Nach acht Stunden war offenbar in Verabredung mit der Volksbühne Punkt zwei Schluss mit den wiederholten Worten „Morast und Scham“, die Peer Gynt von einem Berghügel verkündet, vielleicht auch mit Blick auf Berlins Theater. Da hatte sich der Flow längst eingestellt, mit dem Vinge/Müller und laut Programmzettel etwa sechzig Mitwirkende am Beginn des dritten Akts noch lange hätten weitermachen können. Zeit spielt überhaupt eine große Rolle. Acht Jahre sind seit ihrer letzten Arbeit in Berlin vergangen, dem „Nationaltheater Reinickendorf“, das auf dem Gelände einer ehemaligen Munitionsfabrik Motive aus „Baumeister Solness“ bis in explosive Morgenstunden hinein zeigte. Danach gab es hier nur noch Nachrichten über Personalien zu Vinge/Müller, die meist kontrovers diskutiert wurden. Erst sollte Ida Müller Ausstattungsleiterin der Intendanz von René Pollesch werden – und wurde dann doch nicht eingestellt. Dann bot man den beiden nach Polleschs bestürzendem Tod die Interimsintendanz der Volksbühne an, die sie wegen der drohenden Einsparungen absagten. Vor ein paar Monaten gab es den Hein-Heckroth-Preis für Bühnenbild (<a href="https://tdz.de/artikel/c49a3291-d942-4b74-a0b3-d10a4a0e32b6">siehe TdZ 6/25</a>) als hohe Auszeichnung in dieser Gattung. In Norwegen waren sie indes immer wieder mit neuen Arbeiten präsent, zum Beispiel einer Freiluftshow zum legendären Fußballsieg Norwegens gegen England, der in der Sportmythologie des Landes eine...

„Peer Gynt“ von Henrik Ibsen – Regie, Bühne, Musik Vegard Vinge, Ida Müller, Trond Reinholdtsen

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Grandioses Comeback

Sie planen, 2029 auf gut 1200 Quadratmetern auf Schloss Elisabethenburg das Deutsche Theatermuseum Meiningen zu eröffnen. Was sagt das Deutsche Theatermuseum München dazu? Philipp Adlung: Wir stehen im guten Kontakt. Freundschaftliche Konkurrenz gibt es sicherlich. Aber München befasst sich, ähnlich wie das Theaterwissenschaftliche Institut Köln, primär mit Forschung und Sammlung. Wir sind ein Museum, das etwas zeigen will. Das Meininger Theatermuseum gibt es seit 25 Jahren. Welche Idee steckt hinter der Erweiterung? PA Es gibt für 500 Jahre deutsche Theatergeschichte bislang keinen Ort, an dem sie erzählt wird. Wir wollen das Desiderat schließen und können auf ein solides Fundament bauen: Meininger Theatergeschichte als wesentlicher Teil der deutschen. Wir haben die Sammlungen, Strukturen und im Schloss die Flächen dafür, wo ganz am Anfang, im Riesensaal, Liebhabertheater gespielt wurde. Zwei Begriffe verbinden sich landläufig mit Meiningen und dem Theaterherzog Georg II. am Ende des 19. Jahrhunderts: Wiege oder Vorläufer des Regietheaters sowie Ensemblebildung. Die „Wiege des Regietheaters“ halte ich für schwierig. Was wir heute darunter verstehen, ist nicht das, was Georg II. wollte. Den Regisseur gleichsam als Autor hätte er streng von sich gewiesen. Er wollte mit seinen zeitgebundenen Ideen absolut dem Werk dienen. Sprache und Vollständigkeit der Vorlage waren ihm wichtig,...

Im Gespräch mit Michael Helbing

Was macht das Theater, Philipp Adlung?

Die Aufklärung brachte in den Wissenschaften auch seltsame Blüten hervor, wenn es um Vergleiche der Ordnung der Natur in verschiedenen Weltgegenden ging. In Frankreich gab es z. B. Akademievorträge darüber, dass die Tierwelt Nordamerikas weniger entwickelt sei als die in Europa, eine Art zoologischer Eurozentrismus. Da, wo diese nicht einmal ansatzweise erforschte Fauna zu Hause war, stachelte das den noch jungen nationalen und damit auch politischen Ehrgeiz an, mit ganz besonderen Spezies aufzuwarten. Etwa dem, nach Knochenfunden, vermuteten Amerikanischen Mastodon, das als Verwandter von Sibirischem Mammut und Afrikanischem Elefant aufgespürt werden könnte und als größtes Tier der Neuen Welt eine Sensation wäre. Gleichsam als Symbol für Größe und Vielfalt. Das ist der historische Hintergrund für die fiktive Expeditionsgeschichte, die der für seine sozialgeschichtlich grundierten Stücke prämierte Christoph Nußbaumeder im Jahr 1796 ansiedelt. Der wegen Freigeisterei in seiner süddeutschen Heimat an der Donau exkommunizierte Pfarrer Johannes Gottstein wird in New York von Oliver Hancock für eine Forschungsreise angeworben, bei der das damals sogenannte American Incognitum in den Black Hills gefunden werden soll, einer Europäer:innen kaum bekannten Gegend im heutigen South Dakota. Dass Tierarten ausgestorben sein könnten, gehörte nicht zum Horizont wissenschaftlicher Erkenntnis, allenfalls hätten sie sich zurückgezogen und hielten sich wie...

