Theater Aachen: Silbenflimmern im ewigen Krieg

Hessisches Landestheater Marburg: Habt ihr nichts gelernt?

Galilei und Brecht und Ost und West

Die Grenzen zwischen Dokumentation und Fiktion verwischen

Das Gym, die Bühne und ein Gebirge aus Bildern

Dienstag, 12. Mai 2026

Schreibt den Mehrtürer!

Einsam steht Frankenstein im Raum. Eine Plastikmaske entstellt das Gesicht. Lockige Haare hängen ihm wirr ins Gesicht. Der Ausgestoßene atmet schwer. Licht- und Schattenspiele lassen die Szenerie unheimlich wirken. „Soll ich die Menschen achten, wenn sie mich verachten?“ Die Frage verhallt ungehört im Raum. Die Geschichte des Geschöpfs, das aus Leichenteilen zusammengesetzt sein soll, hat die englische Schriftstellerin Mary Shelley in ihrem 1818 veröffentlichten Roman erzählt. Damit begründete sie nicht nur das Science-Fiction-Genre. Gestern wie heute triggert das Monster die grausamsten Fantasien seines Publikums. Solche Zuschreibungen verwischt Nazli Saremi im Studio des Nationaltheaters Mannheim in ihrem poetisch schaurigen Regiedebüt. Die Faszination von Shelleys anmutiger Sprachkunst überstrahlt die Textfassung. Gemeinsam mit ihrem Regieteam hat Saremi den Gruselklassiker in einen Bilderbogen vom Sterben der Lebensträume und Gefühle übersetzt. Monströse Motive sucht das Publikum in Marco Pinheiros Kostümen vergeblich. Mit angedeuteten Rüschen und Gehröcken zitiert er die Mode des frühen 19. Jahrhunderts. Minimalistisch kalt hat Nora Müller den Bühnenraum konstruiert. Auf zwei Ebenen begegnen sich die Figuren. Sie verstehen einander nicht. Stimmungen spiegelt die Künstlerin nicht nur mit Schattenspielen. Wenn die Gefühle die Menschen überfluten, arbeitet sie mit Videokunst und gerade die Schnittstellen zwischen Theater und Film wirken besonders virtuos. „Glaube mir, ich...

„Frankenstein“ nach dem Roman von Mary Shelley – Regie Nazli Saremi, Bühne Nora Müller, Kostüme Marco Pinheiro

Nationaltheater Mannheim: Das Monster triggert zärtliche Gefühle  

Biennale München: Tanz mit Karla 

Das Begreifen, der Begriff, die Begrifflichkeit

Zwischen Kung-Fu und Beckett

Von wegen Provinztheater

Nur das Beste des Schweizer Theaters

Süß-saurer Einheitsbrei bremst kulturelle Vielfalt

Eine neue Form des Lebens

Festakt und Vielfalt

Was macht das Theater, Barbara Bily?

Sogar für Festivalpublikum

Zu schön, um wahr zu sein?

Junges Theater in Kriegs- und Krisenzeiten

Schauspiel Leipzig: Deutschland im Märchenwald

Die Hexen sind Putzfrauen. Sie müssen viel Blut weg schrubben, denn ihr Arbeitgeber ist Macbeth, der sich in Giuseppe Verdis Shakespeare-Oper auf den Thron massenmordet. In der Inszenierung von Robert Carsen, die über Jahrzehnte an verschiedenen Opernhäusern gespielt wurde, ist die Oper pures Horror-Musiktheater mit psychologisch feinsinnigen, aber auch schockierenden Effekten. Wenn Macbeth, der mit seiner ordensübersäten Uniform an osteuropäische Diktatoren und ganz konkret an Ceausescu erinnert, zum Bankett lädt, entgleitet ihm die Kontrolle. Zum dramatischen Aktfinale erhebt sich nicht nur das Gespenst Banquos. Der gesamte Chor hat plötzlich Einschusslöcher in der Stirn und wankt zombieartig auf das Publikum zu. Zum letzten Akkord saust der Vorhang herab. Und ich saß im Publikum wie in einem guten Horrorfilm, starr, atemlos, ich musste erst wieder in die normale Welt zurückfinden. Die Oper und der Horror gehören zusammen, schon immer. Der Urmythos des Musiktheaters erzählt von Orfeo und seinem Abstieg in die Unterwelt, um die geliebte Euridice der Welt des Todes zu entreißen. Orfeo ist ein Sänger, ausschließlich durch die betörende Kraft seiner Stimme kann er die finsteren Gestalten erweichen. Also gab es eine logische Begründung, warum gesungen werden musste. Der Kampf der Schönheit gegen die Dunkelheit gehörte schon bei Claudio Monteverdi in...

