Totkürzungen drohen

Die Heterotopien erhalten

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Hamburger Marathon

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Der Materialergründer

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Kompositionsprinzip Collage

Angstlos! Heimatlos?

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Margarete Faust ist Professorin für Gender Studies. Ihre Studierenden sind von ihr begeistert, aber sie bekommt eine Menge gemeiner Hassmails. Die Gesellschaft ist nach rechts gerückt, es entsteht Druck von vielen Seiten. In Frau Faust wächst die Sehnsucht nach Entspannung und erotischen Erlebnissen. Auftritt Mephisto, hier sieht er die Chance für einen Pakt. Seele gegen Genuss. „Neues Deutsches Theater – under construction“ heißt das Motto, das die neuen Intendantinnen des Essener Schauspiels – Selen Kara und Christina Zintl – über ihre erste Spielzeit gestellt haben. Zu Beginn greifen sie zurück auf das Symbolstück des alten deutschen Theaters, das Nationaldrama, den „Faust“. Fatma Aydemir hat ihr erstes Theaterstück geschrieben. Ihre Romane „Ellbogen“ und „Dschinn“ wurden schon so oft adaptiert, dass man sie fast für eine Dramatikerin halten könnte. Sie hat den „Faust“ feministisch überschrieben und in die Gegenwart geholt. Gleich zu Beginn gibt das Stück einen Einblick, wie seine Entstehung gelaufen sein könnte. Wie im Original treffen sich eine Theaterdirektorin, eine Dichterin und eine lustige Person (okay, mit gewandelten Geschlechtern, aber das ist ja kein Ding mehr …). Sie diskutieren über die Klassiker, alle frauenfeindlich, klar, und ganz konkret über den „Faust“. Die Dichterin will Margarete rausschreiben, so ein naives Weibchen,...

„Doktormutter Faust“ von Fatma Aydemir (UA) – Regie Selen Kara, Bühne Lydia Merkel, Kostüme Anna Maria Schories, Musik Torsten Kindermann, Ruben Philipp, Video Florian Schaumberger

Schauspiel Essen: Fast Faust

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Es müssen Köpfe rollen

Was macht das Theater, Alexander Karschnia?

Das „Opfer Ophelia“, naiv liebend, unschuldig dem Wahn verfallen und im Wasser sterbend – diese Rollendeutung ist auf deutschen Bühnen längst ausgestorben. Selen Kara versucht nun am Schauspiel Essen eine Erzählung auf Augenhöhe. „Hamlet/Ophelia“ heißt ihre Inszenierung, die meist griffige Übersetzung von Angela Schanelec und Jürgen Gosch ist die Grundlage – (kleiner Einwand gegen die Textfassung „Ein Mensch sein oder nicht sein“, diese Übersetzung ist nicht nur eitler Quatsch, sondern verfälscht auch das Original, aber darum geht’s hier nicht in erster Linie) Ophelia bekommt mehr Text. Gleich zu Beginn steht die Schauspielerin Beritan Balci auf einer breiten, düsteren Treppe und erzählt die Vorgeschichte des Stücks. Dann übernimmt sie auch die Texte von Hamlets Vater, der seinem Sohn als Geist erscheint und ihn auffordert, Rache zu nehmen. Außerdem wirkt Ophelia überhaupt nicht verliebt, im Gegenteil, sie nimmt bewusst die Rollen ein, die Vater, Königin und Geliebter von ihr erwarten. Diese Frau hat ein klares Ziel: Sie will Hamlet heiraten, zum Königsmord anstacheln und selbst Queen werden. Wahrscheinlich hat sie alle Staffeln „Game of Thrones“ gesehen und gelernt, dass nur die Raffinierten überleben. Auf ihr Ende als Wasserleiche hat diese Ophelia erst recht keine Lust. Wenn es im Stück dazu kommt, verkündet...

„Hamlet/Ophelia“ nach William Shakespeare – Regie Selen Kara, Bühne Lydia Merkel, Kostüme Anna Maria Schories, Musik Thorsten Kindermann

Schauspiel Essen: Ophelia will nicht sterben

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Gegen die Vereinzelung

Zehn mal zehn Prozent

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Theater ist überlebensnotwendig

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Sweet Dreams?

