Auf Augenhöhe, von Anfang an

Gespräch mit der KI aus dem Internet

Die Grenzen zwischen Dokumentation und Fiktion verwischen

Das Gym, die Bühne und ein Gebirge aus Bildern

Nach vielen Versuchen als choreographierende Tänzerin bei Tom Schilling (Komische Oper), Harald Wandtke (Staatsoper Dresden) und als Leiterin des Tanztheaters am Staatsschauspiel Dresden inszenierte Arila Siegert an der Komischen Oper ihr erstes abendfüllendes Ballett: »Othello und Desdemona« nach Shakespeare und einer Ballett-Idee von John Neumeier, mit eigenem Libretto und mit der in ihrer Originalgestalt kaum angetasteten Musik von Gerald Humel – ein anspruchsvolles Werk. Ballett – Tanztheaterstück – Tänzerisch-gestisches Gebärdenspiel? Siegert wirft dem Zuschauer eine Nuß vor, die zu knacken schwer fällt, doch so reizt, daß in jeder der ersten Vorstellungen kaum ein Platz im Zuschauerraum leer blieb und die Reaktion nach dem betroffen machenden Finale in Beifalls-Ovationen gipfelte. Während der Aufführung wird man Zeuge einer beklemmenden Vision. Othello schenkt seine Gunst der Person seines Vertrauens Cassio. Sein anderer Mitstreiter, Jago, wird auf Rang zwei niedergedrückt, was der, ein Mann voller Tatkraft, als Einschränkung seiner Handlungsmöglichkeiten empfindet. Dagegen wehrt er sich auf seine Weise: Er dient seinem Herrn mit doppeltem Gesicht, rafft alle Fäden, täuscht Untreue Desdemonas vor, zwingt Othello physisch zu Boden, macht ihn zum Narren seiner Untergebenen, schafft seine Helfershelfer und gefährlichen Mitwisser Cassio und Rodrigo aus der Welt, treibt Othello zum Wahnsinnsmord und verschafft sich...

Aus TdZ 11/1988

Jago der windige und bestialische Heuchler »Othello und Desdemona« an der Komischen Oper Berlin

Schlosstheater Moers: Einsamkeit ist keine Metapher

Theater als Denkmaschine 

Sicherheit und trotzdem Sorgen

Donnerstag, 09. April 2026

Die »Undine«-Inszenierung Tom Schillings aus dem Jahre 1970 genießt bis heute legendär-verklärende Erinnerung. Damit mußte Arila Siegert, indirekt choreographische Meisterschülerin Schillings, fertig werden, als sie Hans Werner Henzes sensibles Märchenballett »Undine« neu inszenierte. Sie ging konzeptionell eigene Wege. Ihr Palemon hat nichts gemein mit einem Märchen-Ritter. Er lebt in einem kargen Zimmer mit Eisenbett und eisernem Küchenabfluß. Der Raum könnte in einem Abrißhaus, vielleicht im Berliner»Scheunenviertel«, die Zeiten überdauert haben. Palemons Freunde sind nicht Höflinge, sondern Jugendliche aus Kneipen und Discos. Und Beatrice ist eine flotte Biene im Mini, mit sinnlich langem Haar. Weshalb er ihr eine andere vorzieht, bleibt sein Rätsel. Vielleicht, weil Undine sich von allen und allem, was ihm bekannt, abhebt. Das vermag sie, weil sie ihm nur im Traum erscheint. Als würde sein altersschwaches Haus bersten, reißt in die Zimmerwand ein Spalt, durch den Undine hereinschreitet. Eine hehre, schlanke Frauengestalt im Trikot, überrascht von ihm wie er von ihr. Er greift sie wie einen Fisch, sie genießt seine sanften Zärtlichkeiten wie ein Wunder. Welten treffen aufeinander, wie früher, sollte einem Ost-Jüngling das Wunder eines West-Mädchens beschieden (gewesen) sein. Doch später, die Trios Palemon – Beatrice – Undine, Erscheinungen seiner Phantasie? Oder: Die Zwiesprache der rivalisierenden...

Aus TdZ 3/1992

Scheunenviertel-Story?Komische Oper Berlin: »Undine«

Landestheater Tübingen: Kampf um die sterbende Demokratie

Theater Lüneburg: Erinnern muss wehtun

Theater Marie: Zwischen Verantwortung, Schein und Sein

Die Abwertung von Care-Themen ist misogyn

In der vergangenen Saison gab es mehrere Strawinsky-Ballettpremieren: Neustrelitz und Gera brachten »Pulcinella«, die Berliner Staatsoper »Apollon« und »Capriccio« (in der Balanchine-Choreographie), Gera noch »Sacre«, Weimar die DDR-Erstaufführung der »Hochzeit« (»Les Noces«). Wenn gerade in Thüringen Strawinsky auf Interesse stößt, dürfte das historische Ereignis seines Weimar-Besuches anläßlich der Aufführung seiner »Geschichte vom Soldaten« im Rahmen der Bauhauswoche 1923 wieder ins Bewußtsein rücken. Gera: »Pulcinella« und »Frühlingsopfer« Die Idee eines heidnisch-religiösen Rituals schien für die hauseigene Libretto-Fassung wichtiger als die Einführungsbemerkung des Komponisten zu seinem fertigen Werk, er habe »den äußersten Aufschwung der immer sich erneuernden Natur darstellen wollen«. Denn das Geraer »Frühlingsopfer« wird in einem tempelartigen Raum vollzogen. Der archaisch kalte Saal entspricht der Unmenschlichkeit der Opferzeremonie, schließt aber das Fünkchen Hoffnung aus, das im naturhaft-urzeitlichen Geschehen blinkt. Anstelle des ländlichen Brauchs das priesterliche Ritual. Mädchen betreten angsterfüllt den Tempel, in dem Priester mit elementar-barbarischem Tanz ihre Gottheit beschwören. Eines der Mädchen wird dem Oberpriester dargebracht, während den Jüngling die fanatischen Priester zu Tode peinigen. Die Priesterin wirkt hypnotisierend-zwingend auf das Mädchen ein, so daß es – die »Auserwählte« – in tranceähnlichen Bann gerät. Ihren Körper befällt ein heftiger Taumel, erschöpft sinkt sie zu Boden, bevor...