Staatsoper Stuttgart: Klangarchiv der Sehnsüchte

Martialisch brachiale „Tom &amp; Jerry-Gewaltorgien. Zuckersüße Liebesanbahnungen. Eine schlammgeborene, Frankenstein’sche Aphrodite namens Ingrid. Alles irgendwie eine zur Manie gewordene anale Phase. Mitten aus der ärgsten Popvermüllung heraus die rührende Liebe zur klassischen Oper. Arien getreu dem Motto geschmettert: Not because I can, but because I love to. Natürlich muss der Penis ab, bevor ein Gynt fliegen kann. Die unsterbliche Mutter wird vermöbelt, zig Mal abgeknallt, doch zuletzt am Sterbe­bett bricht aus dem kleinen Peer trotzdem die große Liebe zum ambivalenten Muttermonstrum hervor. Ein Pakt wird geschlossen und der Dovre getanzt. Warum tust du dir das drei Mal an, wurde ich mehr als einmal gefragt. Ich kann doch nicht zu Hause sitzen und Tee trinken, während ich weiß, dass in der Volksbühne gerade alle Register gezogen werden. Kein Ort wäre passender für diesen heilenden Verschwendungspotlatsch. Katharsis wird erreicht, wenn die Sau rausgelassen wird, und die frenetische Sau war mitten im Rampenlicht. Wie kannst du dir das nicht antun? Nüchterner betrachtet: Bei Vinge/Müller war schon nach der Premiere klar, dass damit niemand das Ganze gesehen hat. Das lag nicht nur am geblufften Cliffhänger, dass nach acht Stunden, die, laut Vinge, kein Theater seien, gerade mal der erste Akt geschafft sei. Dass alles...

Zur „Peer Gynt“-Serie von Vegard Vinge, Ida Müller und Trond Reinholdtsen an der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz

„Brutal ist die Sanftheit und die Sanftheit brutal“

Staatsschauspiel Dresden: Deine Eltern haben dich nicht lieb

Dienstag, 26. Mai 2026

Den verschwundenen Zirkusgebäuden auf der Spur 

Schauspielhaus Zürich: Die Leerstelle im Monster

Zeitgenössisch für wen? Über Gatekeeping und Zugang im Zirkus  

Bringt euch in Gefahr!

Empathie aus dem 3-D-Drucker

Freitag, 08. Mai 2026

„Angst ist in unserer Zeit allgegenwärtig“

Dienstag, 19. Mai 2026

Tschechische Bilderlust beim Festival One Flew over the Puppetee´ s Nest

Wenn man zu lange in den Abgrund blickt …

Dienstag, 05. Mai 2026

Der einsame Krieger

Ich habe keine Ahnung von Theater. Das habe ich dem Intendanten Kay Voges geantwortet, als er mich 2011 einlud, am Schauspiel Dortmund zu inszenieren. Klassische Theaterstoffe sind mir fremd. Aber Voges kannte meine berüchtigten Underground-Horrorfilme („Nekromantik“, „Der Todesking“ etc.), mit denen ich Ende der achtziger und Anfang der neunziger Jahre die Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Medien und die Staatsanwaltschaft von München gegen mich aufgebracht hatte. Am Theater, versprach mir Voges, hätte ich keine inhaltlichen Beschränkungen zu befürchten. Ich könne auf der kleinen Studiobühne machen, was ich wolle. Diese künstlerische Freiheit mag normal sein für den Theaterbetrieb. Mir erschien das Versprechen jedoch zu schön, um wahr zu sein. Denn Horror hat in Deutschland ein sehr schlechtes Image. Das ist sicher eine Nachwirkung der ebenso strikten wie willkürlichen Zensurpolitik der achtziger Jahre gegen vermeintlich „sozialethisch desorientierende“ Horrorvideos. Wenn man hierzulande einen Horrorfilm machen will, braucht man noch heute eine gute Entschuldigung dafür. An Förderungen oder irgendwelche Unterstützung war bei meinen Filmproduktionen nie zu denken. Im Gegenteil: Man hat von offizieller Stelle eher versucht, mich daran zu hindern, meine selbst produzierten und ungeprüften Filme zu veröffentlichen. Wer seine multimedialen Inszenierungen kennt, wird bestätigen, dass Kay Voges ein absoluter Film-Nerd ist. So wie ich. Da...

