Ruhrtriennale: „West Side Bowie“ ohne Story

Wie Theater sein Publikum bildet

Von Kulturerbe, Ikonen und Ressourcen

13. Juli bis 17. Juli 2026

Blitz, Donner, Antike

Schneisen in die Gegenwart schlagen

Wir gehen rein

Einführung in die szenische Robotik

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Der Klebstoff von Benneckenstein

Im Kunstfest Weimar stoßen Randerscheinungen ins Zentrum vor

Mittwoch, 24. Juni 2026

Es geht um ein Theater neuen Typs

Thomas Rühmann und Tobias Morgenstern haben ein Faible für Aussteiger und Sonderlinge. In ihrem Theater am Rand, idyllisch unterhalb eines Oderdeiches mit Blick auf die grünen Auen gelegen, zeichneten sie bereits die skurrilen Lebenswege von Besitzern eines Akkordeons nach und nahmen die Biografie des Polarforschers John Franklin zum Anlass, über Langsamkeit zu sinnieren. In „Kabakon oder Die Retter der Kokosnuss“ haben sie sich eines anderen Sonderbaren angenommen: August Engelhardt, 1875 in Nürnberg geboren, war Vegetarier, Nudist, Kokosnuss-Anbeter und Kolonist im damaligen Deutsch-Neuguinea. Rühmann, Serienstar des MDR und mit Morgenstern Gründer des Theaters, hatte den Stoff schon seit 2014 parat, wenige Jahre nach Erscheinen der Bücher von Christian Kracht und Marc Buhl, die Engelhardt zwei literarische Denkmale setzten. „Imperium“ von Kracht lieferte die Vorlage für das Stück. Engelhardt gelangte 1902 in die Süd­see. Auf der Insel Kabakon wollte er sein Leben ganz der Kokosnuss widmen. Von deren Fruchtfleisch ernährte er sich, was Mangel­erschei­nungen nach sich zog. Er konnte sich aber damit brüsten, dass einer seiner glühendsten Verehrer, der Berliner Musiker Max Lützow, auf Kabakon dank der Kokosnussdiät alle Zivilisa­tionsleiden loswurde. Das zog Follower an, die Deutschland verließen und auf Kabakon siedeln wollten. Das Deutschland unmittelbar vor dem Ersten Weltkrieg muss wilder...

Theater am Rand: „Kabakon oder Die Retter der Kokosnuss“ nach dem Roman „Imperium“ von Christian Kracht. Regie und Bühne Thomas Rühmann und Tobias Morgenstern, Kostüme Aenne Plaumann

Zollbrücke / Oderbruch: Die Kokosnussknacker vom Rande

„Was uns alle bedroht, sind die Angriffe auf Pluralität“

Geplatzte Träume und umkämpfte Kompromisse

„Is my future all in the past?“

Auf neuen Wegen

Die Kunst der Verteidigung

Thalia Theater Hamburg: Erinnern allein genügt nicht

Bregenzer Festspiele: Scherben ohne Schock

Landkulturperle im Odenwald

Sex als Krieg!

Salzburger Festspiele: Die Überflugkraft des Unnützen

Die Zeiten werden turbulenter, aber der Ideenreichtum nimmt zu. Das Theater am Rand arbeitet mittlerweile mit neuen Regisseur:innen und schickte die aktuelle Neuproduktion „Rudimentär | Die Marmeladenesser“ auch von der Oder in den ländlichen Raum Sachsen-Anhalts. „Für uns ist es wichtig, jüngere und neue Leute zu holen und neue Kooperationen einzugehen“, sagt Almut Undisz, Geschäftsführerin des Theaters am Rand. Die alten Heroen Thomas Rühmann und Tobias Morgenstern sind mit eigenen Produktionen zwar noch immer am Haus. Aber nach internen Konflikten, die sich mit dem <a href="https://tdz.de/artikel/a8cf5739-eaa9-4e88-8ed9-e3f497af3edc">Streit um die Vergabe des Bundesverdienstkreuzes</a> an die beiden entzündeten (TdZ 1/22), gehen sie künstlerisch getrennte Wege. Sich anderen Akteuren zu öffnen, macht für das Theater also Sinn. Den Anfang machte der Berliner Regisseur Benjamin Zock. Im Doppelabend „Rudimentär | Die Marmeladenesser“ erkundet er das häusliche wie das gesellschaftliche Elend und operiert mit zahlreichen Gegensatzpaaren. Schon die Autoren selbst liefern einen starken Kontrast. August Stramm war Kriegsfreiwilliger und kam 1915 in den Weiten des heutigen Belarus um. Hans Henny Jahnn ging hingegen als Kriegsdienstgegner nach Norwegen. Ihre Texte sind komplementär zueinander. Stramms „Rudimentär“ malt ­bitterböse den nicht gelingenden Suizid eines Berliner Unterschichtspärchens aus. Denn das Gas, das das Leben nehmen soll, ist wegen mangelnder Abschlagszahlungen längst...