Die Bochumer Kammerspiele: Das Ensemble bringt Platten voller Vorspeisen und Fladenbrot ins Publikum. Dort sitzen neben den Theaterfans einige türkische Familien, die nie vorher im Theater waren. Manche singen die Lieder der türkischen Pop-Ikone Sezen Aksu mit. Schnitt. Ein Taxi in Bonn. Ich möchte zum Theater. Der Fahrer fragt: „Ah, schauen Sie ‚Istanbul‘?“ – „Nein. Wieso?“ – „Weil das Stück so toll sein soll. Mir haben schon viele Gäste davon erzählt.“ „Istanbul“ läuft unter der Bezeichnung „Liederabend“ und damit unter dem Radar des Feuilletons. Dabei ist dieses 2014 am Theater Bremen entwickelte Stück eine Sensation. Regisseurin Selen Kara, Musiker Torsten Kindermann und Textdichter Akin E. Sipal haben Theater für alle geschaffen. Für klassische Abonnenten und die oft umworbenen und selten erreichten „neuen Besucherschichten“. Ein Abend der Gemeinsamkeit, warmherzig und intelligent, kritisch und gefühlvoll, eine satirische Geschichte, die ans Herz geht. Roland Riebeling, der Hauptdarsteller der Bochumer Aufführung, hat „Istanbul“ inzwischen in Bonn und Osnabrück inszeniert. Regisseurin Selen Kara, 1985 in Velbert geboren, übernimmt im Sommer zusammen mit Christina Zintl das Schauspiel Essen. Selen Karas Familie stammt aus Istanbul. Der Großvater ist nach Deutschland ausgewandert, sie gehört zur dritten Generation der Migrant:innen. „Wir waren in allen Sommerferien dort“, erzählt sie, „ich...

Die Regisseurin Selen Kara wird als Ko-Intendantin ans Essener Schauspiel geholt, weil sie es schafft, neues Publikum fürs Theater zu gewinnen

Die Utopie der Gemeinsamkeit

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Festival der Besessenen

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Inklusive Ansätze erproben!

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Mit dem Theater die Welt verändern

Guilt-Trip durchs Vogtland

Die Zeiten sind unwirtlich geworden in der Türkei. Seit dem Wechsel des Regierungschefs Recep Tayyip Erdoğan ins Amt des Staatspräsidenten 2014 werden Öffnung und Säkularisierung der türkischen Gesellschaft peu à peu zurückgedrängt, wird das Erbe Atatürks beschnitten. Regierungskritiker müssen spätestens seit dem Putschversuch gegen Erdoğan 2016 mit härtesten Repressionen rechnen, rund 129 000 Staatsbedienstete verloren wegen angeblicher Verbindungen zum Putsch ihre Anstellung. Teile der Intelligenz verlassen das Land; man spricht bereits von einer zweiten Auswanderungswelle, vom großen „Brain Drain“; die Regierung probiert, Akademiker*innen mit überdurchschnittlichen Monatsgehältern zurückzuholen. Von dieser türkischen Gegenwart erzählt Ceren Ercans Zeitstück „I love you, Turkey!“. Wir sehen junge Intellektuelle: eine Journalistin im Mutterschutz, eine Übersetzerin in der Selbstisolation, einen schwulen YouTuber und eine arbeitslose Wissenschaftlerin. Sie alle ringen mit ihrem Land, das ihnen zu entgleiten droht. Sollen sie auswandern wie so viele ihrer Bekannten, Freunde, Partner? Sollen sie bleiben und erdulden, dass die Daumenschrauben weiter angezogen werden? „I love you, Turkey“, ich liebe dich. Aber was ist der Preis dieser Liebe? In einem Waschsalon treffen sie auf den Ladenbesitzer und Spitzel Alican, der seine ganz eigene Geschichte mit dem Regime hat. Die Istanbuler Uraufführung von „I love you, Turkey!“, in der Regie von Yelda Baskın 2017...

Deutschsprachige Erstaufführung 7. Dezember 2019 Staatstheater Nürnberg. Bühne Lydia Merkel, Kostüme Anna Maria Schories, Dramaturgie Christina Zintl, Musik Vera Mohrs

Im Vollwaschgang: I love you, Turkey! von Ceren Ercan. Regie Selen Kara

Was ist Theater?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Zwischen Illusion und Ideologie

Der Kultur-Kahlschlag droht

Zirkus

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Kulturkürzungen

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Magazin

Das Mrs. Dalloway Prinzip/4.48 Psychose

Mit anderen Augen

Istanbul – ein Sezen Aksu Liederabend

Blaubart – Hoffnung der Frauen

Mädchenschrift

Istanbul

I love you, Turkey!

