Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Der Besen ist riesig, mit dem Demian Wohler den Boden in der Werkhalle im Union Gewerbehof fegt. Aber das muss er wohl auch sein. Schließlich sind die Ausmaße des Raums enorm. Nach und nach zieht er seine Bahnen zwischen den in der Halle aufgestellten Tischen. Indessen staubt Lucie Ortmann die grünen Zimmerpflanzen ab, die in einem anderen Areal des Raums stehen. Es sind ganz alltägliche Arbeiten, denen Wohler und Ortmann im Zuge des Installationsprojekts „Aufstand aus der Küche: II_VerSammlung DO“ für kurze Zeit nachgehen. Aber sie bekommen an diesem Ort und in diesem Rahmen eine ungeheure symbolische Bedeutung. Die Inszenierung ist von der 1975 entstandenen feministischen Videoarbeit „Semiotics of the Kitchen“ der US-amerikanischen Künstlerin Martha Rosler inspiriert. Während das Publikum durch die Installation schlendert, sich von der Gruppe produzierte Video-Reenactments von Roslers Arbeit ansieht oder die auf den Tischen aufgebahrten Arbeitsgegenstände aus diesen Videos betrachtet, wie eine Kamera und einen Laptop, einen ­Notizblock und einen Becher, erledigen die Performerinnen und Performer klassische Hausarbeiten. Kunst und Staubwischen, das wirkt auf den ersten Blick wie ein eklatanter Widerspruch. Und das soll es auch. Denn schon der Gedanke, dass Hausarbeiten sich nicht mit Kunst vereinbaren lassen, dass hier zwei Welten zusammenkommen, die nicht...

Das Favoriten-Festival 2020 in Dortmund zeigt die Licht und Schattenseiten von bezahlter und unbezahlter Arbeit

Brauchse Jobb?

Der Titel dieser neuen Imagekampagne der Berliner Schaubühne lässt schon aufhorchen. „Nothing for Nothing / Try Again“ hat der Konzeptkünstler Olaf Nicolai sie genannt. Nichts für nichts / Versuch’s noch mal? Das klingt nach nihilistischem Grundrauschen, nach einem Sisyphos-gemäßen Wissen um die Vergeblichkeit aller Neustart-Bemühungen. Eher un­typisch für die Selbstwahrnehmung von ­Thomas Ostermeiers Theater, so weit man weiß. Möglich natürlich, dass die Shakespeare-affine Bühne unter dem Eindruck der pandemischen Erschütterungen der Gegenwart zum wahren Kern ihres britischen ­Lieblingsdramatikers gedrungen ist. Vom ­Literaturprofessor Harald Bloom stammt die Analyse: „Alle großen Figuren – Falstaff, Hamlet, Shylock, Macbeth, King Lear, Kleopatra – waren Nihilisten. Sie alle glauben, wie Hamlet: ‚Der Rest ist Schweigen‘ – das bedeutet die An­nihilation, das Nichts.“ Dazu würde der Umstand passen, dass Nicolai – ein hochpolitischer, Documenta-­bewährter Künstler, der NS-Justiz-Opfern und Deserteuren Denkmäler setzt – ausgerechnet von den Plakaten radiert hat, was dem Theater bis dato besonders lieb und teuer war: die Schauspielerinnen und Schauspieler. Statt Menschen bietet Nicolai nur bunte grafische Flächen an. Blaue Pfeile auf gelbem Grund, Linien, die auf einen Fluchtpunkt in unend­licher Ferne zulaufen, rot-weiße Absperrband-Optik zu blauer Kästchenreihe. Ein epochaler Bruch. Sieben Spielzeiten lang hat die Schaubühne namhafte, international tourende Fotografinnen und Fotografen engagiert,...

Ein epochaler Bruch: Olaf Nicolais Plakatkampagne für die Berliner Schaubühne

Bye one – leave one free!

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Frau Vogt, Herr Sehgal, Herr Jaspert, Anlass unseres Gesprächs sind verschiedene Neubauprojekte im Bereich des Theaters. Im Herbst 2021 ist in München das neue Volkstheater bezugsfertig, Rostock wartet auf den Baustart, nur in Frankfurt am Main wird noch diskutiert, ob nicht auch eine Sanierung der städtischen Bühnen denkbar wäre, um den Bestand der traditionsreichen Gebäude zu erhalten. Nun könnte ein baulicher Neuanfang natürlich auch die Chance bieten, das Innere der Institution neu zu denken – als Stadttheater einer Gesellschaft im 21. Jahrhundert. Gelingt das im klassischen Arrangement? Oder sind neue Architekturen vonnöten? Hannelore Vogt: Lassen Sie mich zunächst aus dem Bereich der Bibliotheken berichten. Auch für den Hauptsitz der Stadtbibliothek Köln wurde ein Neubau geprüft; letztlich entschied sich die Stadt für eine Generalsanierung. Wenngleich wir uns aufgrund steigender Besucherzahlen in den vergangenen Jahren nicht beklagen können, haben wir die Planungen für die Generalsanierung zum Anlass genommen, die Rolle der Bibliothek neu zu denken – und zwar nach dem dänischen Modell der „Four Spaces“. Dieses Modell teilt Kultureinrichtungen in Orte der Inspiration, Orte des Lernens, Orte des Treffens und Orte der Performance ein. Daraus abgeleitet, beziehen wir die Bürgerinnen und Bürger – unter dem Motto „Explore, Create, Share“ – in unsere...

Der Architekt Konstantin Jaspert, der Künstler Tino Sehgal und die Direktorin der Stadtbibliothek Köln Hannelore Vogt über Theaterräume des 21. Jahrhunderts im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Schweigende Zeugen

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Nein, die düstersten Prognosen sind nicht eingetroffen. Es wird nicht landauf, landab Albert Camus’ „Pest“ gespielt. Auch im Post-Shutdown-Theater gibt es Gegenwartsdramatik. Und Hochkonjunktur hat darin nicht die neue Maskenpflicht, sondern die gute alte soziale Frage. Die Journalistin etwa, die sich in Thomas Melles Stück „Die Lage“ am Schauspiel Stuttgart zusammen mit vielen milieuverwandten Leidensgenossen auf Wohnungssuche begibt, ist überzeugt, dass „die soziale Frage unserer Zeit“ im Mietproblem liegt. „Es geht nicht mehr um das Wie, sondern um das Ob“, also ­darum, „ob man überhaupt noch was bekommt“, ruft sie dem Makler ins Pokerface. Es geht aber auch noch ganz anders. Denn selbst dieses „Ob“-Stadium, das ja immerhin auf einem soliden Möglichkeitsfundament fußt, muss man schließlich erst einmal erreichen. Bei den Protagonisten anderer Dramen – zum Beispiel den Zwillingen Taylor und Ronny Schmetterling, die bei den Autorentheatertagen im Deutschen Theater Berlin auf der Bühne stehen – ist das nicht unbedingt der Fall. „Nichts haben wir jemals gewonnen“, erklärt Ronny in Dorian Brunz’ „beach house“, einem der drei ­Gewinnertexte des DT-eigenen Gegenwartsdramatik-Festivals, das in Koproduktion mit der Hauptstadtbühne vom Schauspiel Leipzig inszeniert wurde. Überhaupt existieren zwischen dem Stuttgarter Milieu, das die Uraufführungsregisseurin Tina Lanik mit einem Schauspielerquintett (Boris Burgstaller, Josephine Köhler,...

