Totkürzungen drohen

Die Heterotopien erhalten

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Ein junger Student fragt sich am Ende seines Politik- und Philosophiestudiums: „Ist es das jetzt?“ Seine ­Ansprüche an sich und die eigene ­Lebensaufgabe sind so allgemein wie ­anspruchsvoll: „Menschen erreichen, Welt erzählen, etwas – verändern.“ Die Konsequenz des eigenen ­Anspruches? Sascha Flocken gibt dem Theater eine Chance. Ihn begeis­tert bereits als Regieassistent eine ästhe­tische Praxis, welche politisch wirkt. Ab 2013 arbeitet der 1985 in Fran­kenthal Geborene als Regisseur an den Theatern Freiburg und Konstanz, auch in Essen und Stuttgart. Verkopfte und theorielastige Inszenierungen sind ebenso wenig sein Anliegen wie ein Schauspiel, das von der Form her ­dominiert wird. Es geht ihm darum, „etwas hinzustellen“, das aber „mit Leichtigkeit“. Das Große, Politische sucht und findet er im Kleinen, Menschlichen. Seine Neugier für das, was Schauspieler­innen und Schauspieler in eine Inszenierung mitbringen, ist enorm. Es verwundert deshalb nicht, dass Sascha Flocken auf herausragende Weise mit jungen Menschen und Laien zu arbeiten versteht. In der Spielzeit 2018/19 reißt seine Inszenierung eines Stückes über die Pflege die Zuschauer vor Begeisterung regelmäßig von den Sitzen. „Silent Service“ am Theater Freiburg ist ein Inszenierungsprojekt mit Auszubildenden der Pflege über die Pflege. Es passt in die allgemeine politische Debatte zum Pflegenotstand und kommt doch eminent positiv, ja...

Der Regisseur Sascha Flocken bringt Spielprozesse zum Leuchten

Schmetterlingsschlag des Politischen

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Ein Traum: „Aus Kellern, U-Bahnschächten, Klobecken kam Wasser geschossen. Jeder macht sich bereit. Hals über Kopf stieg es. Der Führer im Rundfunk erklärte, die Mauer halte.“ Die Mauer aber hielt nicht. Dreißig Jahre ist es her, dass sich 1989 die Grenze zwischen DDR und BRD öffnete. Für ihn, schreibt Einar Schleef über sein Stück „Berlin ein Meer des Friedens“ 1974 in sein Tagebuch, sei die Wiedervereinigung der beiden deutschen Staaten...

Editorial

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

„Es ist eine kleine, weiße, ovale, teilbare Tablette.“ Mit diesem Satz beginnt und endet der jüngste Roman von Michel Houellebecq. Diese Pille sorgt für eine erhöhte Ausschüttung des Glückshormons Serotonin bei dem hochdepressiven Agraringenieur Florent-Claude Labrouste, dessen Geschichte hier von ihm selbst erzählt wird. Nach der Uraufführung durch Falk Richter am Schauspielhaus Hamburg könnte man diese Pille ganz gut gebrauchen. Denn man erlebt nicht nur eine deprimierende Inszenierung, die in karikaturhafter Überzeichnung alle Figuren an plumpe Witzigkeit verrät und plakative Theatermittel auffährt. Der seit Jahren ausgiebig exerzierte Vorwurf an Houellebecq, mit seinen chauvinistischen, rassistischen oder sexistischen Positionen mittelalter Männer ausschließlich provozieren zu wollen, versperrt Richter die Sicht zu einer genaueren Lesart. Er hat sich für seine Bühnenfassung ein Feindbild Mann zusammengestrichen, um es anschließend denunzieren zu können. Hat dabei nur übersehen, dass sich dieser Mann schon selbst zerlegt, die Lächerlichkeit seines sexuellen Begehrens zur Schau stellt und seine Asozialität und Liebesunfähigkeit nicht als Errungenschaften sieht, vielmehr wie ein krankes Tier umherstreunt und die Liebe anruft. Doch der Glaube an die Liebe als einziges sinn­stiftendes Element des Daseins und damit die Leerstelle, die ihn antreibt, passte nicht ins Anti-Chauvi-Regiekonzept. Weg damit. Der Labrouste des Romans ist ein ­Romantiker, dem die Liebe,...

Deutsches Schauspielhaus Hamburg: „Serotonin” (UA) von Michel Houellebecq in einer Fassung von Falk Richter. Regie Falk Richter, Bühne Katrin Hoffmann, Kostüme Teresa Vergho

Hamburg: Ohne Liebe

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Hamburger Marathon

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Personen: der Vater · die Mutter · die Tochter, Karin · die Enkelin, Elfi · Stimmen Zunächst eine Wohnung, später Wasser MUTTER raucht: Mußt du dich immer so benehmen, wenn eins der Kinder da ist. Ungehobelter Klotz. Jedesmal die gleiche Tour. So warst du schon früher, zum Kotzen. Denkst du das merke ich nicht. Das merken alle. Verstehst du. Vater hustet. Huste nur. Deinen Lungenknacks haste auch ohne mich weg. Er hält ihr Pralinen hin. BONANZA kommt in einer halben Stunde. Er knurrt. Du weißt, daß ich Pralinen nicht gern esse, die machen dick. Aber dir zuliebe. Huch da ist ja Flüssigkeit drin. Die mußt du auch probieren. Er lehnt ab. VATER Ich will nur ihr Bestes. MUTTER Du mästest mich und dann trampelst du auf mir herum. Freischwimmen sollen sie sich, nicht an Vater und Mutter kleben. VATER Dann iß keine. MUTTER Nur gut, daß Karin gegangen ist. Gleich kommt BONANZA. Ich will euch nicht länger zur Last fallen. Wie weh das tut. Schläfst du Du Walter. VATER Nimm die Pfoten weg. Wer pennt denn immer gleich ein. Du oder ich. MUTTER So war das doch … VATER nicht gemeint. Ich weiß, wie...

Berlin ein Meer des Friedens

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Der Materialergründer

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Henrike Naumann, gerade sind Sie schwer zu erreichen, weil eine Ausstellung die nächste jagt. Kürzlich haben Sie im Wiener Belvedere 21 einen Raum gebaut, der ein fiktives Szenario der Machtergreifung der Reichsbürger nach der Wende zeigt. Die Arbeit spielte bereits im Rahmen des Herbstsalons 2017 des Maxim Gorki Theaters in Berlin eine Rolle, wo Sie einen Raum im Kronprinzenpalais Unter den Linden bis unter die Decke als begehbares Ensemble vollgerempelt hatten mit Schrankwänden und Vitrinen, angeordnet wie die Kultstätte in Stonehenge. Warum lässt Sie das Thema nicht los? Die Ausstellung in Wien war eine gute Gelegenheit, mehrere Recherchestränge zusammenzuführen. Zum einen ist das die erwähnte Arbeit „Das Reich“, welche ich für das Kronprinzenpalais entwickelt habe. In dem dortigen Bankettsaal wurde 1990 der Vertrag zur „Deutschen Einheit“ unterzeichnet, was die Anhänger der Reichsideologie zum Anlass nehmen, die Rechtmäßigkeit der Bunde­s­republik anzuzweifeln. Nach ihrer Argumentation hätte, wie im Grundgesetz von 1949 festgeschrieben, ein Friedensvertrag ausgehandelt werden müssen. Ich habe mit der historischen und ideologischen Aufladung des Ortes gearbeitet und dort ein Stonehenge aus Schrankwänden errichtet – ein Ort zwischen kommissarischer Reichsregierung und völkischer Kultstätte. Die verschiedenen ­Ebenen deutscher Geschichte, die an diesem Ort eingeschrieben sind, fügen sich zu einem verschrobenen Bild zusammen....