Mit Tanz und Schattenspiel für Freiräume im Freiheitsentzug

Schauspiel Wuppertal: Erkundungen aus der Komfortzone

Freitag, 22. Mai 2026

Mittwoch, 15. April 2026

„Setzen wir uns auseinander, nicht zusammen“

Dass Ersan Mondtag eine grundsätzliche Faszination für den Horrorfilm hegt, ist ein Glücksfall für das Theater. Es gibt nämlich nicht viele Theaterregisseure, die derart gekonnt mit den Ängsten des Publikums spielen. Musik und Sound sind ihm dabei ebenso wichtig wie Bilder. Noch bevor sich der Vorhang im Schauspielhaus Dortmund öffnet, breiten sich Dunkelgeräusche und Rabengeraune aus: diffus unheilvolle Laute, die bewirken, dass man ich fühlt wie ein Kind, das zum ersten Mal mit Otfried Preußlers „Krabat“ konfrontiert ist. Das Spukschloss, das dann in Dortmund die Drehbühne beherrscht, gleicht einem wahr gewordenen Albtraum. Trockennebel umwölkt das verwinkelte Haus, und auf dem zinnenbesetzten Wachturm patrouillieren Standardisierte. Ihre Uniformen erinnern an vieles, aber nichts Konkretes. Gleichgeschaltete im Gleichschritt. Es handelt sich wohl um Schüler, es könnten aber auch Insassen oder Gefangene sein. Auch wenn das Ganze sich unter dem auf den ersten Blick eindeutigen Titel „Das Internat“ abspielt, kann man sich nicht sicher sein, wo man sich befindet. Es gibt einen Schlafsaal, der eher an ein Lager erinnert, er beherbergt schmale Pritschen, auf denen die Menschen kauern wie Föten im Mutterbauch. Im Speisesaal formieren sich die Figuren immer mal wieder ordentlich, während sich der Waschraum als giftig gelbe Nasszelle erweist, die an real...

Die Bildwelten des Theaterregisseurs, Bühnen- und Kostümbildners Ersan Mondtag spiegeln die Ängste unserer Gegenwart

Der Meister des Unheimlichen

Der Ball ist hart

Let’s burn down the patriarchy

Brecht und die Folgen

Montag, 04. Mai 2026

Bayerische Staatsoper München: Ein Opernthriller 

Mit Empathie und Sachlichkeit

Vorarlberger Landestheater Bregenz: Konzert globaler Vielstimmigkeit

Freitag, 15. Mai 2026

Freitag, 17. April 2026

Schreibweisen der zeitgenössischen Zirkuskritik

Staatsoper Hannover: Kapitalismus ohne Konflikt

Theater Magdeburg: Polyphonie des Schmerzes

In Dorothee Elmigers prämierten Roman „Die Holländerinnen“ (2025) berichtet eine Autorin davon, wie es ihr gerade nicht gelingt, das Verschwinden zweier Frauen für ein Theaterprojekt zu erfassen. Sie hat es, so erzählt sie, „unzureichend und unbeholfen als das ‚erratische, grundlose Wesen der Welt‘, als ‚großen leeren Gott‘, das ‚klartiefe, abyssische Nichts‘ zu beschreiben versucht, aber der Horror, der Horror liege naturgemäß außerhalb der Sprache, ja er sei, wenn man so wolle, ihr Gegenteil, ihr Ende, und sie müsse deshalb auch jetzt, in diesem Moment, noch einmal scheitern, wenn sie ihn zu formulieren, zu benennen versuche, könne ihn nur umkreisen wie ein schwarzes Loch, einen reißenden Strudel“. Folgt man Elmiger, die so wortgewandt vom nicht Erzählbaren erzählt, steht es wohl schlecht um die Möglichkeiten des Theaters, Horror und das Unheimliche darzustel­len. Unheimlichkeit als Effekt von Theater scheint tatsächlich eher selten zu gelingen – aber warum eigentlich? Das Unheimliche erlebt in anderen Kunstformen nämlich ein deutliches Revival, etwa in Film, Serie, Literatur, Gaming – man denke nur an die Zunahme von Filmproduktionen im sogenannten Elevated Horror oder die Kinoerfolge des Body Horror, Serien wie „Stranger Things“ oder die (kritische) Wiederentdeckung von H. P. Lovecrafts Werken. Im Theater hingegen fallen einem nur nach...

Schlicht lebensverändernd

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D / A / CH

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Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

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Bertolt Brecht

Freie Szene

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Kritiken

Stücke

Bühne & Film

Kostüm und Bühne

Musik im Schauspiel

Georgien

Echter Horror auf der Bühne? Das zweifeln viele an. Nur der Film vermag die Illusion des Schrecklichen zu erzeugen. Und doch geht gerade eine „Frankenstein“-Welle durch die Theater, interessiert man sich für die Codierungen des Unheimlichen und inszeniert mehr oder weniger subtilen Body-Horror.