Der Dramatiker Christoph Nußbaumeder erzählt in seinem zweiten Roman eine abenteuerliche Expedition in den frühen Jahren der USA

Erforschung mit doppeltem Boden

Fluid, Trans, Drag

Cripped Curricula

Es geht nur gemeinsam

Das Programm ARTplus

Das Bühnenbild ist ein großes, kreisrundes Loch. Das Publikum sitzt darum herum. Zwei beleuchtete Kreise umgeben es, wie die Ringe eines Planeten. In dieser Spielzeit ist der Publikumsraum des Theaters Oberhausen geschlossen. Bei allen Stücken sitzen die Besucher:innen mit auf der Bühne. Für die Uraufführung von „Menschliches Repertoire“ von Noah Haidle ist das ideal. Denn es spielt in einer Art Himmel, der ein Theater ist. Durch das Loch kann man auf die Erde herabschauen, regelmäßig kommen die frisch Verstorbenen hindurchgekrabbelt. Und werden dann von Bühnenarbeiter:innen in Empfang genommen. Noah Haidle schreibt philosophische Komödien mit schwarzem Humor und Herzenswärme. Viele spielen in Küchen und in seinem Heimatstaat Michigan. Haidle war auch als Drehbuchautor aktiv, konzentriert sich aber seit einiger Zeit wieder auf das Theater. Das hat auch mit einer privaten Entscheidung zu tun. Er hat einen vierjährigen Sohn und ist mit seiner Familie in die Berkshire Mountains nach Massachusetts gezogen. Seinem Sohn Butch ist das Stück auch gewidmet. In einem Gespräch vor der Premiere hat Haidle mir erzählt: „Er ist mein Publikum. Nur er. Ich möchte, dass er einmal versteht, wer sein Vater ist. Deswegen schreibe ich.“ Diese Hingabe an die Vaterschaft hat im Stück deutliche Spuren hinterlassen. Einer der durch...

„Menschliches Repertoire“ von Noah Haidle aus dem Amerikanischen von Barbara Christ (UA) – Regie Kathrin Mädler, Bühne und Kostüme Franziska Isensee, Musik Cico Beck

Theater Oberhausen: Die Menschheits-Show wird abgesetzt

Ich sehe was, was du nicht siehst

Wir wollen alle sehen! Wege in die Darstellende Kunst für Menschen mit Behinderung

Ein Miniaturtheater steht im dunklen Raum. Arien aus Mozarts „Zauberflöte“ erklingen wie aus einem alten Grammofon. Mechanische Figuren fahren über die Bühne, ein Megafon, wie es William Kentridge oft verwendet, ein Lautsprecherkopf auf einem fragilen Körper. Im Hintergrund flackert eine Filmcollage, dokumentarische Bilder, übermalt und überkritzelt. „Black Box/Chambre Noire“ heißt dieses Werk. Der Titel erinnert an einen traditionellen Spielort des Theaters, aber auch an die Dunkelkammer der Fotografie. William Kentridge hat es 2005 gebaut, als er seine Fassung der „Zauberflöte“ probiert hat. Das ist typisch für ihn, Bühnenproduktionen bringen andere Kunstgattungen hervor. Diese filigrane Theatermaschine geht selten auf Tour, der Auf- und Abbau ist eine höchst komplizierte Angelegenheit. Nicht nur deshalb ist sie ein Höhepunkt der Ausstellung „Listen to the Echo“, die das Museum Folkwang in Essen mit den Staatlichen Kunstsammlungen in Dresden zu William Kentridges 70. Geburtstag entwickelt hat. Inspiration Monty Python Die „Zauberflöte“ ist ein Werk der Aufklärung, geschrieben als Volkstheater für die Wiener Vorstädte, neben der „Beggar’s Opera“ eines der ersten Musiktheaterstücke, die sich von der Herkunft der Oper als Kunstform des Adels löste. Mozart und Textdichter Emanuel Schikaneder träumten von einem guten, vernünftigen, freundlichen Diktator namens Sarastro. William Kentridge hinterfragt diese Idee auf Basis der deutsch-afrikanischen...

William Kentridges Werke in Essen und Dresden

Das Gewesene, das fortwährende Gewesene

Den Stein zeigen

Heilbronn: Leon Engler gewinnt mit „Wo die Götter kauern wie Hunde“ den internationalen Dramenwettbewerb „Science & Theatre“ 2025

Theater Oberhausen: No King today

Studieren mit Behinderung – (k)ein Privileg

Die Entwicklung des Schwerpunkts in diesem Heft fing mit einer Untersuchung des relativ neuen Theaterberufs „intimacy coaching“ (Intimitätskoordination) an und führte schnell zu anderen Körperthemen. Das ist in der Tat ein weites Feld, wie allein schon im einleitenden Essay von Magz Barrawasser deutlich wird. Zu den Grundlagen des Theaters überhaupt gehört der darstellende Körper, sei er nun mehrgewichtig, eingeschränkt oder wie beim jungen Schauspieler Herbert Fritsch für stuntmäßige Aktionen eingesetzt. Und es ist wohl keine Überraschung, dass der Aufstieg des zeitgenössischen Zirkus sich zum Teil dem verstärkten Interesse an diesem Phänomen verdankt. Das alles auf den S. 10 bis 30 dieser Ausgabe. William Kentridge (auf dem Titel) scheint der Weltkünstler der Stunde zu sein, zumindest in Deutschland. Gleich in fünf Städten gibt oder gab es Werke in der einzigartigen Handschrift des Südafrikaners. Nach Aufführungen beim Kunstfest Weimar und den Berliner Festspielen sind gleich mehrere Ausstellungen des intermedial Schaffenden in Cottbus (nur noch bis 9. November), in Essen und Dresden aber noch eine ganze Weile zu sehen – das Kunstinsert. Sechs lange Abende von jeweils acht Stunden lief die erste Aufführungsserie von „Peer Gynt“, mit der das Trio Vinge/ Müller/Reinholdtsen viel diskutiert an die Berliner Volksbühne zurückkehrte. Für den Schriftsteller Lorenz...

Editorial

Warum sollen Israelis nicht über Fußball sprechen?