Die bildende Künstlerin Henrike Naumann über Ästhetik und Politik alltäglicher Privaträume vor und nach der Wende im Gespräch mit Ute Müller-Tischler

Die Ideologie der Schrankwand

Kompositionsprinzip Collage

Mit Heiner Müllers „Prometheus“, vom Bürgerchor als Prolog gesprochen, und einer dem Stück mit allen Figuren vorangestellten Abend­mahlsszene wird die Latte für diese Ur­auf­führung von Regisseur Volker Metzler gleich auf Gipfelhöhe gelegt und eine entsprechende Erwartung erzeugt. Peter Thiers’ mit dem Kleist-Förderpreis 2019 ausgezeichnetes Stück „Warten auf Sturm“ zeigt eine düstere Szenerie. Ein Coltan-Bergwerk in verdorrter Landschaft, in der keiner mehr weiß, was Regen ist, verweist zugleich auf die Klimakatastrophe wie auf eben jenes Erz, das in der Elektronik unentbehrlich ist. Werkleiter Winter, der auch der Besitzer der Mine ist, will seinen Sohn in die künftigen Aufgaben einweisen. Unter Tage schuften die namenlosen Cleaner in einer Art Sklavendasein, das sie aber auch zu einer auf gegenseitige Solidarität angewiesenen Kaste hat werden lassen. Oben, auf einem Hof über der Mine, leben der versehrte Metallschmelzer Noon, der das wertvolle Erz verhüttet, und seine Tochter Lara, die als „Rostgeburt“ bereits die ökologischen Schäden in sich trägt, aber ebenso wie der Vorarbeiter Zlatan sich zwischen oben und unten bewegen kann. Die Atmosphäre in diesem sich über weite Strecken wie ein Drehbuch lesenden Dreiakter erinnert an dystopische Filmklassiker wie Andrej ­Tarkowskis „Stalker“ oder Ridley Scotts „Blade Runner“ mit ihrer Ästhetik der postapokalyptischen Industrieverrottung. Das Bergwerkmotiv...

Staatstheater Cottbus: „Warten auf Sturm“ von Peter Thiers (UA) Regie Volker Metzler, Ausstattung Claudia Charlotte Burchard

Cottbus: Bergwerk ohne Tiefen

Angstlos! Heimatlos?

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

November 2019

Premieren

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Die Schwüle steigt ihnen zu Kopf, überall sind gefährliche Mücken, „die Hitze ist wie eine Decke Blei“. Wo sich die Protagonisten des Stücks „Der sechste Kontinent“ befinden, ist tiefster Urwald, irgendwo im Nirgendwo der einstigen Kolonie Deutsch-Ostafrika. Um ein Mittel gegen eine grassierende ­Tropenkrankheit zu finden, reist eine Medizinerin Ende des 19. Jahrhunderts in die gottlose Prärie. Doch ihre Bemühungen erweisen sich als vergeblich. Was bleibt, ist die Geschichte einer zuletzt delirierenden Frau, die wiederum eine Künstlerin der Gegenwart zu einem Ausstellungsprojekt vor Ort inspiriert. Un­fähig, mit der lediglich schimärenhaften Überlieferung etwas anfangen zu können, kommt jedoch auch sie nicht voran und muss sich gegenüber dem Drängen ihrer Finanziers rechtfertigen. So weit zur recht dürftigen Story, die in der „szenischen Installation“, wie Lothar Kittstein, Bernhard Mikeska und Maria Schneider ihre Uraufführung am Theater ­Heidelberg überschreiben, in zwei parallel verlaufenden Handlungssträngen erzählt wird. Weitaus reizvoller als der Plot mutet die Szenerie an. Denn in der Perle am Neckar erwartet das Publikum Outdoor-Theater at its best, nämlich im Zoo. Nachdem die Zuschauer am Eingang von mit Seuchenschutzanzügen bekleideten Mitarbeitern in Empfang genommen werden, führt sie der Weg direkt ins Elefantenhaus, wo sie an zwei Stationen die beiden aufeinander aufbauenden Geschichten kennenlernen. Via...

Theater Heidelberg: „Der sechste Kontinent“ von L. Kittstein, B. Mikeska und M. Schneider. Regie B. Mikeska, Bühne B. Mikeska und S. Termath, Kostüme J. Klimczyk

Heidelberg: Fiebertraum im Elefantenhaus

Ein sicheres Netz bietet Europa nicht mehr. Für das Autorenprojekt „Identität Europa“ hat Bühnenbildner Alexander Grüner deshalb einen Raum geschaffen, der die traurigen Überbleibsel des politischen Konstrukts auf dem zerris­senen Kontinent zeigt: Die Bühne ist ­eingegrenzt von Zäunen, die mit dehnbaren Bändern kreuz und quer verstrebt sind wie ­abstrakter Maschendraht. Acht Autorinnen und Autoren – aus Deutschland, Estland, Kroatien, Liechtenstein, Luxemburg, Rumänien/Ungarn, der Schweiz und Spanien – hat Thomas Spieckermann, der Intendant des TAK Liechtenstein, für das Projekt gewonnen, das als Koproduktion mit dem Nationaltheater Weimar und Les Théâtres de la Ville de Luxembourg den Blick auch auf ­landesspezifische Gegensätze lenkt. Unterschiedlicher könnten die Blickwinkel der 15-minütigen Texte kaum sein. Auf eine inhaltliche Klammer haben die Regisseure Katrin Hilbe und Rafael D. Kohn verzichtet. Gerade das vergrößert die Gräben. Ein Ebenbild der Helvetia schickt die Schweizer Autorin Rebecca C. Schnyder auf die Bühne. Ihren Monolog „Liebe Europa“ setzte die liechtensteinische Regisseurin Hilbe in Szene. Als Braut stolpert Thomas Beck ­herein. Klug meißelt der Schauspieler die Sehnsucht des Landes nach Eigenständigkeit im europäischen Kontext heraus, die hier als Beziehungsdrama abläuft. Schnyder schürft tief in Angstträumen ihrer Landsleute. Diese Tiefenschichten fördert Beck schön zutage. Kühl und distanziert geht er zu dem weiblichen...

Theater am Kirchplatz: „Identität Europa“ (UA) von Daniel Batliner, Clàudia Cedó, Vedrana Klepica, Guy Helminger, Dirk Laucke, Rebecca C. Schnyder, Csaba Székely und Andra Teede

Schaan/Liechtensterin: Vom Sterben der Schmetterlinge

Es müssen Köpfe rollen

Was macht das Theater, Alexander Karschnia?

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Installationen

Afghanistan, ein Land im ewigen Krieg. Seit dem Einmarsch der Sowjet­union vor rund vierzig Jahren befindet sich das Land am Hindukusch in einer nicht enden wollenden Spirale der Gewalt. Nach dem Stell­vertreterkrieg zwischen der sowjetischen Besatzungsmacht und den von den Vereinigten Staaten, Saudi-Arabien und Pakistan unterstützten Mudschahedin von 1979 bis 1989, kämpfte sich die radikalislamistische Taliban-Miliz an die Macht. 2001 überzogen die Vereinigten Staaten das Land mit einem Vergeltungskrieg für die Terroranschläge vom 11. September. Trotz internationaler Truppen bleibt die Lage in Afghanistan lebensgefährlich. Auch die Präsidentschaftswahlen, die am 28. September 2019 stattfanden, wurden von Angriffen der Taliban überschattet. Zuvor hatte der amerikanische Präsident Donald Trump die Friedensverhandlungen zwischen den Vereinigten Staaten und den Taliban abgebrochen. Das Ergebnis der Wahl wird für den 7. November erwartet. Die Gewalt geht unvermindert weiter – wie auch an diesem Tag, an dem in Kabul ein Theaterstück geprobt wird. Unter den unendlich vielen Möglichkeiten, wie ich mir einen mit künstlerischen Mitteln arbeitenden Aktivisten vorstelle, nimmt zurzeit das Bild des Künstlers als Totengräber, des Künstlers als menschlicher Bagger einen besonders großen Platz in meiner Vorstellung ein. Dieses Bild ist das Resultat eines weiteren Selbstmord­anschlags in Afghanistans Hauptstadt Kabul im August 2018. Damals wurde eine lokale...

