Stück Labor 2024/25

Gespräch mit der KI aus dem Internet

Montag, 09. Februar 2026

Das Dokumentarformat stellt seit jeher eine etablierte Plattform für die unterschiedlichsten Themen dar, das Phänomen des Gefängnistheaters ist dabei keine Ausnahme. Insbesondere Thomas Heise widmete sich diesem Sujet im Rahmen eines Arbeitsaufenthalts in Lateinamerika für seinen Film „Städtebewohner“ (2014) – in einem Gefängniskomplex in Mexiko. Sein Zugang zu den Protagonisten war dabei konventionell in der Annäherung und von nüchterner, dokumentarischer Zurückhaltung geprägt. Doch es gibt auch filmische Beispiele, die bewusst mit Fakt und Fiktion arbeiten und dadurch die Grenzen zwischen Erzählung und Wirklichkeit verkomplizieren und verwischen. Die Regisseure greifen Elemente fiktiver Räume oder Konstellationen auf und durchtränken sie mit realen Biografien und Erfahrungen. Im Kontext des Gefängnisses ermöglicht die Besetzung ehemals Inhaftierter – oder sogar noch inhaftierter Personen – einen ungewöhnlich unmittelbaren Zugang und erlaubt es dem fertigen Werk, Geschichten sichtbar zu machen, die unter gewöhnlichen Umständen kaum dokumentiert werden könnten. Einer dieser Fälle ist der italienische Semidokumentarfilm „Cesare deve ­morire“ in der Regie von Paolo Taviani und Vittorio Taviani, der 2012 auf der Berlinale uraufgeführt wurde und den Goldenen Bären gewann. Der Film begleitet eine Gruppe Insassen des Hochsicherheitsgefängnisses Rebibbia in Rom. Er zeigt Probenprozesse bis zur Premiere eines Theaterstücks und baut auf der bereits bestehenden Theaterpraxis innerhalb der...

Spielfilme über Gefängnistheater bilden ein ganz eigenes Genre

Die Grenzen zwischen Dokumentation und Fiktion verwischen

Was macht die Regie? Verzweifeln? 

Schlosstheater Moers: Einsamkeit ist keine Metapher

Theater als Denkmaschine 

Eine Gestalt schwebt am Firmament. Sie ist in Weiß gehüllt und mit Flügeln und Keulen bewährt. Sie sinkt auf uns hernieder und erst im Herannahen ist zu erkennen: Die Waffen in ihren Händen sind Klobürsten. Ein Mischwesen aus Witzfigur und Racheengel boxt sich durch die Lüfte, uneins mit den Verhältnissen, den irdischen und kosmischen Großmächten und vermutlich auch mit sich. Es ist Taube L.Friede, die schließlich im großen Haus der Volksbühne landet und die Revolution (an diesem Tag angeführt von Sibylle Berg und Martin Sonneborn) verkündet. Ist das Theater aber der geeignete Raum dafür? Finden die großen Umwälzungen unserer ästhetischen Gewohnheiten und damit unseres Blickes auf Welt, nicht längst ganz woanders statt? Nicht mehr auf der Bühne, sondern auf der Plattform: Es ist nicht zu leugnen, Netflix wird immer erfolgreicher. Allein in Deutschland hat der digitale „Content“-Anbieter 16,5 Millionen, weltweit 325 Millionen Abonnent:innen. Und er ist nur ein Streamer von vielen. Es scheint, als hätten sie den Kampf um Repräsentanz und Relevanz gewonnen, ja als würden die Zuschauer:innen und die Gegenwart selbst sich in ihnen spiegeln. Wenn Netflix das aktuelle Leitmedium ist, müssten wir die Revolution nicht dorthin verlegen? Der Spieler und diskursive Stuntman hinter L.Friede ist Mex Schlüpfer, langjähriges...

Hier schreiben unsere Kolumnist:innen im monatlichen Wechsel: der Kunst- und Theaterkritiker Max Glauner aus Zürich, die Schauspielerin und Regisseurin Mateja Meded und die Berliner Schriftstellerin und Filmemacherin Laura Laabs.

