Am Anfang ist der Sturm. Barbara Nüsse kommt, raucht, schaut. Dann schmeißt sie die Windmaschine an. Die seufzt langsam, jault auf – und macht den Nebel tanzen, der vorne aus zwei Maschinchen dampft. Wie das wild aufstiebt, wirbelt, schäumt! Sind wir im Himmel? Auf der Erde? In der Hölle? Irgendwo dazwischen. „Ich hasse die Provinz“ ist Nüsses erster Satz. Genau dorthin wird ihre Landvermesserin geschickt, an die Ränder des Landes Österreich mit dem Auftrag, die Grenzen neu zu bestimmen, „durch die ein definitiver frieden hergestellt werden soll“. Die Zeit? 1918, das alte Reich ist untergegangen, Österreich kein kakanisches Imperium mehr, sondern ein Rumpf mit Wiener Wasserkopf. Und doch ist nichts klar in Thomas Köcks Stück „dritte republik“. Denn so wie Franz Kafkas Landarzt in der gleichnamigen Erzählung, der deutlich Pate gestanden hat, entgleitet auch der Landvermesserin schnell die Kontrolle. Merkwürdige Szenen ereignen sich: Der Kutscher, ein Provinzler, der die Landvermesserin an die Grenze bringen soll, spricht wie eine Horváth-Figur, ist aber Kind des postfaktischen Zeitalters, ein pessimistischer Zweifler, dem „ganz philosophisch“ wird: „am ende schafft der mensch sich selber ab“. Männer rotten sich zusammen, die nichts haben als ihren Nationalstolz. Eine blinde Fallschirmspringerin folgert aus ihrer Vogelperspektive: „nationen sind die...

Thalia Theater Hamburg, Uraufführung 2. November. 2018 Bühne Stephan Weber, Kostüme Sophie Klenk-Wulff, Dramaturgie Emilia Linda Heinrich, Musik Max Kühn

Im Sturm der Geschichte: dritte republik von Thomas Köck. Regie Elsa-Sophie Jach, Thomas Köck

Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

„Meine szenische Fantasie ist ausschließlich ans Bühnenbild gekoppelt; ich habe ziemlich genaue Vorstellungen davon, was eine Bühne für mich können muss und nach welchen Regeln sie funktioniert. Meistens muss ich mich dann als Regisseurin dazu zwingen, diese Regeln einzuhalten. Manchmal ist das schwer, manchmal verliere ich den Überblick, aber wir alle arbeiten als Team, es gibt meistens jemanden, dem das rechtzeitig auffällt. Es gibt also eine Grundidee für den Raum. Beim ‚Mieter‘ waren das die Gänge im Treppenhaus. Dazu kommen dann die Details. Während ich den Grundriss entwerfe, denke ich gleichzeitig über Einrichtung und Requisiten nach. Diese werden dann oft zu inhaltlichen Leitmotiven. Und diese sind entscheidend für die Inszenierung. Dasselbe gilt für Musik und Kostüme.“ Für ihre Inszenierung von Roland Topors „Der Mieter“ im Marstall des Bayerischen Staatsschauspiels hat sich Blanka Rádóczy eine leere, rechteckige Spielfläche bauen lassen, begrenzt in der Tiefe durch eine Wand mit nur einer Tür – dahinter, die Zuschauer entdecken sie sehr bald: eine Toilette. Links, neben der Eingangstür für das Publikum, zwei große vollgestopfte Müllcontainer, die wohl nie geleert werden; rechts die Mauerwand des Marstalls. Vorn, vor der Zuschauertribüne, liegen ein Paar Matratzenkissen, daneben ein Kleiderständer, wie wir ihn aus Warenhäusern kennen, behängt mit...

