Meldungen

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Im 31. Oktober 2018 gab das estnische Theater NO99 eine Pressemeldung über den gemeinsamen Beschluss der Beendigung seiner Aktivitäten heraus. Diese Meldung schlug in Estland ein wie eine Bombe. In den darauffolgenden Tagen hatten alle etwas zu der 14-jährigen Geschichte des Theaters zu sagen. Die Emotionen schlugen genauso hoch wie die Superlative für die Beschreibung seiner Arbeit. Obendrein erklärte eine rechtspopulistische Partei, die für ihre Kritik an NO99 bekannt war, dessen Ende zu ihrem eigenen politischen Erfolg. Kann ein Theater tatsächlich eine derart einflussreiche Rolle spielen in einem Land mit 1,3 Millionen Einwohnern und 1,2 Millionen Theaterbesuchern im Jahr? NO99 begann mit einem Manifest – und endete mit einem. „Wir haben uns entschlossen aufzuhören. Die Entscheidung wurde gemeinsam vom gesamten künstlerischen Team getroffen. Wir alle stehen dazu, denn 14 Jahre lang haben wir die gleichen Ideale verfolgt, und heute stellen wir gemeinsam fest, dass es nicht länger in unserer Macht steht, diesen von uns einst bestimmten Idealen weiterhin in vollem Umfang in unserer Arbeit zu genügen.“ Das Ende war allerdings von Anfang an Programm, da die Anzahl der Inszenierungen – 99 waren geplant, die einem Countdown gleich rückwärts auf null gezählt werden sollten – begrenzt wurde. Jetzt wurde der Countdown...

Ein Nachruf auf das estnische Performance-Ensemble Theater NO99

Countdown beendet

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Die Handlung des „Don Karlos“, des letzten „Jugendwerks“ von Friedrich Schiller, ist so verzwickt wie in keinem „Tatort“. Der junge Prinz begehrt seine gleichaltrige Stiefmutter Elisabeth, mit der er schon verlobt war; die Prinzessin Eboli ihrerseits liebt Karlos, lockt ihn in eine Art Venusfalle; der König Philipp wiederum ist scharf auf die Eboli; der Marquis Posa, ein edler Ritter, will Karlos für den Freiheitskampf in Flandern begeistern; der finstere Herzog Alba kommt dazwischen; der König verguckt sich in den Marquis, will ihn in seine Dienste spannen, worauf dieser zum Schein eingeht; am Schluss erledigt ihn und alles andere der steinalte Großinquisitor. Es gibt etwa ein Dutzend Möglichkeiten, den Thriller auf die Bühne zu bringen. (Das Meiste daran sind Schillers Erfindungen, auch den „Kronprinzenkonflikt“ hat es in der beschriebenen Form wohl nicht gegeben.) Man kann das ganze Konvolut an der Rampe aufsagen lassen, mit Mikrofonen oder ohne; man kann die Bühne hightechmäßig aufrüsten, um den spanischen Überwachungsstaat an die Gegenwart zu schmiegen; man kann von den circa siebentausend Versen fünftausend oder zweitausend streichen; man kann den spannenden Dialogen mit analytischem Interesse folgen und die Szenen entweder in einem historisierenden oder in einem abstrahierenden Bühnenbild spielen lassen. Alexander Eisenach streicht in seiner...

Düsseldorfer Schauspielhaus: „Don Karlos“ von Friedrich Schiller. Regie Alexander Eisenach, Bühne Daniel Wollenzin, Kostüme Lena Schmid

Düsseldorf: Von heimlichen Hauptrollen

Eine Schwarz-Weiß-Fotografie aus dem Jahre 1985 zeigt den berüchtigten „Totengräber“ Clyde Snow in einem argentinischen Gerichtssaal. Links neben ihm folgen drei Vertreter der Justiz seinen Ausführungen zu einem Totenkopf, der auf einer Projektionsleinwand zu sehen ist. Nach dem Zusammenbruch des argentinischen Militärregimes beauftragte die 1984 neu eingesetzte Zivilregierung neben anderen Experten auch den Forensiker Snow, die Verbrechen der Junta zu untersuchen und zu dokumentieren. Snow und eine Gruppe argentinischer Studenten öffneten die Gräber Hunderter Menschen, die verschleppt, gefoltert und vom Militär getötet worden waren. Sie identifizierten menschliche Überreste und sammelten Beweise, die in einem wegweisenden Prozess entscheidend zur Verurteilung einstiger Junta-Anführer beitrugen. Snow, der davor schon an der Exhumierung der Gebeine Josef Mengeles, des Todesengels von Ausschwitz, beteiligt gewesen war, war es erneut gelungen, mithilfe der Forensik auf einer epischen Suche nach Gerechtigkeit ein weiteres Kapitel politischer Gräueltaten abzuschließen. Im menschlichen Körper gibt es rund 206 Knochen und 32 Zähne. Jeder von ihnen erzähle eine Geschichte, hat Snow einmal gesagt. Und: Knochen seien großartige Zeugen, denn sie vergessen nichts und lügen nie. Wenn es um Verbrechen gegen die Menschlichkeit geht, ist nicht darauf zu vertrauen, dass es Staatsapparaten daran gelegen ist, diese aufzuklären. Wenn Bürger staatliche Verbrechen in den Fokus...

In ihrer Londoner Datenzentrale arbeiten Forensic Architecture mit atemberaubender Schlagkraft an der Aufdeckung von Verbrechen

Knochen lügen nie

Frühlingstheater

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Stacy Hardy ist weiß, aber ihre Seele schwarz. Die Autorin und Performerin aus Südafrika präsentiert in „Museum of Lungs“ ein Schicksal, das in diesem speziellen Staat durchaus typisch ist: Sie hatte Tuberkulose, eine schwere Lungenkrankheit, die aber über viele Jahre unentdeckt blieb. Unentdeckt, weil Tuberkulose die Krankheit der Schwarzen ist, der ausgebeuteten Minenarbeiter, während die weiße Bevölkerung kaum je betroffen ist. Hardy führt so ihr persönliches Schicksal auf unaufdringliche, aber umso eindringlichere Weise auf eine politische Ebene. Als privilegierte Weiße wird sie von der Seuche der Unterprivilegierten heimgesucht. Dass sie spät, aber letztlich erfolgreich die notwendige medizinische Behandlung erfährt, ist für sie nur bedingt ein Segen. Sie bedauert vielmehr den Verlust ihrer Krankheit, erzählt sie auf der Bühne der Kaserne Basel. Es ist eine Krankheit, die sie mit der auch im Post-Apartheid-Staat noch immer unterdrückten schwarzen Mehrheit verband. Auf der Bühne hat die südafrikanische Künstlerin als Alter Ego eine Gliederpuppe an der Seite, die ihre psychische Verletzlichkeit physisch sicht- und spürbar macht. Diese Puppe schlägt eine Brücke zum Aufführungsort in der Schweiz. Entworfen und gebaut wurde die Puppe nämlich in der Werkstatt des Baslers Marius Kob. Damit ist aber erst ein Teil des multikulturellen Konglomerats, das hier zusammengefunden hat, beschrieben....