Saurier am Theater

Sicherheit und trotzdem Sorgen

Landestheater Tübingen: Kampf um die sterbende Demokratie

Theater Lüneburg: Erinnern muss wehtun

Diese Gefühle von Entsetzen, Ohnmacht und Zorn. Dazu ein brennender Schmerz. Da hat jemand meine Idee als die seine ausgegeben und dafür Applaus geerntet. Dabei stünde mir dieser zu. E.T.A. Hoffmann hat diese Emotionen in seinem Kunstmärchen „Klein Zaches genannt Zinnober“ beschrieben. In diesem vollzieht der hässliche Wicht Zinnober dank einer Fee einen Rollentausch: Von nun an wird er nicht mehr ausgelacht, sondern bewundert. Allerdings nutzt Zinnober diese Rolle, um seine Opfer durch immer respektloseres Benehmen zu diffamieren. Darum geht es auch der Schweizer Autorin Martina Clavadetscher in ihrer Überschreibung, bis hin zu geradezu quälenden Szenen: So kniet sich bei Clavadetscher der Romantiker hin, um ein Gedicht zu rezitieren. Doch er wird dabei von Zinnober gestört, der ihm auf die Pelle rückt. Irritiert beginnt der Romantiker mit: „Keine Zeilen sind erlaubt, aber so aus Blüten …“, worauf Zinnober quäkend den Satz mit „... Blättern“ vervollständigt. Verunsichert fährt der Romantiker fort: „In Schwindelwolken so schwindet mein“ – „Verstand“, krächzt Zinnober. Als sich der Romantiker schließlich vor dem Publikum verbeugt, drängt sich Zinnober vor und heimst den Applaus ein. Was für eine Frechheit! Was für ein Blender! Bloß: Weshalb gehen ihm alle auf den Leim? Weshalb wird er an die Spitze der...

„Zinnober!“ von Martina Clavadetscher nach E.T.A. Hoffmann (UA) –  Regie Jan Stephan Schmieding, Bühne, Licht Michel Schaltenbrand, Kostüme Gwendolyn Jenkins, Figurenbau, Coaching Figurenspiel Priska Praxmarer, Sounddesign Daniel Steiner

Theater Marie: Zwischen Verantwortung, Schein und Sein

Die Abwertung von Care-Themen ist misogyn

Mittwoch, 18. Februar 2026

Dienstag, 10. März 2026

Donnerstag, 12. Februar 2026

„Man kann die Demokratie auch aus Faulheit verlieren“

Mainfranken Theater Würzburg: Vereint in Einsamkeit

Auf dem Titel: Alexander Scheer, fotografiert von Luna Zscharnt und als Bild zum Kunstinsert in diesem Heft gehörend. Ein fast klassischer Aufschlag der neuen Theaterfotografie. Dagegen kommt der Schwerpunkt aus einer Welt, mit der die wenigsten Theaterkunst verbinden, eher Mitmachspiele für Resozialisierung im Rahmen von therapeutischen Maßnahmen im Strafvollzug. Doch Gefängnistheater kann so viel mehr sein und verweist auch auf eine lange Tradition in verschiedenen Ländern. In Deutschland ist das Berliner Gefängnistheater aufBruch ein einzigartiges Projekt, das seit 1997 in Berliner Haftanstalten öffentlich zugängliches Theater macht. Zuletzt „Warten auf Godot“ in der JVA Plötzensee, alle Vorstellungen ausverkauft. Die Leitung von aufBruch, Peter Atanassow und Sybille Arndt, bereitet ihre auch organisatorisch aufwendigen Produktionen in einem vom großen Sog der PrenzlauerBerg-Gentrifizierung noch nicht erfassten kleinen Ladenlokal in der Pappelallee vor. Die Atmosphäre gemütlich und das Fenster zum Hof – vergittert. B. K. Tragelehn wird am 12. April neunzig Jahre alt. Hans-Dieter Schütt beschreibt den Wanderer zwischen Ost und West, Brecht und Heiner Müller, Schreibtisch und Regiestuhl, der bis heute nicht seinen sächsischen Humor verloren hat. Alexander Karschnia würdigt Tragelehn als Übersetzer und Nachdichter von Stücken der Shakespeare-Zeit in der Reihe „Altenglisches Theater neu“. Bei den nächsten Landtagswahlen im September in Sachsen-Anhalt und...

Editorial

Montag, 16. März 2026

Eine Leiter, Laminatrollen, noch nicht installierte gläserne Schiebetüren, Stühle, ein Tisch und etwas Abdeckfolie – die Bühne des Berliner HAU gleicht dem Zimmerchen eines Puppenhauses, das sich gerade im Umbau befindet. Vier Personen treten auf: „Willkommen. Ich freue mich, Sie heute Abend hier zu begrüßen und Ihnen unsere Galerie vorzustellen, die bald eröffnet wird“, verkündet Isabelle Angotti und präsentiert den restlichen drei – Céleste Brunnquell, Marc Susini und Veronika Vasilyeva-Rije – die Räumlichkeiten. In den nächsten 80 Minuten soll es ihre Aufgabe sein, die besagte Kunstgalerie nach ihren Vorstellungen einzurichten. Mit dieser spielerischen Ausgangssituation knüpft Philippe Quesne an seine Arbeit „L’Effet de Serge“ an, in der ein gewisser Serge jeden Sonntag um 18 Uhr Freund:innen in seine Wohnung einlud, um ihnen selbst ausgedachte Performances vorzuführen. Doch da Serge nun mit anderen Projekten befasst ist, soll seine Wohnung in Wertschätzung seines Wirkens in die Hände anderer Künstler:innen übergeben werden. Diese betreten die Galerie – in der ersten Szene von „Le Paradoxe de John“ – keineswegs mit leeren Händen: ein paar Schlittschuhe, eine unhandliche Musikbox und eine Plastiktüte mit einem Fuchspelz. An dieser Stelle wird klar: Hier darf gelacht werden – über schrullige, hier und da etwas weltfremde und mittelschwer verträumte Künstler:innen....

