Gleich im Januar läuft einer der stärksten Filme des Jahres auch in unseren Kinos an: 12 Years a Slave von Steve McQueen, die wahre Geschichte des afroamerikanischen Geigenspielers Solomon Northup, der 1841 aus dem Norden in den Süden der USA verschleppt und dort als Sklave drangsaliert wird. Amerikanische Kritiker verglichen diese Arbeit mit Quentin Tarantinos „Django Unchained“, den sie gegenüber McQueens schockierend unerbittlichem Werk als „harmlosen Bubenstreich“ bezeichneten. Tatsächlich wird das Martyrium Northups in Bildern zelebriert, die im Grunde die Schmerzgrenze weit hinter sich lassen. Doch zweifellos ist „12 Years a Slave“ ein notwendiger Film, der die größte Schande und Schuld der US-amerikanischen Gesellschaft, das bestialische Treiben der weißen „Herrenmenschen“ auf den Plantagen des Südens, so ehrlich und wahrhaftig beschreibt wie kein Kinostück vor ihm, wobei die vorgeführte Gewalt nie zum voyeuristischen Selbstzweck wird. In den Hauptrollen spielen der überragende Chiwetel Ejiofor als Solomon Northup und sein Gegenpart Michael Fassbender als macht- und triebgesteuerter Landbesitzer und Sklavenhalter Edwin Epps, und wenn sich im Zentrum der kühlen und exakt kalkulierten Szenerie die brutalen Exzesse ins Unermessliche steigern, so legt Steve McQueen, der ja vor allem bildender Künstler ist, mindestens genauso viel Wert darauf, die Bildränder mit nicht minder schrecklichen Informationen zu...

Film: Auf den Plantagen des Südens

Über allem stehen die Ideale der Französischen Revolution. Doch alles, was darunter passiert, spricht ihnen Hohn. „Liberté, Egalité, Fraternité“, prangt es in ehernen Lettern auf einem eisernen Bogen, der die Bühne überwölbt. Auf ihr hat Aleksandar Denic einen ebenso verwinkelten wie verlotterten Bretterbudenverhau zusammengenagelt; eine wild wuchernde Wellblechhüttenansammlung, irgendwo zwischen Elendsviertel und Künstlerkolonie. Und drüber eben der französische Wahlspruch, allerdings in dieselben Buchstaben gegossen, wie sie einst die Nazis verwendeten, um „Arbeit macht frei“ über das Eingangstor des Vernichtungslagers von Auschwitz zu schreiben. Ein ähnlicher Zynismus wohnt der Welt inne, die Louis-Ferdinand Céline in seinem 1932 erschienenen Debütroman „Reise ans Ende der Nacht“ beschrieb. Statt der Werte von Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit bestimmen bei Céline die ausbeuterischen Mechanismen von Imperialismus, Kolonialismus und Militarismus die Menschen. Frank Castorf hat dieses wüste Werk nun fürs Münchner Residenztheater adaptiert – auf die ihm eigene, nicht minder wüste Art, mit sich verausgabenden Schauspielern, auf Schritt und Tritt begleitet von Videoteams, die minimale Regungen (kommen eher selten vor) und maximale Raserei (deutlich häufiger) live auf die Großleinwand übertragen. (Anti-)Held des Abends ist Ferdinand Bardamu, ein seelenverwahrloster Weltkriegsversehrter, von Céline durch Kriegswirren und Kolonien einmal um die halbe Welt gejagt. Doch egal ob Europa, Amerika oder...

Residenztheater: „Reise ans Ende der Nacht“ von Louis-Ferdinand Céline in einer Fassung von Frank Castorf. Regie Frank Castorf, Bühne Aleksandar Denic, Kostüme Adriana Braga Peretzki

München: Überall im selben Sumpf

Der polnische Autor Andrzej Stasiuk über sein Stück „Thalerhof“ und das Rumoren der schlecht begrabenen Toten im Gespräch mit Dorte Lena Eilers Herr Stasiuk, Ihr Stück „Thalerhof“ setzt sich als eines der ersten Stücke in dieser Spielzeit mit dem Thema „100 Jahre Erster Weltkrieg“ auseinander. Im Jahr 2014 wird darüber viel gesprochen werden. Wie blicken Sie selbst auf dieses Datum? Dieses Datum ist immer noch aktuell. Wir leben in einer...

Gespräch mit Andrzej Stasiuk

TEIL I – Zaaar! – Kaaaiiiser! – Zaaar! – Kaaaiiiser! – Zaaar! – Kaaaiiiser! – Zaaar! – Kaaaiiiser! – Zaaar! – Kaaaiiiser! – Ruuuhe! – Zaaar! – Kaaaiiiser! – Zaaar! – Kaaaiiiser! – Ruuuhe! – Zaaar, sag ich! – Ich sage Kaaaiiiser! – Ruuuhe! – Apostolischer Kaaaiiiser! Jeder Schuss ein Russ! – Geschissen auf den Kaiser! Es lebe der Zaaar! Gott schütze ihn. Der Zaaar steht vor dem Tor! – Ruuuhe! – Der Zaaar vor eurem Tor! Vor den Toren von Przemyśl steht Seine Hoheit! – Es lebe der Kaiser und das Habsburger Reich mit ihm! – Der Herr vor den Toren! Rache wird er nehmen für sein orthodoxes Volk! – Scheiß auf seine Tatarenrache! – Gefickt diese Jesuitenfresse! – Stillgestanden! Stillgestanden! Stillgestanden! – Deine Herrschaft sei der Schrecken der Feinde, du orthodoxer Zar! Dunkelheit, ein einziges Flämmchen, daran sitzen Menschen wie an einem Lagerfeuer. Eine Kerze, eine Funzel, Öl- oder Diesellampe. Ein Flämmchen. – Die Kaiserlichen … – Die Russen … – Die Köiserlichen … – Wohl eher die Russen … aus der Richtung … – Vom Ungarischen her. – Vom Ungarischen her, aber nicht zu uns. – Dann sind’s die Iwans. – Und das Kaiserliche ist still? –...

Deutsch von Olaf Kühl

Thalerhof

Verletzte Körperlandschaft

Die 1960er waren die große Zeit des Dokumentartheaters. Hochhuths „Stellvertreter“(1963), das Papst-Stück; „Die Soldaten“ (1967), das Churchill-Stück; „Juristen“ (1980), das Filbinger- Stück; Peter Weiss’ „Die Ermittlung“ (1965), Fortsetzung und Ergänzung des Auschwitz- Prozesses; „Vietnam-Diskurs“ (1968), Begleitstück der Studentenrevolte; Heinar Kipphardts „In der Sache J. Robert Oppenheimer“ (1964) zur Geschichte der Atombombe. Diese Stücke wurden damals auf den großen Bühnen gespielt, in West und Ost, sie ersetzten den Diskurs, den die Medien nur zögerlich aufnahmen, und sie wurden nicht als Theaterersatz empfunden. Solche Stücke werden nicht mehr geschrieben, die Medien haben die Deutungshoheit über die Geschichte erkämpft; Geschichtsaufarbeitung findet, wenn überhaupt, nur noch in der Literatur statt, allenfalls im Kino, auch ein eher episches Genre. Das Theater hat sich spätestens mit der Wende, dem Tod der Utopien, immer mehr entpolitisiert, mit dem absurden Effekt, dass eigentlich alles zu Dokumentartheater geworden ist. Die Autoren beschreiben den Ist-Zustand der gesellschaftlichen Entwicklung, den „rasenden Stillstand“, dem die Zukunft abhandengekommen ist, sie „dokumentieren“ das tägliche Elend von Entfremdung und Ausplünderung, von Teilnahms- und Interesselosigkeit, das szenische Schreiben liefert die Dramaturgien, und die Regisseure bügeln die Geschichte glatt; die Urfehden der Menschheit, die unsere Konflikte kommentieren könnten, sind, von den attischen Königshöfen in die deutschen Vorortvillen...

