Bloß nicht klassisch werden, auch wenn man längst in dem Alter ist! Das scheint das Motto auch der Hundertjahrfeiern der Volksbühne gewesen zu sein, die sich nun sogar selbst auf einem Spruchband mit „altes Haus“ betitelte. Keineswegs resignativ, keineswegs auftrumpfend. Sondern sich auf jene selbstverständliche Weise der drohenden feiertäglichen Umarmung entziehend, die Frank Castorf so gar nicht zum anarchistischen Geist des Hauses zu passen scheint. Hat er recht damit? Ja, hat er. Nein, hat er nicht. Denn an der Volksbühne gibt es immer nur eine Koordinate in Raum und Zeit: nach der Schlacht, der immer aufs Neue verlorenen wohlgemerkt. Das ist bester Heiner Müller, das ist deutscher Geschichtsunterricht in notwendigster Form. Aber nach der Schlacht ist immer auch vor der Schlacht, der nächsten, die erst noch verloren werden will. Kein Problem für den Antiroutinier Castorf, die nächste Niederlage erglänzt aus Mühsal und Faulheit geboren bereits am Horizont. Doch es kann Schlimmeres passieren als die nächste verlorene Schlacht, nämlich gar keine Schlacht mehr in diesem überdimensionierten Kasten aus den Tagen, da Volksbühne Massenideologie („Baut Volkskunsthäuser!“) des Proletariats und noch nicht Spartenkanal für Melancholiker war. Die Gefahr kommt von außen, sie dringt wie ein Virus, der das Immunsystem unterläuft, in den Körper...

Die Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz in Berlin ist 100 geworden

Vererbt den Skandal!

Damals, mit 68 Jahren, in einem Alter, in dem andere sich längst zurückgezogen haben, fing Hansgünther Heyme noch einmal etwas komplett Neues an. Er, der in Köln, Stuttgart, Essen und Bremen die größeren Bühnentanker der Republik und bis 2003 die Ruhrfestspiele geleitet hatte, übernahm 2004 das Theater im Pfalzbau Ludwigshafen – ein reines Gastspielhaus. Mit 1141 Plätzen. Ohne Ensemble, ohne Werkstätten. Ein Theater ohne Theater! Heute, mit 79, am Ende seiner elfjährigen Intendanz in Ludwigshafen, kann er dort eine Bilanz ziehen, die manch andere mit besser ausgestatteten Häusern nicht vorweisen können. Heyme hat Festspiele ins Leben gerufen, für die er nun schon im zehnten Jahr international stilbildende Inszenierungen in die Stadt holt. Er hat vielfältig mit Migranten gearbeitet, die Festwoche Türkei und die ORIENTierungstage begründet, mit griechischstämmigen Bürgern antike Klassiker inszeniert sowie in Koproduktionen mit Theatern in Zagreb und Maribor Aufführungen in kroatischer und slowenischer Sprache hierher gebracht. Außerdem hat er es – wie gesagt, ohne eigenes Ensemble – geschafft, das denkbar größte Musiktheaterprojekt, nämlich Wagners „Ring“, in Ludwigshafen zu realisieren: „für die Menschen der Stadt und mit ihnen“, wie er sagt. Und als Schlusspunkt seiner Intendanz hat er mit rund 70 Laien das Gilgamesch-Epos auf die Bühne gestemmt, eines...

Hansgünther Heyme verlässt nach elf Jahren das Theater im Pfalzbau in Ludwigshafen. Ein Rückblick

In der Höhle des Dra-Dra-Drachens

Theater Aachen: Silbenflimmern im ewigen Krieg

Hessisches Landestheater Marburg: Habt ihr nichts gelernt?

Frau Adnan, Sie leben in Paris. Wie haben Sie die Anschläge auf die Satirezeitung Charlie Hebdo erlebt? Ich möchte über die Ereignisse sprechen, die jenseits der Attentate stattgefunden haben. Über den Marsch der Millionen am gestrigen Sonntag (11. Januar 2015, Anm. d. Red.). An diesem Tag gingen Millionen Franzosen auf die Straße – jenseits religiöser, jenseits ethnischer Grenzen. Es gab keine Grenzen. Es war eine Demonstration der Einigkeit. Das war wirklich sehr beeindruckend. Angst ist ein starker Faktor, wenn es um Selbstzensur geht. Sie selbst sahen sich schon einmal aufgrund eines Textes Morddrohungen ausgesetzt. Wie sind Sie damals mit dieser Bedrohung umgegangen? Ich bekam Morddrohungen, nachdem ich „Sitt Marie-Rose“ geschrieben hatte. Natürlich war ich erschüttert, verärgert, aber ich habe mich nicht beschwert: Ich attackierte auf meine Art und Weise die Phalange im Libanon, indem ich diese grundlegend wahre Geschichte geschrieben hatte. Sie reagierten auf ihre Weise. Es war Krieg. Als Malerin ist Ihr Medium das Bild. Die Terroristen hatten eine bestimmte Art der Bildproduktion zum Ziel: die Karikatur. Wird Ihrer Meinung nach das Attentat Folgen haben auf die Bildproduktion in Europa? Ich bin nicht gegen Karikaturen. Ich weiß nur nicht, ob alles, was in der Hinsicht publiziert wird, notwendig...

Die libanesische Schriftstellerin und Malerin Etel Adnan über die Anschläge in Paris im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Schaut auf die Vorstädte

Seelenschau in Versform

Gespräch mit der KI aus dem Internet

Protagonisten. Die in Tel Aviv und Berlin lebende Yael Ronen gilt derzeit als eine der spannendsten Theatermacherinnen im deutschsprachigen Raum. Bekannt wurde die aus einer Theaterfamilie stammende Regisseurin mit „Dritte Generation“, einer gemeinsamen Produktion des israelischen Habima-Theaters und der Berliner Schaubühne, die Yael Ronen mit israelischen, palästinensischen und deutschen Schauspielerinnen und Schauspielern inszenierte. Seit der Spielzeit 2013/14 ist sie Hausregisseurin am Maxim Gorki Theater Berlin. Ihre Regiearbeiten zeichnen sich durch schwarzen Humor im Umgang mit politischen Konflikten und sensiblen gesellschaftlichen Fragen aus. Merkmal ihrer meist kollektiv entwickelten Stücke ist häufig ein dokumentarischer Kern. Neustart. Zum Auftakt seiner Intendanz an der Neuen Bühne Senftenberg stellte Manuel Soubeyrand gleich Jahrhundertfragen: Die Spielzeit 2014/15 begann mit dem „Jahr100Spektakel“, das sich in drei Teilen den Themen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft widmete. Soubeyrand, der zuvor Intendant der Württembergischen Landesbühne Esslingen war, führte im Rahmen des Spektakels selbst Regie und brachte zum Einstand Heiner Müllers „Germania 3 Gespenster am toten Mann“ auf die Bühne. Wie ist der Neustart geglückt? Wie schreibt sich die Geschichte der Neuen Bühne, die sich unter Vorgänger Sewan Latchinian auch in den Fokus des überregionalen Feuilletons spielte, in der ersten Saison fort?

Um nach Budapest zu gelangen, wo die Bäume voller Guaven hängen, muss man die große Straße überqueren, durch den Busch und am großen Stadion vorbei. Etwas länger dauert der Weg nach Shanghai, er führt an Budapest vorbei, Richtung Osten bis zum Steinbruch und ein Stück darüber hinaus. Diese buchstäblich verrückte Topografie stellt in dem Debütroman Wir brauchen neue Namen von NoViolet Bulawayo die Kindheitslandkarte der Ich-Erzählerin Darling dar; darauf auch ihr Zuhause, ein Slum namens „Paradise“, bewohnt von den Opfern des – will man Simbabwe, das Geburtsland der Autorin, als Vorbild gelten lassen – Regimes von Robert Mugabe. Auch Darlings Eltern wurden in dieses „Paradies“ vertrieben, mittlerweile lebt der Vater in Südafrika, um Geld zu verdienen, während die Mutter versucht, die Familie durchzubringen. Da die Lehrer den scheiternden Staat längst verlassen haben, streunen Darling und ihre Clique alltäglich durch Paradise, Budapest und manchmal bis nach Shanghai, um ihren Hunger zu stillen, ihren Hunger nach Nahrung und Erfahrung, nach Leben und Liebe. Am liebsten spielen sie Krieg – sei’s abstrakt als Rivalität verschiedener Nationen, deren Grenzen mit einem Stock im Sand gezogen wurden, sei’s konkret mit ihren neuen Plastikspielzeugwaffen. Nicht nur Darling hofft auf eine Emigration in die USA, zu ihrer...

