Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Als im Jahr 1993 die Vampire über dem Ruhrgebiet kreisten, war der Aderlass bereits im Gange: Die Kohlekrise traf die Region am westlichen Rande Deutschlands hart. Zechen wurden geschlossen, die verbleibenden Betriebe mittels Subventionen von Bund und Land gestützt. 2018 soll nun endgültig Schluss sein mit der Kohle. Mit dem Bergwerk Prosper-Haniel in Bottrop wird im Ruhrgebiet die letzte Steinkohlenzeche schließen. Was folgt, ist die Kunst, neben Projekten aus Kultur,...

Editorial

Der alte Friedrich Zawrel hat große „Ohrwaschln“ und ein noch größeres Herz. Ganz anders Herr Berni, dem die Missgunst aus allen grotesk vergrößerten Poren zu kriechen scheint. Oder die schöne Adine, die sich an ihren wie gemeißelt wirkenden Zügen und glitzernden Augen selbst nicht sattsehen kann. Und doch haben die drei zwei Dinge gemein: Sie sind Aufmerksamkeitsmagnete par excellence – und Geschöpfe von Nikolaus Habjan. Habjan ist vor gerade einmal dreißig Jahren in Graz geboren und als Puppenbauer, -spieler und zunehmend auch als Regisseur längst eine zentrale Figur im deutschsprachigen Theater. In Graz und Wien, wo er lebt, scheint er allgegenwärtig. Festivals wie etwa die euroscene Leipzig widmeten ihm bereits Werkschauen. Und selbst Elfriede Jelinek schickt ihn inzwischen mit ihrem Puppendouble vor, wenn sie große Preise gewinnt. Im März hat Habjan im Schauspielhaus Graz ein Stück über den 1982 gestorbenen Dirigenten und Hitler-Günstling Karl Böhm inszeniert, das ihm der Autor Paulus Hochgatterer auf den Leib geschrieben hat. Auf der Bühne nur der Regisseur selbst in insgesamt fünfzehn Rollen – mit elf seiner Puppen. Diese Extremleistung von einem, der ständig neue Herausforderungen sucht, wurde von allen Medien gefeiert. Bei „Böhm“, sagt Habjan, nachdem er Tage nach der Premiere „wieder lebensfähig“ ist,...

Ein Mann, elf Puppen, fünfzehn Rollen – Nikolaus Habjan ist ein so charmanter wie begnadeter Gesamtkunstwerker

Der Puppenmagier

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Vorbei ist’s mit der Romantik. Don’t cry – work. Wo gerade noch Caspar David Friedrichs „Der Wanderer über dem Nebelmeer“ prangte, als Projektion auf einer meterhohen Wand, wütet nun Annika Meier, befestigt an zwei Stahlseilen und in die Höhe gezogen, zunächst den Titel des ersten Teils von Rainald Goetz’ „Krieg“ blutrot auf den weißen Grund pinselnd – „Heiliger Krieg“ –, bevor sie mit einem Vorschlaghammer und dem entsprechenden heiligen Ernst an die Zertrümmerung des Bühnenbildes geht. Für Regie und Bühne zeichnet Robert Borgmann verantwortlich, der im Berliner Ensemble den Goetz’schen Text als viereinhalb Stunden dauernde Sprachstudie auf die Bühne bringt. Das ist sperrig und teils auch zäh, aber doch von einer faszinierenden Konsequenz und großen Qualität. Was zunächst auffällt, ist die starke Zeitgebundenheit der Textvorlage. Mehr Achtziger geht nicht. Wenn Goetz mit der Romantik aufräumt, bezieht sich das auf den Betroffenheits- und Authentizitätskult dieser Zeit, auf eine politische Linke, die sich nach der RAF und der bleiernen Zeit der Repression des Staates um Nestwärme, Heimeligkeit, Liederabende und Selbstgestricktes versammelte, die in jeder ihrer Äußerungen die Armseligkeit der Zivilisationsmüdigkeit verkörperte. Gegen diese Verschwarzwaldung der Politik setzte Goetz eine Radikalität, die mit Härte und Kälte kokettierte, die vor der Eiswüste der Abstraktion...

Berliner Ensemble: „Krieg“ von Rainald Goetz. Regie und Bühne Robert Borgmann, Kostüme Bettina Werner

Berlin: Schwarze Romantik

1968, das Jahr des Schreckens für den, der im Osten lebte. Ich lebte im Osten. Ich war 19. Es war nicht Mai ‘68 wie im Westen – Beginn und Aufbruch –, es war der 21. August 1968, Beginn des letzten Kapitels der „jahrelang anhaltenden Bartholomäusnacht ohne Ende“, das Ende der großen Illusionen, denen so viele erlegen waren und deren letzte der Prager Frühling war. Er begann schon 1963 mit der Kafka-Konferenz. Ich war 14 Jahre alt und hatte noch nicht Kafka gelesen, aber verstanden, dass es eine Literatur gab, derentwegen ganze Konferenzen abgehalten werden mussten, weil es offensichtlich einen Widerspruch gab zwischen der Bedeutung dieses Werkes und dem verordneten sozialistischen Realismus mit seinem immer positiven sozialistischen Menschenbild, das in dieser Literatur eben nicht vorkam. Es begann also mit Kafka und endete mit dem Einmarsch der Ostblock-Armeen in Prag, „um den gesunden Kräften in der Tschechoslowakei militärische Hilfe zu leisten“. So stand es im Neuen Deutschland. Kafka war ungesund, und im Felde der Kultur wuchs in diesen sechziger Jahren so vieles, das „ungesund“ und „unsauber“ war, und deshalb mussten Säuberungen stattfinden, wie das 11. Plenum des ZK der SED, ein Kulturplenum, auch das „Kahlschlagplenum“ genannt, da wurde die Kultur von...

Über das Jahr 1968 im Osten

Zwölf Studenten

Volker Gerling, Sie haben eine ganz eigene Form von Theater entwickelt: Daumenkino und Bilderfolgen unter Minikamera als kleine Erzählungen. Wie ist das entstanden? An der Filmhochschule Babelsberg stellte ich fest, dass meine Liebe nicht dem großen Film für Leinwand oder Bildschirm gilt – wie ich immer angenommen hatte –, sondern einer kleinen Sonderform des Films, die apparatefrei funktioniert und in jede Westentasche passt: dem fotografischen Daumenkino. In diesem beschäftige ich mich hauptsächlich mit dokumentarischen Porträts von Menschen. Die 36 Bilder, aus denen meine Daumenkinofilme bestehen und die im Kino in 1,5 Sekunden an uns vorbeiziehen würden, entfalten im Daumenkino durch ihre Wiederholbarkeit und die vom Zuschauer zu ergänzenden Leerstellen zwischen den Bildern ihre Kraft und Poesie. Welche Kamera wird für den apparatefreien Film verwendet? Mit meiner motorisierten, analogen Spiegelreflexkamera belichte ich innerhalb von zwölf Sekunden einen kompletten Kleinbildfilm. Das beständige Rattern der Kamera zwingt die Menschen, die ich fotografiere, ihre Posen aufzugeben, die sie bewusst oder unbewusst einnehmen, wenn ich meine Kamera auf sie richte. Ihre Gesten und Emotionen entstehen so aus dem Augenblick und zeigen eine unmittelbare Schönheit des Wahren und Wesentlichen. Diese Momente sind der Kern meiner Arbeit. Das Daumenkino wurde bereits 1868 patentiert. Es ist aber offensichtlich...

Was macht das Theater, Volker Gerling?