Versuche einer thematischen Ordnung

Eine Reibung mit der Gegenwart

Autoritäre Regime, kreativlos und tyrannisch, wie sie sind, greifen sie zuerst Kultur und Universitäten an. Der serbische Präsident behauptet offen, dass heute „nur noch Menschen, die gegen ihn sind, ins Theater gehen“ und dass die öffentlich finanzierten Theater dem Staat gegenüber loyal sein müssten, vor allem das Nationaltheater in Belgrad sei unwillig zu begreifen, dass es um ein nationalistisches Theater gehe. Ein Parteikollege empfiehlt den Schauspieler:innen, dauerhaft zu streiken, da sie eine „snobistische, gesellschaftlich irrelevante Gruppe“ seien, die „Schweinereien auf Staatskosten produziert“ (sic!), und fordert die sofortige Privatisierung aller Theater. Der ehemalige Premierminister verurteilt Schauspieler:innen, die die Bühne „politisch missbrauchen“ und Studierende mit „blutigen“ Händen oder Transparenten („Korruption tötet!“) unterstützen. In Theatersprache gesagt: Alle drei haben sich stark mit der Rolle des Staates identifiziert, für eine spezifisch serbische Mischung russischer Methoden aus Stanislawski und Meyerhold, und damit, den Bürger:innen jede Unterscheidungsfähigkeit zwischen Staat und Partei abzutrainieren. In Serbien fließen nur 0,68 Prozent des Staatshaushalts in Kultur, und der Großteil davon geht in den Schutz des kulturellen Erbes und traditionsbasierter Kunstformen, auf Kosten der zeitgenössischen Produktion. Was hier problemlos zeitgenössisch sein darf, ist die extraktivistische Wirtschaftslogik, ganz im Einklang mit den Nicht-EU-Standards der EU. Soft-Censorship Die Grenze zwischen Theater und Protest...

In Serbien spitzt sich die Lage zu – die Theaterszene und das renommierte BITEF-Festival mittendrin

Unregelmäßigkeiten im Brandschutzsystem

Schauspiel Leipzig: Der Zollstock im Raum 

Not Just Any’s Body And Mind

Was macht das Theater, Daniel Schüßler?

Über Zeitenwenden hinaus

Wer liest noch Dramen? oder: Plädoyer für die Pause

Gesellschaftlich und demokratisch fahrlässig

Tanz ist einfach überall

Kultur- und Musikmanagement mit Hürden

Challenge(d) Bodies

Konstruierte Körper

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Buckeln und Treten für die tote Liebe

Maxim Gorki Theater Berlin: Alles Schmus

Im Ozean aus Klang und Licht

Wille zum Glauben

Martialisch brachiale „Tom &amp; Jerry-Gewaltorgien. Zuckersüße Liebesanbahnungen. Eine schlammgeborene, Frankenstein’sche Aphrodite namens Ingrid. Alles irgendwie eine zur Manie gewordene anale Phase. Mitten aus der ärgsten Popvermüllung heraus die rührende Liebe zur klassischen Oper. Arien getreu dem Motto geschmettert: Not because I can, but because I love to. Natürlich muss der Penis ab, bevor ein Gynt fliegen kann. Die unsterbliche Mutter wird vermöbelt, zig Mal abgeknallt, doch zuletzt am Sterbe­bett bricht aus dem kleinen Peer trotzdem die große Liebe zum ambivalenten Muttermonstrum hervor. Ein Pakt wird geschlossen und der Dovre getanzt. Warum tust du dir das drei Mal an, wurde ich mehr als einmal gefragt. Ich kann doch nicht zu Hause sitzen und Tee trinken, während ich weiß, dass in der Volksbühne gerade alle Register gezogen werden. Kein Ort wäre passender für diesen heilenden Verschwendungspotlatsch. Katharsis wird erreicht, wenn die Sau rausgelassen wird, und die frenetische Sau war mitten im Rampenlicht. Wie kannst du dir das nicht antun? Nüchterner betrachtet: Bei Vinge/Müller war schon nach der Premiere klar, dass damit niemand das Ganze gesehen hat. Das lag nicht nur am geblufften Cliffhänger, dass nach acht Stunden, die, laut Vinge, kein Theater seien, gerade mal der erste Akt geschafft sei. Dass alles...

Zur „Peer Gynt“-Serie von Vegard Vinge, Ida Müller und Trond Reinholdtsen an der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz

„Brutal ist die Sanftheit und die Sanftheit brutal“

Respekt und Vertrauen

Inszenierte Körper

Theater Ulm: Mit doppeltem Boden?

<a href="https://tdz.de/artikel/99ab5e99-60fa-4921-ae0d-4619683c7821">Zum Stück „auf der suche nach dem verlorenen bagger“</a> Würdest du dich als witzig bezeichnen? Leo Meier Ich glaube schon, dass ich stellenweise ganz witzig sein kann. Ich stelle diese Frage natürlich, weil ich deine Texte arschlustig finde ... LM Haha, es gibt auf jeden Fall auch Leute, die sagen: Ist gar nicht mein Humor. Worauf ich aber schon stolz bin, ist, dass die Stücke in der Schweiz, in Österreich, im Osten und im Westen gespielt werden und überall Leute gelacht haben. Reicht Humor als verbindendes Element in heutigen Zeiten? LM Ich frage mich schon, ob meine Texte dringlich genug sind. Ich habe oft Momente, da weiß ich, dass am Abend irgendwo ein Text von mir gespielt wird. Dann passiert an dem Tag etwas besonders Schlimmes auf der Welt, und ich denke, heute Abend kommt dieser Witz mit „Wie heißt Ihr Drache?“ „Kurt Cobain“ „Nein, Jackson“. Dann würde ich am liebsten beim Theater anrufen und sagen, dass sie den Text heute nicht spielen können, weil das einfach nicht reicht. Aber entwickelt sich aus diesem Gefühl heraus etwas für den nächsten Text? LM Nein, das ist ja das Schlimme daran. Oder ist es schlimm? Ich weiß nicht. Ich glaube schon sehr...