Das Theater am Rand im Oderbruch erweitert seine Horizonte

Stabilisiert und auf Tour im ländlichen Raum

Theater des Ungehorsams

Salzburger Festspiele: Die Schlachthöfe der KI

Theater der Welt in Chemnitz: Den Affen spielen, den Menschen sezieren

Über Freundschaft in Zeiten des Otorop

Die öffentliche Storchzählung beginnt in dem Ort Zollbrücke im Oderbruch erst in diesem Jahrtausend. Sie verzeichnet kontinuierliche Zuwächse, wie auf einer Tafel in dem kleinen Ort im Schatten des Oderdeichs zu entnehmen ist. Noch vor den hier vermerkten Störchen kamen der Musiker Tobias Morgenstern und der Schauspieler Thomas Rühmann und gründeten das Theater am Rand. Es wurde berühmt, weil man hier Austritt statt Eintritt zahlt. „Hier merkt’s keiner“ – das war der Satz, der die Gründungsstimmung an der Oder vor zwanzig Jahren prägte, erinnert sich Almut Undisz, Frau der ersten Stunde und mittlerweile Geschäftsführerin des Theaters am Rand. „Gründung kann man das eigentlich gar nicht nennen. Es ist einfach passiert“, wirft Tobias Morgenstern ein, einer der beiden Gründer, nein: Geschehenlasser hier kurz vor dem Deich. Passiert ist dieses Theater, weil Morgenstern und Rühmann gemeinsam ein Stück entwickelt hatten. „Wort und Musik gleichberechtigt, beides miteinander und ineinander verflochten“, wie Morgenstern die Arbeitsweise beschreibt. Das Problem: Die Worte stammten aus einem Roman. Und die Rechte waren nicht zu bekommen. Gespielt haben die beiden trotzdem. In der Stube des Hauses des einstigen Zimmermanns von Zollbrücke, vor Freunden und Bekannten. In der bangen Hoffnung, hier merke es doch keiner. Unbemerkt ist das Theater trotz...

Das Theater am Rand im Oderbruch feiert sein zwanzigjähriges Bestehen – und kann auf eine einzigartige Entwicklung zurückblicken

Selbstbestimmung und Gefährdung

Radikale Ästhetiken in Zeiten des Rechtsrucks

HAU Berlin: Das Abendmahl der Menschenfresserinnen

Ohne Not und Sachverstand

Die Absicht, eine Mauer zu bauen

„Es wird eine Kultur der Veteranen geben“

Erleuchtung und Ernüchterung

Was macht das Theater, Daniel Morgenroth?

