sich das Problem erledigt, wurden eines Besseren belehrt. Es steht zu erwarten, dass das Jahr 2017 noch mehr derartiger Lektionen bereithalten wird. Aber wie ist so etwas eigentlich möglich? Vielleicht gibt auch in diesem Fall ein Blick auf bestimmte Entwicklungen der Performancekunst Aufschluss. Denn was in der Politik derzeit als neues Phänomen wahrgenommen wird, funktioniert nicht viel anders als jene avantgardistischen Formen der Überschreitung, die in so manchen Theoriezirkeln seit geraumer Zeit als „Wiederverzauberung der Welt“ qua „performativer Transgression“ gefeiert werden. Man denke nur an die Wiener Aktionisten oder an „Abjektkünstler“ wie Jan Fabre, die aus...

Über die Wiederverzauberung der Welt aus dem Geist des Utilitarismus

kirschs kontexte: Wahlkampf und Abjektkunst

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Er sagt immer genau das, was er denkt“, vertraute Ivanka Trump dem Journalisten Michael D’Antonio während eines Gesprächs für dessen Biografie „Never Enough. Donald Trump and the Pursuit of Success“ über ihren Vater an. „Er braucht die Frage oder die Geschichte vorher gar nicht zu kennen, um sich eine Antwort zurechtzulegen.“ Das trifft nicht nur auf den Milliardär aus Manhattan zu, sondern auch auf jenen Teil der Netzgemeinde, der für Wutkampagnen und Shitstorms keine Argumente oder Fakten braucht. Niemand hat die ständig schwankende Gemütslage zwischen Minderwertigkeitskomplex und Größenwahn der Netznomaden besser erkannt und instrumentalisiert als Donald Trump vor und während des Wahlkampfs in den USA. Der Mann weiß nur zu gut, wie ein Großteil seiner Landsleute tickt. Er hat virtuos auf den Saiten der digitalen Instrumente gespielt und es damit bis ins Weiße Haus geschafft. Alle, die Facebook, Twitter, WhatsApp und die anderen sozialen Medien noch immer für Orte von Freiheit und Demokratieverwirklichung halten, müssten jetzt eigentlich posten: We are President. Ich habe das Buch von Michael D’Antonio während des Wahlkampfs gelesen und dabei beschlich mich zunehmend das Gefühl: Trump wird es schaffen. Nicht obwohl er historisch ahnungslos, politisch unerfahren und sprachlich vulgär ist, sondern gerade deswegen. Er spricht die...

Zur Wahl von Donald Trump

We are President

Elia Rediger, Sie machen Popmusik und sind mit Ihrer Band The bianca Story erfolgreich. Im Konzert Theater Bern arbeiteten Sie als Theatermusiker. Nun schreiben Sie ein Stück, das im Juni 2017 uraufgeführt wird: „Oh Boyoma“. Haben Sie Lust bekommen, mehr fürs Theater zu schreiben? Meinen ersten Kontakt mit der Theaterwelt hatte ich im Alter von zehn Jahren, als ich für einen gewissen Herrn Schlingensief am Badischen Bahnhof in Basel im Chor ein Empfangslied singen musste. Da waren Pressefotografen, ein roter Teppich, und ich fragte mich fasziniert, was das hier wohl für ein Theater sei. Ich kann im Theater Dinge verfolgen, die mich als Popmusiker schon immer interessierten. Einerseits ist in jedem Auftritt die Möglichkeit des Scheiterns präsent. Dieses Scheitern interessierte mich, als ich in Basel chancenlos für das Bürgermeisteramt kandidierte, und es interessierte mich bei der Arbeit am Konzertfilm „Oh Albert“, der sich dem Leben des LSD-Erfinders Albert Hofmann widmete. Es scheint, als übe ich mich in Versuchen, die Angst vor dem Scheitern zu überwinden. Ein angstfreier Umgang mit Ungewissheiten kann zu Hoffnung führen, das Scheitern kann dich aber auch zum AfD-Wähler machen. Andererseits interessiert mich am Theater die Arbeit in einem Team. Zwar kann nur einer den Stift halten,...