Sandro Lunin setzt als neuer Künstlerischer Leiter der Kaserne Basel mit einem Nord-Süd-Dialog frische Akzente

Translokales Welttheater

Autoren Februar 2019 / Vorschau

Alles total anders

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Markus Metz und Georg Seeßlen legen in ihrer in der Reihe „Kapital &amp; Krise“ des Verlags Bertz + Fischer erschienenen Schrift „Kapitalistischer (Sur)realismus“ eine Ästhetik des „postmodernen Warenzirkus“ vor, eine Kritik des „Neoliberalismus als Ästhetik“. Darin zeichnen sie eine Geschichte der Ästhetisierung aller Lebensbereiche nach, die sich der Strategien des Surrealismus annimmt und in verkehrter Form aneignet: Management wird Kunst, Fantasie zum Zwang und Subversion zur Normalität. Die Absurdität der Lebensverhältnisse wird dabei plastisch: Die Krisenhaftigkeit der kapitalistischen Gesellschaft liegt offen zutage, „aber die Show geht erst richtig los“. Historisch grenzen Metz und Seeßlen den „kapitalistischen Surrealismus“ vom „kapitalistischen Realismus“ ab. Letzteren bestimme ein Paradigma der Alternativlosigkeit: Der Kapitalismus erzeugt Krisen, Armut und Zerstörung, aber er ist alternativlos, darum muss man sich in seinen Grenzen um eine möglichst „humane“ Lebensweise bemühen. Dagegen produziert der kapitalistische Surrealismus einen neuen Sozialcharakter, der die Alternativlosigkeit nicht nur anerkennt, sondern die Krisen noch affirmiert und exzessiv auslebt. Heute herrsche ein offener Zynismus, der sich Widersprüche selbst ans Revers heftet: Kritik der eigenen Praxis wird vorangeschoben, gar auf Gräuel verwiesen, um sodann mit einem Lächeln fortzufahren. Dabei wird die Kritik nicht abgewehrt, sondern freundlich aufgenommen und noch zum eigenen dynamischen Moment verkehrt. Bürgerliches wird als...

Markus Metz / Georg Seeßlen: Kapitalistischer (Sur)realismus. Neoliberalismus als Ästhetik. Bertz + Fischer Verlag, Berlin 2018, 300 Seiten, 18 EUR.

Kapitalisierung der Kreativität

Berliner Chaos-Tage

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Pollesch ohne Pollesch

Als Passanten, Wanderer, Träumer, Malocher tritt das Stückpersonal erst mal stumm auf. Schlendert, läuft, stöckelt, schreitet, trottet, kickt scheinbar zielsicher über den elf Meter breiten, nur wenige Schritte tiefen Bühnenstreifen. Von links nach rechts. Ein Pilot in voller Montur ist noch beim Zähneputzen, die Geschäftsfrau schon am Telefonieren, eine Pensionärin mit dem Metalldetektor unterwegs auf der Suche nach etwas Wertvollem oder wenigstens jemand Hilflosem, für den sie sich nützlich machen kann. Regisseur Ron Zimmering zeigt das große Huschhusch des Alltags in Anlehnung an Peter Handkes „Stunde, da wir nichts voneinander wussten“. Dann geht er ins Detail, in die so prototypische wie poetische Suche nach „Nähe“. So ist Mario Wurmitzers zweites Stück betitelt, das den dritten Osnabrücker Dramatikerpreis und damit seine Uraufführung gewonnen hat. Der 26-jährige Österreicher thematisiert darin so respekt- wie humorvoll innere Leere, äußere Einsamkeit sowie die Tabuisierung des Todes. Da ist die Selbstoptimiererin Lisa ( Denise Matthey). Nach dem Tod der Mutter hat sie der eigenen Karriere zuliebe den Kontakt zum Vater (Ronald Funke) minimiert, sich gleichzeitig auch ihrem Lebenspartner entfremdet. Die offizielle Beziehung funktioniert inoffiziell nur, weil das Paar selten gemeinsam zu Hause ist. Nun steht der Gatte aber mit einem schleifchenverzierten Geschenk in der Tür und...

Theater Osnabrück: „Nähe“ (UA) von Mario Wurmitzer. Regie Ron Zimmering, Bühne Ute Radler, Kostüme Benjamin Burgunder

Osnabrück: Stotternde Monaden

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

Schon im Oktober 2016, mehr als eineinhalb Jahre vor ihrem Amtsantritt, hatte Carena Schlewitt bei ihrem ersten Dresdner Auftritt als künftige Intendantin erklärt, dass sie „Hellerau nicht komplett neu erfinden“ wolle. Das seit September 2018 laufende erste Halbjahresprogramm bestätigt den Eindruck, dass sich hier niemand auf Kosten der Vorgänger profilieren muss und auf Trümmern sein Wunschgebäude errichten will. Dieter Jaenicke, der nach neun Jahren zur Internationalen Tanzmesse NRW in Düsseldorf wechselte, hinterließ ja eine stabile, im Bewusstsein des Dresdner Kulturbürgertums verankerte und international profilierte Spielstätte. Und er zeigte sich in Hellerau als ein ebenso angenehmer Mensch wie Carena Schlewitt, vielleicht etwas eitler als seine unprätentiös auftretende Nachfolgerin. Man kann darüber spekulieren, ob dies an der ostdeutschen Herkunft der 1961 in Leipzig geborenen Theaterwissenschaftlerin liegt. Das Haltestellensymbol als Logo, das vor einem Jahrzehnt die Dresdner zum Besteigen der Straßenbahnlinie 8 Richtung Festspielhaus animieren sollte, ist dem schlichten Schriftzug „Hellerau“ gewichen. In der Ära Jaenicke haben sich die Besucherzahlen im Europäischen Zentrum der Künste vervierfacht, 43 000 kamen zuletzt jährlich. An der Akzeptanz des der Gegenwartskunst und dem künstlerischen Labor verschriebenen „Grünen Hügels“ in zehn Kilometer Entfernung vom Stadtzentrum muss die neue Intendantin nicht mehr arbeiten. Doch konstatiert sie ebenso die „gefühlte...

