Seelenschau in Versform

Gespräch mit der KI aus dem Internet

13. Juli bis 17. Juli 2026

Blitz, Donner, Antike

Montag, 08. Juni 2026

Einführung in die szenische Robotik

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Mittwoch, 24. Juni 2026

„Is my future all in the past?“

Auf neuen Wegen

Ehrlich Verbunden

Nur das Beste des Schweizer Theaters

Bregenzer Festspiele: Scherben ohne Schock

Salzburger Festspiele: Die Überflugkraft des Unnützen

Zu schön, um wahr zu sein?

Junges Theater in Kriegs- und Krisenzeiten

Theater des Ungehorsams

Schauspiel Stuttgart: Party mit Schlammschlacht

Theater der Welt in Chemnitz: Den Affen spielen, den Menschen sezieren

Dienstag, 26. Mai 2026

Den verschwundenen Zirkusgebäuden auf der Spur 

Ohne Not und Sachverstand

Zeitgenössisch für wen? Über Gatekeeping und Zugang im Zirkus  

Die Absicht, eine Mauer zu bauen

Krieg &/vs. Kunst

Bringt euch in Gefahr!

„Es wird eine Kultur der Veteranen geben“

Empathie aus dem 3-D-Drucker

Freitag, 19. Juni 2026

Festival d’Avignon: Das Böse als Barspektakel

Diversität als Festivaldramaturgie

Vielfalt ohne Versprechen

Schauspiel Leipzig: Motel der Leere

Freitag, 22. Mai 2026

„Setzen wir uns auseinander, nicht zusammen“

Theater der Welt & Humboldt-Forum: Schnaps aus Peking, Schrott aus Chemnitz

Dienstag, 23. Juni 2026

Let’s burn down the patriarchy

Hacken für das Theater

Die Schreie der Opfer in den Kriegen der Welt

Die Kunst der Widersetzlichkeit

Programmgestaltung im Ausnahmezustand – eine Bestandsaufnahme

Ins Offene der Möglichkeiten

Zwischen Gegenwartsdrang und Festivalmüdigkeit

Bayreuther Festspiele: Friedensboten als Taubenplage

„Sprache ist die Waffe, die trifft.“ Das Publikum wird mit diesem Satz begrüßt und schnell wird klar, dass sich hier niemand zurücklehnen kann, auch wenn die Kostüme in die 30er-Jahre weisen und die Musik nur dezent einen Kosmos zwischen jüdischer Musik und der Marschmusik damaliger Wochenschauen umreisst. 1933 strengten der Schweizerische Israelitische Gemeindebund und die Israelitische Kultusgemeinde einen Prozess gegen den aufstrebenden Nationalsozialismus in der Schweiz an. Im Zentrum stand der Nachweis, dass die an jedem Kiosk erhältlichen „Protokolle der Weisen von Zion“ gefälscht waren, um angebliche Weltherrschaftsambitionen des Judentums zu untermauern. Im Kern ging es im damals international stark reflektierten und heute vergessenen Mammutprozess um Wahrheit oder Lüge, um die Wirkkräfte von Verschwörungstheorien und Fakenews. Es erschüttert, dass der Erfolg des Prozesses nur von kurzer Dauer war. Die Schweizer Autorin Gornaya arbeitet diesen Prozess für das Theater auf, verwendet in ihrem Text größtenteils Originalzitate und kommt dabei ohne platte Aktualisierungen und Anleihen aus aktuell-politischen Vorgängen aus. Es verblüfft, wie konkret dennoch Formulierungen und Wortwahl des gesamten modernen rechten Spektrums aus dem Material des Berner Prozesses herausschallen. Das Theaterkollektiv engagiert sich stark für das Material und dieses Ringen findet auf der Bühne eine Form. Das Publikum im Saal spürt, dass...