Im Berliner Theater unterm Dach geht es auch anders

Linzers Eck. Wo man hinschaut: Doku-Theater

Seien wir doch ehrlich: Die Armen sehen gefährlich aus. Vermutlich aus dem simplen Grund, dass sie es auch sind. Diese These ist natürlich schwer inkorrekt und kitzelt die Empörungsreflexe. Aber als Provokation verfehlt sie ihre Wirkung nicht. Das Schweizer Kollektiv Neue Dringlichkeit lässt mit dem sozialdarwinistischen Unterschichten- Diss („Warum gehen die Armen nicht Teller waschen?“) seine Performance „Brazilification“ ausklingen. Der Titel ist Douglas Couplands Roman „Generation X“ entlehnt und bezieht sich auf die Schere zwischen Abgehängten und Superreichen, die sich in turbokapitalistischen Schwellenländern wie Brasilien mit Favela hier und Gated Community dort schon im Stadtbild der Megacitys manifestiert. Die Performer – Miriam Walther Kohn, Marcel Grissmer und Christopher Kriese – behaupten ihren je eigenen Bezug zu dem südamerikanischen Land: mit den Expat-Eltern in Brasilien aufgewachsen, in juveniler Sinnkrise dort hingereist und hängen geblieben. Entsprechend nähern sie sich den ökonomischen Verwerfungen, um die es im Zentrum geht, in biografisch-anekdotischem Plauderton an. Erzählen von der Verunsicherung, die ein Überfall hinterlassen hat. Von der kindlichen Entdeckung der Klitoris im schwarzen SUV mit Blick auf die Favelas. Von der scheiternden Beziehung mit einer alleinerziehenden Mutter aus dem Armenviertel. Womit sie tatsächlich immer forcierter zur eigentlichen Frage vordringen: Was geht mich das Elend der anderen...

Das Europäische Festival für junge Regie Fast Forward in Braunschweig zeigt, wie junges Theater politische Dringlichkeit behauptet

Ruhestörende Welt

„Ich sehe, dass eine Grenze bei genauer Betrachtung immer eine unscharfe Linie ist“, heißt es zu Beginn dieser Koproduktion von kainkollektiv mit dem OTHNI – Laboratoire de Théâtre de Yaoundé, Kamerun, die zugleich Tanztheater, Performance, Videoinstallation, Dokumentation einer Utopie, eines Nicht-Ortes ist. In Anlehnung an Heiner Müllers „Hamletmaschine“, diesem vielschichtigen Text der Spaltungen, in dem Ophelia am Ende des Kalten Krieges die Verschiebung geopolitischer Frontlinien zwischen den „Metropolen der Welt“ und den kolonialisierten Ländern ausmacht, dreht „Fin de Machine / Exit.Hamlet“ das Karussell der Perspektive weiter und schaut von Afrika aus „durch einen Frontex- Zaun auf die ‚Ruinen Europas‘. Dazwischen das Meer, ein Massengrab, das die afrikanische Welt von der europäischen trennt.“ Noch heute beherrsche als Erbe der Kolonialzeit die französische Klassik das kamerunische Theater, erklärt Martin Ambara, Regisseur und Leiter von OTHNI. Fasziniert von Müllers Text suchte er Komplizen der Zusammenarbeit und fand sie in Mirjam Schmuck und Fabian Lettow vom Bochumer kainkollektiv. Fünf Wochen wurde in Yaoundé gearbeitet, danach in Mülheim. Im Januar wird das Stück in geänderter Fassung in Yaoundé zu sehen sein. Der Blick in den Bühnenraum wird begrenzt von einer Leinwand; die Worte Kino/ Koma flackern darüber. Links und rechts davor je ein Tisch für...

Ringlokschuppen: „Fin de Machine / Exit.Hamlet“ von kainkollektiv und OTHNI. Regie kainkollektiv und Martin Ambara. Video und Bühne sputnic und herrwolke. Sound Rasmus Nordholt

Mülheim: Vollgas im Leerlauf

Togo war bis 1916 deutsche Kolonie, danach regierten die Franzosen mit harter Hand das Land und beuteten es aus; ein kurzer demokratischer Frühling brachte Sylvio Olympio an die Regierung, er wurde 1961 ermordet, und die Familie Gnassingbé übernahm die Macht. Vierzig Jahre lang, gestützt von Franz Josef Strauß und der CSU, hat diese Familie alles vernichtet, was nach Kultur und Emanzipation gerochen hat. Das Nationaltheater ist ein schäbiger Raum für 120 Zuschauer, wir haben dort gespielt: „Warten auf Godot“. Im Jahre 2008 war ich zum ersten Mal in diesem Land, Frank-Walter Steinmeier, mein alter Studienkollege, hatte mich mitgenommen, als Teil der Kulturdelegation, und wir lernten Ramsès Alfa kennen. Ein junger, unerschrockener Mann zitierte mitten in einer Veranstaltung Brechts Fragen eines lesenden Arbeiters, wohlgemerkt auf Deutsch. Seitdem ist eine Freundschaft entstanden, Alfa spielt am Theater Konstanz und inszeniert hier, von seiner Gage ernährt er Familie und Kollegen. In einem Slum in der Vorstadt hat er ein kleines Haus gemietet, seitdem ist alles anders: Kinder lernen von seiner Frau lesen und schreiben; er hat eine Wasserleitung gelegt; an manchen Tagen wird auf einem Vorplatz Theater gespielt; die Banditen des Viertels haben ihm erklärt, ab heute genieße er ihren Schutz. Seitdem ist nie...

Ein Theater für Togo Mehr als nur eine Vision

Auf solch eine Idee können nur die Russen kommen? Nein, die Idee kommt von Lothar Trolle, der in „Märkisches Fragment 1945“ aus einem administrativen Akt der Besatzungsmacht mittels ansatzloser Volte einen geschichtsphilosophischen Mikroexkurs verfertigt. Eigentlich besteht dieser dann nur in der Nennung des Namens Karl Marx. Es bleibt also eine Leerstelle (angewandte negative Dialektik). Die darin liegende Drohung, die Marx und das Rasiermesser zusammenbringt (Vorsicht Waffe!), verläuft sich in der Wiederholung dann freilich im Absurden. Das von der sozialistischen Siegermacht verbotene Rasiermesser wird zwangsläufig dazu führen, dass nun bald alle unrasierten kleinen und großen Nazis wie Karl Marx aussehen! So die behauptete Kausalität. Jedoch, wollen die das denn? Wer jetzt vorschnell Nein sagt, erweist sich als Trolles kriminalistischen Energien noch nicht gewachsen. Dieses offensive Fragment, das Nähmaschine und Fasan unterm Regenbogen, nein, Rasiermesser und Karl Marx unter sowjetischer Besatzung nur eine sehr kurze Begegnung gönnt (Futurismus gehört in diesem Land unter Artenschutz gestellt!), erinnert an den vielleicht Einzigen, der sich Trolles labyrinthischlistigen Umgehungsversuchen der Welt als Alltag und Wahnsinn jederzeit gewachsen zeigt: seinen Freund, den schreibenden und zeichnenden Gesamtkünstler Horst Hussel. Mit ihm fährt er am Wochenende gelegentlich zwecks aphoristischer Bestandsaufnahme über märkisches Land, von Dorfkirche zu Dorfkneipe. Mehr Realismus...

Dem Berliner Schriftsteller Lothar Trolle zum siebzigsten Geburtstag

Der fröhliche Teufel

Theater für Taiwan

Wenn es darum geht, den Abläufen des betriebsförmigen Theaters etwas entgegenzusetzen, wird gerne das Wunschbild des Harlekins mobilisiert, jener Figur der Commedia dell’Arte also, die speziell durch den Frühaufklärer Johann Christoph Gottsched aus dem Theater verbannt wurde. In der Tat ist Gottscheds Exorzismus einer der großen Sündenfälle der europäischen Bühnengeschichte: Dem Theater wurde hier das Theater selbst ausgetrieben, ist der Harlekin doch eine sich beständig wandelnde, „antiidentitäre“ Figur, die in keinen sozialen Zusammenhang integrierbar ist und jedwede Ordnung durchschlägt, sei diese auch noch so „vernünftig“ oder „sittlich“ eingerichtet. Niemals hat sich das institutionalisierte Theater von dieser „Erbsünde“ erholt – die schon mit Lessing einsetzenden Versuche, das Harlekineske im Rahmen stehender Bühnen wiederzubeleben, haben sich jedenfalls bei genauem Hinsehen regelmäßig als je neue Beerdigungen erwiesen. Nun ist es leicht, sich von heute aus über die Harlekinphobie des 18. Jahrhunderts und speziell über Gottscheds „verzopften“ Schulmeisterton lustig zu machen. Doch allzu rasch wird damit auch die Frage übergangen, warum der Harlekin für das aufklärerische Denken so unerträglich sein musste – und wo er es auch für uns nach wie vor sein könnte. Das „Furchtzentrum“ des Harlekins erkennt man also erst, wenn man darüber nachdenkt, wo sich seine Spuren aktuell finden lassen. Und...