Theater und Aktivismus in Afghanistan

Niemand wartet auf Godot

Mit eindrücklichem Theaterdonner als programmatischem Versprechen die Aufmerksamkeit des Publikums nach der Sommerpause zurückzugewinnen ist Aufgabe der Saisoneröffnungsproduktion. Klug vorbereitet schien das Theater Bremen. Es engagierte die als super feministisch, super lustvoll durchgeknallt geltende Jungregisseurin Pınar Karabulut, die mit ihrer Vorliebe für trashiges Poptheater eine „humanoide Komödie“ des im Iran geborenen und seit 2001 in Deutschland lebenden Autors Mehdi Moradpour unter dem Titel „Attentat oder frische Blumen für Carl Ludwig“ zur Uraufführung bringen sollte. Bettina Werner entwarf ihr in einem Fantasierausch extravagante Kostüme einer ausgeflippt dystopischen Zukunft. Bettina Pommer stellte unter ein Kettenkarussell und Planeten-Ballons eine Anrichte für Schaumweinkelche auf die Bühne – als prunkvollen Altar der Sektschlürfer. Vor diesem verneigt sich nun ein mönchisch vermummtes Darstellerquartett zur Anbetung. Die Szene glitzert und wird aus dem Boden benebelt. Optisch ist also alles reizvoll vorbereitet. Schon beginnt die Rede vom weltverdunkelnden Vulkanausbruch auf Indonesien des Jahres 1815; ­Hunger, Seuchen, Auswanderung, Revolutionen sollen die Folge gewesen sein. „Wir sind archaische ­Wesen, steinzeitliche Visiten­karten“, so stellen sich Zeitzeugen der umweltverschmutzenden Naturkatastrophe vor: ein Chor der Staub­flocken. Der will zum Zeitpunkt der Handlung, 2067, durch einen „summer of love“ wirbeln, wie Moradpour schreibt, während eine Friedensparty unter Palmen im dank ­Klimawandel als Hafenstadt reüssierenden...

Theater Bremen: „Attentat oder frische Blumen für Carl Ludwig“ (UA) von Mehdi Moradpour. Regie Pınar Karabulut, Bühne Bettina Pommer, Kostüme Bettina Werner

Bremen: Selbstverliebte Weltuntergangsparty

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Moral macht der Kunst zu schaffen, nicht weil die Kunst unmoralisch wäre, sondern weil sie moralische Fragen lieber umspielt als beantwortet, lieber in tausend Teile zerlegt als in eindeutige (und damit einfältige) Botschaften kleidet. Letztes Jahr war in München im Haus der Kunst eine große Jörg-Immendorff-Ausstellung zu sehen, „Für alle Lieben in der Welt“, darunter Gemälde aus dem Zyklus „Café Deutschland“. Weil sich der Künstler nicht mehr wehren konnte, ließen die Kuratoren ihrem moralisch korrekten Einfältigkeitsverstand freien Lauf und klebten unters „Café Deutschland“, auf dem sich ein Hakenkreuz befand, ein pädagogisches Erklärzettelchen: „Das Hakenkreuz wird hier in kritischer Absicht verwendet.“ Ach so. Hätte ich jetzt nicht gedacht. Für wie dumm hält der Kunstbetrieb eigentlich sein Publikum? Für sehr dumm, muss man annehmen, denn Einfältigkeitsverstand und Erklärzettelchen lauern seit Neuestem überall, auch im Blick auf Theater und Literatur. Ganz so, als ginge es darum, die anarchische Kraft der Künste einzuhegen und zu domestizieren. Was Immendorff betrifft, so müsste man seine Kuratoren bloßstellen mit der Ironie von Martin Kippenberger: „Ich kann beim besten Willen kein Hakenkreuz entdecken.“ In der Berliner Volksbühne hat Stefan Pucher Wedekinds „Lulu“ inszeniert, offenbar auf der Moralhöhe der Zeit und so mit dem ganzen feministischen Diskurs gewappnet. Im...

Das Theater ist von Moral umstellt – wenn das mal gut geht

Besserwisser*innen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

„Die Lüge ist das Fundament des Kommunismus.“ Die Situation ist voller Spannung. Auf der einen Seite Hanna Stachowska, eine polnische Journalistin mit einem Aufnahmegerät in der Hand, die einen Oberst im Ruhestand aufgesucht hat, um ihn über seine politische Arbeit in der Vergangenheit zu interviewen. Auf der anderen Seite eben jener polnische Oberst Stefan Kołodziej, der so einiges über politische Untaten zur Zeit der Volksrepublik Polen (1944–1989) zu berichten hat, aber auch erstaunlich viel über das Leben der Journalistin weiß. Etwa, welchen Namen diese vor ihrer Heirat besaß und warum und wie ihr geschiedener Mann eine gescheiterte Figur wurde. Zugleich trainiert er vor der Ankunft seiner Besucherin das Wort „Auschwitzlüge“. Er scheint mehr Täter als Opfer zu sein, hat dreißig Mal seinen Lebenslauf neu geschrieben. So agierte er zunächst in einer Untergrundorganisation, zuständig für Sabotage und antikommunistische Propaganda, die gegen den massiven Einfluss der Sowjetunion in Polen agitierte („Porträts von Stalin, Bierut und Rokossowski herunterreißen. Und dergleichen.“). Später wurde er verhaftet, gefoltert, verpfiff viele Menschen. In der Todeszelle wurde er angeworben und wechselte auf die Seite der moskautreuen Regierung. Eine Zeit des Völkermords sei dies gewesen, erklärt der Oberst. In seiner Wohnung sind alle Türen und Schränke mit Vorhängeschlössern gesichert,...

Der neue Intendant André Nicke bringt theatrale Bewegung an die Uckermärkischen Bühnen Schwedt und eröffnet mit einem umstrittenen polnischen Stück

Bilaterale Gespräche

Gegen die Vereinzelung

Beim Versuch, das antike griechische Theater zu rekonstruieren, erfanden Claudio Monteverdi und andere an der Schwelle zum 17. Jahrhundert die Gattung, die wir heute als Oper kennen. Beim Festival für aktuelles Musiktheater mit dem klingenden und energievollen Namen Bam! integrierten gleich zwei Performances Stücke von Monteverdi. Während die Gruppe Novoflot eine Art Parallel­universum entfaltete, um andere mögliche Entwicklungslinien der Geschichte des Musiktheaters sichtbar zu machen, wandten sich Hauen &amp; Stechen mit großer Spielfreude einem Haufen kultureller Versatzstücke der Operngeschichte zu und versetzte sie in komische wie rührende szenische Konstellationen: Da brechen eine Sängerin im Robbenkostüm, ein Meeresgott mit Sopranstimme und ein tragi­komischer Wal aus dem Deklamieren verschiedenster Texte und einer verwickelten Geschichte in ergreifenden Gesang aus. Mit Novoflots konstruktivistischer Ästhetik erhärtete sich der Verdacht, dass die Operntradition des 19. Jahrhunderts, die noch heute Bühnenarchitektur und Spielpläne bestimmt, sich zum Musiktheater verhält wie die Newton’sche Physik zur Relativitäts- oder Quantenfeldtheorie von Einstein oder Hawking. Novoflot zeigt, wie sich mit Verdichtungen von Figuren und Gesangsweisen, mit zeitversetzten Videoprojektionen und Stimmen – ob elektronisch disloziert oder mit ganz „analoger“ Fernchortechnik – unerwartete räumliche und zeitliche Situationen herstellen lassen, die jenseits des gewohnten Opernbesuchs liegen. Ein äußerst schlüssiges Konzept war es, die Berliner Volksbühne...