„Der vergessene Prozess“ von Gornaya (UA) – Regie Jochen Strodthoff, Bühne und Kostüme Angela Loewen, Musik Robert Aeberhard

Theater an der Effingerstrasse Bern: Der Goliath von Rechtsaußen ist verletzbar

Theater Magdeburg: Polyphonie des Schmerzes

Zirkus

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Kurze Geschichte des Traktors auf Ukrainisch

I Hired A Contract Killer

Dinner für Spinner

Uraufführung

Klasse 5B

Grieche sucht Griechin

Der Meteor

Der Kontrabass

Ein teuflischer Plan

Romeo und Julia auf dem Dorfe

Der Beobachter

Sechs Tanzstunden in sechs Wochen

Zweifel

Alice im Wunderland

Der Besuch der alten Dame

Gut gegen Nordwind

Noch ist Polen nicht verloren

Wir sind noch einmal davongekommen

Am Ziel

Schweizer Erstaufführung

Der Rausch

Indien

Früher war alles besser - Schneuwlys machen ein Theater

Angst essen Seele auf

Leonce und Lena

Intime Fremde

Die Perser

Weniger 2

Zimmer frei

Tod eines Handlungsreisenden

Bollywood Girls

Ehrensache

Tschick

Das Wetter vor 15 Jahren

In Düsseldorf geboren, wuchs in Köln auf. Dort studierte sie Tanz am Institut für Bühnentanz, anschließend Germanistik, Philosophie und Kunstgeschichte, bis sie sich dem Theater zuwandte. Als Schauspielerin war sie von 1989 bis 1993 am Rheinischen Landestheater Neuss tätig. In dieser Zeit erhielt sie den Preis als beste Nachwuchsdarstellerin des Theatertreffens NRW. Es folgten Engagements unter anderem am Theater der Landeshauptstadt Magdeburg und dem Theater Bielefeld sowie Engagements bei Film- und Fernsehproduktionen. Seit 2001 ist sie gemeinsam mit Lutz Hübner als Schriftstellerin tätig. Lutz Hübner und Sarah Nemitz leben und schreiben in Berlin. Ihre Stücke, für die sie mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet wurden, sind vielfach übersetzt worden und werden in der ganzen Welt gespielt.

geboren 1964 in Heilbronn, studierte Germanistik, Philosophie und Soziologie in Münster. 1986 begann er eine Ausbildung zum Schauspieler an der Hochschule des Saarlandes für Musik und Theater in Saarbrücken. Engagements führten ihn unter anderem an das Saarländische Staatstheater Saarbrücken und das Badische Staatstheater Karlsruhe. Von 1990 bis 1996 arbeitete Hübner als Schauspieler und Regisseur am Rheinischen Landestheater Neuss und dem Theater der Landeshauptstadt Magdeburg. Seit 1996 ist er freiberuflicher Schriftsteller und Regisseur. Über zwanzig Texte schrieb der Autor und Regisseur Lutz Hübner in den letzten acht Jahren für das Theater. Alle wurden uraufgeführt, viele wurden als Erfolgsstücke gefeiert und lösten ganze Serien von Inszenierungen an zahlreichen Theatern des In- und Auslandes aus. Er schrieb Schauspiele, darunter einige für das Jugendtheater, Opernlibretti und Bearbeitungen. Die facettenreiche formale Gestaltung der Stücke ist von einer exakten und schlagfertigen Dialogführung geprägt. Sein Sprach- und Situationsverständnis lässt erkennen, dass der Dramatiker stets mit Blick auf Schauspieler und Inszenierung arbeitet. Vielleicht ist das eine Erklärung für die Beliebtheit seiner Stücke.
Seit 2001 ist er gemeinsam mit Sarah Nemitz tätig. Lutz Hübner und Sarah Nemitz leben und schreiben in Berlin. Ihre Stücke, für die sie mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet wurden, sind vielfach übersetzt worden und werden in der ganzen Welt gespielt.