Leo Meier im Gespräch mit Lina Wölfel

Das Kerngeschäft im Theater sind Feelings

ETA Hoffmann Theater Bamberg: Liftboys und Logbücher

Teufelsgeige

Es war ein so bemerkenswertes wie auch etwas merkwürdiges Sig­nal zum Auftakt nach dem Stabwechsel, der einen Machtwechsel inkludiert: Kleists Lustspiel „Der zerbrochne Krug“ als 40-minütiger Operneinakter von Viktor Ullmann (1942), in dem Weimar aus dem Richter Adam Herrn Adam Richter macht, seines Zeichens Intendant und Chefregisseur eines, wenn nicht gar dieses einen Theaters. Dort ereignet sich das Finale eines Machtmissbrauchs, das den Verursacher zu Fall bringt. Valentin Schwarz hat das inszeniert, als handwerklich glänzend arrangierte Backstage-Comedy in sich drehender Szenerie zwischen Theaterkantine, Probebühne und Schreinerwerkstatt (Andrea Cozzi und Ella Steinbach), mit parallelen und sich überlappenden Vorgängen. Das Nationaltheater lässt sich darin optisch kaum wiedererkennen; allerdings ist explizit von Weimar die Rede, das Goethe-Schiller-Denkmal kehrt uns zeichenhaft den Rücken zu. Man spielt und irritiert hier mit Uneindeutigkeiten. Schwarz ist de jure Nachfolger von Generalintendant Hasko Weber als künstlerischer Geschäftsführer des Hauses, de facto aber, mit dem Zusatztitel Chefregisseur versehen, einer von drei Teamintendanten, die jetzt eine neue Ära einläuteten, ohne damit den völligen Bruch zu behaupten. Weber hatte entschieden, nach zwölf Jahren vorzeitig das Haus zu verlassen; sein dritter Vertrag hätte bis 2027 gereicht. Stattdessen ist er jetzt für eine Saison Übergangsintendant in Cottbus. „Ein Generalintendant ist ein Ding der...

Neustart in Weimar: Ein Trio hat als Teamintendanz das Nationaltheater übernommen

Einer für alle, alle für einen

Filmstills

„Wir lassen uns nicht vereinzeln!“

Inklusion versteht sich nicht von selbst

Reflexion fördern

Rückwärts durch die Zeit der Gegenwart

Solidarität und Glitzer

Nationaltheater Mannheim: Wettstreit der Wahrheiten

Wir sind Punks

Trans*respekt versus anti-trans Gewalt

<a href="https://tdz.de/artikel/7e876375-049e-436d-b44f-134250a5f88f">Das Gespäch mit Leo Meier gibt’s hier.</a> für joshua hupfauer personen alfi alfi polizistin p die frau im fundbüro f der mensch mit gelber jacke j aylin aylin politiker po oma oma showmasterin s und am telefon alfis mutter m alfis kindergärtner k besetzung variabel, text ggf. anpassen. danke! © S. Fischer Verlag 2025 der held dieser geschichte betritt die bühne: es ist der fünfjährige alfi. er hat seinen bagger und einen geheimplan dabei, von dem er uns gleich berichten wird (weil man das so macht) alfi das ist mein bagger! sie denken jetzt wahrscheinlich: ach mensch, das ist aber ein schöner bagger :) falsch! das hier ist kein schöner bagger. das hier ist ein hässlicher bagger. der hässlichste bagger auf der ganzen welt, um genau zu sein! alle kinder im kindergarten haben schönere bagger als ich. der von aylin zum beispiel ist ferngesteuert, meiner hingegen ist einfach nur gelb und gammel. ich gehe also zu meiner mutter und sage: mama, ich brauche einen neuen bagger und meine mutter antwortet: du hast doch schon einen bagger, alfi ich heiße alfi so! und da haben wir den salat: ich brauche einen neuen bagger, aber ich habe schon einen bagger. einen hässlichen...

auf der suche nach dem verlorenen bagger

Die Pflanze, die ich also bin

Living Beneath

Nacktsein fühlt sich für Anna seit ihrer frühen Kindheit befreiend an und so zeigt sie ihren Körper auch. Während sie im Kurzfilm von Schauspielerin und Regisseurin Katharina Bill und der werkgruppe2 entspannt auf dem Waldboden liegt, wird ihr Körper im Alltag selten in Ruhe gelassen. Ihre Biografie ist geprägt von äußeren Zuschreibungen und Hürden, die sich in ihre Gedanken eingraben. Gespielt und entwickelt von Bill erzählt „Anna“ die Geschichte einer mehrgewichtigen Frau, der von Beginn Rollen zugeteilt wurden. Im Schultheater spielt sie die Hummel, das Freitanzsolo bei der Ballettaufführung bekommt eine dünne Tänzerin. Anna berichtet von alltäglicher Fettfeindlichkeit und produziert dabei Gegenbilder: Katharina Bill inszeniert und spielt sie als Protagonistin, die im Bild präsent ist, ohne um ihr Solo kämpfen zu müssen. In ihre erste filmische Arbeit flossen autobiografische Erfahrungen Bills: „Ich war sehr häufig in meiner Laufbahn als Künstlerin die einzige dicke Person in einer Theaterproduktion. Ich habe mich oft sehr alleine gefühlt, weil ich immer wieder versucht habe zu erklären, was das Problem ist, aber oft gab es dafür kein Verständnis.“ Trotz bester Absichten reproduzierten die meist dünnen Produktionsteams Fettfeindlichkeit, ohne es zu merken. Dicke Körper blieben vor und hinter der Bühne eine Leerstelle. „Es gibt mehr Fatsuits...