„Le Paradoxe de John“ mit einem Text von Laura Vazquez – Konzept, Inszenierung, Bühnenbild Philippe Quesne, Kostüme Anna Carraud

HAU Berlin: Die Plastiktüte mit dem Fuchspelz

Es ist Februar 2026. Ich sitze zum achten Mal in Shakespeares „Was ihr wollt“ innerhalb eines Kalenderjahres. Sicherlich habe ich längst nicht alle Inszenierungen gesehen, die auf den Spielplänen stehen. Unweigerlich beginne ich mich zu fragen: Wie oft werde ich das Stück in meinem Berufsleben wohl noch sehen? Einhundert mal? Häufiger? Das klingt erst mal nach einer elisabethanischen Version des Purgatoriums. Läuterung durch Shakespeare-Repetition. Ist es aber nicht zwangsläufig. Die Texte werden einem mit der Zeit merkwürdig vertraut, man richtet sich in den Wörtern häuslich ein, freut sich, wie bei Lieblingsliedern, auf bestimmte Passagen, murmelt Zitate leise mit: „Wenn Musik der Liebe Nahrung ist, spielt weiter!“ – was ein Killer-Satz. Apropos Musik – was eine Überleitung –, ich sitze also Anfang Februar in dieser, achten, Inszenierung von Shakespeares „Was ihr wollt“ am Schauspiel Leipzig. „Was ihr wollt (A Tortured Lover’s Version)“: Hier trifft der King of Playwrights auf die Queen of Pop. Sind Mashups mit Idolen der heutigen Zeit das letztmögliche Upgrade für Klassiker? Zugänglich und anschlussfähig für die Gen-Z und Gen-Alpha? Oder geht damit die Hochkultur endgültig zugrunde? Wir gehen rein. Der Zusatz „A Tortured Lover’s Version“ ist erst einmal eine Referenz auf Taylor Swifts Album „The Tortured Poets...

Klassiker-Mashups

Wir gehen rein

Donnerstag, 26. März 2026

neues theater Halle: Partitur der agralen Enge

Sie drücken ihren Rücken an eine weiße Wand, bewegen die Wirbelsäule, die Arme, Hände. Ihren Namen sollen sie so zur Darstellung bringen; Körperbewegungen sollen Buchstaben ersetzen, aus Schrift soll ein Tanz werden. Diese Aufgabe gibt Choreograf Angelin Preljocaj seinen Workshopteilnehmerinnen. Sie sind Inhaftierte in der Frauenabteilung des bekannten Marseiller Gefängnisses Les Baumettes. Dort probte der Choreograf 2019 vier Monate lang am Projekt „Soul Kitchen“, festgehalten im Dokumentarfilm „Danser sa Peine“ von Valérie Müller. Die Choreografie wurde in Aix-en-­Provence und beim Festival Montpellier Danse aufgeführt – im Olymp des französischen Kultur­betriebs. Preljocajs Tanzprojekt zeigt exemplarisch, dass sich Frankreichs Topbühnenkünstler:innen nicht zu schade sind, wenn es darum geht, die Theaterarbeit im Knast jenseits ihrer sozialpädagogischen Dimension zu künstlerischen Ereignissen zu machen. Olivier Py, der während seiner Leitung des Festivals von Avignon regelmäßig mit Strafgefangenen des Gefängnisses von Le Pontet bei Avignon arbeitete, soll einmal gesagt haben, seine Mitstreiter seien für ihn keine Gefangenen, sondern Schauspieler. Zusammen mit Co-Regisseur Enzo Verdet inszenierte Py zwischen 2016 und 2020 „Hamlet“, „Antigone“, „Macbeth Philosophe“ und „Othello Astrologue“. Nach der „Hamlet“-Premiere 2016, die im Sportsaal des Gefängnisses bei den Mithäftlingen auf Begeisterung stieß, wurden Sprechchöre laut: „Libérez Hamlet!“ – „Befreit Hamlet!“ wurde gerufen. Man war sich darüber...

Frankreich ist auch im Strafvollzug Kulturnation

Sogar für Festivalpublikum

Tanz ist einfach überall

Schauspiel Leipzig: All Too Well (80 Minute Theatre Version)