Schwierigkeiten mit dem Harlekin

kirschs kontexte

Der Meister des Theaters der Unterdrückten war zu Beginn seiner künstlerischen Laufbahn ein Regietyrann. Dies ist eine der verblüffendsten Erkenntnisse der Autobiografie „Hamlet und der Sohn des Bäckers“ von Augusto Boal. Er beschreibt in den ersten Kapiteln, die sich stark an den Narrativen des Magischen Realismus orientieren, wie er sich im Alter von neun Jahren einen besonders talentierten Ziegenbock zum Performer auserkor. Selbstkritisch merkt er allerdings an, dass er sich zu ihm „autoritär wie alle unreifen Regisseure“ verhielt: „Meine Theaterkarriere begann mit ihm: Ich dirigierte Ziegenspektakel, ohne jemals auf die Idee zu kommen, meinen Akteur nach seinen Wünschen zu befragen. Erst viel später sollte ich mit den Freuden der Teamarbeit vertraut werden.“ Mit dem Ziegenbock Chibuco macht der Jungregisseur auch eine frühe existenzielle Erfahrung. Nachdem Chibuco ihn beim Herumtollen hart mit dem Huf an der Brust getroffen hat, verwandelt sein Vater ihn in einen Sonntagsbraten. Durch die Tränen über den Verlust des tierischen Spielgefährten dringen aber auch die ganz einfachen Wünsche des Knaben durch. Heulend gesteht er zwei Freunden, selbst ein Stück von Chibuco gegessen zu haben. Daraufhin wird das Heulen dreistimmig. Die unmittelbar auf Chibuco folgenden Schauspieler des Regisseurs Boal hatten es kaum leichter. Auch gegenüber seinen Geschwistern und...

Augusto Boal: Hamlet und der Sohn des Bäckers. Die Autobiografie. Mandelbaum Verlag, Wien 2013, 376 S., 24,90 EUR.

Gleiches Risiko für alle

Was macht das Theater, Maciej Nowak?

Rekonstruieren, was uns die Diktatur genommen hat

Freiheiten keinesfalls ungenutzt lassen

Jakarta, 35 Grad, die Regenzeit hat mit großer Verspätung endlich begonnen, die Luftfeuchtigkeit liegt bei 95 Prozent. Ich richte den Blick auf die Stadt, eine Smoghülle überstülpt sie, produziert von der Industrie und den über 20 Millionen Motorrollern und Autos. Seit mehr als zwei Monaten bin ich unterwegs auf einer Welt-Klima-Theater-Recherchereise. Nach mehrfacher Zusammenarbeit mit Klimawissenschaftlern des Alfred-Wegener- Instituts für Polar- und Meeresforschung und dem Potsdam-Institut für Klimafolgenforschung werde ich untersuchen, wie Künstler, insbesondere Theaterschaffende, auf den verschiedenen Kontinenten die drastischen klimatischen Veränderungen in ihren Produktionen reflektieren, welche Möglichkeiten sie in ihren unterschiedlichen Kulturen, Religionen und politischen Systemen haben, die Menschen vor Ort zu erreichen. Nach Aussage des Verhaltensphysiologen Prof. Dr. Gerhard Roth gibt es im Gehirn keine direkte Verbindung zwischen dem Sitz von Verstand/Intelligenz und den verhaltenssteuernden Zentren. Um Verhaltensänderungen zu erreichen, muss die Auseinandersetzung mit Klimawandel und Klimaschutz emotionalisiert werden. Hier ist das Theater gefragt. Meine erste Station ist Indonesien. Die Veränderungen zeigen sich auf dem sich in west-östlicher Ausdehnung über 5000 Kilometer erstreckenden Archipel auf vielfältigste Weise. Auf Pulau Panggang, einer der tausend Inseln vor Jakarta, treffe ich Pak Lupus, einen hageren, lebensfrohen Mann. Er sagt: „Früher konnten wir gut vom Fischfang leben, jetzt fangen wir pro...

Im indonesischen Pulau Panggang ist Theater identitätstiftendes Mittel, um über die Beziehung zur Natur zu berichten

Wenn das Meer an der Heimat nagt

Der Flug nach Graz führt über um diese Jahreszeit malerisch verschneite Alpen und endet in Thalerhof, einem typischen Kleinstadtflughafen mit einer Handvoll Terminals, der kaum auffällt in der beschaulichen Landschaft ringsum. Was lange Zeit viele nicht wussten – oder nicht wissen wollten: Hier, in Thalerhof, existierte vor rund 100 Jahren ein Internierungslager. Zu Beginn des Ersten Weltkriegs wurden um die 30 000 Ruthenen in die Steiermark verschleppt, Orthodoxe aus Ostpolen, also dem nordöstlichsten Teil der K.-u.-k.-Monarchie. Als sogenannte Russophile standen sie unter dem Generalverdacht, mit dem Feind zu sympathisieren, und wurden vorsorglich deportiert. Weit weg aus dem Grenzland, damit sie nicht auf kürzestem Weg zur anderen Seite überlaufen konnten. Die hygienischen Zustände im Lager von Thalerhof müssen erbärmlich gewesen sein. Seuchen hatten leichtes Spiel und rafften 1767 Deportierte dahin. Erst seit 2012 erinnern Gedenktafeln an sie. Ein weitgehend verdrängtes Stück Geschichte – in Österreich. Im östlichen Polen dagegen, in der Heimat der Toten, ist die Erinnerung bis heute lebendig. So jedenfalls steht es zu lesen im Programmheft zu „Thalerhof“, einem Auftragswerk des Schauspielhauses Graz, geschrieben von Andrzej Stasiuk, der selbst aus dem Südosten Polens stammt. „Ich bin ein abergläubischer Slawe und glaube an Geister. Ich lausche, was sie zu sagen...

Das Schauspielhaus Graz unter Anna Badora erzählt europäische Geschichte aus östlicher Perspektive und wird so zu einem Knotenpunkt zwischen Ost und West

Was die Toten zu sagen haben

Warum Theater,

Das Unbehagen fest umklammert

Guerrilla Marika

50 Jahre nach dem Putsch in Chile

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Dafür gibt es in ihrer Sprache bestimmt einen Ausdruck 

Reaktion als Emanzipation

Räume im Besitz der Bürger

Hessisches Landestheater Marburg: Spiel mir das Lied von der EU-Bürokratie

Sie lassen uns nah an sich ran. Sie, das sind die Schauspieler des neuen Ensembles des Theaters Neumarkt in Zürich, die das kleine Haus mitten in der properen Altstadt der reichen Schweizer Metropole zum Zentrum der Vision einer „Offenen Stadt“ erklärt haben. Auf der anderen Seite ist das Publikum, das sich nach der erfolgreichen Doppelintendanz von Barbara Weber und Rafael Sanchez einem radikalen Neubeginn gegenübersieht: mit Peter Kastenmüller und Ralf Fiedler als neuem Leitungsduo, das angetreten ist mit dem Ziel, einmal mehr das Theater neu zu erfinden. Das Publikum sitzt also nah dran am Geschehen. Das liegt zum einen natürlich am intimen Theaterraum im ehemaligen Zunfthaus. Aber auch an dessen Einrichtung. Michael Graessner hat den Theaterraum um 45 Grad im Raum gedreht und die Bühne zum Laufsteg verengt, der sich zwischen den Zuschauertribünen in die Länge zieht. So sind sie zum Anfassen nahe, die neu angekommenen Schauspielerinnen und Schauspieler, die durch die Ankunftstragödie „Rocco und seine Brüder“, durch das Gesellschaftspanoptikum „1, 2, 3 … viele!“ und durch das dramatische Sozialisierungsexperiment „Hundeherz“ führen. Man kann also quasi den Schweiß riechen, wenn Rocco (Maximilian Kraus) und seine Brüder (Emre Aksizoglu, Martin Butzke, Jan Viethen und Francesco Lupo Sturani) sich in der Dramatisierung...