Neue Stücke schärfen den Blick auf die alte soziale Frage: Premierenberichte aus Stuttgart, Leipzig, Berlin und Dresden

Liebes Prekariat, kauft Bio!

Gerüchte, pff. Darauf gebe ich nichts. Aber interessant sind sie schon. Zum Beispiel: Wer Susanne Jansen die Hand gibt, erhält einen elektrischen Schlag. Ehrlich gesagt, dieses Gerücht habe ich gerade erfunden, um sie, die Schauspielerin und Sängerin, einzufangen. Die Begegnung, der Stromstoß, kurzzeitige Erleuchtung, dann Blackout. Das alles erklärt leider gar nichts oder höchstens ein wenig – zu wenig, wenn du mich fragst. Aber zum Erklären bin ich nicht da. Für mich heißt sie von jeher und jetzt und für alle Zeit Madame 100 000 Volt. „Kaputte Automaten“ nennt sie ihr zweites selbst geschriebenes Stück. Ende November kommt es im Berliner Theater unterm Dach heraus, mit ihr als eine der drei Figuren, die im Psycho- und Therapieduktus, also fast selbst schon automatisiert, ihre gebeutelte Existenz beklagen. Susanne sagt: Welche Zielgruppe?, werde ich oft gefragt. Dumme Frage, denke ich, weil künstlerisch ohne Wert. Das ist Marketing-Sprech. Für Leute, sagt Susanne, die Leute sehen wollen, die kaputtgehen. Für Leute, werfe ich ein, die kaputtgehen wollen. Sie lacht. War aber nicht als Witz gemeint. Das automatisierte Geplapper soll sich in aller Ruhe selbst zersetzen. Damit wäre uns allen geholfen. „Haaach!“, lässt Susanne eine Figur ausrufen, „ich bin schon wieder so energiegeladen, dass die...

Lazy Hazel, wer? Über die Schauspielerin Susanne Jansen

Madame 100 000 Volt

Es ist natürlich verführerisch, diesen Abend als Corona-Stück der Stunde zu begreifen. Schließlich spielt das Ganze in einer Apotheke, und die dient spätestens heutzutage als Marktplatzersatz. Die Wahrheit ist: Das Stück wurde vor der Corona-Krise erdacht. Der sogenannte Lockdown hat die Premiere im März vereitelt und führt jetzt dazu, dass man den Abend als Parabel auf unsere infektiöse Gegenwart liest. Dabei beginnt es wie eines der Kunstwerke Dieter Roths. Der Schweizer Künstler ließ Schokolade vergammeln und Gewürze verschimmeln – zu sehen in den bekanntesten Museen der Welt und längst nicht so ekel­erregend wie der konkrete Nagelpilz, mit dem Christoph Marthaler seinen Dieter-Roth-Abend eröffnet. Auf einem Video ist in Nahaufnahme zu sehen, wie ein solcher Nagel sich auswächst und behandelt wird. Zum Glück betritt bald die erste Apothekerin die Bühne, und das Video verschwindet. Insgesamt fünf Frauen, alle in weißen Kitteln und mit geschäftsmäßigen Blicken, fuhrwerken in dieser Apotheke herum. Duri Bischoff hat ihnen raumhohe Regale aufgestellt, in denen Medikamentenschachteln lagern wie Büchsen­suppen. Auf einem steht „Magen“, auf einem anderen „Drüse“, ein drittes verspricht schlicht „Fit“. Und während wir zu gern wüssten, welche Medikamente das bewerkstelligen, formen die Frauen ihre Lippen zu Mozarts „Lacrimosa“ aus seinem Requiem. Eine Totenmesse ist auch...

Schauspiel Zürich: „Das Weinen (Das Wähnen)“ nach Dieter Roth. Regie Christoph Marthaler, Bühne Duri Bischoff, Kostüme Sara Kittelmann

Zürich: Druck auf der Sprechblase

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Der Materialergründer

Im November 1800 zog Heinrich von Kleist aus dem Anblick eines frei stehenden Tor­bogens „erquickenden Trost“. Wie hier die einzelnen Steine so zusammengefügt waren, dass sie als Ganzes ein stabiles Konstrukt ergaben, nährte in ihm die Hoffnung, dass auch er Halt finden könnte, „wenn Alles mich ­sinken lässt“. Dieses Zitat (aus einem Brief Kleists) hat Jan Philipp Gloger seiner Bühnenadaption von „Das Erdbeben in Chili“ am Staatstheater Nürnberg vorangestellt, formuliert Kleist in seiner Novelle doch eine ganz ähnliche Utopie: die vom empathischen Schulterschluss zwischen den Überlebenden der titelgebenden Naturkatastrophe, die die gemeinsame Erfahrung von Not (vorübergehend) eint. Für Kleists Protagonisten, das Liebespaar Josephe und Jeronimo, scheint sogar Rettung im Untergang zu liegen. Wegen Unzucht wurden sie zum Tode verurteilt. Doch weil der Erdstoß auch Kerkermauern zum Einsturz bringt, kommen sie frei. In den Wirren nach der Katastrophe finden sie Aufnahme in einer Gruppe von „Menschen von allen Ständen durcheinander“, die gemeinsam in einem paradiesischen Tal lagern „als ob das allgemeine Unglück alles, was ihm ent­ronnen war, zu einer Familie gemacht hätte“. Kleists Sehnsucht nach einer Solidargemeinschaft, die sich angesichts eines allgemeinen Ausnahmezustands formiert und so dem einzelnen Haltlosen Halt gibt, scheint in Zeiten der Coronapandemie gerade besonders, nun ja, virulent....

Residenztheater München und Staatstheater Nürnberg: „Das Erdbeben in Chili“ von Heinrich von Kleist

München/Nürnberg: Sehnsucht nach der Solidargemeinschaft

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Die blaue Stille ist weiß. Weiß wie ein OP-Saal und weiß wie eine Zahnarztpraxis – die die beiden Protagonisten des Abends später tatsächlich heraufimaginieren. Weiß strahlt auch die gynäkologische Praxis, in der sie sich gleich danach befinden – und in der zur Abwechslung mal er die Beine breitmacht. Weiß sind schließlich auch die beiden selbst: Weiße Unterwäsche er, weiße Unterwäsche sie, auf den Köpfen tragen sie weiße Perücken, an den Füßen weiße Badelatschen. Und zu ­allem Überfluss befinden sie sich auch noch in einem monochrom weißen Raum, in dem sie eingeschlossen sind. Das kann ja heiter werden: Weder finden sie, das Ehepaar, dem wir hier zuschauen, den Schlüssel, um die verdammten Türen aufzukriegen, noch wissen sie den Code. Wahrscheinlich werden sie in dem Iglu, den sie sich im Lauf ihres Lebens geschaffen haben, auch gemeinsam verrecken. Mit dieser klaustrophobischen Szene beginnt die Uraufführung „Blaue Stille“ am Landestheater Memmingen. Vor sechzig Jahren hätte man bei dem, was hier stattfindet, auf Martin Walsers „Zimmerschlacht“ getippt. Nun aber ist die 1976 in Israel geborene Maya Arad Yasur die Autorin, und mit Erstaunen nimmt man zur Kenntnis, dass Geschlechter- und Ehekrieg seitdem nichts an Schärfe ver­loren haben. Noch immer verletzt man sich zielsicher, weil...