Literatur: Vom Paradies über die Straße bis nach Shanghai

Personen: Junger Mann Junge Frau Mann Psychologe Alexej Student Bohdan Student Wowa Iwona Jurko Wasyl Olena Olga Dozent der Theaterhochschule Rothaarige Frau Jurko 2 Alla Dan Natascha Taras Andrej Andrej 2 Ljoscha Katja Freiwillige 1 Freiwillige 2 Freiwillige 3 Freiwilliger 4 Freiwillige 5 Kosak 1 Kosak 2 Kosak 3 Rothaarige Frau Junge Frau in Blau Mykola Hübsche Frau Frau in Rot Tante Schenja AutoMaidan-Funk Anmerkung: Bei den Fußnoten im Text handelt es sich um Erläuterungen der Autorin. TEIL 1: NOCH LEBEN ALLE An einer Tonne auf dem Maidan1 Junger Mann: Er war wirklich ganz überzeugend. So für das Gute … Er hat darüber gesprochen, dass Gut und Böse schon Tausende von Jahren auf der Erde kämpfen. Dann ist Satan gekommen. Und seit zehntausend Jahren regiert Satan die Welt. Zehntausend waren das, oder? Junge Frau: Mhm, ja. Junger Mann: Ich glaube, zehn. Und Gut und Böse kämpfen gegeneinander. Und jetzt muss einer siegen. Junge Frau: Und man spürt einfach, dass er so gar keine materiellen Interessen hat. Mann: Der Krieger des Lichts? Junger Mann: Ja, ja, ja. Der Krieger des Lichts … und der andere Typ war … Mann: Der Krieger des Dunkels. Junger Mann: Aus Dniprodserschinsk. Und er hat...

Tagebücher des Maidan

Dienstag, 12. Mai 2026

Montag, 08. Juni 2026

„Das Wichtigste ist jetzt, dass wir weitermachen.“ Ein Satz wie dieser klingt nach den Anschlägen auf die Satirezeitung Charlie Hebdo und den jüdischen Supermarkt in Paris verzweifelt, trotzig, ja vielleicht viel zu klein angesichts der Attentate. Und doch ist er wahr. Wir sind Charlie. Schön. Und gut! Aber wir müssen es auch weiterhin sein. Sensibel für die Fragen des Zusammenlebens. Warum die Kunst in Frankreich heute wichtiger ist denn je. Der Regisseur und Leiter des Théâtre Nanterre-Amandiers Philippe Quesne im Gespräch mit Lena Schneider (Theater der Zeit). Philippe Quesne, auf der Webseite des Théâtre Nanterre-Amandiers schrieben Sie kurz nach dem Attentat vom 7. Januar: „Das Wichtigste ist jetzt, dass wir weitermachen.“ Warum war Alltag die einzig richtige Art, mit dem Entsetzen umzugehen? Das Ereignis war tatsächlich ein unglaublicher Schock für uns alle. Erschütternd und jenseits des Vorstellbaren, auch für uns, die wir als Künstler jeden Tag mit Fiktion arbeiten. Es ist eine tiefe persönliche Erschütterung, aber auch eine der französischen Gesellschaft, der Meinungsfreiheit überhaupt. Der 7. Januar war für uns der Tag der Wiederaufnahmepremiere von „La Mélancolie des Dragons“. Angesichts des Attentats fragten wir uns natürlich, ob man da überhaupt spielen kann. Aber letztendlich waren wir uns einig, dass...

Warum die Kunst in Frankreich heute wichtiger ist denn je. Der Theaterleiter und Regisseur Philippe Quesne im Gespräch mit Lena Schneider

Was Menschsein bedeutet

Heiner Müller, eine Differenz: „Das weiß jedes Kind.“ Er ist, und das zeichnet ihn aus, kein braver Textlieferant für ein Theater, das um sich selbst kreist. Heiner Müller lädt uns dazu ein, Theater mit Texten zu machen, die der Illustration, wie die Theaterinstitution es bevorzugt, trotzen. Jeglicher Versuch, seine Texte zu zähmen, ist müßig. Der Text ist nicht mehr, was er war. Aber man kann mit ihm Theater spielen, wenn man weiß, dass Geschichtsschreibung nicht das Hauptanliegen von Heiner Müller ist (es sei denn, um das Schweigen der Geschichte aufzuschrecken). Sein Gebiet ist die Geschichte des Schreibens; er will sich in sie einschreiben. Deshalb greift er auf Märchen, Mythen und Zitate zurück. Besonders offensichtlich ist das in dem „Gräuelmärchen“ „Leben Gundlings Friedrich von Preußen Lessings Schlaf Traum Schrei“ – ein serielles und chorales Schreiben. Jean Jourdheuil verfügt über das besondere Talent, diese Verweigerung der Linearität in den Raum zu inszenieren. 1976 steckte Müller ihm bei einem Besuch diesen damals noch unveröffentlichten Text zu. Jourdheuil übersetzte ihn, ebenso wie „Mau- ser“ und „Der Horatier“. Damit begann eine bis heute andauernde Praxis. Von der Übersetzung zur Inszenierung und zur Veröffentlichung ist es nur ein Schritt, möglichst einer mit Siebenmeilenstiefeln. Aber Jourdheuil...

Comédie de Genève / Théâtre du Loup: „Leben Gundlings Friedrich von Preußen Lessings Schlaf Traum Schrei“ von Heiner Müller. Regie Jean Jourdheuil, Ausstattung Jean-Claude Maret

Genf: Schreiben gegen / für das Theater

Schreibt den Mehrtürer!

■ Die Pantomimin, Regisseurin und Schauspieldozentin Brigitte Soubeyran ist am 16. Januar 2015 im Alter von 82 Jahren verstorben. Geboren 1932 in Köln, war die gelernte Schneiderin in den 50er Jahren Mitglied im Pantomimenensemble Jean Soubeyran. Gemeinsam mit Soubeyran wurde sie von Bertolt Brecht ans Berliner Ensemble engagiert. An der Seite von Benno Besson gehörte sie in den 60er und 70er Jahren zu den wenigen Regisseurinnen in der Ost-Berliner Theaterlandschaft. 1962 gründete Soubeyran gemeinsam mit Wolf Biermann das bat (Berliner Arbeiter- und Studententheater). Später wechselte sie an die Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz. Nach ihrem dortigen Weggang widmete sie sich ab 1978 an der Seite des Schauspielers Christian Grashof neben Inszenierungen in Budapest, Tübingen, Köln, Spoleto und Chemnitz mehr und mehr dem Schreiben. Sie war jahrzehntelang als Dozentin an der Berliner Schauspielschule „Ernst Busch“ tätig. ■ Thomas Spieckermann wird mit Beginn der Spielzeit 2015/16 neuer Intendant des TAK Theaters Liechtenstein. Der promovierte Theaterwissenschaftler und Historiker ist derzeit Chefdramaturg und stellvertretender Intendant des Theaters Konstanz. Spieckermann tritt sein Amt am 1. August 2015 in Nachfolge von Barbara Ellenberger an, die im Sommer 2015 nach acht Jahren am TAK zu Miller’s Studio in Zürich wechselt. ■ Der Münchener Dramatiker, Lyriker und Prosaautor Albert Ostermaier...

Meldungen

Das Ei ist entsetzt. Siebeneinhalb Jahre ist Alice also schon alt! Dann ist ja alles entschieden. Oder? Lässt sich da noch was ändern? „Mit der richtigen Hilfe schon“, erklärt das Ei in Lewis Carrolls Klassiker „Alice hinter den Spiegeln“ (der Fortsetzung von „Alice im Wunderland“). Die Geschichten des wegen seiner sonderbaren Zuneigung zu jungen Mädchen als skurril geltenden Briten handeln von der scheinbar unüberwindlichen Grenze zwischen Kindheit und Erwachsensein, und geschrieben wurden sie von jemandem, der „selbst lieber ein Kind wäre“. So drückt es die Regisseurin Nora Schlocker aus, die am Deutschen Theater Berlin mit 17 Kindern und Jugendlichen zwischen acht und 19 Jahren „Alice“ probiert, einen Abend von Kindern für Erwachsene, der am 8. Februar Premiere feiert. Mit dem Jungsein und frühen Erwachsenwerden hat Nora Schlocker ihre ganz speziellen Erfahrungen gemacht. Die 1983 in Innsbruck geborene Professorentochter wurde mit fünf eingeschult, machte zwölf Jahre später Abitur und wurde mit 18 in die Regieklasse der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ aufgenommen; diesem „elitären Schuppen“ entfloh sie regelmäßig zu Prüfungen, die sie lieber an der Volksbühne (Vordiplom) und am Maxim Gorki Theater (Diplom) absolvierte. Inzwischen, mit 31, hat sie 35 oder 40 Inszenierungen hinter sich und ist auch schon Mutter der...