Ungefähr so muss es damals gerochen haben, nach Randale, Rauch und Revolution. Über die Augsburger brechtbühne ziehen Schwaden. Kein Wunder, zünden sich die fünf Schauspielerinnen und Schauspieler doch eine Zigarette an der nächsten an, bis das Publikum mit Hustenreiz kämpft. Das Ensemble (Sebastian Baumgart, Marlene Hoffmann, Roman Pertl, Patrick Rupar und Katharina Rehn) trägt schwarze Hemden und Hosen und weiße Turnschuhe dazu: Uniformierte, wie es sie zu allen Zeiten gibt, damals, heute und morgen. Sie sitzen um einen Tisch herum, und da es um das Jahr 1968 geht, kann von einem Sit-in gesprochen werden. Der Tisch ist ein Theaterpodest, aus dem unsere Fantasie ohne Probleme eine Bananenkiste macht (Ausstattung Raissa Kankelfitz). Gemeinsam skandieren die fünf auf der Bühne dann vorläufige Vorschläge für eine Kulturrevolution: „Alle vorhandenen Begriffe sind überholt und zu überdenken“, heißt es da etwa unter Punkt sechs, bevor alles in der naiv tönenden Forderung „Alle Macht der Fantasie“ gipfelt. Mehrmals an diesem Abend rufen sie das im Chor. Forderungen von damals, die sich locker ins Heute wenden lassen. Aus unzähligen Texten, Reden und Zeitungsartikeln der damaligen Zeit kondensiert Regisseur Peer Ripberger seinen Text. Dazu sortiert er den gehobenen Zitatenschatz thematisch und setzt ihn neu zusammen. Dabei berücksichtigt er...

„1968: Geschichte kann man schon machen, aber so wie jetzt ist’s halt scheiße“ von Peer Ripberger am Theater Augsburg

Rauch und Randale? Theaterabende über 1968

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Streng wie Kati Witt

Mai 2018

Premieren

„Antigone“ in Leichter Sprache

Puppen

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

TdZ on Tour

Autoren Mai 2018 / Vorschau

Im Puppentheater tut sich etwas. In der heraufziehenden Ära sprechender Kühlschränke, den physischen Raum überschreibender Datenbrillen und Allwissenheit suggerierender digitaler Assistenten erweitert sich der Möglichkeitsraum für Puppenspieler und Objektanimierer enorm. Eine Reaktion darauf war bereits 2012 die Einrichtung des Lehrstuhls für Digitale Medien im Puppenspiel an der Berliner Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“. Ab Herbst gibt es sogar einen Masterstudiengang für digitales Puppenspiel mit dem Titel Spiel und Objekt. Exzellente...

An der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ in Berlin gibt es einen neuen Masterstudiengang für digitales Puppenspiel

Die Welt der kommunizierenden Objekte

„Kunst gegen Kohle“ – so lautete das Motto der ersten Ausgabe der Ruhrfestspiele Recklinghausen. Im kalten Nachkriegswinter 1946/47 waren Theatermacher aus Hamburg ins Ruhrgebiet gefahren, um Kohle für die Beheizung ihrer Theater aufzutreiben. Bei den Bergarbeitern der Zeche König Ludwig 4/5 in Recklinghausen fanden sie Hilfe. Mehrere Lkw-Ladungen Kohle wurden an den Besatzungsmächten vorbei Richtung Hamburg transportiert. Als Dank schickten im Sommer 1947 die Hamburgische Staatsoper, das Thalia Theater und das Deutsche Schauspielhaus Inszenierungen nach Recklinghausen. Die Ruhrfestspiele waren geboren. Seit 2004 ist Frank Hoffmann Intendant des ältesten Theaterfestivals Europas. Im Gespräch berichtet er, wie die Kohle das Festival nachhaltig prägte und warum Kunst genauso sportlich sein kann wie Fußball. Frank Hoffmann, Horst Seehofer gründet gerade ein Heimatministerium, Sie stellen Ihre letzte Spielzeit unter das Motto „Heimat“. Sehen Sie da einen Zusammenhang? Ich gehe davon aus, dass Horst Seehofer sich von uns hat inspirieren lassen! Der Begriff Heimat beschreibt eine komplexe Realität. Es ist etwas, das im Prozess ist, etwas, das man sich erarbeiten muss, nichts selbstverständlich Gegebenes. André Gide hat einmal zu seinem Schriftstellerkollegen Maurice Barrès gesagt: Wo soll ich Wurzeln schlagen, wenn mein Vater aus Südfrankreich und meine Mutter aus der Normandie stammt. Das heißt, es handelt sich...

Seit 14 Jahren leitet Frank Hoffmann mit großem Erfolg die Ruhrfestspiele Recklinghausen – Mit dem Ende des Steinkohlebergbaus in der Region geht nun auch seine Intendanz zu Ende. Ein Gespräch

Und da sitzen diese Arbeiter tatsächlich

Der Materialergründer

Öffnet die Fenster und Türen, denn ich habe gute Nachrichten. Ich komme gerade aus dem Marjan Grill in Berlin-Moabit und kann sagen: Die Männer sind noch da. Es geht ihnen gut. Man findet sie an großen Tischen in der genannten Restauration. Sie sind ganz natürlich und scheinen sich wohlzufühlen. Sie agieren in großen Gruppen, und ihre Wünsche werden zügig und mit vollendeter Expertise erfüllt. Auch tragen sie der Saison entsprechende Kleidung. Wenn weitere Männer hinzukommen, springen die bereits anwesenden auf und hauen sich brüllend gegenseitig zwischen die Schulterblätter. Das machen sie so lange, bis ein jeder jedem zwischen die Schulterblätter gehauen hat. Es ist ein kräftiges und lebensfrohes Ritual, ein Schaustück herzlicher Vitalität, das sich einige Male wiederholt. Die Männer sind an den Tischen nach Generationen geordnet. Von Zeit zu Zeit stehen einige wie orchestriert auf, durchqueren die mit dekorativen Holzpferchen gegliederte Gastwirtschaft und sammeln sich vor der Tür, um zu rauchen. Auch dies tun sie mit einer gewissen Entschiedenheit, die Tür bewältigen sie anstandslos. Alles ist in bester Ordnung. Man kann sich wirklich beruhigen, es geht ihnen gut. Sie kommen auch wieder zurück und bringen einen Hauch kühler, rauchiger Abendluft mit in den Gastraum. Lange studieren sie die Speisekarte,...

Reisebüro Rinck: Es geht ihnen gut!

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Chris Dercon hat aufgegeben. Eine gute Entscheidung? Eine notwendige. Hier wurde etwas beendet, das nie hätte beginnen dürfen. Nicht jeder kann Theater machen oder eines leiten, das ist nun schlüssig bewiesen. Nach kürzester Zeit steht ein Haus, das mit einer großen Bühne, eigenen Gewerken und einer spezifischen Geschichte beste Voraussetzungen bietet, vor dem Ruin: finanziell, ästhetisch ohnehin. In dem Vorgang, den man nicht anders als Angriff mit Zerstörungsabsicht auf die...

Über das Ende der Intendanz von Chris Dercon an der Volksbühne Berlin

Burn, Berlin, Burn!

In den Durchgängen und Zwischenräumen hausen die Ungeheuer. „Die Arbeit über die Passagen setzt ein immer rätselhafteres, eindringlicheres Gesicht auf und heult nach Art einer kleinen Bestie in meine Nächte, wenn ich sie tagsüber nicht an den entlegensten Quellen getränkt habe“, notierte Walter Benjamin 1928, über seinem „Passagen-Werk“ brütend. „Weiß Gott, was sie anrichtet, wenn ich sie eines Tages frei lasse.“ Benjamin und Dostojewski teilen die Vermutung, dass in den Passagen als Hort der kapitalistischen Blüte des 19. Jahrhunderts ein Ungetüm lauert, dem es auf die Spur zu kommen gilt. Der Regisseur Christian Franke versucht sich in seiner zweiten Inszenierung am Theaterhaus Jena an einer Aktualisierung von Dostojewskis Text über die Abgründe des Fortschritts. Die wenig bekannte und unvollendet gebliebene satirische Erzählung „Das Krokodil“ kann als Kritik der Modernisierungsmaßnahmen der frühen 1860er Jahre unter Zar Alexander II. gelesen werden, die dem Zarenreich die goldenen Früchte der westlichen Industrialisierung bescheren sollten. Der Mittelpunkt der Handlung ist der Beamte Iwan, welcher kurz vor einer Erkundungsreise nach Europa steht. Mit seiner Frau Jelena und dem gemeinsamen Freund Semjon Semjonowitsch steht zuvor noch ein Besuch bei einer Tierschau in der Passage am Newski-Prospekt an, um ein Krokodil zu bestaunen. Kurzerhand wird Iwan vom Ungetüm...