Bei ihrem Neustart am Theater Neumarkt in Zürich liefern Peter Kastenmüller und Ralf Fiedler tiefe Einblicke in das heterogene Wesen der Stadt

Wann ist der Mensch ein Hund?

„Falsch wie Fischstäbchen“

Herr Stasiuk, Ihr Stück „Thalerhof“ setzt sich als eines der ersten Stücke in dieser Spielzeit mit dem Thema „100 Jahre Erster Weltkrieg“ auseinander. Im Jahr 2014 wird darüber viel gesprochen werden. Wie blicken Sie selbst auf dieses Datum? Dieses Datum ist immer noch aktuell. Wir leben in einer Welt, die geprägt wurde von diesem Krieg. Mit dem Ersten Weltkrieg begann das heutige Zeitalter. Die Landkarten veränderten sich, wie auch das Denken über den Menschen sich veränderte. Der Krieg machte deutlich, dass Technologien künftig die Welt beherrschen werden. Er leitete den Niedergang der Kultur ein, in der die Europäer – der ganze Westen – bis dahin gelebt hatten. Zum einen durch die zunehmende Technisierung, zum anderen durch den Massencharakter des Krieges. Millionen kämpften und kamen ums Leben, betroffen waren alle. Es gab kein Entkommen. Es dämmerte den Menschen, dass sie in der nun anbrechenden Epoche bedeutungslos, nur ein Element der Masse sein würden. Diese Befürchtungen bewahrheiteten sich voll und ganz. Damals konnte man dem Krieg nicht entkommen, heute kann man sich der Konsumgesellschaft nicht entziehen. Wer weiß, ob der Krieg nicht die bessere Alternative war. Ich habe zum Ersten Weltkrieg ein ambivalentes Verhältnis: Es war der erste Krieg neuen Typs und...

Der polnische Autor Andrzej Stasiuk über sein Stück „Thalerhof“ und das Rumoren der schlecht begrabenen Toten im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Aus der Tiefe der Welt

Alle Zeichen stehen auf Kulturhauptstadt. 2021 will Temeswar den europäischen Titel tragen. Und die Chancen der Stadt im Banat, im Westen Rumäniens, stehen gut. Timisoara, Temeschburg oder Temeswar ist ein wahrer Schmelztiegel der Kulturen. Deutsche, Ungarn, Serben, Kroaten, Bulgaren … Die Wirren der Geschichte haben die unterschiedlichsten Ethnien nach Temeswar verschlagen. Heute sind die Gruppen der Nichtrumänen zwar teils verschwindende Minderheiten, die Mehrsprachigkeit in der Stadt und die kulturelle Vielfalt haben sich glücklicherweise gehalten. Ein Schatz der Vergangenheit, der für die Zukunft bereitsteht. Gerade ist die heiße Phase, in der die Stadtväter mit den Konkurrenten aus dem eigenen Land buhlen. 2015 wird entschieden, welche Städte Rumänien ins Rennen schickt. Temeswar fährt dementsprechend alles auf, was es zu bieten hat – und das sind nicht nur die Literatur-Nobelpreisträgerin Herta Müller und der langjährige Intendant der Wiener Staatsoper Ioan Holender als die Kinder der Stadt. Was die Stadt nicht selbst beheimatet, wird per Festival hinzugeholt. Es wird gnadenlos alles befeiert, was sich feiern lässt (Tanz, Jazz, Oper, Streetart, Alte Musik, World Music, Literatur, Art Media, sogar der Barock als solcher). Das ist ein bisschen geschummelt, auch andere Städte könnten das. Auch andere Städte haben engagierte Bibliotheken, Kulturzentren und Galerien. Was andere Städte...

Zu seinem 60. Geburtstag feiert das Deutsche Staatstheater in Temeswar das Europäische Theaterfestival Eurothalia

Blick zurück nach vorn

Mein Land

Widerhall einer kollektiven Erinnerung in Chile

Theater als Raumschiff

Werner Schwab war und ist bekannt für seine derb-direkte Sprache, die nichts unausgesprochen lässt. War schon damals, 1896, Arthur Schnitzlers „Reigen“ ein skandalauslösendes Theaterstück, nahm sich Werner Schwab in den 90er Jahren Schnitzlers „anstößigen Beziehungskarussells“ an: Der reizende Reigen nach dem Reigen des reizenden Herrn Arthur Schnitzler (UA Schauspiel Zürich, 1995). Alle Paare treffen sich und kommen sich körperlich näher, aber sind doch weit von menschlicher Wärme entfernt. Alles wird verbal überzeichnet. In erschreckender, „brüllender“ Komik. Ein Auf und Ab von Traurigkeit und Obszönität. Skandalös ... Wie schön, wenn eine Göttin einen Menschen rettet. So geschehen in klassischen Zeiten Griechenlands. Da trug die Göttin Diana Iphigenie, die Tochter des Agamemnon, in einer Wolke davon, als sie von ihrem Vater geopfert werden sollte, um so die Aussichten auf einen günstigen Ausgang des Kriegszugs nach Troja zu verbessern. Als die Wolke über Tauris stand, ließ die Göttin Iphigenie auf der heutigen Halbinsel Krim landen. Als Priesterin der Diana machte sie dann Tauris zu einer fremdenfreundlichen Halbinsel. Denn nun konnten die Fremden sicher sein, nicht mehr wie üblich der Diana geopfert zu werden, wenn sie Tauris betraten. Was Dankbarkeit des Menschen und die gute Tat einer Göttin alles bewirken können! König Thoas machte...

Hörspiel: Reizende Reigen

Allianzen bilden

Jetzt ist alles politisch

<h1>Surviving in Dangerous Places: Forced Entertainment als die letzten Abenteurer</h1> <h1></h1> <h2>ANDREW QUICK</h2> In ihrem jüngsten Werk, The Last Adventures, inszenieren Forced Entertainment in Zusammenarbeit mit dem Klangkünstler Tarek Atoui eine außergewöhnliche Begegnung mit dem Akt des Geschichtenerzählens selbst. Wie Kinder scheinen die Protagonisten in dem Drama, das sich vor uns entfaltet, ein fiktives Verständnis von jenen Regeln zu haben, die bestimmen, wie eine Erzählung konstruiert wird, und wie bei Kinderspielen verdrehen sich die Geschichten, deren Zeuge wir sind, brechen auseinander und werden beim Versuch der Künstler, sie darzustellen, sie zu verkörpern, sie in Raum und Zeit zum Leben zu erwecken, immer wieder neu arrangiert. In The Last Adventures schließt sich der Kompanie (Robin Arthur, Richard Lowdon, Claire Marshall, Cathy Naden, Terry O‘Connor und der künstlerische Leiter Tim Etchells) eine große Gruppe internationaler Künstler an, die die Bühnenbesetzung auf sechzehn Darsteller vergrößert, dazu kommen noch Livemusiker. Die Performance zeigt eine Welt aus zweidimensionalen Sperrholzwäldern, Sperrholzwolken und einem Sperrholzmeer; eine Welt, in der der Prunk von Königen, Königinnen und Prinzessinnen mit Gestalten in selbst angefertigten Roboterkostümen aus Pappkarton und Alufolie kollidiert; eine Welt, in der die Protagonisten die Schrecken des Krieges inszenieren, mit Helmen aus Küchensieben und Gewehren aus Mopps; eine...

