Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Mit „Chance 2000 – Partei der letzten Chance“, „Kunst und Gemüse, A. Hipler“ und „Eine Kirche der Angst vor dem Fremden in mir“ ist jetzt die Schlingensief-DVD-Edition von Frieder Schlaichs Berliner Filmgalerie 451 um drei weitere Boxen erweitert worden. Insgesamt 13 solcher DVD-Boxen gibt es nun, jeweils einem Film-, Theater- oder Kunstprojekt gewidmet, mit einer Laufzeit von 4285 Minuten. Das sind drei ganze Tage, die selbst Netflix-Junkies an ihre Grenzen bringen dürften – dabei bilden sie noch lange nicht das Ende dieser möglicherweise weltweit größten Dokumentation in den darstellenden Künsten. Etwas Ähnliches ist jedenfalls zum Schaffen eines einzelnen Künstlers nicht bekannt. Das anhaltende Interesse an Schlingensiefs Werk schafft Verästelungen in immer wieder neuen Kontexten, wie aktuell der von Alexander ­Kluge mitgestaltete Raum in der Hamburger Ausstellung „Hyper!“ zu den Verbindungen von Kunst und Popmusik (noch bis 4. August in den Hamburger Deichtorhallen) zeigt. Mit „Chance 2000“ kann man in eine der spektakulärsten Aktionen Schlingensiefs eintauchen: den Abend der Parteigründung von Chance 2000 im März 1998 in einem im Prater der Berliner Volksbühne aufgestellten Zirkuszelt. Es war damals schwer auszumachen, ob es sich um eine echte Parteigründung in dem die Ära Helmut Kohl beendenden Bundestagswahlkampf handelte oder um eine künstlerisch-politische Intervention....

Zusammenedition schlingensief: Chance 2000 – Die Partei der letzten Chance; Kunst und Gemüse, A. Hipler; Eine Kirche der Angst vor dem Fremden in mir

Unendlicher Spaß

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Für die Wissenschaft ist der sibirische Tunguska-Komet von 1908 nur einer von vielen. Nicht so in Vladimir Sorokins Romantrilogie, bestehend aus „Ljod – Das Eis“, „Bro“ und „23 000“. Hier figuriert der Kometeneinschlag als Angelpunkt der kosmischen Geschichte. Sorokins Personal besteht aus russischen Normalos von heute, die sich im postsowjetischen Chaos rasant in Sektenspinner und Mystiker wandeln, oder reicht tiefer in die Sowjetgeschichte zurück (die Trilogie erschien 2002 bis 2005, also: früher Putin). Der Witz ist, dass die Romanfiktion diese ­Sektierer und ihre links-rechte, mystisch-kosmologische Welteis-Lehre als Tatsachenwahrheit in einen blinden Fleck unserer Gegenwart einspeist. Es geht naturgemäß um die Apoka­lypse. Sie tritt ein, wenn alle 23 000 menschlichen Träger der „Splitter“ eines „Ursprünglichen Lichts“ erkannt sind, das sich einst auf die Erde verirrte und abscheulicherweise das Leben zeugte: eine echt gnostische Entwertung des Daseins. Solange diese 23 000 in menschlichen „Fleischmaschinen“ gefangen sind, gilt es, ihren Trägern mit Tunguska-Eishämmern das Herz aufzuklopfen und die „Splitter“-Namen zu ermitteln, eine blutige Prozedur, die viele „Nieten“, also uns, das Leben kostet. Im Finale stehen sie alle nackt auf einer Insel: Das Universum löst sich in Licht auf. Ein Effekt, den Julia Kurzwegs Bühne plus Licht und Video als Lichtershow vermittelt. Sorokin diente...

Staatstheater Mainz: „Ljod − Das Eis − Die Trilogie“ nach V. Sorokin, in einer Fassung von J.-Ch. Gockel, R. Reuter und B. Ritter. Regie J.-Ch. Gockel, Bühne J. Kurzweg, Kostüme D. Joisten

Mainz: Ausstattungsapokalypse?

Peter Kastenmüller, Ralf Fiedler, das Theater Neumarkt in Zürich, das Sie in den vergangenen sechs Jahren geleitet haben, liegt historisch gesehen an einem spannenden Ort. Unweit des Theaters, in der Spiegelgasse Nr. 12, brütete Lenin über seinen Thesen, im Cabaret Voltaire vollzogen die Dadaisten die künstlerische Revolution. Welche Theaterrevolution haben Sie initiiert? Peter Kastenmüller: Na ja, die Schweiz ist ja dafür bekannt, dass sie keine Revolution hervorgebracht hat. Hier herrscht eine andere politische Gemengelage. Ralf Fiedler: Es existieren starke Instrumente, die dafür sorgen, dass der Volkswille in jede Richtung in Politik umgesetzt wird. Das macht Revolutionen praktisch fast überflüssig ... Der Begriff Revolution ist jedenfalls sehr hoch gegriffen, bezogen auf die Wirkmöglichkeiten von Theater. Kastenmüller: Auch wir mussten das lernen: Mit welcher Lautstärke, mit welchen Mitteln bringen wir Themen hervor? Wir haben das Theater Neumarkt neu konfiguriert: Aus einem En-suite- ­haben wir ein Repertoire-Theater gemacht. Thematisch haben wir uns in den vergangenen sechs Jahren stark auf europäische Politik und deren Phänomene konzentriert. Eine aufregende Zeit. Die Welt von 2019 ist wirklich eine andere als die von 2013. Wir waren ein sehr schnelles Theater und haben versucht, mit Texten wie Robert Menasses „Die Hauptstadt“, Virginie Despentes' „Das ­Leben des Vernon Subutex“...

Peter Kastenmüller und Ralf Fiedler über ihre Intendanz am Theater Neumarkt in Zürich im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Wir lagen mit der Stadt auf der Couch

Hamburger Marathon

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Die Kapriolen, die die Geschichte vor unseren Augen schlägt, in ein Verstand und Gefühl des Zuschauers erhellendes Spiel zu bringen, ohne vergessen zu machen, dass es sich um Kapriolen handelt, darin besteht die Kunst. Eine Kunst, die das Staatstheater Braunschweig auf eine so besondere Weise beherrscht, dass es ­dafür den von der Zeitschrift Theater der Zeit vergebenen Martin Linzer Theaterpreis erhält! Es gab Zeiten, da kam man wegen Wilhelm Raabe nach Braunschweig – sogar Hermann Hesse kam wegen ihm im Jahre 1909 hierher, den bewunderten Greis zu treffen. Darüber hat er 1933 den überaus lesenswerten Text „Besuch bei Wilhelm Raabe“ geschrieben. Hesse hatte ein drängendes Anliegen: Er wollte vor allem über den von ihm hochverehrten Eduard Mörike mit dem fast achtzigjährigen Raabe sprechen – und dieser schildert ihm dann auch den Dichter aus seinen Begegnungen heraus in allen Farben als überaus unangenehmen Menschen, dessen pfäffische Natur ihm zutiefst unsympathisch gewesen sei. Hesse schreibt das treulich auf. In einem verspäteten Nachtrag zu seinem Bericht allerdings notiert er dann irritiert, es stünde zweifelsfrei fest, dass Raabe Mörike nie getroffen habe. Da ist der Autor mit seiner ­Bewunderung am falschen Platz dem Eulenspiegel Raabe auf den Leim gegangen – und braucht mehr als...

Laudatio zum Martin Linzer Theaterpreis 2019

Auf dem zentralen Platz im flämischen Gent, dem Sint-Baafsplein, blickt man, den hochaufragenden Stadtturm mit dem Drachen auf der Spitze und der sich daran anschließenden Tuchhalle im Rücken, auf die Sint-Baafskathedraal. In dieser prächtigen Kirche, ein sich gen Himmel reckender gotischer Bau mit barockem Chor und einer verspielten Rokoko-Kanzel, befindet sich der Genter Altar, geschaffen von den Gebrüdern van Eyck, vollendet im Jahre 1432. Im Mittelteil des Flügelaltars sieht man ein Lamm, auf einem Altar stehend, das Symbol des Opfers des Gottessohns, das Gläubige aus allen Himmelsrichtungen anzieht. Rechts und links sind auf dunklem Grund und unbekleidet Adam und Eva zu sehen. Der Realismus der Darstellung verweist auf eine Säkularisierung des Heilsgeschehens, eine Ansicht, die das aufgeklärte und wohlhabende Handelsbürgertum der Stadt zu befördern gedachte. Gent war im Mittelalter eine der größten und reichsten Städte Europas. Das durch Wollhandel reich gewordene Bürgertum lehnte sich einst gegen den Adel Flanderns auf und suchte Anschluss an Frankreich, weswegen man noch heute in den höheren Kreisen der Stadt bevorzugt Französisch statt Niederländisch spricht. Später war Gent ein Zentrum der Industrialisierung und der Arbeiterbewegung, während es heute vor allem Wissenschaft und Künste beheimatet, über 70 000 Studenten sind an der Universität eingeschrieben. In Sachen...

