Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Figuren Silvia Magnus Karl Magnus Delfi Chor der Interpreten Weitere Rollen: Chorführer Nahostkorrespondent Anwalt Mittelsmann Mutter im Kriegsgebiet Verteidigungsminister Insider Meine Mama führte oft grausige, wenn auch wahre Beispiele aus der Geschichte an, statt sie zu vergessen und durch schönere zu ersetzen, die es nie gegeben hatte. Bora Ćosić, Die Rolle meiner Familie in der Welt­revolution EINS Deutsches Gas und spanisches Flugzeug Verschwörerin Am 22. Juni 1924 starten drei spanische Fliegerstaffeln im Nordwesten des spanischen Protektorats in Marokko Die Flugzeuge tragen Geschosse vom Typ C je gefüllt mit 25 Kilogramm Giftgas Im Lauf des Tages werfen sie 99 Bomben ab Es ist der erste aerochemische Großangriff der Geschichte Geliefert wird das Gas heimlich und in heller Missachtung des Versailler Friedensvertrags von Deutschland Hugo von Stoltzenberg entwirft annotiert und perfektioniert die Strategie der chemischen Kriegsführung und im Schutze der Heimlichkeit schauen Briten Franzosen und Italiener mit umso größerer Wissbegierde zu wie der Gaskrieg im Rif-Gebirge sich entfaltet von Stoltzenbergs aerochemische Strategie wird zum Vorbild für die italienischen Gaseinsätze in Libyen in den 1920er und Äthiopien in den 1930er Jahren und beeinflusst maßgeblich die Weiterentwicklung der deutschen Giftgas­industrie Der in Marokko eingesetzte Kampfstoff heißt Lost von Stoltzenberg vermerkt in seinem Tagebuch: 1/500...

Die Verschwörerin

Das Teatro delle Albe in Ravenna gehört zu den spannendsten Bühnen Italiens. Sein Intendant Marco Martinelli, Autor und Regisseur, Inspirator und Initiator, begreift seine Arbeiten als theatrale Abenteuer mit ungewissem Ausgang, ob er nun eine ganze Stadt inszeniert oder eine einzige Person. In der Schauspielerin Ermanna Montanari hat er eine kongeniale Mitstreiterin, die eigenständig und unbeirrbar seinen Visionen das Fliegen lehrt. Das neue Mammutprojekt der Albe, in zwei Jahren Dantes „Göttliche Komödie“ komplett auf die Bühne zu bringen, wird ergänzt durch ein szenisches Poem, in dem Martinelli Leben und Wirken des Dichters in sieben Bildern beschreibt, die wie ein verwischter Hauch über die Bühne wehen. Montanari, das Stimmwunder, erschafft Welten aus Ton- und Wortgebilden, die einen mitreißen und einschüchtern, beglücken, verstören, erschüttern und befreien. Sie wurde dafür, zum wiederholten Male, mit dem Premio Ubu als beste Schauspielerin der Saison geehrt. „fedeli d’Amore“, so der Titel des Gedichts, war der Name eines geheimen Dichter- und Weltverbesserer-Bündnisses in Florenz, zu dessen Bruderschaft vermutlich auch Dante Alighieri zählte. In der Aufführung steht Ermanna Montanari in der hinteren Ecke der dunklen Bühne, ein Mikrofon in der Hand, das ihre Stimme verstärkt, nicht aber manipuliert. Nein, das macht sie schon alles selbst, diese unendlichen Variationen...

„fedeli d’Amore“ vom Teatro delle Albe ist ein J’accuse großer Dimension und kulminiert in einem rasenden Rundumschlag gegen Mafia und Politik

Ich klage an!

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

März 2019

Premieren

Eine junge Frau wird zum Sündenbock. ­Sophia Platz spielt sie am Rostocker Volkstheater mit aller radikalen Jugendlichkeit, die sich zu empören weiß. Wer ist diese Grete Minde? Theodor Fontane fand sie als historische Vorlage für seine Erzählung von 1879 in Tangermünde am Vorabend des Dreißigjährigen Krieges. Die Stadt steht in Flammen, Brandstiftung. Nur eine kann das gewesen sein, diese Tochter einer Katholikin mit dem dunkel-flammenden Blick, der direkt aus der Hölle zu kommen scheint. Fontane hat ein Talent dafür, Frauengeschichten zu erzählen, von Effi Briest bis ­Jenny Treibel. Es sind Frauen jenseits des klassischen Opfer-Täter-Schemas, stark und schwach zugleich, unruhevoll Getriebene, die an den Rand der Gesellschaft geraten. Grete Minde würden andere Autoren vielleicht zu einer Art Jeanne d'Arc stilisieren, sie in eine Passionsgeschichte stellen. Bei Fontane hat sie dafür zu viele Brüche, er zeichnet einen ungereimten Charakter, der mit der Prosa der Kleinstadtverhältnisse kollidiert. Es geht um herrschende Lieblosigkeit, Missgunst und bittere Rache. Fontane hat dabei das engherzige Regiment vor Augen, das das Deutsche Reich von 1870 führte, mitsamt dem Kulturkampf des protestantischen Preußens gegen das katholische Bayern. Die Katholiken sind uns fremd, sie sind tückisch und eine latente ­Gefahr!, so die Berliner Propaganda dieser Jahre. Fontane dagegen erzählt...

Volkstheater Rostock: „Grete Minde“ (UA) nach Theodor Fontane. Regie Kay Wuschek, Ausstattung Joachim Hamster Damm

Rostock: Banale Dämonen

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Der Materialergründer

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Ermanna Montanari, Marco Martinelli, Sie haben 1983 zusammen mit Luigi Dadina und Marcella Nonni das Teatro delle Albe gegründet, dessen künstlerische Strategie sich seitdem aus der Verknüpfung von theatralischer Tradition, deren ursprüng­licher Erzählfunktion, mit der Suche nach Neuem speist. Sie sind ein Paar. Was bedeutet es da, zusammenzuarbeiten? Ermanna Montanari: Wir können nicht anders. Es passiert. Das verbindet uns, das trennt uns, zerstört uns, ist unsere Freude. Eine Spirale. Es ist unsere Entscheidung, unser Schicksal, das wir verwirklichen. Hatten Sie nie Lust, die Rollenverteilung, Sie Schauspielerin, Sie Regisseur, zu durchbrechen? Marco Martinelli: Seit vielen Jahren kündigen wir jede neue Arbeit von uns mit dem Begriff „ideazione“ an, „Grundidee“, denn am ­Anfang steht immer eine Gedankenverbindung, eine Alchemie, aus der Text, Bühnenbild, Regie und Rezitation hervorgehen. Wie beim Schachspiel betrifft jeder neue Zug uns beide, wird gemeinsam durchdacht. Dann setzen sich die Akzente. Ermanna beschäftigt sich mehr mit dem Bild, mit der Bühne, den Kostümen, während ich mich mehr dem Schreiben und der Regie widme. Diese Verzweigungen erfolgen immer erst nach der gemeinsamen Grundidee. Montanari: Es ist so, als ob alles, was wir täglich tun, was wir lesen und was wir sehen, einen Stoff produziert, etwas ans Licht bringen würde. Das...

Ermanna Montanari und Marco Martinelli schließen mit ihrem Teatro delle Albe die ursprünglichen Energien des Theaters mit den sozialen Problematiken der Gegenwart kurz. Wie, erzählen sie im Gespräch m

Auf der Bühne steht der Mensch

Das Produktive zuerst, schließlich handelt es sich um Brecht: Heinrich Breloer und sein Filmteam haben acht Jahre lang an diesem Zweiteiler gearbeitet, Zeitzeugeninterviews geführt und Dokumentarmaterial aus Archiven zusammengestellt, Originalschauplätze besucht und nachgebaut und weder Sorgfalt noch Kosten gescheut, um dem deutschen Fernsehpublikum das Leben und Sterben Bertolt Brechts näherzubringen. Christoph Kanter hat großartige Szenenbilder entworfen, Ute Paffendorf die Kostüme der Protagonisten originalgetreu nachschneidern lassen, die Kamera von Gernot Roll faszinierende Bilder aus Brechts Leben zwischen Augsburg, Berlin und New York festgehalten, die Claudia Wolscht dramaturgisch schlüssig mit den Dokumentarbildern verschnitten hat. Als der Film auf der finanziellen Kippe stand, soll die federführende WDR-Redakteurin Barbara Buhl das Projekt zur „nationalen Aufgabe“ erklärt und zusätzliches Geld besorgt haben. Das war wohl auch der Grund, warum sich zur Premiere auf der Berlinale Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier und Kulturstaatsministerin Monika Grütters die Ehre gaben. Ein so aufwendiger und umfangreicher Film über einen deutschen Dichter wird so bald nicht wieder in den öffentlich-rechtlichen Anstalten produziert werden. Aber das Fernsehen ist auch die Krux des Films, denn offenbar glaubten Breloer und seine Redakteurin, dass man dem Publikum vor allem Schauspieler bieten müsse, die es schon aus dem Fernsehen kennt. Die Trailer und Vorankündigungen werben im Broadway-Sound...