Die Regisseurin Nora Schlocker gräbt in großen Stoffen nach kühnen Analogien

Ob es euch missfällt?

Biennale München: Tanz mit Karla 

Im vergangenen August war Birdman von Alejandro Gonzáles Iñárritu der viel umjubelte Eröffnungsfilm des Festivals in Venedig: die Geschichte des Schauspielers Riggan Thomson (Michael Keaton), der vor langer Zeit in der Rolle des Superhelden Birdman, eines sagenhaften Wesens zwischen Mann und Raubvogel, berühmt geworden war, seit langem aber nichts Rechtes mehr zustande gebracht hat. In seinem Film, in dem Stunden und Tage wie schwerelos ineinander übergehen, begleitet Iñárritu seinen Helden beim Versuch eines Comebacks. Um im Gedächtnis des Publikums nicht auf ewig mit der alten Rolle des Vogelmenschen verbunden zu bleiben, strengt Thomson eine ambitionierte Inszenierung am Broadway an, ein Kunst-Stück, mit der er sich, gleich im Doppelpack als Regisseur und Hauptdarsteller, selbst zu feiern gedenkt. Doch ganz so einfach ist das nicht: Seine Tochter (Emma Stone), die er über Jahre missachtete und die er nun als Assistentin engagiert, kämpft noch immer gegen ihre Drogensucht. Und mit dem exzentrischen Mike (Edward Norton), den er als seinen Bühnenpartner ins Boot nimmt, holt sich Thomson zugleich auch einen potenziellen Rivalen um Ruhm und Erfolg an den Hals. Das alles wird zu einer vielschichtigen Tragikomödie mit rhythmisch-fiebrigem Jazzsound und einer mal elegischen, mal absurden Grundstimmung verdichtet: Fantasie und Realität, Theater und Wirklichkeit gehen...

Film: Der Traum vom großen Glück

Mittwoch, 24. Juni 2026

Das Begreifen, der Begriff, die Begrifflichkeit

SEINE OKTOBERKOLUMNE BESTAND IN einem Nachruf auf Günter Junghans, den wunderbaren Schauspieler, der uns vor allem aus seiner Volksbühnenzeit in Erinnerung ist. Am Ende kam der Autor darauf, dass Eberhard Esche in einer Gedenkrede einmal einen „Schauspielerhimmel“ statuiert hatte. „Für Günter Junghans“, so Martin Linzer, „wird sich dieser Himmel öffnen. Ich Ungläubiger glaube an diesen Spezialhimmel, zumal ich hoffe, dereinst dort über die alten Freunde ein Himmelseckchen schreiben zu können. Natürlich alles zu seiner Zeit.“ Die Zeit kam allzu schnell, und die Verstörung war groß über diese Nachricht vom 15. Dezember – wie das, Martin Linzer hat die Feder für immer aus der Hand gelegt? War er nicht der Kritiker, von dem Heiner Müller gesagt hatte: „Martin Linzer geht seinem Beruf seit Jahrhunderten nach“? Durch eine beharrliche, souveräne, sich von keinen Widrigkeiten der Kulturpolitik oder der Personalien aus der Bahn werfen lassende Arbeit war er zu einer Instanz geworden, ohne die man sich das Berliner Theaterleben nicht recht vorstellen konnte. Er verkörperte diesen Rang, diese Präsenz ohne jegliche Attitüde, mit einer Zurückhaltung, einer Distanz, einem fundamentalen Abstand zu aller Getragenheit, die alles, was er sagte und schrieb – und er hielt nicht hinterm Berge, wo er auf Dummheit und Selbstgefälligkeit...

Martin Linzer zum Gedenken

Bewahrer der Maßstäbe, Fürsprecher des Neuen

Meine erste Erinnerung an die kleine Frau, die Ruth Glöss war, rührt aus den 1980er Jahren: Sie spielte in Heiner Müllers „Macbeth“-Inszenierung an der Berliner Volksbühne den Lenox, ein zartes, merkwürdiges Wesen mit einer sich einprägenden Stimme, schnörkellos und direkt im Umgang mit der Macht. Da hatte Ruth Glöss schon ein Theaterleben hinter sich: 1928 in Dresden geboren, wollte sie eigentlich Tänzerin werden, aber ein französischer Ballettmeister attestierte ihr mit zwölf Jahren „schauspielerisches Talent“.* Daran erinnerte sie sich nach dem Krieg und der „Ausbombung“. Sie nahm Schauspielunterricht und reiste mit dem Kabarett Die Distel quer durch die DDR. „Zehn Jahre Provinz und das Kabarett“ lagen hinter ihr, als sie 1964 von Wolfgang Heinz an die Volksbühne engagiert wurde. Dort spielte sie zwanzig Jahre – auch in der „goldenen Zeit“ unter Benno Besson, der sie prägte, wie Manfred Karge, Matthias Langhoff und Fritz Marquardt. 1987 wurde sie von Manfred Wekwerth an das Berliner Ensemble engagiert, am Ende von dessen Intendanz „von den fünfen gekündigt“. Aber mit Beginn der neuen Spielzeit stand sie wieder auf der Bühne in Einar Schleefs „Wessis in Weimar“: „Er hat mich immer besonders behandelt, während er andere angebrüllt hat. Er war ja verrückt. Aber er hatte ein...

Zum Tod der Schauspielerin Ruth Glöss

„Eine Marionette – das ist Scheiße“

In diesen Tagen ein Editorial für diese Zeitschrift zu schreiben ist schwer. Die Bilder haben sich eingebrannt. Unwiderruflich. Einschusslöcher in einer Redaktion. Zwei Tote auf der Straße. Vier weitere in einem Supermarkt. Redaktion, Straße, Supermarkt – Orte, die für Öffentlichkeit stehen. Für das Recht, öffentlich seine Meinung zu äußern. Für das Recht, diese öffentlich zu diskutieren. Für das Recht, sich frei zu bewegen. Ungeachtet von Geschlecht, Herkunft, Religion. 18 Menschen...

Editorial

Hinter einem Gitterzaun laufen Flüchtlinge in Jogginganzügen auf und ab. Unsichere Blicke verraten ihre Angst. Regisseur Wojtek Klemm siedelt Sophokles’ Tragödie „Antigone“ am Luzerner Theater in einem Umfeld an, das für viele Asylsuchende Wirklichkeit ist. Für den deutsch-polnischen Regisseur ist Sophokles’ Tragödie über die verzweifelte Kämpferin Antigone, die ihren Bruder trotz des Verbots in der Erde seiner verlorenen Heimat begräbt, hochaktuell. In Theben, das einst sein Vater Ödipus und später Polyneikes selbst regierten, hat Kreon den Kampf um die Macht gewonnen – und verboten, Polyneikes, den zum Feind gewordenen Neffen, zu bestatten. Klemm interpretiert den Mythos als Metapher für die Unfähigkeit der Schweizer, jenseits eigener politischer Konflikte die Nöte der Flüchtlinge zu sehen oder sich als Teil des Systems Europa zu begreifen. Der Tunnelblick führt in die Isolation. Noch ist die Volksabstimmung über das Einwanderungsgesetz in aller Munde. Das neutrale Land versagt im Umgang mit „Fremden“. Asylsuchende dürfen in etlichen Kantonen nur in Begleitung ihrer Betreuer ins Schwimmbad. „Sensible Zonen“, die das Bundesamt für Migration festlegt, sind tabu. In Mascha Mazurs betonkaltem Bunker, den Neonröhren und Lautsprecher eingrenzen, sind die „Fremden“ immer präsent. Es sind Asylsuchende, die bei Luzern leben. Klemm, der mit radikalem Körpertheater Klassiker hinterfragt, holt die Ausgesperrten...