Mitglied der Gruppe DOGMA 95, Kopenhagen

DAS Theater an der Effingerstraße, Bern

Die Geschichte der Bühne reicht in das Jahr 1951 zurück. Damals zog das Atelier Theater in das frisch erbaute Haus an der Effingerstrasse ein. Friedrich Dürrenmatt inszenierte hier in der Spielzeit 1959/60 eines seiner berühmtesten Werke, «Der Besuch der alten Dame».
Als die öffentliche Hand 1995 beschloss, zukünftig die Subventionen in der Höhe von 1,2 Millionen Franken zu halbieren und dafür vermehrt die freie Szene zu unterstützen, entschied die Atelier Theater AG, den Betrieb zu schliessen.
Unter dem Motto «Und der Vorhang hebt sich doch» wagte es der Theatermacher, Regisseur und Autor Markus Keller zusammen mit Ernst Gosteli, ehemaliger kaufmännischer Leiter des Stadttheaters, und der Schauspielerin Marianne Weber, das Theater unter neuem Namen und ohne Subventionen wiederzueröffnen. Die erste Spielzeit startete am 4. Oktober 1996 mit einem Stück von Irmgard Keun, «Das kunstseidene Mädchen». Damals konnte sich noch niemand vorstellen, welche Erfolgsgeschichte das Theater nach diesem mutigen Neuanfang schreiben würde.
Mittlerweile ist das Theater an der Effingerstrasse schweizweit bekannt, gehört zu den meistbesuchten Spielstätten im Land und wird auch wieder durch öffentliche Gelder unterstützt. Nahezu zwei Drittel der Einkünfte werden jedoch durch verkaufte Eintritte generiert, wozu die hohe Zahl der Abonnent:innen wesentlich beiträgt. Im Spielbetrieb sind in jeder Saison neun Eigenproduktionen zu sehen, darunter ein Jugendstück. Der vielseitige Spielplan, der sich aus Klassikern, zeitgenössischer Dramatik sowie Film- und Literaturadaptionen zusammensetzt, kommt beim Publikum gut an.
Nach über 200 Produktionen feierte das Team am 4. Oktober 2016 das 20-jährige Bestehen des Theaters. «Wir feiern nicht die Zahl zwanzig, sondern unser Publikum, das uns all die Jahre mitgetragen hat, und all die Geschichten, die wir auf die Bühne gebracht haben, die unsere Zuschauerinnen und Zuschauer begeistern, inspirieren und berühren», sagte damals der künstlerische Leiter Markus Keller.
Mit knapp 36 000 Eintritten erreichte das Theater in der Saison 2018/19 einen vorläufigen Höhepunkt bezüglich Zuschauerzahlen. In der darauffolgenden Spielzeit musste es jedoch aufgrund des Coronavirus während drei Monaten seine Türen schliessen. Zwei geplante Produktionen konnten nicht gezeigt werden. Stattdessen produzierte das Theater eine kleine Serie, «Business Class» von Martin Suter, die auf die Website gestellt und unentgeltlich angeschaut werden konnte. Das Echo war überwältigend und das Publikum fühlte sich mehr denn je mit dem Haus verbunden.
Mit Ende der Spielzeit 2019/20 übergab Markus Keller die künstlerische Leitung an Alexander Kratzer, der seit 2009 regelmässig am Theater an der Effingerstrasse inszeniert hat.  
Mit Beginn der Spielzeit 2022/23 wird Christiane Wagner Künstlerische Leiterin am Theater an der Effingerstrasse.

Die Mobilität von Tanz- und Theaterproduktionen wächst: Festivals und Häuser zeigen vermehrt Gastspiele und entwickeln transnationale Koproduktionen. Zugleich wird diese Praxis kritisch hinterfragt. Seit der Covid-19-Pandemie haben hybride Formate zugenommen, Aufführungen verlagerten sich auf den Bildschirm, und neue Strategien entstanden, die ohne Live-Publikum vor Ort funktionieren. Auch im Hinblick auf Klimagerechtigkeit stellt sich die Frage nach verantwortungsvollen Zirkulationsformen. Behinderte Theater- und Tanzschaffende haben schon längst Erfahrungen mit erschwerter Mobilität gemacht und daraus eigene Ästhetiken und Arbeitsweisen entwickelt. Ihre Erfahrungen wurden in den bisherigen Debatten jedoch kaum mitgedacht. Der Sammelband erweitert die Diskussion um Im/Mobilität in den Darstellenden Künsten um eine Disability-Perspektive und versammelt künstlerische Beiträge, Essays und wissenschaftliche Analysen. Auditive Formate, Videos und Zusammenfassungen in Leichter Sprache eröffnen barrierearme Zugänge für ein breiteres Publikum.Der Band erscheint zugleich als MIMOS – Schweizer Jahrbuch Darstellende Künste Nr. 87–2026, herausgegeben von der Schweizerischen Gesellschaft für Theaterkultur (SGTK) mit Unterstützung der Schweizerischen Akademie der Geistes- und Sozialwissenschaften (SAGW). Ein Teil der Auflage enthält eine französischsprachige Broschüre mit Abstracts der Beiträge.