Horror, das Unheimliche auf der Bühne

Startseite

Szenen aus „The Lodger“ von Phyllis Tate an der Oper Wuppertal. Musikalische Leitung Yorgos Ziavras, Inszenierung Greg Eldridge, Bühne Alyson Cummins, Kostüme Evelien Van Camp

Szene aus „Peer Gynt“ von Henrik Ibsen. Regie, Bühne, Musik Vegard Vinge, Ida Müller, Trond Reinholdtsen an der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz

„Peer Gynt“ von Henrik Ibsen. Regie, Bühne, Musik Vegard Vinge, Ida Müller, Trond Reinholdtsen an der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz

Uwe Rohbeck als Grabräuber Ed Gein in „Kannibale und Liebe“ von Jörg Buttgereit am Theater Dortmund

„Burnt Toast“ von der norwegischen Theatergruppe Susie Wang

„Frankenstein“ von Mary Shelley am Nationaltheater Mannheim.

Annika Meier und Uwe Rohbeck in „Nosferatu lebt!“. Regie Jörg Buttgereit am Theater Dortmund

Das Märzheft 2026 von „Theater der Zeit“ widmet sich dem Schwerpunkt „Bühnenmütter und Mütternarrative“ und fragt, wie sich künstlerische Arbeit und Fürsorge heute vereinbaren lassen. Interviews, Essays und Erfahrungsberichte – unter anderem von Jorinde Dröse, Carola von Seckendorff, Elisabeth Köstner und zu den Arbeiten und u. a. Pina Bergemann – beleuchten strukturelle Hürden, Initiativen wie den Verein Bühnenmütter e. V. und das Projekt Culture.Care sowie aktuelle Mutter-Stoffe auf deutschsprachigen Bühnen.
Der Stückabdruck diesmal: Noam Brusilovskys „Fake Jews“, uraufgeführt am Deutschen Theater Berlin.
Außerdem: Berichte zur neuen Intendanz am Schauspiel Leipzig, zum  Festival Premières am Le Maillon in Straßbourg, ein Inszenierungsbericht von der „Möwe“ gleich zweimal in Norddeutschland sowie, wie immer: das Kunstinsert (diesmal zu den Stadtraum-Pionier:innen Angie Hiesl/Roland Kaiser) Kolumnen und Buchrezensionen.
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Bühnenmütter und Mütternarrative

Einzigartige Primärquellen aus einem weitgehend undbekannten Kapitel der DDR-Ballettgeschichte
Erscheint zum 80. Jubiläum der Zeitschrift Theater der Zeit
 
DDR-Ballett, ostdeutsche Tanzgeschichte und selten aufgeführte Choreografien zwischen 1975 und der späten „Nachwendezeit“: Dieser Band versammelt erstmals wegweisende Rezensionen, Essays und Augenzeugenberichte aus dem Deutschen Tanzarchiv Köln, der seit 1946 bestehenden Zeitschrift Theater der Zeit und aus Tageszeitungen. Ein erfahrener Tanzredakteur, Dietmar Fritzsche, und sein damals junger, heute renommierter Autor, Volkmar Draeger, führen kenntnisreich durch vergessene Bühnenmomente – von Uraufführungen u. a. in Berlin, Dresden, Leipzig bis zu neu inszenierten Werken aus den, wie es offiziell hieß, „befreundeten sozialistischen Ländern“.
Kompakt, fundiert und spannend zeichnet das Buch die Entwicklung des DDR-Balletts nach, beleuchtet künstlerische Höhepunkte, politische Tendenzen, ästhetische Irrwege. Damit bildet das Buch ein unverzichtbares Nachschlagewerk für Tanzwissenschaft, Kulturgeschichte und alle, die ostdeutsche Bühne, Tanzkritik und Ballettgeschichte erkunden möchten.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank-Manuel Peter (Hg.): Die andere Seite. Tanz in der DDR von 1975 bis 1997" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank-manuel_peter_hg._die_andere_seite._tanz_i&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Tanz in der DDR von 1975 bis 1997