Aus TdZ 8/1989

Strawinsky in ThüringenPremieren in Gera und Weimar

Dienstag, 10. März 2026

„Man kann die Demokratie auch aus Faulheit verlieren“

Eine neue Form des Lebens

Montag, 16. März 2026

Donnerstag, 26. März 2026

neues theater Halle: Partitur der agralen Enge

Kleine szenische Spiele mit meinen Eltern in frühester Kindheit sind mir noch lebendig in Erinnerung. Mein Vater hätte die Geldmittel für eine fundierte Ausbildung seiner Tochter nie aufbringen können. Immerhin bekam ich eine Freistelle für die Höhere Mädchenschule. In meinem zehnten Lebensjahr waren wir nach Leipzig gezogen. Eines Tages bekam ich ein altes Grammophon und Platten geschenkt. Zur selben Zeit empfing ich erste Tanzeindrücke bei einem Varietébesuch. Tanz bedeutete mit plötzlich mehr, ich sah mir alles an, was in Leipzig zu erleben war. Bei meinem Hang zum Dramatischen und Tragischen machte Mary Wigman den stärksten Eindruck auf mich. Deshalb ging ich nach der Mittleren Reife zu ihr nach Dresden. In der Ausbildung bildete die Intensivierung der schöpferischen Fähigkeiten den erzieherischen Schwerpunkt. Gerade das entsprach meinem Interesse. Für mich stand fest, Choreographin zu werden. Der praktische Unterricht begann jeden Morgen mit Gymnastik. Lehrerinnen der Schule – zum Beispiel Gretl Curth und Gisela Sonntag – vermittelten in Klassen- und Übungsstunden »Wigman-Technik« anhand von Themen wie: Schreiten, Gehen, Gleiten, Hüpfen, Vibrato, Schwingen, Kurvenlaufen, Spannung – Entspannung, Drehen am Platz und in der Fortbewegung. Mary Wigman gab für alle Klassen gemeinsame Übungsstunden und Improvisation. Sie erzog uns dazu, jede Bewegung bewußt auszuführen....

Aus TdZ 6/1988

Emmy Köhler-Richter erinnert sich

Sogar für Festivalpublikum

Die Dramaturgie der Gruppe drückt ins Stück

Montag, 30. März 2026

Überzeugungstäter im Mehrspartenbereich

Freitag, 27. Februar 2026

Montag, 23. März 2026

Huch, das Zimmer bewegt sich!

Schauspielhaus Zürich: Die Leerstelle im Monster

Dienstag, 03. März 2026

Für die gekürzte, geliebte Neue Dramatik 

Zwischen Offenheit und Angst ums nächste Engagement

Theater Bielefeld: Helden sind Monster

Der Faktor Zufall – Performances fernab von der Bühne

Brennende Herzen

„Angst ist in unserer Zeit allgegenwärtig“

Mittwoch, 18.03.2026

Tschechische Bilderlust beim Festival One Flew over the Puppetee´ s Nest

Rauf auf große Bühnen!

Arila Siegert meint, was in jedem Menschen drinsteckt, sei das Entscheidende. Und diese Erkenntnis erläuternd, führt sie vor, wie Männer, die sich willenlos manipulieren lassen, gedemütigt, ja entmündigt werden. Nur, ihrem ersten eigenen, abendfüllenden Ballett »Circe und Odysseus«, in dem sie den Odysseus-Mythos modern variiert und für das Gerald Humel expressive Musik komponierte, fehlt Leidenschaftlichkeit. Didaktisches lenkt die gleichnishafte Szenenfolge. Von ihrer Lehrerin Palucca angehalten, aufgeschlossen für Gegenwärtiges zu sein, vom Ausdruckstanz inspiriert, getanzte Sinnbilder zu schaffen, von ihrem Meister Tom Schilling angeregt, Tanzhandlungen szenisch-dramatisch zu gestalten, hebt sie mit ihrem Stück warnend die Hand und zeigt, was einem jeden passieren kann, wenn er die Kontrolle über sich aufgibt. Odysseus gerät mit seinen Mannen in den Einflußbereich der machtbesessenen Circe und ihres devoten, agilen Managers La Croix. Der bringt mit Hilfe von puppenhaften Nymphen die Soldaten in die Gewalt seiner Herrin, nur Odysseus widersteht. Von Circe im Innersten fasziniert, entfacht auch er in ihr liebevolles Begehren. Doch gerade das hält ihn bei Verstand, so daß er seine Leute wieder entzaubern und mit ihnen weiterziehen kann. War das, was in ihm drinsteckt, das »Entscheidende«? Die Bühne Hans Dieter Schaals gleicht einem antik-ruinösen Tempelfeld, in das sich ein moderner Luxusliner geschoben...

Aus TdZ 1/1994

Männer unter EinflußKomische Oper Berlin: »Circe und Odysseus«

Schritt für Schritt

Der einsame Krieger

Für eine intime Aufführungsstätte kreiert: »Fish on the beach« in der Kammerbühne des Brandenburgischen Staatstheaters Cottbus. Der Berliner Jo Fabian ist von Haus aus Schauspieler und Regisseur. Seine Inszenierung nennt er ein Tanztheaterprojekt. Ähnlich wie in »To play« von 1990 zaubert Fabian Phantasie-Bilder auf die Szene, aus denen, wer will, eine Handlung lesen kann, wenn es ihm gelingt, das Mosaik gestischer Episoden mit eigenen Gedanken zusammenzuklitten. Der Bühnenboden ist eine Kiesfläche, auf die ein Mikrophon gestellt ist, daneben das Modell einer Kogge. Im Hintergrund Projektionen – ein mondähnlicher Punkt, in den seltsame Gebilde (Rasierpinsel, Spirale, Hut) »fließen«, und liebliche Mädchenköpfe, Männer mit Hüten, baumelnde Füße. Rechts sitzen auf einem Tisch rücklings drei entblößte Mädchen und unterhalten sich in Gestensprache. Davor liegt eine Gestalt an einer Uhr, rappelt sich auf, mausert sich zum Prinzen im modernen dunklen Anzug, mit Zopf und Hut. Von links »schwimmt« Undine zu ihm, lieblich, silbrig, zielstrebig. Dahinter ruht auf einer Tischplatte ein riesiger Fisch, dem später die blonde Ursula entschlüpft. Undine und Prinz ertasten sich, sie voller Sehnsucht, er genießerisch mit geschlossenen Augen. Steif wie die Klingen einer Schere pendeln ihre Oberkörper einander zu, bis sich ihre Stirn berührt. Später speist er, mit...