Theaterhaus Jena: „Dostojewskis Krokodil“ nach der Erzählung von Fjodor M. Dostojewski. Regie Christian Franke, Bühne Sabine Mäder, Kostüme Rahwa Oreyon

Jena: Verschlungen vom Krokokapitalismus

Es beginnt als luftig-leichtes Spiel der Sommerlüfte. Vor einem fliedervioletten Landschaftsprospekt sitzen die beiden Leonores auf Gartenstühlen. Die eine schlüpft aus ihrer schwarzen Seidenstrumpfhose, um die schlanken Füße in einem Blechkübel mit kaltem Wasser zu kühlen, während ihre sonnenbebrillte Freundin lediglich die Zehen eintaucht. Man fächelt sich Luft zu und plaudert über Tasso, diesen „wunderbaren“ Dichter, der adelt, „was uns gemein erschien“. Dann schaut auf einen Sprung Alfons II. vorbei, der Herzog von Ferrara höchstselbst (Sebastian Gerasch im Hipsterlook mit entsprechendem Bart und Hut), um zu verkünden, dass bei aller sommerlichen Leichtigkeit nun auch mal wieder Regierungsgeschäfte ins Haus stehen: Staatssekretär Antonio hat seine Rückkehr aus Rom angekündigt. Vor dessen Ankunft gilt es aber noch, Tasso zu bekränzen, der eben sein jüngstes Epos in die Schreibmaschine gehämmert hat. Des Titelhelden Dichterklause ist in Landshut in der ersten Etage eines Baugerüstes eingerichtet. Halb Baumhausrefugium, in das sich Tasso wie ein bockiger Bub verkrümelt, wenn er sich wieder einmal nicht verstanden fühlt; ein Wolkenkuckucksheim, in dem er der Welt entrückt, seiner schöpferischen Arbeit nachgeht und dem Publikum dabei buchstäblich den Rücken zukehrt. Und halb Zelle, in der Tasso später seinen Arrest absitzen wird, nachdem er (von Antonio provoziert) ausfällig geworden ist. Goethes...

Kleines Theater – Kammerspiele Landshut: „Torquato Tasso“ von Johann Wolfgang von Goethe. Regie Sven Grunert, Bühne Sascha Gross, Kostüme Sascha Gross und Luci Hofmüller

Landshut: Des Dichters Wolkenkuckucksheim

Kompositionsprinzip Collage

Wie viele der Publikationen des Soziologen Heinz Bude handelt auch seine neueste – „Adorno für Ruinenkinder. Eine Geschichte von 1968“ – davon, wie verschiedene Generationen an einem historischen Punkt zusammenkommen. Da sind die fünf interviewten Akteure von ’68, geboren zwischen 1938 und 1940, die ihre Kindheit in Kriegsruinen verbrachten. Und dann gibt es den Autor selbst, Jahrgang 1954, der schon in den Achtzigern aus einer eher distanzierten Haltung das Gespräch mit den Altaktivisten für sein 1995 veröffentlichtes Buch „Das Altern einer Generation. Die Jahrgänge 1938–1948“ suchte. Ein Tableau, das Bude nun 2018 zum Jubiläum von ’68 reinszeniert, darum kreisend, welche „Erlebnisschichtung von einer Kindheit im und kurz nach dem Krieg“ zur „Rebellion gegen das Ganze“ und letztlich zur „Adaption ans Unveränderbare“ führten. Es stellt sich also auch die Frage danach, was von der großen Revolte heute geblieben ist. Unter den Interviewten befinden sich bekannte Namen wie der Drehbuchautor Peter Märthesheimer, der mit Rainer Werner Fassbinder arbeitete, und der Gründer des Merve Verlags, Peter Gente. Andere lässt Bude unter Pseudonym sprechen, so eine Adelheid Guttmann und einen Klaus Bregenz, bei denen es sich vermutlich um die feministische Radioikone Gesine Strempel und den marxistischen Ökonomen Helmut Reichelt handelt. Alle teilen sie eine...

Heinz Bude: Adorno für Ruinenkinder. Eine Geschichte von 1968. Carl Hanser Verlag, München 2018, 128 S., 17,00 EUR.

Heiße Revolution, coole Revolte

Phänomenal, genial, radikal – so könnte man die von Charles Gounods Oper „Faust (Margarete)“ ausgehende Cross-over-Inszenierung der Erlösungsgeschichte des um Liebe und Wissen ringenden Wissenschaftlers am Theater und Orchester Heidelberg beschreiben. Angereichert mit Texten etwa von Schopenhauer und Schiller sowie insbesondere Elfriede Jelineks galligem Sekundärdrama „FaustIn and out“, erweist sich die Aufführung als spartenübergreifender Denkraum, der vor allem ein Thema des Stoffs herausarbeitet, jenes der Geschlechterrollen. Zu Beginn sehen wir eine junge Frau auf einer untergitterten Bühne, die, wie sich herausstellt, die Tochter und zugleich das Opfer des bekannten Sexualtäters Josef Fritzl darstellt (Magdalena Neuhaus). Während sie die so sprachgewaltigen wie scharfzüngigen Jelinek-Suaden über eine misogyne Gesellschaft vorträgt, wird diese triste Wirklichkeit immer wieder durch die bewusst romantisiert dargebotenen Episoden aus der Oper (musikalische Leitung Elias Grandy) gebrochen. Daher strotzt diese kurzweilige Realisierung nur so vor Ironie. Unter vielen Anspielungen aus der Popkultur – von „Germany’s Next Topmodel“ über „Der Bachelor“ bis hin zu „Terminator“ –, die allesamt das bereits im Faust-Stoff gezeigte Patriarchat weiterthematisieren, findet sich auch eine hinreißend komische Szene aus „Die Schöne und das Biest“. Unversehens wird die Bühne umgebaut, und die Statisterie erscheint als Gabeln und Messer. Hinzu kommen die in Disney-Kostümen auftretende Belle und ihr...

Theater Heidelberg: „Faust (Margarete)“ von Charles Gounod mit Texten aus Elfriede Jelineks „FaustIn and out“; „Faust“ mit Motiven aus „Faust II“ von Johann Wolfgang von Goethe

Heidelberg: Tödliche Liebe

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Meldungen

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

Auch richtig schreiben – André Kaczmarczyk mit ceezett cee-zett, 32 Jahre alt, Schauspieler, aufgewachsen in Eisenach, tätig am Düsseldorfer Schauspielhaus, und wie! Kaum ein Abend, an dem er nicht auf der Bühne steht, als Camus’ Caligula und Kästners Fabian, als Dostojewskis Fürst Myschkin und E. T. A. Hoffmanns Sandmann. Quasi immer die Titelrollen, als wäre er darauf abonniert. Eine Ausnahme bildet das in Düsseldorf erstaufgeführte David-Bowie-Musical „Lazarus“, doch nach der Premiere schwärmten die zahlreich angereisten Rezensenten nicht etwa vom Hauptdarsteller Hans Petter Melø Dahl, dessen Ähnlichkeit mit Bowie nicht zu übersehen war, sondern von der düsteren Nebenfigur des Valentine, gespielt und gesungen von – Kaczmarczyk. „Ich leide ja nicht, weil ich große Rollen spielen soll“, sagt der Schauspieler, gefragt, ob diese enorme Beanspruchung nicht irgendwann an die Substanz gehe. Er hat daneben schon erste Regieversuche unternommen, „Heart of Gold“, einen eigenen Liederabend, hat er verantwortet und bei Rainald Goetz’ „Jeff Koons“ Koregie geführt. Diese ungewöhnliche Aufführung findet in der Philara statt, einer privaten Kunstsammlung im Stadtteil Flingern, wo Kaczmarczyk auch wohnt. Ein ganz spezielles Publikum aus der Düsseldorfer Kunstszene findet den Weg in die Birkenstraße. André Kaczmarczyk, das kann man schon sagen, ist unverwechselbar, und doch erfindet er von Stück...