Die andere Seite

Die Maiausgabe von „Theater der Zeit“ widmet sich im Schwerpunkt dem Thema Teamintendanzen und fragt, wie kollektive Leitungsmodelle Theaterarbeit, Machtverteilung und Verantwortung verändern. In Interviews und Porträts kommen u. a. Thomas Bockelmann, das Leitungsteam des Nationaltheaters Weimar sowie Inka Neubert und Pascal Wieandt vom Theaterhaus G7 Mannheim zu Wort – was sind die Vorteile einer Teamintendanz? Welche Konflikte gibt es? Ist eine geteilte Intendanz wirklich Machtverteilung oder schafft sie neue Abhängigkeiten? Ergänzt wird der Schwerpunkt durch ein Gespräch mit Schauspielerinnen des Theaters Magdeburg über Probenprozesse in der Teamintendanz, das einen konkreten Blick aus der Ensembleperspektive bietet.
Ergänzt durch Beiträge zu den großen Theaterfestivals im Sommer: die Mülheimer Theatertage, das Theatertreffen, das Schweizer Theatertrffen und: Florentina Holzinger über ihren Auftritt bei der Biennale in Venedig!
Drüber hinaus erinnert die Ausgabe an Peter Zadek und Konstanze Lauterbach und würdigt den verstorbenen Autor und Regisseur Alexander Kluge. Wie immer: Stückabdruck (diesmal Robert Seethalers „Vernissage“), eine Kolumne von Max Glauner und eine Buchkritik zur ersten Biografie von Judith Malina.
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Schwerpunkt Teamintendanzen

Florentina Holzinger in Venedig

Das Juni-Heft von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Horror, das Unheimliche auf der Bühne“ und verbindet ästhetische, kulturpolitische und traumagesellschaftliche Perspektiven. Essays von Joseph Pearson und Hannah von Sass, Stefan Keim und Horrorspezialist Jörg Buttgereit untersuchen das Unheimliche in Schauspiel und Musiktheater – das auch bei den Bayerischen Theatertagen in Form von Stephen Kings „The Shining“ als Oper in Regensburg wieder auftaucht.
Das Magazin verhandelt zudem aktuelle Konflikte um Theaterbauten und Kulturpolitik – exemplarisch am Chemnitzer Schauspielhaus.
Das Stück im Juniheft: Kevin Rittbergers „Wunde Stadt“ verhandelt das Attentat von Magdeburg, flankiert von einem Stückgespräch.
Kolumnen von Mateja Meded („Habitus-Passing“) und Lina Wölfel („Wir gehen nicht rein“) reflektieren Klassenverhältnisse, Diversität und Auswahlmacht im Theaterbetrieb, während Berichte von Festivals und Ausstellungen (u. a. Heidelberger Stückemarkt, Bayerische Theatertage, Bühnenbildklasse Düsseldorf, Brecht-Journal) den Blick auf internationale Szenen und Theatergeschichte erweitern.
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Wie gewinnt ein Textvortrag, obwohl er aus wiederholbaren Zeichen besteht, Bühnenpräsenz? Was kann die heutige Sprechausbildung im Schauspielstudium leisten, um die Studierenden darin zu unterstützen?
Helmut Becker geht diesen zentralen Fragen in seiner Dissertation nach. Basierend auf aktuellen Leiblichkeitskonzepten und einem phänomenologisch orientierten Textbegriff analysiert Becker Möglichkeiten der Texterschließung und Textgestaltung an klassischen Werken von Euripides, Shakespeare, Schiller, Kleist, Kafka, Mann, Camus sowie zeitgenössischen Autoren wie Heißenbüttel, Brinkmann und Gernhardt.
Durch die gezielte Schulung von Atemqualitäten und deren Anwendung am Text entsteht ein neues, tiefgehendes Verständnis von Leiblichkeit. Das Buch zeigt, wie ein solches Leibbewusstsein die Lust am Text, an kraftvoller Bühnenpräsenz und authentischer Textperformanz nachhaltig fördert – und richtet sich an Schauspielstudierende, Bühnenprofis sowie alle, die sich für lebendige Textpräsentation, Stimmtraining und performative Literaturvermittlung begeistern.
Mit zahlreichen Hörbeispielen als Audiofiles begleitend zum Lesen.
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Die Leiblichkeit der Texte