Kassandras Hoffnung

Friedrich Nietzsche liegt bewegungslos im Bett. Seine Schwester Elisabeth wühlt in seinen Briefen und Schriften. Sie liest einen Text vor, in dem sich der Philosoph heftig über sie beschwert. Dann zerreißt sie das Papier, langsam, niemand kann sie aufhalten. Sie nimmt ganze Manuskripte, wirft sie in die Luft, zerreißt weitere Seiten. Schließlich hebt sie den starren Nietzsche hoch und wendet seinen Kopf, damit er ihr Zerstörungswerk sehen kann. In den ­Augen der Schauspielerin Eva Mattes glüht eine boshafte Lust. Die Uraufführung des Stückes „Wir Nietzsche“ ist bereits die dritte Zusammenarbeit der 71-Jährigen mit dem legendären Regisseur Roberto Ciulli. Wobei Eva Mattes selbst Legendenstatus hat. Sie war eine der Säulen des Ensembles von Peter Zadek in den siebziger und achtziger Jahren. Viele Shakespeare-Inszenierungen wurden zu Theatergeschichte. Der „Othello“ 1976 im Deutschen Schauspielhaus Hamburg mit Eva Mattes als Desdemona und Ulrich Wildgruber als am ganzen Körper schwarz bemalter Othello-Koloss war ein riesiger, aber auch ein für die Entwicklung des Regietheaters wegweisender Skandal. Parallel war Eva Mattes auch ein prägendes Gesicht des neuen deutschen Filmes, spielte in zentralen Werken von Rainer Werner Fassbinder oder auch die Marie neben Klaus Kinski in Werner Herzogs „Woyzeck“-Verfilmung. Eva Mattes ist eine Schauspielerin, die sich mit Haut,...

Die Uraufführung „Wir Nietzsche“ am Theater an der Ruhr in Mülheim ist schon die dritte Zusammenarbeit von Eva Mattes mit dem inzwischen 92-jährigen Roberto Ciulli

Eva Mattes und ihr neuer Meister

Klavier im Fluss

Nationaltheater Mannheim: Gefangen in den Illusionen der KI 

Was macht das Theater, Guido Lambrecht?

Überzeugungstäter im Mehrspartenbereich

Freitag, 27. Februar 2026

Mittwoch, 04. Februar 2026

Montag, 23. März 2026

Working Class Heroes vorm Bullseye

Licht im Herzen der Finsternis

Dienstag, 03. März 2026

Theater als hörender Ort

Für die gekürzte, geliebte Neue Dramatik 

Zwischen Offenheit und Angst ums nächste Engagement

Das Ende des „Safe Space“

Theater Bielefeld: Helden sind Monster

Der Faktor Zufall – Performances fernab von der Bühne

<a href="https://tdz.de/artikel/8b3b2679-0da9-4bf9-82dd-f654b1aa980d">Zum ganzen Stück von Fabienne Dür hier entlang</a> „Geisterstück“ spielt in einer Geisterbahn. Diese nostalgische Freizeiteinrichtung, völlig aus der Zeit gefallen, befindet sich in einem modernen Einkaufszentrum. Das Überbleibsel aus vergangener Zeit steht dem modernen Konsum gegenüber. Wie kommst du auf die Themen deiner Stücke? Fabienne Dür: Wenn ich Texte schreibe, fließen immer unterschiedliche Impulse ein. Zum einen wollte ich mich mit dem Thema Angst beschäftigen. Mein Eindruck ist, dass dieses unsichere Gefühl in unserer Zeit allgegenwärtig ist. Spannend fand ich, zu untersuchen, was diese Ängste im Privaten, aber auch im Gesamtgesellschaftlichen bedeuten. Das Thema hatte ich schon lange mit mir herumgetragen. Dann habe ich um Halloween hier in Berlin einen Markt entdeckt. Da gab es eine Geisterbahn, die wirklich nur aus Planen gebaut war, und davor stand ein Mitarbeiter, an einer Ecke, und hat vollkommen unmotiviert geraucht. Das hat mich interessiert. Außerdem haben Geisterbahn und Theater ja viele Gemeinsamkeiten – angefangen vom Publikumsschwund … das fand ich ganz passend. Wie landete die aus der Zeit gefallene Geisterbahn dann in einem Shoppingcenter? FD: Mich reizen Un-Orte. Das sind für mich Zwischenorte, die etwas Alltägliches haben – zugleich aber auch etwas Absurdes. So ein Shoppingcenter ist ein Ort, der ganz klare...

Fabienne Dür zu „Geisterstück“ und den Produktionsbedingungen für junge Autor:innen im Gespräch mit Elisabeth Maier

„Angst ist in unserer Zeit allgegenwärtig“

Mittwoch, 18.03.2026

Rauf auf große Bühnen!