Festival d’Avignon: Das Böse als Barspektakel

Chemnitzer Stempel

Diversität als Festivaldramaturgie

Der Wald, der nicht vergisst

Haltepunkt – Bushaltestellen im Oderbruch

Eigentlich sollten Tobias Morgenstern und Thomas Rühmann, Gründer und Organisatoren des Theaters am Rand in Zollbrücke, in diesem Herbst mit dem Bundesverdienstkreuz geehrt werden. Kurz vor der Zeremonie wurde die ­Ehrung aber zurückgezogen. Offizielle Begründung: Die Ordenswürdigkeit von Morgenstern sei nicht mehr gewährleistet. Das wirft Fragen auf: Danach, wie ordenswürdig künstlerisches Tun überhaupt zu sein hat und wie viele Kontroversen eine Gesellschaft aushalten kann und sollte. Dem Theater selbst sieht man die Affäre nicht an. Der alte Oderkahn, der manchmal als Theaterkulisse dient, rostet gelassen weiter vor sich hin. Das Publikum strömte wie gewohnt zur Aufführung der allerersten Operette des Theaters in den unter Nachhaltigkeits­aspekten konstruierten Theaterbau. In „Das heißbegehrte Haus“, Libretto vom Lieder­macher Hans-Eckardt Wenzel, Komposition von Morgenstern, stand Morgenstern auch auf der Bühne. Die Finger glitten wie gewohnt über die Tasten des Klaviers und die Tasten und Knöpfe des Akkordeons. Rühmann saß im Zuschauerraum. Dennoch ist nicht alles wie immer. Die Bundesverdienstkreuzdebatte hat zu einem Riss zwischen den Partnern geführt. „Wir haben uns entschieden, nicht mehr gemeinsam auf der Bühne zu stehen. Das bedeutet auch, wir spielen vorerst unser Repertoire nicht mehr“, erzählt Morgenstern Theater der Zeit. Die Ursache der Entfremdung kann man auf Ende September datieren....

Trouble um das Bundesverdienstkreuz für Tobias Morgenstern

Fragile Normalität

Ruhrtriennale: Brustmassage über Gräbern

Schauspiel Frankfurt: Kanonenfutter, sprich!

Hacken für das Theater

Die Schreie der Opfer in den Kriegen der Welt

Milliardenprojekt mit ungewisser Zukunft

Ruhrtriennale/Deutsches Theater Berlin: Kindertheater für alle

Lausitz Festival: Pathos-Supernova im Hangar

Programmgestaltung im Ausnahmezustand – eine Bestandsaufnahme

Ins Offene der Möglichkeiten

Neuköllner Oper: Kein Applaus bei einer Premiere?!

Zwischen Gegenwartsdrang und Festivalmüdigkeit

„Wir bauen an einem Ort der Demokratie“

In unsicheren Zeiten

Jenseits des Schubladendenkens

Bayreuther Festspiele: Friedensboten als Taubenplage

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Auftritt

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Klimawandel

Corona

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

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Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

Bericht

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Was macht das Theater...?

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Keine Spielstätte

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Weihnachtsrevue

Kabakon oder Die Retter der Kokosnuss

Die Eisheiligen

Gott ist zu langsam

Theater am Rand

Das Theater am Rand ist ein privates Theater im Dorf Zollbrücke direkt am Grenzfluss Oder (Brandenburg, Landkreis Märkisch-Oderland). Die Bühnenrückwand des urigen Holzhauses ohne rechte Winkel lässt sich öffnen. Das gibt den Blick frei auf die weiten Oderbruchwiesen und spektakuläre Sonnenuntergänge. Es gilt „Eintritt bei Austritt“ nach eigenem Ermessen: die Zuschauer zahlen, was ihnen Kultur wert ist.

Das Theater am Rand ist ein privates Haus- und Freiluft-Theater in der Siedlung Zollbrücke (Ortsteil Zäckericker Loose, Gemeinde Oderaue, Landkreis Märkisch-Oderland, Land Brandenburg) an der Oder gelegen, der östlichen Grenze Deutschlands. Die Anregung für den Namen gab allerdings nicht dieser geografische Rand, sondern das Lied am Rand des Liedermachers Hans-Eckardt Wenzel, der bis heute regelmäßig in dem Theater auftritt.

"Vorstellungsbuch"

Theater der Zeit 9/2026

Die Einakter „Rudimentär | Die Marmeladenesser“ in der Regie von Benjamin Zock

"Theater am Rand"

Tobias Morgenstern und Thomas Rühmann.