Die rote Zora und ihre Bande

Das Mrs. Dalloway Prinzip / 4.48 Psychose

Die Musik war Schuld

Regisseurin, seit Sommer 2023 Ko-Intendantin am Schauspiel Essen.
Ihre Inszenierung „I love you, Turkey“ am Staatstheater Nürnberg wurde 2020 zum Regie-Nachwuchs-Festival RADIKAL JUNG am Münchner Volkstheater eingeladen. Seit 2021 ist Selen Kara Mitglied in der Deutschen Akademie der Darstellenden Künste.

Schauspiel Essen

Torsten Kindermann, Andy Einhorn, Martin Baum, Jan-Sebastian Weichsel (hinten) und Ali Kemal Örnek in Selen Karas Inszenierung „Istanbul“ am Theater Bremen

Die „bunte Esse“, ein Wahrzeichen von Chemnitz

Selen Kara

Beritan Balcı spielt eine Ophelia der Zwischentöne, Christopher Heisler als Hamlet in der Essener Inszenierung von Selen Kara.

Kampnagel – Deutschlands größte freie Spiel- und Produktionsstätte mit multifunktionalem Bühnenkomplex, feiert vierzigsten Geburtstag. Die Geschichte der Hamburger Kulturfabrik vom Fabrik-Underdog zum Staatstheater ist ein sich fortschreibendes Kapitel deutscher und europäischer Kulturgeschichte. In den völlig unheiligen Hallen Kampnagels kristallisiert sich, wie sich Theaterkultur in Bezug auf Spielformen, politische Anliegen, institutionelles Handeln sowie Internationalität verändert hat. Das Buch „40 Jahre Widerspruch“ beschreibt, bewertet und befragt die Geschichte, Gegenwart und Zukunft des Hauses sowie der Spiel- und Produktionspraxis. In fünf Kapiteln, die seinen inhaltlichen Schwerpunkten folgen, präsentiert sich Kampnagel als das Zentrum eingreifenden Denkens und Handelns: solidarisch, nachhaltig, avantgardistisch. 
Mit Beiträgen u. a. von Benjamin Foerster-Baldenius, Nikolaus Müller-Schöll, Sibylle Peters, Anne Lacaton und Jean-Philippe Vassal,  Alok, God’s Entertainment, Ibrahim Arslan, Carina Book und Sophia Hussain, Ewelina Benbenek sowie Holger Bergmann.
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Workbook zum Jubiläum

Kampnagel Hamburg. 40 Jahre Widerspruch

Auf dem Titel und im Kunstinsert: Gisèle Vienne. Die französisch-österreichische Choreografin hat in den letzten 20 Jahren ein „Ensemble“ von lebensgroßen Puppen­ zusammengestellt, die immer wieder in ­ihren Arbeiten zwischen Tanz, Performance, Fotoporträts der offenbar misshandelten Figuren und auch Film anzutreffen sind. Jetzt gibt es in Berlin erstmals eine große Retrospektive dieser ungewöhnlichen Künstlerin – alles im Beitrag von Theresa Schütz auf den Seiten 26 bis 31.
Ensemble heute ist das Thema des Schwerpunkts in diesem Heft. Brechts Berliner Ensemble wurde vor 75 Jahren gegründet. Der derzeitige Intendant Oliver Reese spricht im Interview über seine „Ensemble-Euphorie“, die aufrechtzuerhalten ihm nicht immer leichtfällt, auch wenn er für ein Foto auf das Dach des Hauses mit dem legendären, von Peter Palitzsch entworfenen und noch immer in die Nacht leuchtenden Signet gestiegen ist. Indes gibt es auch ganz andere Ensemble-Modelle, die auf der umfassenden Idee für eine Theatergemeinschaft basieren. Die transnationale KULA Compagnie, das Theaterhaus Jena und das seit über 40 Jahren auf der Schwäbischen Alb bestehende Theater Lindenhof in Melchingen, porträtiert von der Baden-Württemberg-TdZ-­Redakteurin Elisabeth Maier.
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Gisèle Vienne Unheimliche Collagen