Heinrich Breloer: „Brecht“. Gemeinschaftsproduktion der Bavaria Fernsehproduktion mit WDR, BR, SWR, NDR und ARTE für die ARD, Ausstrahlungstermine: 22. März 2019 auf ARTE, 27. März 2019 in der ARD.

Dokument der Zerrissenheit

Als Einar Schleef am 21. Juli 2001 in Berlin starb, begann die eigentliche Phase der ­Erschließung seines Werks aus Theaterinszenierungen, erzählender und essayistischer Prosa, Tagebüchern sowie Malerei, Zeichnungen und Fotografie. Die Herausgeberin des Gesprächsbands „Vor dem Palast“, Corinne Orlowski, Jahrgang 1990, ging zu diesem Zeitpunkt noch zur Schule und dürfte wohl den Nachruf von Elfriede Jelinek mit dem bald berühmt gewordenen Diktum vom ­„Genie Schleef“ damals noch nicht gelesen, geschweige denn eine seiner stets heftig umstrittenen Inszenierungen gesehen haben. Jetzt zitiert sie im Vorwort als Erstes aus diesem Nachruf. Insgesamt 23 Künstler, Regisseure, Schauspieler, Dramaturgen, Mitarbeiter, Theaterwissenschaftler und mit der Pflege von Schleefs künstlerischem Nachlass Betraute hat sie befragt – ein wahrhaft breites Spektrum, aber ohne das geht es bei Schleef auch nicht. Für die Gespräche mit so unterschiedlichen Persönlichkeiten wie Jürgen Holtz, Claus Peymann, Bibiana Beglau und Martin Wuttke mag ihr die langjährige Arbeit in einer Schauspielagentur und bei den Ber­linale Talents eine gute Schule gewesen sein, während ihr Studium der Literatur und Ethnologie sie Methoden lehrte, wie man das Feld eines Künstlers über dessen unmittelbare Produktion hinaus erforscht. Das Buch ist ein mustergültiges Beispiel für Theatergeschichte als oral history, in der Erfahrungen und Ansichten zusammen­getragen werden, die...

Vor dem Palast. Gespräche über Einar Schleef. Herausgegeben von Corinne Orlowski, Suhrkamp Verlag, Berlin 2019, 370 Seiten, 24 EUR.

23 Mal Schleef

Kompositionsprinzip Collage

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

„Es muss über Nacht passieren, wenn wir schlafen. Dann kommt es zum Austausch mit dem Doppelgänger“, sagt der junge Arzt Miles Bennell in „Alles wahr“. Er ahnt in diesem Moment wohl, dass es auch ihn erwischen könnte – dank einer Schote aus dem Garten, aus der sich Bennells Doppelgänger winden wird, um von da an ein identisches Leben wie das Original zu führen; allerdings bar jeg­licher Gefühle sowie ohne eigenständiges Denken. Also gibt es für Bennell nur eines: fliehen. Aber: „Wo willst du denn hin? Da draußen gibt es keinen mehr wie dich“, sagen ihm vermeintliche Freunde. Doch Bennell ahnt: Auch sie sind bereits durch Doppel­gänger ersetzt worden. Unheimlich, beklemmend und mitunter auch ironisch ist „Alles wahr – Ein Stück Verschwörungstheorie“, das der Autor und Journalist Daniel Di Falco für das Theater ­Marie maßgeschneidert hat. In seinem unlängst für dieses Ensemble entwickelten Kurzstück „Alles, was uns bleibt“ lässt Di Falco einen Kunsthistoriker sein Wissen auf Keramikplatten kritzeln, um das gegenwärtige Wissen für die Zukunft zu konservieren. Auch in „Alles wahr“ beschäftigt sich der Autor mit der Welt von morgen, diesmal allerdings in einer erschreckenden, von Aus- und Gleichschaltung bestimmten Variante. Als Vorlage diente ihm der aus dem Jahr 1956 stammende...

Theater Tuchlaube: „Alles wahr – Ein Stück Verschwörungstheorie“ (UA) von Daniel Di Falco. Regie Olivier Keller, Bühne Dominik Steinmann, Kostüme Senta Amacker

Aarau: Wach  bleiben!

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Hast du das Stück geschrieben? Ja, ist von mir. Erstaunlich, denn genau so sieht es bei uns aus. Die Werte verfallen, die Künstler verzweifeln. An einem Freitag Ende Januar schneit und schneit es auf Prishtina, und eine Zeitlang fürchten wir, dass unser Flugzeug keine Landeerlaubnis bekommt. Besim sagt, nur halb im Spaß, die da unten seien zu faul, die Landebahn freizuschaufeln. So drehen wir also Schleifen im Himmel über Kosovo, leise besorgt, sie könnten uns abweisen und nach Tirana umleiten. Von dort aus wäre es schwer vorstellbar, die Straße nach Prishtina zu nehmen und rechtzeitig im Theater zu sein, die Straße wäre zugeschneit, und selbst die fleißigen Albaner würden sie nicht so schnell räumen können. Aber dann dürfen wir doch hinunter, das Flugzeug setzt auf, der Pilot erhält Applaus, und alle sind erleichtert. „Alleinunterhalter“ ist das erste meiner ins Albanische übersetzten Stücke, das hier auf die Bühne gelangt. Der Monolog eines gescheiterten Entertainers, der sich für einen großen Künstler hält. Am Ende wird er vom Publikum verhöhnt und verstoßen, von der Presse vernichtet; jemand tritt mit dem Fuß gegen sein Tastofon. Und als wäre das nicht genug, verliert seine junge Geliebte die Nerven und gefährdet seine mit dem Geld der...

Was mein Künstlermonolog in Prishtina unvermutet über albanische Künstler verrät

Der wilde Hans von Kosovo

Massenhafte Arbeitsverweigerung, wilde Demonstrationen, politische Diskussionen – das könnte den 8. März dieses Jahres prägen. Dann ist bekanntlich der Weltfrauentag, früher auch Frauenkampftag genannt. Diese Bedeutung kehrt nun zurück. In den letzten Jahren haben Millionen Frauen vor allem in Nord- und Südamerika, Asien und Teilen von Europa gestreikt und demons­triert. Die Forderungen sind einfach und vernünftig: Pflege und Erziehung müssen kollektiv organisiert werden. Es braucht mehr und bessere Kindergärten, Schulen, Krankenhäuser, Altenheime und in jedem Bereich deutlich mehr Mittel und Personal. Es muss Schluss sein mit ungerechter und schlechter Bezahlung. Und es braucht ein Vorgehen gegen Gewalt im öffentlichen Raum wie auch im häuslichen Umfeld. Die Anzahl der „Ehrenmorde“ und der verharmlosend „Familientragödie“ und „Eifersuchtsdrama“ genannten Tötungen ist erschreckend. Eine weitere Forderung ist körperliche Selbstbestimmung bei Schwangerschaften. Gerade die Forderungen nach einem Ausbau der öffentlichen Versorgung gehen auf Konfrontation mit der von der deutschen Regierung (egal welcher) verfolgten Strategie in der Wirtschaftskrise, die öffentlichen Ausgaben zu schmälern, die Löhne zu senken oder niedrig zu halten und mit einem immensen Exportüberschuss gnadenlos andere Länder unter Druck zu setzen. Darunter leiden die Menschen, die sich weder Aktienpakete, Eigentumswohnung, Kindermädchen, Haushaltshilfen, Putzkräfte, Privatschulen, Nachhilfelehrer und private Zusatzversicherungen leisten können. Und darunter sind zahlreiche...