Die Mobilität von Tanz- und Theaterproduktionen wächst: Festivals und Häuser zeigen vermehrt Gastspiele und entwickeln transnationale Koproduktionen. Zugleich wird diese Praxis kritisch hinterfragt. Seit der Covid-19-Pandemie haben hybride Formate zugenommen, Aufführungen verlagerten sich auf den Bildschirm, und neue Strategien entstanden, die ohne Live-Publikum vor Ort funktionieren. Auch im Hinblick auf Klimagerechtigkeit stellt sich die Frage nach verantwortungsvollen Zirkulationsformen. Behinderte Theater- und Tanzschaffende haben schon längst Erfahrungen mit erschwerter Mobilität gemacht und daraus eigene Ästhetiken und Arbeitsweisen entwickelt. Ihre Erfahrungen wurden in den bisherigen Debatten jedoch kaum mitgedacht. Der Sammelband erweitert die Diskussion um Im/Mobilität in den Darstellenden Künsten um eine Disability-Perspektive und versammelt künstlerische Beiträge, Essays und wissenschaftliche Analysen. Auditive Formate, Videos und Zusammenfassungen in Leichter Sprache eröffnen barrierearme Zugänge für ein breiteres Publikum.Der Band erscheint zugleich als MIMOS – Schweizer Jahrbuch Darstellende Künste Nr. 87–2026, herausgegeben von der Schweizerischen Gesellschaft für Theaterkultur (SGTK) mit Unterstützung der Schweizerischen Akademie der Geistes- und Sozialwissenschaften (SAGW). Ein Teil der Auflage enthält eine französischsprachige Broschüre mit Abstracts der Beiträge.

Zugänglichkeit und Verantwortung in den performativen Künsten

Im/Mobile Möglichkeiten

Einzigartige Primärquellen aus einem weitgehend undbekannten Kapitel der DDR-Ballettgeschichte
Erscheint zum 80. Jubiläum der Zeitschrift Theater der Zeit
DDR-Ballett, ostdeutsche Tanzgeschichte und selten aufgeführte Choreografien zwischen 1975 und der späten „Nachwendezeit“: Dieser Band versammelt erstmals wegweisende Rezensionen, Essays und Augenzeugenberichte aus dem Deutschen Tanzarchiv Köln, der seit 1946 bestehenden Zeitschrift Theater der Zeit und aus Tageszeitungen. Ein erfahrener Tanzredakteur, Dietmar Fritzsche, und sein damals junger, heute renommierter Autor, Volkmar Draeger, führen kenntnisreich durch vergessene Bühnenmomente – von Uraufführungen u. a. in Berlin, Dresden, Leipzig bis zu neu inszenierten Werken aus den, wie es offiziell hieß, „befreundeten sozialistischen Ländern“.
Kompakt, fundiert und spannend zeichnet das Buch die Entwicklung des DDR-Balletts nach, beleuchtet künstlerische Höhepunkte, politische Tendenzen, ästhetische Irrwege. Damit bildet das Buch ein unverzichtbares Nachschlagewerk für Tanzwissenschaft, Kulturgeschichte und alle, die ostdeutsche Bühne, Tanzkritik und Ballettgeschichte erkunden möchten.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank-Manuel Peter (Hg.): Die andere Seite. Tanz in der DDR von 1975 bis 1997" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank-manuel_peter_hg._die_andere_seite._tanz_i&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Tanz in der DDR von 1975 bis 1997

Die andere Seite

Zollbrücke im Oderbruch. Ein Ort am Ende der Welt? Nein, ein Ort für Anfänge. Am Anfang war die Idee für ein Theater. Das Theater am Rand. Verwirklicht von dem Musiker Tobias Morgenstern und dem Schauspieler Thomas Rühmann. Im Wohnzimmer des Musikers beginnt hier eine Geschichte, die nun schon seit 20 Jahren weitererzählt wird und mit Worten und Klängen längst ein eigenes kühnes Theatergebäude füllt. Umgeben von rauer poetischer Natur werden im Theater am Rand mit vielen Mitstreitern unermüdlich neue Anfänge gewagt: Neue eigene Stücke, neue Gastspiele, neue Räume, neue Fragen an die Kunst und zum Miteinander und Überleben der Menschen. Eigensinnig und leise, was zu genauem Zuhören zwingt – auch das ein neuer Anfang im sonst ohrenbetäubenden Lärm der sich gefährlich schnell drehenden Welt. Das neue Vorstellungsbuch, das zum 20. Geburtstag des Theaters am Rand erscheint, bietet mit vielen Fotos, Bildern und hintergründigen Texten kostbare Momente eines fortdauernden Aufbruchs.