Das Berliner Festival für aktuelles Musiktheater Bam! zeigt die performativen Potenziale experimentellen Musiktheaters – auch indem es Konventionen unterläuft

Jenseits des Opernuniversums

Zehn mal zehn Prozent

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Theater ist überlebensnotwendig

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

„Zeige deine Wunde …“ Diese Empfehlung von Joseph Beuys (ein allegorisches Heilungsversprechen für die Krankheit der Gesellschaft) könnte auch das Credo des Bandes „Christoph Schlingensief und die Avantgarde“ der gleichnamigen Forschungsgruppe gewesen sein, deren Beiträge zu einer Tagung an der Universität Bielefeld im Jahr 2017 nun gesammelt im Wilhelm Fink Verlag erschienen sind. Denn da ist zunächst einmal das Paradox, dass Peter Bürger in seiner 1974 erschienenen, wirkmächtigen „Theorie der Avantgarde“ die künstlerischen Avantgarden schon für gescheitert erklärt hatte, sowie der Fakt, dass nach den historischen und Neo-Avantgarden des 20. Jahrhunderts auch keine mehr in ­Erscheinung getreten beziehungsweise als solche anerkannt worden sind – vielmehr die Frage im Raum steht, ob es heute überhaupt noch Avantgarden geben kann. Noch erstaunlicher aber ist, dass sich hier wissenschaftlich diesem Thema gewidmet wird, nachdem Paul Mann 1991 mit seiner Schrift „The Theory-Death of the Avant-Garde“ gerade dem Theoriediskurs vorgeworfen hatte, die Avantgarde beerdigt zu haben. Nach ihrem „Theorie-Tod“ könne sie nur noch als Gespenst, unsichtbar, im Untergrund herumspuken. Christoph Schlingensief begann zu arbeiten, als die Avantgarde demnach lange tot war. Er selbst starb 2010 an einer Krebserkrankung, die Thema vieler Werke werden sollte. Zwei Tote also, aber dieses Buch ist glücklicherweise kein Totengespräch....

Christoph Schlingensief und die Avantgarde. Hg. von Lore Knapp, Sven Lindholm und Sarah Pogoda, Wilhelm Fink Verlag, Paderborn 2019, VIII + 341 S., 89 EUR.

Avantgarde kann auch ein Ghetto sein

Die Bühne ist steil, leer und glatt – so wie das politische Parkett seit zweitausend ­Jahren. Hermann der Cherusker glaubt darauf balancieren zu können, wie jeder, der seine Mission im Herrschen gefunden zu haben meint. Nur seine Frau Thusnelda, hier nur „Thusschen“ genannt, die Urgestalt ­aller Tussen, gleitet umstandslos die Schräge ­herab, als sei diese eine Rutsche. Ist es auch, das weiß sie viel eher als ihr bedeutungstuerisch-intriganter Mann, der nie abwärts, immer nur aufwärts will. Ein Sieger der Geschichte, ein Kriegsheld, der keine Ahnung von der Tücke der Dialektik hat. In heutiger Lesart ein Populist mit hehren Worten und miesen Absichten, der alle und jeden für seine trüben Zwecke benutzt. Seriös an ihm ist nur sein taubenblauer Anzug, mitsamt weißem Hemd und rotem Schlips. Ein Manager in eigener Sache, das scheint schnell klar. Leider ist in Dušan David Pařízeks Insze­nierung von Kleists „Die Hermannsschlacht“ sehr früh alles allzu klar. Aus lauter Angst, missverstanden zu werden, verlegt er sich auf eine Form von Persiflage. In ihr hat die innere Widersprüchlichkeit des Textes, aus der Dramatik erwachsen könnte, keine Chance. Dies ist ein Abend der deut­lichen Ansagen und unmissverständlichen Gesten. Am Anfang verteilt Hermann kleine Flaschen Kräuterlikör und schüttelt den ­Zuschauern...

Schauspiel Leipzig: „Die Hermannsschlacht“ von Heinrich von Kleist. Regie und Bühne Dušan David Pařízek, Kostüme Kamila Polívková

Leipzig: Ein Held, was ist das?

Wie unterschiedlich doch die Erlebnisse im Theater sein können. Am Tag zuvor saß ich noch in einer der inzwischen nicht unüblichen plumpen Erklär-und-Belehr-Performances. Man wird bis ins Detail informiert: welche Bücher Regisseur und Schauspieler konsultiert haben, welche Gedanken sie sich gemacht haben und vor allem welche nicht, wie das einzuordnen ist und welche Schlüsse man daraus zu ziehen hat. Der Informationsgehalt solcher Abende liegt meist noch unter dem eines Wikipedia-Artikels, und der künstlerische Eigenwert ist ebenfalls recht überschaubar. Doch an diesem Abend ist alles anders: Jede Bewegung auf der Bühne ist streng choreografiert, alles folgt einer präzisen Dramaturgie. Man versteht alles und zugleich nichts. Denn jegliches hat eine Bedeutung, aber nur in Bezug der einzelnen Elemente aufeinander. Das Ensemble der Umewaka Kennōkai Foundation Tokio ist im Rahmen des Musikfests in Berlin zu Gast. In der Philharmonie werden drei Stücke des japanischen Nō-Theaters gezeigt: ein kultisches Tanzspiel, eine Kyōgen-Komödie und ein dramatisches Nō-Spiel. Das Nō-Theater ist über sechshundert Jahre alt und wird heute noch aufgeführt. Zahlreiche Künstler wurden vom Nō-Theater beeinflusst. Unter ihnen auch Bertolt Brecht, der sich für seine Lehrstücke inspirieren ließ, unter anderem für den „Der Jasager“ und die „Die Maßnahme“. Das Nō-Theater als eine der Quellen des epischen...

Geschichten vom Herrn H.: Vom Nō lernen heißt Kunst lernen

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Sweet Dreams?

TdZ on Tour

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Dieser Abend ist wie der neueste Film von Quentin Tarantino. Man glaubt zu wissen, wie die Geschichte ausgeht, aber dann kommt alles anders. Oliver Frljić eröffnet mit „Anna Karenina oder Arme Leute“ nach Lew Tolstoi und Fjodor Dostojewski die Spielzeit auf der großen Bühne des Berliner Maxim Gorki Theaters. Dort sind Schienen auf Schwellen verlegt, eine kleine Gleisanlage mit Kreuzung, Spurwechsel unmöglich (Bühne Igor Pauška). Das Leben verläuft auf vorgegebenen Bahnen, wobei auch manche unter die Räder geraten. Anna Karenina ist es an diesem Abend nicht, so viel sei verraten. Frljić nimmt die beiden Klassiker der russischen Literatur, um deren Personal in einer neuen Anordnung auftreten zu lassen – als Vertreter des Widerspruchs der Klassen und der Geschlechter. Zwei sich kreuzende Logiken, die in der Überschneidung nicht ineinander aufgehen. Der Regisseur, sowieso nicht als ein Meister der feinen Nuance bekannt, demonstriert mit „Anna Karenina oder Arme Leute“ einmal mehr, wie man mit dem Holzhammer inszeniert. A girl and a gun, auf diese einfache, aus dem Film bekannte Formel verlässt sich am Ende auch Frljić. Und die von Lea Draeger gespielte Anna Karenina als Angehörige der oberen Klassen darf sich entscheiden, ob sie mit ihresgleichen sterben oder lieber gemeinsam mit...