Geschichten vom Herrn H.: Alle Räder stehen still

Es müssen Köpfe rollen

Der Abend im Theater Oberhausen beginnt vielversprechend: In fahlem Mondlicht, zwischen Farnen und Katzengras, spielt eine Band vor dem eisernen Vorhang. In bester „Hamburger Schule“-Manier – leicht unterspannt, aber mit klugen Texten – untermalen vier Musiker um den Sänger Tom Liwa den ­Einlass. „Heut scheint der Mond / über dem Sumpf / so mega blass / als wär’ er ein Fass / als wär’ er zu voll zu früh.“ Seltsam, dieser Mond, und seltsam, diese Atmosphäre: dunkel, aber wenig bedrohlich. Spannungsvoll, aber lässig. Eine Frau (Lise Wolle) und ein Mann (Clemens Dönicke) treten hinter Liwa auf und sprechen als Hauptmann Narraboth und als Page die ersten Zeilen des Abends. Ihre Zungen sind schwerfällig, ihre Kleidung ist abgeranzt, sie trinken Dosenbier. Sie sprechen über den Mond, der eigentlich eine Frau, eine Mondin sei, und über die Prinzessin Salome. Narraboth ist zutiefst von ihr fasziniert. Er gibt zu, es nicht lassen zu können, sie anzuschauen. Der männliche Blick auf eine junge Frau wird in Oberhausen also von einer Schauspielerin gelenkt. Eine Entscheidung mit viel ungenutztem Potenzial. Als sich der eiserne Vorhang hebt, werden noch mehr wild wuchernde Farne, eine morsche Holztreppe und ein verrosteter Caravan sichtbar: Salomes Königreich ist eine prollige Welt....

Theater Oberhausen: „Salome“ von Oscar Wilde. Regie Stef Lernous, Bühne Sven Van Kuijk, Kostüme Hsin-Hwuei Tseng

Oberhausen: Im Sumpf der Genderdebatte

„Work hard, play hard?“

Man macht sich viel zu selten Gedanken darüber, wie eigentlich die Droge aussieht. Nicht eine spezielle Droge, sondern die Droge an sich: die Drahtzieherin, die hinter jeder Berauschung steckt, sozusagen. Ist sie anziehend oder abstoßend? Sympathisch oder unsympathisch? Trägt sie überhaupt ein Gesicht? Dank des Kasseler Staatstheaters wissen wir nun: Oh ja, das tut sie. Es ist das von Jürgen Wink. Wink ist so etwas wie der stille Star des Theaters in der documenta-Stadt. Seit 15 Jahren gehört er zum Ensemble, und obwohl er sich mittlerweile schon nah ans Rentenalter herangespielt hat, sprüht ihm immer noch jugendlicher Schalk aus der zerfurchten Miene. Er kann frech, er kann albern, er kann nachdenklich, er kann zynisch. Und ohne dass er sich in den Vordergrund drängen müsste, ist da, wo er ist, das Zentrum. Mithin: eine Idealbesetzung, wenn es darum geht, der Idee der Droge ein Gesicht zu geben. In Rebekka Kricheldorfs „Intervention“, der bereits siebten Auftragsarbeit der preisgekrönten Vielschreiberin für das Kasseler Staatstheater – von Schirin Khodadadian auf der Studiobühne zur Uraufführung gebracht –, hat die Droge ihren großen Auftritt. Erkundet wird das Reich des Rausches zwischen Betäubung, Erleuchtung und Ballermann, es geht um Sucht und Abhängigkeit und vor allem: ums Trinken....

Staatstheater Kassel: „Intervention“ (UA) von Rebekka Kricheldorf. Regie Schirin Khodadadian, Ausstattung Ulrike Obermüller

Kassel: Das Reich des Rausches

Der genetische Code Amerikas

Bei Evgeny-Titov-Inszenierungen muss man auf Überraschungen gefasst sein. Mal fällt eine ausgewachsene Kuh vom Schnürboden – so geschehen 2017 bei der „Hexenjagd“ von Arthur Miller am Düsseldorfer Schauspielhaus –, ein anderes Mal wird der Titel eines Stücks gleich ganz neu definiert, wie jüngst am Staatstheater Wiesbaden. „Der eingebildete Kranke“ als Fall von Hypochondrie, davon will Titov nichts wissen. Starb nicht der Verfasser Molière an einem Blutsturz in der Garderobe seines Theaters? „Einbildung“, das liest dieser Regisseur strikt im biblischen Sinn: In Argan, der Titelfigur, sei wie in uns allen die Ursünde „eingebildet“. Vermutlich hat es mit Titovs russischer Herkunft zu tun (er wurde 1980 in Kasachstan geboren), dass er anders, also genauer liest. Und diese Lesarten haben durchaus metaphysische und pathetische Aspekte. Ich denke anders, also bin ich. Ohne die geringsten Deutschkenntnisse kam Titov, nach einer Schauspielausbildung an der Theater­akademie St. Petersburg, nach Wien und studierte am Max Reinhardt Seminar bei Martin Kušej Regie. (Angenommen worden war er erst beim zweiten Anlauf. Titov erwähnt Kränkungen in seiner Biografie fast mit einer gewissen Inbrunst.) Seit gut zwei Jahren inszeniert der 38-Jährige nun selbst und fand auf Anhieb viel ­Beachtung. Die Bühne in Wiesbaden ist kein bürgerlicher Salon, sondern eine kahle Gruft,...

Der Regisseur Evgeny Titov befragt Sinn und Unsinn des menschlichen Daseins mit den Mitteln der Metaphysik

Ich denke anders, also bin ich

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Wie bringt man ein Werk heraus, das im Moment seiner Veröffentlichung aus 13 Kinofilmen besteht, die zugleich aber nur eine Facette eines Gesamtwerks darstellen, das mit der drei­jährigen Installation einer künstlerischen Gated Community am Stadtrand von Charkiw verbunden war, mit der Entwicklung eines Internetportals und einer eigenen Publikations- und Merchandisingreihe? Das DAU-Projekt von Ilya Khrzhanovsky war zunächst ein Sozialexperiment ganz eigener Art, dessen „Abfallprodukt“ an die siebenhundert Stunden Film sind. Im Kern ging es in Charkiw um eine Experimentalgesellschaft, deren Mitglieder ihr Leben unter den Bedingungen in der Sowjetunion zwischen 1938 und 1968 führten – sie waren und sind tatsächlich berühmte Mathematiker, Theologen oder Künstler, die genauso wie Arbeiter, Wachleute oder Straßenfeger gemeinsam an diesem Ort lebten, forschten und ihre Berufe praktizierten. Sie taten dies in einer kollektiven Zeitreise, die durch drei Jahrzehnte akribisch nachgebildeter ­Sowjetgeschichte führte – vom großen Terror in den Weltkrieg und das Tauwetter. * Ursprünglich wollte der russische Regisseur Ilya Khrzhanovsky das Leben des russischen Physikers Lew Landau (auch Dau genannt), des einzigen sowjetischen Nobelpreisträgers, nach einem Drehbuch von Vladimir Sorokin verfilmen. Dafür ließ er in Charkiw ein wissenschaftliches „Institut“ bauen, das jenem entsprach, an dem Landau einst gewirkt hatte. Dieses Set wurde für die bis...

Über die Pariser Weltpremiere des Projekts DAU von Ilya Khrzhanovsky

Das Werk als Passage

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Nicht nur die Chefetage ist neu besetzt. 40 der 273 Beschäftigten nehmen frisch engagiert ihre Arbeit auf. Aufbruchseuphorie im ehemaligen Hoftheater des Fürstentums Lippe mitten in Detmold. Im heutigen Landestheater. Alles steht auf Anfang. Nichts wie hin. 19 Uhr. In der idyllisch ums Residenzschloss kuschelnden, zur Geisterstadt geleerten City herrscht zu dieser Zeit schon aufgeräumte Ruhe. Nur an Theatertagen huschen zu solch später Stunde noch mal kurz bis zu 650 Menschen aus dunklen Parkplatzwinkeln der sparsamen Jugendstilschönheit des Bühnen­hauses entgegen. Nicht unwahrscheinlich, dass dort auch der leibhaftige Schlossbewohner Stephan Prinz zur Lippe, als Mitglied des Vorstands der Theaterfreunde, Platz genommen hat nebst Gemahlin Maria, Gräfin zu Solms-Laubach. Was Bürger und Adel eint, „ist hier eine besonders große Liebe zum Theater als Fixpunkt des Kulturlebens, das merke ich bei jedem Gespräch in der Stadt“, hat die neue Chefdramaturgin Lea Redlich festgestellt, nachdem sie von der sturmumtosten Nordseeküste ins windstille Tal am Fuße des Teutoburger Waldes gewechselt war. Schauspielchef Jan Steinbach holte sie an seine Seite. Beide haben an der Landesbühne Niedersachsen Nord in Wilhelmshaven zusammengearbeitet, bringen also die für Detmold notwendige Erfahrung für Produktionen mit, die sowohl im Stammhaus wie auch in ­Aulen, Gemeindehäusern, Stadthallen der Region funktionieren müssen. Steinbach ver­antwortet...

Unter neuer Intendanz zeigt sich am Landestheater Detmold auch der neue Schauspielchef Jan Steinbach ambitioniert

Keine Anbiederung, nirgends

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Autoren März 2019 / Vorschau

Sweet Dreams?