25 Bühnenbilder von Katrin Brack, entstanden zwischen 2010 und 2025, inklusive ihrer Rauminstallation anlässlich der Verleihung des Goldenen Löwen in Venedig 2017: Die Bildstrecke macht signifikante Gemeinsamkeiten wie auch Brüche und Entwicklungen in diesen 15 Jahren deutlich, die durch die Zusammenarbeit mit u. a. Dimiter Gotscheff, René Pollesch, Luk Perceval, Karin Henkel geprägt ist. Ergänzt wird dieser fotografische Schwerpunkt sowohl von unveröffentlichten Zeichnungen, die Einblicke in Konzeption, Entstehung und Realisation der einzelnen Bühnenarbeiten gewähren, wie von unterschiedlichen Textbeiträgen.Im Gespräch mit dem Herausgeber Frank M. Raddatz erläutert die Ausnahmebühnenbildnerin die Kunstprinzipien, von denen sie sich leiten lässt. Der Philosoph Robert Pfaller verortet ihre Arbeiten in der jüngeren Kunstgeschichte der Gegenwart, während Birgit Wiens die Spezifika dieser Räume aus theaterwissenschaftlicher Sicht untersucht. Josef Bairlein und Götz Leineweber geben Einblicke in Bracks Lehre an der Kunstakademie München und die kollektive Arbeitsweise ihrer Bühnenbildklasse. Statements von Birgit Minichmayr, Tabea Braun, Sybille Meier, Luk Perceval und Thomas Thieme werfen Licht auf diese lebendigen Bühnen.

Bühne / Stage Katrin Brack

Games, Übungen, Show- und Langformate sind in Form einer umfassenden Liste im vierten Band der Reihe Improvisationstheater enthalten. Darunter Games für jeden Zweck: Theater-Workshops, Shows und Gruppen-Warm-Ups. Sie sind nach ­ Kategorien ­ unterteilt: Körperliche, verbale, erzählerische, szenische Games. Außerdem enthalten sindzahlreiche musikalische Formate und anspruchsvolle Langformen sowie einige Klassiker als auch Inspirationen für Schauspieltrainings und Impro-Shows.
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Games und Formate. Ein Nachschlagewerk

Improvisationstheater (Bd. 4)

„Brecht gebrauchen, ohne ihn zu kritisieren, ist Verrat“, hat B. K. Tragelehns künstlerischer Weggefährte Heiner Müller konstatiert. Als letzter Meisterschüler Bertolt Brechts in den 1950er Jahren hat Tragelehn dessen Erbe nie zum Museumsgut erstarren lassen. Seine aufstörenden Inszenierungen, zeitweise gemeinsam mit Einar Schleef, haben in Ost und West Theatergeschichte geschrieben.Das Lesebuch „Roter Stern in den Wolken 3" erscheint anlässlich des 90. Geburtstags von B. K. Tragelehn und versammelt Gespräche, Gedichte und Aufsätze aus seinen letzten Schaffensjahren. Die Beiträge dokumentieren seine fortwährende Auseinandersetzung mit Brecht und Heiner Müller und zeigen Tragelehn als scharfsinnigen Analytiker des Gegenwartstheaters wie der Theatergeschichte. Sie reflektieren die Rolle der Darstellenden Kunst in ihren gesellschaftlichen Zusammenhängen – und machen diesen Band zu einem unverzichtbaren Dokument deutscher Theaterkultur.

Aufsätze, Reden, Gespräche, Gedichte. Ein Lesebuch

Roter Stern in den Wolken 3

Die sechste Ausgabe der VOICES wechselt die Blickrichtung: weg von der Bühne und hinein in den Publikumsraum. Sie schaut auf diejenigen, die Zeitgenössische Zirkusveranstaltungen besuchen und auf diejenigen, die sie nicht besuchen. Sie fragt nach Zugänglichkeit, Zirkustrends und dem Zirkuserlebnis Was passiert eigentlich zwischen Bühne und Publikumsraum? Wie erleben Zuschauer:innen eine Aufführung? Was verbirgt sich hinter der „Dramaturgie des Risikos“? Wo gibt es Feedbackschleifen und wann Gemeinschaftsgefühle? 
Das Magazin lädt dazu ein, genauer hinzuschauen – und sich selbst zu hinterfragen. Es bricht mit gängigen Zuschreibungen und eröffnet neue Denk- und Erfahrungsräume. Ganz im Sinne des Mottos „Come Closer“ vom Circus Dance Festival 2026 in Köln rücken partizipative Formate und aktuelle Trends der Zirkusproduktion ins Zentrum. VOICES VI betrachtet Möglichkeiten, Verantwortung, interaktive Strategien und Wünsche von Zirkusschaffenden, Programmverantwortlichen, Stadtplaner:innen – und natürlich vom Publikum selbst. Eine Einladung, näherzukommen.
23.05.26, 11 Uhr: Heft-Präsentation und Gespräch im Rahmen des Circus Dance Festivals 2026.
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Zirkus und Publikum (VOICES VI)