Der Schauspieler André Kaczmarczyk ist in kürzester Zeit zum umschwärmten Liebling des Düsseldorfer Publikums geworden

Here are we, one magical moment

„Work hard, play hard?“

Der genetische Code Amerikas

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Von wegen, Jedermann stirbt. Klar tut er das in Hugo von Hofmannsthals „Spiel vom Sterben des reichen Mannes“. Doch so unvermeidlich wie sein Tod ist seine alljährliche Wiederauferstehung – jedenfalls bei den Salzburger Festspielen. Jedermann darf dort nicht sterben. Schließlich ist er die heilige Cash-Kuh der Festspiele. Da scheint es auch niemanden groß zu stören, dass er inzwischen zombiehafte Züge hat. Im vergangenen Sommer steckte Michael Sturminger als erster Festspielregisseur überhaupt das „Jedermann“-Ensemble in zeitgenössische Kostüme – mit der Folge, dass es umso älter aus der modernen Wäsche schaute. An den altbackenen Text selbst wagt sich in Salzburg leider keiner. Warum eigentlich? Bei Hugo von Hofmannsthals Dauerbrenner handelt es sich um die Adaption eines spätmittelalterlichen Stoffs. Was läge da näher, als der mittlerweile in die Jahre gekommenen Neubearbeitung ein abermaliges Update zu verpassen? Diesen überfälligen Schritt hat nun das Wiener Burgtheater unternommen und damit den Grazer Dramatiker Ferdinand Schmalz beauftragt, der weiß, dass Jedermann nicht tot zu kriegen ist, und dessen Sterben deshalb wohlweislich eingeklammert hat: „jedermann (stirbt)“. Dank der Frischzellenkur, die Schmalz und sein kongenialer Uraufführungsregisseur Stefan Bachmann dem Titelhelden verpasst haben, wirkt er nun so lebendig wie schon lange nicht mehr. Allein die Bühne von Olaf Altmann ist...

Burgtheater: „jedermann (stirbt)“ (UA) von Ferdinand Schmalz. Regie Stefan Bachmann, Bühne Olaf Altmann, Kostüme Esther Geremus

Wien: Frischzellenkur für den Goldesel

Die öffentliche Storchzählung beginnt in dem Ort Zollbrücke im Oderbruch erst in diesem Jahrtausend. Sie verzeichnet kontinuierliche Zuwächse, wie auf einer Tafel in dem kleinen Ort im Schatten des Oderdeichs zu entnehmen ist. Noch vor den hier vermerkten Störchen kamen der Musiker Tobias Morgenstern und der Schauspieler Thomas Rühmann und gründeten das Theater am Rand. Es wurde berühmt, weil man hier Austritt statt Eintritt zahlt. „Hier merkt’s keiner“ – das war der Satz, der die Gründungsstimmung an der Oder vor zwanzig Jahren prägte, erinnert sich Almut Undisz, Frau der ersten Stunde und mittlerweile Geschäftsführerin des Theaters am Rand. „Gründung kann man das eigentlich gar nicht nennen. Es ist einfach passiert“, wirft Tobias Morgenstern ein, einer der beiden Gründer, nein: Geschehenlasser hier kurz vor dem Deich. Passiert ist dieses Theater, weil Morgenstern und Rühmann gemeinsam ein Stück entwickelt hatten. „Wort und Musik gleichberechtigt, beides miteinander und ineinander verflochten“, wie Morgenstern die Arbeitsweise beschreibt. Das Problem: Die Worte stammten aus einem Roman. Und die Rechte waren nicht zu bekommen. Gespielt haben die beiden trotzdem. In der Stube des Hauses des einstigen Zimmermanns von Zollbrücke, vor Freunden und Bekannten. In der bangen Hoffnung, hier merke es doch keiner. Unbemerkt ist das Theater trotz...

Das Theater am Rand im Oderbruch feiert sein zwanzigjähriges Bestehen – und kann auf eine einzigartige Entwicklung zurückblicken

Selbstbestimmung und Gefährdung

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Das war internationale Solidarität in Aktion ein Panzer ist eine Macht viele Panzer sind eine große Macht ist ein Freund in Not hält man die Faust nicht in der Tasche will man dem Freund helfen schlägt man zu und die Reaktion der Reaktion zeugt davon der Schlag hat gesessen es wollte einmal einer böhmische Knödel essen die Gabel lag schon bereit ein scharfes Messer war auch schon da aber die Arme sind zu kurz gewesen das Zugreifen wurde verhindert es war um es medizinisch auszudrücken die einzige mögliche Art prophylaktisch also vorbeugend zu wirken weitgehend erlahmt war die Kampfkraft der Kommunistischen Partei der Tschechoslowakei immer öfter konnte man Zeuge sein von der Geburt solch gesellschaftlicher Organisationen reaktionärer Schattierung wie die des „Klubs der engagierten Parteilosen“ des „Klub der Kritischdenkenden“ des „Klubs der tausend Unbeschwerten“ des „Klubs der 231“ usw. die sich alle dem „Manifest der 2000 Worte“ verpflichtet fühlten diesem „Manifest“ in dem unverhohlen aufgerufen wurde in allen Städten und Gemeinden sogenannte „Bürgerausschüsse“ zu bilden „Komitees zum Schutz der Meinungsfreiheit“ und das nur ein Ziel hatte die tschechoslowakische Arbeiterschaft zu spalten die Arbeitermilizen zu entwaffnen und die Macht an sich zu reißen bezeichnend für diese Verfechter einer sogenannten Erneuerung ist...

Die Sieger

Sie stricken. Auf allen Schreibtischen der Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter des Deutschen Forums für Figurentheater und Puppenspielkunst (dfp) liegen pinke Mützen. Die Pussy Hats waren ein Zeichen des Protests beim Women’s March in Washington im vergangenen Jahr – gegen die Politik Donald Trumps, für Frauen- und Menschenrechte. Geht es nach Annette Dabs, soll auch ganz Bochum zur Eröffnung der FIDENA pink werden. Für das diesjährige Jubiläum des Figurentheaterfestivals hat sie eine betont politische Ausgabe kuratiert. Stricken als Statement der selbstbewusst agierenden Frau – das passt zu Annette Dabs, die seit 1997 das dfp und das Festival Figurentheater der Nationen, kurz FIDENA, leitet. Der Feminismus beschäftigt sie schon seit vielen Jahren. Genau genommen seit dem Moment, als sie ihr Frausein als Problem wahrnehmen musste: Sie wollte als Regisseurin arbeiten, hatte aber keine Chance. „Weil ich zu jung war und weil ich zu sehr Frau war“, erinnert sie sich. Annette Dabs schließt mit 23 Jahren ihr Opernregiestudium an der Hamburger Hochschule für Musik und darstellende Kunst ab. In einer Zeit, in der Ruth Berghaus deutschlandweit die einzige Opernregisseurin war. Berghaus und Kirsten Harms, die dann später Opernintendantin wurde, bezeichnet Annette Dabs als ihre damaligen Vorbilder. Aber eine 23-jährige diplomierte Opernregisseurin – „die lässt...

Das Festival FIDENA in Bochum wird 60 – Unter der Intendantin Annette Dabs hat es sich zu einer Drehscheibe der internationalen Figurentheaterszene entwickelt

Die Kämpferin

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

In roter Schrift leuchtet „Discolicht“. Darunter, in der Blackbox, hält sich ein Arrangement altmodisch gekleideter Menschen bei den Händen. Und im „Fernsehstudio“ an der Rampe erzählt ein Mann vom Knochenfund eines Pilzsammlers. Es geht um Fiktionen, die die Medien und das Theater auf sehr unterschiedliche Weise produzieren – und um die 2001 verschwundene Peggy, die in der „Goldenen Lüge“ Daisy heißt. Daisy springt Seil, sagt, dass sie tot ist; Daisy klettert die Wände hoch und hinterlässt Kuchenstücke auf dem Kunstrasen wie Hänsel und Gretel Krümel. Wen lockt sie an? Wohin will sie zurück? Caitlin van der Maas’ jüngstes Stück ist – mal wieder – ein Vexierspiel vom Fragen. Ein Abend im optischen und akustischen Seltsamkeitsrausch, der sich widersprechende Zeichen wie Köder auslegt, zwischen denen von ihr selbst geschriebene oder gesammelte Sätze aufblitzen wie „Mein Gedächtnis hat keinen Aufbewahrungsort für Schmerz“. Eine Frau geht mit dickem Bauch über die Bühne und kommt ohne zurück. Und der „Nachrichtensprecher“ sagt dazu: „Vielleicht hat eine Frau ein Krokodil gegessen, vielleicht meine Frau acht Babyleichen in unserer Saunalandschaft versteckt. Glauben Sie mir! Ich lüge Sie an!“ Atmosphärisch passte es da durchaus, dass der erkältete Counter Stefan Görgner bei der Premiere im Münchner HochX nur den...