Milo Rau verwirklicht in seiner ersten Spielzeit als Leiter des NTGent seine Idee eines globalen Realismus

Flämischer Meister

Der Materialergründer

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Einsam wirkt in dieser Chemnitzer Inszenierung von Hauptmanns „Einsame Menschen“ nur die Zentralfigur Johannes Vockerat: von seinen philosophischen Arbeiten zerfurcht, an der Enge seiner häuslichen Umgebung verzweifelnd, noch mehr aber an sich selbst und seiner autistischen Anlage scheiternd. Gerne möchte er sein Ich überschreiten, Familienvater bleiben, seine einfach gestrickte Frau Käthe lieben. Aber er kann von seiner Himmelsleiter kaum mehr herabsteigen und Bodenhaftung gewinnen. Ein genau gezeichneter, nahegehender Auftritt von Jan Gerrit Brüggemann am Schauspiel Chemnitz. Die Ausstattung von Johanna Pfau unterstreicht die Hermetik des Schauplatzes im Hauptmann’schen Familiendrama. Weite und Offenheit des Berliner Sees, an dem das gemietete Haus der Vockerats steht, sind auf ein gefliestes Freibad, auf einen Pool reduziert worden. An der Wand hinter dem flachen Becken, in dem fröhlich oder deprimiert herumgeplanscht wird, endet der Horizont. Zwei Rampen führen hinauf. Oben sitzt der Akkordeonspieler Steffan Claußner und impro­vi­siert Elegien in Moll. Der Sprungturm im ­Vordergrund dient ebenfalls eher als Med­ita­tionspunkt denn als Sprungbrett ins Neue und vielleicht befreiende Ungewisse. Später senkt sich aus dem Schnürboden ein ­er­drückender Himmel aus überladenen Wäsche­­leinen herab und erstickt alle Ausbruchs­versuche. Die gibt es auch, wenn in Badesachen eine Art Sommerfrische zele­briert wird. Die Menschen wirken überwiegend nicht so gequält wie...

Schauspiel Chemnitz: „Einsame Menschen“ von Gerhart Hauptmann. Regie Nina Mattenklotz, Ausstattung Johanna Pfau

Chemnitz: Im Familiengetto

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Das Theater ist ein flüchtiges Medium. Um es festzusetzen, bedarf es drastischer Mittel. Selbst die Staatsmacht ist mitunter machtlos. Die Polizeidirektion Niedersachsen verfolgt seit einigen Jahren eine Charmeoffensive in Sachen Überwachung. Auf ihrer Internetseite sind per Foto die Standorte polizeilicher Überwachungskameras in verschiedenen niedersächsischen Städten verzeichnet. 2010 war in Hannover auf dem Bild vom Thielenplatz, unweit des Theaters, ein Plakat mit einem Slogan zu sehen. „Wer an seine Zukunft glaubt, gehört zu uns!“, stand darauf geschrieben. Wolfgang Stieler, Autor auf heise.de und normalerweise Kritiker von Big Data, zeigte sich begeistert: Sah das nicht fast wie die Aktion eines situationistischen Künstlers aus?! Das Schauspiel Hannover unter der Leitung von Lars-Ole Walburg hat sich in den vergangenen zehn Jahren immer wieder in diesem irisierenden Bereich zwischen Fiktion und Wirklichkeit, Kunst und Agitprop, Bildungsauftrag und politischem Ungehorsam aufgehalten. Es war ein eingreifendes Theater, sperrig, niemals anbiedernd, das sich, so Walburg, immer den Vorteil erarbeiten wollte, den gesellschaftlichen Entwicklungen einen halben Schritt voraus zu sein. Fast gespenstisch, wie oft das auch gelang. Wer das vom Schauspiel Hannover herausgegebene fast siebenhundert Seiten starke Heft zum Abschluss der Intendanz von Lars-Ole Walburg durchblättert, blättert in einem großen Bogen durch zehn politisch brisante Jahre – vom Finanzkollaps...

Lars-Ole Walburg hat während seiner Intendanz am Schauspiel Hannover bewiesen, wie man eine Stadt gewinnt, ohne sich künstlerisch zu verbiegen. Ein Rückblick

Die Unbestechlichen

Kompositionsprinzip Collage

Manchmal geschieht es, dass einen Kostüme im Theater in den Bann ziehen, weil sie eine eigene Geschichte erzählen. So war es bei „The One“, das im März an der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ in Berlin zu sehen war. In der Stückentwicklung von Charlotte Lorenz geht es um die ­romantische Liebe. Das Eigenartige bei der „Sprache der Liebe“ sei, schrieb einst Roland Barthes, dass sie zwar das Intimste des Subjekts ausdrücken soll, aber zugleich nur aus Vorlagen zitiert. Ein Widerspruch, der auch in „The One“ verhandelt wird. Die Vorstellungswelten der Liebe werden von Literatur, Musik und Film geprägt und geraten gelegentlich gar mit dem Alltag in Kollision. ­Erstaunlicherweise erzählte sich die Geschichte vor allem über die Kostüme von Nuria Heyck. Sie hatte die Stückentwicklung von Beginn an begleitet, hatte die Schauspieler, ihre Körper und Bewegungen beobachtet und ihnen Kostüme entworfen und gestaltet, die auf beeindruckende Art von dem Spiel zwischen liebebedürftigen Körpern und einer symbolischen Ordnung des Begehrens erzählen. Jeder Schauspieler wurde durch die Kleidung zu einer begehrenswerten Version seiner oder ihrer selbst – von den Blumen im Haar über die Brosche am Kragen und den Gürtel mit der ­auffälligen Schnalle bis zu den Stiefeln und hochhackigen Schuhen, immer in...

Die Kostümbildnerin Nuria Heyck erzählt mit einer Begeisterung für Materialien und Oberflächen eigene Geschichten

Empfinden mit dem Auge

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was ist der Erhalt eines Theaters gegen den Bau eines neuen? Nach dem Auszug aus dem Theaterhaus im August 2018 und einem achtmonatigen Interim, in dem es unterschiedliche Orte bespielte, eröffnete das Leipziger Off-Theater (LOFFT) Ende März ­seine neuen Räume auf dem Gelände der ehemaligen Baumwollspinnerei mit dem 22-­tägigen Tanz Theater Festival OPEN! NOW!. Ursprünglich nicht auf Dauer gedacht, war das Theaterhaus Leipzig, das ehemalige Haus der Volkskunst, für beinahe zwanzig Jahre zur Heimat des LOFFT geworden. Der kleine Saal des Hauses, den es nutzte, bot keineswegs gute Bedingungen für das sich zu­sehends auf Performance und Tanztheater spezialisierende LOFFT: Äußerst klein und mit nur einem einzigen Zugang für Darsteller wie Publikum, der es notwendig machte, über die Bühne zu laufen, um zu seinem Platz zu gelangen, konnte die Bühne den auch zunehmend internationalen Gästen nicht gerecht werden. Der Abschied von dem Haus am Lindenauer Markt und dem Theater der Jungen Welt, mit dem es sich die Räumlichkeiten seit 1999 teilte, hatte sich immer wieder herausgezögert. Zwar gab es bereits 2003 erste Ideen für neue Räumlichkeiten, die ließen sich aber wiederholt nicht realisieren. Auch nach dem Beschluss des Stadtrates im Jahre 2016, die Halle 7 der Spinnerei auszubauen, wurde der Umzug...

Das LOFFT bezieht neue Räume in der Leipziger Baumwollspinnerei – und feiert den langersehnten Umzug mit einem großen Eröffnungsfestival

Theater mit Aussicht

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Norbert Kentrup, Schauspieler und Theatergründer, hat viel zu erzählen, denn er hat viel unternommen und viel erlebt, was für Zeitgenossen und Nachgeborene der Theaterwelt von Interesse sein könnte: Er war Schauspieler am Frankfurter Theater am Turm und in der Mitbestimmungszeit unter Peter Palitzsch am Schauspiel Frankfurt, in Bremen bei Kurt Hübner, dem großen Innovationsintendanten, der das neue Regietheater von Zadek, Stein und Neuenfels in Westdeutschland durchsetzte, und in Bochum, wo er an dem legendären Workshop Lee Strasbergs teilnahm. Kentrup, der mit anderen die Mobile Rhein Main Theater GmbH und die bremer shakespeare company gründete, der die Wiederentdeckung des Globe Theatre als besondere ästhetische und dramaturgische Form verfolgte und damit in Deutschland und international große Erfolge feierte. Der dabei auch an der Modernisierung der Theaterkunst durch die Neuentdeckung der Zusammenhänge von Produktionsweise, Dramaturgie und Ästhetik mitgewirkt hat, für die internatio­nal nach dem Zweiten Weltkrieg Namen wie Bertolt Brecht, Jerzy Grotowski, Peter Brook, Ariane Mnouchkine, Eugenio Barba und viele andere standen und die seit den 1960er Jahren auch in der Bundesrepublik begann. Ein pralles Theaterleben also ist Gegenstand und Thema des autobiografischen Buches, dessen Erzählung aber nachhaltig darunter leidet, dass der Autor sich dabei wie das personifizierte Theater-, wenn nicht gar Weltgewissen...