Luzerner Theater: „Antigone“ von Sophokles. Regie Wojtek Klemm, Bühne Mascha Mazur, Kostüme Julia Kornacka

Luzern: Heldin mit Tunnelblick

Zwischen Kung-Fu und Beckett

Ehrlich Verbunden

Nur das Beste des Schweizer Theaters

Man hört es oft, und fast scheint vergessen, dass dies ein Zitat aus François Rabelais’ „Gargantua“ ist. Der Autor war ein Mann der Renaissance, der sich, so der russische Literaturwissenschaftler Michail Bachtin, dem Karnevalesken verschrieben hatte, das Hierarchien und Werte auf den Kopf stellt und das Verhältnis von Mächtigen und Untergebenen, Adel und einfachem Volk, denen dort oben und den anderen unten, umkehrt. Der Karneval ist zweifellos fest in der Fantasie des Volkes verankert. Er weckt befreiendes, subversives, profanes, libertäres Lachen. Rabelais’ Inspiration waren Aristoteles und auch Aristophanes, die mittelalterliche Farce und der Jahrmarkt. Sein Schreibstil war im wahrsten Sinn des Wortes zwanglos. Er mischte Umgangs- und Schriftsprache, formulierte im Jargon der Wissenschaft ebenso wie in der Mundart des Volkes, wandte sich an manierierte Aristokraten und an abenteuerlustige, abergläubische, analphabetische Matrosen gleichermaßen. Sein war ein lautes Lachen, das mit frechen Gedankenblitzen den Geist des Seriösen zugunsten der Groteske, der Karikatur, der Burleske vertrieb. Respektlosigkeit lag ihm im Blut, wie dem Eulenspiegel, Nasreddin Hodscha, dem prominentesten Protagonisten humoristischer Geschichten im gesamten türkischislamisch beeinflussten Raum, oder einem der anderen entschlossenen Spötter des guten Geschmacks und der Konvention. Der Dadaismus wusste sich des Karnevals zu bedienen, um so die offizielle Kunst und ihre...

Das Lachen ist dem Menschen eigen

Süß-saurer Einheitsbrei bremst kulturelle Vielfalt

Festakt und Vielfalt

Mit der medialen Theaterproduktion „Three Posters“ (2000) hat der libanesische Schauspieler, Regisseur, Dramatiker und bildende Künstler Rabih Mroué in der Kooperation mit dem Schriftsteller Elias Khoury das Klischee der vorausgesetzten Identität von islamistischem Fundamentalismus und Terrorismus erschüttert. Geht es einerseits um das Verhältnis zwischen Bild und Tod, das sich in den Videobotschaften der Selbstmordattentäter ausdrückt – der Attentäter spricht aus einer Zeit nach seinem Tod –, so schockiert vor allem das Video eines gescheiterten Kommunisten, der 1978 in der israelischen Besatzungszone ein Selbstmordattentat verübte. Diese Theaterarbeit hat eine große Aktualität behalten, weil sie die automatischen Mechanismen der medialen Zuschreibungen in Frage stellt. So wie die arabische Welt zu häufig allein als islamische Welt definiert wird und dabei ihre kosmopolitischen Traditionen, ihre religiöse, ethnische und kulturelle Vielfalt in Ländern wie dem Libanon, Syrien oder Ägypten ausgeblendet werden, so kann der aktuelle Terrorismus, auch die Selbstmordattentate, nicht nur als ein Phänomen des Islam gelesen werden. Wenn wir den Ansatz des französischen Politikwissenschaftlers Olivier Roy aufgreifen, den islamistischen Terror nicht zuerst als ein religiöses Phänomen zu lesen, sondern als ein kulturelles, dann ergeben sich Bezüge zu revolutionären Bewegungen wie der RAF oder sogar der Che Guevaras. Als radikalisierte und kriminalisierte Rebellion sprechen Terrororganisationen...

Wie der Künstler Rabih Mroué mit seiner Arbeit die Verwerfungen zwischen Europa und der arabischen Welt systematisch analysiert

Abschied vom Kampf der Kulturen

Es gab Zeiten, da reiste Kurt Wagner mit seiner Band Lambchop in der Stärke eines Fußballteams um den Globus, mit 13 oder 14 Instrumentalisten, einem Sortiment an Gitarren, Bläsern, Streichern. Damals, Ende der 90er Jahre, zählte die Formation aus Nashville zu den Ersten der amerikanischen Indiesphäre, die das Bandkonzept als sehr flexible Angelegenheit auffassten: als fließendes System, das epische Größe annehmen kann oder aber die Intimität eines Gesprächs unter Freunden am Küchentisch. Heute ist die Band nur noch in Ausnahmefällen in voller Stärke auf Reisen. Zuletzt erschien das reduzierte Album „Mr. M“, das einige der persönlichsten Songs enthält, die man von Lambchop kennt. Kurt Wagner schrieb sie, und dachte dabei an einen engen Freund, den Songpoeten Vic Chesnutt, der sich Ende 2009 das Leben nahm. Vergänglichkeit und Trauer ziehen sich durch diese jüngsten Songs, gelegentlich schlägt der Mann mit dem lakonischen Bariton auch vorsichtig optimistische Töne an und beschwört die Selbstheilungskräfte des Innenlebens: „And the warm comes back, even though you thought it would not“, heißt es mal. In Wagners Songkatalog finden sich immer wieder verlässliche Seelentröster. Nicht wenige davon sind auf dem Album „Nixon“ von 2000 versammelt, auf dem sich die Band damals von ihrer opulentesten Seite präsentierte. Der...

Musik: Wechselwetter

Was macht das Theater, Barbara Bily?

Zu schön, um wahr zu sein?

Junges Theater in Kriegs- und Krisenzeiten

Aufbrechen ist auseinanderbrechen. Es setzt eine Öffnung voraus. Es geht einher mit einem Bruch, einem Sich-Aufreißen, -Enthäuten und -Zerlegen. In Kafkas „Der Aufbruch“ möchte der Ich-Erzähler den Ort verlassen, in dem er wohnt. „Weg von hier“, sagt er, „die Reise ist so lang, daß ich verhungern muß, wenn ich auf dem Weg nichts bekomme.“ Fortgehen und unterwegs sein, das ist sein Ziel, auf das Gewohnte verzichten, auf Diener und Privilegien. Die Gewohnheit ist eine Decke, sie deckt alles zu, so Vilém Flusser. Man muss aus dem Gewohnten heraustreten, will man das Gewöhnliche überhaupt erst sehen. Gefahren sind dabei produktive Kollateralschäden. Utopien sind keine gewohnten Räume. Gewiss aber Heterotopien wie Gefängnisse, in denen die Freiheitsstrafe vollzogen wird. Das Bestrafungsritual soll laut Strafgesetzen präventiven Zwecken hinsichtlich des Täters und zugleich auch der Allgemeinheit dienen. Auch die exkludierte Gefängnisgemeinschaft kann sich eines Rituals wie Theater bedienen, um in die Räume des Utopischen zu tauchen, ins Ungewohnte im gewohnten Gefängnis. Das Berliner Theaterprojekt aufBruch versucht, mit zwei neuen Projekten ordnungssystematische Prozesse und Kreisläufe in der Gesellschaft zu durchleuchten. Nach einem Schreibworkshop mit den Autoren Mariana Leky und Martin Jankowski (Berliner Literarische Aktion e.V.), in dem Gefangene in der JVA Plötzensee in Eigenverantwortung Texte entwickeln,...

Wie dem Berliner Gefängnistheater aufBruch in seinen zwei neuesten Produktionen der Ausbruch gelingt – als Aufbruch aus dem Gewohnten

Weg von hier

Theater des Ungehorsams

Schauspiel Stuttgart: Party mit Schlammschlacht

Ist das angewandter Voyeurismus oder kongenial künstlerische Verarbeitung unserer modernen Wirklichkeit? Wahrscheinlich beides, denn Andy Warhol nimmt den medialen Voyeurismus auf, er wird ihm zum Stoff für fotografische Tableaus, die im Abbildhaften etwas Urbildhaftes aufscheinen lassen. Die boulevardeske Gier auf fremdes Leid wirft dunkle Schatten; mit Beklemmung erkennen wir hier plötzlich die Wiederkehr eines mittelalterlichen Sujets: des Totentanzes. Der Tod ist ein zentrales Thema im Werk Warhols. Inmitten der schönen neuen Konsumwelt greift er plötzlich nach uns, genauso brutal und hässlich wie an den Anfängen der Menschheit. Aber wie Rilke in „Die Aufzeichnungen des Malte Laurids Brigge“ konstatiert: Kaum einer hat mehr einen eigenen Tod, der zu ihm passt. Auch der Tod ist ein fabrikmäßiges Massenprodukt geworden, er wird in Serie produziert. Darum geht es in der Ausstellung „Andy Warhol. Death and Disaster“, die die Kunstsammlungen Chemnitz noch bis zum 22. Februar zeigen und zu der ein aufwendig gestalteter Katalog erschien. Der Tod im Zeitalter technischer Hochbeschleunigung ist allem ein Unfall, eine Havarie der Systeme, die sich zur Katastrophe auszuwachsen vermag. Da kehrt die Apokalypse gleichsam durch die Hintertür der Fortschrittsideologie zurück. Und das mit aller grausamen Wucht. Das wird dann zur Kehrseite des amerikanischen Traums: Der Tod in der...