Die Regisseurin Caitlin van der Maas macht Musiktheater, das Gewissheiten auflöst und den Zuschauer als Mitdenkenden braucht

Das Landschaftsprinzip

Man kann darüber streiten, ob die soziale Marktwirtschaft in siebzig Jahren, unter abwechselnden Regentschaften von Christ- und Sozialdemokraten, an sozialen Errungenschaften gewonnen hat. Offensichtlich klafft die Schere zwischen Arm und Reich weiter denn je; in der Stadt Essen bildet sich die Situation geradezu sprichwörtlich topografisch ab. Im Süden, also in Werden und am Baldeneysee, residieren die Millionäre, im Norden hausen die Hartz-IV-Empfänger, beide Milieus trennt die Ruhrpottautobahn A 40. Das ist etwas zugespitzt gesagt, aber es bedarf solcher Vereinfachungen, um Methodik und Zielsetzung des Theatermachers Volker Lösch zu verstehen. Lösch geht seine Themen frontal an, er recherchiert, bündelt, und am Schluss des Abends stehen einige handfeste Thesen, mal im Chor vorgetragen, mal von Einzelnen. In diesem Fall werden die Zuschauer zur Schlussapotheose sogar auf den roten Teppich der Bühne im Grillo-Theater gebeten und sozusagen in Geiselhaft genommen: Wehe, man klatscht nicht! Durch das schmucke Theater zieht sich längs eine hohe Wand. Sie symbolisiert die A 40, von der es heißt, sie würde nur selten überquert; am ehesten von Putzfrauen – „oder Haushaltshilfen, wie es politisch korrekt heißt“ –, die aus dem Norden kommen und im Süden die Betten aufschütteln. Hat man als Zuschauer das Pech, auf die rechte Seite des...

Grillo-Theater: „Der Prinz, der Bettelknabe und das Kapital“ (UA) von Christine Lang und Volker Lösch. Regie Volker Lösch, Ausstattung Carola Reuther

Essen: Die Grenze zwischen oben und unten

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Bei Novalis heißt es: „Die Welt wird Traum, der Traum wird Welt.“ Darum ging es im Jahr 1968 – weltweit. Eine Vision begann Realität zu werden. Die neue Wirklichkeit sollte nach anderen Regeln funktionieren als die alte. Man trat entschlossen aus dem Schatten des Zweiten Weltkriegs heraus, der über den Korea-Krieg bis zur amerikanischen Aggression in Vietnam reichte. Die Gegenkultur erwachte in einer Jugend, die anders leben wollte als ihre Eltern. Ohne Lügen vor allem, aber auch mit mehr Lust am eigenen Leben – mitsamt freier Liebe, Kommune- und Dogenexperimenten, einer neuen Art von Kunst (die Performance wird geboren) und viel Rock ’n’ Roll. Alle 68er auf der Welt verbindet eines: die Ablehnung von Autoritäten, die sich jenseits aller Kritik glaubten. „Easy Rider“ von Dennis Hopper, der 1969 in die Kinos kommt, zeigt als Road Movie diese neue Freiheit und ihren Preis. Abschied von alten Werten: Ein Mann sucht Amerika, das er nirgends mehr finden konnte. Idee oder Illusion, das weiß in diesen sechziger Jahren, da sich Traum und Realität auf psychedelische Weise verbinden, noch niemand. Woodstock wird zum Symbol einer nach ihrer Identität suchenden Nachkriegsgeneration, für ihren Rhythmus, ihre Intensität. Es ist ein Rausch, einem LSD-Trip nicht unähnlich. Ewige...

Die sechziger Jahre als Zeit des Aufbruchs – und des Abbruchs

Der Traum vom Anderswerden

Lothar Trolle, fünfzig Jahre nach 1968: Was bleibt? Es bleiben Erinnerungen. Zum Beispiel an den Sommer von 1968. Ich studierte Philosophie an der Humboldt-Universität zu Berlin. Im dortigen Studentenkino lief eine Westernparodie: „Wer will Jessie umbringen?“. Man sah eine Kuh, die lag in der Hängematte und träumte von der Milka-Schokolade. Das war lustig, aber auch ein bisschen blöd. Am nächsten Tag, wir hatten den Film schon vergessen, kamen wir in die Uni – und es herrschte schlechte Stimmung. Eine FDJ-Versammlung wurde einberufen und dann diskutiert, wie man bei einem solchem Film nur lachen konnte. Die Diskussion über diesen Film zog sich über Monate hin. Das Kino wurde geschlossen. Es war eine aufgeheizte Atmosphäre. Näher als Prag war uns 1968 aber zunächst West-Berlin. Über Freunde und Bekannte bekam man einiges mit. Zum Beispiel Herbert Marcuses „Der eindimensionale Mensch“, das war eine neue Lesart des Marxismus, gegen die Parole, dass es im Osten keine Entfremdung mehr geben würde. Milovan Ðilas‘ „Die neue Klasse“ haben wir auch gelesen. Die Nachrichten aus dem Osten waren verschwommen und ungenau. Irgendetwas war los, das bekamen alle mit, aber die Nachrichtenlage war schlecht. Und im Neuen Deutschland gab es nur Nebulöses zu lesen. Im August 1968 war...

Der Dramatiker Lothar Trolle über ’68 und sein Stück „Die Sieger“ im Gespräch mit Jakob Hayner

Danach kam nur noch Schweigen

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Da treffen wir uns also wie immer donnerstags in Marl in der urigen Ruhrpottkneipe zum Künstlerstammtisch Good Vibrations. Unser Wirt, der Willi, hat da so einen Nebenraum, den er Umweltschützern, Friedensaktivisten und der Elterngruppe der Grundschule überlässt. Oder halt uns. Donnerstag ist Kunsttag, sagt Willi immer. Heute nicht! „Hört mal, Leute. Das tut mir jetzt leid, aber heute sind die Bergleute dazwischengekommen. Die Püttrologen“, nuschelt Willi entschuldigend. „Haben ’ne neue Ortsgruppe gegründet und machen jetzt hier regelmäßig ihren Stammtisch.“ In unserem Raum. An unserem Donnerstag. Dabei hat in Marl der letzte Pütt bereits Ende 2015 dichtgemacht. Wo kommen also auf einmal die Bergleute her? Willi schiebt uns weg von den alten, bärtigen Männern, die wie Touristen aussehen, die das Ruhrgebiet bereisen, aber nicht wie Bergmänner, die es gemacht haben. Mir wird schlagartig klar, wie omnipräsent der Bergbau ist, selbst wenn es ihn im Ruhrgebiet schon fast nur noch im Museum gibt. Er ist allgegenwärtig. Er ist so raumgreifend. Und nun auch noch unser Raum! „Willi!“ Ich rede eindringlich auf den Wirt ein. Dass wir doch eine Kunstaktion zur Schließung der beiden letzten Steinkohlenzechen planen und so. Und dass uns da die Kohle doch nicht in unsere eigenen Hacken...

Die Sache mit der Kohle

Er wollte immer „Regen in der Wüste sein“. Für den 1935 in Saratow geborenen Oleg Tabakow traf sein eigener Enthusiasmus für das Theater mit dem der Filmfigur des Iskremas in Alexander Mittas „Leuchte, mein Stern, leuchte“ von 1970 zusammen. Iskremas ist selbstverständlich ein avantgardistisches Pseudonym, eine Abkürzung. Dahinter verbirgt sich: „Die Kunst der Revolution den Massen der Revolution!“ Geist trifft Tat! Oleg Tabakow war seit den späten fünfziger Jahren ein...