Der Autor und Popmusiker Elia Rediger, Hausautor am Konzert Theater Bern 2015 /16, über sein Stück „Oh Boyoma“ im Gespräch mit Elisabeth Maier

„Die Angst vor dem gemeinsamen Scheitern überwinden“

Das Beste des Abends ist das Bühnenbild von Aleksandar Denic. Eine Art Triptychon, in der Mitte ein weißer Kreis auf einer rotlackierten Wand. Wie die japanische Flagge, nur umgekehrt. Nach etwas längerem Hinsehen fühlt man sich dann aber eher an eine Nazi-Fahne erinnert, aus der notdürftig das Hakenkreuz entfernt wurde. Ein treffendes Bild für die Verhältnisse im nur halbherzig entnazifizierten Nachkriegswestdeutschland, in dem Pasolinis Stück spielt. Rechts neben der roten Wand ragt ein zweistöckiger Schuppen in die Höhe. In der unteren Etage Bierkisten und allerhand Plunder, darüber wartet eine Reihe von Instrumenten auf Musiker. Wie im Übungsraum einer Band. Links schließlich ein Schweinekoben mit strohbedecktem Freigehege, in dem sich in der zweiten Hälfte des Abends tatsächlich drei leibhaftige Sauen tummeln. Und mitten unter ihnen, in schweinchenrosaner Nacktheit, Philip Dechamps. Er spielt Julian, den Sohn des Industriellen Klotz, der als Waffenlieferant der Nazis reich geworden ist und nach dem Krieg einfach so weitermachen durfte. Nur bei den Schweinen fühlt sich Julian wohl. Die gewissenlose Geschäftemacherei seines Vaters widert ihn ebenso an, wie ihm der revolutionäre Geist der Studentenbewegung fremd bleibt, zu der sich seine Freundin Ida hingezogen fühlt. In Julians Rückzug zu den Schweinen hat Ivica Buljan dieselbe Lähmung erkannt, die...

Residenztheater München: „Der Schweinestall“ von Pier Paolo Pasolini. Regie Ivica Buljan, Bühne Aleksandar Denic, Kostüme Ana Savic Gecan

München: Langeweile im Schweinesystem

Stephan Märki, Sie sind seit fünf Jahren Intendant am Konzert Theater Bern. Davor haben Sie zwölf Jahre das Deutsche Nationaltheater in Weimar geleitet. Jetzt sind Sie in Ihre Heimat zurückgekehrt. Was heißt es für Sie, in der Bundeshauptstadt der Schweiz Theater zu machen? Es bedeutet erst mal nichts anderes als in jeder anderen Stadt auch, nämlich zu versuchen, ein Theater zu machen, das etwas will. Eins, das etwas mit der Lebenswirklichkeit der jeweiligen Stadt und ihren Menschen zu tun hat und trotzdem einen Bogen zu den Wurzeln europäischen Denkens schlägt. Jede Stadt hat ihre eigene kulturelle Identität und ihre eigenen Fragen. Erst recht in der Schweiz, deren kulturelle Eigenständigkeit in den anderen deutschsprachigen Ländern oft nicht in Gänze wahrgenommen wird. Nun hat dringliche Kunst, besonders Theater, mit einem Mangel zu tun, einem Missstand – gesellschaftlicher, politischer, ökonomischer Art –, der Anlass zu Auseinandersetzung gibt. Die Schweiz hingegen ist vielleicht das reichste Land der Welt. Und wenn das nun mit dem Mangel in der Kunst auch umgekehrt gilt, ist es hier nicht ganz einfach, gesellschaftliche Dringlichkeit zu formulieren. Aber überall gibt es Mangel, nur eben nie denselben, und in der Schweiz ist er etwas verborgener, gerade in der Hauptstadt Bern, dem...