Aus TdZ 2/1992

»Fish on the Beach« in Cottbus

Mit Tanz und Schattenspiel für Freiräume im Freiheitsentzug

Mittwoch, 11. März 2026

Peter Werner, Absolvent des Berliner Choreographie-Studiums bei Dietmar Seyffert, baute sein großes Erstlingswerk auf eine Toncollage quer durchs Musikarchiv (Bach, Monteverdi, Zechlin, Lakomy, Massenet, Zelter, Wolf, Schmidt, Fritzsch, Gluck, Meyer, Bizet, Beethoven, Schubert, Albinoni, Britten ...). Seine ästhetisch kühne Rechnung ging auf, die szenische Revue aus Tanz, Liedern, Texten (Goethe, Briefe von Zeitgenossen, Hacks) machte von Szene zu Szene neugieriger. Werner und sein Co Wolfgang Ranke bewerkstelligten ein abendfüllendes, doch kein Handlungsballett. An den roten Faden Goethe knüpften sie eine Vielzahl sinnbildhafter Szenen, getanzt, gesungen und gesprochen, heiter, bewegend, rätselhaft. Insofern erscheint es logisch, daß er »Play Goethe« als choreographisches Mosaik konzipierte, sich auf vielgliedrige Ensembles und mannigfaltige solistische Gruppierungen konzentrierte. Das entsprach seinem klassisch orientierten Stilempfinden. Seine Bewegungssprache nutzt auch moderne Techniken. Wichtig für ihn ist, über Bilder Aussage zu erzielen. Das gelingt ihm nicht durchgängig, wiegt aber gering angesichts der insgesamt attraktiven Produktion, der am Schluß die Zuschauer stehend applaudierten. Den Beifall verdienten sich genauso die Interpreten: jung, vital, auf die Aufgabe eingestimmt, mit ansprechenden solistischen Leistungen. <hr>

Aus TdZ 12/1990

Goethe tanztGera: »Play Goethe«

Schauspiel Dortmund: Funkelnde Tränen

Montag, 23. Februar 2026

Schauspiel Wuppertal: Erkundungen aus der Komfortzone

Montag, 09. März 2026

Staatstheater Saarbrücken: Nur weil einer nicht hinhört

Schaufenster Sophienstraße 6. Der Jugendclub Mitte hat hier sein Domizil. Ungewohnte Klänge, Rhythmen, nicht auf einer Trommel geschlagen. Neugierde, magische Anziehung. Ein Raum – plötzlich Arme, Hände, Röcke, Füße, schwarze Schuhe, ein bebender Boden gepeinigt von wirbelnden Füßen, andalusisches Gitarrenspiel. Ich nutze den Augenblick, um zu der Frau zu gelangen, die die Fäden zu diesem fantastischen Zusammenspiel von Anmut und mitreißenden Rhythmen in den Händen hält. Es handelt sich um »Aficionados«, die hier spanischen Tanz erlernen. Almut Dorowa, geboren in Weimar, lebte vom zwölften Lebensjahr an in Spanien. An einer Ballettschule in Barcelona studierte sie fünf Jahre den klassischen Tanz. Parallel nahm sie Unterricht im spanischen Tanz bei bedeutenden Tänzern wie Bautista, Antonio Alcaraz und dem Zigeuner Coronas. Bei letzterem lernte sie u. a. den Flamenco und Bolero clásico. Mit 19 gab sie ihr Debüt im Theater in Barcelona. In ihren Tanzabenden dominierten der spanische und moderne Tanz. Mit Ausbruch des Bürgerkrieges kehrte sie nach Deutschland zurück. Geprägt durch die Arbeit in ihrer einstigen Wahlheimat, gewann in ihren Soloabenden der spanische Tanz an Bedeutung. Zeitungsstimmen und Kritiken aus dieser Zeit lassen auf große Erfolge schließen: »Dankbarkeit, Anerkennung und Verehrung Almut Dorowa.« – »Das ist Feuer, das ist Temperament, das...

Aus TdZ 11/1989

Andalusisches Roulette mit Almut Dorowa

Ein sächsischer Elisabethaner

Arila Siegert erforscht mit dem eigenen Körper – choreographische Formgebung, seelische Zustände und Gedankenketten ihrer Meisterinnen nachfühlend – Wesen, Art, Aussageabsichten wichtiger überlieferter Ausdruckstanz-Choreographien. Sie beschäftigte sich mit Marianne Vogelsang (»Fünf Präludien«), Dore Hoyer (»Afectos humanos«). Nun Mary Wigman. Als sie »Abschied und Dank«, Wigmans Schwanengesang als Solotänzerin (1942), tanzte, war mehr als eine rekonstruierte Choreographie zu erleben: Schönheit von Bewegung und Körper, Friedfertigkeit der Seele. Klaviermusik von Aleida Montijn stützte diese ausgeglichene, verinnerlichte, gestisch stark konturierte Tanzszene adäquat. Dann der »Hexentanz« (1926), jenes skurrile Solo, das so gespenstisch introvertiert beginnt, über Krallenfinger-Gesten und Krabbelbewegungen sich zu extremen Posen steigert. Ein auch heute sehenswertes Zeugnis der Ausdruckstanz-Blütezeit. Hatte die Siegert die »Hellen Tänze« im ersten Soloabend (1985) ihrer Meisterin Palucca gewidmet, widerspiegeln die »Dunklen Tänze« dieses Abends Eigenheiten ihrer künstlerischen Entwicklung seitdem. Wie sich im Leben Ereignis an Ereignis reiht, drücken diese in Form verwandelten Erfahrungsepisoden zu Etüden von Alexander Skrjabin seelische Zustände, Empfindungen, Reflexionen aus. Im roten, schulterfreien Kleid tanzt Siegert sich frei – löst sich von Bedrückungen, gibt sich frohen Empfindungen hin, in expressiv sich streckenden Armen, Armschwüngen, gespannten Schritten und Posen, elegantem Drehen, Gleiten, hüpfend, vibrierend, zappelnd. Am Schluß ein betörendes Lächeln. Es wirkt wonnetrunken und dabei...