Vorstellungsbuch Zwei – Bilder zum 20. Geburtstag

Die Maiausgabe von „Theater der Zeit“ widmet sich im Schwerpunkt dem Thema Teamintendanzen und fragt, wie kollektive Leitungsmodelle Theaterarbeit, Machtverteilung und Verantwortung verändern. In Interviews und Porträts kommen u. a. Thomas Bockelmann, das Leitungsteam des Nationaltheaters Weimar sowie Inka Neubert und Pascal Wieandt vom Theaterhaus G7 Mannheim zu Wort – was sind die Vorteile einer Teamintendanz? Welche Konflikte gibt es? Ist eine geteilte Intendanz wirklich Machtverteilung oder schafft sie neue Abhängigkeiten? Ergänzt wird der Schwerpunkt durch ein Gespräch mit Schauspielerinnen des Theaters Magdeburg über Probenprozesse in der Teamintendanz, das einen konkreten Blick aus der Ensembleperspektive bietet.
Ergänzt durch Beiträge zu den großen Theaterfestivals im Sommer: die Mülheimer Theatertage, das Theatertreffen, das Schweizer Theatertrffen und: Florentina Holzinger über ihren Auftritt bei der Biennale in Venedig!
Drüber hinaus erinnert die Ausgabe an Peter Zadek und Konstanze Lauterbach und würdigt den verstorbenen Autor und Regisseur Alexander Kluge. Wie immer: Stückabdruck (diesmal Robert Seethalers „Vernissage“), eine Kolumne von Max Glauner und eine Buchkritik zur ersten Biografie von Judith Malina.
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Schwerpunkt Teamintendanzen

Florentina Holzinger in Venedig

Das Juni-Heft von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Horror, das Unheimliche auf der Bühne“ und verbindet ästhetische, kulturpolitische und traumagesellschaftliche Perspektiven. Essays von Joseph Pearson und Hannah von Sass, Stefan Keim und Horrorspezialist Jörg Buttgereit untersuchen das Unheimliche in Schauspiel und Musiktheater – das auch bei den Bayerischen Theatertagen in Form von Stephen Kings „The Shining“ als Oper in Regensburg wieder auftaucht.
Das Magazin verhandelt zudem aktuelle Konflikte um Theaterbauten und Kulturpolitik – exemplarisch am Chemnitzer Schauspielhaus.
Das Stück im Juniheft: Kevin Rittbergers „Wunde Stadt“ verhandelt das Attentat von Magdeburg, flankiert von einem Stückgespräch.
Kolumnen von Mateja Meded („Habitus-Passing“) und Lina Wölfel („Wir gehen nicht rein“) reflektieren Klassenverhältnisse, Diversität und Auswahlmacht im Theaterbetrieb, während Berichte von Festivals und Ausstellungen (u. a. Heidelberger Stückemarkt, Bayerische Theatertage, Bühnenbildklasse Düsseldorf, Brecht-Journal) den Blick auf internationale Szenen und Theatergeschichte erweitern.
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Horror, das Unheimliche auf der Bühne