Zur Schauspielerei war Ursula Karusseit durch ein Betriebskabarett im thüringischen Gera gekommen, wohin es sie nach der Vertreibung aus ihrer Geburtsstadt Elbing in Westpreußen nach Kriegsende verschlagen hatte. Nun saß sie nach einer Ausbildung als Bürokraft im Einkauf in der DDR-Provinz der 1950er Jahre fest, die sie selbst jedoch gern als bodenständigen Ausgangspunkt bezeichnete. Bei der ersten Aufnahmeprüfung an einer Schauspielschule, 1959 in Leipzig, fiel sie durch, der zweite Versuch in Berlin glückte. Noch vor dem Abschluss spielte sie die Anna in Max Frischs „Biedermann und die Brandstifter“ an der Volksbühne in Berlin, erhielt dort sogleich ein Engagement, wie bald darauf am Deutschen Theater. Ein furioser Start, dem schnell legendäre Rollen folgten wie die Rote Rosa in der Uraufführung von Peter Hacks’ „Moritz Tassow“ (1965) oder die Elsa in „Der Drache“ von Jewgeni Schwarz, eine der kanonischen, auch international gefeierten Inszenierungen des DDR-Theaters und wie alle hier genannten in der Regie von Benno Besson. Besson wurde ihr Lebenspartner, ihm folgte sie, als er 1969 an die Volksbühne ging und schließlich dort auch Intendant wurde. So blieb sie in der von Besson geprägten Spur eines von Brecht her gedachten Theaters, entwickelte dabei aber das ganz eigene Profil einer selbständigen, etwas herben,...

Zum Tod der Schauspielerin und Regisseurin Ursula Karusseit

Die raue Diva

Gespielt wird auf einem bedruckten PVC-Boden: konzentrische schwarze Quadrate auf weißem Untergrund, die Unendlichkeit suggerieren – für die Spielenden ohne Ausweg. Von außen ragt einzig ein roter Keil in die Mitte als mögliche Unterbrechung – das Ende eines endlosen Spiels. „Finistère“, so der Titel des Stücks, heißt das westlichste kontinentale Département Frankreichs. Gelegen am äußersten Rand der bretonischen Halbinsel, wurde es bereits zu römischen Zeiten „Finis terrae“ genannt: das Ende der Welt. Es bildete den Fluchtpunkt der alten Welt, die äußerste Spitze der Erde. So wenig jedoch die Welt an der französischen Küste endet, so wirkmächtig ist die Vorstellung eines Ortes geworden, dem nicht zu entrinnen ist und dessen Insassen der Glaube an den totalen Untergang verbindet. Einzig noch das Bild des Keils, der vom Publikum aus in die Spielfläche ragt, dem „Roten Keil“ von El Lissitzky ähnlich, vermag einen Bruch im Kosmos einer wahnhaft gewordenen Welt zu setzen. Mit „Finistère“ sowie der ersten Eigenproduktion „Paare in Zeiten der Hysterie“ begann im November 2017 unter dem Titel „#1 Hysterie“ das erste „Kapitel“ des WuK-Theaters in Halle. Das freie Theaterkollektiv um Nicole Tröger und Tom Wolter hat das Panorama der freien Szene in Halle entscheidend erweitert und sorgt für Verblüffung. Verblüffend...

Das Theaterkollektiv WuK bereichert die freie Szene in Halle mit klugen Inszenierungen über die Katastrophen unserer Welt

Moderne Zeiten

Mittendrin. Im Zentrum. Im Mittelpunkt. Das ist eine privilegierte Position. Aber auch eine exponierte. Je nachdem, wie man es nimmt: Man ist herausgehoben, vor allen anderen. Oder aber: eingekeilt, dem Druck ringsum ausgesetzt. „Europe Central“ heißt der Tausend-Seiten-Wälzer von William T. Vollmann, US-Autor mit deutschen Wurzeln. Der Titel ­seines Romans meint Mitteleuropa, das im 20. Jahrhundert im Fokus der Geschichte stand. Mit eurozentristischer Weltsicht hat das nur entfernt zu tun. Eher mit einem ­Zustand des Zerrieben-Werdens zwischen zwei totalitären Systemen: Faschismus und Stalinismus. Exemplarisch: die Schicksale berühmter Künstlerpersönlichkeiten. Die Bildhauerin Käthe Kollwitz, die bereits im Ersten Weltkrieg einen Sohn an der Front verliert und ihre antiheroische Kunst im Nationalsozialismus nicht mehr ausstellen darf. Die Dichterin Anna Achmatowa, die sich unter Stalin dem Vorwurf der Dekadenz ausgesetzt sieht. Sowie der Komponist Dmitri Schostakowitsch, der in der Sowjetunion mal als Volksheld verehrt, mal als Staatsfeind bedroht wird. Ihre Biografien bilden die verlässlichen Leitmotive im Gespinst polyphoner Perspektiven, als das Vollmann sein Buch angelegt hat. Für das Theater Augsburg hat nun Hausregisseurin Nicole Schneiderbauer dieses Monumentalwerk adaptiert, als Eröffnungsproduktion in der neuen Ausweichspielstätte „brechtbühne im Gaswerk“, einer formidablen Industriekathedrale im Stadtteil Oberhausen (das Haupthaus wird seit Januar 2019 generalsaniert). „Europe Central“ hat es...

Theater Augsburg: „Europe Central“ (UA) nach dem Roman von William T. Vollmann. Regie Nicole Schneiderbauer, Ausstattung Miriam Busch

Augsburg: Gewaltgeschichte des 20. Jahrhunderts

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Festival der Besessenen

Fluchtkunst

Der eine sagt, ich liebe dich. Die andere peitscht ihm ihren Blumenstrauß ins Gesicht. Die Liebe lässt sich nicht fangen und schon gar nicht erklären. Versuche, sie in Sprache zu kleiden, bleiben Fragment oder eben: Versuche. „Was ich über die Liebe denke?“, schreibt Roland Barthes in „Fragmente einer Sprache der Liebe“: „Kurzgesagt nichts. Ich möchte zwar wissen, was das ist, aber wenn ich darin befangen bin, nehme ich sie nur in ihrer Existenz, nicht in ihrer Essenz wahr … Deshalb mag ich jahrelang gut reden über die Liebe haben – ich darf doch nicht hoffen, ihren Begriff anders zu erfassen als ,beim Schwanz‘: anhand kurzer Blitzlichtaufnahmen, Formeln, Ausdrucksüberraschungen.“ Den Protagonisten in Michaela Caspars „Sommernachtstraum“ ist die herkömmliche Lautsprache eh nicht gegeben, sie können die Liebe nicht totquatschen wie Schauspieler in Film und Fernsehen. Sie bleibt bei ihnen, was sie ist: reine Existenz. Das Ensemble von Possible World besteht an diesem Abend aus sechs gehörlosen und zwei hörenden Darstellern sowie zwei Children of Deaf Adults (Codas). Zusammen mit Regisseurin Michaela Caspar haben sie am Ballhaus Ost in Berlin-Prenzlauer Berg einen „Sommernachtstraum“ entwickelt, der sich eigenwillig einer einfachen Lesart entzieht. Es wird kaum laut gesprochen an diesem Abend. Stattdessen arbeitet sich die...

Das inklusive Theaterprojekt Possible World in Berlin arbeitet seit zehn Jahren mit gehörlosen und hörenden Darstellern und entwickelt daraus eine eigenwillig unmittelbare Bühnensprache

Gebärden einer Sprache der Liebe

„Ich glaube, Liebe ist Exil und von Zeit zu Zeit eine Postkarte aus der Heimat, das ist mein Gefühl heute Abend.“ (Samuel Beckett) „Liebe ist das oberflächlichste und ungenaueste Wort, das ich kenne.“ (Bernard-Marie Koltès) Personen Vater/Er Tochter/Sie Zeit Herbst. 3 Tage, 4 Nächte &amp; ein paar Milliarden Lichtjahre. Die typografischen Veränderungen (freie Verse, Textblöcke …) entsprechen Variationen von Rhythmus und Skandierung. Die kursiv geschriebenen Passagen zeigen entweder Zitate aus anderen Sprachen (Russisch, Englisch, Französisch …) oder Songtexte an. Wenn es sich um Songtexte handelt, wird empfohlen, sie zu singen, zu rappen oder zu brüllen. Aus Gründen der phonetischen Lesbarkeit wurden russische Wörter anstatt in kyrillischer Schrift in lateinischer Schrift transkribiert. Ob man den musikalischen Vorschlägen nachgeht oder nicht, sie bilden vermutlich das Unterbewusstsein des Textes. EINE TÜTE KONFETTI Moskau, Kitai-Gorod. Bett, Computer, schmutzige Wäsche, Tassen, Aschenbecher September. 02:33 Nirvana: Frances Farmer Will Have Her Revenge on Seattle Tochter: Posteingang name.vorname@gmail.com Eingegangene Nachrichten 32 Gesendet 64 Entwürfe 128 ich glaube das nennt man eine ausgeglichene Beziehung heute Abend war ich in einem Restaurant in Moskau wo die Tapete komplett aus Seiten der Pravda bestand und auf einer Mauerfläche ein großes Wandgemälde mit Kosmonauten wie sie es früher auf Schulhöfen und...