Surviving in Dangerous Places: Forced Entertainment als die letzten Abenteurer

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

„Wir, die wir übrig sind aus den Vorzeiten, tragen etwas in uns, ohne das wir nicht überlebt hätten: das Urvertrauen.“ Wenn die zwei kopftuchtragenden Gestalten auf der Bühne diese Worte aus dem Zuschauerraum hören, stutzen sie zuerst, doch dann lösen sie die nachfolgende Stille in einer rasanten Tanznummer auf. Sie reißen sich inmitten von Lichterketten und Dompteurshockern die Tücher vom Kopf, lassen Hula-Hoop-Reifen um ihre Körper kreisen und jonglieren mit Bällen; sie tanzen, lachen und jauchzen, animiert immer wieder von einem akkordeonspielenden Mann mit Frack und Zylinder. Die Artistin (Barbara Fressner), der Clown (Gerold Ströher) und der Direktor (Arnold Hofheinz) sind dann wieder zurück auf der Kleinen Bühne des Nordharzer Städtebundtheaters in Halberstadt und mit ihnen der Zirkus des Alexander Kluge. Noch kurz zuvor schilderten die Schauspieler mit angsterfüllter Stimme und aufgerissenen Augen, wie sich der Boden unter der brennenden Martinikirche bewegte, zählten die Cafés und Geschäfte in Halberstadt auf, die der Feuersturm erfasste, warfen mit Papierschnipseln umher und rüttelten an Podesten, um Explosionsrauch und den Donner von Bombeneinschlägen anzudeuten. Der Luftangriff auf Halberstadt am 8. April 1945 war eines der wohl prägendsten Erlebnisse in der Kindheit des bedeutenden Schriftstellers und Filmemachers Alexander Kluge. Aus der Sicht zweier Luftschutzwärterinnen auf...

Nordharzer Städtebundtheater: „Alexander Kluge – Hoffnung und Widerstand“ (UA) von Sebastian Fust. Regie Katrin Plötner, Ausstattung Anneliese Neudecker

Halberstadt: Bomben auf Elefanten

Die Straße wird queer

Der Albtraum ist noch nicht vorbei

Zu woke für das Publikum?

Vom toten Huhn bis zu den Millennials

Hakenschlagender Wind, hügelige Wüstenlandschaft, grell-staubiger Nachmittag. Eine Landschaft, in der trotz eines enormen kulturellen Reichtums noch kein Vielvölkerstaat gewachsen ist. Der Schauspieler Nicola Zreineh unterbricht meine Gedanken. Er stupst mich an und zeigt auf die Ziegen der Beduinen. Wie lang die hier schon wohnen, frag ich. Achselzucken. Wir fahren in einem als Taxi gekennzeichneten VW-Bus, Bühnenbild und Requisiten auf dem Dach, auf der Straße nach Nablus und umkreisen Jerusalem von östlicher Seite, immer entlang der Mauer. Issam Rishmawi, Mitbegründer und Cheftechniker des Al-Harah-Theaters in Bait Dschala, einer Stadt zehn Kilometer südlich von Jerusalem und zwei Kilometer südlich von Bethlehem, dreht die Musik lauter und beginnt zu klatschen. „Ana illi Alaiki mishtak …“ (Ich bin der Letzte, der dich immer lieben wird …), versuche ich mitzusingen. Die Schauspielerin Mirna Sakhleh neben mir kommentiert den Versuch, und Gelächter schallt über mich herein; man reicht mir Teigwaren aus Sesam mit Falafel und Kaffee. Als skeptischer Deutscher von so viel guter Laune und freundschaftlicher Stimmung umgeben, beäuge ich misstrauisch den gutherzigen Humor meiner palästinensischen Theaterkollegen. Atta Nasser passiert den Checkpoint zwischen Jerusalem und der jüdischen Siedlung Ma’ale Adumim zu Fuß und springt in unseren Bus. Er ist einer der wenigen Palästinenser, die „drüben“ wohnen....

Das palästinensische Al-Harah-Theater in Birt Dschala arbeitet gegen Konservatismus an – und damit für die Überwindung von Grenzen

Balance halten

Emily weint doch nie

Was folgt

Teatro Lautaro in Deutschland gestern und heute

Als Intendantin Anna Badora 2006 von der NRW-Landeshauptstadt Düsseldorf ins kleinere Graz wechselte, wurde sie schlicht für verrückt erklärt. Was um Himmels willen sie denn dort unten wolle, am äußersten Rand der deutschsprachigen Theaterlandschaft, wurde sie entsetzt gefragt, das sei doch schon fast Balkan. Eben deshalb, antwortete Badora, denn genau das interessiere sie. Diese andere Perspektive auf ein „vereintes Europa, das seine Grenzen zuletzt weiter und weiter nach Osten verschoben...

Editorial

Schauspiel Leipzig: I got to break free

Das unheimliche 13. Jahr

Der ewige Wettkampf

Herr Schäfer, der Soziologe Harald Welzer sagte in unserer Reihe „Zurück in die Zukunft“, uns sei die Zukunft abhandengekommen. Würden Sie ihm zustimmen? Durch Samuel Beckett haben wir eine sinnliche Vorstellung von diesem Zustand bekommen. Sowohl in „Glückliche Tage“ als auch in „Endspiel“ oder „Warten auf Godot“ werden wir eines nicht mehr endenden Stillstands gewahr. Seine Texte setzen eine nie genauer definierte Katastrophe voraus. Sicherlich eine Reaktion auf den Schock von Hiroshima. Unser heutiges Leben kommt dem, wie Winnie ihr Leben in „Glückliche Tage“ gestaltet, sehr nahe. Am Ende eines jeden Tages kommt sie zu dem Ergebnis: „Es ist wieder ein glücklicher Tag.“ Dieses Ritual wird durch die Einnahme von Beruhigungsmitteln begleitet, durch das Hantieren mit einem Revolver namens Brownie, der aber anscheinend nicht geladen ist. Sie lebt unter einem Schirm, der sie vor der gleißenden Sonne schützt, die nach der Katastrophe immer auf denselben Punkt dieser nicht mehr rotierenden Erde strahlt, und steckt zugleich in einem Sandhügel, der sie bewegungsunfähig macht. Unsere Gegenwart spielt sich in diesem Sandhügel ab. Es besteht zurzeit keinerlei Aussicht darauf, dass es auf dieser Erde künftig anders zugehen könnte. Uns droht eher Schrecklicheres als das, was ist. All die sich erheblich widersprechenden Auskünfte aus...

Helmut Schäfer über ignorierte Katastrophen, permanente Rechtsbrüche und die Utopie als höchste Form möglicher Kritik an der Gegenwart im Gespräch mit Frank Raddatz

Unterm Schutzschirm

 Das Ende der Verzichtsmetapher

Die Christoph-Schlingensief-Retrospektive in den KW Institute for Contemporary Art Berlin

Anfangs, da fremdelten beide Seiten noch. Ein Berliner Intendant geht nach Stuttgart – und prompt schwirrten gleich mehrere Missverständnisse hin und her. Dass Armin Petras nach seiner Berufung unbefangen bekundete, Stuttgart sei ihm unter den deutschen Theatern eigentlich „das fremdeste“, nahm man ihm hier schon ein bisschen übel. Und dass jemand als verrückt gilt, wenn er von Berlin nach – wie bitte? – Stuttgart wechselt: Auch das bekamen viele hier in den falschen Hals. Vom Weltstadttheater in die Kehrwochenprovinz? Vielleicht, konterte man in Stuttgart mit einem coolen Gegenklischee, zog’s den Gorki-Intendanten ja ganz einfach vom klammen Berlin in den reichen Süden? Denn Petras bekommt hier ein größeres, endlich frisch saniertes Haus und ein geschätzt anderthalb bis doppelt so großes Ensemble, zudem steht ihm ein rund zweieinhalbfacher Etat zur Verfügung. Und dann Petras’ „regional“ grundiertes Programm: Brauchen wir, fragten manche Stuttgarter, einen Berliner Theatermann, der uns Hölderlin, Hauff und Hesse noch mal erklärt? Doch Schwamm drüber. Jetzt, nach einem ehrgeizigen Start mit sechs Premieren an drei Tagen, ist mit dem Gefremdel und Klischee- Kleinkrieg erst mal Schluss. Zwischen dem neuen Team und dem Stuttgarter Publikum schon von Liebe zu sprechen, das wäre noch entschieden zu viel gesagt. Doch Petras, dessen schaffige,...