Schritt für Schritt

„Und lasst der ahnungslosen Welt mich sagen, wie es zu diesen Dingen kam. So hört von Taten, fleischlich, blutig, unnatürlich, von Zufall und Verhängnis, blindem Mord, von Toden, schlau und grausam eingefädelt, und Plänen, die am Ende den Erfinder ins Unheil stießen.“ Das sagt Horatio am Ende von „Hamlet“. Und jetzt kommen Sie ins Spiel, oder? Julia Riedler: Ja, das sagt Horatio bei uns am Anfang. Der traurige Chronist Horatio, der erzählen muss, ist unsere Ausgangslage. Alle seine Freunde sterben vor ihm, er selbst will auch den Kelch Gift trinken und dann sagt Hamlet, nein, du musst überleben, um Hamlet zu erzählen. Das ist für mich der Kern: dass wir trotz unserer Ohnmacht versuchen, Narrative zu gestalten. Ich finde, das ist gerade unsere Aufgabe als Künstlerinnen und Künstler. Bis auf Horatio sind alle Figuren Geistererscheinungen? JR: Das ist crazy. In Freiburg gibt es direkt neben dem Theater das Parapsychologische Institut und im Kunstmuseum Basel ist gerade eine großartige Ausstellung über Gespenster zu sehen. Es war so, als würden die Geister unser Team nicht loslassen und hätten sich in unserer Inszenierung in den Vordergrund gedrängt (lacht). Ihnen ist die Fähigkeit zur Handlung wichtig, kommen Sie da bei „Hamlet“ nicht an...

Im Gespräch mit Annette Hoffmann

Was macht das Theater, Julia Riedler?

Ein Kontrast am Rande, der in diesem Film weniger etwas über Einar Schleef erzählt, sondern anhand seiner originären Regiepersönlichkeit etwas über das Theaterverständnis von Autoren: „Es ist nicht mein Stück und ich würde es sehr gern verbieten“, sagt Rolf Hochhuth Anfang 1993 in die Kamera. Der Verfasser von Dramen, der es nie zum Dramatiker brachte, steht vor dem ­Berliner Ensemble, in dem Schleef für die Uraufführung von „Wessis in Weimar“ probiert. Die findet statt, das Stück wird aber bald ab- und Schleef vor die Tür gesetzt, auf Betreiben von Peter Zadek und Peter Palitzsch. So war es Schleef am BE schon 1975 ergangen, mit „Fräulein Julie“ unter ­Intendantin Ruth Berghaus. Fünf Jahre nach „Wessis in Weimar“ inszeniert Schleef am Wiener Burgtheater Elfriede Jelineks „Sportstück“. Die undramatische Bühnenautorin, die es der Regie überlässt, aus ihren Textflächen Dramen zu machen, hat kein Problem damit, „wenn es ein anderes Stück wird“. Ihr Programm sei gewesen, „einem solchen Mann einen Text auszuliefern und staunend wie ein Kind zu sehen, was er daraus macht.“ Jelinek träumte sogar von einer ähnlich langen und intensiven Arbeitsbeziehung, wie sie Thomas Bernhard und Claus Peymann gepflegt hatten. Doch dann starb Schleef 2001, mit 57, nachdem er in Wien mit...

Sandra Prechtels Film „Einar Schleef – Ich habe kein Deutschland gefunden“ soll im Herbst auf Theatertournee gehen

Der einsame Krieger

Der Gefangene sitzt an der Schreibmaschine und tippt. Sätze in deutscher Sprache zu formulieren, das fällt dem Mann aus dem Kosovo schwer. Doch aus seinen Worten spricht Hoffnung. Über die Leinwand fliegen die schwarzen Silhouetten von Vögeln. Die Produktion „Irgendwo im Nirgendwo“ berührt. Die Szenen zeigen die Sehnsüchte der Strafgefangenen, die sich in der Justizvollzugsanstalt Ravensburg auf den Hauptschulabschluss vorbereiten. Die vierzigminütige Stückentwicklung haben Theaterpädagoginnen aus Konstanz im Projekt „Theater hinter Gittern“ realisiert. Die Akteure tragen weiße Hemden und elegante Hosen. Kostüme prägen ihre Rollen. Wenn sie aus Hoodies und Sweatshirts schlüpfen, streifen sie für die Dauer der Aufführung eine andere Identität über. Die Männer, die aus unterschiedlichen Gründen im Strafvollzug gelandet sind, agieren auf der Bühne professionell. Diese Disziplin fordern die Theaterpädagoginnen ein. „Wir haben Text und Szenen mit den Spielern entwickelt“, bringt Magdalene Schaefer das Konzept dieser Produktion auf den Punkt. Requisiten und Kostüme hinter die Gefängnismauern zu bringen, war nicht einfach. Alles wird streng kontrolliert. Die eigenen Gedanken und Erfahrungswelten einfließen zu lassen, das ist dem vierköpfigen Team von „Theater hinter Gittern“ wichtig. „Bei den Proben haben wir Talente der Spieler entdeckt, die wir gezielt fördern“, sagt ihre Kollegin Franziska Schmid. Ein Spieler aus Afrika hat in...