Wie gewinnt ein Textvortrag, obwohl er aus wiederholbaren Zeichen besteht, Bühnenpräsenz? Was kann die heutige Sprechausbildung im Schauspielstudium leisten, um die Studierenden darin zu unterstützen?
Helmut Becker geht diesen zentralen Fragen in seiner Dissertation nach. Basierend auf aktuellen Leiblichkeitskonzepten und einem phänomenologisch orientierten Textbegriff analysiert Becker Möglichkeiten der Texterschließung und Textgestaltung an klassischen Werken von Euripides, Shakespeare, Schiller, Kleist, Kafka, Mann, Camus sowie zeitgenössischen Autoren wie Heißenbüttel, Brinkmann und Gernhardt.
Durch die gezielte Schulung von Atemqualitäten und deren Anwendung am Text entsteht ein neues, tiefgehendes Verständnis von Leiblichkeit. Das Buch zeigt, wie ein solches Leibbewusstsein die Lust am Text, an kraftvoller Bühnenpräsenz und authentischer Textperformanz nachhaltig fördert – und richtet sich an Schauspielstudierende, Bühnenprofis sowie alle, die sich für lebendige Textpräsentation, Stimmtraining und performative Literaturvermittlung begeistern.
Mit zahlreichen Hörbeispielen als Audiofiles begleitend zum Lesen.

Die Leiblichkeit der Texte

Yair Sherman: Theater und Israel

Kinder- und Jugendtheater

Zollbrücke: 18 Häuser an der Oder, 80 Kilometer östlich von Berlin, keine Brücke, kein Zoll. Hier haben sich 1998 die Künstler Tobias Morgenstern und Thomas Rühmann einen Traum erfüllt und ein Theater gegründet, das Theater am Rand. Es ist mehr als nur eine Bühne: Der Musiker, Bauherr, Intendant und Pläneschmieder Tobias Morgenstern und sein Kompagnon Thomas Rühmann, der Leipziger Schauspieler und Star der Arztserie „In aller Freundschaft", haben hier, ganz am Rand der Republik, einen Ort für Eigensinn und Unabhängigkeit erfunden, einen Treffpunkt für Verrückte, Visionäre, Denkende. Das „Vorstellungsbuch" zeigt liebevoll illustriert das künstlerische, ökologische und soziale Modell des Theaters am Rand: Ein Vorstellungsbuch im wahrsten Sinne des Wortes!

Vorstellungsbuch

Intendanten über ein neues politisches Selbstverständnis

Deutsche Zustände

Oliver Bukowski: „Warten auf’n Bus“

Wie demokratisch sind unsere Theater? Kulturelle Teilhabe ist die zentrale Herausforderung für Theater und Kulturpolitik – zwischen Sparzwang, Publikumsrückgang und gesellschaftlicher Verantwortung. „Demokratisches Theater“ untersucht erstmals im internationalen Vergleich, wie öffentlich geförderte Theater und Kulturpolitik in Deutschland, England und Frankreich den Auftrag kultureller Teilhabe verstehen und welche Strategien sie dafür entwickeln.Auf Grundlage von Demokratietheorien, Kulturmanagement- und Kulturvermittlungsdiskursen zeigt die empirische Studie von Maria Nesemann deutliche Unterschiede in der theater- und kulturpolitischen Praxis – und im Verständnis davon, worin der gesellschaftliche Auftrag von Theater besteht. Die Publikation macht sichtbar, dass Teilhabe ein komplexer, nicht widerspruchsfreier Begriff ist.Das Buch liefert praxisrelevante Impulse für Theaterschaffende, Kulturpolitik und Forschung und zeigt Wege auf, wie Teilhabe zwischen künstlerischer Autonomie und gesellschaftlicher Öffnung gestaltet werden kann.

Teilhabe am öffentlich geförderten Theater in Deutschland, England und Frankreich