Maxim-Gorki-Theater: „Anna Karenina oder Arme Leute“ nach L. Tolstoi und F. Dostojewski in einer Fassung von O. Frljić und L. Haugk. Regie O. Frljić, Bühne I. Pauška, Kostüme S. Dekanić

Berlin: Klassenkampf und Eisenbahnromantik

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

„Miau!“, „Heil, H…!“, „Nautische Nutte“ – wer der von Rimini Protokoll (Helgard Haug) arrangierten Performance-Inszenierung „Chin­chilla Arschloch, waswas“ beiwohnt, dürfte sich sicherlich an konkrete Poesie erinnert fühlen. Wild wirbeln Sätze und Wörter durch den Raum. Allerdings nicht, weil dies die Textfassung vorsähe, sondern weil ein Teil der Schauspieler mit dem Tourettesyndrom lebt. Insofern „ist jeder Abend eine Uraufführung“, wie einer von ihnen verschmitzt sagt. Worum geht es? Die Personen auf der Bühne, darunter neben anderen Christian Hempel und Benjamin Jürgens, erzählen von ihren Erfahrungen im Umgang der Gesellschaft mit ihrer Besonderheit. Sie berichten von Urlauben, Friseurbesuchen, Nachbarschaftskriegen und dem „Parlamentstourette“, das etwa die AfD veranstalte. Dazwischen wird gesungen, mitunter eine Pizza ins Schauspielhaus bestellt oder gespielt, wer es länger ohne seinen Tick aushält. Obgleich das Publikum bei alledem lachen darf, befindet man sich sowohl als Zuschauer als auch als Akteur anfangs doch ein wenig auf dünnem Eis – eine Redewendung, die übrigens das Bühnenbild aufgreift. Denn die Figuren bewegen sich auf nachgebauten und verschiebbaren Eisschollen. Was in diesem Bild zum Ausdruck kommt, ist die Frage, wie man sich gegenüber Menschen mit Behinderung auf dem Parkett verhalten soll und wie diese sich wiederum in der Öffentlichkeit fühlen. Bei dem am Staatstheater...

Das Festival Grenzenlos Kultur am Staatstheater Mainz lotet aus, warum unser Begriff von „Normalität“ einer dringenden Erweiterung bedarf

Jeden Abend Uraufführung

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

„Wie Sie unschwer erkennen können“, erklärt Frederik Tidén ziemlich kokett, „bin ich Dramaturg an diesem Haus.“ Nun, wenn man es nicht wüsste, würde man es kaum erraten, denn Tidén steht in diesem Augenblick im Outfit einer Dragqueen vor seinem Publikum, mit allem Drum und Dran, und präsentiert im Unterhaus, einer neu eingerichteten Spielstätte des Düsseldorfer Schauspielhauses, sein Soloprogramm „The New World“. Die Schleife seines charmant vorgetragenen Monologs reicht von aktuellen politischen Debatten (Trump!) bis hin zu intimsten Bekenntnissen, alles elegant verwoben. An der Rampe liegen ein paar Blätter mit Stichworten, ab und zu wirft der Performer einen Blick darauf. Die Fans sind begeistert. Der 1987 in Stockholm als Kind eines schwedischen Vaters und einer deutschen Mutter geborene Tidén ist gar nicht von selbst auf die Idee gekommen, Dramaturg zu werden, berichtet er beim Kaffee. Nach einem Regiestudium an der Münchener Otto-Falckenberg-Schule, einem Master of Arts in Theater an der Zürcher Hochschule der Künste und ein paar freiberuflichen Jahren ließ er sich für eine Produktion des ­schwedischen Regisseurs Linus Tunström als Dolmetscher ans Staatsschauspiel Dresden engagieren; dort „entdeckte“ ihn die Dramaturgin Felicitas Zürcher und bot ihm an, 2016 mit ihr ans Düsseldorfer Schauspielhaus zu wechseln. Als Dramaturg. Eine ganz neue Perspektive...

Der Dramaturg Frederik Tidén präsentiert im Düsseldorfer Schauspielhaus Spielarten einer pluralen Gesellschaft

Im Fluss der Begriffe

Wir kennen ihn alle: den Schauspieldramaturgen, der jeden zweiten Tag Bilder seines Mittag­essens auf Instagram teilt. Oder den ­Herausgeber der Kulturzeitung, der Jahr für Jahr eine Reportage über sein selbst kreiertes Weih­nachtsmenü veröffentlicht. Potente ­Distinktionsmechanismen sind heute eben eher dem gepflegten Hedonismus, dem Savoir-vivre verpflichtet als einem wie immer ­gearteten Bildungskanon: Der Sommelier hat den Musikkenner abgelöst. Und das nicht erst seit gestern. Aber seit heute steht diese Entwicklung in scharfem Kontrast zur Klimawandel-Diskussion, die uns als Memento mori dieser Tage mit der Forderung nach Ent­sagung konfrontiert. Auf eben dieses Spannungsfeld fokussiert die brillante russische Theoretikerin und Intendantin des Vielspartenfestivals steirischer herbst, Ekaterina Degot, mit ihrem diesjährigen Festivalthema „Grand Hotel Abyss“, das als Georg-Lukács-Referenz zugleich die Verschränkung von Ost und West postuliert. Feiern am Abgrund! Dieses Bild zeigt auch, dass Degot die Steiermark verstanden hat und zu einer kritischen Auseinandersetzung mit dem Ort „ihres“ Festivals einladen will. Hier, im Südosten Österreichs, wo jedes Dorf mindestens zwei „Genusswanderwege“ aufbietet, hat der Hedo­nismus die Kultur längst auch als touristische Markenbotschaft abgelöst. Und so funktioniert das Programm genau dort am besten, wo der Ort selbst eine Geschichte erzählt. Allen voran bei der Eröffnung, wo Degot ihre packende Ansprache im eindrucksvollen Ambiente der Landhaushof-Arkaden...

Das Vielspartenfestival steirischer herbst präsentierte unter dem Motto „Grand Hotel Abyss“ eher ortsspezifische und installative als szenische Arbeiten

Apokalyptisches Savoir-vivre

Zum Geheimnis einer über dreißigjährigen Dauerpräsenz gehört, sich nicht immer nur zeigen zu wollen, sondern sich auch verbergen zu können. Hans-Joachim Frank kann das sehr gut, dieses Zurücktreten ins Unsichtbare, um dann plötzlich wieder gut sichtbar da zu sein. Und verwundert stellt man fest: Er war ja nie weg. Im Moment jedoch ist er gerade wieder unsichtbar. „Kommen Sie ins Berliner Theaterhaus Mitte“, hatte er am Telefon gesagt. Dort proben sie gerade die Wiederaufnahme von „Das Ende der SED“ aus dem Jahr 2012. In welchem Raum, das wisse er nicht, da müsse ich beim Pförtner fragen. Mache ich, aber der weiß von nichts. Kennt auch kein Theater 89 und keinen Hans-Joachim Frank, hat er nicht auf der Liste. Vielleicht wurde es unter einem anderen Namen angemeldet? Das kann gut sein. Seit Jahren proben sie hier, man kann sich hier problemlos für wenig Geld einmieten. Das sei ideal, weil die meisten Schauspieler des Theaters 89 in Berlin wohnen, auch wenn das Theater selbst 2015 weit aufs Land hinausgezogen ist und jetzt seinen Sitz in der Nordwestuckermark hat, im Ortsteil Naugarten in einem alten Bauernhaus, in der Dorfstraße 7. Klingt erst einmal nicht gerade nach künstlerischen Höhenflügen. Ist der Aufsteiger von einst...