Zum Tod des großen russischen Schauspielers und Theatermachers Oleg Tabakow

Ein moderner Don Quichotte

„Film ist wie ein Kriegsschauplatz“, sagt Hollywood-Regisseur Sam Fuller in Jean-Luc Godards „Pierrot le fou“. Es geht um Emotion, aber auch Präzision. Letzteres allerdings ist mit den Schauspielern an diesem Abend in Hannover nicht zu haben. Kaum stehen Geheimrat Bruckner (Janko Kahle) und Hendrik Höfgen (Silvester von Hösslin) auf Position, latscht – „Kamera läuft!“ – ein Mann mit Römersandalen und Goldumhang in die Szenerie. Wie lange er denn noch als Hermes auf der Hinterbühne im Garten stehen solle, nörgelt Günther Harder, er sei ja gar nicht im Bild. Der Regisseur (Rainer Frank) fasst sich leidend an die Stirn. Er möge doch bitte wieder nach hinten gehen, jeder auf seine Koordinaten! Harder dampft murrend wieder ab – nur um wenig später mit gereckter Hermes-Faust erneut die Szene zu okkupieren. Milan Peschel hat am Schauspiel Hannover mit „Mephisto“ nach Klaus Mann das Schauspielerdrama schlechthin inszeniert. Im Zentrum dieses Romans steht der Provinzschauspieler Hendrik Höfgen, den Klaus Mann als unverkennbares Double seines früheren Schwagers Gustaf Gründgens durch Furcht und Elend des Dritten Reichs treiben lässt. Einst mit dem Traum von einem „Revolutionären Theater“ gestartet, mausert sich dieser unter den Nazis zum Intendanten des Preußischen Staatstheaters in Berlin. Milan Peschel geht diesen Verrat eines...

Schauspiel Hannover: „Mephisto“ nach dem Roman von Klaus Mann. Regie Milan Peschel, Bühne Nicole Timm, Kostüme Magdalena Musial

Hannover: Der ungezähmte Schauspieler

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Den gewaltsamen Gang der Geschichte über eine vermeintliche Wirtshausidylle an einem bayerischen See zu zeigen, das ist Josef Bierbichlers Natur im doppelten Sinn. Er verbindet Landschaft und Dialekt, dörflichen Mikrokosmos und Familiengeschichte vom Ersten Weltkrieg bis zu den frühen achtziger Jahren der alten Bundesrepublik, wo Starnberger Wirtshäuser noch aussahen, wie sie immer ausgesehen haben, und in denen nach einer Trauerfeier so schön lichttrüb wie im Film die letzten Biere und Schnäpse auf den Tisch kommen. Eine Aussprache zwischen Vater und Sohn ist der Handlungsmotor für das Provinzpanorama, von dem der Autor und Regisseur Bierbichler in zahlreichen Interviews immer wieder beteuerte, was dieser Film alles nicht ist: kein Heimatfilm mit den entsprechenden Ausstattungsproblemen (zu schön oder zu elend), kein Familienepos (obwohl bayerische Gasthof-Buddenbrooks als Modell naheliegen) und wohl auch nicht einmal eine als solche gemeinte Verfilmung seines erfolgreichen Romans „Mittelreich“ (dessen Titel im Verlauf der Arbeit ersetzt wurde, der Film benutzt nur Motive der Vorlage). Was dann? „Zwei Herren im Anzug“ setzt sich aus stilistisch und erzählerisch disparaten Szenen zusammen, die der Autor und Regisseur und zudem Schauspieler Bierbichler in der Doppelrolle als Hauptfigur Pankraz und zugleich auch dessen Vater durch die Zeiten hindurch zusammenhält, wobei in manchen Momenten so etwas...

Eine Familien- und Heimatgeschichte jenseits der Genrekonventionen – Josef Bierbichler steht in seinem Film „Zwei Herren im Anzug“ vor und hinter der Kamera

Die bayerischen Buddenbrooks

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Festival der Besessenen

„Die Jahre seit der Konterrevolution sind von solch quälender/erstickender Langeweile, dass in ihnen jede Möglichkeit zur Kunstproduktion abstarb und ich zu dem einzigen Gegenmittel greifen musste: diese Langeweile zum Gegenstand meines wissenschaftlichen Interesses zu machen.“ So beginnt der Entwurf zu einem Vorwort für die „Marxistischen Hinsichten“, eine Materialsammlung aus dem Nachlass des Dichters und Dramatikers Peter Hacks zu Ursachen und Verlauf des Endes der DDR und zu der eigentlichen Novität...

Peter Hacks: Marxistische Hinsichten. Politische Schriften 1955–2003. Hg. von Heinz Hamm. Eulenspiegel Verlag, Berlin 2018, 608 S., 19,99 EUR.

Aus nachgelassenen Papieren

Johann Wolfgang von Goethe war nicht nur Theaterdichter, sondern bekanntlich auch Praktiker. Seinen „Faust“ jedoch brachte er nie selbst auf die Bühne. Weder der Tragödie handlicheren ersten Teil noch den ausufernden Teil zwei. Die Theorie, Goethe habe sein Opus magnum ohnehin nur als Lesedrama konzipiert, hält Claudia Blank, Leiterin des Deutschen Theater Museums in München, dennoch für abwegig. Immerhin habe Goethe gemeinsam mit seinem Lieblingsschauspieler Pius Alexander Wolff eine Strichfassung...

Faust-Welten. Goethes Drama auf der Bühne. Hg. von Claudia Blank, Henschel Verlag, Leipzig 2018, 208 S., 200 Abb., 34,95 EUR.

Die Erfindung der Drehbühne

Die Zuschauer der vorletzten Vorstellung von „1968 – Eine Besetzung der Kammerspiele“ sind aufgekratzt wie selten. Obwohl es nicht voll ist, ist wenig zu spüren von fehlender Akzeptanz, aber viel von der Hemdsärmeligkeit des Intendanten Matthias Lilienthal, die zu sehr nach Berlin und anything goes riecht, um in München richtig Fuß zu fassen. Denn in dem Haus, in dem vor fünfzig Jahren Schauspieler Wolfgang Neuss nach der Premiere von Peter Weiss’ „Viet Nam Diskurs“ in der Regie von Peter Stein zu Spenden für den Vietcong aufrief, lockt heute ein bunter Abend. Genauer gesagt: eine Art Theater-Battle, bei dem gut die Hälfte der sieben „Teams“ ein Fun- oder Ironie-Polster angelegt hat, das so dick ist wie die weißen Luftkissen, die das Raumlabor Berlin als Allroundrequisit für den Abend bereitgestellt hat. Man werde, flachst etwa Hauke Heumann von Gintersdorfer/Klaßen, heute nicht nach Geld fragen, sondern „eher Liebe verteilen“. In dieser Sache prescht das „Team“ Leonie Böhm mutig vor. Thomas Hauser und Lukas Vögler werden in schlechtsitzenden Hosen und Frisuren als Neuss-Kopien in den Ring geschickt, die sich linkisch an einen wunderbar spontan reagierenden Zuschauer heranschleimen, beseelt „Das, was ich will, bist duhuhu“ trällern und Sachen sagen wie „Du gehst hier berauscht raus,...