Carena Schlewitt blickt als neue Intendantin von Hellerau in Dresden wieder vermehrt auf Theater und Musik sowie nach Osteuropa

Nachbarschaftsstudien

Die Marke Glanzstoff verbindet man mit der guten alten Elberfelder Textilindustrie, das Glanzstoff-Hochhaus in Wuppertal prägt bis heute die Silhouette der Stadt. Die 2014 gegründete Glanzstoff – Akademie der inklusiven Künste knüpft nur dem Namen nach an diese Tradition an. Es handelt sich um einen eingetragenen Verein, dessen Ziel es ist, Menschen ab 18 mit Handicap nicht nur in ihrer Freizeit das Theaterspielen zu ermöglichen, sondern sie vielmehr zu professionellen Schauspielern für Bühne, Film und Fernsehen auszubilden. An zwei Tagen in der Woche arbeiten sie hier in einem Workshop unter professioneller Anleitung. Die Teilnahme ist kostenfrei. Im Ergebnis hat die Akademie so schon eine Reihe kleinerer Theaterproduktionen auf die Beine gestellt – zuletzt „Der kleine schwarze Fisch“ nach einer Erzählung von Samad Behranghi im Theater am Engelsgarten, der Spielstätte des koproduzierenden Schauspiels Wuppertal. Der „Fisch“, ein Märchen für Kinder und Erwachsene, ist das bekannteste Werk Behranghis, eines iranischen Journalisten, Lehrers, Bürgerrechtlers und Sozialkritikers, 1939 geboren und 1967, mit nur 28 Jahren, im Fluss Aras ertrunken – Gerüchten zufolge ermordet. Der Anfang der Aufführung unter Regie von Bardia Rousta vollzieht sich sehr, sehr langsam. Der Großmutterfisch (Nora Krohm) ist nicht mehr der Schnellste mit seinen langen blauen Flossen. Er überquert die...

Die Glanzstoff – Akademie der inklusiven Künste in Wuppertal bildet Menschen mit Behinderung zu professionellen Schauspielern für Bühne, Film und Fernsehen aus

Mir nach!

Bern unmittelbar vor Weihnachten. Die Stadt gleicht einer Mall, in der einen ständig jemand anbrüllt. Zerstreuung ist das Prinzip. Nirgendwo ein Augenblick der Ruhe, keine Möglichkeit der Konzentration, der Versenkung. Wirklich? Am Stadtrand, in einem unwirklichen Industriegebiet, findet die Premiere von Albert Camus’ „Das Missverständnis“ statt. Es wird ein Abend des Gegenglücks. In der westeuropäischen Nachkriegszeit und in den fünfziger Jahren war Camus eine wichtige Stimme des ethisch getönten Existenzialismus, der das absurde, mechanisierte, unfreie Dasein erst erlöst und sinnvoll sieht, wenn der Einzelne sich erhebt gegen eine existenzielle Bedrohung – und auch im Untergang eine positive Gegenkraft in die Welt setzt. Eine bereits damals mit seinem Aufstieg einhergehende Kritik, „weißes Schreiben“ zu produzieren und die Figur des Sisyphos als hermetischen Panzer jenseits konkreter, auch eingreifender Handlung zu behaupten, führte zuletzt, da die Welt, besonders die französische, immer schneller aus den Fugen geriet, zu einer Neubefragung, die in Frankreich eine große Grundsätzlichkeit erlangte und bis nach Deutschland und wie hier in die Schweiz übersprang. Die Geschichte kann düsterer kaum sein. Ein Mann kehrt nach zwanzig Jahren in seinen Heimatort zurück. Dort führen seine Mutter (Heidi Maria Glössner) und seine Schwester (Irina Wrona) ein Gasthaus, in dem sie gutsituierte Gäste ausrauben...

Konzert Theater Bern: „Das Missverständnis“ von Albert Camus. Regie Claudia Meyer, Bühne Konstantina Dacheva, Kostüme Barbara Kurth

Bern: Mit Schmerz und Würde

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Walter Meierjohann war von 2013 bis 2018 Intendant des HOME Theatre in Manchester. Er lebte seit 2005 in Großbritannien, wo er ab 2007 unter David Lan als Hausregisseur am Londoner Young Vic arbeitete. Meierjohann studierte von 1995 bis 1999 Regie an der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ und inszenierte danach unter anderem am Staatsschauspiel Dresden, Theater Freiburg, Schauspielhaus Graz und Residenztheater München. Der Theaterwissenschaftler Peter M. Boenisch lehrte von 2003 bis 2018 an der University of Kent und ist Professor für Europäisches Theater an der Londoner Royal Central School of Speech and Drama. Wegen des bevorstehenden Brexits sind die beiden deutsch-englischen Theater-„Expats“ nach Berlin umgezogen. Peter M. Boenisch: Herr Meierjohann, während ich seinerzeit mit meiner Frau nach England ging, sind Sie mit einer Engländerin verheiratet, Ihre Kinder sind dort geboren und aufgewachsen. Der Schritt, Brexit-England zu verlassen, ist bei Ihnen somit nicht nur beruflich ein gravierender Einschnitt. Was hat Sie zu diesem radikalen Schlussstrich bewogen? Walter Meierjohann: Ich habe mich seit 2016 nahezu täglich mit dem Brexit beschäftigt. Der Brexit hat aus mir einen überzeugten Europäer gemacht. Alles, wofür er steht, steht fundamental dem entgegen, wofür ich stehe. Ich bin in Holland aufgewachsen, habe in Amerika gelebt und empfinde ein...

Der ehemalige Intendant des HOME Theatre in Manchester Walter Meierjohann und der in London lehrende Theaterprofessor Peter M. Boenisch im Gespräch über den Brexit

Out of Touch

Februar 2019

Premieren

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Nationalsozial-charaktermasken

Editorial

Robert Lepage ist dafür bekannt, dass seine Stücke zur Premiere nicht fertig sind. Das hat mit seiner Arbeitsweise zu tun. Da er stets mit mehreren Projekten gleichzeitig beschäftigt ist, werden die jeweiligen Proben für Wochen, oft auch Monate unterbrochen und bereichern sich durch die Pausen und Überlappungen. Die verschiedenen halbfertigen Arbeiten befeuern sich gegenseitig, und die Proben gehen auch nach der Premiere weiter. Er liebt es, alles immer wieder infrage zu stellen, die Reaktionen des Publikums zu verarbeiten und die Schauspieler mit Unvorhergesehenem herauszufordern. Das hält die Aufführungen frisch und verhindert jene genüssliche Spielroutine, die er so sehr hasst. Seine eigenen Leute können diesen Ritt über den Bodensee souverän, auch lustvoll bewältigen – für ein fremdes Ensemble ist er wohl eher angstbesetzt. Bei der Weltpremiere von „Kanata“ am 15. Dezember 2018 im Théâtre du Soleil in Paris beschloss Ariane Mnouchkine, den Zuschauern das Eintrittsgeld zurückzuzahlen, da sie nicht die Aufführung, sondern nur „eine letzte Probe“ sehen würden. Sie hat Ähnliches auch schon bei eigenen Produktionen gemacht; warum also nicht auch jetzt, wo sie zum ersten Mal in der fünfzigjährigen Geschichte des Theaters ihr Ensemble einem anderen Regisseur anvertraut hatte. Dabei waren die Misslichkeiten des Abends weniger den Spielern als den...