Norbert Kentrup: Der süße Geschmack von Freiheit. Kellner Verlag, Bremen/Boston 2018, 560 Seiten, 18,90 EUR.

Abgesang auf ein Theaterleben

Mitte Mai trat Thomas Meinecke an der Technischen Universität Braunschweig die Ricarda Huch Poetikdozentur für Gender in der literarischen Welt an. Der Münchner Schriftsteller, Theoretiker und DJ arbeitet seit seinem 1998 erschienenen Roman „Tomboy“ daran, wie er kürzlich wieder in einem Interview in der Süddeutschen Zeitung erläuterte, die Position des schreibenden Mannes zu unterlaufen. Als männlich definiert Meinecke, in Anlehnung an Hélène Cixous’ in den siebziger Jahren entstandenen Begriff der...

Editorial

Es müssen Köpfe rollen

Arbeiten

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Meldungen

Die performative Baustelle

Sperrig, ausgesperrt, Martin Sperr: Die nach Letzterem benannten Landshuter Sperr-Tage lassen bewusst viele Assoziationen zu. Und es war nicht umsonst der selbst nicht unsperrige Sepp Bierbichler, der zur Eröffnung der zweiten Ausgabe darauf hinwies, dass Martin Sperr, bevor er am 6. April 2002 nur 57-jährig in Landshut starb, „schon lange innerlich gestorben war“. Es ärgerte Bierbichler, dass kein Eröffnungsredner erwähnte, wie dieselbe Stadt, die Sperr jetzt, nachdem ihn die Zeit „entschärfte“, feiere, ihn als „Widerling“ und „schwule Sau“ beschimpft, „hinausgetreten“ und vernichtet habe. Dieser Ärger trifft in Sven Grunert natürlich den Falschen. Der Intendant des Kleinen Theaters Landshut hat die Sperr-Tage 2016 auch deshalb ins Leben gerufen, um Zeichen zu setzen: für Vielfalt, Toleranz und Reflexion, in einer Zeit, in der der wiederaufkeimende Hass auf vermeintlich Andere Sperrs Stücke über Schwulenhatz und hinterwäldlerische Mitläufer wieder grausig aktuell wirken lässt. Für Grunert ist Theater „eine Haltung“. Und das kleine Festival ist künftig ein fester Teil davon. Mit Unterstützung des Bayerischen Kultusministeriums und der Gemeinde findet es ab sofort alle zwei Jahre statt – als „Biennale Niederbayern“ und mit einem Programm, das disziplin- und themenübergreifend Widerständiges präsentiert. Das Motto vom 5. bis 7. April 2019 war „offen, kritisch, horizontal“ und „jetzt“; das...

Juden, Muslime, Frauen: Die 2. Landshuter Sperr-Tage denken das Thema Ausgrenzung komplex weiter

Widerständiges aus Niederbayern

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Wer Hiddensee besucht, kommt an der Seebühne nicht vorbei. Führen doch alle Wege auf dieser vom Kraftverkehr verschonten Insel über den Hauptort Vitte, wo neben viel Natur und Urlaubsinfrastruktur die Seebühne Sehens­wertes produziert: Theaterklassiker, Roman­vorlagen, Mythen der Moderne, aber auch ­Märchen und maritime Geschichten. Das Besondere daran: Alle Stücke sind auf das ­Ein-Mann-Ensemble des Schauspielers Karl Huck ausgerichtet, der es trefflich versteht, die von ihm geführten Puppen und Alltagsgegenstände lebendig werden zu lassen. So auch in „Robinson Crusoe“, das in der Regie von ­Holger Teschke anlässlich des 300. Jubiläums von Defoes Roman hier neu inszeniert wurde. Die schönste Insel ist die unentdeckte Insel. Strand, Kokospalmen, blaue Lagunen in einer von schroffen Felsen umrahmten Bucht. So in etwa muss das Paradies ausgesehen haben, das Daniel Defoe seinem Protagonisten Robinson schuf. So in etwa sind auch die Vorstellungen der Besucher, wenn sie auf der vom Berliner Maler Jens Steinberg gestalteten Juan-Fernández-Insel einkehren, um dort von niemand anderem begrüßt zu werden als von Daniel Defoe, der als politischer Querkopf, Dichter und erfolgloser, von seinen Gläubigern getriebener Geschäftsmann gerade dabei ist, einen neuen Roman zu beginnen. Ein gelungener Einstieg. Kapitel für Kapitel wird die Chronologie der Ereignisse durch die Erzählung des Autors zusammengehalten. Crusoe...

Seebühne Hiddensee: „Robinson Crusoe“ nach dem Roman von Daniel Defoe. Regie Holger Teschke, Bühnenmalerei Jens Steinberg, Kostüme Katharina Schimmel

Vitte: Läuterungsinsel

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Juni 2019

Premieren

Eine Ära geht zu Ende, eine Ära, die manch einer gar nicht mitbekommen haben mag. Denn der Ort, an dem sich diese Ära abspielte, liegt sehr fern, in Schwedt, am äußersten östlichen Rand Deutschlands, fast schon in Polen. Dort verabschiedet sich im Sommer mit Reinhard Simon der wohl letzte Intendant eines Theaters in Deutschland, der basisdemokratisch gewählt wurde. „Ja, ich wurde damals vom Runden Tisch bestimmt“, erinnert sich Simon. Im August 2019 tritt er ab, begleitet von einem großen Event auf der Freilichtbühne. Die ist unter seiner Ägide ent­standen, wie so vieles in Schwedt. In den 29 Jahren seiner Intendanz haben Simon und seine Mitstreiter das Theater nicht nur vor der Schließung bewahrt. Sie haben es ausgebaut, die einst kleine Sprechtheaterabteilung und das gewaltige Kulturhaus zu den Uckermärkischen Bühnen Schwedt zusammengefügt, die große Freilichtbühne errichtet und das Sprechtheater mit seinen vielen Musical-Produktionen zu einem de facto Zweispartenhaus erweitert. Dieses Theater wuchs, während woanders Theater schrumpften oder gar geschlossen wurden. Es ist also eine Erfolgsgeschichte. Zum Gespräch darüber lud Simon in die Reha-Klinik Bad Freienwalde ein. Nachdem der Übergang geregelt ist, kümmert sich der 68-Jährige endlich um seine Gesundheit. Natürlich nicht ausschließlich. Das Kurtheater und das Hoftheater in Bad Freienwalde hat...

Nach 29 Jahren tritt Reinhard Simon als Intendant der Uckermärkischen Bühnen Schwedt ab

Der Ritter der Tafelrunde

Alles fließt

Der Schatten der verbrannten Frau verfolgt den Feuerwehrmann Guy Montag. Er und seine Kollegen haben den Brand gelegt, der sie tötete und ihre Bücher vernichtete. Glühend rotes Licht taucht die Bühne in eine beängstigende Atmosphäre. Die Worte der gespenstischen Gestalt stürzen den Protagonisten in Zweifel. Regisseur Hannes Hametner bewegt sich in seiner Bühnenfassung von Ray Bradburys „Fahrenheit 451“ am Theater Pforzheim weg von der düsteren Dystopie eines Überwachungsstaates, als die der Roman aus dem Jahr 1953 gilt. Seine Figuren schöpfen Hoffnung in einer Zeit, da die geistige Substanz in der Gesellschaft zu zerfallen droht. Bradburys dunkle Vision von den Feuerwehrleuten, die durch die Stadt ziehen und im Auftrag des Staates verbotene Bücher verbrennen, hat nichts von ihrer Aktualität eingebüßt. „Fahrenheit 451“ steht für die Temperatur, bei der Papier verbrennt. Der amerikanische Autor hatte damals die Denkverbote im Blick, die es seit den späten 1940er Jahren bei den Verhören des Ausschusses für unamerikanische Umtriebe der McCarthy-Ära in den Vereinigten Staaten gab. In Ländern wie Russland, China oder der Türkei wird freies Denken noch heute unterdrückt. In Europa lässt sich die Generation Instagram vom Reiz der Bilder und Schlagzeilen einlullen, nicht unähnlich der oberflächlichen medialen Dauerbeschallung der Gesellschaft in Bradburys Roman, die...