Kunstsammlungen Chemnitz (Hg.): Andy Warhol. Death and Disaster. Kerber Verlag, Bielefeld 2014, 136 S., 39,95 EUR.

Moderne Totentänze

Staatsoper Stuttgart: Klangarchiv der Sehnsüchte

Staatsschauspiel Dresden: Deine Eltern haben dich nicht lieb

Dienstag, 26. Mai 2026

Herr Trittin, wann waren Sie zum letzten Mal im Theater? Gestern. Zur Premiere von „Der geteilte Him- mel“ in der Berliner Schaubühne. Kurz vor Weihnachten habe ich Jürgen Kuttners Abend über 100 Jahre Volksbühne gesehen. Da durfte ich am Schluss mitspielen, obwohl ich Mitmachtheater nicht mag. Aber wenn der mich schon ausguckt, dann ist es auch blöd, Nein zu sagen. Passiert Ihnen das häufiger? Schauspieler ist ein schwieriger Beruf, den man richtig erlernen muss. Wenn man Laien auf die Bühne holt, steht man im Verdacht, dass man dem Publikum Leute zur Schau stellen will, über die es lachen soll. Weil sie unbeholfen sind. Und wie ist „Der geteilte Himmel“? Das Buch hat viele geprägt, die dramatische Umsetzung wird jetzt nicht in die Annalen neben Shakespeare und Brecht eingehen, um es mal so zu sagen. Aber mir hat der Abend gefallen, man hat da gesehen, was Schauspiel für ein Handwerk ist – gerade durch den dritten Darsteller auf der Bühne, der mal einen Arbeiter, mal einen Arzt in der Psychiatrie spielte. Sie stehen Romanadaptionen auf der Bühne also skeptisch gegenüber? Das ist eine Frage des Stückes. Ich habe in der Volksbühne mal „Schuld und Sühne“ gesehen. Das fand ich richtig misslungen....

Was macht das Theater, Jürgen Trittin?

Den verschwundenen Zirkusgebäuden auf der Spur 

Zeitgenössisch für wen? Über Gatekeeping und Zugang im Zirkus  

Krieg &/vs. Kunst

Bringt euch in Gefahr!

Dieser Macbeth kennt keine Zweifel, kein Zaudern. Er ist eine dämonische Kampfmaschine, die sich, getrieben von der Gier nach Macht, hemmungslos empormordet. Dieser Macbeth braucht eigentlich keine Lady Macbeth an seiner Seite, die ihn antreibt. Aber er hat eine. Oder besser einen, denn Lady Macbeth ist auf der Bühne des Theaters Neumarkt ein Mann. Und der schottische Feldherr im folgerichtigen Umkehrschluss eine Frau. Zumindest wird Macbeth von einer Frau gespielt. Janet Rothe hat in der Titelrolle indes jegliche Attribute ihrer Weiblichkeit abgelegt. Zu erleben ist ein geschlechtsloses Monstrum in drahtiger Menschengestalt, Haut und Kleider mit Dreck beschmiert und die Hände bereits von Beginn an blutüberströmt. Zwischen den Stockzähnen klafft eine Zahnlücke, die zusammen mit den schwarz umrandeten Augen eine Horrorfratze offenbart, die an den Vampir Nosferatu oder an einen Kampfhund erinnert. Nur dass dieser hier nicht zubeißt, sondern mit dem Dolch dafür sorgt, dass das Blut nur so rumspritzt. Dieser blutrünstige Kampfhund gehört wie auch die anderen Freaks, die in diesem Kammerspiel des Gemetzels auftreten, hinter Gitter. So ist es denn auch. Die Bühne, die auf zwei Seiten von den Zuschauertribünen gesäumt wird, ist ein Raubtierkäfig wie auf dem Jahrmarkt oder im Zirkus. Und im Hintergrund bestätigen durch den düsteren...

Theater Neumarkt: „Macbeth“ von William Shakespeare. Regie Pedro Martins Beja, Bühne Nadia Fistarol, Kostüme Sabina Winkler

Zürich: Kammerspiel des Gemetzels

Etel Adnan liebt San Gimignano. Vor allem die Türme, die in den Himmel ragen und von fern viel höher erscheinen als aus der Nähe. Die Türme definieren den physischen Ort, und sie schaffen zugleich einen mentalen Raum. Starke Wesen, deren Präsenz Etel glücklich macht, da sie sich mit ihnen verbunden fühlt, sich gegen sie behaupten muss. Die Türme erzählen ihr die Geschichte des ehrgeizigen Strebens nach Macht und Ansehen. So war es schon in Babylon, im Mittelalter, und heutzutage ist es nicht anders. Sie erzählen ihr aber auch die Geschichte der Menschen, die in ihrer Enge lebten, des Windes, der sich unentwegt an ihnen bricht, der Vögel, die sie umkreisen, des Mooses, das sich an ihre Vorsprünge klammert. Etel Adnan nimmt die Energien der Türme wahr, vertikale Wesen, die sie anblicken, die ihrem Leben einen weiteren Bezugspunkt hinzufügen. Lange Zeit war es ein Berg, der im Zentrum ihres Daseins stand: der Mount Tamalpais im kalifornischen Marin County, nordwestlich von Sausalito, wo Etel Adnan ein halbes Jahrhundert lang lebte. Einmal wurde sie dort vor laufender Fernsehkamera gefragt: „Wer ist die wichtigste Person, der Sie je begegnet sind?“ Ihre prompte Antwort: „Ein Berg“, überraschte sie selbst vielleicht am meisten. Sie entdeckte, dass...

Sie reflektiert über Geschichte und Politik, eröffnet Blicke auf Natur und gibt Einblicke in ihr eigenes kosmopolitisches Selbst: Der Künstlerin Etel Adnan zum 90. Geburtstag

Reise ist Herkunft

„Es wird eine Kultur der Veteranen geben“

Empathie aus dem 3-D-Drucker

Freitag, 08. Mai 2026

Wir werden nicht mehr gebündelt, sondern vernetzt. Die Formel ist schlicht, doch sie bringt die Dynamik auf den Begriff, die das Leben im 21. Jahrhundert bis in winzige Alltagsabläufe hinein umwälzt. Wie drastisch aber Bündeln und Vernetzen auseinanderklaffen, zeigt sich überall da, wo traditionelle „Bündelorte“ mit Vernetzungslogiken konfrontiert werden. Gerade hat Andrew Lloyd Webber, der britische Musicalkomponist, mit dem Vorschlag überrascht, dass Kirchen kostenloses WiFi zur Verfügung stellen sollten – was schon darum ungewöhnlich ist, weil Webber bekennender Konservativer ist, der für die Tories im House of Lords sitzt und sich erhofft, dass die Gotteshäuser qua Internet „wieder zum Zentrum der Gemeinden“ werden könnten. Doch ihren wirklichen Gehalt zeigt die „Rettungsidee“ erst dann, wenn man bedenkt, dass Webber ja auch Theatermann ist, wenn auch einer mit zweifelhaftem Œuvre. Sein ekklesiastischer Vorschlag muss jedenfalls auch vor dem Hintergrund verstanden werden, dass selbst Kommerzbühnen heute mit den Vernetzungskräften des Internets zu kämpfen haben. Kein Wunder: Bühnenhäuser sind Bündelhäuser par excellence, zusammen mit Kirchen wohl die öffentlichen Bündelinstitutionen überhaupt, die von Ästhetikprogrammierern wie Friedrich Schiller nicht von ungefähr als säkularer Kirchenersatz entworfen wurden. Und die lange verleugnete Solidarität erweist sich eben darin, dass heute Kirchen wie Theatern die Leute vor allem darum davonlaufen,...