Gut angekommen: Wie sich Armin Petras als neuer Intendant am Schauspiel Stuttgart schlägt

Von Berlin nach – wie bitte?

Laudation von Jurymitglied Martin Brachvogel für Lena Gorelik

Etikettenschwindel

Seit 2005 gibt es in Hamburg auf Kampnagel klub katarakt, ein Festival für experimentelle Musik, Elektronik, Bands und Installationen. Der herkömmliche Umgang mit zeitgenössischer E-Musik wird hier mit multimedialen Ansätzen aufgebrochen, so dass auch ein Publikum angesprochen wird, das eher mit Pop und bildender Kunst vertraut ist. Antipoden, wörtlich „Gegenfüßler“, heißt das Thema im Januar 2014, womit auch jenes sagenhafte Wundervolk gemeint ist, dessen Füße nach hinten zeigen. Menschen also, die voranschreiten, indem sie rückwärtsgehen (und umgekehrt). Auch der heute 78-jährige US-Komponist La Monte Young, bekannt für lang gehaltene Töne und meditative Soundschleifen, kann als Gegenfüßler durchgehen, als Klangguru hat er John Cale oder Lou Reed inspiriert. Von ihm gibt es ein abendfüllendes Werk zu erleben, von seinem US-Kollegen Phill Niblock eine auf drei Hallen verteilte begehbare Konzertinstallation. Matthias Kaul zeigt zudem absurdes Musiktheater, bei dem auch Eisschränke, Aquarien und 100 Mausefallen als Klangerzeuger aufgefahren werden. Krieg und Frieden: Darum geht es beim Festival KlangZeit Münster. Neben Werken von Strawinsky („Die Geschichte vom Soldaten“) bis Schönberg („Ein Überlebender aus Warschau“) rückt das zweiwöchige Treffen vor allem diese Frage in den Blick: Wie klingt es heute „an den aktuellen Orten aktueller gesellschaftlicher Verwerfungen“, etwa im östlichen Mittelmeerraum von Kairo bis Istanbul?...

Musik: Gegenfüßler

Im Alter von zwölf Jahren trat Lorna Simpson in einer Ballettaufführung im Lincoln Center auf, mit Perücke und Glitzerkostüm. Was das Tanzen betraf, wusste sie schnell, dass sie lieber im Publikum als auf der Bühne sein möchte. Für ihre Karriere sollte dieses Ereignis später wichtig werden. Es prägte nicht nur ihre künstlerische Laufbahn, es war auch der Auslöser für ein Video, in dem goldlackierte Darsteller mit Afroperücke durch den Raum tanzen. Okwui Enwezor, der designierte Kurator der nächsten Venedig-Biennale, hat die heute 53-jährige Tochter eines Kubaners und einer Schwarzen aus New Orleans für den europäischen Kunstmarkt entdeckt und ihr im Münchener Haus der Kunst eine Retrospektive gewidmet. Für den Rundgang ist es am besten, man schaut sich die Filmprojektion „Momentum“ gleich von der Treppe herab an, dann blickt man wie auf eine Bühne und hat augenblicklich eines der erfolgreichsten Musicals aller Zeiten, „Hair“, im Kopf, das die glamourösen Sixties mit nackten Körpern und wilden Haaren wie nichts anderes zelebriert. Im Werk von Lorna Simpson lassen sich zahlreiche Bezüge auf die „Politik der Haare“ ausmachen. Etwa, wenn sie Perücken in unterschiedlichen Frisuren und Farben aufreiht und kommentiert – dann ahnt man etwas von den Sehnsüchten einer schwarzen Frau. Als sie im...

Kunst: Cloudscape

Gründung einer Akademie der darstellenden Künste in München

Wenn alles auf der Goldwaage liegt

SagdochmalLuca

Mateja Koležniks „Kinder“

GRIPS 2.0 – Neue Räume für das Kinder- und Jugendtheater

Der Moder ist allgegenwärtig. Die Villa, die Tesman auf Wunsch seiner Frau Hedda gekauft hat, ist eine bürgerliche Wohngruft (Bühne Stéphane Laimé), die ausschließlich gedeckte Farben zwischen Grünbraun und Braungrün kultiviert. Man leistet sich allen Komfort, den man sich eigentlich nicht leisten kann, nur Heddas Rennpferd muss noch warten. Wenigstens so lange, bis Tesman endlich seine Professur bekommen hat. Er kann sie brauchen, zumal nach der kostspieligen und das Ehepaar...

Thalia Theater: „Hedda Gabler“ von Henrik Ibsen. Regie Jan Bosse, Bühne Stéphane Laimé, Kostüme Kathrin Plath

Hamburg: Endstation Langeweile

Bonobo

Vom Verschwinden der Körper in frostiger Zeit

Theater für alle versus faire Bezahlung?

Laudatio von Jurymitglied Brigitte Korn-Wimmer für Marisa Wendt (Auszug)

<h1>TIM ETCHELLS</h1> <h1>aus: The Last Adventures</h1> CATHY This river runs by a road. This house stands at the top of a hill. A long road runs through the meadow. A meadow is made of something green. ROB Green is a colour. Blue is a colour. Brown is another color. CATHY The night runs through the sky. The sky is not a thing. A sky is made from molecules. The sky is black at night. Black is not a colour. Air is also not a color. ROB Stars cannot be taken out of the sky. Time cannot be saved by doing things more quickly. Time cannot be saved. CATHY Animals are not people. People are animals. Sometimes animals do things that are quite like the things that people do. Sometimes people behave like animals. Some animals eat people. Some people eat animals. Some people act like animals. Some animals act like people. ROB Some people are awake when they should be asleep. Some people are asleep when they should be awake. Sleeping people should not walk. Waking people should not talk to sleeping people. Walking people should not sleep. CATHY This house is not for people. This water is not for...

The Last Adventures

Die Kuratorin Anna-Catharina Gebbers und die langjährige Lebensgefährtin Aino Laberenz über die Christoph-Schlingensief-Retrospektive in den KW Institute for Contemporary Art Berlin im Gespräch mit Ute Müller-Tischler „Einer der wichtigsten Aspekte im Werk von Christoph Schlingensief ist für mich, wie stark Kunst in das Leben eingreifen und es verändern kann“, sagt Susanne Pfeffer, Kuratorin der Christoph-Schlingensief-Retrospektive. Bereits ab 2009 war die damalige Chefkuratorin an den Berliner KW Institute for Contemporary Art...

Gespräch mit Anna-Catharina Gebbers und Aino Laberenz über die Christoph-Schlingensief-Retrospektive

Das Theater der Unterdrückten kann auch heute noch bewegen. Dies ist das Fazit des Erfahrungsberichts des deutsch-bolivianischen Regisseurs und Friedensaktivisten Hjalmar Jorge Joffre-Eichhorn, der seit 2009 gemeinsam mit afghanischen Künstlern die Theaterplattform Afghanistan Human Rights and Democracy Organization (AHRDO) betreibt. Etwas spektakelsüchtig und sich wohl auch an den Klischees der hiesigen Wahrnehmung Afghanistans orientierend, verpasste er, fußend auf einer realen Workshop-Erfahrung, seinem Buch den Titel „Wenn die Burka plötzlich fliegt“. Das Titelblatt ist aber die einzige Seite im ganzen Werk, wo der paternalistische Anspruch des Westens durchdringt. Sensibel und mit Sinn für Details beschreibt Joffre-Eichhorn zunächst, was auch an Friedens- und Entwicklungsbemühungen ziviler Kräfte in Afghanistan aufgrund interner Bürokratie der Organisationen und der in den Jahren der Besetzung immer mehr zunehmenden Distanz zur sozialen Realität im Lande im Scheitern begriffen ist. Er schildert als Gegenbeispiel, wie sich das Instrumentarium des Theaters der Unterdrückten zu einem Mittel entwickelte, Herzen und Sinne zu öffnen. Anfangs kommt vor allem dem Statuentheater große Bedeutung zu. Hier bauen Workshop-Teilnehmer mit ihren eigenen Körpern nonverbal Konstellationen, die später bewegt und mit Sprache versehen werden. Gewalt in der Familie, Kriegserlebnisse und Demütigungen aller Art werden so plastisch und erzählbar, auch einem Mann und Ausländer gegenüber. Joffre-Eichhorn verhehlt...