Landestheater Schwaben: „Blaue Stille“ (UA) von Maya Arad Yasur. Regie Sapir Heller, Ausstattung Valentina Pino Reyes

Memmingen: Das weiße Raufen

Die Eröffnungspremiere einer neuen Intendanz gleicht einem Spießrutenlauf. Programmatisch soll sie sein, und das auf doppelte Weise: ein inhaltliches wie ästhetisches Ausrufezeichen. Intendantin Karin Becker und ihr Team haben sich für Hans ­Falladas letzten Roman entschieden. „Jeder stirbt für sich allein“ setzt dem Widerstand in schweren politischen Zeiten ein Denkmal. Die Intendantin lässt an der Aktualität des Stoffes keinen Zweifel: „Uns ist dieser Auftakt mit Fallada sehr wichtig. Gerade weil die Demokratie erneut unter Druck gerät.“ Schirin Khodadadian betont mit ihrem klugen Inszenierungsbeginn die Perspektive von uns Jedermännern und -frauen. Das wird im Bühnenbild von Carolin Mittler unmittelbar einsichtig. Auf einer ansteigenden, schrägen Fläche setzt sich das Zuschauerparkett gespiegelt fort. Der Auftritt des Ensembles erinnert an einen hektischen Kampf um die angeblich besten Plätze. Aber wo sind diese zu finden? Weiter hinten? Ist nicht die Nachbarschaft entscheidend? Nach wiederholtem Umsetzen sind Falladas Figuren endlich platziert. Die anfäng­liche Passivität bedeutet jedoch keinen dauerhaften Schutz vor den Fallstricken der Aktivität. Zudem: Ist passives Verhalten zu bestimmten Zeiten nicht gleichbedeutend mit einer gefähr­lichen Form von unterlassener Aktivität? Genau das erfahren Falladas Protagonisten, Frau und Herr Quangel. Die Feldpost vom Fronttod ihres einzigen Sohnes wird zum Wendepunkt ihrer vorherigen politischen Indifferenz. Beide sind klug...

Intendantin Karin Becker und ihr Team wagen bei ihrem Neustart in Konstanz die direkte Konfrontation über das Spiel mit der eigenen Existenz

Einmal Welt, bitte

Sie machen sich noch an Wähl­schei­ben­telefonen zu schaffen und leben auch sonst im Mief einer abgelaufenen Zeit: Vier Na­ch­barinnen einer bescheidenen Vorgartensiedlung, die in Martin Plattners Stück „Die Sedierten“ die Abgehängten darstellen, vom System zwar politisch korrekt am Leben gehaltene, aber im Unglück und Hass auf sich selbst (und alles andere erst recht) schmorende Frauen. Schon bald am Beginn fällt der Begriff Abort – das Signalwort für das genuin österreichische Genre der Fäkaliendramen. In Stephan Suschkes Uraufführungsinszenierung in den Linzer Kammerspielen wird es zwar nie so schmutzig wie üblicherweise in nämlichen Dramen Werner Schwabs. Doch wandelt der Tiroler Dramatiker Plattner hier klar auf den Spuren seines steirischen Vorgängers. Wie in dessen Kultstück „Die Präsidentinnen“ stülpt sich auch hier die innere Lebensbefindlichkeit in sprachlichen und optischen Gewaltakten nach außen. Plattners metrisch geordnete Sprache, die zwanghaft alles Lebendige verdinglicht, weil sich die Figuren selbst wie Gegenstände begreifen – diese Kunstsprache braucht Raum. Und Regisseur Suschke gewährt ihn, ohne gleich eine Sprechoper daraus zu machen. Da heißt es „Komm außer Haus ich? / Auf den Weg-Gehsteig muss ich.“ Oder: „Zieh zu mich / wie ein Vorhang.“ Suschke schlägt nicht in die voyeuristische Kerbe, sondern platziert die Mieterinnen in drei eng nebenein­ander angeordneten, schlichten,...

Landestheater Linz: „Die Sedierten“ (UA) von Martin Plattner. Regie Stephan Suschke, Bühne Momme Röhrbein, Kostüme Angelika Rieck

Linz: Die Tablettendosis zählt

Kompositionsprinzip Collage

Magdeburg und die Treuhand, das ist vielleicht ein besonders traumatischer Fall. Mit dem Schwermaschinenbau-Kombinat Ernst Thälmann (SKET) stand eine der größten Firmen am Ende der DDR zur Disposition, mit 30 000 Beschäftigten in 18 Betrieben. Das SKET dürfte auch einer der größten Fische für die zugleich in westdeutschen Maschinen­bau-Vorständen tätigen Treuhand-Manager gewesen sein, denn hier ließen sich lästige Konkurrenten abwickeln und zugleich deren lukrative Ost-Europa-Geschäfte abgreifen. Diese auch persönlich profitable Vernichtung wurde sogar mit staatlichen Beihilfen gefördert, sodass sich ab 1997 die Europäische Kommission mit den Vorgängen befasste. Ganz so hart wollte Carolin Millner, im benachbarten Halle/Saale geboren und in Stuttgart aufgewachsen, die Sache zum Vereinigungsjubiläum nicht angehen. Sie interessierte, „wie viel die Treuhand überhaupt noch machen konnte und was nicht auch schon vorher entschieden war“. Das klingt, als hätte es noch eine geheime Macht ge­geben, der die Abwicklungs- und Privatisierungsbehörde hilflos ausgeliefert gewesen wäre. Für eine solche These, die alle Erkenntnisse zur Treuhand und die Erfahrungen der Betroffenen praktisch auf den Kopf stellt, hätte es tatsächlich eines auf harten Recherchen basierenden Dokumentartheaters à la Hans-Werner Kroesinger bedurft. Doch die Autor-Regisseurin entschied sich dagegen und für eine Art Lebensgefühl-Aufarbeitung von SKET-Magdeburgern. Diese sitzen in Gestalt von zwei Frauen und zwei...