Ein Porträt der mehrgewichtigen Regisseurin & Performerin Katharina Bill

Körperpolitik ohne Ende

Garage und Galaxie

Vorwort

Münchner Kammerspiele: Lokalgeschichte meets historische Schuld

Vor der ägyptischen Eröffnungsproduktion „The Triumph of Horus“ gab es eine kleine Hommage für den Ende Juli verstorbenen Robert Wilson. Was dann folgte, hätte diesem vermutlich gefallen: Hieroglyphen im Tempel von Edfu geraten per Projektion in Bewegung und führen einen jungen Ägyptologen über einen Zeitsprung in mythische Vergangenheit. Der falkenköpfige Horus, Sohn von Isis und Osiris, wird in einen Kampf mit seinem Widersacher Seth, der in Gestalt eines Nilpferds auftritt, in einen Kampf um die göttliche Ordnung verwickelt. Diese Horus-Geschichte wurde erst spät von dem britischen Hieroglyphenexperten H. W. Fairman entschlüsselt und 1974 von ihm als Buch veröffentlicht. „The Triumph of Horus“ wurde nun von Muhammad Samir al-Khatib als modernes Bühnenstück bearbeitet und von Walid Aouni mit der Modern Dance Theatre Company im großen Opernhaus inszeniert. Als bombastisches Spektakel mit prächtigen Kostümen und raffinierten Licht- und Videoeffekten im Format eines bunten Musicals mit der Botschaft, dass die antike Welt und ihre zentralen Mythen als Stoff für zauberhaftes Unterhaltungstheater taugen, mit dem die Gastgeber das Festival als wahrlich großen Auftritt eröffnen. „Othello“-Weiterschreibung Das Flaggschifffestival der arabischen Welt wurde 1988 vom damaligen ägyptischen Kulturminister Farouk Hosni gegründet und blickt mittlerweile auf eine bewegte Geschichte zurück. Seinerzeit standen stattliche 14 Millionen ägyptische Pfund...

Das Cairo International Festival for Experimental Theatre als Wimmelbild verschiedenster Theaterkulturen

Bei Raskolnikow Begeisterungsalarm

Staatstheater Stuttgart: Einsame Menschen in den Datennetzen

Thalia Theater Hamburg: Im Blutmeer der Zukunft

Vertonen

Michael Turinsky, von Haus aus sind Sie Philosoph, haben an der Universität in Wien studiert. Wie kamen Sie zum Tanz? Michael Turinsky Eine Freundin, die ebenfalls im Rollstuhl sitzt, hat mir von ihrer Tanz-Improvisationsgruppe erzählt. Da bin ich einfach mitgegangen. Von dem Leiter war ich sehr angetan. Der war richtig cool und hat sich sofort wunderbar auf meinen Körper eingelassen. Ich bin wild auf dem Boden herumgekugelt, was eine ganz neue Erfahrung für mich als körperbehinderter Mensch war. So bin ich dabeigeblieben. In der Gruppe habe ich Menschen getroffen, die auch im Bereich Körperarbeit, Tanz und Inklusion aktiv sind. Diese künstlerische Arbeit hat mich nicht mehr losgelassen. Deshalb habe ich mich nach dem Studium für den Weg des Tanzes und der Choreografie entschieden. Darüber bin ich heute sehr froh. Das Faszinierende an Ihrem künstlerischen Werdegang ist, dass Sie immer wieder Schnittstellen zwischen der Philosophie und dem Tanz auftun. Beim Festival der KulturRegion Stuttgart 2024 haben Sie als „Philosopher in Residence“ mehrere Salons moderiert. Außerdem arbeiten Sie immer wieder im theoretischen Bereich. Was verbirgt sich hinter dem Begriff Crip Choreography, den Sie geprägt haben? MT Natürlich hat der Begriff Crip Choreo­graphy (etwa: Krüppel-Choreografie) einen ironischen Unterton. Das ist kein philosophisches Konzept...

Tanz denkt der Choreograf und Philosoph Michael Turinsky politisch. Der Künstler aus Wien zeigt in seinen Arbeiten die Widerständigkeit des behinderten Körpers. Dessen Möglichkeiten „zu erlauschen“, ist ihm wichtig. In seiner Performance „Precarious Moves“ erkundet er den eigenen Takt und findet eine neue Mobilität. Dafür wurde er 2020 in Österreich mit dem Nestroy-Preis für die beste Off-Produktion ausgezeichnet.

Der Tänzer, Choreograf und Philosoph Michael Turinsky über Körperlichkeit und seinen Begriff von Crip Choreography im Gespräch mit Elisabeth Maier

„Ich lausche meinem Körper die choreografische Form ab“

Archipel der Kunst

Körper und Körperlichkeit

Unsere Körper sind Text

Die Rückkehr der großen Geschichten

Welcome Leser:innen. Nice that you’re here. My name is Tár, and I’ll guide you through the next five minutes of this text. First things first: Is your Stanley-Bottle filled with water? Stay hydrated! Because I’ve brought you a hot topic today: Indoor-Cycling as an ästhetische Überhöhung of a sportliche Praxis [yes, I switch fluently between German &amp; English to make it more dramatic]. Today’s motto: Let’s ask ourselves why Indoor-Cycling is so close to performative aesthetics and verortbar im Diskurs von Ritual und Kult. Because Indoor-Cycling is more than just Ausdauersport – you know that, and that’s exactly why you love it. But before I dim the lights and we dive in, listen closely to my ASMR-voice: Are you ready to go? [now scream wherever you are] Can’t hear you – once again, ask yourself: ARE YOU READY? [please scream louder, because I want it] We start easy. Widerstandsregler: three turns from zero – close your eyes for a moment, arrive in this space, leave the boring everyday behind and dive into 45 minutes of pure entertainment. And while you ride, I wanna share something really personal: Als ich vor ein paar Monaten beschlossen habe, Cycling-Instructor:in zu werden, lag das...