aus dem Französischen von Marina Skalova und Frank Weigand

Der Sturz der Kometen und der Kosmonauten

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Der Spruch „Du hier und nicht in Hollywood!“ ist zu­gegebenermaßen weder neu noch originell. Aber wenn Wolf E. Rahlfs in Stendal in den Spiegel blickt, sagt er ihn sich dann doch manchmal? Denn eigentlich wollte er einmal in die USA auswandern und Filmregisseur werden, so einer wie Coppola oder Scorsese. Und weil er das gründlich angehen wollte, zog er gleich nach der Schule nach England, bestand zu aller Überraschung (auch seiner eigenen) die englischsprachige Aufnahmeprüfung am ­Liverpool Institute for Performing Arts. Dort studierte er drei Jahre, ging dann noch zwei Jahre nach London, um an der Middlesex University Regie zu studieren. Klingt so, als ob es ernst gemeint ge­wesen wäre mit dem amerikanischen Traum? War es auch, sagt Wolf E. Rahlfs, einundvierzig Jahre alt, jungenhaft-drahtig, ge­radezu sportiv, mit langen, zum Zopf nach hinten gebundenen Haaren. Ist der neue Intendant gerade vom Rennrad gestiegen, oder kommt er von einem Rockkonzert? Beides falsch, die Altmark hält ihn fest im Griff. Und er hat auch sein Tempo schon mal unfreiwillig reduziert. Neben seinem Schreibtisch lehnen zwei Krücken: Sehnenriss im Fuß. Mit „Cabaret“ und „Tod eines Handlungsreisenden“ stemmte er zu Beginn dieser Spielzeit zwei schwierige Auftakt-Inszenierungen seiner Intendanz, jetzt wartet jede Menge Papier auf...

Wolf E. Rahlfs, neuer Intendant des Theaters der Altmark in Stendal, startet mit Tempo – und fokussiert die Träume und Albträume in Zeiten unheilvoller Ideologisierung

Ein amerikanischer Traum

Im Jahr 2018 versprach Italiens neuer Kulturminister Alberto ­Bonisoli von der Fünf-Sterne-Bewegung mehr Geld: für Musik, die ­Theater und ­andere Kulturbereiche. Doch das Gegenteil ist der Fall. Das Haushaltsgesetz für 2019 sieht weitere Kürzungen des Kulturetats vor, der sich von der ­radikalen Halbierung durch die Regierung Berlusconi 2008 nie ­erholt hat. Die Arbeit vieler Theater, Museen, Orchester und Kultur­einrichtungen ist bedroht. Italiens Kulturszene hat noch keine Antwort darauf gefunden, auch keine politische. Ich mache Theater, seit ich 17 bin. Heute bin ich 52, habe viele Regierungen kommen und gehen sehen, viele Versprechen gehört, sogar engagierte Kulturminister erlebt – und doch haben sich die Zustände nicht verbessert. Im Gegenteil, in mancher Hinsicht sind sie schlechter geworden. Heute frage ich mich: Warum? Wer trägt dafür die Verantwortung? Meine einzige Antwort ist, dass die italienischen Theater­macher nie wirklich für ihre „künstlerische“ Freiheit gekämpft haben, nicht für ihre Arbeitnehmerrechte, nicht für die Anerkennung ihrer Kunst als Arbeit, die oft als voluntaristischer Zeitvertreib verstanden wird. Junge Theaterschauspieler in Italien müssen heute viele Jobs jenseits der Bühne suchen, um über die Runden zu kommen. Gegen Ende der achtziger Jahre bekam ich als Schauspieler den gewerkschaftlichen Mindestlohn in Höhe von 54 000 Lire, während einige Schauspieler in...

Wie begegnet Italiens Kulturszene dem budgetären Raubbau, fragt der Intendant der Theaterbiennale in Venedig Antonio Latella

Altruismus oder Kampf

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

Marina Skalova, in Ihrem Stück „Der Sturz der Kometen und der Kosmonauten“, das jüngst am Theater POCHE/GVE in Genf uraufgeführt wurde, beschreiben Sie in starken poetischen Bildern und mit verstörender Klanglichkeit die russische Gesellschaft. Russland habe sich nach dem Zerfall der Sowjetunion in eine „Konfettitüte“ verwandelt, heißt es, später nennen Sie das Land ein „Spaghettisieb“. Zerfallsprozesse sind ein Grundmotiv in diesem Stück. Wie lässt sich diese Thematik im Theater vermitteln? Das Theater eröffnet die Möglichkeit, in die Stimmen und Körper von Menschen einzutauchen, um ihren eigenen Widersprüchen einen Raum zu geben. Mich hat es interessiert, die inneren Konflikte zwischen zwei antagonistischen Wertesystemen, die innerhalb der Figuren von Vater und Tochter weiterleben, aufzuzeigen. Wie findet man in der liberalen Gesellschaft einen Platz, wenn man mit gänzlich anderen Werten erzogen wurde, wenn man zwischen den Konzepten von Individuum und Kollektiv, Ost und West hin- und hergerissen ist? Kann ein Körper das alles zusammenhalten? Der Begriff der Atomisierung war dabei für mich zentral. Rein wissenschaftlich betrachtet, bedeutet das, etwas Großes in seine kleinsten Bestandteile zu zerlegen. Dieses Bild kann auf die Tschernobyl-Katastrophe verweisen, auf die Zersplitterung des sowje­tischen Systems, aber auch auf die Orientierungslosigkeit von Menschen, die an widersprüchlichen Zielen und Vorstellungen zerbrechen...

Marina Skalova über ihr Stück „Der Sturz der Kometen und der Kosmonauten“ im Gespräch mit Elisabeth Maier

Der Kalte Krieg in meinem Körper

Der Auftakt ist ohrenbetäubend. Zwischen den Schweinwerfern hängen Megafone. Der Ruf des Muezzins erklingt. Hinten eine Batterie an Lautsprecherboxen, die zu einer Stufenpyramide aufgebaut sind und deren Membrane sie zu Gesichtern werden lassen. Elektronische Klänge wüten durch den Raum ­– akustische Turbulenzen, die zehn Jahre Krieg ausspeien. Vielen Zuschauern im Mülheimer Theater an der Ruhr sind die Klänge von Mauro Martinuz zu viel, sie halten sich die ­Ohren zu. Aber keiner geht. Das Gastspiel der italienischen Künstlergruppe Anagoor, in Koproduktion mit den Mülheimern entstanden, ausgezeichnet mit dem Silbernen Löwen des Theaterfestivals in Venedig 2018, hat einiges an Erwartungen geweckt. Die „Orestie“ des Dichters Aischylos ist die einzige erhaltene Trilogie des antiken Theaters. Sie ist der Beweis dafür, dass damals Tragödien in einem narrativen Bogen zu einem Ganzen zusam­mengeschweißt wurden, die drei Stücke „Agamemnon“, „Choephoren“ und die „Schutzflehenden“. Es ist ein Virus von Mord und Rache, der durch die drei Stücke zieht. Am Ende des Trojanischen Krieges kehrt Agamemnon nach Athen zurück und wird von seiner Ehefrau Klytaimnestra und ihrem Geliebten Aigis­thos ermordet. Der gemeinsame Sohn Orest, der von der Mutter in die Fremde geschickt worden war, kehrt zurück und rächt den Vater gemeinsam mit seiner Schwester Elektra. Die Rachegeister der...