Theater Magdeburg: „Tod der Treuhand“ (UA) von Carolin Millner. Regie Carolin Millner, Ausstattung Maylin Habig

Magdeburg: In den Köpfen blühen die Landschaften

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Lockdown, Veranstaltungsverbot, Shutdown, Social Distancing … das sind die neuen Schlagworte und Realitäten der Corona-Pandemie, die auch zu einer weltweiten Wirtschaftskrise avan­cierte. Liegt aber in dieser globalen Corona-Krise, in diesem erzwungenen Innehaltenmüssen auch eine Chance? Das liegt an uns, „was wir jetzt daraus machen“. Dieser Überzeugung ist Jonas Zipf, Theatermann und Werkleiter von JenaKultur. Er suchte sich in der gesamten ­Bundesrepublik hochkarätige Gesprächs­part­ner*innen, allesamt Geisteswissen­schaft­ler*in­nen oder Künst­ler*in­nen, um dies ­aus­- zuloten. Versammelt sind diese Gespräche in dem im November bei Theater der Zeit erscheinenden Recherchenband „Inne halten: Chronik einer Krise. Jenaer Corona-­Ge­spräche“, herausgegeben von Jonas Zipf und Birgit ­Liebold. Wie veröffentlichen einen Auszug davon: ein Telefonat zwischen Thomas Oberender, dem künstlerischen und geschäftsführenden Direktor der Berliner Festspiele / Gropiusbau, und Jonas Zipf. THOMAS OBERENDER: … Ich glaube, dass die aktuelle, von Covid verursachte Zwangspause die beste Zeit ist, um über ein leistungslos gewährtes, sprich Bedingungsloses Grundeinkommen zu sprechen. Plötzlich müsste in dieser Gesellschaft niemand davor Angst haben, seine Krankenkasse, Altersvorsorge und Grundversorgung (Wohnraum, Nahrung, Kleidung) nicht bezahlen zu können. Wenn uns ­diese Prekarisierungsangst ­genommen würde – und man hat ausgerechnet, dass das nicht teurer wäre, als all die För­derungen und Sonderhilfen, die es auch jetzt schon gibt –, dann würden...

Ein Telefonat zwischen Thomas Oberender und Jonas Zipf

gerade jetzt – eben nicht

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

„Work hard, play hard?“

Autorinnen und Autoren November 2020 / Impressum / Vorschau

Der genetische Code Amerikas

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Meldungen

Die Bühne gleicht einer apokalyptischen Landschaft. Verdorrte Äste lassen vergangene Verheerungen erahnen. Die kreisrunde schwarze Öffnung zum Bühnenhintergrund bleibt verschlossen. Sie erlaubt Assoziationen einer Sonnenfinsternis. Dem Zuschauer wird schnell klar, dass diese „Elektra“ direkt in die Krise führt und nicht aus ihr heraus. Das Theater Freiburg erweitert unter Intendant Peter Carp seinen polnischen Regie-Schwerpunkt. Nach Ewelina Marciniak nun also Malgorzata Warsicka. Anders als Marciniak inszeniert Warsicka eher vom klaren und kognitiven Konzept aus und weniger über die Ebene opulenter Bildlichkeit. Dieser Art der streng planenden Regie kommt die antike Schicksalstragödie entgegen. Mit der Prägnanz einer Schachspielerin treibt die Regisseurin ihre Figuren unerbittlich und zügig in die unausweichlich tödliche Konfrontation. Karol Nepelskis chorische sowie elektronische Klangwelten verdichten die Atmosphäre auf archetypische Weise. Lange Zeit dominiert Elektras Perspektive. Sie muss ihre ­Mutter hassen, hat diese doch ihren Vater Agamemnon bei dessen Heimkehr aus dem Trojanischen Krieg heimtückisch ermordet. Laura Angelina Palacios wirft sich in Sopho­kles’ düstere Elektra-Figur mit ihrem ganzen Körper. Sie schreit ihre Wut heraus. Ihre Dissonanzen korrelieren mit der Atonalität des chorischen Gesangs. Alle Hoffnungen Elek­tras ruhen auf der Rückkehr ihres Bruders Orest. Nur der Mord an ihrer Mutter, so Elektras Zwangsvorstellung, kann Erlösung bringen. Doch das Tor zum Palast...

Theater Freiburg: „Elektra“ von Sophokles. Regie Malgorzata Warsicka, Ausstattung Agata Skwarczynska

Freiburg: Archetypen der Gewalt

Tamilla Woodard, das Working Theater in New York, dessen Künstlerische Ko-Leiterin Sie sind, macht Theater für, über und mit Arbeiterinnen und Arbeiter. Politische Analysten sagen, dass es vor allem weiße, größtenteils männliche Vertreter der Arbeiterklasse waren, die 2016 Donald Trump ihre Stimmen gaben. Tatsächlich hat sich der ökonomische Status vieler Amerikanerinnen und Amerikaner unter seiner Präsidentschaft verbessert. Gleichzeitig indes war Trumps Politik ein übler Nährboden für Hass und Gewalt, was die Spaltung der Gesellschaft immer weiter vorangetrieben hat. Das Working Theater will seit seiner Gründung vor 35 Jahren durch seine gemeinschaftsstiftende Funktion ein Theater für alle sein, ein Ort jenseits von Klassen-, Geschlechts-, Alters- und ethnischen Grenzen. Haben Sie das Gefühl, dass Sie mit Ihrer konkreten Arbeit auch Trump-Wähler erreichen? Die Zugehörigkeit zu einer Klasse ist eine der größten Trennlinien in unserer Gesellschaft, insbesondere in unserer so „liberalen“ Stadt New York. Diejenigen, die normalerweise nicht kulturell aktiv sind, haben das Gefühl, Theater sei lediglich etwas für die Elite, für „Kultursnobs“ und „liberal verbogene Progressive“ und ignoriere Werte und Themen der Menschen aus der Arbeiterklasse (die mitunter konservativeren Ideologen folgen). Wir sind uns dessen bewusst und versuchen, die Situation dadurch zu lösen, dass wir Zugangsschwellen abbauen – psychologische, wirtschaftliche sowie standortbasierte....

Drei Fragen an die Künstlerische Ko-Leiterin des Working Theater in New York Tamilla Woodard anlässlich der Präsidentschaftswahlen in den USA 2020

Wir führen alle den gleichen Kampf

Choreografien

Alles fließt

Am 3. November wird in den Vereinigten Staaten ein neuer Präsident gewählt. Weltweit sind die Hoffnungen groß, dass die Zeit Donald Trumps, unter dessen Präsidentschaft Hass und Gewalt insbesondere gegen People of Color massiv zunahmen, endlich ein Ende finden wird. Das Working Theater in New York arbeitet seit mehr als 35 Jahren einer wachsenden Segregation der Gesellschaft entgegen, indem es Theater für und über arbeitende Menschen macht. Die transformative Erfahrung von Theater, lautet die Mission, solle kein Luxus, sondern ein Grundnahrungsmittel sein. Tamilla Woodard ist seit sechs Monaten neue Künstlerische Ko-Leiterin des Off-Broadway-Theaters. In ihrem Manifest beschreibt sie, wie sie trotz der Coronakrise, die natürlich auch die New Yorker Theater mit voller Härte traf, an der Idee einer gemeinschaftsstiftenden Funktion von Theater, das Klassen-, Geschlechts-, Alters- und ethnische Grenzen überwindet, festhält. Indem es bedeutsame, zugängliche und erschwingliche Produktionen unabhängig von Herkünften oder sozioökonomischem Status anbiete, sagt Woodard, sei das Working Theater bestrebt, die Vielfalt der Stadt stets anzuerkennen und gleichzeitig zu versuchen, die Menschen in ihrer gemeinsamen Menschlichkeit zu vereinen. Ein kraftvoller Appell im Vorfeld der Wahlen. Ich bin Ko-Leiterin eines kleinen Off-Broadway-Theaters. Das Theater ist 35 Jahre alt. Und seit sechs Monaten habe ich die ­ehrenvolle Verantwortung, seine sprichwörtlichen...