Ensemblekultur heute

Das sommerheft 2024 von ixypsilonzett. darstellende künste &amp; junges publikum widmet sich dem Thema Theatervermittlung als Vermittlungskunst: Die Beiträge aus Praxis, Wissenschaft und Diskurs spannen dabei beispielhaft einen breiten Bogen in die verschiedenen Arbeitsfelder der Theatervermittlung. Partizipative Inszenierungen und Spielclubs, Workshops, freie Projekte, fachlicher Austausch: Hier überall findet täglich Vermittlungskunst statt und wird mit den Mitteln der Performance, des Schauspiels, Musiktheaters, des Tanzes sowie interdisziplinär gestaltet. Für alle Autor:innen verbindend sind die Fragen: Wie lässt sich die ästhetische Praxis bzw. das spezifisch künstlerische Handeln in den unterschiedlichen theatervermittelnden Formaten beschreiben? Was braucht Theatervermittlung, um im besten Fall Vermittlungskunst zu sein?
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Vermittlungskunst

Vor genau 20 Jahren wurde double gegründet und unsere Leser*innen halten gerade die 50. Ausgabe in der Hand. Dieses Doppeljubiläum war für uns Anlass, den Blick zurück nach vorne zu richten und das Heftthema ‚Reenactment‘ mit der Heftgründung in Verbindung zu bringen. Haben Sie es erkannt? Das Cover greift das Titelbild des allerersten Heftes auf, und auch einige mit ‚Reenact!‘ gekennzeichnete Beiträge spinnen Themen von double 1 weiter fort. Neben aktuellen Berichten nehmen wir uns die Zeit, um unsere Reise zu reflektieren.
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Reenactment im Figurentheater

Same, same but different

Die 24. Ausgabe der Anthologie SCÈNE widmet sich Fragen von Geschlechtskonstruktion und genderbasierter, struktureller Gewalt. Acht Texte von Autor*innen aus Frankreich, Belgien, der Schweiz und Québec machen das Private zum Politischen – oft aus einer queeren Perspektive. Vom experimentellen Prosastück zur (nicht nur sprachlichen) Zurichtung weiblich gelesener Körper über lesbische Science-Fiction-Szenarien bis hin zu feministischen Überschreibungen klassischer Theatertexte ist dabei sowohl thematisch als auch formal große Vielfalt geboten. Gemeinsam ist allen Stücken ihr intersektionaler Ansatz: Soziale, ökologische, antikapitalistische und sexuelle Revolutionen werden zusammengedacht und auf die Bühne gebracht – mal agitatorisch-sprachspielerisch, mal performativ versponnen und mal mit fein-ironischem Humor.
 
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Neue französischsprachige Theaterstücke

Das Theaterlabor Bielefeld, gegründet 1983 von Siegmar Schröder gemeinsam mit Studierenden, ist ein prägnantes Beispiel für die Entwicklungen, die seit den 1980ern zu einer Modernisierung des deutschen Theaters und in Folge zur Konstituierung des Freien Theaters als „Zweiter Säule“ der Theaterlandschaft führen sollten.
Ein Ensemble, das kollektiv und egalitär die ­Gegenstände und Themen seiner künstlerischen Arbeit selbst bestimmte, sich permanent bei den großen, beispielgebenden Künstler*innen des „anderen Theaters“ in Europa aus- und weiterbildete, das zu internationalen Festivals eingeladen wurde und schon früh auch selbst Festivals und Koproduktionsbeziehungen in Europa und bis nach Nordamerika entwickelte und schließlich eine Institution bildete, die Bestand hat und inzwischen von einer nachgewachsenen Generation übernommen wurde.
Die Entwicklung dieser Theaterkunst aus der Kraft der Selbstermächtigung wird von Siegmar Schröder und Henning Fülle in Berichten und Interviews, Gesprächen und Erinnerungen nachgezeichnet und in den Kontext der künstlerischen und institutionellen Aufbrüche der westdeutschen Thea­terlandschaft seit den 1970er Jahren eingebettet.
Mit Interviews und Texten von Eugenio Barba, Yoshi Oida, Leo Bassi, Margarete Pikes, Horacio Czertok, Nullo Facchini, Robert Jakobson, u.v.m.
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Reisen in internationale Theaterwelten

 Wir haben es einfach gemacht!