kirschs kontexte: Ein Traum in WiFi

Freitag, 19. Juni 2026

Sterile Krankenhauskulisse, einzig durch Pflanzen in der Raucherinsel verfreundlicht, links ein Arzneischrank, rechts ein Getränkeautomat, hinter einer Glaswand wird offenbar erfolglos operiert bis zum Aussetzen der Herztöne. Im Vordergrund Leidende im Rollstuhl, im Rollbett, in Schlafanzug und Bademantel oder Jackett. Ungefähr die Stimmung also, in der sich Faust am Beginn der Tragödie befindet, wenn er zur erlösenden Phiole greifen will. Langes Schweigen, und man wird neugierig, wie die Stellvertreter einer kranken und trostlosen Welt aus ihren stummen Rollen heraus und in den Goethe-Text kommen wollen. Mit der Krankenhaus-Metapher ist es beim stammelnden „Habe nun, ach!“ erst einmal vorbei, bis zum Finale die Anfangskonstellation noch einmal auftaucht. Schon bei der Geisterscheinung kippt die Szene mit Theaterblitzen ins Konventionelle, bevor es mit allerlei originellen Variationen des multikompatiblen Stoffes weitergeht. Es folgen noch einige logische Holperstellen beim schwedischen Theaterdirektor Linus Tunström aus Uppsala, der erst zum zweiten Mal im deutschsprachigen Raum arbeitet. Das Dresdner Staatsschauspiel setzte auf faustische Neugier bei uns, wenn es einen Nichtdeutschen dieses deutsche Welttheater angehen lässt. Nach diesem Zwei-Stunden-„Fäustchen“ lacht man sich zwar nicht in dasselbe, ballt aber auch keine Faust in der Tasche, sondern geht seltsam achselzuckend an Wichtigeres. Tunström hat erklärtermaßen gar nicht erst versucht, „Faust I“...

Staatsschauspiel Dresden: „Faust I“ von Johann Wolfgang von Goethe. Regie Linus Tunström, Ausstattung Esther Bialas

Dresden: Vier Fäuste und kein Halleluja

Dienstag, 19. Mai 2026

Tschechische Bilderlust beim Festival One Flew over the Puppetee´ s Nest

Dienstag, 05. Mai 2026

Vielfalt ohne Versprechen

TdZ on Tour

Gibt es parallele Welten? Etwas, das neben einem her existiert, ohne dass man imstande wäre, es in der eigenen Welt wahrzunehmen und dahinterzukommen? In der Physik geht man inzwischen von einem Elf-Dimensionen-Modell aus, also auch vom menschlichen Unvermögen, die Realität in Gänze wahrzunehmen. Das ist schade einerseits. Auf der anderen Seite allerdings auch sehr anregend für neue Weltsichten. Die Künstlerin Alicja Kwade beispielsweise erklärt sich die Theorie von parallelen Welten mit der Annahme, dass es für jedes Teilchen ein anders geladenes, ein negativ oder positiv geladenes Gegenteilchen gibt. Deshalb vervielfache sie auch die eigene Gegenwart. In ihren Arbeiten wird man immer wieder aufgefordert, dem eigenen visuellen Eindruck zu misstrauen. Besser wir schauten nach, was sich hinter unserer als „echt“ empfundenen Wirklichkeit so verbirgt. Auf diese Weise hat die 1979 in Katowice geborene Künstlerin schon eine ganz Reihe von herrlich poetischen Installationen und Objekten gebaut. Wer dieser Tage nach St. Gallen kommt, hat die Gelegenheit, ihre Ausstellung Warten auf Gegenwart zu besuchen. Das dortige Kunstmuseum zeigt noch bis Mitte Februar einige ihrer hingebungsvollen und elegant gearbeiteten Werke, darunter auch die Licht-und-Sound-Installation „Nach Osten“. Ein Foucault’sches Pendel als künstlerische Lichtgestalt macht die Rotation unseres Planeten sichtbar und lässt uns spüren, dass wir...

Kunst: Durchs Weltall rasen

Dünner Filterkaffee aus großen Pumpkannen. Daneben eine Riege Plastikbecher, bei deren Anblick man nicht weiß: Sind sie benutzt, sind sie neu? Die halb zerbröselte Gebäckund-Waffel-Mischung wird auf leichten Opalglastellern serviert, Wellendesign. Ein Stapel Flyer schwimmt in einer Kaffeepfütze. Sie werben für den amtierenden Bürgermeister des fiktiven Orts Dobrodín, Mitglied der KSCM, der Kommunistischen Partei Böhmens und Mährens. Soweit, so authentisch. Wer schon einmal am öffentlichen Leben eines Dorfes teilgenommen hat, der kennt vermutlich die Enge der Turnhallen, Schützenhäuser und Vereinsheime, in denen es sich maßgeblich abspielt. Das Setting von „Dechovka – Blasmusik“ dürfte ihm unangenehm vertraut sein. In dem unter dem Prager Restaurant Barácnická rychta gelegenen Festsaal herrscht eine geschwätzige Stimmung, der Holzfußboden knarzt, während sich das Publikum zu den abgesessenen Holzstühlen sortiert. Die Vorhänge der hohen Fenster sind vergilbt, die Luft abgestanden. So trostlos sehen sie tatsächlich aus, die provinziellen Stätten der Versammlung. Im Programm des 19. Prager Theaterfestivals deutscher Sprache, das es sich zur Aufgabe gemacht hat, die „aktuellsten, besten, meistdiskutierten Inszenierungen“ im deutschsprachigen Raum zu zeigen, vermutet man die Produktion des tschechischen Theaters Vosto5 erst einmal nicht. Man hat es im Hauptprogramm neben Superlativen wie dem Wiener Burgtheater, dem Thalia Theater Hamburg oder den Münchner Kammerspielen platziert....

„Dechovka – Blasmusik“ des tschechischen Theaters Vosto5 erinnert an das Schicksal der Sudetendeutschen nach dem Zweiten Weltkrieg

Die Enge des Festsaals

Schauspiel Leipzig: Motel der Leere

Freitag, 22. Mai 2026

BODIES IN TUBES Zwei Körper durchforsten eine Installation aus Schuttrutschen, verkeilen sich in Nischen eines vertikalen Röhrensystems und quellen aus Zwischenräumen, werden absorbiert oder ausgeworfen. Beklemmung und Schutz reichen sich die Hand, Lebendiges und Künstliches bilden einen neuen Organismus. Hier kann Plastik atmen, der menschliche Körper wird zum Segment eines Überkörpers. Er wird zum Teil eines Territoriums, das niemandem gehört, doch Auswirkungen und Echos sichtbar macht. »Wieder ein Gestell, aus dem der Körper nicht herausfindet. Doch hier wird das Klaustrophobische unserer Existenz am radikalsten sichtbar gemacht: als Körper, die nur noch Abraum der sie beherrschenden Systeme sind.« Der Standard, Helmut Ploebst Und tatsächlich finden die Körper nicht aus den selbstgemachten und selbsterdachten Gestellen, Strukturen und Mechanismen heraus. Vielleicht können sie es momentan noch nicht, können noch nicht über sich hinauswachsen. Dafür glitzert unsere Erfolgswelt ja so schön! BODIES (WITH)IN FENCES Mitten in einem Monument aus Baugittern ackern sich drei Körper durch vielschichtige Barrieren, machen sich daran, ihr rigides Umfeld unaufhörlich und immer wieder zu sezieren und halten dadurch das System in Atem. Delikat und geräuschvoll zugleich wird durch einen unauswegsamen Regelkreis ein Perpetuum mobile entworfen, das notgedrungen in eine Sackgasse führt, ohne dabei mit den schrillen Verführungsstrategien des urbanen Raums...

bodies in tubes und die squatting projects

Things that surround us (TTSU) started from a phenomenological idea, the desire to inquire into the phenomenon of the »thing«. To deal with this strange, complex, invisible act that makes a chair be a chair, a bottle be a bottle. In this sense TTSU is a slightly utopian attempt to reach things directly outside of the realm of language and the control of grammar. It follows Paul Valéry’s desire »to give the sensation without the boredom of its conveyance.« TTSU does not start with this but builds up towards it, starting with things and language, going through circles it approaches a silent promenade. As long as things are implied in a grammar, in a system, they are part of knowledge and representation, and cannot be directly experienced. To try to overcome this dictate we start by exposing things and meanings and we break them down, to the point of abstraction. TTSU is a kind of meditation on things. It relates to my practice of Vipassana, a type of meditation in which you observe; it means »to see what is«. In learning this technique you spend about ten hours a day sitting silently, and for ten days. In this time you...