Ein Manifest anlässlich der Präsidentschaftswahlen in den Vereinigten Staaten 2020

An diesen auf den Kopf gestellten Tagen

Die Frage nach den Wörtern

Zu den wiederkehrenden Verlautbarungen neuer Intendantinnen und Intendanten gehört, Theater für die jeweilige Stadt machen zu wollen, sprich: die Geschichten und Gegebenheiten vor Ort in die Spielzeitgestaltung einzubeziehen. Das hörte man auch 2017 beim Amtsantritt von Anselm Weber und seiner Stellvertreterin Marion Tiedtke am Schauspiel Frankfurt, die gemeinsam mit dem Literaturhaus der Stadt eine Reihe mit Monodramen initiierten, in Auftrag gegeben bei namhaften Schriftstellern und Schriftstellerinnen. Eine schöne Idee, die es Prosaschriftstellern ermöglichte, sich dramatisch auszuprobieren. Zudem brachte sie das Theater mit Leuten der Stadtgesellschaft in Kontakt. Die Kollegin der Frankfurter Rundschau konstatierte damals zu Recht: „,Stimmen einer Stadt‘ gehört zu den reizvollsten Ideen, die das Schauspiel Frankfurt unter Anselm Weber ausgeheckt hat.“ Das Konzept sieht vor, dass eine reale Frankfurter Figur Pate steht für einen etwa einstündigen Monolog. Autoren wie Wilhelm Genazino, Teresa Präauer oder Angelika Klüssendorf folgten dem Angebot. Es war nicht alles Gold, was da herauskam. Oft zu dokumentarisch und zu wenig poetisch oder andersherum und häufig auch einfach zu bieder in Szene gesetzt. Wie geplant läuft das Projekt nach drei Jahren in dieser Spielzeit aus, nicht ohne mit „Alles ist groß“ von Zsuzsa Bánk einen letzten Höhepunkt zu erreichen. Für ihr Monodrama, das neunte und letzte...

Die Schriftstellerin Zsuzsa Bánk hat ihr erstes Theaterstück geschrieben: Der Monolog „Alles ist groß“ handelt von einem Grabmacher, enttabuisiert den Tod und feiert das Leben

Wozu streiten? Morgen seid ihr kalt!

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

„Dea ex machina“, die jüngste Produktion des feministischen Performancekollektivs Swoosh Lieu, hätte eigentlich im Frühjahr im Frankfurter Mousonturm Premiere gefeiert. Corona­bedingt müssen sich Liebhaberinnen ihrer Arbeiten nun bis Herbst 2021 gedulden, um herauszufinden, welche queerfeministische Technovision die selbst ernannten „Theatermaschinistinnen“ auf der Bühne entfalten werden. Überbrücken ließe sich die Zeit mit dem Verweilen auf den Webseiten ihres künstlerischen Forschungsprojekts „A Feminist Guide to Nerdom“, dem Lauschen ­ihrer Hörspielversionen von „Who Cares?!“ und „Who Moves?!“ oder der (ohnehin stets wert­vollen) Lektüre Donna ­Haraways, deren Werk in Swoosh Lieus Arbeiten spürbar hineinwirkt. Die Inszenierung „Who Cares?! – Eine vielstimmige Personalversammlung der Sorge­tragenen“ (2016) ist der erste Teil der Trilogie „What Is the Plural of Crisis – ein performativer Krisenbericht in verteilten Rollen“ und bringt das Publikum zunächst mit den Stimmen interviewter Sorge-Arbeiterinnen zusammen: Pflegerin, Erzieherin, Blindenassistentin, Sexarbeiterin – sie alle berichten von ihrem Arbeitsalltag, von schlechter Bezahlung, mangelnder Wertschätzung, der eigenen Erschöpfung und dem Wunsch nach mehr Anerkennung. Auch das visuelle Feld wird bespielt: Fünf Performerinnen, die je ein weib­liches Rollenbild in einem Tableau vivant verkörpern, treten der Versammlung bei. Gleiches gilt für Medea, Nora, Antigone oder Mascha, die (imaginär) teilnehmen, indem Performerin ­Katharina Speckmann jene Dramenverse zitiert, die die Figuren gleichfalls...

Das feministische Performancekollektiv Swoosh Lieu feiert die Produktionsmaschine Theater mit all ihren Störungen

Technik in Frauenhänden

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Grundsätzlich: lieber schräg und komisch als betont traurig. Unbedingt das Komische und Überzogene an den Stellen herauskehren, die das gestatten. Das immanent Groteske herausstellen. (singend) I want to live I want to give I’ve been a miner for a heart of gold. I ’ve been to Hollywood, I’ve been to Redwood. I crossed the Ocean for a heart of Gold. I’ve been in my mind. It’s such a fine mind. That keeps me searching for a heart of Gold. And I’m gettin old. Heute wirklich: Johnny Cash. Urne mit Johnny Cash. Gestern Erdbestattung mit Beethoven. Klavierkonzert Nummer drei, C-Moll, Opus 37. (singend) Dingdingdingding – pingping. Stand so auf der CD. Jeden Tag höre ich Musik, immer Lieblingsstücke. Musik, die ein ganzes Leben zusammenfasst. Auf den einen Nenner bringt. Jeden Tag höre ich die Lebensläufe dazu, lerne die Leben kennen, jeden Tag höre ich Trauerreden. Das Tolle: Alle Menschen werden am Ende gut. Ja: Alle sind am Ende gut! Rückblickend gut. Retrospektiv gut. Rückwärts gesehen gut. Rückwärts gewandt gut. Mit dem Rücken zum Grab gut. Mit dem Gesicht zum Tod gut. Aber das hätte man doch gemerkt, oder? Wenn jetzt alle mal gut wären, oder? Alle mal...