Théâtre du Soleil: „Kanata – Épisode I – La Controverse“ von Robert Lepage und dem Théâtre du Soleil

Paris: Zwischen Protest und Poesie

Samtener Schutzraum

Darwin-Theater

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Seit zwei Jahren kursiert im Internet ein Video mit einem kurzen Ausschnitt aus Monty Pythons „Das Leben des Brian“, allerdings mit anderem Text. Man sieht John Cleese, Michael Palin und all die anderen in schwarzen Kutten in einer Hütte sitzen und debattieren. Doch anstatt über die Unterwanderung des Römischen Reichs zu sprechen, geht es laut neuen Untertiteln um die Europäische Union. „Was hat die EU je für uns getan?“, fragt...

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

„Je länger man das kritische Metier treibt, je mehr überzeugt man sich davon, daß es mit den Prinzipien und einem Paragraphenkodex nicht geht. Man muss sich auf seine unmittelbare Empfindung verlassen können“, schrieb Theodor Fontane im Oktober 1877. Da saß er schon sieben Jahre lang auf dem Parkettplatz 23 im Königlichen Schauspielhaus in Berlin und hatte von Sophokles bis Kleist fast alles gesehen, was bis dahin am Gendarmenmarkt über die Bühne gegangen war. Fontane sollte dort noch weitere 13 Jahre sitzen und in seinen letzten Kritiken zwischen 1889 und 1890 Ibsen und Hauptmann als Erneuerer des europäischen Theaters begrüßen. Dabei brachte er es auf über siebenhundert Rezensionen, die er stets nur mit „Th.F.“ signierte. Aber die Leser der Vossischen Zeitung wussten genau, wer sich dahinter verbarg. Fontane machte sich nichts daraus, dass ein bekannter Kritiker dieses Kürzel als „Theater-Fremdling“ verhöhnte, weil er über keine akademische Ausbildung verfügte. Dafür besaß er einen unbestechlichen Blick für Qualitäten und Mängel der Aufführungen und Stücke und ebenjene „unmittelbare Empfindung“, die ihn zum Anwalt des Publikums und der Schauspieler werden ließ. Es war keineswegs so, dass auf den Gesichtern der Darsteller beim Premierenapplaus immer zu lesen war: „Da sitzt das Scheusal wieder!“, wie Fontane einmal...

Theodor Fontane: Da sitzt das Scheusal wieder. Die besten Theaterkritiken. Hg. von Debora Helmer, Aufbau Verlag, Berlin 2018, 240 Seiten, 24 EUR.

Das Scheusal auf Platz 23

Schau mal einer an

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Angstlos! Heimatlos?

Der Regisseur Jan-Christoph Gockel wird 2014 bei einem Gastspiel in Ouagadougou von der Revolution überrascht: Präsident Blaise Compaoré, nach der Ermordung des „afrikanischen Che Guevara“ Thomas Sankara 27 Jahre lang autokratischer Herrscher, wird vertrieben. Die Auseinandersetzung mit diesem Erlebnis sucht Gockel 2018 mit einer zweiten Theaterreise nach Afrika. Diese wiederum nutzt Komi Mizrajim Togbonou, Schauspieler aus Gockels Revolutionsinszenierung „Der Auftrag: Dantons Tod“ von 2017, um angesichts des Todes seines Vaters nach Togo zu reisen, seine Wurzeln zu suchen. Zurück in Graz bleibt Florian Köhler, ebenfalls Darsteller aus „Der Auftrag: Dantons Tod“, und versucht sich an einer performativen Begegnung zwischen Jim Morrison und Büchners Danton. Dies alles sind Ausgangspunkte für das Film- und Theaterprojekt „Die Revolution frisst ihre Kinder!“, das im November 2018 am Schauspielhaus Graz seine Uraufführung erlebte. (Der Film soll 2019 folgen.) Entstanden ist ein komplexes Koordinatensystem, in dem Ideen- und Handlungsstränge gelegt, verknüpft und gemeinsam zu einem roten Faden verwickelt oder besser: verfilzt werden. Denn zweierlei Reisen werden dabei verhandelt: jene des Teams, das sich tatsächlich mit Kamera und Puppen (von Michael Pietsch) auf die Spuren der Revolution im „Land der aufrechten Menschen“ begeben hat, und jene eines Stadttheaters auf Selbsterfahrungstrip, das Gockel in Afrika aus- und „auf...

Schauspiel Graz: „Die Revolution frisst ihre Kinder!“ (UA) von Jan-Christoph Gockel & Ensemble. Regie Jan-Christoph Gockel, Ausstattung Julia Kurzweg

Graz: Das Prinzip Scheitern

Ran ans Märchen! 

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Auf einen Hocker steigen, die Lunte zünden und los! So sah er aus, der Traum vom Fliegen, als sich der französische Bühnenbildner Philippe Quesne 2003 mit „La Démangeaison des Ailes“ (Der Juckreiz der Flügel) zum ersten Mal als Regisseur vorstellte. Es war ein durch und durch quesnesker Abend: poetisch, skurril und von einem nachdenklichen Blick auf die seltsame Spezies Mensch gekennzeichnet. Gaëtan Vourc’h, ein sehr Quesnetypischer Performer mit traurigen Augen, versuchte mit allen Tricks, der Schwerkraft zu trotzen und in den Himmel aufzusteigen. Ein anderer Spieler stickte unablässig Federn an sein Kostüm. 15 Jahre später sitzen diese melancholisch gestimmten Flugversuchler in der Touristenklasse eines Charterfliegers, als hätten sie die Zeit, in der Fliegen noch ein Traum war, längst vergessen. Abgebrüht und absolut synchron absolvieren sie die Choreografie der Langstrecke, knistern mit den Verpackungen ihres Plastikbestecks, lassen Blechverschlüsse aus Getränkedosen knallen und ziehen sich müde, aber gekonnt die Schlafbrillen über die Augen. Eine Sinfonie der Urlaubssuchenden und Abenteurer. Dies alles sehen wir in „Crash Park – Das Leben einer Insel“, Quesnes neuester Produktion, als Film. Wenig später tragen Performer ein Pappflugzeug durch den Raum, von dem man ahnt, siehe Titel, dass es nicht lange oben bleiben wird. Mit Vorahnung lässt sich...