„1968“ von Leonie Böhm, Gintersdorfer/Klaßen, Anna-Sophie Mahler, Wojtek Klemm, Alberto Villareal, Henrike Iglesias und dem Collectif Catastrophe an den Münchner Kammerspielen

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

In den neunziger Jahren konnte man sich am Theater der Bluträusche nicht erwehren. Die veranschaulichte Drastik gemarterter Körper kannte kaum Grenzen. Der Schock dargestellter Gewalt hat heute, da uns Netflix und das Internet mit übersteigerter Realität zuballern, verschwindenden Wert. Fließt auf der Bühne noch Blut – etwa aus vollen Rohren in Christopher Rüpings „Hamlet“ an den Münchner Kammerspielen –, so tut es das konzeptuell. Blut wirkt als Argument am Theater inzwischen also eher rührend. Selbst für das Verderben bringende Umfeld des römischen Heerführers Titus Andronicus bleibt die nüchterne, „trockene“ Verwaltung der Schandtaten, wie sie Regisseur und Schauspielleiter Stephan Suschke am Landestheater Linz vornimmt, ein überzeugenderer inszenatorischer Zugriff. Im Fall abgehackter Hände werden hier rote, wollene Armstümpfe behutsam, ein wenig in Zeitlupe, aus dem eisernen Harnisch gezogen. Sollten aber doch ein paar Tropfen den glatt glänzend ausgekleideten Bühnenboden benetzen, so kommt umgehend der Wischmopp zum Einsatz. Indessen schimmert hinten ein Goldlametta-Vorhang. Nicht das Shakespeare-Drama hat Suschke in Angriff genommen, sondern den „Shakespearekommentar“ seines einstigen Lehrmeisters und Chefs Heiner Müller, dem er nach dessen Tod 1995 sogar für kurze Zeit als künstlerischer Leiter des Berliner Ensembles nachgefolgt war: „Anatomie Titus Fall of Rome“, uraufgeführt von Manfred Karge und Matthias Langhoff 1985 in...

Landestheater Linz: „Anatomie Titus Fall of Rome“ von Heiner Müller. Regie Stephan Suschke, Bühne Momme Röhrbein, Kostüme Angelika Rieck

Linz: Sterben ist der Brauch

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Zürich im Westend: dort, wo die größte Stadt der Schweiz weiterwächst. Der Kunst wurde an diesem Ort eine eigene Haltestelle eingerichtet, Toni-Areal genannt. Gewaltig schraubt sich das Gebäude einer einstigen Milchfabrik in die Höhe; Breite und Tiefe des monumentalen Baus sind auf den ersten Blick gar nicht zu erfassen. Auf diesem runderneuerten Campus sind seit 2014 alle Künste der Zürcher Hochschule (ZHdK) unter einem Dach vereint: unter anderem Design, Film, Musik, Tanz, auch Theater. Im Untergeschoss mit eigenen Werkstätten, in den oberen Etagen mit Ausstellungsräumen, Konzertsälen, Probebühnen. Das gesamte Areal gleicht einem beeindruckenden Statement, was die gesellschaftliche Relevanz von Kunst und Ausbildung anbelangt. Mit über 2500 Studenten beherbergt die ZHdK eine der größten Kunsthochschulen Europas, deren Attraktivität nicht zuletzt auf ihrer internationalen Ausrichtung fußt. Stolz ist Res Bosshart als Leiter der Sparte Schauspiel vor allem auf zwei Vorzüge der ZHdK: den Synenergieeffekt sowie den Praxisbezug. Natürlich profitiere das Schauspiel von den enormen Möglichkeiten der interdisziplinären Zusammenarbeit, etwa mit den Sparten Tanz, Film, Videocast innerhalb der Hochschule. Vor allem aber freut sich Bosshart darüber, dass seine Hochschule sehr attraktiv ist für Ausbilder, die auch weiterhin bühnenpraktisch tätig sind. Paradigmatisch dafür stehen zwei jüngste Berufungen: Nicolas Stemann, aktuell Leiter der Regieausbildung, wechselt...

Die Zürcher Hochschule der Künste bietet auf ihrem Campus eine radikal interdisziplinäre Lehre – Einblicke in Christoph Fricks Semesterprojekt „Kasimir und Karoline“

Ein Ausbildungstempel im Westend

Mit dem Theater die Welt verändern

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Mit forschendem Blick sitzen sie einander gegenüber, die drei schwarzen und drei weißen Schauspieler. Feierlich wirken die Rotund Orangetöne der afrikanischen Kleider und das eher klassische Schwarz der europäischen. Theaterleiterin Maria Manuela de Labão Soeiro und Christin Treunert (Bühne und Kostüme) haben sie gemeinsam ausgewählt. Die Wand mit den Glasfenstern zwischen ihnen lässt an den Besuchsraum eines Gefängnisses denken. Doch die murmelnden Stimmen weisen auf Christa Wolfs Roman „Medea“ hin, darauf, worum es wirklich geht: Euripides’ uralten Stoff für unsere Gegenwart zu befragen. Medea, Jason und Kreusa, auf der einen Seite der Fensterwand von schwarzen, auf der anderen von weißen Schauspielern verkörpert: Mehr Figuren aus dem 2500 Jahre alten Drama brauchen das Theater Osnabrück und das Teatro Avenida aus dem südostafrikanischen Mosambik nicht, um zu prüfen, wie es um Tragik und Missbrauch von Medea stünde, wäre sie eine Frau im Europa beziehungsweise im Afrika von heute. Für die deutsch-mosambikanische Koproduktion „Medea2 – Dois mundos, uma narração“ zeichnet das Regieteam um Manuela Soeiro aus Mosambiks Hauptstadt Maputo sowie um Dominique Schnizer, leitender Schauspielregisseur in Osnabrück, und seinen Chefdramaturgen Jens Peters verantwortlich. Es werden Textpassagen und Sinngehalt aus anderen „Medea“-Bearbeitungen benutzt. Neben Christa Wolf sind es Franz Grillparzer, Jean Anouilh und...

Theater Osnabrück: „Medea² – Dois mundos, uma narraçao“ nach Euripides, Franz Grillparzer, Jean Anouilh, Christa Wolf und mit Texten von Paulina Chiziane. Regie Dominique Schnizer, Ausstattung Christi

Osnabrück: Über Grenzen hinweg

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Explodierendes Dokumentartheater

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Die gute Nachricht vorweg: Es gibt sie noch, die Versuche, allen Ich-Beteuerungen zum Trotz größere (Macht-)Dimensionen auf dem Theater zu etablieren, Konflikte statt Problemchen zu benennen und diese als wirkungsvolle Vorgaben für relevantes Theater zu entdecken. Dieser Tage zu besichtigen in St. Gallen, der Hauptstadt der Ostschweiz, in dessen Theater der junge Schauspieldirektor Jonas Knecht seit 2015 ein avanciertes Gegenwartstheater anbietet, welches jenseits von Alarmismus und Aufgesetztheit den grundsätzlichen Konfliktfeldern in der Schweiz und der Welt nachspürt – mit Wirkungen in der Stadtgesellschaft, namentlich der jungen Generation, und Erfolg. Gerade wurde Knechts Vertrag um weitere drei Jahre verlängert. An den Theater- und Hörspielautor Andreas Sauter vergab er einen Stückauftrag, der den kleineren und größeren (vor allem den größeren) politischen Schweinereien nachgeht, die in der Schweiz des Kalten Krieges passiert sind beziehungsweise – und das hat skandalöse Dimensionen – vom Schweizer Staat betrieben wurden, und, so scheint es, bis in die unmittelbare Gegenwart heranreichen. Die Rede ist von der Schweizer Geheimorganisation P-26, die im Auftrag des Schweizer Bundesrats und an der Öffentlichkeit vorbei ein riesiges Observationsnetz über das Land warf, um Andersdenkende, die fünften Räder am Wagen, zu belangen und auszuschalten. Dieser Stoff wird ergänzt (oder konterkariert?) mit Rechercheergebnissen zu den...