Residenztheater München Premiere am 24. November 2018, Bühne Blanka Rádóczy, Kostüme Andrea Simeon, Dramaturgie Angela Obst, Musik Benedikt Brachtel

Ein gefährliches Rätselspiel: Der Mieter von Roland Topor. Regie Blanka Rádóczy

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Martin Susman schwitzt. „Er schwitzte wie ein Schwein.“ Während sein Bruder Florian in Österreich die elterliche Schweinezucht zu expandieren versucht, arbeitet er als Beamter der Generaldirektion Kultur für die Europäische Kommission. Und während ein freilaufendes Schwein durch die Gassen von Brüssel hetzt, bereitet er sich auf eine Dienstreise nach Auschwitz vor. Es ist Winter. Es ist kalt. Aber: „Was für eine Schnapsidee, die warme Unterwäsche gleich anzuziehen.“ Dieser schwitzende Susman – Schauspieler Simon Bauer schüttet einen Becher Milch in sich hinein – führt in Lucia Bihlers Inszenierung von Robert Menasses Roman „Die Hauptstadt“ seinen inneren Monolog per Audio-Einspielung. Bauer windet sich beiläufig aus dem schwarz-glänzenden Anzug heraus, steht in langer „deutscher Unterwäsche“ da. Der Ärger über seine Unfähigkeit, sich adäquat zu kleiden, hindert Susman daran, seinem Kollegen Bohumil Smekal, dargestellt von Jesse Inman, adäquat zuzuhören. Dessen Ausführungen über die Absurdität und Abscheulichkeit einer Welt, in der politische Gräben (wieder) mitten durch Familien gehen, bringt Inman von seinem unruhigen Gesprächspartner unbeirrt vor. An der Rampe stehend, nippt er bedächtig an einem Becher Milch. Bihler verschneidet den gesellschaftspolitischen Dialog zwischen Susman und Smekal mit dem privatistischen Monolog – „die Dienstreise nach Polen möglichst unbeschadet an Leib und Seele hinter sich bringen“ –...

Schauspielhaus Wien. Österreichische Erstaufführung am 26. September 2018. Bühne und Kostüme Josa Marx, Dramaturgie Tobias Schuster, Musik Jacob Suske

Schweine in Brüssel: Die Hauptstadt. Regie Lucia Bihler. Nach Robert Menasse

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Der Materialergründer

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Philipp Moschitz ist ein Tausendsassa: Sänger, Schauspieler, Musiker, Choreograf, Regisseur, Spaßmacher. Un homme du théâtre! Und kein Intellektueller – was durchaus nicht bedeutet, dass er nicht gebildet ist. Im Gegenteil! Nur gibt er damit nicht an. Obwohl er auf die Frage, ob er womöglich in der Branche als unintellektuell wahrgenommen werden könnte, durchaus eitel kontert: „Unintellektuell?! Weil ich mich mit Literatur beschäftige? Weil ich mich mit gut geschriebenen Figuren auseinandersetze und vielschichtige Charaktere zu lesen versuche? Weil ich mir Stücke aussuche, in denen poetische Bilder kraftvoll sein könnten? Weil ich ein Geschichtenerzähler bin? Weil mir die Figuren eines Stücks und deren Konflikte am wichtigsten sind? Weil ich musikalisch bin? Weil ich ein gutes Rhythmusgefühl habe? Weil ich choreografieren kann? Weil ich mit einer Komödie das schwerste theatrale Genre bediene? Weil ich auch Musicals inszeniere? Weil ich Timing-Gefühl habe? Weil ich Partituren lesen kann? Weil ich mich in der Oper gut auskenne und sie inszenieren möchte? – Ja, vielleicht.“ Selbstironie ist seine Sache. Und Frohsinn. Philipp Moschitz zeigt sich, zumindest in der Öffentlichkeit, immer gut gelaunt: ein Frohgemut, der sich ein Leben ohne Theater nicht vorstellen kann – und mag. „Seit meinem sechsten Lebensjahr stehe ich auf diesen Brettern, die meine...

Landestheater Niederösterreich St. Pölten, Premiere am 28. September 2018. Bühne und Kostüme Isabelle Kittnar

Hauptsache: spielen! Um die Wette von Eugène Labiche. Deutsch von Elfriede Jelinek