Vom Indoor-Cycling als Ausdauersport zu politischem Theater? Oder: Im neonroten Sonnenuntergang dem neoliberalen Heilsversprechen entgegenreiten

Ride & Resistance

Überschaubare Bühnenbilder, tolles Lichtdesign, ausgefeilte Soundtracks – und sonst erzählen die Körper. Der zeitgenössische Zirkus hat in den vergangenen Jahren einen großen Aufschwung erlebt. In Köln ist ein neues Zentrum entstanden: das CCC – Creative Centrum Contemporary Circus, hier gibt es seit einigen Jahren ein eigenes Festival. Bei den Ruhrfestspielen in Recklinghausen wie beim Düsseldorf Festival ist das Genre zentral, auch die Ruhrtriennale hat mit <a href="https://tdz.de/artikel/4af278ec-e4b1-451b-8167-eea7728a7461">„Falaise“</a> gerade ein Highlight der vergangenen Jahre gezeigt. Allerdings ist dieser französische Geniestreich ein in mancher Hinsicht untypisches Stück mit einem aufwendigen Bühnenbild und Tieren auf der Bühne. Meistens suchen die Ensembles eine Mischung aus Akrobatik und Tanz. Sie zeigen keine Nummernrevuen, sondern erzählen assoziative Geschichten. Weil sie spektakulär und direkt zugänglich sind, haben sie oft großen Publikumserfolg. In manchen Gastspielbühnen hat sich der zeitgenössische Zirkus zu einer Konkurrenz für tourende Tanztheater entwickelt. Früher hieß die Bewegung „Neuer Zirkus“, aber so neu ist sie inzwischen nicht mehr. Einige der inzwischen berühmten Kompagnien wie Circa oder Gravity &amp; other Myths sind inzwischen 15 bis 20 Jahre alt. Neu ist allerdings eine Gruppe – das Copenhagen Collective. Sein einjähriges Bühnenjubiläum hat das Ensemble vor wenigen Monaten gefeiert, auf Gastspielreise beim Zirkusfestival in Montreal. „Wir sind tatsächlich ein...

Der zeitgenössische Zirkus erlebt auch wegen seiner Körperlichkeit einen großen Aufschwung – das neue Copenhagen Collective ist ein gutes Beispiel

Die Hüfte ist das Zentrum

Es gibt wieder ein Schiller-Theater. 32 Jahre, nachdem jenes in Berlin-Charlottenburg dichtmachte, nicht als Gebäude zwar, aber sehr wohl als Haus mit eigenem ­Ensemble, wurde knappe 300 Kilometer weiter südwestlich eines neu eröffnet. Das Thüringer Landestheater Rudolstadt, bestehend aus Schauspiel und Orchester, trägt seit Anfang September diesen Namen. Intendant ­Steffen Mensching, der es seit 2008 führt, verbindet mit dem kleinen Coup eine größere Hoffnung: „Man hat schon ein Schiller-Theater abgewickelt, man wird es nicht ein zweites Mal machen“ (<a href="https://tdz.de/artikel/50cff105-07c8-4f6d-b821-e6955909617b">siehe TdZ 09/2024</a>). Solche Gefahr schien auch ohne diesen nicht nur schützenden, sondern durchaus programmatischen Namen, wie er als in der Dunkelheit leuchtender Schriftzug überm neuen Eingangsportal prangt, gebannt, vorerst wenigstens. Mehr noch: Dank Thüringens inzwischen abgewählter rot-rot-grüner Regierung genießen die Stadt- und Staatstheater im Lande via dynamisch angelegten Finanzierungsverträgen eine Planungssicherheit im Flächentarif, die bis mindestens 2030 reicht (solange nicht etwas oder jemand dazwischengrätscht) und bundesweit eine Ausnahme bedeutet. Der kluge Mann aber, heißt es bei ­Schiller, baut vor. Und was Neues vor- be­ziehungsweise hingebaut haben sie in ­Rudolstadt ja nun ohnehin: nämlich ein Zuschauerhaus als Ersatzneubau vors alte Bühnenhaus nebst Funktionsgebäude. Diese Modernisierung eines Theaters im ländlichen Raum, so Mensching anlässlich der Neueröffnung nach am Ende achteinhalb langen...

Eine Neu- und Wiedereröffnung: In Rudolstadt steht jetzt ein Schiller-Theater

Der kluge Mann baut vor

Als ich diese Kolumne schrieb, kam ich gerade von einer zweiwöchigen Dienst­reise durch Österreich zurück. Auf dem Plan stan­den neben dem <a href="https://tdz.de/artikel/8ceea2da-db4c-4a2d-be6a-46c7d25535c3">steirischen herbst </a>in Graz, <a href="https://tdz.de/artikel/ee04c7ad-2e46-4431-a40a-2c3f4cc52b40">einem Prozessstück in Linz</a> und dem Burgtheater-Kassenschlager „Liliom“ auch zwei Uraufführungen: „Verschwinden in Lawinen“ nach dem Roman von Robert Prosser in Innsbruck und „Untersberg“ von der Schweizerin Anaïs Clerc in Salzburg. Es geht um Familientraumata und Berge. Irgendwie habe ich einen Flashback. Wir gehen rein. Ich war im April dieses Jahr zum ersten Mal in Österreich im Theater. „Azur oder die Farbe von Wasser“, eine Uraufführung von Nestroy-Preis-Gewinnerin Lisa Wentz, am Theater in der Josefstadt. Auf der Bühne: ein schlichtes Einfamilienhaus mitsamt Kruzifix in der Küche, das Thema: Österreich 1988, Missbrauchsfälle im katholischen Bubeninternat, die unglückliche Liebesbeziehung zwischen zwei Männern, Konventionen und die Unfähigkeit, aus ihnen und dem bürgerlich ländlichen Leben auszubrechen. Ganz schön starker Tobak, dazu psychologisches Spiel und viel Nebel. Das zweite Mal dann im Juni, Wiener Festwochen, ein Volksstück. „Ein gefräßiger Schatten“ von Mariano Pensotti: Ein Bergsteiger macht vor Ende seiner Karriere die gleiche Gipfelexpedition, von der sein Vater Jahrzehnte zuvor nicht zurückgekehrt ist. Ein Mann am Kipppunkt seiner Biografie, eine Parabel auf das Verhältnis zur Natur, den Wunsch nach einem anderen...