Das Theater Konstanz entwickelt Projekte mit Strafgefangenen in ganz Baden-Württemberg, im Spiel erproben die Inhaftierten ein neues Miteinander und Wege aus der Kriminalität

Mit Tanz und Schattenspiel für Freiräume im Freiheitsentzug

Mittwoch, 11. März 2026

Schauspiel Dortmund: Funkelnde Tränen

Montag, 23. Februar 2026

Montag, 09. März 2026

Der Zufall des Tages führt zu einem hübschen Kontrast. Das Landestheater, das seine Wedekind-Premiere für einen Samstagabend angesetzt hatte, verlegte sie auf den Sonntagnachmittag, Termin einer sogenannten Rentnervorstellung. Doch eine ganze Teenagerschar durchsetzt diese nun. Klassenverbände in auffallend feinem Zwirn, sehr junge Herren oft in Anzug und Krawatte. Und dann zerrt sich der Teenager Moritz Stiefel, den Noah Alexander Wolf somnambul entrückt anlegt, die seine auf der Eisenacher Bühne vom Hals. Den Akt kurzer Rebellion gegen Modekonventionen begleitet er mit dem Ausruf: „Das sind wir doch nicht!“ Moritz sehnt sich nach des Menschen Natur – er träumt vom nackten Dasein, in dem niemand sich von irgendwem noch einschnüren lässt. Damit ist schon mal ein Ton gesetzt in dieser Version von „Frühlings Erwachen“: vor 120 Jahren als Skandalstück uraufgeführt, bevor es seit den späten 1960ern – in denen die gleichwohl zeitdurchlässige Eisenacher Inszenierung unter anderem zu siedeln scheint – einen zweiten Frühling erlebte. Regisseurin Anna Magdalena Fitzi versammelt für insgesamt zwanzig Rollen in Wedekinds lockerem Szenenreigen das achtköpfige Schauspielensemble des Hauses komplett. Und dieses entfaltet in dem Stück, das Tugendfragen aufwirft und Tugenden hinterfragt, jedenfalls die Tugend, sich gegenseitig zu dienen. Als Kindertragödie hat es der Autor bezeichnet, um ihm gleichwohl...

„Frühlings Erwachen" von Frank Wedekind – Regie Anna Magdalena Fitzi, Bühne und Kostüme Verena Hemmerlein

Landestheater Eisenach: Kindertragödie auf dem Jahrmarkt

Dienstag, 10. Februar 2026

„Lernen Sie Hochdeutsch, besorgen Sie sich ein Wörterbuch und kaufen Sie sich ein Buch über die Elisabethaner, dann können Sie Englisch!“ „Coriolan“ könne man ja nicht auf Sächsisch inszenieren. Brechts Rat hat sich sein letzter Meisterschüler besonders zu Herzen genommen: Seit Jahrzehnten übersetzt B. K. Tragelehn mit seiner Frau Christa Stücke von Shakespeare, dessen Zeitgenossen, Vorläufern und Nachfolgern: „alt englisches Theater neu“. Ein Füllhorn an Materialien, Verweisen, Beispielen. Es ist kein Zufall, dass die Bände im legendären Verlag Stroemfeld/Roter Stern erschienen sind, berühmt für seine Werkausgabe von Hölderlin. Beide Unternehmen verbindet die Suche nach den lebendigen Quellen, aus denen sich die literarische Sprache erneuern konnte. Während Hölderlin die Rhythmen aus den antiken Tragödien in die deutsche Sprache trug, folgt Tragelehn der Spur von Brecht, dessen erste Regiearbeit eine Bearbeitung von Marlowes „Leben Eduards des Zweiten von England“ war. Als Brecht starb, war Tragelehn zwanzig Jahre alt. Nun ist Brecht siebzig Jahre tot und Tragelehn feiert seinen neunzigsten Geburtstag. Alle, die sich fragen, was nun mit Brecht anzufangen sei, da sein Werk – zumindest in Teilen – gemeinfrei wird, können von seinem Schüler einiges lernen. Zu gerne erinnert er daran, dass Theater für Brecht „keinen anderen Ausweis“ benötige „als den Spaß,...

B. K. Tragelehn hat dem Theater ein großes Übersetzungswerk von Shakespeare & Co übergeben

Ein sächsischer Elisabethaner

Theaterfamilie versus Familie

Theater Aachen: Zwei Stunden Zuhören

„Bei ihr war es schnell klar“

Freitag, 20. Februar 2026

Tumult im Theater. Am Ende des Stücks „Catarina oder Von der Schönheit, Faschisten zu töten“ hält der bis dahin stumme Faschist eine Rede. Rhetorisch geschickt führt er einen Appell an den „gesunden Menschenverstand“, wie ihn auch Friedrich Merz halten könnte, in immer deutlichere Aussagen gegen Homosexualität, Feminismus und vermeintlich Fremde. Er benutzt Klischees und Vorurteile, vermengt falsche Informationen und reale Fakten. 15 Minuten lang spricht er ohne Unterbrechung direkt ins Publikum. Erst kommen Zwischenrufe wie „Halt´s Maul“ und „Hau ab!“. Manche Zuschauer*innen entgegnen, das sei doch Theater, man solle den Mann ausreden lassen. Dann eskaliert die Lage. Männer rennen auf die Bühne und versuchen, den Schauspieler hinter die Kulissen zu zerren. Kollegen verteidigen ihn, eine Frau wirft etwas auf die Bühne. Manche zücken die Handys und filmen die Szene. Später, beim Schlussapplaus, bittet die Dramaturgin Angela Obst darum, diese Aufnahmen zu löschen und auf keinen Fall zu veröffentlichen. Da sind einige der Handybenutzenden schon längst aus dem Saal gestürmt. Es ist was los im Bochumer Schauspielhaus. Natürlich geht es nicht darum, faschistischem Gedankengut kritiklos eine Bühne zu bieten. Autor Tiago Rodrigues stellt das Publikum vor ein Dilemma und denkt es konsequent zu Ende. Ähnliche Reaktionen gab es schon bei Festivalaufführungen...