Kompositionsprinzip Collage

Interessieren Sie sich für Analogfotografie? Oder erinnern Sie sich noch, wie man damals, als es noch keine Digital- und Handyfotografie gab, wartete – tage- oder wochenlang, bis man das Bild sehen konnte, das man vor längerer Zeit geschossen hatte? Und als man längst vergessen hatte, warum und wovon man ein Foto gemacht hatte? Als es zu unerwarteten Begegnungen kam mit Menschen und Gesichtern, die es im Leben nicht mehr gab, weil man sie im Urlaub getroffen oder sich von ihnen getrennt hatte? Das Theaterstück „Durée d’exposition“ der Regisseurin Camille Dagen und ihrer Gruppe Animal Architecte erzählt von der Analogfotografie, genauer: vom sogenannten latenten Bild, von dem Zeitpunkt, zu dem der Auslöser bereits gedrückt wurde, der Film aber noch nicht entwickelt ist. Das Bild ist da und auch wieder nicht. Unveränderbar, ohne sichtbar zu sein. Eine Leerstelle. Die Mitglieder von Animal Architecte lernten sich während ihres Studiums am Théâtre National de Strasbourg, kurz TNS, kennen, wo Studierende mit unterschiedlichen Schwerpunkten – Schauspiel, Regie, Ausstattung und Dramaturgie – gemeinsam ausgebildet werden. Camille Dagen, die 26 Jahre alt ist, hatte Literatur und Philosophie an der renommierten École normale supérieure in Paris studiert, bevor sie nach Strasburg kam und dort 2017 ihren Abschluss als...

Animal Architecte. Uraufführung Oktober 2016. Bühne und Kostüme Emma Depoid, Sound Design Kaspar Tainturier-Fink

Der Verlust der Liebe: Text und Regie Camille Dagen. Durée d’Exposition

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Ist das noch eine Theatergarderobe? Oder schon das Totenreich? Fünf Schauspielerinnen liegen rücklings auf der Bühne in ihren Kostümen, die Uterus und Eierstöcke zeigen sowie einen Stinkefinger darauf. Während die Kamera ihr Spiegelbild verzerrt und zersplittert auf die Bühnenrückwand überträgt, leuchtet über allem das Wort „Flatrate“. Die Frauen plärren weinerlich vor sich hin. Eigentlich sind sie gekommen, um Maos Witwe zu spielen. Aber wie in einer Kafka-Erzählung dringen sie nie zum Ziel vor, weder zum Regisseur noch zur Rolle. Da steht Anita Vulesicas Helena auf und spricht von der Erfahrung, eine Schauspielerin zu sein, leise, eindringlich, als seien das Vulesicas eigene Worte: „Am Ende habe ich mein Geld als Söldnerin verdient. Verdingt bin ich gewesen und werde keine Pension bekommen.“ Um dann zu fragen: „Und wenn alle so leben müssen. Warum ist es dann nicht freundlicher geworden. Fürsorglicher. Kameradschaftlicher. Wenn doch alle in diese Verhältnisse gepresst sind. Es könnte doch eine große Gemeinschaftlichkeit entstehen. Eine Freundschaftlichkeit, die das alles unterläuft und das Leben schön macht. Gemeinsamer.“ Kurz scheint diese Utopie auf, herausgehoben aus dem Geplapper über Make-up, Haarewaschen, Handcreme. Dann endet der kurze Monolog mit dem Wort „irgendwie“. Kein Wunder, dass nichts daraus folgt. Wie auch – mit dieser Truppe?...

Berliner-Ensemble: Deutschsprachige Erstaufführung/Uraufführung am 13. Oktober 2018. Ausstattung Verena Dengler, Dominik Wiesbauer, Musik Ebow, Video Dominique Wiesbauer

Die Scheußlichkeit des Lebens zeigen: Revolt. She said. Revolt again. von Alice Birch, Deutsch von Marlene Streeruwitz, Mar-a-Lago von Marlene Streeruwitz. Regie Christina Tscharyiski