HAU Hebbel am Ufer: „Crash Park – Das Leben einer Insel“ von Philippe Quesne. Konzept, Regie und Bühne Philippe Quesne, Kostüme Corine Petitpierre

Berlin: Das Ende vom Fliegen

Figurationen im Film

Der Notfall als Prinzip

Die digitale Masse

Das Theater mit den Finanzen

Die performative Baustelle

Staatstheater Nürnberg: Globaler Zelluntergang

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Theater ist überlebensnotwendig

In der ersten Ausgabe 2019 der Wochenzeitung der Freitag schreibt die Regisseurin Angela Richter über ihren bisher letzten Besuch beim Wikileaks-Gründer Julian Assange in der ecuadorianischen Botschaft in London. Assange lebt da seit bald sieben Jahren sozusagen im Exil. Er fürchtet eine Festnahme durch die britischen Behörden mit anschließender Auslieferung an die USA wegen Geheimnisverrats. Eine Auslieferung an Schweden wegen „minderschwerer Vergewaltigung“ kommt nicht mehr infrage, da Schweden das Verfahren gegen ihn 2017 eingestellt hat. Einzig verbliebener Interessent an ihm sind die USA. Seit März 2018 lebt Assange in der Botschaft praktisch in Isolationshaft. Eine neue Regierung in Ecuador hat strategisch umgedacht. Telefon und Internet sind für ihn nun nicht mehr zugänglich. Besuche sind nur mehr eingeschränkt möglich oder werden untersagt. Die Heizung wurde abgestellt und das Bett aus dem Raum entfernt. Assange schläft jetzt in einer dicken Daunenjacke auf einer Yogamatte. Das alles erinnert irgendwie an Flüchtlinge in Bayern, denen das Leben auf Anweisung der bayrischen Regierung mit volksnah eingängiger Fantasie so unerträglich gemacht werden soll, dass ihnen eine Rückkehr in die Kriegsgebiete, aus denen sie geflohen sind, erträglicher erscheinen möge als Asyl in der Obhut bayrischer Behörden. In dem einen wie dem anderen Fall gibt es kein Aufbegehren...

Das große Schweigen über die Wahrheit der Mächtigen

Wer es wagt, seine Stimme zu erheben

Im Frühjahr 1939, kurz vor seiner Flucht nach Schweden, setzte Brecht ein kurzes Gedicht als Motto vor seine „Svendborger Gedichte“, die zwischen 1934 und 1938 entstanden waren und im Juni 1939 in Kopenhagen erschienen. Es klingt wie ein Resümee seines fast fünfjährigen Exils in Dänemark: „Geflüchtet unter das dänische Strohdach, Freunde / Verfolg ich euren Kampf. Hier schick ich euch / Wie hin und wieder schon die Verse, aufgescheucht / Durch blutige Gesichte über Sund und Laubwerk. / Verwendet, was euch erreicht davon, mit Vorsicht! / Vergilbte Bücher, brüchige Berichte / Sind meine Unterlage. Sehen wir uns wieder / Will ich gern wieder in die Lehre gehn.“ Aber es waren nicht nur Verse, die Brecht über den Sund an seine Freunde in Berlin, Prag, Paris, Moskau und New York schickte. In dem Svendborger Fischerhaus, das er schon im August 1933 gekauft hatte, entstanden unter anderem sein „Dreigroschenroman“, die Stücke „Die Rundköpfe und die Spitzköpfe“, „Die Gewehre der Frau Carrar“, „Furcht und Elend des Dritten Reiches“ sowie die erste Fassung von „Leben des Galilei“. Daneben kümmerte er sich um die Aufführungen seiner Stücke durch Ruth Berlau und Per Knutzon in Kopenhagen und um die „Mutter“-Inszenierung durch die Theatre Union in New...

Bertolt Brechts Exil in Svendborg

Stiller Weltuntergang in Dänisch-Sibirien

Brennender Schatten

Staatstheater Mainz: Apfelstrudel aus der Tube

Ich schäme mich momentan dafür, Brite zu sein. Der Brexit ist eine populistische Bewegung, vergleichbar mit all jenen, die wir in den vergangenen Jahren auf dem Kontinent haben emporschießen sehen. Die Zutaten sind zumeist dieselben: Grenzschließungen; Angst vor Immigration, die von Opportunisten angestachelt wird; eine legitime, aber fehlgeleitete Wut sowie die Auflösung der Rhetorik in Zorn (rechts) und Empörung (links). Die Welt scheint sich zu spalten, wo sie sich vor siebzig Jahren vereinte. Was den Brexit so ungewöhnlich und zerstörerisch macht, ist der absolute Charakter dieser Spaltungen: In Großbritannien hat sich eine scharfe Grenze gebildet zwischen denen, die in der EU bleiben, und denen, die gehen wollen. Es gibt keine Mitte. Ein politisches System, senkrecht gespalten in links und rechts, ist erneut gespalten worden, diesmal waagerecht, in remain und leave. Der zweiteilige Staatskörper wurde in vier Teile zerhackt. Alte Bündnisse und Parteitreue scheinen entweder zu zerbröckeln oder extremer zu werden. Hat ein linker Remainer jetzt mehr mit einem linken Leaver oder mit einem rechten Remainer gemeinsam? Niemand scheint es zu wissen. Wirft der Brexit Prinzipien über den Haufen? Offensichtlich. Theresa May, die für remain geworben hatte, führt nun eine Pro-Brexit-Regierung, und Jeremy Corbyn, der leave präferierte, soll dafür zuständig...

Drei Statements: Niemand ist mutig genug, Stopp zu rufen

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

Wo gibt es noch ein Theatergebäude, das so malerisch daliegt wie das des Mecklenburgischen Staatstheaters in Schwerin? Vis-à-vis dem Schloss, das auf seiner Halbinsel in den See ragt, rechts und links zur Seite die mecklenburgische Gemäldegalerie und der Sitz verschiedener Ministerien. So war das bei den Schweriner Großherzögen: Macht und Kunst sollten dicht beieinander sein, zumindest architektonisch. An diesem so repräsentativen Ort erwartet man keine Krise wie die jetzige. Aber sie ist da, der Streit um Generalintendant Lars Tietje eskalierte in den vergangenen Monaten so heftig, dass man über die Grenzen von Stadt und Land hinaus aufmerkte. Was ist da los, gerade jetzt, wo man doch gehofft hatte, mittels des neuen Theaterpakts der Landesregierung die seit einem Vierteljahrhundert schwelende Dauerkrise befriedet zu haben? Als ich mich dem Portal nähere, lese ich an einem darüberhängenden Banner den Satz von Arthur Miller: „Man möchte das kleine Lämpchen Humanität in die Finsternis tragen.“ Ein schönes Motto, gerade weil es sich nicht vordergründig optimistisch gibt. Aber wer begreift es hier in seiner täglichen Arbeit als Credo? Rechts am Eingang ein Schaukasten mit dem Plakat von Ernst Lubitschs Tragikkomödie „Sein oder Nichtsein“, die Steffi Kühnert hier im vergangenen Jahr so erfolgreich inszeniert hat. Da steht,...

Theaterkrise in Schwerin – Steht Intendant Lars Tietje auf verlorenem Posten?