„Catarina oder Von der Schönheit, Faschisten zu töten“ (DSE) von Tiago Rodrigues, aus dem Portugiesischen von Niki Graça – Regie Mateja Koležnik, Bühne Raimund Orfeo Voigt, Mitarbeit Bühne Isabela Volcu, Kostüm Ana Savić-Gecan, Choreografie Magdalena Reiter, Video Philipp Haupt, Komposition Alen Sinkauz, Nenad Sinkau

Schauspielhaus Bochum: Töten oder Ertragen?

Kaleidoskop der Wunden

Montag, 30. März 2026

Der Messingkauf im Curazän

Am Theater Altenburg-Gera ereignet sich Erstaunliches. Mit Blick auf die Spielzeit 1925/26 wird dort ein Festival vorbereitet. Der damals vom Reußischen Fürsten frisch gekürte Intendant Walter Bruno Iltz wollte in Gera mit einer Art „Haus der jungen Talente“ durchstarten. Neben dem 25-jährigen Hans Otto und dem 22-jährigen Bernhard Minetti engagiert er auch die erst 21-jährige Tänzerin Yvonne Georgi. Sie sollte erstmalig an diesem Haus eine Tanzgruppe aufbauen. Das tat sie mit einem derartigen Erfolg, dass man heute von einem tänzerischen Aufbruch spricht, den man aufgrund seines 100-jährigen Geburtstags würdig zu feiern gedenkt. Wer ist Yvonne Georgi? Erfolg, insbesondere in der Kunst, ist unberechenbar. Yvonne ­Georgis Arbeiten in Gera sollen, so wird behauptet, vom Geraer Publikum durchaus kritisch betrachtet worden sein, während man ihr und ihrer Tanzgruppe auf Gastspielen in Berlin und Leipzig zugejubelt hätte. Die Wahrheit liegt vermutlich – wie so oft – irgendwo dazwischen. Yvonne Georgi, 1903 in Leipzig geboren, in Dresden bei Mary Wigman ausgebildet, zog es im Anschluss an ihr Engagement in Gera nach Hannover, wo sie als Tanzregisseurin tätig war. Mit ihrem Tanzpartner Harald Kreutzberg unternahm sie mehrere USA-Tourneen. Durch ihre Heirat im Jahr 1932 nahm sie die niederländische Staatsbürgerschaft an und arbeitete, auch während der...

Ein internationales Ballettfestival feiert Yvonne Georgi bei „100 Jahre tänzerischer Aufbruch in Gera“

Bravo, Gera!

Die zweite Raumzeitmaterialisierung

Wer setzt den perfekten Haken?

Die gute, vermeintlich beste Theaternachricht aus dem AfD-Programm für die im September anstehende Landtagswahl Sachsen-Anhalts lautet so: Anders als vor fünf Jahren steht darin nicht, dass man die Landeszuschüsse für die Bühnen halbieren möchte. Allerdings: Im TdZ-Telefonat mit dem Alleinautor des Entwurfs, über den ein Parteitag Mitte April in Magdeburg befinden muss, entsteht eine irritierte Pause, als das Gespräch darauf kommt. Er wirkt überrascht, als sei ihm nicht bewusst gewesen, dass jene Passage rausflog. Sie war ihm wohl durchgerutscht. Er flüchtet sich dann in Sätze wie: „Prinzipiell sind wir ja Freunde der Kultur. Was mir schon immer nicht behagt hat, ist dieser neoliberale Ansatz, die Kultur als überflüssig zu erachten und zusammenzustreichen.“ Objektiv betrachtet ist die AfD kulturpolitisch die auffälligste Partei Deutschlands. Und innerhalb dieser scheint sich das wiederum über den Landesverband Sachsen-­Anhalt sagen zu lassen, der gerade Richtung absolute Mehrheit schielt, motiviert durch bis zu vierzig Prozent Zustimmung in Umfragen. Hans-Thomas Tillschneider bestätigt den Eindruck sofort. „Wir sind kulturpolitisch ambitioniert.“ Denn „die Misere“, unter der Deutschland leide, habe letztlich kulturelle Ursachen. „Weshalb trauen Politiker sich nicht“, fragt er rhetorisch, „das Eigene durch­zusetzen, weshalb fühlen sie sich z. B. verpflichtet, Migranten aus aller Herren Länder aufzunehmen?“ Und schon bestätigt er...