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

Um zwei entfernte Pole sichtbar miteinander zu verbinden, die Vergangenheit mit der Gegenwart, die Schauspieler mit dem Publikum, eignet sich eine Brücke natürlich ganz hervorragend. Als Symbol lässt sie sich effektiv einsetzen, insbesondere für ein Stück, das nicht unbedingt nach einem ausufernden Bühnenbild verlangt, sondern Wert auf die Worte legt, vom Wert der Worte, ihrer Kraft, aber auch Flüchtigkeit erzählt. Gesagtes lässt sich ja leicht revidieren. Die Bühne ist die kleine im Volkstheater – dort hat Sapir Heller „Amsterdam“ von Maya Arad Yasur für die europäische Erstaufführung in Szene gesetzt. Gemeinsam mit ihrer Bühnen- und Kostümbildnerin Anna van Leen kam Heller während der Konzeptionsphase auf diese Idee, eben die von einer Brücke. Was bei ihr noch weitere passende Assoziationen weckte: Klar, Amsterdam ist die Stadt der Grachten und Brücken, pars pro toto wäre der Ort damit präsent, „und es gibt diese Showbrücken bei Popkonzerten, von Beyoncé oder Helene Fischer, was zum Charakter der gesamten Inszenierung passt“. Ja, eine Show schwebte Sapir Heller nach dem Lesen des Stücks vor, ein eifriger Kampf um die Aufmerksamkeit der Zuhörer/Zuschauer, die wie potenzielle Produzenten vor der Bühne mit dem Stahlbogen sitzen. Von gleich drei Spielern bekommen sie einen Stoff gepitcht, eine Geschichte, die noch...

Münchner Volkstheater. Deutschsprachige Erstaufführung 27. Januar 2019. Bühne und Kostüme Anna Van Leen, Dramaturgie Daphne Ebner, Live-Musik Kim Ramona Ranalter

Zirkus aus dem Schmerz: Amsterdam von Maya Arad Yasur. Deutsch von Matthias Naumann. Regie Sapir Heller

„Work hard, play hard?“

Der genetische Code Amerikas

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Das Festival Radikal jung am Münchner Volkstheater ist das größte und renommierteste Festival für den professionellen Regienachwuchs im deutschsprachigen Raum. Es hat sich zur Aufgabe gemacht, die ästhetischen Interessen und Zugriffe (die immer auch politische sind) einer jungen Generation von Theatermachern zu präsentieren. Seit 2005 spiegelt es die Entwicklung der deutschsprachigen Theaterlandschaft und unterstützt und begleitet Karrieren von jungen Künstlern. Seit 2011 kommen internationale Beiträge dazu: aus den Niederlanden, Belgien, Frankreich, Serbien, Ungarn, der Ukraine, Portugal, Großbritannien und Moldawien sowie immer wieder aus Israel. Diese Beiträge bereichern das Festival um weitere Handschriften und untersuchen die Bedingungen, unter denen junge Künstler in anderen Ländern Theater machen. Die diesjährige Ausgabe ist mit 15 gezeigten Produktionen die größte bisher. Neben Arbeiten aus Deutschland, Österreich, der Schweiz, den Niederlanden und Frankreich ist mit Julia Mounseys und Peter Mills Weiss’ New Yorker Produktion „[50/50] Old school animation“ zum ersten Mal ein transatlantischer Beitrag dabei. Mit zwölf Ur- und Erstaufführungen ist es das zeitgenössischste Festival bislang. Den Inszenierungen liegen Stücktexte (auch selbstverfasste), Romane, dokumentarisches und autobiografisches Material zugrunde. Es wird teils konventionell, teils experimentell erzählt. Ästhetisch soll eine möglichst große Bandbreite jungen Theaterschaffens abgebildet werden. Eingeladen sind 14 Frauen und fünf Männer. Auch in Hinblick auf...

Das Festival Radikal jung am Münchner Volkstheater (Vorwort)