Theater Pforzheim: „Fahrenheit 451“ nach dem Roman von Ray Bradbury in einer Fassung von Hannes Hametner. Regie Hannes Hametner, Bühne Jörg Brombacher, Kostüme M. v. Stritzky u. L. Pflüger

Pforzheim: Keine papierenen Gedanken

Die Frage nach den Wörtern

Dietmar Dath, nachdem Ihre Romane „Waffenwetter“, „Sie schläft“ und „Die Abschaffung der Arten“ für die Bühne adaptiert wurden, Sie außerdem Überarbeitungen von Henrik Ibsens „Ein Volksfeind“ und kürzlich von Mary Shelleys „Frankenstein“ erstellt haben, folgt nun nach „Annika oder Wir sind nichts“ und „Regina oder Die Eichhörnchenküsse“ mit „Die nötige Folter“ ihr drittes Theaterstück, ein Auftragswerk des Staatstheaters Augsburg. Im Untertitel heißt es „Spiel für sechs Unschuldige und ein Bild“. Gibt es überhaupt Unschuldige in einer Welt mit Ausbeutung und Krieg? Schuld heißt: Eine Person kann was dafür. Die Abhängigkeits- und komplementär dazu Verwahrlosungsdynamiken der Gegenwart sorgen ja leider dafür, dass es tatsächlich fast nur noch Unschuldige gibt. Wer könnte nicht mit Recht sagen: Ich selbst hätte es anders gewollt, aber was soll ich machen? Das gilt für die Aufsichtsrätin so gut wie für den ­Obdachlosen. Mein Stück stellt sich auf die Seite der einzig Schuldigen darin, der Künstlerin. Sie kann was dafür, sie hat es gewollt (wenn auch nicht genau so, aber das ist die List der Vernunft dabei). In „Die nötige Folter“ befinden sich Sven, Baqil, Eva und Hark in einer misslichen Lage. Fixiert auf ihren Stühlen, sind sie in einem Raum gefangen, der als eine Mischung aus...

Dietmar Dath über sein neues Stück „Die nötige Folter“ im Gespräch mit Jakob Hayner

Waffen gegen die Idiotie

Autoren Juni 2019/Vorschau

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Wer war Günther Weisenborn? Weisenborn, 1902 in Velbert geboren, starb 1969 im westlichen Berlin; er war Journalist und Dramatiker, Schauspieler und Dramaturg, eine typische Figur des Kulturlebens der Weimarer Republik und aufrichtiger Widerstandskämpfer gegen den Nationalsozialismus, Gründer und Intendant des Berliner Hebbel-Theaters, Grenzgänger und scharfsinniger Kritiker zwischen den Systemen. Wer mit dem Namen Weisenborn noch etwas anzufangen weiß, der denkt wahrscheinlich nur an eine Facette: entweder den Theatermann oder den Widerstandskämpfer. Und doch ist es diese Vielseitigkeit, die ihn ausmacht. Der politische Kopf ist nicht von dem Künstler zu trennen – und so scheint sich beim Blick auf seine Biografie, allen Brüchen und Rückwürfen zum Trotz, jede Station ganz natürlich aus der vorherigen zu ergeben. Die Vergänglichkeit des Theaters gehört zu seinen traurig-schönen Kennzeichen. Aber das darf noch lange nicht dazu führen, dass auch die Menschen hinter der Bühnenkunst dem Vergessen anheimfallen. Der Herausgeber Carsten Ramm erinnert mit zwei schlichten, im Verbrecher Verlag erschienenen Bücher an Günther Weisenborn, holt ­Beachtliches zum Vorschein, fast Aktuelles, weil Zeitloses. „Bist du ein Mensch, so bist du auch verletzlich“ ist ein Lesebuch, das höchst unterschiedliche Texte Weisenborns versammelt: Feuilletons, Erinnerungsnotate, Leserbriefe, Verse aus den verschiedenen ­Dekaden seines Lebens. Der Autor begegnet uns hier als...

Günther Weisenborn: Memorial. Hg. von Carsten Ramm; Bist du ein Mensch, so bist du auch verletzlich. Hg. von Carsten Ramm, Verbrecher Verlag, Berlin 2019

Memorial

Am Anfang tanzen farbige Türen ein bizarres Ballett. Das ist dann wie bei Oskar Schlemmer und seinen Figurinen: überaus ambitioniert, zugleich komisch und auch irgendwie bedrohlich. Regisseur Jacob Höhne unternimmt es, den grell-bunten, übertourt-boulevardesken Handlungsbogen von Michael Frayns „Der nackte Wahnsinn“ immer wieder mit formalen Elementen zu brechen. Der Bühnen­betrieb soll ganz nackt dastehen. Willkommen im Haifischbecken! Mit diesem Ansatz zeigt er sich als Schüler von Herbert Fritsch. Die Türen erzählen bereits das, was in immerhin drei Stunden noch folgen wird: Ihr Tanz ist in Wirklichkeit ein rituelles Ab­stecken von Geltungsräumen. Dies ist mein Revier – und das auch. Eine verspätete Tür in Grellgrün kommt herangestürzt – bleibt aber chancenlos; kein Platz mehr für sie in der ersten Reihe, dafür sorgen die anderen, die wie beim Handball sofort die Lücke schließen, in die ein gegnerischer Spieler stoßen könnte. Immer bleibt hier jemand von fremden Türen ausgesperrt. Denn, so die Aussage, Theater ist ein brutaler Krieg, jeder gegen jeden. Man mag sich darüber verwundern, warum Jacob Höhne, der Regisseur und Intendant des RambaZamba Theaters, diese hochbeschleunigte Show über das Theater als Krieg zum Thema gewählt hat. Dem gemischten Ensemble, das vorrangig aus behinderten Schauspielern besteht, lag dieser Gedanke bislang vermutlich fern....

Rambazamba Theater: „Der nackte Wahnsinn“ von Michael Frayn. Regie und Bühne Jacob Höhne, Kostüme und Maske Beatrix Brandler

Berlin: Die große Sardinenfrage

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ein ehemaliger Kornspeicher am Ostufer des Bodensees: das Vorarlberger Landestheater. Prominent platziert in Bregenz, direkt gegenüber der Uferpromenade. Eingerahmt von zwei weiteren Kultureinrichtungen, mit denen zusammen es eine GmbH bildet, mit einem Geschäftsführer und gemeinsamen Werkstätten. Zur Rechten: das vorarlberg museum. Zur Linken: das Kunsthaus Bregenz. Unter seinem Kürzel KUB steht letzteres nicht nur für berühmte Zumthor-Architektur. Wer hier ausstellt, darf als Künstler das gesamte Haus bespielen. Von Anish Kapoor bis Ai Weiwei ein Magnet für die Großen der bildenden Kunst. Dieser Magnet wirkt. Der überregionale Ehrgeiz hat sich wie ein Virus vom KUB auch im benachbarten Landestheater aus­gebreitet. Das Programm der Erneuerung trägt einen Namen: ­Stephanie Gräve. Sie wurde mit Beginn der laufenden Spielzeit als neue Intendantin verpflichtet. Ihre Herkulesaufgabe: zwischen den renommierten Museen nicht nur bestehen, sondern Glanz verbreiten. Und das mit einem Budget von circa fünf Millionen Euro, einem Ensemble von nur acht Schauspielerinnen und Schauspielern, junges Ensemble mit eingerechnet. Weitsichtiger könnte die Wahl kaum ausfallen: Gräve ist nach Stationen in Moers, Bonn und Bern bestens vernetzt, um mit innovativen Künstlern die gewollte Modernisierung in Angriff zu nehmen. Die Abkehr von Formen des klassischen Repertoire- und versteckten Gastspielbetriebs ist radikal. Stephanie Gräve ist eine Auf­klärerin, höchst reflektiert,...