Am 5. November heißt es in den USA: Trump oder Harris. Eine Schicksals- und Zukunftswahl für die ganze Welt. In der Theaterwelt sind die USA, ab Mitte des 20. Jahrhunderts wichtiger Impulsgeber für das europäische Theater, längst nicht mehr führend und selbst die immer kreative New Yorker Avantgarde ist für die deutsche Szene kein Magnet mehr, während der Broadway brummt nach Corona und Krise. Trotzdem lohnt ein Blick in die schwächer gewordenen Wechselbeziehungen. Die amerikanische Theaterkünstlerin und Dramaturgin Theresa Buchheister stellt das aufregende New Yorker Performanceduo Peter Mills Weiss und Julia Mounsey vor, Robert Wilson erklärt, warum er mit „Moby Dick“ ein Schlüsselwerk der amerikanischen Kultur inszeniert, und TdZ-Redakteur Stefan Keim spricht mit Noah Haidle, dem aktuell präsentesten amerikanischen Dramatiker auf deutschen Bühnen. Enjoy the show!
Zum Amerika-Schwerpunkt gehören außerdem die Doppelbesprechung der Adaptionen von Ottessa Moshfeghs Roman „Mein Jahr der Ruhe und Entspannung“ in München und Graz sowie der Vorabdruck zu Judith Malinas <a href="https://tdz.de/shop/produkt/daa87cc5-7f2f-4604-8790-e380631debe0">„The Piscator Notebook“</a>, das erstmals auf Deutsch erscheint und somit auch an die früher einmal sehr engen Wechselbeziehungen zwischen amerikanischem und deutschem Theater erinnern soll. Vielleicht wird es ja auch wieder anders?
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Amerikanisches Theater

Die künstlerische Arbeit am Theater ist unmittelbar kooperativ und immer auch Arbeit an ihrer eigenen Form. Theatermacher:innen in der Weimarer Republik haben dies voraussetzend versucht, im mitlaufenden Verweis auf ihr Tun eine bessere, nicht kapitalistische Gesellschaft real und imaginativ vorwegzunehmen. Wieso endete dieser Versuch in einem Lob der großen Produktion statt in einer Befreiung von ihr? Oder in einer naiven Verwendung rassistischer Stereotypen? Tropen des Kollektiven beantwortet diese Fragen, indem es ein solches Scheitern von Utopie am Beispiel des Epischen Theaters – der Piscator-Bühne, der Truppe 31, der Versuche-Gruppe, zu der Bertolt Brecht gehörte – nachvollzieht. Weil das Buch nach dem Verwertungsregime künstlerischer Arbeit schlechthin fragt, gelten die Antworten, die es gibt, nicht nur für die Theater-Avantgarde.
<a href="https://mailchi.mp/tdz.de/rothe-briefing">Briefing</a>
 
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Horizonte der Emanzipation im Epischen Theater

Tropen des Kollektiven

Chemnitz – Kulturhauptstadt Europas. Was man dort als Programm geplant hat, entsteht vor allem aus der Stadt selbst heraus. Ein ganzes Jahr lang andauerndes Experiment für eine traditionell auf magne­tische Internationalität angewiesene Großveranstaltung. Programmgeschäftsführer Stefan Schmidtke, selbst im nahen Döbeln aufgewachsen, erklärt die Philo­sophie hinter Chemnitz 2025. Wie sie konkret aussieht, kann man im Kunstinsert „#3000Garagen“ erfahren, für das übrigens Eiskunstlaufweltstar Katarina Witt das Nummernschild ihres ersten ­Autos beisteuerte: TKW 1-11. T war damals das Kennzeichen für Karl-Marx-Stadt, der Rest erklärt sich von selbst.
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Kulturhauptstadt Chemnitz

Radikal anders

Karin Beier: Antike als große Geste

Theater in Slowenien

Selen Kara

Schauspiel Essen: Ophelia will nicht sterben

Schauspiel Essen: Fast Faust

Die Utopie der Gemeinsamkeit

Im Vollwaschgang: I love you, Turkey! von Ceren Ercan. Regie Selen Kara

Assoziationen

Theater

Schauspiel Essen

Neuerscheinungen im Verlag