Gegen die Vereinzelung

Bildnachweis

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Es klingt wie ein arg konstruierter Spionage-Blockbuster, wie eine am Hollywood-Reißbrett entworfene Agentenklamotte aus den Jahren des Kalten Kriegs: Wir schreiben die Nachkriegszeit zwischen 1948 und 1951; ein realsozialistischer Geheimdienst – sagen wir, der tschechoslowakische – verfällt auf eine besonders originelle Variante, unliebsame Subjekte auszuschalten. Er spielt seinen politischen Gegnern – Oppositionellen, suspekten Regierungsbeamten, katholischen Aktivisten, Intellektuellen oder in Ungnade gefallenen Geschäftsmännern – inkognito düstere Informationen bezüglich ihrer Zukunft zu. Von akuter Bedrohung, Repressalien, Amtsenthebung und unmittelbar bevorstehender Verhaftung ist die Rede. Kaum äußern die Betroffenen (Landes-)Fluchtgedanken, lernen sie – oh Wunder – eine „Kontaktperson“ kennen, die ihnen einen sicheren Weg über die Grenze, nach Bayern, verspricht und praktischerweise gleich den zugehörigen Schleuser vermittelt. Der führt sie dann tatsächlich stundenlang durch den Wald – bis zu einem rettenden deutschen bzw. amerikanischen Grenzhäuschen, wo freundliche US-Beamte ihnen Lucky Strike und Bourbon anbieten, während sie sie zu den Fluchtgründen, ihren Erwartungen ans „neue“ Leben und ihren daheimgebliebenen Freunden befragen. Der Anreiz, sich vollumfänglich zu offenbaren, ist groß. Abgesehen davon, dass die Redebereitschaft durch die psychische Entlastung, endlich außer Gefahr und in Freiheit zu sein, schon per se überdurchschnittlich getriggert wird, winkt auch konkrete Unterstützung: Den namentlich genannten und säuberlich in den Unterlagen...

Uraufführung am 20. Oktober 2018. Bühne und Set-Design Stefan Britze, Kostüme Birte Wallbaum, Dramaturgie Katrin Breschke, Sound-Design Ludwig Berger

Act as if there was no centre! Operation Kamen. Text und Regie Florian Fischer. Eine Koproduktion des Staatsschauspiels Dresden mit dem Archa Theater Prag

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Das Festival Radikal jung am Münchner Volkstheater ist das größte und renommierteste Festival für den professionellen Regienachwuchs im deutschsprachigen Raum. Es hat sich zur Aufgabe gemacht, die ästhetischen Interessen und Zugriffe (die immer auch politische sind) einer jungen Generation von Theatermachern zu präsentieren. Seit 2005 spiegelt es die Entwicklung der deutschsprachigen Theaterlandschaft und unterstützt und begleitet Karrieren von jungen Künstlern. Seit 2011 kommen internationale Beiträge dazu: aus den Niederlanden, Belgien,...

Vorwort

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Brexit, Grenzmauer und „ein selbsternannter Interimspräsident“ in Venezuela machen es manchmal schwierig zu unterscheiden, was die dominante Mainstream-Ordnung und was deren Alternative ist. Es gibt Tage, an denen Punk die neue Weltordnung zu sein scheint, an denen das Fuck you aus den Regierungsgebäuden und Präsidentenpalästen herausschallt, ohne dass sich jemand um die potenziell desaströsen Folgen all dieses fehlgeleiteten, weißmähnigen Glamours zu sorgen scheint. Schamlosigkeit und Improvisation scheinen sich von der linken Avantgarde, dem Punk und dem politischen Rand bis zum Machtzentrum der Politik und der Medien manövriert zu haben. Die sich langsam verändernde, emanzipatorische, breite bürgerliche Mitte lässt kaum etwas von sich hören. Es sind vor allem junge Menschen, die mit Anti-Waffenbesitz- und Pro-Klima-Gesetz-Märschen das zynische Medienspiel in etwas umzuwandeln verstehen, das Hoffnung bietet. Lester Arias kommt 2012 aus Caracas zum Studieren an die School for New Dance Development (SNDO) in Amsterdam. Eine rechte Regierung hat dort gerade das Budget für darstellende Kunst enorm gekürzt. Im experimentellen Bereich führt dies zu Einsparungen von rund fünfzig Prozent. Darüber hinaus stellt sich die Frage, ob Arias nach seinem Abschluss wirklich auf ein Subventionssystem für Theaterkunst zurückgreifen kann, das nach alten Werten (des 19. und 20. Jahrhunderts) funktioniert: hohe und niedere Kunst, Pop...