Aus TdZ 12/1991

Reise nach innenTanztheater im Staatsschauspiel Dresden/Kleines Haus: »Fluchtlinien«

Das Dunkel: Ein Gegenlicht

Theaterfamilie versus Familie

Theater Aachen: Zwei Stunden Zuhören

„Bei ihr war es schnell klar“

Wut und Hohn treiben diese martialische Persiflage auf selbstherrlich-eitle Heldentumsucht, die über Leichen geht. Der fast hundertjährige, umstrittene deutsche Dichter Ernst Jünger wird in Johann Kresniks Choreographischem Theater zur Inkarnation blutiger Kriegslust und deutsch-nationalistischer Charakterfestigkeit. Aber die Wut überträgt sich nicht auf die Zuschauer, die bestenfalls amüsiert den bissigen Spötteleien mit einem gewaltigen Aufgebot an Requisiten zusehen. Am Schluß des Stücks zerrt Christian Schwaan, in mehreren Szenen das Opfer (dem, weil er Soldaten Mörder schimpft, der Kopf zerquetscht und vom Titelhelden nach intimer Liebesbeglückung die Kehle durchschnitten wird), polternd eine rohe Holzkiste auf die Szene und packt den – wie es scheint toten – Ernst Jünger hinein. Eine Gala-Gesellschaft in schwarzer Abendrobe trägt den Sarg weihevoll. Doch der Dichter-Held steht, nackt und schadenfroh, wieder da. Der Geist ist fruchtbar noch, aus dem das quoll. Diese Schlußsequenz scheint zu erklären, was zu »Ernst Jünger« bewog. Weniger die Person, als deren Ideen, die wieder verhängnisvoll zum Tragen kommen. Der Aufwand dafür ist immens. Sein Szenarist Hans Haacke, wie Jünger Preisträger der Biennale Venedig 1993, öffnet die Bühne zum Innenraum eines Wehrmachtoffizierskopfes. Magnetisch-metallischer Rundhorizont, an den der Naturkundler Jünger seine Käfersammlung pinnt. Darin kracht, kreischt, blutet es. Hunderte Alugeschirre, Schüsseln, Löffel werden von...

Aus TdZ 3/1995

Requisitenspektakel über Krieg. Volksbühne Berlin: »Ernst Jünger«

Holger Beys Beiträge »Zimmer 15« und »So sei es« sind Choreographien, die dem Ex-EWE-Tänzer und derzeitigen Choreographie-Studenten bei Dietmar Seyffert an der Berliner Hochschule für Schauspielkunst Wettbewerbs-Ehrung und Anerkennung einbrachten. Seine kuriosen Gedankenwinkelzüge mit Bloßlegung gesellschaftlicher Wahrheiten und charakterlicher Schwächen haben jenen Pointe-Effekt, den man sich als Zuschauer erhofft. In der makabren Tanz-Anekdote »So sei es« demaskiert er die geheuchelte Anteilnahme einer Trauergemeinde bei den Abschiedsworten für Wilhelm, den vertrauten Verschiedenen. Witz der Sache: wie ein verspäteter Trauergast mit seiner Nervosität alle verwirrt und zu skurril-individuellen Reaktionen herausfordert. Diese blitzschnellen, träge-introvertierten Entäußerungen innerlicher Gedanken und Emotionen schockieren in ihrem Egoismus, ihrer Scheinheiligkeit, entsprechen aber den geheimen, erst während des Trauertratschs geäußerten Meinungen, Wünschen, Erinnerungen. Waren das nur Typen oder schon Charaktere, die die Tänzer physisch virtuos und drastisch darstellten – jeder machte seine Figur zur Panoptikumsgestalt mit speziellen Eigenheiten. Man konnte sich aussuchen, mit welcher man sich keinesfalls identifizieren mochte. Das Programm begann lustig. Michael Apel, der neue künstlerische Leiter des Cottbuser Balletts, überraschte mit dem getanzten Gag »Rags ... erinnerst Du Dich?« Ein Klavierspieler intoniert Ragtimes von Scott Joplin. Von der Musik animiert, beginnt ein dem Wein zusprechender Mann tänzerische Eskapaden, in die er Typen der 20er...

Aus TdZ 3/1990

Vortasten mit Risiko»kammer – tanz – theater 1« in Cottbus

Kaleidoskop der Wunden

Was mir an diesem »Tanztheaterprojekt« von und mit Elke Paul/Thomas Guggi imponierte: wie offen und ehrlich junge Darsteller Glücks- und Konfliktmomente zweier Partner beleuchteten. Wie sie das gestalten, mag artifiziell unfertig wirken, aber es spricht an, ihre Gedanken teilen sich mit. In ihrem Erstlingswerk verflechten sie Tanz, Gesten-Sprache, Pantomime, gesprochenes Wort und Musik. Sie stellten ihr Tanztheaterprojekt »Begegnung und Dasein« im Berliner Theater unterm Dach erstmals dem Urteil der Öffentlichkeit. Man erlebt ein zweiteiliges Zwei-Personen-Stück, in dem sich »Begegnung« (das nicht nur heitere Sich-Kennenlernen) und »Dasein« (Langeweile in der Zweisamkeit, Frust, Versuche von Zärtlichkeit) inhaltlich verstehbar erschließen. Die kleine Bühne »unterm Dach« ist übersät mit Papierresten und Tüten. Darauf hetzen ein Mann, eine Frau aneinander vorbei, sich rempelnd, wahrnehmend, beachtend. Sie kommen sich näher, trennen sich, sind zärtlich, stoßen sich ab. In kantigen, ruckenden, später fließenden und weichen Bewegungen. Manchmal suchen sie Halt an schmalen Stoffbahnen, die die Szene gliedern. SIE spielt mit ihren weiblichen Reizen, offenem Haar, sinnlich schönem Körper, ER fühlt sich angezogen, doch hält ihn die eigene Hemmschwelle zurück. Dazu der eigenartige Reiz der Musik von Laurie Anderson. Nur: im Gestischen dominiert zu stark die Tänzerin; die Spannung, die in der früheren Version mit dem zweiten...