An dieser Stelle greift ­TdZ-Redakteurin Lina Wölfel Phänomene der Theaterwelt auf.

Berge und Familientraumata

Wir gehen rein

Die deutsche Sprache, sagt die Brasilianerin, klinge für sie wie Hundegebell: „Auch, auch, auch.“ In diesem kalten Land fühlt sie sich nicht willkommen. In Rio de Janeiro, klagt die Deutsche, nerve das pausenlose Gebell der Straßenhunde. Wohl auch, weil es mahnend daran erinnert, dass die Tiere hier mit armen Menschen um den Müll auf der Straße konkurrieren. Bester Freund des Menschen? Vergiss es. In Nora Mansmanns postkolonialer Theatercollage „Vor die Hunde“, die zum Spielzeitauftakt am Kasseler Staatstheater uraufgeführt wurde, stehen die titelgebenden und leitmotivisch auftretenden Vierbeiner für Feindseligkeit und Elend. Und für eine Vergangenheit kolonialer Ausbeutung und Herablassung, die noch immer nachwirkt. Bis ins Privateste. Rosa (Zazie Cayla) und Marlene (Katharina Brehl) lernen sich beim Studium in Deutschland kennen, werden ein Paar. Rosa ist Deutsche, Marlene kommt aus Brasilien. Rosa ist politisch eher unbedarft, Marlene eine Aktivistin, die sich unablässig mit dem Weltgeschehen auseinandersetzt. Was Rosa „Doomscrolling“ nennt, gilt Marlene als nackte Notwendigkeit: Den Luxus des Wegduckens könne sich nur leisten, wer nicht aus dem privilegierten Norden komme. Erst lebt das Paar in Deutschland, dann versuchen sie es in Brasilien. Doch die Konflikte wachsen. Dass Nora Mansmann in ihrem Auftragswerk für das Kasseler Staatstheater die Geschichte dieser deutsch-brasilianischen Liebesbeziehung erzählen...

„Vor die Hunde“ (UA) von Nora Mansmann – Regie Sarah Franke, Choreografie Gili Goverman, Bühne Ann-Christine Müller, Kostüme Isabell Heinke

Staatstheater Kassel: Die Liebe in Zeiten des Postkolonialismus

Kann man den Charakter eines Schauspielers anhand der von ihm verkörperten Rolle bewerten? Wohl kaum. „Adolf Eichmann jedenfalls, spielte die Rolle seines Lebens.“ Eine Rolle, die er so überzeugend verkörperte, dass selbst versierte Denker:innen wie Hannah Arendt in ihm „lediglich“ die „Banalität des Bösen“ sahen. Als Leiter des sogenannten „Judenreferats“ plante Adolf Eichmann die infrastrukturelle Logistik der Verfolgung, Deportation und Vernichtung von Jüdinnen und Juden während des Nationalsozialismus. Er war maßgeblich an der Wannseekonferenz 1942 beteiligt, in der die „Endlösung der Judenfrage“ koordiniert wurde, die letztlich zur Ermordung von sechs Millionen Menschen führte. Wie viele andere NS-Täter konnte auch er sich nach Kriegsende über die sogenannte „Rattenlinie“ nach Südamerika absetzen. Erst seine Entführung aus Argentinien ermöglichte es, ihn für seine Verbrechen vor Gericht zu stellen. Der Prozess, der 1961 in Jerusalem unter großer internationaler Aufmerksamkeit begann, brachte Eichmanns Versuch ans Licht, sich als unbedeutendes Rädchen in einem übergeordneten System darzustellen. Tatsächlich jedoch versuchte Eichmann vor allem, seine Überzeugungstäterschaft bis zuletzt zu verschleiern. Achtzig Jahre nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs sitze ich mit gut 120 anderen Besucher:innen im Schwurgerichtssaal des Linzer Landesgerichts. Linkerhand ist ein angedeuteter Glaskubus aufgebaut, geradeaus Unmengen Bildschirme, auf der rechten Seite einige Stühle mit plissierten Roben...

„Eichmann vor Gericht“ nach historischen Prozessunterlagen in einer Fassung von Wiebke Melle, Andreas Erdmann und Peter Wittenberg – Regie Peter Wittenberg, Kostüme Marie-Luise Lichtenthal, Rauminstallation Florian Parbs, Sounddesign Wolfgang Schlögl

Landestheater Linz: Vor mir stehen sechs Millionen Ankläger

Einen der schönsten Bühnen-Körper-­Momente erlebte ich 2019 im Publikum sitzend bei der Premiere von „Wilhelm Tell“ am DNT Weimar: Der Kinderstatist, der den Sohn von Tell verkörperte, trat auf, ging zielsicher auf den ihm zugewiesenen Platz vorne an der Rampe, setzte sich pflichtbewusst auf die geklebte Markierung – und bekam Schluckauf. Nun saß der Knirps da, hickste vor ausverkauftem Haus vor sich hin und wusste ganz offensichtlich nicht weiter. Der Schauspieler des Wilhelms bemerkte die Not des Kindes, setzte sich neben ihn – und begann, sehr gekonnt ebenfalls zu hicksen. Die Ruhe, die er dabei ausstrahlte, vermittelte dem Kind neben ihm und allen Zuschauenden im Saal: „Kein Problem, kleiner Freund. Wir sitzen im selben Boot.“ Die beiden spielten ihren Dialog, das Zwerchfell des Kindes beruhigte sich, das Publikum war gerührt. Schöner hätte man die Liebe zwischen Vater und Sohn in dieser Szene nicht zeigen können. Was in diesem Moment zudem deutlich wurde: Der Körper auf der Bühne weiß nicht, dass er spielt. Der hat halt einfach Schluckauf, weil das gerade so sein muss – und somit hat die Figur eben auch Schluckauf. Aber nicht nur das: Dieser Körper hat ja auch jede Menge Nervenzellen, die auf Eindrücke reagieren. Wenngleich der...