Demokratisches Theater

25 Bühnenbilder von Katrin Brack, entstanden zwischen 2010 und 2025, inklusive ihrer Rauminstallation anlässlich der Verleihung des Goldenen Löwen in Venedig 2017: Die Bildstrecke macht signifikante Gemeinsamkeiten wie auch Brüche und Entwicklungen in diesen 15 Jahren deutlich, die durch die Zusammenarbeit mit u. a. Dimiter Gotscheff, René Pollesch, Luk Perceval, Karin Henkel geprägt ist. Ergänzt wird dieser fotografische Schwerpunkt sowohl von unveröffentlichten Zeichnungen, die Einblicke in Konzeption, Entstehung und Realisation der einzelnen Bühnenarbeiten gewähren, wie von unterschiedlichen Textbeiträgen.
Im Gespräch mit dem Herausgeber Frank M. Raddatz erläutert die Ausnahmebühnenbildnerin die Kunstprinzipien, von denen sie sich leiten lässt. Der Philosoph Robert Pfaller verortet ihre Arbeiten in der jüngeren Kunstgeschichte der Gegenwart, während Birgit Wiens die Spezifika dieser Räume aus theaterwissenschaftlicher Sicht untersucht. Josef Bairlein und Götz Leineweber geben Einblicke in Bracks Lehre an der Kunstakademie München und die kollektive Arbeitsweise ihrer Bühnenbildklasse. Statements von Birgit Minichmayr, Tabea Braun, Sybille Meier, Luk Perceval und Thomas Thieme werfen Licht auf diese lebendigen Bühnen.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank M. Raddatz (Hg.): Bühne / Stage Katrin Brack" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank_m._raddatz_hg._b_hne_stage_katrin_brack&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Bühne / Stage Katrin Brack

„Setting the Stage, Vol. 3 – Contemporary Spaces“ versammelt Positionen zu Bühnenbild und Szenografie aus dem Kunstinsert der Zeitschrift Theater der Zeit und richtet den Blick – im Vorfeld der Prager Quadriennale 2027 – auf die produktive Kraft von Bühne, Raum und Körper für das zeitgenössische Theater. In vier thematischen Kapiteln – Körper/Raum, Politische Topografien, Mediale und digitale Räume sowie Architektur/Natur – zeigen international arbeitende Künstler:innen, wie der Bühnenraum zum aktivierenden Gestaltungsmittel wird. Ihre Arbeiten machen sichtbar, wie aus Abwesenheit Präsenz entsteht, wie Stille Bedeutung trägt und wie Räume politische und ästhetische Aussagen provozieren.Mit Beiträgen u. a. von James Turrell, Anne Imhof, Lars Ramberg, Markus Selg und Henrike Naumann. Gespräche, Porträts, Werkdokumentationen und umfangreiches Bildmaterial eröffnen unmittelbare Einblicke in künstlerische Haltungen und Arbeitsweisen. Der Band setzt die editorische Linie fort, die Theater der Zeit mit den Vorgängerbänden „Das Bild der Bühne“ (1998) und „Setting the Stage, Vol. 2“ (2015) etabliert hat.

Contemporary Spaces

Setting the Stage, Vol. 3

Mensch-Technik-Verhältnis auf der Bühne
Inszenierungspraktiken und Kooperationsmodi
Ausgehend von der Frage nach einem post-anthropozentrischen Verständnis von Theater entfaltet Marcel J. V. Kieslich in seiner Studie eine theoretisch wie praktisch fundierte Untersuchung der szenischen Robotik. Im Zentrum steht die Analyse mehr-als-menschlicher Relationen und ihrer ästhetischen wie ontologischen Implikationen für die performativen Künste. Kieslich entwickelt auf dieser Basis neue Inszenierungspraktiken, die den Roboter nicht allein als technisches Artefakt, sondern als relationales Gegenüber begreifen. Dieses Spannungsfeld zwischen algorithmischer Steuerung und emergenter Autonomie fasst er unter dem Begriff der „Informierten Unbestimmtheit“. Im Zusammenspiel von Kunst- und Wissenschaftsforschung skizziert das Buch Kooperationsmodi, die das Verhältnis von Mensch und Technik in der Theaterpraxis neu bestimmen und einen Beitrag zur aktuellen Debatte um posthumanistische Ansätze in der Theaterforschung leisten.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" title="Marcel Kieslich: Informierte Unbestimmtheit. Robotik im Theater" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=marcel_kieslich_informierte_unbestimmtheit._robot&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Zur Robotik im Theater