Aus TdZ 4/1989

Theater unterm Dach Berlin: »Begegnung und Dasein«

Der Messingkauf im Curazän

Beide Stücke befassen sich mit unserem Befinden in und mit der Umgebung, der Umwelt. Eingestimmt auf solcherart Thematik wurde bereits vor dem Theater: Zwei ausgebrannte Pkws von irgendeinem Straßenrand, Fahnenschmuck aus Blechdosen, zwei Mönchlein, die Seelenfrieden im Tausch gegen eine Geldspende zugunsten eines guten Zwecks anboten. Elvira Schurig stellt ihrem Stück das Motto »... denn ein bißchen Glück ist genug« voran. Die erwachsenen Darsteller spielen Kinderszenen: Wettspiel um den freien Stuhl, erster Knabenblick auf bloßen Mädchenkörper, Blinde Kuh, Schulspeisung unter Aufsicht, Sandkasten, Braut und Bräutigam, Jugendweihe ... Das gleicht einem Erinnern an eigene Alpträume. Wie die Jungen frisch Marschieren üben, ein Mädchen von geilen Blicken verletzt wird, für alles Dank bezeugt werden muß. Der Spielraum – ein ländlicher Hof in Schulnähe, in brüchige Wände bzw. Drahtzaun gezwängt, links eine löchrige Klotür – beschwört Vergangenheit herauf. Die Distanz zum Erlebten teilen sich Darsteller und Zuschauer. Tanzend, agierend, sprechend, singend führen die Interpreten die allegorischen Kindheitsreminiszenzen vor. Persönlicher Spaß, viel mehr Frust, steigert sich in einer sarkastischen Jugendweihe-Parodie zu einer Art DDR-Syndrom. Elvira Schurig hat sich offensichtlich Pina Bauschs »1980« genau angesehen. Auch sie baut ihr Stück aus einem scheinbar beziehungslosen Szenen-Mosaik voller beziehungsreicher Spannung, läßt die Darsteller unerfüllte Lebensziele aufsagen, treibt...

Aus TdZ 5/1991

Reine Seele – reine Welt, ein Nonsens!Theater der Stadt Cottbus: »Natter Erde. laß gut sein – ich mal mir was aus«

 Bühnen Bern: Männerfantasien zerbersten lassen

Die zweite Raumzeitmaterialisierung

Wer setzt den perfekten Haken?

Geisterstück

Die Zwischenmomente erwischen

Dieses neue »Theaterfestival europäischer Avantgarde« fand zum ersten, bestimmt nicht zum letzten Mal statt. Moderne, professionelle Gruppen waren in die stürmisch aufstrebende, teure sächsische Metropole Leipzig geladen, Theatergruppen, die Ungewöhnliches riskieren und deshalb im eigenen Land, auch international, im Gespräch sind. Da Berlin es nicht fertigbringt, die überregional weitbeachtete, traditionelle und gegen manchen DDR-Vorbehalt behauptete »Woche Gestisches Theater« im Prenzlauer Berg zu halten, initiiert Leipzig (Stadt, Schauspiel, Oper, Freistaat Sachsen, Stiftung Kulturfonds, EG-Kulturbühne Europa, unterstützt von Pro Helvetia Zürich, Region Marseille, Theaterverband Rußland, Ministerium für Kultur WVC Den Haag und weiteren) ein unkonventionelles Theatertreffen europäischen Ranges. Vom 14. bis 17. November stellten sich Gruppen vor, die körperbetontes, überwiegend nonverbales Theater – darunter viel moderner Tanz – boten: aus St. Petersburg, Lublin, Budapest, Dresden, Leipzig, Berlin, Zürich, Amsterdam, Marseille. »euro-szene leipzig« orientiert sein Programm zu etwa gleichen Teilen aus Ost- und West-Europa und Deutschland. Matthias Renner und Ann-Elisabeth Wolff tragen die Hauptlast konzeptioneller und organisatorischer Verantwortung, für die der »Sächsische Verein zur Förderung des kulturellen Austauschs nationaler und internationaler Tanz- und Theatergruppen e. V.« zuständig ist. Weil das Festival publikumsorientiert ist, wurden bevorzugt Inszenierungen ohne gesprochenes Wort eingeladen. Der...

Aus TdZ 1/1992

Ziemlich aufregendeuro-scene leipzig

Was macht das Theater, Martin Heckmanns?

Bestrebt, die in den vergangenen 40 Jahren erzielten Ergebnisse der Tänzer, Choreographen, Tanzpädagogen und -wissenschaftler aus den bisherigen beiden Staaten im geeinten Deutschland zu bewahren und zu profilieren, trafen sich vom 21.–23.9. in Dresden Ballett- bzw. Tanzrepräsentanten aller Spezialgebiete, verantwortliche Vertreter der Politik, Fachjournalisten. Sie versuchten, in Vorträgen, Referaten, Diskussionsbeiträgen, einem Rundtischgespräch dem Thema »Aktuelle Probleme und Bildungserfordernisse des Tanzes in Deutschland« gerecht zu werden. Daß dies gelang, zeigt ein Brief an Bundesregierung und Verantwortliche der Länder und Kommunen. Er enthält Forderungen zur Sicherung und Weiterentwicklung eines pluralistischen Tanzschaffens incl. Tänzer-, Tanzpädagogen- und Choreographenausbildung sowie Lösung anstehender sozialer Probleme. Die Tagung zum richtigen Zeitpunkt, initiiert von der Dresdner Ballettdirektion, fand beachtliche Unterstützung und großen Zuspruch. Verantwortet wurde sie von der Staatsoper Dresden, der Deutschen Akademie des Tanzes Köln, dem Deutschen Berufsverband für Tanzpädagogik Essen, dem Tanzkomitee für die Bundesrepublik Deutschland Recklinghausen in Verbindung mit dem Deutschen Kulturrat Bonn, unterstützt von der Kulturstiftung der Länder und des Fonds Darstellende Künste e. V., Ministerium für Kultur der DDR und Verband der Theaterschaffenden der DDR unter Schirmherrschaft des Dresdner Oberbürgermeisters. Daß auch der Parlamentarische Staatssekretär im Bundesministerium für Bildung und Wissenschaft, Norbert Lammert, und der neue Intendant der Staatsoper...