Alles ist groß

Man sprach davon im Lande, es gäbe in Karl-Marx-Stadt, am hochseriösen Schauspielhaus, einen verwegenen Darsteller, der übe stundenlang den Colt ziehen, nonchalant, elegant oder gar beidhändig zwei Colts um den großen Finger beider Hände ­wirbelnd, jäh stoppend, um dann … aber dazu kam er nie … abzudrücken. Hier bereitete sich in der sächsischen Industriestadt Ende der sechziger Jahre jemand seltsam realitätsfern auf eine filmische Weltkarriere vor. Dabei schätzte man ihn als durchaus intelligenten jungen Schauspieler – als melancholisch einsam umwitterten Karl Moor, als einen fast aus allen Kurven fliegenden, überkochenden Pantalone und als den von der Arroganz der Macht durchglühten Kreon. Aber merkwürdig: An den endlichen Zusammenbruch des Kreons kann ich mich nicht entsinnen, vielleicht auch deshalb, weil: Ein Gwisdek brach ungern zusammen, das war seine Sache nicht, das open ending. Er wollte das Spiel immer weitertreiben ins schier Endlose. Seine wahrlich behände Intelligenz, diese sinnlich aus­brechende „körperliche“ Klugheit, gebändigt vom schauspielerischen Grundhandwerk der kalkulierten Wirkungen, animierte seine Partner, kräftig mitzumischen. Derart organisierte er sich seine Szenen auf der Bühne. Nach fünf guten Jahren in Karl-Marx-Stadt war es für ihn hohe Zeit, zurück nach Berlin zu gehen, ins theatralische Zentrum, und da kam für ihn nur das auffällig-aufregende Theater...

Dem Schauspieler Michael Gwisdek zum Gedenken

Geht mir aus dem Weg auf dem Weg zur Rampe

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Sie ist eine Ikone, a living legend, verehrt, bewundert und gefürchtet. Germaine Acogny, Mutter des modernen afrikanischen Tanzes, hat mit ihrer École des Sables, in Senegals Hauptstadt Dakar gelegen, Tanzgeschichte geschrieben – und tut es noch heute. Wenn man über sie erzählen will, weiß man nicht, wo beginnen bei diesem verrückten Leben zwischen Kontinenten, Stilen und Befindlichkeiten. Vielleicht am besten mit ihrer geliebten Großmutter Alofa, einer animistischen Priesterin aus Benin. Acogny sieht sich als deren Reinkarnation, und deshalb weiß sie um die Rituale der Yoruba. Sie erleuchten und beschützen sie und alle, mit denen sie sie teilt. Als ich nach einwöchigem Recherchebesuch die École verlasse, schenkt sie mir ein kleines privates Reiseritual, indem sie meinen Heimweg mit Wasser auf den Sand markiert. Es macht uns beide glücklich und verbindet uns bis heute. Germaine besitzt die Fähigkeit, die Balance zwischen Europa und Afrika so zu halten, dass sich beide Welten gegenseitig befruchten. Daraus zieht sie ihre Kraft und Unabhängigkeit. Es hilft ihr, die Widersprüche in Kreativität zu verwandeln. Sie lebt mit ihrem deutschen Mann Helmut Vogt vorwiegend in Frankreich, doch die alte Heimat ruft sie regelmäßig zurück. Von 1977 bis 1982 leitet sie die Tanzschule Mudra II in Dakar. Maurice...

Wild, fordernd, voller Poesie – Über die Mutter des modernen afrikanischen Tanzes Germaine Acogny

Afrika sprich

Herr Moğul, viele Ihrer Stücke thematisieren die Entwicklungen an unseren Krankenhäusern. Sie sind aber nicht nur Dramatiker und Regisseur, sondern selbst auch Arzt: Wie sehen Sie den Klinikalltag? Als ich von Niels Högel las, war meine erste Reaktion: Das hätte überall in Deutschland passieren können. Der Krankenpfleger hatte Patienten lebensbedrohliche Medikamente gespritzt und wurde in 85 Fällen des Mordes schuldig gesprochen. Das System ist so überfordernd, das medizinische Personal so unter Druck, dass man gar nicht mehr die Möglichkeit oder die Lust hat zu fragen, wie es dem Kollegen geht oder wie er seinen Job macht. Durch die Agenda 2010 und die Privatisierung der Kliniken haben Konzerne die Krankenhäuser zu Dienstleistungsunternehmen gemacht: Wir müssen gewisse Leistungen erbringen, damit das Haus ein Plus erwirtschaftet. Dafür werden viele OPs durchgeführt, die womöglich gar nicht indiziert sind. Was hat Corona mit Ihnen als Regisseur gemacht? Mein Stück „Deutsche Ärzte grenzenlos“ sollte im März in Münster uraufgeführt werden. Zwei Stunden davor waren wir im Lockdown, weil 25 Leute im Theater positiv getestet wurden, das war heftig. Die Münsteraner Uraufführung wurde ins nächste Jahr verschoben. Unterdessen kam ein neues Stück von Ihnen im Malersaal des Hamburger Schauspielhauses heraus: „Wir haben getan, was wir konnten“. Derzeit...

Was macht das Theater, Tuğsal Moğul?

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

TdZ on Tour

Festival der Besessenen

Der österreichische Schriftsteller Clemens J. Setz besitzt ein herausragendes Talent für das Abseitige. Seinen Figuren ist das Eigenartige förmlich eingeschrieben. Es sind keine Allerweltsmenschen, sondern absonderliche Gestalten, die hemmungslos auf der Schwelle zwischen Alltag und Irrsinn torkeln. In jüngster Zeit nimmt die Technik und die Frage, wie künstliche Intelligenzen dem Menschen dienen oder ihn zu ersetzen trachten, einen gravierenden Raum in seinem Werk ein. Auch in „Erinnya“, 2018 am Schauspielhaus Graz uraufgeführt, beschäftigt Setz sich mit technischen Innovationen und ihren Konsequenzen. Im Zentrum des Stücks steht Matthias, ein psychisch kranker junger Mann, der mittels eines Kopfhörers das sagt, was ihm vorgesprochen wird. Für Matthias ist das die Rettung, verunmöglicht ihm seine Krankheit doch den zwanglosen Kontakt mit anderen. Doch die Maschine hat ihre Tücken, oft kommt ziemlicher Blödsinn heraus bei dem, was Matthias sagt. Ganz zu schweigen davon, dass er mit den Hörern auf dem Kopf aussieht, wie man sich Mork vom Ork vorstellt. In Gießen sagt der schreiend gelbe, mit Noten bedruckte Pullover, den er zu Beginn trägt, schon alles. Das Oberteil markiert ihn als ­Außenseiter par excellence. Sein neues Gerät ermöglicht es ihm, ohne den viel zitierten ­Delay, also ohne eine Verzögerung, die er selbst zum Nachdenken bräuchte,...

Stadttheater Gießen: „Erinnya“ von Clemens J. Setz. Regie Titus Georgi, Ausstattung Jochen G. Hochfeld

Gießen: Das Milchtreteln des Universums

Er nimmt, was er kriegen kann. So lautet die genervte Titelzeile eines Artikels über Donald Trump in der Süddeutschen Zeitung am 16. Oktober 2020, dem Tag, an dem dieses Editorial entsteht. Noch ist nicht abzusehen, wie die Präsidentschaftswahlen in den Vereinigten Staaten am 3. November ausgehen werden. Sicher ist nur, dass die Hoffnungen, Trumps Präsidentschaft möge endlich enden, groß sind. „Ich denke zu viel nach an diesen auf den Kopf...