Zugänglichkeit und Verantwortung in den performativen Künsten

Im/Mobile Möglichkeiten

Einzigartige Primärquellen aus einem weitgehend undbekannten Kapitel der DDR-Ballettgeschichte
Erscheint zum 80. Jubiläum der Zeitschrift Theater der Zeit
DDR-Ballett, ostdeutsche Tanzgeschichte und selten aufgeführte Choreografien zwischen 1975 und der späten „Nachwendezeit“: Dieser Band versammelt erstmals wegweisende Rezensionen, Essays und Augenzeugenberichte aus dem Deutschen Tanzarchiv Köln, der seit 1946 bestehenden Zeitschrift Theater der Zeit und aus Tageszeitungen. Ein erfahrener Tanzredakteur, Dietmar Fritzsche, und sein damals junger, heute renommierter Autor, Volkmar Draeger, führen kenntnisreich durch vergessene Bühnenmomente – von Uraufführungen u. a. in Berlin, Dresden, Leipzig bis zu neu inszenierten Werken aus den, wie es offiziell hieß, „befreundeten sozialistischen Ländern“.
Kompakt, fundiert und spannend zeichnet das Buch die Entwicklung des DDR-Balletts nach, beleuchtet künstlerische Höhepunkte, politische Tendenzen, ästhetische Irrwege. Damit bildet das Buch ein unverzichtbares Nachschlagewerk für Tanzwissenschaft, Kulturgeschichte und alle, die ostdeutsche Bühne, Tanzkritik und Ballettgeschichte erkunden möchten.
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Tanz in der DDR von 1975 bis 1997

Die andere Seite

Die Maiausgabe von „Theater der Zeit“ widmet sich im Schwerpunkt dem Thema Teamintendanzen und fragt, wie kollektive Leitungsmodelle Theaterarbeit, Machtverteilung und Verantwortung verändern. In Interviews und Porträts kommen u. a. Thomas Bockelmann, das Leitungsteam des Nationaltheaters Weimar sowie Inka Neubert und Pascal Wieandt vom Theaterhaus G7 Mannheim zu Wort – was sind die Vorteile einer Teamintendanz? Welche Konflikte gibt es? Ist eine geteilte Intendanz wirklich Machtverteilung oder schafft sie neue Abhängigkeiten? Ergänzt wird der Schwerpunkt durch ein Gespräch mit Schauspielerinnen des Theaters Magdeburg über Probenprozesse in der Teamintendanz, das einen konkreten Blick aus der Ensembleperspektive bietet.
Ergänzt durch Beiträge zu den großen Theaterfestivals im Sommer: die Mülheimer Theatertage, das Theatertreffen, das Schweizer Theatertrffen und: Florentina Holzinger über ihren Auftritt bei der Biennale in Venedig!
Drüber hinaus erinnert die Ausgabe an Peter Zadek und Konstanze Lauterbach und würdigt den verstorbenen Autor und Regisseur Alexander Kluge. Wie immer: Stückabdruck (diesmal Robert Seethalers „Vernissage“), eine Kolumne von Max Glauner und eine Buchkritik zur ersten Biografie von Judith Malina.
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Schwerpunkt Teamintendanzen