Das Vorarlberger Landestheater im idyllischen Bregenz befindet sich unter Intendantin Stephanie Gräve im Aufbruch

Radikal aufgeklärt

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Das Espace Culturel Gambidi ist ein selbstverwaltetes Kulturzentrum in Ouagadougou, der Hauptstadt von Burkina Faso. Das Binnenland in Westafrika zeichnet sich durch eine kreative und innovative Kulturszene aus, die international ausstrahlt. Um ­einen weiträumigen, staubigen Hof gruppieren sich verschiedene Probenräume, eine Schauspielschule, eine kleine Radiowerkstatt, ein Open-Air-Theater mit bis zu 500 Plätzen, das wegen der gleißenden Hitze nur nach der Dämmerung zu bespielen ist, sowie eine Garküche und eine Trinkbude, in der es kaltes Wasser und das gute Brakina, das einheimische Bier des Landes, gibt. Überall herrscht eine intensive Arbeitsatmosphäre, laute Gesprächs­fetzen, Gesänge und fremde Klänge dringen herüber auf die ­Probebühne, wo unter sirrenden Ventilatoren (wenn es Strom gibt) der Bonner Regisseur Frank Heuel mit seinem internatio­nalen Ensemble aus Burkinabe-Künstlern und deutschsprachigen Schauspielerinnen und Schauspielern vom Bonner fringe ensemble, dessen Künstlerischer Leiter er ist, über unkontrollierten Goldabbau in Burkina Faso arbeitet. „Brillante Saleté – Glänzender Dreck“ ist bereits sein drittes Theaterprojekt dieser Art in Westafrika. 2016 hat er in Cape Coast (Ghana) ein Stück über eine verseuchte Lagune inszeniert („Black Water“), ein Jahr später in Burkina Faso eine Theaterproduktion zum Thema Boden und ­Klima („La Terre, Ton Amie / Die Erde, deine Freundin“). „Bei einem der Besuche in der Region...

Frank Heuel inszeniert mit „Brillante Saleté – Glänzender Dreck“ ein Rechercheprojekt über unkontrollierten Goldabbau in Burkina Faso

Von Afrika lernen

Steffen Siegmund tastet, ja, schmeckt sich in den Text hinein. Fast ist es, als müsse er die Sprache für seine Situation erst erschaffen. Er bekommt 2017 den Boy-Gobert-Preis für Nachwuchsschauspieler an Hamburger Bühnen verliehen – unter anderem für dieses Solo. Es ist ein düsterer Roman, den Alek Niemiro zu einem beklemmenden Abend verdichtet hat: Édouard Louis’ „Das Ende von Eddy“ handelt von einem Jungen, der nicht nur eine hohe Stimme, sondern auch noch die Sehnsucht nach dem „falschen“ Geschlecht hat. Ein dörf­liches Horrorszenario: homosexuell, anders, dem Hass ausgesetzt. Niemiro hat sich den Text genau vorgenommen. Mit Tom Gatza an der Gitarre und am Klavier schafft die Musik weit mehr als nur eine kommentierende Ebene, sie tritt in Dialog, treibt an, erzählt mit. Spielort ist die Garage des Thalia Theaters. Kein einfacher Raum, ein bisschen zu breit, mit schwierigen Sichtachsen wegen zweier sehr prominenter Säulen, dazu weiße Wände, vor denen die Scheinwerfer hängen wie ein Statement. Und doch scheint dieser Ort wie gemacht für den Abend, thematisiert er das Theatrale an sich, unterstrichen noch durch den roten Samtvorhang, der über der Podesterie drapiert ist. „Die Szene, als Eddy auf die Theaterschule geht, ist für mich ein Schlüsselmoment“, erklärt Niemiro. „Mit ihr...

Der Regisseur Alek Niemiro zeigt am Thalia Theater Hamburg, dass Grenzgänge das Risiko wert sind

Textsezierer und Schauspielerlauscher

Das Stöhnen, Grunzen und Summen ist penetrant und klingt, als würde jemand die Lebenszeichen der Kreaturen aller Zeiten und Welten durch einen sehr leistungsstarken Fleischwolf drehen. Zwischen den brutalen Blacks, die Susanne Kennedys „Drei Schwestern“-Meditation in Bilder zerhacken, kocht der Geräuschebrei blubbernd auf und fällt abrupt in sich zusammen. Ähnlich brachial geht die Regisseurin auch mit dem Tschechow-Text um, aus dem sie wenige ­Filetstücke herausgelöst hat, die sie wieder und wieder präsentiert. Darunter ist fast nichts von der ohnehin nicht üppigen Handlung; es sind eher verbale Marker des Stillstands wie „How time does fly“ oder „Gott sei Dank bin ich heute den ganzen Tag zu Hause“, die sie in den besten Momenten des Abends zu herrlichen zweisprachigen Nonsens-Dialogen gruppiert. In einem Schaukasten, der anfangs nur ein weißer Rahmen zwischen brodelnden bunten Wolken ist, stellt sie zu Figurinen ­stilisierte Figuren aus, die – wie immer bei Kennedy – nicht selbst sprechen, sondern zu eingespielten, elektronisch verfremdeten Stimmspuren die Lippen bewegen. Zu Beginn sind Mascha, Irina und Olga gesichtslose Wesen mit Häubchen und steifen Reifröcken in Schwarz und Weiß. Eine eckige Armbewegung, eine Drehung, ein Ausfallschritt oder der Griff zum an der Wand hängenden Telefon: Viel mehr Spielraum haben die Akteure hier...

Münchner Kammerspiele: „Drei Schwestern“ von Susanne Kennedy nach Anton Tschechow. Regie Susanne Kennedy, Bühne Lena Newton, Kostüme Teresa Vergho

München: Meditation über die Nichtigkeit der Zeit

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

TdZ on Tour

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Ein Jahr ist es her, dass die Akademie der Künste zu dem Kongress „Vorsicht Volksbühne! Das Theater. Die Stadt. Das Publikum“ geladen hatte. Kurz zuvor hatte der linke Kultursenator Klaus Lederer die Zusammenarbeit mit dem Kurzzeitintendanten Chris Dercon beendet. Der war schlicht am falschen Platz gewesen. Das war das Resultat einer mutwillig zerstörerischen Kulturpolitik der Berliner Sozialdemokratie. Aber was ist die Volksbühne? Und wer könnte dort am richtigen Platz sein? Diese Fragen beschäftigten alle, die sich im vergangenen Juni am Pariser Platz eingefunden hatten. Deutlich wurde, dass das Haus am Rosa-Luxemburg-Platz gegenüber dem Karl-Liebknecht-Haus kein Theater wie jedes andere ist. Es existierte in enger Bindung an die revolutionäre Arbeiterbewegung, wurde in den zwanziger Jahren mit Erwin Piscators politischem Theaterverständnis zur ästhetischen Avantgarde, hier liefen Tollers „Masse Mensch“ und Brechts „Mann ist Mann“. Als Ostberlin die Hauptstadt eines Arbeiter-und-Bauernstaates von Stalins Gnaden war, wirkten an der Volksbühne Benno Besson und Heiner Müller, beides auf ihre Weise linientreue Dissidenten des Sozialismus. Als der sich abschaffte, kam Frank Castorf. Der brachte noch mehr subkulturellen Charme in das Haus. Er folgte der Einsicht von Ibsens „Volksfeind“: In Zeiten der Lüge wird die Treue zur Wahrheit asozial. Sie muss einen Affront gegen die Gesellschaft darstellen....

Geschichten vom Herrn H.: Eine Bühne für Volksfeinde

Von wegen Provinztheater! Wenn zur ersten Repertoirevorstellung schon Fans aus Leipzig anreisen, wenn das eher biedere Bautzener Publikum am Schluss trampelt, ruft und stehend applaudiert, muss sich wohl auf der kleinen Bautzener Bühne Großes ereignet haben. Großstädtische Arroganz ließ die berühmte antike „Orestie“ zuvor eher als Zumutung für das Deutsch-Sorbische Volkstheater erscheinen. Der Dresdner hatte noch die mit dem Bürgerchor aufgepeppte spektakuläre Inszenierung von Volker Lösch aus dem Jahr 2003 in Erinnerung, wie in Bautzen ebenfalls auf der Basis der Prosaübersetzung von Peter Stein. Aber der im Osten vor allem aus seiner Cottbuser Ära bekannte Regisseur Mario Holetzeck kann auf zusätzliche Befrachtungen vollständig verzichten. Er lässt die beiden Hauptkonflikte der Trilogie in starken Bildern und in einem sinnvoll auf knapp zweieinhalb Spielstunden komprimierten Text für sich sprechen. Ob nun Iphigenie tatsächlich für das Gelingen des Militärunternehmens Troja ge­opfert oder nur in den Artemistempel verbannt wurde: König und Feldherr Agamemnon setzte Staatsräson vor Familie und ignorierte die Muttergefühle seiner Frau Klytaimnestra. Bei dem danach einsetzenden interfamiliären Rachegemetzel geht es schließlich um die Frage, ob ein Ausbruch aus dem Automatismus der Vergeltung möglich ist. Dieses Spiel mit Macht, Leidenschaft und ursprünglichsten Empfindungen driftet in Bautzen nie ins Banale ab, sondern behält in...