Hjalmar Jorge Joffre-Eichhorn: Wenn die Burka plötzlich fliegt. Einblicke in die Arbeit mit dem Theater der Unterdrückten in Afghanistan. ibidem- Verlag, Stuttgart 2013, 220 S., 19,90 EUR.

In Herz und Sinn

Ein Missverständnis hat sich verbreitet. Wenn viele Theaterarbeiten heute eine Atmosphäre schaffen, eine Stimmung von Party, Club und „ambient theatre“, so ist diese Öffnung des Theaterrahmens an sich gewiss produktiv. Als Selbstzweck betrachtet, handelt es sich aber um eine bloß modische Anpassung an den Zeitgeist. Wenn ein Publikum in ein rundum ästhetisiertes Environment gebeten wird und eingeladen ist, sich in Installationen, Wohnungen, eigens kreierten Räumlichkeiten aufzuhalten, womöglich über eine ungewohnt lange Zeit hinweg, und sich zudem aufgefordert sieht, die Situation eigens mitzugestalten, also zu „partizipieren“, so ist dies als solches gewiss ein Schritt in die wiederentdeckte „relationale“ Dimension der Kunst des Theaters. Es kann sich aber auch um ein Erfahrungsangebot handeln, das eine konsumistische Haltung nahelegt, Abenteuerurlaub mit vorweg gerahmten Risiken. Dies umso mehr, wenn als Markenzeichen stolz der Reichtum an Mitteln und Möglichkeiten ausgestellt wird. Als kritische Faustregel mag gelten, dass nur eine betonte Armut der Mittel und damit der Ausfall beliebig multipler Reize solche Arbeiten vor dem Teufelspakt mit dem Kommerz bewahren können (was freilich allein nicht ausreicht). In England macht seit einem Jahrzehnt die Gruppe Punchdrunk von sich reden, Repräsentant eines „immersiven Theaters“, bei dem das Publikum sich auf manchmal recht ausgedehnten Arealen, die durch und durch...

Über das Missverständnis des partizipativen Theaters

Jäger des eigenen Vorteils

Laudatio von Jurymitglied Eva-Maria Voigtländer für Yannic Han Biao Federer

Vielleicht ein Aufbruch

Es war gerade die Zeit der Aufdeckungen, als Ostermeier mir eine gemeinsame Arbeit vorschlug. Überall waren pädagogisch ausgebildete Päderasten ans Licht gekommen. Man hatte sie hervorgezerrt aus Löchern aus Vertuschen, Verschweigen und vollkommen absentem Unrechtsbewusstsein – aus jahrhundertealter Selbstgewissheit: Die meisten waren ohne jedes Schuldgefühl. Da Ostermeier schier zum Einzigen geworden war, bei dem ich mir die Vorstellung von einer gemeinsamen Theaterarbeit noch abringen konnte – jetzt noch mehr, nachdem Gotscheff tot ist –, nahm ich seinen Vorschlag an. Ich wollte aber keine Texte mehr auswendig lernen und empfahl, etwas zu machen mit Gesang. Da könnte ich vom Blatt singen. Ostermeier kam bald mit „Der Tod in Venedig“ von Thomas Mann daher. Das könne man mit den „Kindertotenliedern“ von Gustav Mahler mischen, und das gemeinsame Vorhaben wäre bewehrt mit ausgewiesenem Material zum aktuellen Thema. So kam es schließlich zur Aufführung. Und nach bald dreißig Vorstellungen kam eine Einladung nach Sankt Petersburg. Davor hatte ich Angst. Ein Jahr zuvor war dort ein Gesetz erfunden worden, das das Reden über Homosexualität und Knabenliebe im Beisein von Minderjährigen unter Strafe stellt. Auch für Ausländer. Und in Thomas Manns Erzählung wird nur darüber geredet. Und das Objekt der Begierde in der Erzählung – und...

Über ein Schaubühnen-Gastspiel in Russland

Tot in Sankt Petersburg

Einer der wichtigsten Aspekte im Werk von Christoph Schlingensief ist für mich, wie stark Kunst in das Leben eingreifen und es verändern kann“, sagt Susanne Pfeffer, Kuratorin der Christoph- Schlingensief-Retrospektive. Bereits ab 2009 war die damalige Chefkuratorin an den Berliner KW Institute for Contemporary Art mit ihm über eine Werkschau im Gespräch. Die Ausstellung, die nun in den KW zu sehen ist, reflektiere Schlingensiefs enorme Durchdringung von Kunst, Politik und Leben, so Pfeffer. „Dabei besaß seine Arbeit, angefangen bei Film, Theater und Oper über Installationen und Aktionen, in all diesen Medien immer ein absolut bildnerisches Element. Immer wieder ist es ihm gelungen, ikonografische Bilder zu schaffen, die sich fest in unserem Bildhorizont verankert haben.“ Wir unterhielten uns mit Anna-Catharina Gebbers, neben Susanne Pfeffer und Klaus Biesenbach Kuratorin der Ausstellung, sowie Aino Laberenz, langjährige Wegbegleiterin Schlingensiefs und künstlerische Beraterin der Ausstellung, über die Retrospektive des Gesamtkünstlers Schlingensief. „Alles ist Kunst, weil Überleben längst eine Kunst ist.“ Der Satz stammt von Christoph Schlingensief. Könnte so nicht auch seine gerade eröffnete Retrospektive überschrieben sein? Aino Laberenz: Der Satz steht natürlich in unmittelbarem Zusammenhang mit dem Operndorf Afrika in Burkina Faso. Aus dieser Perspektive betrachtet, geht es darum, unseren einerseits ziemlich ausgefransten, andererseits oft...

Die Kuratorin Anna-Catharina Gebbers und die langjährige Lebensgefährtin Aino Laberenz über die Christoph-Schlingensief- Retrospektive im Gespräch mit Ute Müller-Tischler

Ich bin hier nicht im Bild

Meldungen

Was macht das Theater, Anne Rabe?

Theater Bremen: Die persönliche Schmerzfigur

Herr Diaz, im Oktober 2013 haben Sie beim Jubiläumskongress des Wiener Burgtheaters mit Ihrer unangemeldeten Rede über die Zusammenarbeit des Theaters mit der zwielichtigen Sicherheitsfirma G4S großes Aufsehen erregt. Wie hat sich die Situation seitdem entwickelt? Im Fokus stand ja zunächst der Skandal um G4S: Eine Kulturinstitution wie das Burgtheater arbeitet mit einem Sicherheitsunternehmen zusammen, das in Menschenrechtsverletzungen weltweit verwickelt ist. Das hat ganz schön für Furore gesorgt! Obwohl es schon Proteste gegen die Geschäftspraxis in Österreich gab, konnte G4S Österreich ohne großes Aufsehen Vertragspartner des Innenministeriums für Kontrollaufgaben in einem Abschiebegefängnis in der Steiermark werden. Durch die Rede beim Theaterkongress waren auf einmal alle Augen auf das Unternehmen gerichtet: Ich wurde sofort von G4S gekündigt, und meine Billeteurskolleginnen und ‑kollegen sollten mit dubiosen Unterschriftslisten, in denen ihre Distanzierung von meiner Person und Rede eingefordert wurde, eingeschüchtert werden. Inzwischen haben einige Billeteure reagiert und sich als „Anonyme Billeteure“ kritisch zu Wort gemeldet. Verschiedene künstlerische Interessensvertretungen haben sich solidarisiert. Es kam sogar zu einer parlamentarischen Anfrage der österreichischen Grünen, und Elfriede Jelinek stellte sich in einer Rede hinter die Aktion. An der hierzu parallel verlaufenden Debatte um das geplante Abschiebegefängnis in der Steiermark finde ich bemerkenswert, dass vorwiegend die Privatisierung einer...