Aus TdZ 11/1990

Deutsch-Deutsches Tanzsymposium

Das globale Upcycling-Prinzip

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freier Autor, Berlin. Langjähriger Mitarbeiter von Theater der Zeit (1970er und 1980er Jahre) in den Bereichen Oper/Operette/Bühnentanz sowie musikwissenschaftlicher Mitarbeiter und Dramaturg beim Bühnenvertrieb des Henschelverlags.

Das Märzheft 2026 von „Theater der Zeit“ widmet sich dem Schwerpunkt „Bühnenmütter und Mütternarrative“ und fragt, wie sich künstlerische Arbeit und Fürsorge heute vereinbaren lassen. Interviews, Essays und Erfahrungsberichte – unter anderem von Jorinde Dröse, Carola von Seckendorff, Elisabeth Köstner und zu den Arbeiten und u. a. Pina Bergemann – beleuchten strukturelle Hürden, Initiativen wie den Verein Bühnenmütter e. V. und das Projekt Culture.Care sowie aktuelle Mutter-Stoffe auf deutschsprachigen Bühnen.
Der Stückabdruck diesmal: Noam Brusilovskys „Fake Jews“, uraufgeführt am Deutschen Theater Berlin.
Außerdem: Berichte zur neuen Intendanz am Schauspiel Leipzig, zum  Festival Premières am Le Maillon in Straßbourg, ein Inszenierungsbericht von der „Möwe“ gleich zweimal in Norddeutschland sowie, wie immer: das Kunstinsert (diesmal zu den Stadtraum-Pionier:innen Angie Hiesl/Roland Kaiser) Kolumnen und Buchrezensionen.
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Bühnenmütter und Mütternarrative

Einzigartige Primärquellen aus einem weitgehend undbekannten Kapitel der DDR-Ballettgeschichte
Erscheint zum 80. Jubiläum der Zeitschrift Theater der Zeit
 
DDR-Ballett, ostdeutsche Tanzgeschichte und selten aufgeführte Choreografien zwischen 1975 und der späten „Nachwendezeit“: Dieser Band versammelt erstmals wegweisende Rezensionen, Essays und Augenzeugenberichte aus dem Deutschen Tanzarchiv Köln, der seit 1946 bestehenden Zeitschrift Theater der Zeit und aus Tageszeitungen. Ein erfahrener Tanzredakteur, Dietmar Fritzsche, und sein damals junger, heute renommierter Autor, Volkmar Draeger, führen kenntnisreich durch vergessene Bühnenmomente – von Uraufführungen u. a. in Berlin, Dresden, Leipzig bis zu neu inszenierten Werken aus den, wie es offiziell hieß, „befreundeten sozialistischen Ländern“.
Kompakt, fundiert und spannend zeichnet das Buch die Entwicklung des DDR-Balletts nach, beleuchtet künstlerische Höhepunkte, politische Tendenzen, ästhetische Irrwege. Damit bildet das Buch ein unverzichtbares Nachschlagewerk für Tanzwissenschaft, Kulturgeschichte und alle, die ostdeutsche Bühne, Tanzkritik und Ballettgeschichte erkunden möchten.
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Tanz in der DDR von 1975 bis 1997

Die andere Seite

Mit Humor ist es so eine Sache, auch im Theater. Es gibt ihn, aber er ist schwer zu greifen, und noch schwerer ist es, darüber zu diskutieren, ohne dabei den Humor zu verlieren. Als TdZ den Regisseur Antú Romero Nunes nach seiner Premiere von Shakespeares „Was ihr wollt“ am Berliner Ensemble (auf dem Titel) deswegen anriefen, schien er gleichsam auf eine solche Gelegenheit gewartet zu haben. Nunes, Absolvent der Berliner Hochschule für Theaterkunst Ernst Busch als Regisseur, ist in mehreren Kulturen zu Hause und kann deshalb von innen und außen auf das Thema Humor im deutschen Theater schauen. Das Gespräch war nach dem Interview lange noch nicht beendet und ging immer weiter. Wie auch das über die sogenannte Wertigkeit von Komödien, die als relevante Problemstücke wie Dietmar Jacobs’ „Extrawurst“ großes Publikum ins Theater ziehen. Seine fein gebauten Stücke sind Blockbuster des Theaters und deshalb nicht so leicht einzuordnen. Lachen ist Selbstklärung.
Daneben bietet das Januar-Heft einen Ausblick auf Theater der Welt in Chemnitz 2026, einen Bericht vom Festival Science and Theatre in Heilbronn (mit starkem Fokus auf KI, XR und digitale Ästhetiken) sowie einen Blick auf den Neustart des ETA Hoffmann Theaters Bamberg unter John von Düffel.
Und wie immer: einen Stückabdruck (diesmal die Fassung von Ruth Maria Thomas’ „Die schönste Version“ aus Cottbus), neuen Kolumnist*innen und einer neuen Ausgabe der Serie zu Grenzphänomenen von Theater und Sport.
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Humor auf der Bühne