Bühne Martijn Schrier, Ariah Lester, Kostüme Pepa Canel, Licht Katinka Marac

Die Ordnung der Familie: WHITE [ARIANE]. Regie Ariah Lester. Frascati Amsterdam, Uraufführung am 14. März 2018

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Goethes „Faust“, das hehre Bildungsbürgerdrama mit einer durch uneheliche Schwängerung zerstörten Minderjährigen im unrühmlichen Schlepptau, hat ja schon zig Deutungen erfahren. Frank Castorf zeigte es unlängst an der Berliner Volksbühne wohltuend up to date: Er entdeckte in dem Klassiker, der bis dato – besagter Gretchen-Tragödie und ein paar weiteren dramatischen Kollateralschäden zum Trotz – recht ungebrochen als schöpferische Intellektuelleninitiation gefeiert wurde, die europäische Kolonialismustragödie, die eben (auch) ein großes Männlichkeitstrauerspiel ist, und ließ einen wirklich grandios in die Jahre gekommenen Herrn gleichermaßen sabbernd an Welteroberungsentwürfen wie Frauenbeinen herumfingern. Das war’s dann aber leider auch erst mal mit „Faust“ als unserem Zeitgenossen – dachte man. Schließlich bleiben die meisten Inszenierungen bis heute weit hinter solch luzide-aktuellen Lesarten zurück. Und dann kommt die Regisseurin Leonie Böhm und verknüpft Doktor Faust, mithin – um es noch einmal unmissverständlich zu sagen – den Inbegriff des weißen, heterosexuellen Oldschool-Mittelschichtsmannes, an den Münchner Kammerspielen allen Ernstes mit der Vokabel „young“! Beziehungsweise – sogar noch hipper – „yung“, ohne „o“. So, wie die angesagten Cloudrapper von Yung Hurn bis Yung Lean sich labeln, um über die biologische Jugend hinaus auch ihren unverbrauchten Zugriff auf die Welt zu signalisieren. „Yung Faust“ also: Auf diese verwegene Idee muss man...

Münchner Kammerspiele. Premiere 23. Januar 2019, Bühne Sören Gerhardt, Kostüme Mascha Mihoa Bischoff, Dramaturgie Tarun Kade, Musik Johannes Rieder

This is no ordinary Faust: Yung Faust. Regie Leonie Böhm. Nach Johann Wolfgang von Goethe

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Wie in guten Clubs muss man auch hier ein wenig warten, ehe sich die Pforten öffnen. Hinter der Absperrung erblickt man bereits Athleten beim Work-out. Beats wummern. „One, two, three“, pushen sich die Trainierenden. Und steppen! Und hoch die Knie! Und Muskeln spannen! Eine superschlanke Frau nähert sich unserer kleinen Zuschauergruppe, checkt jeden Wartenden mit relaxtem Blick. „Nice package!“, sagt sie freundlich bestimmt. In dieser Fitnesswelt spricht man bevorzugt Englisch. Die Geste ist einladend, niemand wird vor den Kopf gestoßen. Vielmehr impfen sie einen von der ersten Minute an mit Optimismus und „You can do it“-Spirit. Nur ob das eigene „package“ wirklich so gut ist, darf man später noch überprüfen. In einem Separee, wo Rahel Spöhrer im Look einer Tomb-Rider-Amazone zu Kniebeugen bittet, bis der Schweiß rinnt und man jedes einzelne Körpergramm hassen lernt. „Medusa Bionic Rise“ heißt dieses begehbare Studio, welches das Performancekollektiv The Agency 2017 beim Treibstofffestival Basel herausbrachte und seither an verschiedenen Orten (u. a. beim Donaufestival im österreichischen Krems) aufbaute. In der Fiktion stößt man auf eine Untergrundbewegung, die sich durch radikale Selbstoptimierung gängigen gesellschaftlichen Ansprüchen wie „Natürlichkeit“ oder auch Individualität entziehen will. Eine Selbstoptimierung, die austestet, wo der Körper mit der Technik zu verschmelzen beginnt,...