reach out

Eine Dokumentation der Ära Holger Schultze am Theater und Orchster Heidelberg (2011–2026)
Opulent gestalteter Text-Bild-Band mit Illustrationen
Nach 15 Jahren als Intendant am Theater und Orchester Heidelberg verabschiedet sich Holger Schultze aus der Stadt und aus seiner Leitung.
Das Buch zeichnet den Weg seiner Intendanz nach: von den Anfängen über die umfassende Sanierung und den Wiederbezug des erweiterten Hauses bis zu den künstlerischen Entwicklungen in Musiktheater, Schauspiel, Konzert, Jungem Theater und Tanz.
Im Mittelpunkt steht die internationale Ausrichtung des Hauses, die mit dem Heidelberger Stückemarkt, dem iberoamerikanischen Festival ¡Adelante! und der Tanzbiennale Heidelberg das Profil des Theaters weit über die Region hinaus geschärft hat. Zugleich blieb das Haus unter Schultzes Leitung tief in der Stadtgesellschaft verwurzelt – mit zahlreichen Spielstätten, Festivals und einem engen Dialog mit den Menschen vor Ort.
Holger Schultzes Theaterverständnis als Regisseur und Intendant wird in Beiträgen prägender Wegbegleiterinnen und Wegbegleiter sichtbar. Zahlreiche Inszenierungsfotos und Illustrationen ergänzen diese Bilanz einer lebendigen Theaterära.
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Intendanz Holger Schultze 2011–2026

Live und in HD

Exklusive Einblicke in bisher unveröffentlichtes Bildmaterial eines preisgekrönten Kinder- und Jugendtheaters
Praxisnahe Inspiration für Pädagog:innen und Kulturschaffende
Seit 40 Jahren sprudelt in Nürnberg „die Pfütze“ – unerschöpflich, lebendig, widerspenstig. Was als kleine, private Initiative begann, ist heute ein einzigartiges Haus für junges Publikum: ein Ort, an dem Musik, Sprache und Bewegung zu einer eigenen, poetischen Ästhetik verschmelzen. Dieses Buch erzählt von Menschen, Ideen und Zufällen, die das theater pfütze geprägt haben – von Aufbrüchen, einem Theaterneubau und der unerschütterlichen Überzeugung, dass Kunst kein Alter kennt und Bewusstsein für gesellschaftliche Verantwortung braucht. Es ist eine Hommage an die Neugier, den Humor, das Staunen und an viele Künstler:innen, die dieses Haus mitgestaltet haben sowie an sein treues Publikum. Doch der Blick geht weiter: in die Zukunft eines Theaters, das nie stehen bleibt, das sich neu erfindet und fragt, was und wie wir morgen erzählen wollen. „Pfütze“ – das ist kein Name, sondern eine Haltung: spielerisch, tief, frei.
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40 Jahre theater pfütze

Mutige Sprünge und große Wellen

Kunstinsert William Kentridge

Freiheit und Grenzen der Körperlichkeit

Der Leitgedanke eines „Theaters für die Stadtgesellschaft“, das als Ort des Nachdenkens und lebendigen Diskurses allen Bewohner:innen Düsseldorfs offensteht, prägte seit 2016 Wilfried Schulz’ Intendanz am Düsseldorfer Schauspielhaus. Unter seiner Leitung wurde das D’haus zu einem lebendigen Ort der Begegnung, an dem großes Sprechtheater, zeitgenössische Dramatik, Klassikerinszenierungen und spartenübergreifende Projekte ihren Platz fanden. Mit der Wiedereröffnung des Schauspielhauses am Gustaf-Gründgens-Platz erstrahlte 2019 ein Düsseldorfer Wahrzeichen neu und war fortan wieder zentral im Stadtleben verankert. Das Schauspielhaus wurde zu einer relevanten Stimme in gesellschaftlichen Debatten, während zugleich große Herausforderungen gemeistert wurden – von Renovierung und Umbau bis hin zu den Einschränkungen der Pandemie.
Der vorliegende Band bebildert umfassend die programmatische Vielfalt der vergangenen zehn Jahre, die Arbeit des herausragenden Ensembles mit renommierten Regisseur:innen sowie der Sparten Junges Schauspiel und des Stadt:Kollektiv mit seinen vielfältigen partizipativen Projekten. Erinnerungen und Beiträge von Persönlichkeiten, die mit dem D’haus verbunden sind, zeichnen das Bild einer Intendanz, die Kunst, Haltung und Öffentlichkeit einer Stadt nachhaltig geprägt hat.
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Schauspiel – Junges Schauspiel – Stadt:Kollektiv