Checklisten, Best-Practice-Beispiele und konkrete Methoden für kulturelle Teilhabe und Mehrsprachigkeit
Community-Booster: durch kollaborative Netzwerke diversitätsbewusstes Kinder- und Jugendtheaterarbeit positionieren
Teilhabe und Mehrsprachigkeit als ästhetisches Potenzial im Theater für junges Publikum begreifen. Begegnungsraum für junge Menschen mit unterschiedlichen gesellschaftlichen Privilegierungs- und Marginalisierungserfahrungen sein. Neues proletarisches Theater mit jungen Menschen machen. Bewusst Intersektionalität mitdenken und gleichberechtigt Theater schaffen. Sich selbst sowie die eigenen Arbeitsstrukturen machtkritisch befragen und geduldig in Bewegung bringen.
Was wie eine Utopie klingt, ist im Programm „Perspektiv:Wechsel“ der ASSITEJ seit 2022 vielerorts passiert. Und wird auch darüber hinaus in den Darstellenden Künsten für und von jungen Menschen immer öfter praktiziert. Welche (un-)sichtbaren Hürden müssen dabei überwunden werden? Wie können konkrete Schritte geplant und umgesetzt werden? Und warum überhaupt Perspektivwechsel? Dieses „winterheft“ versammelt Praxisberichte in Form von Texten, Videos und Audioformaten, vielstimmige Argumentationen, machtkritische Positionen und Plädoyers dafür nicht mehr allein zu träumen, sondern sich zu verbünden.
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Perspektiv:Wechsel

Spielerische Übungen und künstlerische Experimente für Stimme und Sprechen
94 große Karten und Begleitheft
Ein Kartenset für alle, die Lust haben, gemeinsam die eigene Stimme zu erkunden. 94 Karten in fünf Bereichen laden zu einem spielerischen und vielfältigen Umgang mit Stimme im Theater ein. Übungen, Spiele, Experimente und Wissenskarten fördern künstlerisches Ausprobieren und bewusstes Wahrnehmen. Dafür kommen Perspektiven aus der Stimm- und Sprechbildung, der Theaterpädagogik sowie den Künsten zusammen. Für mutige Stimmen in Theater und Performance, in Bildung, Schule und im Alltag. 
38 Karten üben + wahrnehmen – geben Übungen zu allen Aspekten der Sprechstimme an die Hand – zusammen oder allein.
28 Karten spielen + experimentieren – sind von künstlerischen Beispielen inspiriert und laden ein, gemeinsam Theater und Performancekunst zu machen.
11 Karten Wissen – vermitteln Grundlagenwissen zur Stimme und räumen mit Missverständnissen auf.
6 Karten Material – stellen Gestaltungsmittel und nützliche Begriffe zur Verfügung.
3 Karten Formen – ergänzen eure künstlerischen Experimente.
8 Karten Miteinander – unterstützen eure Zusammenarbeit und regen zum Austausch an.
Konzipiert und geschrieben von Marit Fiedler, Caroline Intrup, Isabelle Zinsmaier, Matthias Dreyer.
Entstanden im Projekt „Fokus Stimme“, Studiengang Lehramt Theater, Hochschule für Musik und Theater Rostock mit freundlicher Unterstützung durch die Stiftung Innovation in der Hochschullehre.
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<a href="../../api/files/4a2c9dd6-094e-4968-9919-3ce1f582de2a/psst-Begleitheft.pdf">Begleitheft herunterladen</a>

PSST! Mit Stimme Theater machen

Die Februar-Ausgabe von Theater der Zeit rückt das Theater in der Ukraine ins Zentrum – als Kunstform im Ausnahmezustand, die zugleich Verteidigung, Selbstbehauptung und Zukunftsentwurf einer von Krieg belagerten Gesellschaft ist. Das kulturelle Leben ist, eines der perversen Kriegsziele Russlands, nicht zum Erliegen gekommen, während der Krieg – zumindest seit der Totalinvasion – diesen Februar ins fünfte Jahr geht. Der Schwerpunkt des Heftes fragt, welche Rolle internationale Kooperation wirklich spielt – und wo sie bislang ausbleibt. Reportage, Essay und Gespräch zeichnen eine Landschaft, in der Luftalarm, Drohnen und Frontberichte den Alltag markieren, während Projekte wie das Ukrainomania-Vorhaben des Wiener Volkstheaters und des Nationaltheaters Maria Zankovetska in Lviv exemplarisch zeigen, wie gemeinsame künstlerische Arbeit neue Räume für Erinnerung und Solidarität eröffnet.​
Flankiert wird der Schwerpunkt von Beiträgen, die andere Bruchstellen der Gegenwart vermessen: ein Bericht über die „Rasenmäherpolitik“ in Baden-Württemberg analysiert, wie Kulturkürzungen ganze Szenen in Stuttgart und Karlsruhe strukturell gefährden, während ein Essay zu René Pollesch die Frage stellt, wie sich kollektive Unbehaustheit und Theaterästhetik nach seinem Tod weiterschreiben lassen.  Mit dem Fokus auf neue Schweizer Dramatik im Rahmen vom Abdruck der im Schweizer „Stück Labor 2024/25 entstandenen Stücke, öffnet die Ausgabe zugleich einen Laborraum für Texte, die Übergangsrituale, Jugendkulturen und postkoloniale Verwerfungen erkunden. Guido Lambrecht, der mit der Monumentalperformance von „Serotonin“​ am Hans Otto Theater Potsdam gerade zum Theatertreffen eingeladen wurde, beantwortet die Frage: „Was macht das Theater?“ Und wie immer: Kolumnen, Kritiken und das Kunstinsert, dieses Mal mit der neuen permanenten Lichtinstallation von James Turrel: „Beyond Horizons“, in Oelsnitz/Erzgebirge.
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Theater in der Ukraine

Palucca (1902–1993) wollte nicht hübsch und lieblich tanzen und war noch keinesfalls berühmt, als sie im Alter von 23 Jahren eine private Tanzschule gründete. In diesem Band kommen Menschen zu Wort, die eine Beziehung zu Palucca, zur Palucca Schule (gegründet 1925, heute Hochschule), Mut im Kopf und Mumm in den Knochen haben. Sie taten und tun das vorzugsweise in Projekten, mit denen Menschen im und mit Tanz zu Veränderungen angestiftet und befähigt werden, gesellschaftliche Missstände mit Leib und Seele anzugehen. Das erfordert ziemlich viel Mut.
Für den Soziologen Dirk Baecker ist Mut ein Kalkül. Für Palucca war Mut eine Voraussetzung für Kunst. Studierende des 2. und 3. Studienjahres Bachelor Tanz der Palucca Hochschule für Tanz Dresden verraten, wie sich Mut einstellen kann, selbst wenn sie Angst haben. Das könnte man sich glatt zu Herzen nehmen, und dann ist Mut zu haben vielleicht gar keine Kunst?
 