Das Theater 89, die einstige Ost-Berliner Szenebühne, reist heute durch Dörfer und Städte Brandenburgs

Unter Kleinstädtern

Festival der Besessenen

Markus Hawemann ist zerrissen. Ohne das queere Potenzial der nahe liegenden Großstadt jemals ausgetestet zu haben, lebt der erwerbslose Endzwanziger ziemlich unaufgeregt in der idyllischen Uckermark, im Plattenbau. Zusammen mit seiner Großmutter und deren Partnerin bestreitet er seinen Alltag. Eines Tages verliebt sich Markus Hawemann, gespielt von Tucké Royale, in Duc, einen Weggezogenen, der aus der Hauptstadt kurzzeitig in die Uckermark zurückgekehrt ist. Gemeinsam nach Berlin kann Markus mit ihm jedoch nicht gehen, die Sorge für seine Großmutter steht für ihn unverhandelbar an erster Stelle. In den Momenten seiner Einsamkeit imaginiert sich der junge Mann Gleichgesinnte. Menschen, wie sie in Berliner Szene­kneipen leicht zu finden sind. Nahezu fabelhaft, euphorisch und ausgedehnt hedonistisch erscheinen sie immer wieder in seinen Gedanken. Halluzinationen einer offeneren und schillernden Welt. Eine weit entfernte Community, zu der Markus Hawemann gern ge­hören würde. „Hologrammfamilie“ nennt Hauptdarsteller und Autor Tucké Royale diese Erscheinungen. Wie schön wäre es, wenn die Uckermark statt von unzähligen Seen und Alleen mit feierfreudigen, genderqueeren Menschen bevölkert sein könnte! Diese Idee hat das Künstlerduo Tucké Royale und Johannes Maria Schmit, die seit einigen Jahren zusammenarbeiten, fasziniert. Deshalb sind sie genau dort hingegangen, wo Queerness und Kunst vielleicht nicht primär vermutet werden, aber trotzdem existieren....

In „Stonewall Uckermark – ein queerer Heimatfilm“ erteilen Tucké Royale und Johannes Maria Schmit bisherigen identitätspolitischen Vorstellungen eine Absage

Interventionistische Hologrammfamilie

Performances von Claudia Bosse sind eine Herausforderung. Als Zuschauer wird einem nichts geschenkt, nicht einmal eine Sitz­­gelegenheit: Ist man nach zwei Stunden des Herumstehens und -gehens in der Botschaft am Worringer Platz müde, kann man sich an eine Säule lehnen oder auf den Boden setzen. Die Trennung zwischen Publikum und den fünf Performern (später kommt ein Chor hinzu) soll fluid werden, das Publikum bewegt sich mit den Spielern im Raum: Die Botschaft ist ein weitläufiger ehemaliger Kinosaal in ­einer nach wie vor notorisch vernachlässigten, inzwischen von zahlreichen türkischen Restaurants besiedelten Ecke Düsseldorfs. (In Wien spielte das Stück später im Kasino am Kempelenpark.) Übersehen kann man die Per­former allerdings nicht: Sie zeichnen sich durch (bis auf die Schuhe) komplette Nacktheit aus. Und der Einstieg in den Abend gleicht einer atavistischen Übung: Fünf nackte ­Menschen unterschiedlichen ­Alters und ­Geschlechts stoßen zu einer rhyth­mischen, von Trommeln geprägten Musik animalische Schreie aus. Später ziehen sie sich in die ­Tiefe des Raums zurück, das ­Publikum folgt. Auf dem Programm steht „Thyestes“, hier in der Version des Seneca aus dem ersten nachchristlichen Jahrhundert, die sich ihrerseits auf griechische Vorlagen stützt; übersetzt von Durs Grünbein. Es geht um den üblichen Kreislauf der Rache: Thyestes hat seinen Bruder...

Forum Freies Theater: „Thyestes Brüder! Kapital. Anatomie einer Rache“ von Claudia Bosse / theatercombinat nach Seneca. Regie und Raum Claudia Bosse

Düsseldorf: Nackte Textexegese

Aspekte europäischer Selbstkritik“ hat Stefanie Carp ihrem Festival in diesem Jahr verordnet, nachdem die Intendantin der Ruhrtriennale in ihrer ersten Saison ihrerseits in die Kritik geraten war, weil sie eine der BDS-Kampagne nahestehende Band ein-, aus- und wieder eingeladen hatte. Man lernt aus Fehlern, jedenfalls wenn es sich eher um Fehler auf dem diplomatischen Parkett handelt, weniger um politische Fehlgriffe im engeren Sinn. Zum Job einer Triennale-Intendantin gehört es auch, möglichst jährlich neue attraktive Spielorte im dicht besiedelten Ruhrgebiet auf­zutun, die ja keine originären Theaterspielstätten sein sollen: ­Welcher Ort eignet sich besser für eine kritische Selbstbefragung als das Auditorium maximum einer Universität, das schon von seiner amphitheatralen Anordnung her einem großen Parlament mit 1700 Plätzen ähnelt? Die Ruhr-Uni Bochum, erst Ende der sechziger Jahre gegründet, wurde also zum Schauplatz der Eröffnungspremiere mit dem Titel: „Nach den letzten Tagen. Ein Spätabend“ von Christoph Marthaler, dem artiste associé der Ruhrtriennale. Von den 1700 Plätzen im weiten Rund war freilich höchstens die Hälfte besetzt, denn auf der gegenüberliegenden Seite tagte ein bizarres Parlament, bestehend aus zehn Spielern der Marthaler-Company, darunter Walter Hess, Josef Ostendorf, Bettina Stucky, die im 22. Jahrhundert, 200 Jahre nach dem Genozid, noch (oder wieder) einen Kaiser in ihrer Mitte...

Bei der diesjährigen Ruhrtriennale sticht neben Produktionen von Marthaler, Lauwers und Goebbels vor allem das intelligente (Jugend-)Theater von Jetse Batelaan hervor

Sturzflüge in die Metaphysik

Mit Technosound aus dem Kopfhörer dröhnt sich Luise Miller zu. Die liebeskranke Tochter des bürgerlichen Geigers in Friedrich Schillers „Kabale und Liebe“ ist in Christine Gnanns Inszenierung ein Kind der Generation X, die keine Perspektive findet. Mit der aktuellen Lesart von Schillers Klassiker des Sturm und Drang schließt die Württembergische Landesbühne Esslingen (WLB) zum 100-jährigen Bestehen einen Kreis. 1919 begann ihre Geschichte als Wandertheater, das damals Schwäbische Volksbühne hieß, mit eben diesem Drama in der Kleinstadt Göppingen. Da spielte die Truppe im Apostelsaal des ersten Hotels am Platze. Um den historischen Bogen zu schlagen, hat die Esslinger Bühne nun die erste Premiere ihrer Jubiläumsspielzeit in die Stadthalle der 25 Kilometer entfernten Nachbarstadt verlegt. Anders als die alte Reichsstadt mit ihrem verträumten Fachwerk-Flair hat Göppingen kein Theater. Statt Pathos in der Sprache wummern heute Techno-Beats. Mit Nathalie Imboden als Luise und Felix ­Jeiter in der Rolle des Ferdinand, des aufmüpfigen Sohns des Feudalherrn Walter, heute CEO eines Konzerns, erzählt Regisseurin Gnann das Scheitern einer Liebe an gesellschaftlichen Schranken zeitgemäß. Erfroren ist die Liebe in einer Welt der Macht und der Hierarchien, Judith Philipps Bühnengerüst mit Rampe zeigt Standesgrenzen auf. Ein Staubsauger-Roboter, mit dem die Gegenspielerin Lady Milford die Leere ihres Lebens...

100 Jahre Württembergische Landesbühne Esslingen – ein Abstecherbetrieb mit gesellschaftspolitischem Auftrag

Klarheit, Wahrheit, Gegenwart

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Inklusive Ansätze erproben!