Stephan Märki über Schweizer Kultur und Kennzahlendiskussionen im Gespräch mit Ute Müller-Tischler und Harald Müller

Möglichkeiten einer Insel

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Eine Insel wird zum Verkauf angeboten, eine Löwin treibt ihr Unwesen, Zauberer Varoufakis zeigt Zaubertricks, die Staatskassen sollen mit einer neuen Währung gestopft werden und ein Menschenfresser geht um. APPETIZER Essen verteilen während den Vorstellungen, Volksküche machen, Konkurrenz-Mensa, Kochkurse, eigene Theater-Schokolade oder andere essbare Merchandise-Artikel kreieren und (das ganze Jahr über) verteilen (bei der Kasse), darauf sind Texte (von mir), Glückskekse, Kochrezepte in der Telefonschlaufe, Tombola in der Telefonschlaufe (was kann man gewinnen?), jeden Monat einen anderen Gönner des Theaterhauses vorstellen in der Telefonschlaufe, Pseudo-Kochrezepte im Programmheft, auf der Website, jeweils passend zum Stoff, Kochrezeptsprache, Verstümmelung des Textes, Abbrüche, Unterbrüche, Lückentexte und ein Zauberer. Es war einmal vor langer Zeit ein Schloss, das ward bewohnt von einem Ritter, welcher besass drei schöne Töchter, welche je hatten geboren wieder drei Töchterchen, welche sich wiederum je drei kleine Hasen und je drei wiehernde Ponys hielten – Tick, Trick und Track. Athos, Porthos und Aramis. Justus, Peter und Bob. Vater, Sohn und Heiliger Geist. Irina, Mascha und Olga. Caspar, Melchior und Balthasar. Werner Stauffacher, Walter Fürst und Arnold von Melchtal. Schauspiel, Oper und Tanz. – sodass ein fröhliches Durcheinander im Schlosse herrschte. Der Ritter war niemals einsam, niemals garstig, sondern verbrachte tagein tagaus...

ALL YOU CAN EAT – Variationen des Verschlingens Ein Ausschnitt

Blick in die Zaubermaschine

Der Schriftsteller George Orwell hat vor nun fast siebzig Jahren dafür gesorgt, dass die Jahreszahl 1984 mit dystopischer Düsternis gleichgesetzt wird. 2005 erschien ein weiterer Roman, der sich mit diesem Jahr auseinandersetzt: „GB 84“ von David Peace. Auch er beschreibt eine Welt voll Ungerechtigkeit, Korruption und Gewalt – allerdings nicht vorausahnend wie Orwell, sondern retrospektiv über die Bergarbeiterstreiks in Großbritannien vom März 1984 bis März 1985. Krimi und Geschichtsbuch in einem schildert er akribisch die Chronologie der Ereignisse dieses Arbeitskampfes, auch mit Blick auf die Einzelschicksale der Menschen. Intendant Peter Carp nahm sich in seiner letzten Spielzeit am Theater Oberhausen den Roman als Vorlage, um sich vom Ruhrgebiet in Richtung Breisgau zu verabschieden, wo er das Theater Freiburg übernehmen wird. Schließlich hat auch der „Pott“ eine Geschichte von Kohle und deren Abbau zu erzählen. Die Inszenierung setzt ein am Vorabend des Streiks: Die Regierung um Premierministerin Margaret Thatcher verwirft den britischen Glaubenssatz, dass Großbritannien stets in der Lage sein sollte, sich mit Kohle selbst zu versorgen. Zechen sollen wegrationalisiert werden, die Wende zu reiner Profitabilität wird eingeläutet. Dass diese Politik auf erbitterten Widerstand stoßen würde, ahnte die amtierende Regierung im Voraus, legte rechtzeitig Vorräte in Kohle und Öl an und...

Freude verdoppelt sich, wenn man sie teilt – Geld nicht.

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