Editorial

„Großvater Muhamed war der freundlichste Mann“, heißt es einmal in „Herkunft“, Saša Stanišićs poetischer und vielschichtiger Befragung seiner Biografie und damit der Geschichte seiner Familie. Und so wie Torsten Bauer in diesem Moment in der blauen Uniform eines jugoslawischen Eisenbahners vor einem steht, glaubt man das sofort. Während er von Muhameds Zeit als Bremser auf der Bahnstrecke zwischen Sarajevo und Višegrad erzählt und berichtet, wie er nach seiner Pensionierung im Jahr 1978 seine Uniform und den dazugehörigen Mantel abgeben wollte, strahlt Torsten Bauer eine überwältigende, ganz natürliche Freundlichkeit aus. In seiner sanften Stimme liegt ein wohlwollendes ­Lächeln, das sich auch in seinen Augen spiegelt. Doch dann schlägt sein Ton von einem Augenblick auf den anderen um. Er spricht zwar immer noch von Muhameds Freundlichkeit und davon, wie sie während des Krieges in Bosnien höchstwahrscheinlich einem gesamten Hilfskonvoi das Leben gerettet hat. Aber sein Bericht verwandelt sich in ein Schreien, in dem sich Wut und Verzweiflung mischen. Die heitere Stimmung der Szene ist für immer verloren. Was bleibt, ist ein Ausdruck des Schmerzes, der einen bis ins ­Innerste durchdringt. Muhamed hat die ­Menschen in seinem Konvoi durch seine Freundlichkeit retten können. Aber wie viele hatten nicht dieses Glück. Torsten Bauers so...

Theater Oberhausen: „Herkunft“ (UA) von Saša Stanišić. Regie und Stückfassung Sascha Hawemann, Bühne Wolf Gutjahr, Kostüme Ines Burisch

Oberhausen: Splitter eines Lebens

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Wie viel Freiheit nehme ich mir, und wie viel erkämpfe ich mir? Charlotte Sprenger hat ihr Mantra sehr bewusst gewählt. In ihrem siebten Jahr als Regisseurin überrascht sie in ihren Aufführungen mit einer Purheit und Subjektivität, die sie inzwischen an große Häuser wie das Thalia Theater Hamburg, das Deutsche Theater Berlin, ans Theater Basel, nach Linz und Karlsruhe geführt haben. Denn Charlotte Sprenger kann Nein sagen und sucht nach dem, was sie berührt und was sie nahe an sich heranziehen kann. Nach einem Studium der Angewandten Kulturwissenschaften kommt die 1990 Geborene 2013 ans Theater und inszeniert zum ersten Mal. Die Erfahrung macht ihr deutlich, mit welcher Kraft und in welcher Klarheit ihr Wunsch zu inszenieren schon längst bereitlag. Als Regie­assis­tentin am Schauspiel Köln leitet sie ab 2016 in einem Vierergespann die Außenspielstätte Britney – eine experimentelle Zelle, deren Laufzeit leider von vornherein auf ein Jahr begrenzt ist. Charlotte Sprenger löst chemische Reaktionen zwischen eigenwilligen Texten aus und verknüpft weit auseinanderliegende Universen: Da trifft schon mal Fritz Kater auf Wenedikt Jerofejew, oder sie adaptiert Romane von Saša Stanišić, Bov Bjerg und Jonas Hassen Khemiri. Mit ihrer Version von „Clockwork Orange“ nach dem Roman von Anthony Burgess legt sie eine Punktlandung am...

Die Inszenierungen von Charlotte Sprenger sind ästhetische Individualistinnen – sie leben von der Freiheit der Möglichkeiten

Luxus und Anarchie

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

„Solch ein Gewimmel möcht’ ich sehn!“ Beim Festival „Willkommen anderswo“ im Deutsch-Sorbischen Volkstheater Bautzen ging der Wunsch von Faust aus dem gleich­namigen Goethe-Klassiker tatsächlich in Erfüllung – dreieinhalb Tage lang, draußen bei den Grünanlagen, in den Foyers und vor allem bei den ausverkauften Abendvorstellungen. Denn es war eine gute Idee, das Festival­ ­deutscher Mitmach-Jugendbühnen mit dem Spielzeitauftakt in Bautzen zu verbinden. Die Abonnenten, ein halbes Jahr auf Entzug, wurden gar mit Sekt empfangen. Sie trafen auf eine im Durchschnitt höchstens halb so alte, quirlige und zwitschernde Schar von Gästen. Der Ausrichter, das vor drei Jahren aus dem Bautzener Theater ausgegründete Thespis-Zentrum, hat sich prächtig ent­wickelt. Dass seine weitere Finanzierung angeblich wackeln soll, mag man nicht glauben. Thespis war als Bürgerbühne die Antwort des Theaters auf die flüchtlingsfeindlichen Übergriffe und Demonstrationen 2016. Der dritte Festivaljahrgang 2020 begann auch konsequent mit einem Prolog auf der „Platte“, dem Kornmarkt, einem beliebten Treff und Demonstrationsort, der damals Hauptschauplatz der Auseinandersetzungen war. „Die Bürger sind einfach nicht gewöhnt, dass wir hier Leute aus anderen Ländern haben“, sagte Oberbürgermeister Alexander Arends (SPD) zur Festivaleröffnung. Bei der Thespis-Gründung 2017 konnte man noch skeptisch sein. Ein Zeichen zivilen Engagements – aber garantieren gute ­Absichten allein schon gutes Theater?...

Das dritte Bautzener Festival „Willkommen anderswo“ zeigt das beachtliche Niveau der Jugendbühnen

Unerwartete Aufsässigkeit

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Die Taylor Swift unter den Theatern

Anja Nioduschewski: Per Leo, Sie sind von Milosz Matuschek und Gunnar Kaiser, den Verfassern des „Appells für freie Debatten­räume“, der sich gegen eine identitätspolitische Cancel Culture aufstellt, angefragt worden, diesen zu unterzeichnen. Sie haben abgelehnt und das öffentlich begründet. Sie sähen zwar die dort angesprochenen Probleme, die die Strategie des Deplatforming für den öffentlichen Diskurs bedeuten, teilten aber nicht den ­Befund: die Gefährdung der Demokratie. Sie zitierten indirekt Alexis de Tocquevilles „Tyrannei der Mehrheit“ als tendenziell immer gegebene Gefahr in einer Demokratie. Allerdings haben wir es bei der Cancel Culture ja mit der öffentlichkeitswirksamen Macht von Minderheiten zu tun, im doppelten Sinne: sozial und bezogen auf den Umstand, dass nur zwei Prozent der Bevölkerung Twitter nutzen: ein Ort, an dem die Konflikte ausgetragen werden. Wie bringen Sie das zusammen? Per Leo: Tocqueville hat am Beispiel Amerikas die Tendenz der demokratischen Öffentlichkeit beschrieben, in eine Tyrannei der Mehrheit zu verfallen. Mit ihm berufe ich mich bewusst auf die revolutionskritische, aber nicht reaktionäre Perspektive eines alt­liberalen Adligen. Dass es eine Minderheit ist, die diese Öffentlichkeit herstellt, ist bei ihm schon mitgedacht. Da unterscheidet sich das Amerika des 19. Jahrhunderts nicht so sehr von den demokratischen Gesellschaften der Gegenwart. Mir ging es darum,...