Was macht das Theater, Christian Diaz Orejarena?

Beste Stücke

Drive in

Mönchszellen und Bühnenräume

Muttertier

Januar 2014

Premieren

Theater und Digitalität

Dichter Nebel liegt über Bautzen. Ganze drei Tage lang sehe ich die Türme der Kirchen, von denen es hier sieben gibt, immer erst, wenn ich direkt vor ihnen stehe. Eine gute Gelegenheit für einen Schnellkurs in Stadtgeschichte per Computer? Doch Bautzen für Eilige, das entwickelt sich sofort zu einer langwierigen Recherche. Wer etwa denkt bei der Spree an Bautzen? Tatsächlich ist sie hier noch ein ziemlich schmales Rinnsal, aber man ist schließlich auch viel dichter an ihrer Quelle als in Berlin. Sollte das nicht ein Vorteil sein? Bautzen scheint eine barocke Bürgerstadt, wenn auch in aller Zurückhaltung, die man hier für geboten hält. Doch es ist seltsam: Wikipedia bietet allein zu den beiden Stichworten „Bautzen“ und „Sorben“ insgesamt 47 DIN A4-Seiten, das ist mehr, als man dort zu Berlin findet. Und Michael Lorenz’ opulent-schöner Band „Bautzener Theater Geschichten“ wächst sich wie selbstverständlich zum umfangreichsten Text-Bild-Band aus, der je im Verlag Theater der Zeit erschien. Ja, in Bautzen nimmt man sich Zeit für seine Geschichte, immer sieht man sich im Fadenkreuz der weltpolitischen Großereignisse (Wallenstein, Napoleon!), um dann in den andernorts verfassten Chroniken doch wieder auf die hinteren Plätze verwiesen zu werden. Sachsen, das ist eben immer noch zuerst Leipzig, Dresden,...

Wie das Deutsch-Sorbische Volkstheater Bautzen Tradition, Religion und Weltpolitik mit einer jahrhundertealten Stadtgeschichte verbindet

Zeitreise ins Grenzland

Wir sind pessimistisch

Betriebswirtschaftliche Zusammenhänge im (Freien) Kinder- und Jugendtheater

Schauspiel Wuppertal: Generalabrechnung mit der Menschheit 

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Inspiration durch Stille – Kreativität durch Bewegung

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

„Die Glaswanne darf nie kaltlaufen“

Das Nationaltheater von Algier ist ein repräsentables Gebäude aus der französischen Kolonialzeit: Stuck und Plüsch. Es liegt direkt am Meer, eine sanfte Brise kräuselt die Blätter der Palmen. In Bejaia, einer etwa 300 Kilometer weiter östlich an der Küste gelegenen Stadt, widmet sich ein internationales Festival der „Vierten Kunst“, wie man das Theater hier nennt. Das Festival von Bejaia war der eigentliche Anlass für das knapp zweiwöchige Gastspiel des Theaters an der Ruhr in Algerien; man spielt hier Peter Handkes „Kaspar“, eine Produktion aus dem Jahr 1987. In dem Stück gibt es eine Szene, in der die Schauspielerin Maria Neumann, die Kaspar spielt, nackt ausgezogen wird; natürlich wurde im Vorfeld über die Risiken dieser Szene diskutiert – schließlich ist Algerien ein islamisch geprägtes Land. Aber sie geht anstandslos über die Bühne, allenfalls ein leichtes Raunen ist im Saal vernehmbar. – Ich treffe Roberto Ciulli, den Direktor des Theaters an der Ruhr, der am kommenden 1. April seinen 80. Geburtstag feiern darf, im Café gleich neben dem Theater von Algier. Er ist vollkommen entspannt. Die Haare sind immer noch lang wie eh und je; nur die Zigarre, die er früher zu rauchen pflegte, hat er sich inzwischen abgewöhnt. Herr Ciulli, Sie...

Roberto Ciulli über seine Utopie einer Stadt für die Kunst und die Zukunft des Theater an der Ruhr im Gespräch mit Martin Krumbholz

Der sokratische Dialog

Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer

Viel Potenzial, wenig Raum

Theater Heidelberg: Psychoanalyse mit der VR-Brille

Gebrannt hat es immer schon

Theater und Transformation

Klänge von Gestern und Heute auf den Bühnen Chiles

Leichensäcke mit Leichtigkeit

„In dieser tiefschwarzen Nacht haben wir uns endlich wiedergefunden.“ Schon dieser erste Satz ist typisch für den Tonfall des Stücks. Es geht um eine alte, zerbrochene Liebe, um Partner, die sich nach Jahren im Sterbezimmer einer Bekannten wieder treffen. Raunend gesprochen, mag der Anfangssatz im Raum funkeln wie ein Gedicht. Doch die Menschen in Etel Adnans Stück sprechen die ganze Zeit über so: „Wir sind allein. Diese stockfinstre Nacht herrscht auch in unseren Körpern.“ Die Darsteller müssen sich hüten, nicht ganz schnell in einer Kitschfalle zu landen. Adnans Texte sind als schwebend leicht und doch abgrundtief schwer beschrieben worden. Heute kann dieser poetische Ton – im Kontrast zur Reality-Dominanz im zeitgenössischen Drama – eher fremd und gesucht anmuten. Das Karlsruher Ensemble jedoch kommt bei der Uraufführung von „Irgendwann in der Nacht“ ohne preziöses Raunen aus. Im Gegenteil, die vier Schauspieler lassen Adnans Sätze – es sind ja doch eher lyrische Reflexionen über eine zurückliegende, intensive, existenzielle Zeit der Liebe – ganz direkt und konkret klingen. So, dass dann doch in dieser zunächst retrospektiven Begegnung zweier ehemals Liebender ein Drama aufscheint. Die heute 88-jährige Schriftstellerin und Malerin Etel Adnan, Tochter einer christlichen Griechin und eines muslimischen Syrers, ist Weltbürgerin, sie lebt...

Badisches Staatstheater Karlsruhe: „Irgendwann in der Nacht“ (UA) von Etel Adnan. Regie Mathias Hannus, Ausstattung Christine von Bernstein

Karlsruhe: Auf der Kippe

In Schlappen, ein Tuch lässig um die Hüfte geknotet – so steht sie da: Justitia. Rechts das Schwert, links die Waage, so weit nicht weiter verwunderlich, würden nicht unter dem viel zu kurzen Tuch viel zu dicke Beine hervorschauen und die Haare wie nach einer Rauferei wild abstehen. Das Verstörendste aber ist ihr Rücken: ein breites Männerkreuz, verunstaltet durch zahlreiche Peitschenhiebe. Mit dieser Skizze beginnt das Gerichtstagebuch „Verbotene Kunst“ von Wiktoria Lomasko und Anton Nikolajew über einen der umstrittensten Kunstprozesse im Russland Wladimir Putins. Gegenstand war die 2007 in Moskau gezeigte Ausstellung „Verbotene Kunst 2006“, in der die beiden Organisatoren Andrei Jerofejew und Juri Samodurow Werke zur Diskussion stellten, die im Jahr zuvor in Moskauer Galerien und Museen, sei es von den jeweiligen Direktoren oder den zuständigen internen Kommissionen, nicht zur Präsentation freigegeben worden waren. Gründe für diese scheinbare Selbstzensur, schreibt die Kunstwissenschaftlerin Sandra Frimmel in einem Nachwort, „waren vor allem die Verwendung religiöser Symbole oder anstößige Wörter“ wie zum Beispiel in Alexander Sawkos Gemälde der Bergpredigt, auf dem Jesus den Kopf von Mickey Mouse trägt. Vertreter der orthodoxen Kirche sowie Duma-Abgeordnete der Putin- Partei Gerechtes Russland sahen durch die Ausstellung ihre religiösen Gefühle verletzt und reichten Klage ein. Die...

Andrzej Stasiuk: Autor der Vergessenen

Assoziationen

Schauspielhaus Graz

Neuerscheinungen im Verlag