Der neue Mann von gestern

Eine Wette auf die Zukunft

R Ä U M E

Wer ist dieser junge Mann, der barfuß im Vortragssaal des Nietzsche-Dokumentationszentrums in Naumburg umherläuft, die sich setzenden Zuschauer ständig im unruhigen Blick? „Sind jetzt alle da, kommt noch jemand?“, ruft er immer wieder laut und heftig. Klingt wie der Kasper aus dem Puppentheater, steht aber so in Lot Vekemans’ „Judas“-Monolog. Es ist Judas, der verräterische Jünger Jesu, der sich uns endlich erklären will, vielleicht auch Nietzsche, der hier gleich neben dem historischen Haus von Mutter und Schwester umhergeistert. Frieden finden sie offenbar beide nicht. Ist Judas ein Narziss, der nur um sich selbst kreist? Adrien Papritz, der junge Schauspieler aus Luxemburg, hat etwas von jener vordergründigen Gefälligkeit der Erscheinung, wie man sie sonst in televisionären Castingshows findet. Etwas zu glatt für zweitausend Jahre Verratsgeschichte. Oder ist es unser eigenes Vorurteil, dass wir enttäuscht sind, wenn wir keine Zerrüttung in der Gestalt dieses ersten Protagonisten des Verrats in der abendländischen Geschichte entdecken? Nicht wenigstens ein paar Falten oder graue Haare? Nein, dieser Inbegriff eines Verräters kommt daher wie aus dem Fitnessstudio. Vollkommen frisch und unbeschwert. Wiegt der Verrat so leicht? Der Naumburger Intendant und Regisseur Stefan Neugebauer nimmt Lot Vekemans’ Ansatz auf, in Judas mehr als ein bloßes Werkzeug der Heilsgeschichte...

Theater Naumburg: „Judas“ von Lot Vekemans. Regie und Ausstattung Stefan Neugebauer

Naumburg: Erotik des Verrats

Screenshots, Fotos und Grafiken

Das Ährenfeld als stille Utopie

Schauspiel Essen: Unnachgiebig behutsam

Dramaturgie der Solidarität

„Mein ganzes Leben steht auf dem Spiel!“, bricht es aus Alexej Iwanowitsch heraus. Die krankhafte Spielsucht des Generals, bei dem er als Hauslehrer dient, hat auch ihn infiziert. Nämlicher General ist samt seiner Sippschaft im fiktiven Kurstädtchen Roulettenburg gestrandet. Dort hat er sich am Spieltisch so restlos verausgabt, dass ihn nur noch das Erbe einer steinreichen Tante vor dem sicheren Ruin retten könnte. Doch die angeblich sieche Verwandte kreuzt plötzlich selbst in Roulettenburg auf und erweist sich als kerngesund, bis auch sie sich vom pathologischen Zockerzwang anstecken lässt. Es ist nicht allein die Profitgier, die Dostojewskis Romanfiguren antreibt. Vielmehr spielen sie eine Art russisches Roulette. Zwar ohne Kugel und Revolver, sondern wie im Kasino üblich mit Jetons; und doch geben sie sich einem potenziell tödlichen Glücksspiel hin, das schlimmstenfalls mit der völligen Vernichtung der Existenz endet. Alexej hat recht: Es steht das ganze Leben auf dem Spiel. „Der Spieler“ eignet sich daher nur sehr bedingt als Vorlage, um auf der Bühne den modernen Kasinokapitalismus von heute zu verhandeln. Dostojewski erzählt nicht von strategisch kühlem Gewinnstreben der Menschen, sondern von der fieberhitzigen Lust am Untergang. Die will offenbar auch Andreas Kriegenburg inszenieren. Von Harald B. Thor hat er sich ein stählernes...

Residenztheater: „Der Spieler“ von Fjodor M. Dostojewski. Regie Andreas Kriegenburg, Bühne Harald B. Thor, Kostüme Andrea Schraad

München: Leerlauf am Roulettetisch

„Brexit“, so sagt man im Uneinigen Königreich, „meint Brexit“, doch keiner weiß, was das eigentlich bedeutet. Links wie rechts – gleichgültig, wohin man sich auf der Suche nach einer Erklärung oder einem überzeugenden kohärenten Plan wendet – offenbaren die Reden der meisten britischen Politikerinnen und Politiker nichts als ein explosives Gemisch aus heißer Luft und Lächerlichkeit. May glaubt, es wird schon alles gut gehen. Corbyn übt sich in gedämpfter Opposition: Man ist einverstanden, nicht einverstanden zu sein. Allzu heftig soll der Widerstand ja nicht sein. Sprechen Sie uns auf keinen Fall an! Wir haben unsere Taschen mit Steinen gefüllt und laufen gemeinsam auf das tiefe Wasser zu, das uns vom Rest Europas trennt. Wir schauen nicht hoch, sind gefangen in dem erbärmlich engen Spielraum eines nicht bindenden Referendums von rein empfehlendem Charakter, sind entschlossen, zu springen, einzutauchen und zu versinken. Wir werden untergehen oder für alle Zeit im giftigen Nass leben, unter Wasser, uns mühsam durchschlagend, den Bestimmungen einer Vereinbarung folgen, die so mager ist, dass niemand, gleichgültig, welcher politischen Couleur, ihr tatsächlich zustimmen mag. Vielleicht durchleben wir auch das noch größere Vakuum, den Brexit ohne Vertrag. Während wir uns in diesem Scherbenhaufen dem vermeintlichen Knackpunkt nähern, hören wir den...

Drei Statements: Wir haben unsere Taschen mit Steinen gefüllt

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

Disappearing Birdie Coonan

TdZ on Tour

Hoffnung schaffen

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Fritz Kater, am 9. Januar jährte sich der Geburtstag Heiner Müllers zum 90. Mal. Rund zwei Wochen später folgte die Uraufführung Ihres vierteiligen Stücks „heiner 1– 4“ am Berliner Ensemble. Eine Geburtstagshommage? Ich schreibe keine Theaterstücke, weil jemand gerade Geburtstag hat. Es gab aber eine Absprache mit dem Berliner Ensemble, mit der Chefdramaturgin Sibylle Baschung, ob ich nicht was schreiben könnte, zu Berlin oder irgendetwas in der Art. Und dann dachte ich, wenn schon BE, dann BE und nicht Berlin, und wenn BE, dann natürlich Müller. Normalerweise bin ich in vier Wochen fertig, in diesem Fall brauchte ich anderthalb Jahre. Ein sehr langwieriger Prozess. Weil ich das noch nie gemacht habe, über eine mir bekannte Person zu schreiben. Neben Einar Schleef ist er für mich der wichtigste schriftstellerische Einfluss nach 1945 aus Deutschland. Abgesehen davon hab’ ich ihn besser gekannt und mehr Zeit mit ihm verbracht als mit Einar Schleef. Es dürfte viele verschiedene Ansätze geben, ein Stück über Heiner Müller zu schreiben. Was war Ihr erster Impuls dafür? Mir ist diese letzte Phase in seinem Leben aufgefallen, als eine unglaublich dramatische Zeit. Als er sechzig Jahre alt war, genau in dem Jahr 1989, als er sich danach noch einmal...