Theater St. Gallen: „Lugano Paradiso oder So schön wie dieses Jahr hat der Flieder lange nicht geblüht“ (UA) von Andreas Sauter. Regie Jonas Knecht, Bühne Markus Karner, Kostüme Heidi Walter

St. Gallen: Dunkle Machenschaften im Alpenparadies

„Die Geschichte hat dieses Stück schon lange abgespielt. Anstatt den Menschen zu befreien, sollten wir ihn überwinden, im Menschenpark den Menschen züchten.“ Im Medizinerkittel und mit strenger Mine unterweist Daniela Scheuren ihre sechs Mitspieler. Dem Publikum hat sie sich zuvor als Nachfahrin der Katze aus George Orwells Stalinismusparabel „Animal Farm“ vorgestellt, genauer: als Davongekommene, die den Glauben an den politischen Umsturz gegen den an Biochemie und Genetik eingetauscht hat (und offenbar auch ihren Sloterdijk kennt). Im selben Atemzug hat sie sich aber auch als Veteranin jener Theatertruppe eingeführt, die diese Orwell-Überschreibung in den nächsten zwei Stunden zur Aufführung bringen wird: das mehrsprachig arbeitende Agora-Theater, das 1980 durch den Regisseur und Autor Marcel Cremer im belgischen Sankt Vith gegründet wurde und als eine jener egalitären Nachgeburten von 1968 gelten kann, die eine seinerzeit bereits verlorene Revolutionshoffnung in anderer Form fortzuführen suchten. Die Ebenen überlagern sich vielfach an diesem Abend, den der Philosoph und Kurator Felix Ensslin als Gastregisseur gemeinsam mit Scheuren am Forum Freies Theater Düsseldorf entwickelt hat. Orwells Figuren werden dabei höchstens bruchstückhaft und im Zitatmodus angedeutet – die zu Kalte-Kriegs-Zeiten durch zahllose Klassenzimmer gegangene Parabel dient hier nur als Assoziationsgrundlage für eine szenische Collage voller historischer, philosophischer und popkultureller...

„Animal Farm“ von George Orwell in der Regie von Felix Ensslin und dem belgischen Agora-Theater am Forum Freies Theater Düsseldorf

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Ende der 1960er Jahre studierte ich an der Theaterhochschule „Hans Otto“ in Leipzig Theaterwissenschaft. Erika Stephan unterrichtete hier im Fach Szenenanalyse. Dabei lernten wir das kleine dramaturgische Einmaleins nicht nur in der Theorie, sondern machten mit ihr auch den Praxistest an prägenden DDR-Theatern. Höhepunkt dieser Exkursionen: Der Besuch von Adolf Dresens Inszenierung des „Faust“ am Deutschen Theater in Berlin. Stephan forderte uns immer wieder auf, das Bühnengeschehen genau zu beobachten und das Gesehene präzis, lustvoll und verständlich zu beschreiben. Eine unbezahlbare Lehreinheit, von der viele ihrer Studentinnen und Studenten ein Berufsleben lang gezehrt haben. Erika Stephan war an der Leipziger Theaterhochschule bis zu deren Auflösung 1992 als Dozentin tätig. Unter ihren Studierenden genoss sie eine natürliche Autorität. Daneben und danach galt ihre Leidenschaft besonders den Schauspielhäusern in Mitteldeutschland, die sie unermüdlich landauf, landab bereiste und über deren Premieren sie unerbittlich kritisch, aber immer voller Sympathie in den Theaterzeitschriften Theater der Zeit (seit 1967), nach der Wende auch in Theater heute und zuletzt vorwiegend in der Thüringer Allgemeinen berichtete. Stets war sie bereit, sich dabei – wie es in einer ihrer Kritiken hieß – „zuschauend verführen zu lassen“. Fritz Bennewitz, der Meininger Horst Ruprecht, später Karl Georg Kayser, Wolfgang Engel, Axel...

Zum Tod der Theaterkritikerin Erika Stephan

Zuschauend verführen lassen

Die vierte Wand in der Kunst der Gegenwart

Leben wir wieder in der Zeit der exklusiv „plombierten“ Züge? Zumindest medial tun wir das – Kim Jonguns Reise nach Peking in seinem gepanzerten Zug ist irgendwie dann doch fotografiert bei Spiegel Online aufgetaucht und erinnert wie eine sehr, sehr schlechte Kopie an einen ganz anderen Zug, nämlich an Lenins „plombierten“ Zug auf dem Weg durch Deutschland nach Russland im April 1917, als handelte es sich um eine sehr schlechte Jubiläumsfeier ein Jahr zu spät. Nordkorea ist für schlechte Kopien abgehakter Jubiläen immer gut, kann man sich sagen und es dabei belassen. Vielleicht aber erinnert uns dieser Zug auf gute Weise an zahlreiche noch nicht ganz so abgehakte Jubiläen, die wir zu bewältigen haben. 1968, 1918, 1848, demnächst Bauhaus, die Jahrestage und Gedenkmomente reihen sich wieder einmal aneinander, türmen sich auf, an ihrer Spitze in diesem Jahr sicherlich ’68. So besetzt, so von Besitzstandswahrern und Erinnerungswahrern umgeben – was also glauben wir da feiern zu können? Beziehungsweise was bleibt für uns übrig vom Fest? Man erinnert sich, wie es wirklich war, was es wirklich gebracht hat und was für Ärger daraus entstanden ist. Ungewollter und gewollter, bleibende Schäden, bleibende Freuden, Öffnungen. „Ach was“, sagen einige, ’68 ist in die Tonne...

Das ’68 nach ’68 oder Warum wir Jubiläen fürs Zukünftige brauchen

Retrotopia

von der sowjetunion lernen, heißt siegen lernen. von den amerikanern lernen, heißt auch siegen lernen. von gerd rienäcker lernen, hieß die wahrheit erkennen. das brachte ihm die häme, den neid und den hass von vorher und nachher, von ost und west ein. ich lernte gerd rienäcker 1983 während eines seminars in der humboldt-universität zu berlin kennen, das er und ich für studenten der musikwissenschaft hielten. gegenstand war georg friedrich händels oper „floridante“, die ich damals für eine inszenierung am goethe-theater bad lauchstädt vorbereitete. rienäckers wichtigstes anliegen war es, zum ausdruck zu bringen, dass in einer oper nicht allein der text die geschichte definiert, also was auf der bühne vorgeht, sondern auch die musik, ja über weite strecken die musik in erster linie, und dass sie nicht nur eine zusätzliche äußerliche, mehr oder weniger kulinarische rolle spielt. gerd rienäcker war mitglied der sozialistischen einheitspartei deutschlands, um an der verwirklichung einer politischen, gesellschaftlichen und menschlichen alternative mitzuwirken. als diese stück für stück von den verantwortlichen im osten verspielt wurde, hielt gerd rienäcker nicht den mund. das kostete ihn ständige angriffe aus den reihen der partei bis hin zu einem parteiverfahren, das ihm verbot, weiter vor jungen menschen, die hinter dem aufbau des...

nachruf auf gerd rienäcker

zwischen den sintfluten

Montag, 15. Januar 2018, kurz vor Mitternacht: Anruf von Valery Tscheplanowa: Ob ich denn, da sie einen Preis bekommen habe, den Ulrich-Wildgruber-Preis, bereit sei, eine Laudatio auf sie zu halten. Allerdings, kurze Pause, die Verleihung sei am Sonntag. Am kommenden Sonntag. Nicht die naheliegende Gegenfrage drängt sich in den Vordergrund, wer denn abgesagt habe, sondern die Erinnerung an die eigene Absage einer Laudatio gegenüber einem Schauspielerduo, das vor einiger Zeit einen „Ring“ gemeinsam bekommen hat. Also Bedenkzeit bis morgen, Dienstag, zehn Uhr. Eine Stunde nach Mitternacht ist mir klar, es tun zu müssen. „Sie ist eine Spielerin der Bühne ohne Show, darin diszipliniert, wie der Zivilist es im Alltag ist.“ So fangen Laudationes in etwa ja oft an. Zivilistin ist Valery Tscheplanowa nicht. Glaube ich. Aber ist sie eine Schauspielerin in des Wortes eigenem Sinn? Eine Frage, die ich mir leiste zu stellen seit 2006. Ich kenne die Preisträgerin ein Drittel ihres Lebens. Seit zwölf Jahren stelle ich mir gelegentlich die Frage: Was ist sie? Wer sie ist, weiß ich von Beginn an. Sie ist Waffe. Und sie war Waffe, schon als sie noch nicht bekrönte Nachwuchsschauspielerin war, sondern sogenannte Debütantin. Man hörte solche Kantinenäußerungen: „Die junge Kollegin stellt aber...

Kunst gegen Kohle

Assoziationen

Theater

Ruhrfestspiele Recklinghausen

A World Stage – Auf Kohle geboren

Neuerscheinungen im Verlag