Florentina Holzinger in Venedig

Das Juni-Heft von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Horror, das Unheimliche auf der Bühne“ und verbindet ästhetische, kulturpolitische und traumagesellschaftliche Perspektiven. Essays von Joseph Pearson und Hannah von Sass, Stefan Keim und Horrorspezialist Jörg Buttgereit untersuchen das Unheimliche in Schauspiel und Musiktheater – das auch bei den Bayerischen Theatertagen in Form von Stephen Kings „The Shining“ als Oper in Regensburg wieder auftaucht.
Das Magazin verhandelt zudem aktuelle Konflikte um Theaterbauten und Kulturpolitik – exemplarisch am Chemnitzer Schauspielhaus.
Das Stück im Juniheft: Kevin Rittbergers „Wunde Stadt“ verhandelt das Attentat von Magdeburg, flankiert von einem Stückgespräch.
Kolumnen von Mateja Meded („Habitus-Passing“) und Lina Wölfel („Wir gehen nicht rein“) reflektieren Klassenverhältnisse, Diversität und Auswahlmacht im Theaterbetrieb, während Berichte von Festivals und Ausstellungen (u. a. Heidelberger Stückemarkt, Bayerische Theatertage, Bühnenbildklasse Düsseldorf, Brecht-Journal) den Blick auf internationale Szenen und Theatergeschichte erweitern.
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Wie gewinnt ein Textvortrag, obwohl er aus wiederholbaren Zeichen besteht, Bühnenpräsenz? Was kann die heutige Sprechausbildung im Schauspielstudium leisten, um die Studierenden darin zu unterstützen?
Helmut Becker geht diesen zentralen Fragen in seiner Dissertation nach. Basierend auf aktuellen Leiblichkeitskonzepten und einem phänomenologisch orientierten Textbegriff analysiert Becker Möglichkeiten der Texterschließung und Textgestaltung an klassischen Werken von Euripides, Shakespeare, Schiller, Kleist, Kafka, Mann, Camus sowie zeitgenössischen Autoren wie Heißenbüttel, Brinkmann und Gernhardt.
Durch die gezielte Schulung von Atemqualitäten und deren Anwendung am Text entsteht ein neues, tiefgehendes Verständnis von Leiblichkeit. Das Buch zeigt, wie ein solches Leibbewusstsein die Lust am Text, an kraftvoller Bühnenpräsenz und authentischer Textperformanz nachhaltig fördert – und richtet sich an Schauspielstudierende, Bühnenprofis sowie alle, die sich für lebendige Textpräsentation, Stimmtraining und performative Literaturvermittlung begeistern.
Mit zahlreichen Hörbeispielen als Audiofiles begleitend zum Lesen.

Die Leiblichkeit der Texte

Wie demokratisch sind unsere Theater? Kulturelle Teilhabe ist die zentrale Herausforderung für Theater und Kulturpolitik – zwischen Sparzwang, Publikumsrückgang und gesellschaftlicher Verantwortung. „Demokratisches Theater“ untersucht erstmals im internationalen Vergleich, wie öffentlich geförderte Theater und Kulturpolitik in Deutschland, England und Frankreich den Auftrag kultureller Teilhabe verstehen und welche Strategien sie dafür entwickeln.Auf Grundlage von Demokratietheorien, Kulturmanagement- und Kulturvermittlungsdiskursen zeigt die empirische Studie von Maria Nesemann deutliche Unterschiede in der theater- und kulturpolitischen Praxis – und im Verständnis davon, worin der gesellschaftliche Auftrag von Theater besteht. Die Publikation macht sichtbar, dass Teilhabe ein komplexer, nicht widerspruchsfreier Begriff ist.Das Buch liefert praxisrelevante Impulse für Theaterschaffende, Kulturpolitik und Forschung und zeigt Wege auf, wie Teilhabe zwischen künstlerischer Autonomie und gesellschaftlicher Öffnung gestaltet werden kann.