Der Autor Per Leo und die Dramaturgin Anja Nioduschewski im Gespräch über linke Cancel Culture, rechten Bedrohungswahn und das Abdriften des demokratischen Diskurses in einen Kulturkampf

Klima der Intoleranz

Eine Tänzerin mit Fischmaul peitscht ihren Körper bis zur Erschöpfung. An den hektischen Bewegungen ist ihre Angst abzulesen. Hinter ihr streiten sich zwei Kundinnen mit dem Verkäufer, wer den letzten Silbersaibling in den Einkaufswagen packen darf. Elise Schmits „Fisch im Limbus“ ist einer von sieben Texten europäischer Autorinnen, die Mahatma Gandhis sieben Todsünden aus dem Jahr 1925 neu lesen. Fast hundert Jahre später sind die mahnenden Worte des Pazifisten ­aktueller denn je. „Genuss ohne Gewissen“ ist eine der Sünden, die er damals anpran­gerte. Sieben Künstlerinnen, die nicht nur formal unterschiedliche Wege gehen, hat die Karlsruher Schauspielchefin Anna Bergmann eingeladen, „Die neuen Todsünden“ in Kurz­dramen zu interpretieren. Die Luxemburgerin Schmit setzt auf eine Dystopie. Ihren Totentanz der Zivilisation inszeniert die Regisseurin als Oper. Der Musiker Clemens Rynkowski hat Schmits Sprachmelodie in eine Partitur gekleidet, die dem Text Tiefenschärfe gibt: „Pandemie, ­Artensterben, Erde hat Fieber!“ Tanz und ­Musik machen Schmits politische Skizzen zum Gesamtkunstwerk. Die ästhetische Gratwanderung setzt die Opernsängerin und Schauspielerin Frida Österberg, neu im Ensemble, brillant um. Obwohl die inhaltliche Klammer durch Gandhis sieben Todsünden vorgegeben ist, sind die Perspektiven der Autorinnen so unterschiedlich wie ihr Hintergrund. In Zusammenarbeit mit dem Stadttheater im schwedischen Uppsala und dem Nationaltheater Luxemburg hat...

Badisches Staatstheater Karlsruhe: „Die neuen Todsünden“ (UA) von Angeliki Darlasi, Elise Schmit, Maryam Zaree, Sivan Ben Yishai, Marina Davydova, Liv Strömquist und Larisa Faber. Regie Anna Bergmann

Karlsruhe: Fiebertraum des letzten Fischs

Was ist Theater?

November 2020

Premieren

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Als Frie Leysen 1994 in Brüssel das Kunstenfestivaldesarts gründete, das die Zweisprachigkeit Belgiens schon im Titel trägt, hatte sie die so simple wie geniale Idee, die Inszenierungen in den Theatern der Brüsseler Sprachgemeinschaften auszutauschen. In den flämischsprachigen Häusern präsentierte sie französischsprachige Aufführungen und umgekehrt. Das war ein Risiko und funktionierte anfangs schlecht, aber sie ließ nicht locker, und allmählich gewöhnte sich das Publikum daran. Heute finden es alle fast normal, aber es brauchte eine Initiatorin wie Frie Leysen, um den Stein ins Rollen zu bringen. 1950 in Hasselt geboren, studierte sie Kunstgeschichte an der Universität Leiden mit dem Schwerpunkt mittelalterliche Kunst. Dass sie sich später dem Gegenteil zuwandte und sich nur noch fürs zeitgenössische Kunstschaffen interessierte, ist typisch für sie, und sie spottete gern darüber. Jahrelang leitete sie das flämische Kulturzentrum de­Singel in Antwerpen, das Theater, Tanz, Musik, Performance und Architektur aus Flandern und dem Rest der Welt zeigte und zu einem wichtigen Stützpunkt des internationalen Austauschs wurde. Später gründete sie gemeinsam mit Guido Minne das Kunstenfestivaldesarts, das sie vor allem als Plattform für sorgfältig ausgewählte Debütanten verstand. Sie liebte ihre Künstler, auch wenn sie durchfielen, förderte und beschützte sie. Und wehe, man war nicht einverstanden mit ihrer Auswahl –...

In Erinnerung an die Kuratorin und Festivaldirektorin Frie Leysen

Kosmopolitin, Kettenraucherin, Kunstkennerin

Explodierendes Dokumentartheater

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Anfang September, die Frankfurter Theaterferien sind offi­ziell zu Ende, noch bleibt die Glasfassade des Doppelhauses von Oper und Schauspiel am Abend dunkel. Ein Banner beschwört Vielfalt am Main: „47 Nationen unter einem Dach. Für eine weltoffene Gesellschaft ohne Rassismus.“ Drinnen wird eifrig geprobt, die Spielzeit beginnt mit einem todsicheren Shakespeare, „Wie es euch gefällt“ (Regie David Bösch), mit Sarah Kanes „Gier“ im Bocken­heimer Depot, einer Heinrich-Heine-Skizze, „Deutschland 2020“, in der Box und mit der Fortsetzung der „Stimmen einer Stadt“, bei der einheimische Autoren Frankfurter Lebens­geschichten auf die Bühne bringen (siehe Stückabdruck S. 60). Nicht nur wegen der Corona-Pandemie fragen sich Theaterschaffende und Publikum, wie es weitergehen soll. Denn die ­Bausubstanz beider Häuser ist marode. Energetisch sind sie im Winter Emissionsschleudern und im Sommer Hitzespeicher, die Technik ist veraltet. Seit Monaten werden Neu- oder Umbaupläne kontrovers diskutiert, vor allem der Standort der Häuser: Renoviert am alten Ort oder Neubauten schräg gegenüber im Herzen der Stadt oder draußen am Osthafen? Zehn Jahre Bauzeit und eine Milliarde Baukosten müssen einkalkuliert werden, doch die Pandemie kann Zeitpläne und Finanzierung durcheinanderwerfen. Im Frühjahr 2021 stehen nach Kommunalwahlen neue politische Konstellationen an, nachdem sich Rot-Schwarz-Grün über den Standort nicht einig wurde. Die Intendanten fahren erst einmal...

Über die Diskussionen um einen Theaterneubau in Frankfurt am Main und die Idee eines Bürgerkonvents – Ein Essay

Wir sind die Baumeister

Neuerscheinungen im Verlag