Deutsch-Sorbisches Volkstheater Bautzen: „Die Orestie“ von Aischylos. Regie Mario Holetzeck, Ausstattung Linda Kowsky, Choreografie Gundula Peuthert

Bautzen: Großes Welttheater auf kleiner Bühne

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Festival der Besessenen

Die Premiere sollte ursprünglich 14 Tage früher sein. Doch die elektronische Steuerung des dreißig Tonnen schweren Hubpodiums streikte. Und die hat viel zu tun in Donald Berkenhoffs Inszenierung, mit der er sein eigenes Stück „Wege des Helden. Siegfried“ auf eine reinweiße Bühne gebracht hat. Was klingt wie der Auftakt einer Serie, spielt sich am Stadttheater Ingolstadt auf einem breiten überdachten „Weg“ ab, der sich zu Stufen und Wänden aufbäumen und wieder absenken kann – und als Projektionsfläche für ­Stefano di Buduos spektakuläre Videos dient. Die lassen den Rheinfall, das wilde Eismeer, Nebelschwaden, Feuersbrünste oder Tapetenmuster über das Weiß ziehen, je nachdem, wo den Recken Siegfried sein Schicksal hinweht. Zu Beginn fällt Schnee auf Fabian Lüdickes Bühne. Jakob Dinkelacker hat gerade den Platz an seinem prominent platzierten Schlagzeug eingenommen, der schwedische Komponist und Klangkünstler Anders Ehlin den seinen am Klavier. Musikalisch stehen die Zeichen auf Jazz, Chaos und Aufruhr. Dazu singt eine Frau in Weiß (Renate Knollmann) kehlig, fremd und wunderschön. Ein lichtes, pathetisches und zugleich schauer­atmosphärisch aufgeladenes erstes Bild, das die Erwartungen an einen Abend hochschraubt, der den Helden der Nibelungen­sage mit den nordischen Göttinnen Freya und Hel kurzschließt, auch die Raben Hugin und Munin als galgenvogelhafte Marionetten über die...

Stadttheater Ingolstadt: „Wege des Helden. Siegfried“ von Donald Berkenhoff (UA). Regie Donald Berkenhoff, Bühne Fabian Lüdicke, Kostüme Andrea Fisser

Ingolstadt: Aktualisierung mit dem Holzhammer

Don’t underestimate the things that I would do Adele 2010 Rollen Menschen SVEN Mitte 30, Künstler BAQIL Ende 30, Künstler EVA Anfang 40, Kuratorin HARK Anfang 30, Forscher Andere BILD Anfang 30, weiblich, zu klug STIER WIDDER Das BILD ist dem Augenschein nach menschlich; STIER und WIDDER sind menschenähnlich, sie dürfen für Verkleidungen gehalten werden. 1. (In der Mitte der Anlage steht ein Laufband mit einem Laserscanner am Ende, dahinter ein beweglicher Stuhl und eine digitale Kasse, wie im Lebensmitteldiscounter. Etwas rechts davon ein Bock mit Fesseln. Andere Geräte hier und da; ein OP-Tisch, Kamera, Schirme. Die Menschen sitzen fixiert in ihren vier Möbeln. Sie schlafen. Das Bild ist mehrfach vorhanden, teils schläft es auch. Stier und Widder arbeiten am Ablauf.) STIER: Ich weiß, du ekelst dich. Hast fast gekotzt, als wir dem mit dem Bunsenbrenner die Fußsohlen verbrannt haben. Wie er geschrien hat. Große Effekte. Hier geht’s aber um kleine Wellen. Nicht um Waves, sondern um Wavelets. Nicht um Rahmen, sondern um Rähmchen, Framelets statt Frames. Ich weiß, du darfst nicht sprechen. Als der hier durch den Trichter das Rizinusöl hat trinken müssen, habe ich gehört, wie du die Luft durch den Hals gepresst hast, dieses Geräusch...

Spiel für sechs Unschuldige und ein Bild

Die nötige Folter

Wenige Wochen nach seinem 89. Geburtstag starb am 22. März in Leipzig Rolf Rohmer. Noch Anfang des Monats hatten wir per Brief und Mail eine Debatte weitergeführt, doch dann schrieb er plötzlich: „Heute, Dienstag, haben mich die Ärzte außer Betrieb gesetzt. Ich sehe nicht ab, wohin das führt und wie lange es dauert. Ich melde mich zu gegebener Zeit wieder …“ Es war ihm nicht möglich. Ein Freund, ein gütiger Mensch war gestorben. Unser Dialog kreiste um die Themen­familie Heimat, Patriotismus, Internationalismus, Interkulturalismus. Der letztgenannte Begriff kann als zentrale Kategorie seiner ­wissenschaftlichen und theaterpolitischen Lebensleistung begriffen werden. Er verstand darunter, wie er mir in einem 18-seitigen ­engzeiligen Brief schrieb, „eine multivalente Strategie zur Gestaltung und Optimierung der Beziehung(en) zwischen Völkern, Ethnien, Gruppen“. Genau dazu hat er vielfältig beigetragen durch seine Arbeit in den großen internationalen Theaterorganisationen, im ITI, in der SIBMAS, der internationalen Vereinigung der Dokumentationszentren der darstellenden Künste, und vor allem auch als Präsident der IFTR, der Weltorganisation der Theaterforscher. 1981 gelang es ihm, deren 9. Weltkongress nach Leipzig zu holen. Er war einer der Initiatoren und Herausgeber der mehrbändigen Enzyklopädie des zeitgenössischen Welttheaters, stand in enger Verbindung zu Regisseur Fritz Bennewitz, der mit zahlreichen Inszenierungen in Lateinamerika, Südostasien...

Zum Tod des Leipziger Theaterwissenschaftlers Rolf Rohmer

Netzwerker des Welttheaters

Disappearing Birdie Coonan

Peter Kastenmüller, Ralf Fiedler, das Theater Neumarkt in Zürich, das Sie in den vergangenen sechs Jahren geleitet haben, liegt historisch gesehen an einem spannenden Ort. Unweit des Theaters, in der Spiegelgasse Nr. 12, brütete Lenin über seinen Thesen, im Cabaret Voltaire vollzogen die Dadaisten die künstlerische Revolution. Welche Theaterrevolution haben Sie initiiert? Peter Kastenmüller: Naja, die Schweiz ist ja dafür bekannt, dass sie keine Revolution hervorgebracht hat. Hier herrscht eine...

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

Sie sind aus einer Zeit vor unserer Zeit. Aus einer Zeit, in der man noch an den Teufel glaubte und, statt zu reden, die Fäuste sprechen ließ. Am 3. Februar 2018 stand in der Süddeut­schen Zeitung ein Artikel des Ost­europakorrespondenten Florian Hassel. „Jagdszenen in der polnischen Provinz“ war dieser übertitelt. Die Reportage drehte sich um Salah Slama, einen Tunesier, der der Liebe wegen in die polnische Kleinstadt Lubawa gezogen war. Doch mit der Gastfreundschaft war es hier nicht weit her. Er erinnere sich nicht mehr an alle An­griffe, berichtet Salah Slama. Es seien zu viele gewesen. Und sie zeugten von einer Gewalt, die direkt aus dem Mittelalter zu stammen schien. Sie sind aus einer Zeit nach unserer Zeit. Aus einer Zeit, in der es interstellare Raumschiffe gibt. Und winzige Aliens, von denen einer, aus der Zu­kunft herbeigeflogen, ­direkt in einem polnischen Theater lan­det. „Wir beobachten euch schon lange“, sagt dieser Alien. „Und ich muss euch ganz ehr­lich sagen … Ihr seid so dumm und so scheiße … Das packt keiner! … O Mann, ich kann nur heulen.“ Maciej Litkowski, der Kurator dieses Abends, ist zwar nicht aus der Zukunft ins Teatr Współczesny gekommen, sondern bloß aus seiner Szczeciner Wohnung, dennoch...

Schreiben für eine offene Gesellschaft – Die Reihe „Gäste, Gäste – Neue deutsche Dramatik“ am Teatr Współczesny in Szczecin

Wie jetzt, neu?