Informierte Unbestimmtheit

Die sechste Ausgabe der VOICES wechselt die Blickrichtung: weg von der Bühne und hinein in den Publikumsraum. Sie schaut auf diejenigen, die Zeitgenössische Zirkusveranstaltungen besuchen und auf diejenigen, die sie nicht besuchen. Sie fragt nach Zugänglichkeit, Zirkustrends und dem Zirkuserlebnis Was passiert eigentlich zwischen Bühne und Publikumsraum? Wie erleben Zuschauer:innen eine Aufführung? Was verbirgt sich hinter der „Dramaturgie des Risikos“? Wo gibt es Feedbackschleifen und wann Gemeinschaftsgefühle? 
Das Magazin lädt dazu ein, genauer hinzuschauen – und sich selbst zu hinterfragen. Es bricht mit gängigen Zuschreibungen und eröffnet neue Denk- und Erfahrungsräume. Ganz im Sinne des Mottos „Come Closer“ vom Circus Dance Festival 2026 in Köln rücken partizipative Formate und aktuelle Trends der Zirkusproduktion ins Zentrum. VOICES VI betrachtet Möglichkeiten, Verantwortung, interaktive Strategien und Wünsche von Zirkusschaffenden, Programmverantwortlichen, Stadtplaner:innen – und natürlich vom Publikum selbst. Eine Einladung, näherzukommen.
23.05.26, 11 Uhr: Heft-Präsentation und Gespräch im Rahmen des Circus Dance Festivals 2026.
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Zirkus und Publikum (VOICES VI)

reach out

Exklusive Einblicke in bisher unveröffentlichtes Bildmaterial eines preisgekrönten Kinder- und Jugendtheaters
Praxisnahe Inspiration für Pädagog:innen und Kulturschaffende
Seit 40 Jahren sprudelt in Nürnberg „die Pfütze“ – unerschöpflich, lebendig, widerspenstig. Was als kleine, private Initiative begann, ist heute ein einzigartiges Haus für junges Publikum: ein Ort, an dem Musik, Sprache und Bewegung zu einer eigenen, poetischen Ästhetik verschmelzen. Dieses Buch erzählt von Menschen, Ideen und Zufällen, die das theater pfütze geprägt haben – von Aufbrüchen, einem Theaterneubau und der unerschütterlichen Überzeugung, dass Kunst kein Alter kennt und Bewusstsein für gesellschaftliche Verantwortung braucht. Es ist eine Hommage an die Neugier, den Humor, das Staunen und an viele Künstler:innen, die dieses Haus mitgestaltet haben sowie an sein treues Publikum. Doch der Blick geht weiter: in die Zukunft eines Theaters, das nie stehen bleibt, das sich neu erfindet und fragt, was und wie wir morgen erzählen wollen. „Pfütze“ – das ist kein Name, sondern eine Haltung: spielerisch, tief, frei.
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40 Jahre theater pfütze

Mutige Sprünge und große Wellen

Einzigartige Datentiefe: Interviews und empirische Belege veränderter Programmgestaltung nach der Pandemie
Praxisrelevante Insights
Wie behauptet sich öffentlich finanziertes Theater, wenn Bühnen schließen müssen? Angelika Endres zeigt in ihrer interdisziplinären Studie, dass die Lockdowns die Häuser in Deutschland, England und der Schweiz nicht lähmten, sondern einen bemerkenswerten Wandel in der Programmgestaltung auslösten. Streaming-Premieren, XR-Inszenierungen, partizipative Stadtteilprojekte, Diskursformate und sogar medizinische Angebote erweiterten das Repertoire. Auf Basis von 25 Formattypen, Angebotsanalysen und 33 Expert*innen-Interviews belegt Endres, dass Theater auf den gestiegenen Legitimationsdruck mit neuen Rollen reagieren: als Gemeinschaftsraum, „Dritter Ort“, Placemaker und Labor angewandter Praxis. Der Begriff „Reformatting Turn“ markiert diesen Paradigmenwechsel, der klassische Spartengrenzen auflöst und Kopräsenz um digitale Ko-Zeitlichkeit ergänzt. Das Buch liefert praxisnahe Argumente für Kulturpolitik, Dramaturgie und Wissenschaft – und beantwortet die Frage, was Theater künftig alles sein kann.

Neuformatierung, Transformation, Legitimation

Theater in der Pandemie

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