Starke Bilder und Gegenwartsbezüge – die „Orestea“ der italienischen Künstlergruppe Anagoor am Theater an der Ruhr in Mülheim

Lawine der Rache

The Case of Digital Arts

„And the waterwheel just goes on turning / Fortunes come and go – you know the deal. / While the water down below must keep on churning / Its only business is to drive the wheel“, heißt es in „The Collected Poems of Bertolt Brecht“, und unmittelbar bei der Lektüre entsteht das Bild einer Schauspielerin, die, auf der Bühne stehend, diese Verse singt. (Wann wohl wurden zuletzt „Die Rundköpfe und die Spitzköpfe“ auf einer großen Bühne im englischsprachigen Ausland gegeben?) Der englische Germanist und Brechtforscher Tom Kuhn hat gemeinsam mit dem überaus talentierten Übersetzer und Schriftsteller ­David Constantine das gesamte lyrische Schaffen Brechts, immerhin mehr als 1200 Gedichte, ins Englische übertragen. Etwa fünfhundert davon – erstaunlich, bedenkt man den Weltruhm des Autors – sind erstmals in englischer Sprache zu lesen. Mehr als fünf Jahre hat die mit Sicherheit schwierige, ­bestimmt vergnügliche Arbeit in Anspruch genommen, die auch für den deutschen Leser verblüffend ist. Überraschend genau sind Rhythmus, Reim, Tonfälle, stilistische Eigenheiten beibehalten. Vertraut wirken die Verse, und doch sind es neue Lektüreeindrücke. Im vergleichenden Lesen, zu dem das sehr übersichtliche und mit Registern versehene Buch einlädt, scheint immer wieder eine Vor­stellung von Brechts Arbeit an und mit der Sprache auf:...

The Collected Poems of Bertolt Brecht. Übers. und hrsg. von Tom Kuhn und David Constantine. W.W. Norton & Company, London und New York 2018, 1312 Seiten.

Onwards and no forgetting

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Anna Papst, in Ihrer Theaterreportage „Freigänger“, die auf Interviews mit Strafgefangenen und Fachleuten im Strafvollzug basiert, kommen sehr persönliche Themen von Menschen zur Sprache, die in extremen Situationen leben. Das Stück sucht nach Motiven, die erklären könnten, warum diese Menschen zu Verbrechern wurden. Wie ist es Ihnen gelungen, mit den Gesprächspartnern eine Vertrauensbasis aufzubauen? Angefangen habe ich über die Institutionen. Ich habe sowohl den Direktor der Strafanstalt Lenzburg als auch den Direktor des offenen Strafvollzugs in Witzwil angeschrieben und ihnen mein Projekt vorgestellt. Beide waren sehr offen. Es war aber auch klar, dass wir niemanden von den Strafgefangenen zwingen würden mitzumachen. Dann habe ich einen ganz altmodischen Aushang gemacht. Klar war, dass alle Interviews anonymisiert werden. Und es gab auch keine Entlohnung. Das ist ein wichtiger Bestandteil meiner Arbeit. Als Gegengabe habe ich den Teilnehmern aber Telefonkarten geschenkt. Im Strafvollzug ist das ja die einzige Verbindung nach draußen. Ich war sehr überrascht, wie viele Interessenten sich gemeldet haben. Sie kamen zu mir in ein Büro, das ich während meiner Recherchen bekommen habe. Da hatten wir Zeit, um ins Gespräch zu kommen. Das Redebedürfnis war groß. In Witzwil leben viele Freigänger, die kurz vor der Entlassung stehen. Mit ihnen habe ich...

Anna Papst über ihr Stück „Freigänger“ im Gespräch mit Elisabeth Maier

Die einzige Verbindung nach draußen

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Einführung Witzwil ist der grösste Landwirtschaftsbetrieb der Schweiz. Auf 800 Hektar leben hier 450 Rinder, 100 Pferde, 1000 Schweine und 30 Bienenvölker. Um diese, sowie um die Äcker, Obstanlagen, die Schlachterei und sämtliche Handarbeiten von Schreinerei bis zur Textilwerkstatt, kümmern sich 166 erwachsene Gefangene, die hier ihre Strafe im offenen Vollzug verbüssen. Witzwil ist nämlich gleichzeitig die grösste offene Strafvollzugsanstalt der Schweiz, neben den Gefangenen arbeiten hier 139 Angestellte. Offener Vollzug bedeutet, dass die Männer, die hier leben, nur nachts in ihre Zelle eingeschlossen werden. Tagsüber dürfen sie sich auf dem eingezäunten Gelände frei bewegen. Es besteht Arbeitspflicht, jedem der Gefangenen wird eine Arbeit zugewiesen, die er bis zu seiner Entlassung täglich zu verrichten hat. Wer nach Witzwil kommt, hat die letzte Stufe des Vollzugs erreicht und wird in absehbarer Zeit in die Freiheit entlassen. Dabei spielt es keine Rolle, ob der Gefangene zuvor eine lange Freiheitsstrafe im geschlossenen Vollzug verbüsst hat, oder ob er direkt hierherkam. Entsprechend divers sind die Straftaten, die die Männer begangen haben. Die durchschnittliche Aufenthaltsdauer in Witzwil beträgt sieben Monate und zwölf Tage. In dieser Zeit dürfen die Gefangenen einmal wöchentlich während eineinhalb Stunden Besuch empfangen. Alle sieben Wochen können sie zudem bei Urlaubsberechtigung ein...

Eine Reportage fürs Theater

Freigänger

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Immer gibt es einen Grundimpuls, der jemanden dazu treibt, etwas aus sich heraus zu schaffen. Bei Joachim Hamster Damm scheint dies die Flucht zu sein. Weg aus der schnöden, hässlichen und gemeinen Wirklichkeit? Ja, aber nur, um sich mit Wucht hineinzuwerfen in eine imaginierte Gegenwelt, die noch schnöder, noch hässlicher und noch gemeiner als die vorfindliche ist! Hamster Damm baut sich eine Welt aus Puppen, mit denen spielt er dann ein böses Spiel, und er entwirft Bühnen, auch für ­andere, die sehen aus, wie vom Tim-Burton-Virus infiziert. Idyllen, denen man nicht trauen sollte, Puppenstuben, aus denen niemand entkommt: Himmel und Hölle zugleich. Bei Fontanes „Grete Minde“, Anfang dieses Jahres von Kay Wuschek am Volkstheater Rostock inszeniert, platzierte Hamster Damm zwei großformatige Breughel-Bilder an den Seitenwänden einer possierlichen Kleinwelt, in der die Passionsgeschichte einer jungen Frau erzählt wurde. Auf der einen Seite die Hölle, direkt gegenüber der Himmel. Manchmal fliegen ganze Heerscharen von selbst gezeichneten hageren Engeln vorbei, eine ferne Erinnerung an Schutz und Geborgenheit, die Hamster Damm per Video auf die Häuserdächer projiziert. Aber wo ist der Unterschied zwischen Himmel und Hölle? Von Dämonen bevölkert scheinen sie beide – und wer glaubt, der Hölle glücklich entkommen zu sein und vom...

Puppenstuben, aus denen niemand entkommt – die Fluchtkunst des Bühnenbildners, Puppenspielers und Künstlers Joachim Hamster Damm

Fluchträume träumen

Nicht nur bei der Berufung neuer Intendanzen und nicht nur wegen wiederholter personeller Fehlentscheidungen wie zuletzt beim Schauspiel Köln läuft die Debatte über Leitungsstrukturen an Theatern fortgesetzt auf Hochtouren: Forderungen nach mehr Transparenz seitens der kulturpolitischen Entscheidungsträger, nach kuratierten Findungskommissionen und der Offenlegung von Kriterien werden laut, gekoppelt an die Empfehlung von Doppelspitzen, Leitungskollektiven, Frauenpower und so weiter. In der Kritik steht das Theater als patriarchales, autoritäres, weißes und hierarchisches...

Editorial

Essen ist eine geteilte Stadt. Gleich zwei Mauern, die als Lärmschutzwände zu beiden Seiten die Autobahn A40 einhegen und den Anwohnern eigentlich nur ein bisschen Ruhe schenken sollen, zerschneiden die Stadt. Die stark befahrene Autobahn, die euphemistisch als eine Art Lebensader des Ruhrgebiets beschrieben wird, in Wahrheit aber eher einer chronisch verstopften, kurz vor dem Infarkt stehenden Arterie gleicht, bildet eine deutlich sichtbare Grenze. Sie separiert den Norden vom Süden der Stadt und damit die alten Arbeiterviertel von den Villensiedlungen im Grünen. Wer nördlich der A40 aufwächst, schafft kaum einmal den Sprung auf die andere Seite, und wer dort in den südlichen Stadtteilen lebt, wird die Autobahn höchstens zur Arbeit oder zum Shopping überqueren. Der Weg ins Kino, die Mall oder ins Grillo-Theater führt zwar auf die andere Seite der Stadt, endet aber doch auf quasi neutralem Boden. Denn dort mischen sich die gesellschaftlichen Schichten noch ein wenig. Ansonsten bleibt man eher unter sich. Dieses soziale und natürlich auch monetäre Süd-Nord-Gefälle ist für viele Städte des Ruhrgebiets charakteristisch. In Essen offenbart es sich aber besonders deutlich. Hier ist die eingemauerte A40 tatsächlich eine Art „Sozialäquator“. Nicht ohne Grund sagt Christian Tombeil, der die Leitung des Schauspiels Essen im Sommer 2010...