Die AfD Sachsen-Anhalt will im Theater ihre Wertvorstellungen durchsetzen

Deutsche Spielpläne

<a href="https://tdz.de/artikel/da96fdc0-15f1-435e-90e0-02b48bf25779">Das Gespräch mit der Autorin finden SIe hier</a> Figuren Boss Chef der Geisterbahn und Live-Erschrecker, trägt meistens ein Draculakostüm Sunny Live-Erschreckerin, trägt meistens ein Sensenmannkostüm Marina Ticketverkäuferin, hat kein Kostüm, hätte aber gern eins Ort Das Stück spielt überwiegend vor der Geisterbahn „Geisterhaus“. Sie steht fest verankert im Erdgeschoss eines Shoppingcenters, wie es überall stehen könnte (links Lush, rechts H&amp;M und McDonald’s etc.). Über dem Eingang leuchtet einladend in schaurigen LED-Lettern: GEISTERHAUS. Darunter – durch das Maul eines riesigen Höllenhundes mit spitzen, blutverschmierten Zähnen – führt eine Rolltreppe ins Untergeschoss. Hereinspaziert, hereinspaziert. © Verlag der Autoren Frankfurt am Main, 2025 Das Theaterstück ist im Rahmen der Hausautor:innenschaft am Institut für theatrale Zukunftsforschung im Zimmertheater Tübingen entstanden. Die Arbeit der Autorin am vorliegenden Theaterstück wurde vom Deutschen Literaturfonds e. V. gefördert. ______________________________________________________________________________________________________________________ hereinspaziert, hereinspaziert 1 Vor dem „Geisterhaus“: Sunny, Marina und Boss. Schichtbeginn. Sunny drückt auf einen Knopf. Die Leuchtschrift über dem Eingang beginnt flackernd zu leuchten. Boss räuspert sich. Spricht in ein Mikro, direkt zum Publikum: Boss früher in fernen Zeiten in dunklen Jahren Er dreht an zwei Knöpfen. Klopft zwei Mal auf das Mikro. Räuspert sich. Jetzt mit Hall und gruseligem Soundeffekt oder vielleicht spricht er nur etwas tiefer:...

Geisterstück

Was macht das Theater, Martin Heckmanns?

Investigative Recherchen erscheinen heute meist als digitale Ereignisse: als Podcast-Serie, Leak oder Datensatz, der sich über soziale Medien verbreitet. Doch was geschieht, wenn solche Recherchen den Bildschirm verlassen und auf eine Bühne treten? Mit der Reihe „Theater &amp; Journalismus“ erproben die investigative Plattform CORRECTIV und das Schauspiel Köln – unter dem neuen Intendanten Kay Voges – in einer auf fünf Jahre angelegten Kooperation genau diese Verschiebung. Innerhalb des Labors widmen sich sechs Produktionen unterschiedlicher Regisseur:innen journalistischen Themen, von rechtsextremen Netzwerken über Terrorprozesse und Fragen militärischer Aufrüstung bis zu internationalen Finanzskandalen; und nehmen außerdem auch kommunale Infrastruktur, Stadtplanung und regionale Politik in den Blick. Die Kooperation reagiert damit auf eine Diagnose, die derzeit viele Mediendebatten prägt: Journalismus steht unter Druck. Im beschleunigten Nachrichtenstrom digitaler Plattformen verlieren komplexe Zusammenhänge schnell an Aufmerksamkeit; investigative Enthüllungen verschwinden oft aus der Timeline, bevor sie gesellschaftliche Wirkung entfalten können. Gleichzeitig müssen journalistische Recherchen immer schneller produziert werden, was den Druck auf Redaktionen und einzelne Journalist:innen enorm erhöht. Das Theater erscheint hier als Gegenmodell zur Logik permanenter Aktualisierung: Es verspricht konzentrierte Zeit, geteilte Aufmerksamkeit und die Möglichkeit, komplexe Zusammenhänge gemeinsam zu durchdenken – und „Theater als Form des öffentlichen Diskurses“ zu erleben, wie es der Kölner Hausregisseur...

Was Dokumentartheater heute sein kann – Beobachtungen zur Reihe „Theater & Journalismus“ am Schauspiel Köln

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„Dat Wasser vun Kölle es jot“, ein Rhein-Krimi mit Musik in Kooperation mit CORRECTIV von Calle Fuhr. Regie Calle Fuhr am Schauspiel Köln

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Bertolt Brecht (1954)

Wie weit lassen sich die Ketten der Konventionen lockern? „Frühlings Erwachen“ von Frank Wedekind, inszeniert von Anna Magdalena Fitzi, in Eisenach.

Yvonne Georgi (1903–75) war eine deutsche moderne Tänzerin, Balletttänzerin und  Choreografin

Szene aus „Geisterstück“ von Fabienne Dür am Zimmertheater Tübingen

„Einar Schleef – Ich habe kein Deutschland gefunden“, ein Film von Sandra Prechtel

Die Intendantin Karin Becker

Neuerscheinungen im Verlag