Eine Gratwanderung wagten die Organisatoren des Heidelberger Stückemarkts dieses Jahr mit dem Gastland Türkei. Schon 2011 hatte es diesen Schwerpunkt gegeben, diesmal fanden die Gastspiele jedoch unter deutlich ­verschärften Vorzeichen statt. Gegen etliche ­Theatermacher laufen in der Türkei Ermittlungsverfahren, andere sitzen im Gefängnis. „Ein differenziertes Bild“ wollte Kuratorin Gülhan Kadim von dem Land zeichnen, dessen Szene lebendiger sei denn je. Auch beobachtet die Theaterleiterin aus Istanbul eine verstärkte Vielfalt der Formen. „Zensur hat es bei uns immer gegeben“, sagt sie. Damit wüssten die Künstlerinnen und Künstler umzugehen. Die Vielfältigkeit der Stimmen zeigen die fünf Gastensembles und die Autorinnen und Autoren des Wettbewerbs. Heftig wehrt sich Kadim gegen Vor­urteile und Fragen mancher deutscher Kollegen: „Was dürft ihr überhaupt noch spielen?“ Das gehe an der Realität vorbei. Viele Künstler und Intellektuelle trotzen den Repressionen. „Inzwischen sind es allerdings mehr Themen geworden, über die nicht gesprochen werden darf.“ Wie intensiv die politische Wirklichkeit die Stücke und die Projekte durchdringt, ­skizziert Alican Yücesoy, der Direktor des städtischen Theaters BBT in Istanbul. Gezeigt wurde „I love you Turkey“ der Autorin Ceren Ercan. In der Performance treffen sich unterschiedliche Menschen in einem Waschsalon. Schmerzlich spüren sie, was es bedeutet, trotz der Widrigkeiten in der Türkei zu...

Türkische Theatermacher überzeugen beim Heidelberger Stückemarkt mit politischen Stoffen – die neue Dramatik spiegelt die Brüchigkeit der Demokratie

Der Repression trotzen

The Case of Digital Arts

Wer viereinhalb Stunden durchgehalten hat – der ganze Abend dauert noch eine Stunde länger –, kommt in den Genuss eines Finales, bei dem Friedrich Dürrenmatt und Frank ­Castorf ganz zueinanderfinden. Im Zürcher Schauspielhaus haben das einige Zuschauer nicht geschafft und das Theater in der Pause verlassen. Nicht ganz drei Stunden haben sie bis dahin aushalten müssen. Haben erlebt, wie Castorf immer mehr an Dürrenmatts Romanvorlage „Justiz“ herumzuzerren und zu reißen begann, wie die Schauspieler mehr und mehr vom direkten Blickfeld auf der Bühne verschwanden und fast nur noch über Live-Videosequenzen zu sehen waren. Die Drehbühne von Aleksandar Denić ist ein wunderbares Panoptikum von Nachbauten bekannter Zürcher Szenerien, lässt aber nur sehr bedingt Einblicke in die Innen- und Spielräume zu. Manch ein Zuschauer wird dann nach immer mehr überbordenden und zerdehnten Chaos-Einlagen Dürrenmatts Devise, dass eine Geschichte erst dann zu Ende gedacht sei, wenn sie ihre schlimmstmögliche Wendung genommen habe, auf Castorfs Inszenierung umgemünzt haben. Ihnen kann man aber zurufen: Es ist nicht so gekommen. Castorf und Dürrenmatt, die Kombination funktioniert am Schluss. So wie es zu Beginn des Abends der Fall war. Überhaupt bleibt der Regie-Berserker aus Berlin erstaunlich nahe am Text und der Geschichte des großen sarkastischen, aber auch...

Schauspielhaus Zürich: „Justiz“ nach dem Roman von Friedrich Dürrenmatt, in der Bearbeitung von Frank Castorf u. Amely Joana Haag. Regie Frank Castorf, Bühne A. Denić, Kostüme A. B. Peretzki

Zürich: Blitzgescheit aus- und abgeschweift

Herr Rehberger, in der Nähe der Baugrube zum neuen Stuttgarter Tiefbahnhof ­haben Sie eine weitere Grube auf­gebaut, eine begehbare Installation, die „Probegrube“ heißt. Anstelle der Gleiswüste soll nämlich ein neues Stadtviertel entstehen. Ist Ihre Skulptur ein offenes Architekturmodell für dieses geplante Quartier? Das könnte man so sagen. Sie ist aber auch noch ein paar andere Dinge. Dann spekuliere ich mal: Ihre „Probegrube“ ist erlebbar als abgetreppte Landschaft aus schwarzen Klötzen und Blocks. Die aber sind bunt im Tarnfarben-Design übermalt mit einer nicht deckungsgleichen, vielfältigen Planskizze aus Bäumen, Sportplätzen, Häusern, Seen, Bauernhöfen und mehr. Dystopie oder Utopie? Weder noch. Sie ist ja kein düsterer Entwurf einer immer schlimmeren Zukunft. Aber eben auch keine Utopie. Das ist mir zu ideologisch. Wenn man utopisch sein will, braucht man eine Ideologie. Man muss wissen, auf was die Utopie ausgerichtet sein muss. Mein Vorschlag ist ja fast das Gegenteil. Aber nicht Dystopie als Gegenteil. Sondern eher: fröhlich Unklarheiten und Probleme schaffen, die dann mit Schönheit ausgestopft werden können. „New Landscapes Show Up In The ­Unlikeliest Places“, lautet der Unter­titel Ihrer Installation. Ist sie auch eine Art Empowerment, über die Möglichkeiten von Stadtplanung neu nachzudenken? Absolut. Sie soll einem die Möglichkeit geben, über den eigenen Grubenrand...

Was macht das Theater, Tobias Rehberger?

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Ein erst 2015 wiederentdeckter russischer Roman aus der Zeit vor hundert Jahren, für dessen Bühnenumsetzung Sebastian Baumgarten ans Dresdner Staatsschauspiel kommt, bei der Spielfassung unterstützt vom Chefdramaturgen und Osteuropa-Kenner Jörg Bochow; dazu eine angekündigte, nicht angedrohte Aufführungsdauer von vier Stunden – das alles weckte Erwartungen an einen großen Theaterabend. Doch schon vor der Pause häufen sich die Blicke auf die Armbanduhr. Und nach den abgesessenen Stunden geht man achselzuckend zur Garderobe und fragt wie einst im Zeichen von Hammer und Sichel: „Was lernt uns das, Genossen?“ Anfangs eine ganze Menge. Die erste Stunde möchte man nochmals ansehen. Der 1928 im französischen Exil erschienene ­Roman mit dem Moskauer Straßennamen ­Siwzew Wrashek im Titel stammt von dem 1922 aus Russland zwangsausgesiedelten Schriftsteller Michail Ossorgin. Familie und Freunde eines an dieser Straße wohnenden Ornithologieprofessors durchleben die Umbrüche der Jahre 1914 bis 1920. Das erste Bild steigt in die traditionelle Moskauer ­Salonkultur ein. Vor der schwarzen Leder­bespannung der Wände kommt aber bestenfalls schwarzer ­Humor auf, sosehr sich der Pianist Lwowitsch auch müht. Musiker Thomas Mahn, der diese Romanfigur verkörpert, hat den gesamten Abend an den Tasten zu tun und ist auch verbal als Mitspieler gefragt. In dieser Exposition bedient Baumgarten sich der Stummfilmästhetik. Einer...

Staatsschauspiel Dresden: „Eine Straße in Moskau“ (UA) nach dem Roman von M. Ossorgin, in einer Fassung von J. Bochow und S. Baumgarten. Regie Sebastian Baumgarten, Ausstattung Christina Schmitt

Dresden: Missglückter Versuch eines Theatrum Mundi

Am Anfang war sie schon etwas beleidigt. Ich als Groß­mutter? Und dann auch noch mit viel weniger Text als die anderen! Den Beginn der freudig erwarteten Zusammenarbeit mit ­Dimiter Gotscheff hatte sie sich schon etwas anders vorgestellt. Großmutterrollen mit gerade einmal Mitte vierzig, eine Unverschämtheit! Das war 2011 bei Probenbeginn zu Peter Handkes „Immer noch Sturm“ am Thalia Theater in Hamburg. Und nun soll es tatsächlich die letzte Vorstellung sein, nach acht Jahren, ein ausverkauftes Gastspiel an der Berliner Volksbühne. Wir treffen uns in einem der neu eröffneten Cafés am Rosa-Luxemburg-Platz, wo die Tasse Kakao fast vier Euro kostet. Preislich gesehen ist das schon der halbe Weg zum Markusplatz in Venedig. Der Berliner Osten ist inzwischen eine teuer feilgebotene Hülle. Gabriela Maria Schmeide hat nicht viel Zeit. Der Großvater zur Großmutter musste für das Berliner Abschiedsgastspiel kurzfristig umbesetzt werden. Andreas Leupold hat die Rolle übernommen, bis eben haben sie geprobt. In einer Stunde muss sie schon wieder in der Maske sein für die Abendvorstellung. Aber an Großmüttern, wie sie eine ist, prallt so was ab. Mit der Zeit hat sie die Rolle lieben gelernt. Was gibt es Schöneres, als die Urmutter einer Familiensaga zu sein, deren Weisheit wohldosiert in geradezu...