Unter der Intendanz von Christian Tombeil stellt das Schauspiel Essen mit partizipativen Projekten und politischen Stoffen den Bildungsauftrag in das Zentrum seiner Arbeit

Essener Verhältnisse

Explodierendes Dokumentartheater

Frau Lautenschläger, Frau Westermaier, wie kam es zur Gründung von rua. Kooperative für Text und Regie? Und für was steht der Name? Dorothea Lautenschläger: Es begann alles mit einem Kaffee in Berlin im Februar vergangenen Jahres. Sabine und ich kannten uns von der Arbeit bei henschel SCHAUSPIEL. Während dieser Zeit haben wir uns oft über unseren Wunsch nach einer anderen Arbeitsweise ausgetauscht. Dann erzählte sie mir von einem losen Treffen mit Theaterschaffenden … Sabine Westermaier: … diese erste Zusammenkunft mit zwei Autorinnen und zwei Regisseurinnen war ein lockerer Austausch über die Arbeit am Stadttheater und in der freien Szene. Eine Qualität dieses Gesprächs war: Es wurde nicht lamentiert, sondern diskutiert, wie wir gemeinsam die Strukturen verändern können. Ich war durch dieses Treffen sehr inspiriert, und mir fiel Dorothea ein. Sie sagte sofort zu. Drei Monate später, Ende Mai, konstituierte sich die Kooperative mit einem Dutzend Theaterschaffenden. Lautenschläger: Die Namensfindung war ein bisschen kompliziert. Unser erster Vorschlag, der unsere zentrale Idee der vernetzten und zugleich offenen Zusammenarbeit aus­drücken sollte, ist prompt durchgefallen. Dann haben wir rua erfunden, weil wir uns im Feb-rua-r erstmals getroffen haben. Das Wort hat etwas Literarisches und ist zugleich auch eine Abkürzung...

Was macht das Theater, Sabine Westermaier und Dorothea Lautenschläger?

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Meldungen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Eine offene Rechnung, an die sich offene Fragen knüpfen. Die Situation verlangt natürlich nach Antworten. Und tatsächlich handelt Maya Arad Yasurs Stück „Amsterdam“, zumindest zum Teil, von einer historischen Spuren­suche, an deren Ende ein paar – mögliche – Antworten stehen. Die Fährte führt zu einer Frau, die 1944, verraten vom eigenen Ehemann, ins KZ verschleppt wird. Die überlebt. Die zurückkehrt in ihre Amsterdamer Wohnung. Und die alsbald von den Behörden eine Rechnung zugestellt bekommt über das Gas, das die Nazis verbrauchten, die während ihrer Inhaftierung die Wohnung in Besitz genommen hatten. Keine Strom-, keine Wasser-, nein, eine Gasrechnung. Der Zynismus ist unübersehbar. Die Frau weigert sich zu zahlen, die Mahngebühren potenzieren sich. Jahrzehnte später wohnt eine andere Frau in der Wohnung, eine junge, jüdische Musikerin, die nun ihrerseits eines Morgens eine Gasrechnung erhält, über die horrende Summe von 1700 Euro. Von wem, ist nicht ganz klar. Vermutlich vom Nachbarn, der ebenfalls in die Geschichte verstrickt ist. Die junge Frau beginnt zu recherchieren und findet heraus, wie sich die Dinge zugetragen haben könnten. Die letzte Gewissheit allerdings verweigert Yasurs Text, der beim Berliner Theatertreffen 2018 mit dem Stückemarktpreis ausgezeichnet und nun nach seiner Uraufführung in Haifa am Münchner Volkstheater auf Deutsch...

Münchner Volkstheater: „Amsterdam“ (DSE) von Maya Arad Yasur. Regie Sapir Heller, Ausstattung Anna van Leen

München: Offene Rechnung

Eine Verschwörungsgeschichte über den Einsatz von Giftgas, Berichte aus einem Schweizer Gefängnis, ein Roadtrip von Berlin nach Moskau – die Ergebnisse des Stück Labor sind so vielfältig wie seine Autorinnen und Autoren. Seit 2011 hat das vom Theater Basel initiierte Schweizer Förderprogramm 23 Hausautorenstellen an renommierten Schweizer Theaterhäusern ermöglicht. In der Saison 2017/18 kooperierte es erstmals mit einem Westschweizer Theater, dem POCHE/GVE in Genf. Dabei ist der Text „Der Sturz der Kometen und der Kosmonauten“ von Marina Skalova entstanden, der auf Französisch am 4. Februar 2019 am POCHE/GVE uraufgeführt wurde und hier in deutscher Übersetzung abgedruckt wird.Ebenso finden sich in diesem Heft „Die Verschwörerin“ von Joël László, uraufgeführt am 2. November 2018 am Theater Basel, sowie die Theaterreportage „Freigänger“ von Anna Papst, deren Uraufführung sie am 24. Januar 2019 am Konzert Theater Bern selbst inszenierte. Aktuell arbeiten im Stück Labor am Theater Basel Thiemo Strutzenberger, am Konzert Theater Bern Julia Haenni und am POCHE/GVE Sarah Jane Moloney an neuen Theatertexten. Joël László <a href="https://tdz.de/artikel/018f5f5f-37f6-4315-b6ef-ebc25d6c8909">Zum Stück</a> | <a href="https://tdz.de/artikel/f1af3a98-c473-4d0e-b818-4a8c5fd1c499">Zum Interview</a> Anna Papst <a href="https://tdz.de/artikel/d2214a2f-1252-481e-a6a4-e67ee06f8d4b">Zum Stück</a> | <a href="https://tdz.de/artikel/d0ae00e7-7d26-4f88-8be5-e15f02906443">Zum Interview</a> Marina Skalova <a href="https://tdz.de/artikel/af3dd56a-9aa2-4a07-9e3b-9f87c7523b0b">Zum Stück</a> | <a href="https://tdz.de/artikel/be435afc-b128-45d3-a0f1-b82862feac20">Zum Interview</a>

Joël László – Anna Papst – Marina Skalova

Berliner Ensemble: Dazwischen

Wenn ein Theater in Italien den Namen „Ensemble“ verdient, ist es das Teatro Elfo Puccini in Mailand. Es versammelt eine Gruppe von Theaterleuten, die seit Anfang der siebziger Jahre zusammenarbeiten und immer wieder die feste Aufteilung der Tätigkeiten als Schauspieler, Regisseure, Bühnenbildner oder Techniker durchbrechen. Die Regisseure sind auch Schauspieler, zuweilen beides gleichzeitig, und das Duo Elio De Capitani und Ferdinando Bruni führt seit 1988/89, seit Fassbinders „Die bitteren Tränen der Petra von Kant“ immer wieder auch „vierhändig“ Regie. In der vergangenen Spielzeit inszenierten die beiden „Afghanistan“, ein zweiteiliges Riesenwerk von zehn Autoren (u. a. David Greig, Abi Morgan und Simon Stephens), die 2009 im Auftrag des Londoner Tricycle Theatre eine Geschichte des Landes von 1842 bis heute geschrieben hatten. Im einst entlegenen asiatischen Spannungsfeld zwischen Russland, Indien, England und den USA wurden exemplarisch so ziemlich alle Fehler begangen, die das Verhältnis des Ostens zum Westen heute so kompliziert machen. Das Stück erzählt sie unerbittlich und hilft somit auch, sagt Elio De Capitani, „den Blick dessen zu verstehen, der aus den Tälern des Pandschschir aufgebrochen ist und jetzt neben uns in der U-Bahn sitzt“. Das Elfo Puccini hat aus dem Tumult der Gründerjahre soziales Engagement in Verbindung mit extremer individueller...