Fritz Kater über sein neuestes Stück „heiner 1– 4 (engel fliegend, abgelauscht)“ im Gespräch mit Thomas Irmer

Im Strudel der Verweise

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Anfangszeiten der Inklusion

/ die akte 1 und 2 sollten / könnten simultan / verschnitten gespielt werden, da sie die identische zeitebene und strecke aus verschiedenen subjektiven beschreiben anschließend 3 und 4 in der dargestellten reihenfolge / Verweise: heiner 1 nach Fotografien aus dem Buch: Heiner Müller, Brigitte Maria Mayer: Der Tod ist ein Irrtum, Suhrkamp: Frankfurt am Main 2005. heiner 2 nach: Frank Hörnigk (Hg.): Werke, Band 12: Gespräche 3. 1991–1995. Suhrkamp: Frankfurt am Main 2008. heiner 3 nach einer Idee von Michail Bulgakow. heiner 4 mit Worten von Andrej Platonow und Philipp Poisel. heiner 1 bildbeschreibung 1 m ja, es geht, scheint zu gehen, das handy funktioniert wieder a willst du … m später … ne freundin a gut, dann legen wir los … das ist das erste bild m das ist das erste … a sag einfach bild nummer eins m bild nummer eins a und dann fang einfach an mit: ich sehe, also ich sehe, oder was ich sehe, ist …, ok? m ja a und eine komplette beschreibung. du hast zeit, meinetwegen sechs oder sieben minuten für jedes bild m zum denken oder zum sprechen? a zum sprechen oder … am besten ist ja, gar nicht nachzudenken, einfach...

(engel fliegend, abgelauscht)

heiner 1– 4

Das Volk ist immer da. Kaum ist es über die Bühne gezogen und links abgegangen, kommt es von rechts schon wieder hervor. Es läuft im Kreis und heißt hier „Heimatchor“. Also keineswegs schweigend, sondern mit Meinungen beladen, die es uns im Vorbeigehen vor die Füße wirft: „Hier sind wir, wir sind viele …“ Dieses Volk definiert sich nach eigenen Worten durch Arbeit und geregelte Freizeit. Ordnung ist ihm sehr viel lieber als Chaos. Philipp Löhle hat mit „Wir sind keine Barbaren!“ ein Stück für vier Personen geschrieben, für zwei Paare – Barbara und Mario sowie Linda und Paul. Vier aus dem Volke sozusagen. Soweit die Ordnung. Das Chaoselement jedoch ist der Fünfte, der Unsichtbare, auf den sich alles immer mehr fokussiert. Ein Fremder, der vielleicht Bobo oder Climt heißt, man weiß es nicht so genau – ein Flüchtling, ein Schwarzer noch dazu. Wobei auch das unter den vieren umstritten ist: Tendiere die Hautfarbe nicht eher ins Bräunliche? Vermutlich aus Afrika, vielleicht aber auch aus Asien. Gewiss ist nur, dass er in das wohlgeordnete Leben der vier einbricht – und schließlich liegt alles in Scherben, aber geht dann doch weiter wie bisher, jedenfalls irgendwie. Die Paarordnung erweist sich gleich zu Beginn...

Meininger Staatstheater: „Wir sind keine Barbaren!“ von Philipp Löhle. Regie Annett Kruschke, Ausstattung Rimma Elbert

Meiningen: Auf schwankendem Boden

„Wir leben in einer Übergangsgesellschaft“, stellt Falk Richter in einer seiner Poetikvorlesungen fest. Es ist interessant, dass der 1969 in Hamburg geborene Theatermacher einen Begriff übernimmt, den Volker Braun einst auf einen ganz anderen gesellschaftlichen Zusammenhang gemünzt hat. Richter verknüpft die Bezeichnung mit der Frage: „Wie wird in Deutschland seit einigen Jahren neu über Herkunft, Nation, Zugehörigkeit, Familie, Beziehung diskutiert?“ Offensichtlich tun es „die Rechten“, also Menschen, die der AfD und ähnlichen Gewächsen nahestehen, fundamental anders als Leute wie Richter selbst, die für eine durchlässige, liberale und multikulturelle Gesellschaft eintreten. Das Theater, wie Richter es versteht und in seinen Vorlesungen, die soeben im Alexander Verlag erschienen sind, beschreibt, soll sich mit relevanten Themen auseinandersetzen, in gesellschaftliche Diskussionen einmischen und den politischen Diskurs vorantreiben. Dabei versucht Richter den klassischen Autorenbegriff zu erweitern. Es geht ihm weniger darum, Fiktionen zu entwerfen und Rollen zu erfinden, als vorgefundenes Material zu sichten und quasi zu recyceln. Ob es um die Effizienzideologie eines entfesselten Marktes geht, in dem der Einzelne eine Hochleistungsperformance abzuliefern hat, oder aber um die Masken der Sprache, hinter denen die Rechten Herrschaftsansprüche und Bereitschaft zur Gewalt verbergen – stets sampelt Richter Floskeln und Sprachhülsen, um sie in einen neuen Kontext zu...

Falk Richter: Disconnected. Theater, Tanz, Politik. Saarbrücker Poetikdozentur für Dramatik. Alexander Verlag Berlin, 180 Seiten, 16 EUR.

Der Theaterprojektmanager

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

In Mülheim an der Ruhr, gelegen im Zentrum des Ruhrgebiets, eingekesselt von Duisburg im Westen, Oberhausen im Norden und Essen im Osten, liegt eines der wichtigsten Produktionszentren für das freie Theater in Nordrhein- Westfalen: der legendäre Ringlokschuppen Ruhr – Partymeile, Veranstaltungshaus, Talentschmiede, Zentrum für widerständige Kunst – der nun 25 Jahre alt geworden ist. Einen beherzten Fußmarsch vom Stadtzentrum entfernt, etwas versteckt in einem malerischen Stadtpark, durch den hin und wieder von einer nahegelegenen Fabrik der Duft von frischem Waffelteig weht, liegt das unter Denkmalschutz stehende bogenförmige Gebäude, das um die vorletzte Jahrhundertwende als Depot für Dampflokomotiven erbaut wurde. Seit einem Vierteljahrhundert ist der Ringlokschuppen Ruhr nun ein Ort für Theater und Tanz, Kultur und Begegnung. Er bietet Künstlerinnen und Künstlern ein Forum und einen Produktionsort. Wie wichtig der liebevoll auch Schuppen genannte Ort für darstellende Kunst jenseits des Mainstreams geworden ist, insbesondere für den künstlerischen Nachwuchs, kann ich vielleicht am besten am eigenen Beispiel veranschaulichen. Denn hier kamen wir Erstsemester der Bochumer Theaterwissenschaft in den nuller Jahren zum ersten Mal mit unbekannten Theatersprachen in Kontakt, die uns maßlos überforderten und unsere Sichtweisen auf das Theater grundlegend erschütterten: René Pollesch, Gob Squad, Monster Truck, um nur einige zu nennen. Darüber...