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Mit dem Theater die Welt verändern

„Schleef war als Dichter und als Theatermann die herausragendste Erscheinung, die ich kennengelernt habe. Es hat nur zwei ­Genies in Deutschland nach dem Krieg ge­geben, im Westen Fassbinder, im Osten Schleef“, schrieb Elfriede Jelinek 2001, nachdem sie vom frühen Tod Schleefs erfahren hatte. Einar Schleef war zweifelsohne einer der wichtigsten und radikalsten Universalkünstler in Deutschland, vielleicht auch der größte Außenseiter. Während sein Monumentalroman „Gertrud“ wie auch seine ästhetisch richtungsweisenden wie umstrittenen Theater­inszenierungen enorme Spuren hinterlassen haben, gerät sein dramatisches Werk zunehmend in Vergessenheit. Wir nehmen unseren Themenschwerpunkt „30 Jahre Mauerfall“ zum Anlass, dieses Werk wieder in die öffentliche Wahrnehmung zu rücken, und drucken sein erstes Theaterstück ab – noch geschrieben in der DDR 1973/74, uraufgeführt in der alten BRD 1983 –, dem wir hier zwei kontextualisie­rende Passagen aus Schleefs Tagebüchern voranstellen. 1974 GEBURTSTAGSGESCHENK FÜR GABRIELE Kommentar Anfang April 2001 In diesen Monaten arbeite ich an meinem 1. Theaterstück. Das ich mehrmals weglege, erneut hervorhole, ich habe nichts anderes für Gabriele, die sich sicher freuen wird, aber ich komme mit meiner Schreiberei nicht an, auch als der Text endlich fertig ist, ich ihn Müller, Brasch, Trolle zeige, überall die gleiche Reaktion, blöd, Wiedervereinigung unter Wasser. Die Geschichte ist einfach, ich hatte...

Einar Schleef über sein erstes Theaterstück „Berlin ein Meer des Friedens“

„ich habe etwas geschrieben, was keiner verstehen will“

Wer war Sergej Tretjakow? „Brechts sowjetischer Lehrmeister“, 1892 im heutigen Lettland geboren, schloss sich jung den russischen Sozialrevolutionären an. Kunst und Revolution waren seine Lebensthemen, sie waren eins für ihn. Als umtriebiger Publizist und herausragende Figur des Futurismus russischer Prägung wurde er Zeuge der Oktoberrevolution und Bolschewik. Als Theoretiker – seine Arbeit galt vor allem den Möglichkeiten einer neuen, revolutionären Kunst – und als Schriftsteller – sein Werk umfasst Dramen, Prosa, Lyrik und Reportagen – wurde er bedeutender Teil des sowjetischen Kulturlebens der zwanziger und dreißiger Jahre. Hier wirkte er als gleichberechtigter Partner und Weg­begleiter von Majakowski, Eisenstein und Meyerhold. Seine internationalen Arbeitsbeziehungen reichten bis zur deutschen Avantgarde: John Heartfield, Hanns Eisler und Bertolt Brecht, dessen „Maßnahme“ Tretjakow, wie erst kürzlich bekannt wurde, ins Russische übertragen hat, waren mit ihm im künstlerischen Austausch. Als Tretjakow 1937 von einem Stalin’schen Erschießungskommando hingerichtet wurde, hatte die politische Führung bereits dem künstlerischen Experiment den Kampf angesagt. Technokratie, Reglementierungswahn und Fantasielosigkeit waren tief vorgedrungen in den Kulturbetrieb. Ist Tretjakows Biografie auch von unglaublicher Produktivität gezeichnet, ist der Blick auf sein Nachleben ernüchternd: Schwer hatten es seine Schriften in der DDR, wenn sie auch ihren Weg zum Publikum fanden; in der BRD hieß der Zensor...

Sergej M. Tret’jakov: Ich will ein Kind! Band I: Zwei Stückfassungen und ein Film-Libretto. Band II: Aufführungen und Analysen. Band I: 296 S., 24,90 EUR, Band II: 359 S., 29,80 EUR.

Auch du, Arbeiterin!

Guilt-Trip durchs Vogtland

Thomas Krüger, Sie haben 2017 in einem Interview für die Berliner Zeitung gesagt: „In der Fläche wird die Dominanz der Westdeutschen in den Eliten immer noch als kultureller Kolonialismus erlebt.“ Das Stichwort „kultureller Kolonialismus“ hat sehr viel Unmut auf sich gezogen. Später meinten Sie, Sie würden das so nicht wieder sagen. Im April waren Sie in Dresden auf einer Tagung unter dem Titel „Kolonie Ost?“, die sich mit Aspekten von „Kolonisierung“ nach 1990 im Osten Deutschlands auseinandersetzte. Ist der Begriff doch gerechtfertigt? Mit dem Begriff des „kulturellen Kolonialismus“ wollte ich eigentlich an die lateinamerikanische Dependenztheorie des Soziologen Aníbal Quijano anknüpfen. Dieser spricht von „Kolonialität“ als Praktik, bei der bestimmte Asymmetrien, die existiert haben, fortbestehen und sich unter den neuen ökonomischen Bedingungen reproduzieren. So ähnlich ist dies kulturell nach 1989/90 auch hier zu beobachten: dass Asymmetrien sich eingeschrieben und zu einer kompletten Unterrepräsentanz Ostdeutscher und auch zu einem Rauserzählen ostdeutscher Diskurse im wiedervereinigten Deutschland geführt haben. Das betrifft alle Institutionen, in der Wirtschaft, in der Politik, an Universitäten und so weiter. Überall sind Ostdeutsche in leitenden Positionen unterrepräsentiert. Es entstehen Asymmetrien, Dependenzen, einseitige Machtstrukturen. Dieser Mechanismus ist viel zu wenig reflektiert worden. Ich bin, wenn man so will, selber eine große...

Thomas Krüger, Präsident der Bundeszentrale für politische Bildung, über die Erfindung des Ostdeutschen und koloniale Aspekte der Wiedervereinigung im Gespräch mit Anja Nioduschewski

Deutsch-deutsche Asymmetrien

Was ist Theater?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Macht macht Lust auf mehr Macht. Wie das dem machtlosen Volk zu verkaufen ist, ohne dass es rebelliert? Das trainiert Julius Caesar in der nach ihm benannten deutschsprachigen Erstaufführung eines Textes von Peter Verhelst, den Robert Teufel an der Landesbühne Niedersachsen Nord als Prolog für ­einen klugen Männerabend im Herrscher­gewand nutzt. Macht macht auch mächtig frei, so frei, eine Willkürherrschaft zu errichten, wie ein paar Jahre später der wahnwitzige Imperator Caligula in dem nach ihm benannten Drama von Albert Camus. Zwei Aspekte des aktuellen Phänomens zunehmender Autokratie in der Politik. Teufel widersteht aber der Versuchung, die beiden römischen Potentaten als Geistesverwandte von Erdoğan, Putin, Trump, Orbán &amp; Co. zu inszenieren. Sondern verdichtet mit kühlem Minimalismus und kompromisslosem Formwillen die historischen Figuren zu Chiffren der Machtpolitik. Die Bühnenmusik sorgt für eine Bedrohlichkeitskulisse. Weiße Stellwände begrenzen die Spielfläche, an denen sich Brutus als Beobachter, Sprecher und Versteher des Volkes herumdrückt. Wie zum Verhör hochgedimmtes Weißlicht lenkt alle Konzentration auf Hauptdarsteller Simon Ahlborn. Stolzsteif und doch in voller Körperspannung, wie ein schwarzer Panther in Absprungerwartung, gibt er den einsamen, von Emotionen gereinigten Caesar. Kontrolliert fanatisch jede Pose und seine geradezu maschinelle Artikulation. Als wäre er gerade bei einem Redner-Workshop für demagogische Einpeitscher. Mehrfach...