Das Teatro Elfo Puccini in Mailand schafft seit Jahrzehnten mit Ensemblegeist und langem Atem große Inszenierungszyklen und pflegt seinen Hausgeist Shakespeare

Immer im Prozess

Joël László, in Ihrem Stück „Die Verschwörerin“ setzen Sie das Privatleben der Toxikologin Silvia, die zur Geschichte des Giftgases forscht, in Beziehung zum politischen und historischen Kontext von Kriegen in unterschiedlichen Epochen. Von geheimnisvollen Informanten bekommt sie Material zu chemischen Waffen zugespielt, die im Nahen Osten eingesetzt werden. Das weckt ihr Interesse und wühlt den Alltag ihrer Kleinfamilie auf. Zugleich geht es um Verflechtungen mit der Wirtschaft. Das Stück ist sehr komplex gebaut. Was hat Sie daran gereizt, den Stoff in die Sprache des Theaters zu übertragen? Für mich war es eine Herausforderung, zwischen den verschiedenen Ebenen in der „Verschwörerin“ eine Durchlässigkeit zu erschaffen. Die Verschachtelung des Privaten, also des Familienlebens der Toxikologin Silvia, mit dem Beruflichen und mit den Ereignissen in unserer Gegenwart hat mich besonders in­teressiert. Also habe ich die Handlung in ­konzentrischen Kreisen angelegt. Besonders wichtig ist mir dabei die Metapher des Topfes: Nach und nach greift die brodelnde Hitze auch auf den intimsten Familienkreis über. Dieses Bild steht also für das Private, das zunehmend von den Ebenen des Kriegs und der Verschwörung vereinnahmt wird. Um die Übergänge sichtbar zu machen, ist das Theater für mich das ideale Medium. Denn auf der Bühne ist es möglich, zwischen...

Joël László über sein Stück „Die Verschwörerin“ im Gespräch mit Elisabeth Maier

Kleinfamilie in der Medienhölle

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Wo, bitte, ist das Bühnenbild? Es ist unterwegs. Der Paketbote bringt es, quittiert wird elektronisch. „Gibt es hier Starkstrom?“ Das Bühnenbild muss aufgeblasen werden. Es ist eine die ganze Bühne füllende Luftmatratze, irgendwie auch ein Trampolin. Es wird Anton Tschechows „Drei Schwestern“ und die sie verehrenden Offiziere in die Luft katapultieren, dass ihnen Hören und Sehen vergeht. So komplett anders ist dieses Setting, so weit entfernt von einem gewohnten Tschechow-Bild wie der Mond von der Erde. So, dass man sich befremdet fragt: Kann man das ­machen? Warum ist das hier so verzweifelt lustig? Wo ist die ­Melancholie, der glasige, in eine vage Zukunft gerichtete Blick, in eine Zukunft, in der alle glücklich sein werden – so in zwei- oder dreihundert Jahren? Der Blick der Regisseurin Pınar Karabulut am Schauspiel Köln auf Tschechow ist ganz gewiss nicht jedermanns Sache. So wenig wie das aufblasbare Bühnenbild von Bettina Pommer, das nach hinten durch eine große LED-Wand ergänzt wird, auf der sich Begriffe, Parolen abbilden und am Schluss der Systemfehler 404, Adressat unbekannt. So wenig auch wie die bonbonfarbenen Daunenkostüme, mit denen die Schwestern sich gegen die winterliche Kälte schützen. Olga, die Älteste (Susanne Wolff), steckt gar in ­einem grotesken Obelix-Outfit: Wenn sie...

Die Regisseurin Pınar Karabulut begegnet Theaterstoffen mit weiblichem Selbstbewusstsein und prinzipiellem Optimismus

Vom Hirn übers Herz in den Körper

TdZ on Tour

Wie verteidigt man am besten die Demokratie? Indem man demokratiefeindliche Kräfte eliminiert? Oder muss man sie schützen ­helfen, sofern sie durch Wählerentscheidungen an die Macht gekommen sind? Das sind zentrale Fragen in Juli Zehs Roman „Leere Herzen“, dessen Uraufführung in Bamberg mit der Entscheidung für eine der beiden Optio­nen endet – und mit Zweifeln: „Ich bin nicht sicher, ob ich verstehe, warum du das getan hast“, bekennt Babak gegenüber Britta. Die beiden betreiben eine zwielichtige Praxis namens Die Brücke, die anno 2025, als die Besorgte-Bürger-Bewegung ein „Effizienz­paket“ nach dem anderen verabschiedet und Menschen- oder gar Völkerrecht aus der Mode gekommen ist, Selbstmordwillige kategorisiert. Die Softies unter ihnen werden geheilt, die Wildentschlossenen einer „sinnvollen“ Verwendung zugeführt. Denn wenn sie für den Dschihad oder radikale Umweltinitiativen sterben, füllt das die Geldbeutel der „Therapeuten“ und sorgt für eine gewisse Hygiene im Terror­business, die Stümper werden ausgesiebt, und ein bisschen Bedrohung muss schließlich sein. Britta vergleicht sie mit „einer juckenden ­Stelle, die jede Gesellschaft braucht, um sich gelegentlich ausgiebig zu kratzen“. Ja, Britta – Nachname Söldner – ist zynisch, aber alle sind zynisch geworden in Zehs Dystopie, weil man erlebt hat, dass „Oberspinner“ wie Trump und Putin den Syrienkrieg beendeten und hehre Absichten sich...

ETA Hoffmann Theater: „Leere Herzen“ (UA) von Juli Zeh. Regie Daniela Kranz, Ausstattung Martina Suchanek

Bamberg: Im Besorgte-Bürger-Land

Unter dem Label „Parkaue [‚be:ta]“ widmet sich das Theater an der Parkaue Berlin der Exploration von neuen Medientechnologien wie Virtual Reality (VR), Augmented Reality (AR) sowie Motion Tracking für Erzähl- und Darstellungstechniken im zeitgenössischen Kinder- und Jugendtheater. Im Frühjahr 2018 entstand bereits in Kooperation mit den ­CyberRäubern (Marcel Karnapke und Björn Lengers) das interaktive Digitaltheaterstück „Die Biene im Kopf“. Das erste von Dramaturgin Almut Pape und ihrem Team entwickelte Laborfestival „Challenge my fantasy – more“ setzte diese Schwerpunktsetzung nun fort. Der Festivalbegriff führt allerdings in die Irre, handelt es sich doch um ein Workshop-Format, dem Ende 2018 eine offene Ausschreibung vorausging. Von den etwa sechzig Bewerberinnen und Bewerbern wurden 25 feste und freie Theater- und Medienkunstschaffende sowie Studierende aus den Bereichen Gamedesgin, Schauspiel, Informatik, kreatives Schreiben oder Szenografie nach Berlin eingeladen und auf drei verschiedene Workshop-Labore verteilt: Eine Gruppe experimentierte unter der Leitung der CyberRäuber mit VR- und AR-Technik zum „Gespensterschiff“ von Wilhelm Hauff, die zweite Gruppe kombinierte Robotertechnik der KleRo GmbH mit dem Grimm’schen Märchen „Der süße Brei“ und eine dritte Gruppe suchte gemeinsam mit Mentoren der Hochschule für Technik und Wirtschaft sowie der Hochschule der popu­lären Künste Berlin nach Strategien, „Die Eselshaut“ von Charles Perrault mit Motion Tracking...

Das Laborfestival „Challenge my fantasy – more“ am Theater an der Parkaue Berlin erkundet virtuelle Theaterformen

Wunderdinge 2.0

Die vierte Wand in der Kunst der Gegenwart

Als Colette starb, brach für Xavier eine Welt zusammen. Er kenne nichts Traurigeres als einen Morgen, an dem er das Frühstück mache und sie nicht komme, sagt er. Ihre Asche habe er in einer Schachtel zwischen seine Bücher gestellt. Als Satana starb, brach für niemanden eine Welt zusammen. Keiner trauerte um sie, nur ein schwarzer Musiker zog sich seinen schicksten Anzug an, ging zu ihrer Beerdigung und heulte Sturzbäche hinter seiner Ray-Ban. Er wusste, wie Satana gestorben war. Patrice würde es später als ein weiteres Beispiel dafür anführen, dass die Reichen machen könnten, was sie wollten, und dass das Recht, die Armen zu töten, zu ihrem Arsenal gehöre. Colette, der Hund, starb an einem Hirntumor. Satana, die Prostituierte, an ihren Verletzungen. In „Vernon Subutex“ von Virginie Despentes ist die Härte der sozialen Spaltung universal. Während die linken Intellektuellen in Cannes rumänische Filme auszeichnen, Kaviar kotzen und sich die Nase mit Koks vollstopfen, stürzen Menschen wie Vernon, ehemaliger Plattenladenbesitzer, nunmehr Langzeitarbeitsloser, immer weiter die soziale Leiter hinab. „Die linken Intellektuellen“, sagt Xavier, „stehen auf Roma.“ Doch sobald einer von ihnen den Mund aufmache, suchten sie sich andere Opfer für ihren Kult. Gerade machen sie den Mund auf. Das Mädchen mit den...

Theater Neumarkt: „Das Leben des Vernon Subutex“ (UA) von Virginie Despentes. Regie Peter Kastenmüller, Bühne Alexander Wolf und Justus Saretz, Kostüme Aino Laberenz

Work, Bitch

Neuerscheinungen im Verlag