Die Schauspielerin Gabriela Maria Schmeide zeigt auf eine unnachahmliche Weise Figuren, die ihr Schicksal annehmen, ohne zu resignieren – ein Porträt

Die Stärke der Schwachen

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Guilt-Trip durchs Vogtland

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Selten hat ein Kunstwerk so wirkmächtig den öffentlichen Raum verändert. 2005 hatte es für fünf Monate die Skyline Berlins neu definiert. Die Rede ist von dem drei Stockwerke hohen Schriftzug ZWEIFEL – bestehend aus einer zehn Tonnen schweren Aluminiumkonstruktion, 900 Meter handgefertigten Neonröhren, gespeist von 99 Transformatoren –, den der norwegische Künstler Lars Ø Ramberg auf den ehemaligen Palast der Republik hatte montieren lassen, auf das Aushängeschild eines Staates, der nicht mehr existierte. Das Gebäude befand sich zu diesem Zeitpunkt bereits im Rückbau – eine Sprengung war wegen Asbests nicht möglich. Es sollte Platz schaffen für die Rekonstruktion des im Zweiten Weltkrieg zerstörten Berliner Stadtschlosses. Symbolträchtiger hätte sich der Kampf um die Erinnerung, die Deutungshoheit der Geschichte und mit ihr um die Identität Deutschlands nicht zeigen können. Ramberg erkannte diese Symbolkraft, nachdem er, 1998 einer Einladung als Artist in Residence ans Künstlerhaus Bethanien folgend, seinen Wohnsitz von Oslo nach Berlin verlegt hatte. Die erregten Debatten über den Umgang mit der jüngsten ­Geschichte, denen Ramberg auf seinen Streifzügen durch Berlin begegnete, die Diskussionen über Straßenumbenennungen, die Plädoyers für oder gegen die Beseitigung von Monumenten einer erloschenen Macht, elektrisierten ihn. Ihm wurde allmählich bewusst, dass die Streitigkeiten um den Umgang mit dem...

Der Künstler Lars Ø Ramberg stellt mit seinen installativen Werken Gewissheiten infrage – und öffnet so neue Denkräume

Im Zweifel für den Zweifel

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Ein guter Intendant muss unerschrocken sein – oder zumindest so wirken. Weder vor lokalen Politikern, Regisseuren oder Schauspielern noch vor dem Publikum darf er Angst zeigen (darin einem Dompteur ähnlich). Ich vermute, Joachim Kümmritz hatte tatsächlich nie Angst vor irgendwem im eigenen Theater. Ohne Angst sein, das ist ein anderer Ausdruck für jene Freiheit, an der alle anderen teilhaben dürfen. Gewiss liegt es an seinem besonderen Naturell als Berliner mit Wahl­heimat Mecklenburg und als gelernter Ökonom und Verwaltungsfachmann. Als solcher ist man nicht anfällig für Profilneurosen und auch erst einmal keine Konkurrenz für an Profilneurosen Leidende, von denen es an jedem Theater bekanntlich nicht wenige gibt. Das wurde zur Basis von nunmehr über vierzig ­Jahren ununterbrochener Tätigkeit am Theater, seit 1990 als ­Intendant – bis 2016 am Mecklenburgischen Staatstheater ­Schwerin, seit 2014 am Theater und Orchester Neubrandenburg/Neustrelitz und seit 2016 zusätzlich am Volkstheater Rostock. Das Geheimnis dieser langen Leitungsdauer ist wohl, dass er ein sicheres Gespür dafür entwickelte, wo er sich zeigen und wo er sich besser verbergen sollte. Offensive bedarf der Defensive, um erfolgreich zu sein, so lehrt das Beispiel Kümmritz. Sein Credo im Umgang mit Provinzgrößen erklärte er mir einmal in allgemeinverständlichen Worten wie folgt: „Als Erstes wollte...

Joachim Kümmritz rettete einst das Staatstheater in Schwerin – nun enden seine Intendanzen in Neubrandenburg/Neustrelitz und Rostock

Bauen und Spielen

Explodierendes Dokumentartheater

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Ein junger Mann glaubt, im Gefängnis, in das er wegen angeblicher Absichten für eine Flucht aus der DDR gesteckt wurde, seine Seele verloren zu haben. Ganz nach der Lehre des Lukrez wird diese als verflüchtigte Atome vorgestellt, die möglicherweise im Wald wiederzufinden sind, einem Ort der Geborgenheit für diesen Geschlagenen. Diese Geschichte stammt von einem engen Freund der Autorin, der, als er im Sterben liegt, beginnt, ihr von diesen Gedanken und Erfahrungen zu erzählen. Susann Maria Hempel, geboren 1983 im thüringischen Greiz, hat daraus ein so beeindruckendes wie beklemmendes Monolog-Hörspiel gemacht: „Auf der Suche nach den verlorenen Seelen­atomen“, für das sie am 7. Mai in Köln den Hörspielpreis der Kriegsblinden 2019 erhielt. Hempel, die auch schon mit experimentellen Kurzfilmen hervorgetreten ist, hat bei ihrem Hörspieldebüt (Produktion rbb Kultur mit Unterstützung der Akademie der Künste) praktisch alles selbst gemacht. Die intime Erzählung wird von ihr selbst gesprochen in dem ihrer Heimat eigentümlichen ostthüringischen Dialekt. Hinzu kommt ihre für ein synthesizerartiges Subharchord komponierte Musik voll weicher Disharmonien. Das für die Hörspielkunst überraschende Moment liegt darin, wie Hempel mit geschickten Modi des Dialogischen mehrere Figuren zum Sprechen bringt. Inhaltlich verschafft sich mit dieser Darstellung einer unbewältigten Unrechtserfahrung eines Häftlings ein Stück verges­sene DDR-Vergangenheit...

Der Hörspielpreis der Kriegsblinden geht an Susann Maria Hempel

Die Seele im Wald

Ich freue mich. Wir freuen uns. Über den Martin Linzer Thea­terpreis. Über unsere Arbeit freuen wir uns. Wir freuen uns am Privileg. Über eine Aufgabe. Über eine Aufgabe, die so schön ungenau gestellt ist. Wir freuen uns darüber, dass wir glauben sollen, scheitern zu dürfen. Und über unser Programm freuen wir uns. Wir freuen uns, dass das Programm am Staatstheater Braun­schweig funktioniert und von Theater der Zeit bepreist wird. Und über unser Ensemble. Wir freuen uns darüber, dass wir eines haben, und darüber, dass wir ganz genau dieses haben. Dass diese fabelhaften schauspielenden Menschen unsere Besetzungsfantasien beanspruchen, unterlaufen und dehnen. Wir freuen uns an uns. Und wir freuen uns, dass wir die meisten Fehler nicht zu oft machen. Wir erfreuen uns daran, dass unser Publikum wandelt. Wir freuen uns, dass unser Publikum sich wandelt. Wir freuen uns, dass es noch da ist. Und dass es wiederkommt. Wir freuen uns, dass es unbestechlich hinsieht. Und dass es manchmal doch sehr berechenbar ist. Wir freuen uns, dass unser Publikum immer öfter „wir“ sagt, und „unser“. Wir freuen uns an unseren dramaturgischen programmatischen Schnittmengen, an gemeinsamen No-Gos. Dass wir über manche theatrale Erscheinungsformen erst gar nicht reden müssen. Und wir freuen uns an...

Über die schwere Leichtigkeit des Theaters und all die Gründe zur Freude und zum Ärger, die es am Staatstheater Braunschweig gibt

Die ungenaue Aufgabe

Einmal gestand ich ihm, dass es nur eine Sache gibt, die ich für größer halte als die Literatur, ich sagte: Ich wäre gerne Komponist. Bei mir ist es umgekehrt, gab Detlev zur Antwort, ich wäre gerne Schriftsteller. Letztens, als ich in der Deutschen Oper in Berlin die Uraufführung von „Oceane“ sah, der schon elften Oper von Detlev Glanert, kurz, Oceane Eleven, fiel mir dieses Gespräch wieder ein, und zwar in dem Moment, als gegen Ende das Orchester zu toben anfing, mit Windmaschine und allem, es tobte, weil der hassgeile Pastor seine Leidenschaften nicht zügeln konnte, weil er die schöne unnahbare Meerfrau ebenso hasste, wie er sie begehrte, also geil fand. Die ganze preußische Gesellschaft wurde von dieser ungebundenen, wild, aber wie privat tanzenden Oceane in Verwirrung gestürzt, sodass ihr, um sich vor der Fremden zu retten, nichts anderes übrig blieb, als sie zu verstoßen, weg mit ihr und der Ahnung, dass es jenseits der Etikette etwas unkalkulierbar Lebendiges gab, das sich nicht mal, was bei Frauen sonst immer klappt, von den glühendsten Liebesschwüren einfangen ließ. Das tobende Orchester im Ohr, dachte ich an den Kopf des Komponisten, der dieses Toben ja ganz für sich gehört haben musste, ehe er es...

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