Things that surround us

Dieser Film von Ariane Mnouchkine, der Grande Dame und großen Träumerin des Welttheaters, ist kein Film. „Les Naufragés du Fol Espoir“ (Die Schiffbrüchigen der Verrückten Hoffnung) ist eine Liebeserklärung. An das Theater, natürlich, aber ebenso an seinen jüngeren Bruder, das Kino. Und vor allem an die, die verrückt genug sind, sich in widrigsten Umständen, in Seenot, im Angesicht von Krieg, von Vertreibung, Armut und Verlust oder auch nur in vergleichsweise läppischen Krisenmomenten des Kino- oder Theatermachens, das Hoffen nicht austreiben zu lassen. Und weil Hoffnung bei Mnouchkine immer an Gemeinschaft, an die Möglichkeiten des menschlichen Miteinanders gebunden ist, ist „Les Naufragés“ auch eine Liebeserklärung an – nun ja, Solidarität. Das alles klingt in der Verschrumpfung nach staubigem Pamphlet, ist aber im Zuschauen lebendig, wach, mitreißend. Mnouchkine ist eine rasante Geschichtenerzählerin, und „Les Naufragés“ erzählt drei Geschichten zugleich, mindestens. Drei Kinder von heute, eins davon krank im Bett, lesen einen Wälzer von Jules Verne. Ein Filmteam hat sich in der Vorkriegszeit im Jahr 1914 in einer guinguette, einem Ausflugslokal, verschanzt und dreht einen Stummfilmstreifen (auch auf der Grundlage von Jules Verne). Der Film ist die dritte Ebene: Ein Passagierschiff reist 1899 in Richtung Australien. „Verrückte Hoffnung“ heißen guinguette und Schiff,...

Théâtre du Soleil: Les Naufragés du Fol Espoir. F 2013, 3 DVDs, 37 EUR

Leuchte, Laterne

„Setzen wir uns auseinander, nicht zusammen“

Es gab mal Berufe, bei denen war das Recherchieren die Grundlage zu ihrer weiteren Ausübung. Der Beruf des Kriminalkommissars gehörte dazu. Auch mancher Schriftsteller hatte die Angewohnheit, sein Thema zuerst zu recherchieren, bevor er sich ans Werk machte und nicht nur auf die eigene Fantasie angewiesen sein wollte. Es gab den Beruf des investigativen Journalisten, dessen Arbeit nahezu ausschließlich vom akribischen Recherchieren abhing. Denn nur wenn seine Behauptungen auch nachweisbar waren, galt ihre Veröffentlichung als seriös. Ihnen allen untergeordnet aber war der private Mensch, der ebenfalls auffällige „Ereignisse“ wahrnahm und dessen Hirn daraufhin in Bewegung geriet, so er nicht zu denen gehörte, die unberührt bleiben, wenn auf der Welt sich das Ungewöhnliche ereignet. Untergeordnet war er, weil ihm selbst nicht die nötigen Mittel zur Verfügung standen und er nicht in Netzwerke eingebunden war, die ihn an entsprechende Informationen hätten gelangen lassen. So musste er auf Nachrichten der Rechercheure warten. Seine Gedanken aber waren schon seit Bekanntwerden des Ereignisses in Unruhe versetzt. Sie begannen Zusammenhänge herzustellen, sie klammerten sich an spärliche Informationen, Anhaltspunkte bildeten sich heraus, die zu neuen, wieder erdachten Anhaltspunkten führten. Die selbst hergestellten Verbindungen schienen um einiges logischer zu sein als die der Rechercheure. Und dann kam irgendwann...

Im Jahr des Herrn

Theater der Welt & Humboldt-Forum: Schnaps aus Peking, Schrott aus Chemnitz

Dienstag, 23. Juni 2026

Der Ball ist hart

Let’s burn down the patriarchy

Brecht und die Folgen

Die Schreie der Opfer in den Kriegen der Welt

Montag, 04. Mai 2026

Bayerische Staatsoper München: Ein Opernthriller 

Die Kunst der Widersetzlichkeit

Larvatus prodeo, zu Deutsch: „Maskiert gehe ich meinen Weg.“ Bei René Descartes ist das Verhältnis vom Körper als Maschine und Seele/Geist als Freistätte des Willens ein mysteriöses und komplexes. Auch wenn die Menschen an allem anderen zweifeln, unbezweifelbar ist ihr gegenseitiges Wirken aufeinander. In den Spielweisen der 1991 in München geborenen halbfranzösischen und bilingual aufgewachsenen Schauspielerin und Sängerin Katrin Kaspar drückt sich diese Verbindung vor allem durch durchlässige Grenzen aus: Der Körper ist ihr nomadisches Medium und Botschaft zugleich; Sprache nutzt sie im Spiel von Macht und Ohnmacht. Als sie 2007 ein Auslandsjahr in Poznan verbringt, prophezeien ihr die Gasteltern, dass sie Schauspielerin werden wird – oder Bundeskanzlerin. Die Wahl hat sie dann aber zwischen Theater und Kirche. Sie wäre Nonne geworden, wenn sie nicht Schauspiel studiert hätte: „Sie tragen Kostüme, haben Rituale und hören Musik“, bemerkt sie anmutig lächelnd. Nach dem Abitur 2010 beginnt Kaspar ihre Ausbildung an der Hochschule für Musik und Theater in Leipzig. In der Spielzeit 2012/13 ist sie Mitglied des Studios am Centraltheater Leipzig unter der Intendanz von Sebastian Hartmann. In dieser Zeit sammelt sie erste Spielerfahrungen, unter anderem in der Regie von Martina Eitner-Acheampong im „Gestiefelten Kater“. Parallel dazu erarbeitet sie mit den Ensemblemitgliedern...

Die Schauspielerin und Sängerin Katrin Kaspar hält Körper und Geist leichtfüßig in Balance

Die Seiltänzerin

Mit Empathie und Sachlichkeit

Wojtek Klemm, es überrascht eigentlich nicht, dass das Theater in der Ukraine die historischen Vorgänge auf und nach dem Maidan zu bearbeiten beginnt. Was sind die „Tagebücher des Maidan“ für ein Stück? Bei dem Text „Dzienniki Majdanu“ („Tagebücher des Maidan“) haben wir es nicht mit einem normalen „Stück“ zu tun. Es handelt sich um eine Zusammenstellung von Augenzeugenberichten. Aufgenommen und gesammelt direkt vor Ort, auf der Straße. Das ist auch der allgemeine Gestus des Stoffes. Man spürt eine Hitze. Die Sammlung erfolgte in den ersten drei Monaten des Maidan. Der Stoff reicht bis zum Scharfschützenangriff. Keiner der Sprecher kann auch nur ahnen, was dann später passieren wird. Das gibt ihnen eine gewisse Kraft. Anderseits hatten wir bei den Proben oft das Gefühl, dass die Geschichte diese Figuren auf brutalste Art und Weise schon wieder überrollt hat. Neben der Hitze ist das das zweite Gefühl, welches man im Text deutlich spüren kann. Das Überrolltwerden. So als würde man im Meer von einer großen Welle getragen. Und dann geht man plötzlich unter. Diese Zeugenaussagen wurden von verschiedenen jungen Dramaturgen und Autoren gesammelt und dann von Natalia Voroschbit zu einem Text verdichtet. Sie gibt dem Ganzen eine gewisse Dramaturgie, die den Ereignissen folgt....

Wojtek Klemm, Regisseur der Warschauer Uraufführung von „Tagebücher des Maidan“, im Gespräch mit Thomas Irmer

Der Text als Augenzeuge

Freitag, 15. Mai 2026

Aachen Theater D. Loher: Gaunerstück (P. Dittrich, 27.02.); L. v. Trier: Manderlay (J. Langenheim, 28.02.) Aalen Theater F. Dürrenmatt: Der Besuch der alten Dame (T. Kleinknecht, 10.02.) Augsburg Theater B. Brecht: Die heilige Johanna der Schlachthöfe (C. Weise, 07.02.); T. Ginsburg: Goldland (T. Ginsburg, 14.02.) Bamberg E. T. A.-Hoffmann-Theater U. Schmidt: Schuld und Schein (R. Lewandowski, 14.02.); J. d. Prez/E. Idle: Monty Pythons Spamalot (U. Drechsel, 28.02.) Basel Kaserne G. Vienne/D. Cooper: This Is How You Will Disappear (G. Vienne, 06.02., SEA); Z. Wey/A. Haug: Princess &amp; Terrorist (Z. Wey, 13.02., UA) Theater W. Shakespeare: Romeo &amp; Julia (B. Brüesch, 12.02.) Bautzen Deutsch-Sorbisches Volkstheater H. Fallada: Kleiner Mann – was nun? (N. Düwell, 27.02.) Bayreuth Studiobühne E. Ionesco: Die kahle Sängerin (D. Kern, 28.02.) Berlin Ballhaus Naunynstrasse O. Wenzel: Mais in Deutschland und anderen Galaxien (A. Mohammed Nor Hussein, 08.02., UA) BrotfabrikBühne P. P. Pasolini: Dichter der Asche (I. Mattioli, 19.02.) Deutsches Theater n. L. Carroll: Alice (N. Schlocker, 08.02.); W. Shakespeare: Was ihr wollt (S. Pucher, 27.02.) Grips Theater A. Petras/L. Kugelmann: der kreidekreis (R. Neumann, 07.02., UA) Schaubühne am Lehniner Platz W. Shakespeare: Richard III. (T. Ostermeier, 07.02.) Theater an der Parkaue Forced Entertainment: Das unmöglich mögliche Haus...