Uraufführung 31. August 2017. Eine Produktion von The Agency mit den Treibstoff Theatertagen Basel 2017. Bühne Belle Santos, Kostüme Magdalena Emmerig, Dramaturgie Rahel Spöhrer, Regie Yana Thönnes

Der Lifestyle-Blick der Medusa: Künstlerische Leitung The Agency (Magdalena Emmerig, Rahel Spöhrer, Belle Santos, Yana Thönnes). Medusa Bionic Rise

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Festival der Besessenen

Im Dokumentarfilm „The Act of Killing“ dauert es gerade einmal zehn Minuten, bis sie sich zeigt, die Gleichgültigkeit eines Massenmörders. Als Zuschauer haben wir bis dahin einen indonesischen Massenmörder und seinen Handlanger begleitet. Anwar Congo heißt dieser Warlord, der, vom Filmteam aufgefordert, seine Taten nachstellt. Ruhig steht er auf einer Dachterrasse, bittet einen weiteren Helfer, sich auf den Boden zu setzen, und erzählt dann präzise, wie schwierig es gewesen sei, auf diesem Dach Mitte der 1960er Jahre die vermeintlichen kommunistischen Verräter zu töten, die hinter einem gescheiterten Militärputsch steckten. Eine halbe Million Menschen starben bei diesem Massenmord – und Congo beschäftigt in seiner Erzählung, warum er zunächst so schlecht im Töten war. Schließlich hält er im Erzählen inne und erklärt, dass ihm dann doch eine Idee gekommen sei. Er habe genug festen Draht besessen und da sei dieser Metallpfosten gewesen. Congo blickt in der Jetztzeit der Dokumentation seinen Helfer an, wickelt einen dicken Draht um den fußballtorhohen Pfosten, dann von dort um den Hals des Mannes. „Wir müssen das ja vernünftig nachstellen hier“, sagt Congo. Dann zwirbelt er das lose Ende des Drahts um ein lineallanges Stöckchen. Er zieht am Draht, als ob er seinen Helfer töten wolle. Beide lachen...

P. M. Weiss, J. Mounsey, S. Weisskoff, M. F. Pasic. Bühne A. Mincic, Musik C. Masullo, P. M. Weiss, Video/Licht M. Romein, K. McGee, Dramaturgie S. Weisskoff

Gleichberechtigt in die Folterkammer: [50/50] Old school animation. Regie Julia Mounsey, Peter Mills Weiss

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

„Das Thema des heutigen Abends ist Klassismus. Wir nennen es auch: den unbekannten Ismus.“ Irritiertes Blickkreuzen im Publikum. Nein, man befindet sich nicht im Bourdieu-Seminar. Sondern im Theater. Genauer gesagt, ist gerade der erste Satz des Stücks „Café Populaire“, geschrieben und inszeniert von Nora Abdel-Maksoud, gefallen. Klassenkampf im Bühnenformat? Ja – und in Wohlfühlrosa! Die Bühne, verkleinert auf eine schmale Box, ist in pastelliger Wes-Anderson-Optik gehalten. Die vier Schauspielerinnen und Schauspieler, die dort aufgereiht stehen, könnten direkt dessen „Grand Budapest Hotel“ entlaufen sein. Über das elegante Werk des Filmregisseurs ist man sich, im Stück wie wohl auch im Publikum, gerne einig. Zumindest, wenn man einer bestimmten sozialen Klasse angehört. Wer glaubt, der Klassenbegriff sei überholt, den lässt Nora Abdel-Maksoud im Verlauf ihrer Inszenierung genüsslich auflaufen. Die Münchner Autorin und Regisseurin hat in den letzten Jahren mit beißenden Satiren auf sich aufmerksam gemacht. Auch „Café Populaire“ ist durchtränkt von skurrilem, schwarzem Humor. Er speist sich in diesem Stück aus dem alltäglichen Hickhack zwischen Klassen, die weiter existieren – auch wenn die Figuren auf der Bühne vorerst das Gegenteil behaupten. Drei prototypische Bewohner eines Kleinstadtkaffs namens Blinden stehen dort aufgereiht: Svenja, Bildungsbürgerin mit Kunststudium, „zivilisiert, gebildet und konfliktfähig“, schraubt on- und offline...