Landesbühne Niedersachsen Nord: „Caligula / Julius Caesar“ (DSE) von Albert Camus und Peter Verhelst. Regie Robert Teufel, Ausstattung Angelika Wedde

Wilhelmshaven: Die Macht des Autoritären

Meldungen

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Autoren November 2019 / Vorschau

„Der Tempelherr. Ein Erbauungsstück“, das neueste Stück des österreichischen Dramatikers Ferdinand Schmalz, wurde im März ­dieses Jahres am Deutschen Theater Berlin uraufgeführt. Nun hat es Regisseur Ingo ­Kerkhof im Neuen Theater Halle auf die Bühne gebracht. Fünf Personen sprechen über eine sechste – die eigentliche Hauptfigur namens Heinar. Der hat ein Stück Boden auf dem Lande erworben, nach herrschendem Brauch will er für sich und seine schwangere Frau Petra ein Eigenheim bauen. Und zwar ganz allein, ohne die Hilfe des befreundeten Architekten Markus und ohne die Ratschläge seines Schwiegervaters Kurt, der das Projekt nur finanziert, damit auch seine Tochter in ihrem Liebsten den Idioten erkennt, den er schon länger in ihm sieht. Markus und Kurt betrachten und kommentieren Heinars Treiben ebenso wie Christina und Thomas, ein befreundetes Paar, reichlich skeptisch. Erst recht, als das erste Resultat sichtbar wird: ein Tempel nach antikem Vorbild. Es geht keineswegs nur um einen schnöden Hausbau, sondern vielmehr um die Frage der Einrichtung der Welt als solcher und den möglichen Sinn, der darin zu finden wäre. Was Heinar selbst über sein Vorhaben denkt, erfahren wir nicht. Er bleibt ohne Sprache, wird in diesem Stück als abwesend geführt. Petra, Markus, Kurt, Christina und Thomas versuchen sein...

Neues Theater: „Der Tempelherr. Ein Erbauungsstück“ von Ferdinand Schmalz. Regie Ingo Kerkhof, Ausstattung Jessica Rockstroh

Halle: Die Inneneinrichtung der Welt

Zwischen Illusion und Ideologie

Brandenburger und Sachsen haben gewählt. Kein Weltereignis, auch keine großen Überraschungen im Ergebnis. Rund jeder Vierte entschied sich für die AfD, die nun zweitstärkste Kraft in diesen Bundesländern ist. „Wir sind gekommen, um zu bleiben“, triumphierte der sächsische Spitzenkandidat am Wahlabend, und seinen Worten darf man Glauben schenken. Denn einen neuen Trend förderten Wahlanalysen dann doch zutage: Jung- bzw. Erstwähler verteilten sich in hohem Maße auf die Grünen, das war schon bei früheren Wahlen zu beobachten – erstmals aber auch auf die AfD. Da wächst sich offenbar so leicht nichts aus. In Thüringen zeichnet sich ein ähnlich starkes Abschneiden der Neuen Rechten ab. Kommt es dazu, steht womöglich eine politische ­Premiere ins Haus. Um eine Regierungsbeteiligung der AfD mit stabilen Mehrheiten zu verhindern, müssten Linkspartei und CDU miteinander koalieren und noch einen Dritten in dieses Bündnis ziehen. Schwer vorstellbar. Aber die Entwicklung im ­Osten Deutschlands hat schon so manche Erwartungen durchkreuzt, Denkverbote aufgelöst, ­warum nicht auch dieses? Wenn nicht jetzt, dann bei nächster ­Gelegenheit. Der Osten ist diesbezüglich Avantgarde, seit dem ­Aufschwung der Neuen Rechten mehr denn je. Über die Gründe dieser Vorreiterrolle herrscht Streit. Eine lange dominierende Sicht begreift sie als Ausdruck einer Vergangenheit, die einfach nicht vergehen will,...

Worüber dreißig Jahre nach den Um- und Abbrüchen im Osten zu reden wäre – und mit wem

Rache ist Blutwurst

Ein Abend über Liebe und Einsamkeit? Ist das nicht ein wenig fad, ein bisschen privat? Allzu intim kann es allerdings bei „Glauben an die Möglichkeit der völligen Erneuerung der Welt“ nicht werden, das liegt schon an der Bühne des Berliner Friedrichstadt-Palasts. 38 Meter breit, 37 Meter tief ist sie, sagt Fabian Hinrichs. Er erkundet die Bühne, in seinem goldenen Glitterkostüm mit bunten Federn – eine Reminiszenz an die an diesem Ort üblicherweise aufgeführten Revuen mit ihren opulenten Ausstattungen. Weit entfernt, fast nur noch ein goldenes Scheinen im dunklen Raum, wirkt der Schauspieler am hinteren Ende, der vordere Rand ist ein Rund, an das sich die Zuschauerreihen anschmiegen. Das gibt der Szene etwas fast Antikes. Die flachen Zuschauer­tribünen vermitteln den Eindruck von versammelter Masse, eine Wucht und Gleichheit – ganz das Gegenteil der Enge und der ­Logen im benachbarten Berliner Ensemble oder des rotsamtenen Saals im Deutschen Theater, an dem René Pollesch zurzeit beschäftigt ist. Am nächsten kommt dem noch der Saal der Volksbühne. Nicht unpassend, konnte Pollesch in dem Theater am ­Rosa-Luxemburg-Platz seine Bühnensprache entwickeln. Auch Tabea Braun, die gemeinsam mit Stefano Canulli und Philip Treacy die Kostüme verantwortete, hat jahrelang an der Volksbühne ge­arbeitet. Ab 2021 übernimmt Pollesch deren...

Im Berliner Friedrichstadt-Palast zeigen René Pollesch und Fabian Hinrichs, woran es sich noch zu glauben lohnt – trotz der Kälte des Kapitalismus

Lob der Liebe

Der Kultur-Kahlschlag droht

Emre Akal, wofür braucht Deutschland ein neues Staatstheater? Weil das Theater ein Ort sein sollte, der allen Mitgliedern der Stadtgesellschaft gleichermaßen zugänglich ist und gleichzeitig Wert legt auf Diversifizierung und faire Produktionsweisen. Wie genau das funktionieren kann, erprobe ich gerade zusammen mit Antigone ­Akgün und Azeret Koua. Ist dieses Label nicht sehr gewichtig für etwas, das wie das Ayşe X Staatstheater keinen festen Ort hat und vorwiegend aus Mitgliedern der freien Szene besteht? Der Begriff „Staatstheater“ steht für traditionsreiche, aber auch festgefahrene Machtstrukturen und zugleich für etwas, das viele als das Theater schlechthin begreifen. Deshalb benutzen wir ihn. Aber erst durch die Kombination mit „Ayşe X“ gerät der wichtige Bruch ins Label. Es geht um die Frage, wem dieses Theater in Zukunft gehören soll, hinter dem übrigens auch Menschen stehen, die an größere Institutionen angebunden sind, sich aber ebenfalls strukturelle Fragen stellen und größere kreative Freiheiten wünschen – wie die designierte Intendantin des Schauspiels Dortmund Julia Wissert oder Sivan Ben Yishai, derzeit Hausautorin am Nationaltheater Mannheim. Wer genau ist Ayşe X? Der Name geht zurück auf Ayşe Çetin, die mit zwölf Jahren nach Deutschland kam, hier als Filmschauspielerin gearbeitet, aber aufgrund von für sie schwierigen Rollenzuschreibungen damit aufgehört hat, um...

Test the East

Neuerscheinungen im Verlag