D’haus. Düsseldorfer Schauspielhaus 2016–2026

Das Theater in Ungarn

Unter Druck

Kinder ins Spiel bringen – double 53 widmet sich dem Puppen-, Figuren- und Objekttheater für junges Publikum. Der genauere Blick zeigt: In einer offensiven Neuentdeckung des kindlichen Publikums und einem klaren Bekenntnis zu Kindern als kompetenten Zuschauer:innen liegt künstlerisches Entwicklungspotenzial für das Puppen- und Figurentheater.
Gerd Taube eröffnet den Thementeil mit einer kritischen Bestandsaufnahme des historischen Erbes und des heutigen Selbstverständnisses des Puppentheaters zwischen Kindertheater und zeitgenössischer Kunstform. Dramaturg:innen aus Chemnitz, Dresden, Bautzen und Gelsenkirchen berichten über Produktionsbedingungen in der kleinsten Sparte des Stadttheaterbetriebs. Sibylle Peters, Ellinor Lidén und weitere Autor:innen beleuchten Forschungstheater, Publikumsforschung und Figurentheaterpädagogik.​
Dazu: Festivalberichte aus Polen, Prag und Braunschweig, ein Essay zur William-Kentridge-Ausstellung in der Dresdner Puppentheatersammlung sowie ein Rückblick auf zwei Jahre Vernetzungsarbeit im Bündnis KompleXX Figurentheater. Im Schweizer Fenster: Porträt der scheidenden Leiterin des Figurentheaters Winterthur und ein Gespräch über Inklusion am Theater Stadelhofen
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Puppentheater für junges Publikum

Kinder ins Spiel bringen 

Die Aprilausgabe widmet ihren Schwerpunkt dem Gefängnistheater — einer Theaterform, die weit über Resozialisierungsmaßnahmen hinausgeht. Im Mittelpunkt steht das Berliner Projekt aufBruch, das seit 1997 in Haftanstalten öffentlich zugängliches Theater produziert, zuletzt Becketts „Warten auf Godot“ in der JVA Plötzensee. Weitere Beiträge beleuchten Gefängnistheater in Baden-Württemberg, Frankreich sowie im Film.
Zum 90. Geburtstag des Regisseurs und Dichters B. K. Tragelehn erscheinen zwei Porträts — über sein Lebenswerk zwischen Brecht und Heiner Müller sowie sein umfangreiches Shakespeare-Übersetzungswerk. Außerdem: Eva Mattes kommt mit ihrer dritten Zusammenarbeit mit Roberto Ciulli am Theater an der Ruhr ans Theater zurück. Die Fotografin Luna Zscharnt stellt in einem Kunstinsert ihre Bühnenfotografie vor.
Im Magazinteil analysiert Michael Helbing die Theaterpolitik der AfD Sachsen-Anhalt, Lina Wölfel kommentiert das Klassiker-Mashup-Poptheater in ihrer Kolumne. Außerdem: Fabienne Dürs neues Stück „Geisterstück“, ein Bericht über Dokumentartheater am Schauspiel Köln sowie ein Film-Essay über Einar Schleef.
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Gefängnistheater

Zahlreiche Institutionen des Kinder- und Jugendtheaters feiern Jubiläum: Im November 1946 wurde mit dem Theater der Jungen Welt in Leipzig die erste Spielstätte für junges Publikum in Deutschland eröffnet. 1966 entstand der Interessenverband ASSITEJ Deutschland – ebenso wie das Berliner „THEATER FÜR KINDER im Reichskabarett", aus dem sich das GRIPS Theater entwickelte.
Das sommerheft greift diese Jubiläen auf und fragt angesichts aktueller Kürzungsszenarien, welche gesellschaftspolitischen und künstlerischen Entwicklungen vergangene Gründungen ermöglicht haben. Zugleich blickt das Magazin nach vorn: Theaterschaffende teilen ihre Visionen für Junges Theater, plädieren für kulturelle Grundversorgung junger Menschen als Basis einer demokratischen Gesellschaft und legen Potenziale des „Nicht-Wissens“ frei. Die Bildstrecke dokumentiert Ideen Jugendlicher im Planungsteam des neuen Theaterhauses für junges Publikum in Frankfurt am Main. Der internationale Beitrag rückt den globalen Einsatz der ASSITEJ für Kinder im Zeichen künstlerischer Vielfalt ins Zentrum.
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Horror, das Unheimliche auf der Bühne

Was sich nicht zeigt

Theaterblut geleckt

Wahnsinnsarien und singende Dämonen

„Brutal ist die Sanftheit und die Sanftheit brutal“

Nationaltheater Mannheim: Das Monster triggert zärtliche Gefühle

Der Meister des Unheimlichen

Neuerscheinungen im Verlag