Februar 2015

Premieren

Schreibweisen der zeitgenössischen Zirkuskritik

Von Eurydike, der Baumnymphe und Frau des thrakischen Sängers Orpheus, weiß die antike Tradition nur wenig. Auch in neuzeitlichen Bearbeitungen des Mythos bleibt die Figur lange seltsam blass. Immerhin: Spätestens mit dem Stück der US-amerikanischen Autorin Sarah Ruhl (2003) und Helmut Dietls Tragikomödie „Vom Suchen und Finden der Liebe“ (2005) ändert sich das. In Elfriede Jelineks Version, entstanden für ein 2012 in Essen realisiertes mehrteiliges Orpheus-Projekt, im folgenden Jahr von Matthias Hartmann am Wiener Burgtheater inszeniert und jetzt in Karlsruhe gewissermaßen in den deutschen Repertoirebetrieb eingeführt, hat Eurydike sogar ausschließlich das Wort. Am Badischen Staatstheater wurde im Takt geklatscht, als sie ausgeredet hatte. Aber warum? Orpheus und Eurydike nach Jelinek, das geht so: Orpheus ist ein moderner Rockmusiker, der von Erfolg zu Erfolg eilt. Eurydike macht in Literatur, wofür sich aber leider niemand interessiert. Außerdem geht sie gern shoppen. Und sie beschäftigt sich mit Psychoanalyse, was sie in die Lage versetzt, Orpheus als Fall und ihre Beziehung zu ihm als Bündel klinischer Symptome zu betrachten. Vom Schlangenbiss dahingerafft, will sie keineswegs in die Oberwelt zurückkehren, weil sie sich dort, an Orpheus’ Seite, immer als ein Nichts gefühlt hat. Wenn der dann doch kommt, um sie abzuholen, begeht er zu ihrem...

Badisches Staatstheater: „Schatten (Eurydike sagt)“ (DEA) von Elfriede Jelinek. Regie Jan Philipp Gloger, Ausstattung Marie Roth

Karlsruhe: Eurydike in der Unterwelt

Theater Magdeburg: Polyphonie des Schmerzes

Johannes Hoffmann recherchiert viel, bevor er seine Stücke in Angriff nimmt. Er besucht Orte, geht in Archive, trifft Menschen zu Interviews. Das ist eine Suchbewegung, die das dramatische Arbeiten des 34-Jährigen wesentlich mitbestimmt: „Je mehr ich weiß, umso mehr entwickelt sich etwas, das ich noch gar nicht wissen kann“, sagt er. Für das Amokstück „Mordbrenner“ fuhr der aus Graz stammende Dramatiker nach Mühlhausen bei Ludwigsburg. Dort hatte 1913 der Hauptlehrer Ernst August Wagner seine fünfköpfige Familie und neun weitere Dorfbewohner umgebracht. Diese zarte, spinnwebfeine Fallstudie, Hoffmanns bisher umfänglichstes Stück, macht auf subtil vivisezierende Weise die fatalen Konsequenzen eines schmerzhaften Schuldgefühls nachvollziehbar. Chorische Schleifen skizzierten in Krzysztof Minkowskis Inszenierung am Konservatorium Wien Privatuniversität das Dorfspektrum. Der 1981 geborene und eigentlich zum Schauspieler ausgebildete Johannes Hoffmann sondiert am liebsten die Lebensumstände in kleinstädtischen Landstrichen. Das könnte mit seinem Aufwachsen in der doch nicht allzu großen Stadt Graz zu tun haben, meint er. Erst nach längeren Engagements am Next Liberty Theater in Graz und danach am Theater Paderborn reifte der Entschluss zum Studium des Szenischen Schreibens (2011 bis 2013) am Drama Forum von uniT, dem Verein für Kultur an der Karl-Franzens-Universität Graz. Erst dadurch wurde für ihn das Schreiben „legitimiert“, auch wenn er...

Der Dramatiker Johannes Hoffmann erforscht in seinen Stücken den kleinstädtischen Raum

Der ICE hält hier nicht

Schlicht lebensverändernd

In der Mitte der mit Holzgestellen gegliederten Bühne steht ein Tisch mit Mikrofonen. Die Schauspieler vollziehen für diese Version von Franz Kafkas „Die Verwandlung“ auf offener Bühne selbst erst einmal eine: Sie kleben sich Nasen und Bärte an und verzerren so ihre bürgerliche Erscheinung, auf die die Kostüme aus dem frühen 20. Jahrhundert verweisen. Einzig der junge Moritz Peschke, der bald darauf als wunderbarer Gregor Samsa zu erkennen sein wird, entgeht diesen Entstellungen und beginnt mit klarer, ruhiger Stimme zu lesen: „Als Gregor Samsa eines Morgens aus unruhigen Träumen erwachte …“ Die Leseverwandlung setzt sich bei den Schauspielern fort, und Gregors Familie gewinnt an Konturen: Michael Witte als herrischer Vater mit ausladendem Bauch, Anna Polke als verhuschte Mutter und Anja Schweitzer als Gregors Schwester Grete, für die der Regisseur noch eine besondere Wandlung vorgesehen hat. Doch vorerst irritiert, dass man außer der vorzüglich vorgetragenen Kafka-Prosa fast nichts versteht. Die Familienfiguren grunzen und schnaufen durch monströse Gebisse in ihre Schweinsnasen hinein, höchst seltsam. Man erinnert sich: Bei Kafka hört der die Verspätung Gregors untersuchende Prokurist diesen als „Tierstimme“. Hier ist es umgekehrt, für Gregor – und somit auch für das Publikum – klingen die anderen nur noch wie Tiere, Geräusche, die...

Der ukrainische Regisseur Andriy Zholdak hat in Oberhausen gezeigt, wer er ist – und dass er in seiner Heimat fehlt

Aus Albträumen erwachen

Johnny Breitwiesers gab’s schon immer und überall auf dieser Welt. Sie hießen Robin Hood, Schinderhannes oder Mathias Kneißl. Seit jeher haben sie die Fantasie von Filme- und Theatermachern beflügelt. Über den bayerischen Local Hero Kneißl etwa gibt es zwei Kinofilme (zu einem schrieb Martin Sperr das Drehbuch, Dramatiker des kritischen Volkstheaters, in dessen Tradition auch Thomas Arzt steht) und etliche Theaterstücke, darunter „Der Schatten eines Fluges“. Darin beschreibt Wolfgang Maria Bauer den Kneißl als Medienstar wider Willen, von der Presse zum Sozialrebellen stilisiert, weil er die beim einfachen Volk verhasste Polizei in monatelangem Räuber-und-Gendarm-Spiel an der Nase herumführte. Der Aufschlag in der Realität aber am Ende des medialen Höhenflugs war hart: Der Kneißl wurde hingerichtet, keine 30 Jahre alt. Auch Johnny Breitwieser, 1891 in Wien Meidling geboren, bezahlte seine Karriere als Outlaw mit dem frühen Tod. Und auch er war zu Lebzeiten ein Volksheld, auf den die Menschen ihre Sehnsüchte projizierten. Tatsächlich hat Breitwieser einen Teil des Geldes, das er den Reichen raubte, an Arme verteilt. Aber eben nur einen Teil. Auch im Stück von Thomas Arzt vermag er die Erwartungen an die Rolle des Rächers der Witwen und Waisen nicht vollumfänglich zu erfüllen, vertragen sie sich doch nicht mit...

Schauspielhaus: „Johnny Breitwieser. Eine Verbrecher-Ballade aus Wien“ (UA) von Thomas Arzt (Text) und Jherek Bischoff (Komposition); Burgtheater: „die unverheiratete“ (UA) von Ewald Palmetshofer

Je suis Charlie

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