Theater Neumarkt Zürich. Uraufführung 27. April 2018. Bühne und Kostüme Moïra Gilliéron Dramaturgie, Inga Schonlau, Musik Enik

Die feinsten Unterschiede: Text und Regie Nora Abdel-Maksoud – Café Populaire

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Julia*n Meding hat Auftrittsangst. Sechs Versuche sind nötig, bis sie es tatsächlich schafft, die Tür vom Flur in den Hochzeitssaal, einen der Spielräume der Berliner Sophiensæle, nicht nur zu öffnen, sondern auch durch sie hindurch auf die Bühne zu treten: Das Publikum, das ihre Anläufe per Live-Video-Projektion auf der Rückwand verfolgt, hört ihr geräuschverstärktes Herzklopfen, sobald sie die Hand auf die Türklinke legt, sieht, wie sie sich beim Husten gegen die Atemnot krümmt. Alles nur gespielt? Mit geradezu aggressiver Schüchternheit erzählt die zierliche, sensible Performer*in von ihrer Agoraphobie und dem Vorsatz, sie hier – vor Publikum, im Theater – zu therapieren. „Jetzt fragt Ihr Euch vielleicht, warum zur Hölle ist sie Theatermacherin geworden, wenn sie Angst vor öffentlichen Situationen hat?“ Fragen stellen sich viele in Julia*n Medings und Anta Helena Reckes „Angstpiece“, einer Koproduktion der Sophiensæle mit den Münchner Kammerspielen und des Theaterhauses Gessnerallee in Zürich. Das fängt schon an bei der queeren Identität von Julia*n Meding, die sich mit Sternchen schreibt, aber Julian nennt und über sich im Femininum spricht. Auch im Verlauf der Performance ist es nicht leicht, sich in der dichten, aber nie hektischen Abfolge von Situationen, Objekten und Texten, denen sich das „therapeutische Subjekt“ Julia*n stellt,...

Von Anta Helena Recke und Julia*n Meding. UA 13. November 2018. Bühne M. Dyachenko, W. Kammermeier, Kostüme M. M. Bischoff, Dramaturgie J. K. Kalu, A. Hardegen, Musik J. Meding

Theatertherapie: Angstpiece. Regie Anta Helena Recke

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Explodierendes Dokumentartheater

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Die vierte Wand in der Kunst der Gegenwart

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Lektionen 2 "Regie"

Überbordend sinnlich, international gefeiert, diversitätsoffen und jenseits von disziplinären Grenzen, zugleich angefeindet, verbrämt, umkämpft: Die Intendanz von Benjamin von Blomberg und Nicolas Stemann am Schauspielhaus Zürich war eine richtungsweisende Zeit. Als alphabetisches Glossar verpackt, evoziert der vorliegende Reader die Hoffnungen und Versprechen, die mit der Intendanz verbunden waren, repräsentiert die vielfältigen Handschriften der beteiligten Künstler:innen und ruft öffentliche Debatten um die Neuausrichtung des Schauspielhauses auf.
Was also bleibt, von diesem Versuch das Stadttheater für das 21. Jahrhundert neu zu denken? Theater Is Dead. Long Live Theater. Schauspielhaus Zürich 2019 – 2024 gibt darauf keine finalen Antworten, sondern versammelt Material, das für zukünftige Erneuerungsversuche relevant sein könnte. Dabei entsteht ein künstlerischer Text- und Bildband, der einen erweiterten Theaterbegriff feiert und die in Zürich entstandenen Arbeiten zwischen Theater, Tanz, Film und den performativen Künsten abbildet und kontextualisiert.
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Schauspielhaus Zürich 2019 – 2024 

Theater is Dead. Long Live Theater

Das renommierteste Festival für den professionellen Regienachwuchs Radikal jung präsentiert jährlich in München die größtmögliche Bandbreite von Interessen, Herangehensweisen und Zugriffen einer jungen Generation von Theatermacherinnen und Theatermachern. Inszenierungen aus dem ganzen deutschen Sprachraum bilden die stetige Veränderung der Stadt- und Staatstheaterlandschaft ab, europäische Beiträge erweitern die Perspektive. In ausführlichen Werkporträts werden in diesem Buch 14 junge Künstlerinnen und Künstler vorgestellt, die schon jetzt die Theaterlandschaft von morgen  prägen.
Nora Abdel-Maksoud The Agency Lucia Bihler Leonie Böhm Camille Dagen Florian Fischer Sapir Heller Elsa-Sophie Jach &amp; Thomas Köck Ariah Lester Philipp Moschitz Julia Mounsey &amp; Peter Mills Weiss Blanca Rádóczy Anta Helena Recke Christina Tscharyiski

Das Festival für junge Regie

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