Der Ringlokschuppen Ruhr in Mülheim – ein Zentrum für zeitgenössisches Theater, Performance und Tanz – feiert sein 25-jähriges Bestehen

Depot für widerständige Kunst

Guilt-Trip durchs Vogtland

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

The Ghost, The Voice, The Faceless

Die Zukunft nebenan

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Nichts ist mehr, wie es war. Eine ganze Branche geht in Sack und Asche, Redakteure und Journalisten prangern unaufhörlich die Schwierigkeiten ihres Berufs an, die verborgenen Abhängigkeiten und Rücksichtnahmen, den Erfolgsdruck, die Fixierung auf human touch stories, die brutale Aufmerksamkeitsökonomie, die Macht des Geldes und all das, was dem Ethos einer nichts als der Wahrheit verpflichteten Presse entgegensteht. Nun, ganz so hat es sich dann doch nicht verhalten, nachdem Mitte Dezember bekannt wurde, dass im renommierten Spiegel über Jahre hinweg die schönsten Lügenmärchen veröffentlicht worden waren, was deren Verfasser zu einem mit Preisen überhäuften Starreporter hatte werden lassen, der sich der Anerkennung der ganzen Branche sicher sein konnte. Noch die Nachricht selbst präsentierte Der Spiegel im reißerischen Stile einer sensationslüsternen Enthüllungsgeschichte, als ob nicht gerade das Teil des Problems wäre. Der Fokus liegt allein auf dem Lügner – nicht aber auf all jenen, die seine Lügen glaubten und glauben wollten, sie also erst möglich machten. Ein Einzelfall? Wie bei dem spektakulären Prozess gegen einen jungen Star-Trader von Goldman Sachs, der stellvertretend für die verbrecherischen Methoden der Finanzindustrie verurteilt wurde? Geändert hat sich seitdem wenig, auch das neoliberale Denken zeigt sich unerschüttert. Die betreffenden Spiegel-Reportagen folgten einem weitverbreiteten Muster:...

Geschichten vom Herrn H.: Über Lügenpresse und Theaterwahrheit im außermoralischen Sinne

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

Nur selten geschieht es, dass die Tätigkeiten eines Geheimdienstes in der Öffentlichkeit verhandelt werden. Denn, das Wort sagt es, was Geheimdienste machen, ist geheim. Geraten aber doch einmal die Umtriebe aus dieser Halb- und Unterwelt an das Licht der Öffentlichkeit, setzt für gewöhnlich die Irritation ein, dass sich diese oft nur schwer mit den unterstellten Zwecken (wie dem Schutz einer demokratischen Verfassung) in Einklang bringen lassen. Im Fall des Ministeriums für Staatssicherheit der DDR kann diese Kluft kaum besser studiert werden. Die Tätigkeiten des MfS und seiner zahlreichen Mitarbeiter sind durch hochsubventionierte Aufarbeitungsbehörden bestens dokumentiert. Freilich unterwandern auch heute Verfassungsschutz und Polizeibehörden politische Gruppen, rechte durch V-Leute, linke durch eingeschleuste Spitzel. Es ist zu vermuten, dass – sollten eines Tages die Archive der westlichen Geheimdienste offen stehen – sich dort Dinge finden werden, die der Stasi zumindest nicht so unähnlich sind. Doch lautet die einhellige Meinung in Deutschland, wenngleich die Zeit der großen Enthüllungs- und Enttarnungshysterie der neunziger Jahre vorbei ist, dass es schlimmer als die Stasi kaum geht, ja, die Stasi zu den größten Übeln der deutschen Geschichte gehört – erregungsmäßig direkt nach der Doppelniederlage in der Weltkriegsmeisterschaft und Dieselfahrverboten in Innenstädten. „Stasi-Staat DDR“ hieß es 1990, und dieses...

Volksbühne Berlin: „Haußmanns Staatssicherheitstheater“ (UA) von Leander Haußmann. Regie Leander Haußmann, Bühne Lothar Holler, Kostüme Janina Brinkmann

Berlin: Das Stasi-Musical

In Ihrem Vortrag „Subjekt der Überstürzung“ von 2004, der für Ihre heutige Philosophie exemplarisch steht, beriefen Sie sich auf einige Denkbilder Heiner Müllers. Darunter die Aussage: „Solange eine Kraft blind ist, ist sie eine Kraft.“ Wie sehen Sie diese Äußerung Müllers heute? Jeder, der künstlerisch tätig ist oder schreibt, weiß um die Blindheitsanteile seiner Tätigkeit. Indem Müller darauf insistiert, dass der Text klüger sei als der Autor, meint er auch, dass Blindheit zum Schreiben gehört, als Überstürzung, „kontrollierter Wahnsinn“. Nicht im Sinne irgendeiner Künstlerromantik oder eines Vulgärsurrealismus, sondern als tägliche Erfahrung – als Normalität – künstlerischer Produktion. Ebendies nenne ich Überstürzung, die ich auch fürs philosophische Denken reklamiere, eine Art präziser Kopflosigkeit, ohne die es kein Denken gibt. „Denken ohne Geländer“ hat Hannah Arendt es genannt. Das erfordert Risikobereitschaft, Öffnung aufs Unbestimmte. Wer diesen Mut nicht aufbringt, erschöpft sich im Buchstabieren des Bestehenden, reduziert sich zum Protokollanten der Macht. Kunst und Philosophie aber verbindet – Müller wusste das – Suspension von Realität. Es ist ein gesteigerter Realismus, den uns Müller lehrt: ein Realismus, der den etablierten Realitätsvorstellungen opponiert. Diese Realitätsvorstellungen spielen ja auch in einem weiteren Zitat Heiner Müllers eine Rolle, auf das Sie Bezug nehmen: dass Kunst wesentlich –...

Was macht das Theater, Marcus Steinweg?

Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

Der Kultur-Kahlschlag droht

Was macht das Theater, Thomas Köck?

„Über den „Brexit“ zu schreiben, ein Wort, eine Idee und eine Marke, die es schafft, etwas so Komplexes auf zwei Silben zu reduzieren, fühlt sich ein bisschen so an, als würde man gegen Windmühlen kämpfen. Die Welt ist mit allen möglichen Meinungen zu diesem Thema geflutet. Sie erreichen uns als Push-Benachrichtigungen und Newsfeeds aus unseren Hosentaschen. Wie ein Ozean voll Plastikmüll. Die Fische darin sind wir, wir essen diesen Müll, verwechseln ihn mit Nahrung. Verfangen in einem World Wide Web aus bunten Plastikinformationen, ist es für uns kinderleicht, für jedes Detail des laufenden Scheidungsdramas schnelle Lösungen zu finden. Die Welt ist voller Populismen zum Aussuchen, inklusive verlockender Narrative, die Ablenkung versprechen (denkt nicht zu viel über den Plastikmüll in den Ozeanen nach). Es wird einem schwindelig dabei. Und nun wird uns dieses Plastik, das wir für Plankton hielten (Wissen ist Macht), umbringen. Die physischen Auswirkungen, die das Votum, die EU zu verlassen, auslöste, waren überraschend stark: ein irritierendes Gefühl von Verwüstung, Verlust, Versagen sowie eine surreale Entfremdung von uns selbst und von der Welt, ein merkwürdiges Empfinden stiller Trauer. Die Stimmung, welche die Menschen dazu veranlasste, für den Austritt zu stimmen, wurde mithilfe einer Kombination von Faktoren geschaffen, die vorher...

Bye, Bye, Europe

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