Grundsätzliches über das Neudenken von Körpergrenzen

Nicht nur Gestell für Stimmbänder und Handgesten

Von Sprachverbotsversuchen, Sprechermöglichungen und Körperwirklichkeiten

Die Arbeit der Frauen: Punch und Judy

Was ist der Körper auf der Bühne für dich? Ist das ein Instrument, wie manche sagen, oder ist es tatsächlich eben die reine und dabei individuelle Körperlichkeit? Herbert Fritsch Nein, also der Körper, ich sag’s mal ganz extrem, der Körper ist Geist. Der Körper, der kann gar nicht mechanisch sein. Der Geist, der da drinsteckt in dem Körper, das ist so komplex, was da stattfindet. Es geht darum, an einen Punkt zu kommen und so zu arbeiten, dass mit dem Körper etwas passiert, dass der Körper uns plötzlich etwas erzählt, was wir vorher nicht wussten. Das ist jetzt natürlich sehr extrem, aber für mich ist es halt so, durch diese täglichen, ich würd’s gar nicht Proben nennen, sondern durch diese täglichen Exerzitien, die man macht, baut man die Schwingung auf im Körper. Ich sag, lass uns einfach irgendeine Bewegung machen, ohne an irgendeinen Sinn zu denken. Ich habe kein Anliegen. Ich kann nicht anders. Ich kann nur über den Körper erzählen. Deswegen z. B. mache ich auch etwas, das bis vor Kurzem noch unmöglich war: vorzuspielen. Und das Vorspielen nehme ich aber nicht als ‚bitte mach das genau so‘, sondern das ist meine einzige Möglichkeit mich auszudrücken. Und den Geist...

Herbert Fritsch über Körperlichkeit und Komik im Theater im Gespräch mit Thomas Irmer

Auf dem Gipfel der Verzweiflung

Tanzen zwischen künstlerischer Perfektion und Höchstleistungssport

Spielart-Festival München: „Sie sind gelaufen, damit ich gehen kann“

Eine Anekdote besagt: Wenn die Welt untergeht, erfährt man es in Sils Maria im Waldhotel einen Tag später von einem unaufgeregten Portier. Im Hochtal im Oberengadin in spektakulärer Kulisse fand dieses Jahr die erste Ausgabe des neuen Kulturfest zeit:fluss statt. Ein Fest soll es werden, kein Festival, betont der Intendant von zeit:fluss, Till Löffler, in seiner Eröffnungsrede. Keine fertigen Produktionen, die nur nach Sils eingeladen werden, sondern ein Ensemble, eine Gemeinschaft, die hier vor Ort entsteht. Eine Wandergruppe, eine Seilschaft gar, denn die Dramaturgie des ­Programms der ersten Ausgabe – unter der Künstlerischen Leitung von Anne-May Krüger und Mike Svoboda – stellt eine Bergwanderung dar. Das Motto: „Von Aufstiegen und Abgründen“. Dafür eignet sich die atemberaubende Berglandschaft des Engadins natürlich bestens. Steile Berghänge, Alpenglühen im Sonnenuntergang, minütlich wechselnde Farben an den Hängen, weltbekannte Wolkenformationen. Aber auch ein Fest besonders für Sils und das Engadin sollte es werden. Dafür hat Till Löffler, Komponist, Theatermusiker und Dozent, mit den Menschen und Institutionen vor Ort zusammengearbeitet. Anlässe zur Begegnung Präsentiert wird zeit:fluss vom legendären Waldhotel Sils, eins der wenigen Fünf-Sterne-Hotels der Schweiz, das sich seit 1908 in Familienbesitz befindet. Und die Familie begrüßt jede:n der 12 000 Gäste pro Jahr persönlich, heißt sie...

Das Kulturfest zeit:fluss zeigt in seiner ersten Ausgabe in Sils Maria ein künstlerisch ambitioniertes Programm – einladend und stets mit einem Augenzwinkern

Höchstes Niveau im Hochtal

„Solange Erzsi [die Großmutter] fort ist, passt während der Proben Ágnes [die Dramaturgin] auf das Kind auf. … Das Theater ist ihre Familie … Klári wird von Hand zu Hand gereicht, gefüttert, in der Schneiderei hat man ihr eine Stoffpuppe mit großem Kopf gemacht. Wenn Tilda spielt, wartet das Kind in der Garderobe, schläft im Sessel ein. Der Inspizient passt auf sie auf. Manchmal nimmt sie Ágnes am Nachmittag mit nach Hause und sie schläft dort, Tilda holt sie ab …“ Ein Ausschnitt aus Andrea Tompas Roman „Oft sterben wir nicht“, deren Heldin, die Schauspielerin Tilda, in den sechziger und siebziger Jahren des 20. Jahrhunderts in Rumänien alleinerziehende Mutter ist. Ich muss gestehen, ich habe erst mit einiger Verspätung vom Protest der alleinerziehenden Mütter an einem Berliner Theater erfahren, die sich von ihrem Arbeitgeber bei der berühmt-berüchtigten Vereinbarkeit von ­Beruf und Elternschaft nicht nur nicht unterstützt, sondern regelrecht schikaniert gefühlt haben. Ein Bekannter aus dem tech­nischen Bereich erzählte mir davon mit der Bemerkung: „Wie oft hat auch in der DDR ein Kind bei mir in der Werkstatt geschlafen!“ Es sei doch selbstverständlich, dass man hilft und nicht mit dem Satz „Ich habe es damals auch irgendwie gelöst, dann kannst du...

Hier schreiben unsere Kolumnist:innen im monatli­chen Wechsel: die Schriftstellerin und Übersetzerin Terézia Mora, die Dramaturgin Anna Bertram und ein Team vom Theaterhaus Jena.

Freiheit und Grenzen der Körperlichkeit

Neuerscheinungen im Verlag