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Faszination und Verantwortung

Mut Palucca

Nach dem Tod von Heiner Müller am 30. Dezember 1995 entstand das erste TdZ-Arbeitsbuch mit dem Titel „Kalkfell“. Es folgten ein zweiter „Kalkfell“-Band und viele Einzelstudien und Aufsatzbände in der TdZ-Recherchen-Reihe sowie in der Zeitschrift immer mal wieder Texte aus Müllers Nachlass, die im Entstehen der Werkausgabe bei Suhrkamp entdeckt wurden. Dazu opulente Bände zu Müllers eigener Inszenierungsarbeit und B. K. Trage­lehns Müller-Inszenierungen. Die Biografie Heiner Müllers war indes bisher kein ausgeprägtes Feld bei Theater der Zeit. Im hier aus Anlass des kleinen Gedenkjubiläums zusammengestellten Schwerpunkt finden Sie neben den Beiträgen von Kristin Schulz und Wolfgang Storch die Erinnerungen von Hans-Jochen Vogel an seinen Cousin Heiner. Die Lebenswege gingen schnell weit auseinander – Müller verließ schon jung den erzgebirgischen Herkunftsraum und ging nach Berlin, ­Vogel blieb in der Gegend und wurde Studentenpfarrer in Karl-Marx-Stadt beziehungsweise Chemnitz. Verbunden blieben sie durch das Interesse aneinander – und deshalb ist Vogels (online vollständig zu lesendes) Memoir ein erhellendes Stück Müller-­Literatur heute.
Mit Tilda Swinton kommt man in die verschiedensten Bereiche von Film und Theater, so wie das Kunstinsert an ihre Zusammenarbeit mit Derek Jarman und Pedro Almodóvar erinnert. Ihre Zeit mit Christoph Schlingensief ist legendär und nebenbei war bei der Arbeit an diesem Beitrag auch noch von ihrer Rückkehr auf die Bühne zu erfahren. 1982 schrieb der Regisseur Manfred Karge sein erstes Stück, „Jacke wie Hose“, über eine Frau, die in der Weltwirtschaftskrise von 1929 die Stelle ihres verstorbenen Mannes annimmt und fortan, heute würde man sagen, als ‚männlich gelesen‘ weiterleben muss. 1987 spielte Swinton am Londoner Royal Court Theatre die englische Erstaufführung – und 2026 wird sie diese „Man to Man“-Szenen wieder am Royal Court spielen, mit einem geplanten Gastspiel im Berliner Ensemble.
Ein kuratiertes Insert befasst mit Machtmissbrauch in den Darstellenden Künsten – das Netzwerktreffen von Helvetiarockt und m2act.
Über gleich zwei Neustarts berichtet das Heft, in Hamburg und in Freiburg, genauso wie über Festivalberichte. Weiterhin, wie immer: der Stückabdruck (diesmal von Gerhild Steinbuch) unsere Kolumnen.
 
 
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Zwischen Bühne und Film

Tilda Swinton

Im Jahr 2025 feiert das Rheinische Landestheater sein einhundertjähriges Bestehen – und 25 Jahre den festen Ort mit bespielten Bühnen in der Oberstraße. Gemeinsam mit verschiedenen Wegbegleiter:innen und (Theater-)Expert:innen blickt das Haus auf ein Jahrhundert Theater in Neuss, Nordrhein-Westfalen und entfernteren Orten zurück; die Doppelfunktion als Haus mit einem festen Ensemble in einer rheinischen Großstadt, das zusätzlich als Landestheater mit seinem Programm (auch über die Landesgrenzen Nordrhein-Westfalens hinaus) Kultur in die Fläche und Orte ohne eigene Theaterbetriebe bringt, ist als spannende Institution eine nähere Betrachtung wert. Gleichzeitig bietet das Jubiläum bei aller Nostalgie auch genügend Anlass, um zusammen so manchen Ausblick in die Zukunft zu werfen – voller Vorfreude auf Alles, was kommt!
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Ein Jahrhundert Rheinisches Landestheater Neuss

Blick zurück nach vorn

Opulent bebilderte Buchausgabe, die die musiktheattrale Installation visuell und textlich dokumentiert
Künstlerisches Mahnmal über Krieg, Zerstörung und menschliche Resilienz
Die mit dem OPUS KLASSIK 2025 ausgezeichnete musiktheatrale Installation des Mozartfests Würzburg setzte sich künstlerisch mit der Bombardierung Würzburgs am 16. März 1945 auseinander. 80 Jahre nach der Zerstörung der Barockstadt verschmolzen Lyrik von u. a. Paul Celan und Bertolt Brecht, Zeitzeugenberichte und Musikwerke aus vier Jahrhunderten zu einem sinnlichen Klangerlebnis, das historische Narben ertastet und Brücken zur Gegenwart schlägt. 
Im historischen Mutterhaus der Erlöserschwestern, wo 500 Menschen die Bombennacht im Luftschutzkeller überlebten, entstand eine immersive Theaterform, die Erinnerungskultur neu denkt. Werke von Mozart, Mahler, Schumann und Copland trafen auf zeitgenössische Interpretation und machten Kriegstraumatisierung unmittelbar erfahrbar. Die visuelle Gestaltung mit eindrucksvollen Fotos dokumentiert die Installation sowie ihre Genese und ermöglicht es, das Konzert anhand des Buches wieder nachzuempfinden. Ein künstlerisches Mahnmal, das zum Gedenken und Nachdenken anregt.
„Hell ist die Nacht“ ist eine Produktion vom Mozartfest Würzburg. Regie Max Koch, Dramaturgie Tamara Yasmin Quick, Musikalische Leitung Ulrich Cornelius Maier
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Eine Dokumentation

Hell ist die Nacht

Dietmar Fritzsche