Teilhabe am öffentlich geförderten Theater in Deutschland, England und Frankreich

Demokratisches Theater

25 Bühnenbilder von Katrin Brack, entstanden zwischen 2010 und 2025, inklusive ihrer Rauminstallation anlässlich der Verleihung des Goldenen Löwen in Venedig 2017: Die Bildstrecke macht signifikante Gemeinsamkeiten wie auch Brüche und Entwicklungen in diesen 15 Jahren deutlich, die durch die Zusammenarbeit mit u. a. Dimiter Gotscheff, René Pollesch, Luk Perceval, Karin Henkel geprägt ist. Ergänzt wird dieser fotografische Schwerpunkt sowohl von unveröffentlichten Zeichnungen, die Einblicke in Konzeption, Entstehung und Realisation der einzelnen Bühnenarbeiten gewähren, wie von unterschiedlichen Textbeiträgen.
Im Gespräch mit dem Herausgeber Frank M. Raddatz erläutert die Ausnahmebühnenbildnerin die Kunstprinzipien, von denen sie sich leiten lässt. Der Philosoph Robert Pfaller verortet ihre Arbeiten in der jüngeren Kunstgeschichte der Gegenwart, während Birgit Wiens die Spezifika dieser Räume aus theaterwissenschaftlicher Sicht untersucht. Josef Bairlein und Götz Leineweber geben Einblicke in Bracks Lehre an der Kunstakademie München und die kollektive Arbeitsweise ihrer Bühnenbildklasse. Statements von Birgit Minichmayr, Tabea Braun, Sybille Meier, Luk Perceval und Thomas Thieme werfen Licht auf diese lebendigen Bühnen.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank M. Raddatz (Hg.): Bühne / Stage Katrin Brack" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank_m._raddatz_hg._b_hne_stage_katrin_brack&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Bühne / Stage Katrin Brack

„Setting the Stage, Vol. 3 – Contemporary Spaces“ versammelt Positionen zu Bühnenbild und Szenografie aus dem Kunstinsert der Zeitschrift Theater der Zeit und richtet den Blick – im Vorfeld der Prager Quadriennale 2027 – auf die produktive Kraft von Bühne, Raum und Körper für das zeitgenössische Theater. In vier thematischen Kapiteln – Körper/Raum, Politische Topografien, Mediale und digitale Räume sowie Architektur/Natur – zeigen international arbeitende Künstler:innen, wie der Bühnenraum zum aktivierenden Gestaltungsmittel wird. Ihre Arbeiten machen sichtbar, wie aus Abwesenheit Präsenz entsteht, wie Stille Bedeutung trägt und wie Räume politische und ästhetische Aussagen provozieren.Mit Beiträgen u. a. von James Turrell, Anne Imhof, Lars Ramberg, Markus Selg und Henrike Naumann. Gespräche, Porträts, Werkdokumentationen und umfangreiches Bildmaterial eröffnen unmittelbare Einblicke in künstlerische Haltungen und Arbeitsweisen. Der Band setzt die editorische Linie fort, die Theater der Zeit mit den Vorgängerbänden „Das Bild der Bühne“ (1998) und „Setting the Stage, Vol. 2“ (2015) etabliert hat.

Contemporary Spaces

Setting the Stage, Vol. 3

Mensch-Technik-Verhältnis auf der Bühne
Inszenierungspraktiken und Kooperationsmodi
Ausgehend von der Frage nach einem post-anthropozentrischen Verständnis von Theater entfaltet Marcel J. V. Kieslich in seiner Studie eine theoretisch wie praktisch fundierte Untersuchung der szenischen Robotik. Im Zentrum steht die Analyse mehr-als-menschlicher Relationen und ihrer ästhetischen wie ontologischen Implikationen für die performativen Künste. Kieslich entwickelt auf dieser Basis neue Inszenierungspraktiken, die den Roboter nicht allein als technisches Artefakt, sondern als relationales Gegenüber begreifen. Dieses Spannungsfeld zwischen algorithmischer Steuerung und emergenter Autonomie fasst er unter dem Begriff der „Informierten Unbestimmtheit“. Im Zusammenspiel von Kunst- und Wissenschaftsforschung skizziert das Buch Kooperationsmodi, die das Verhältnis von Mensch und Technik in der Theaterpraxis neu bestimmen und einen Beitrag zur aktuellen Debatte um posthumanistische Ansätze in der Theaterforschung leisten.
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Zur Robotik im Theater

Informierte Unbestimmtheit

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