Was für ein Match! Die beiden Performerinnen Joana Tischkau und Maria Sendlhofer treffen in „Rage. A Tennis Western“ am Rand eines Tennisplatzes aufeinander und rollen der Wut den roten Teppich aus, indem sie dort männlichen Vorbildern nacheifern, mögen diese John McEnroe heißen oder Lucky Luke. Weißer Sport trifft auf ­Wilden Westen, gängige Frauenbilder werden lustvoll zertrümmert, doppelte Standards pointiert hinterfragt: breitbeinig, komisch, wahr. Seine Uraufführung erlebte „Rage“ nicht auf dem Tennisplatz, sondern im Internet: Die Produktion wurde Anfang des Jahres aus dem Frankfurter Mousonturm gestreamt. Aber auch auf einem richtigen Tennisplatz haben die beiden sensationellen Akteurinnen mittlerweile schon ihre Schläger zertrümmert und den Feinheiten weib­licher Wut hinterher gelauscht. Ausgedacht hat sich den Abend ein Produktionsteam rund um die in Frankfurt lebende Regisseurin, Dramaturgin und Performerin Hanna Steinmair, die bei den diesjährigen Hessischen Theatertagen in Marburg gleich mehrere Preise abräumte. Geboren wurde sie 1989 in Nußbach, einem kleinen Ort in Oberösterreich. „Ich hab mich immer schon fürs Theater interessiert“, erzählt Steinmair sprudelnd und berichtet von ihren Erfahrungen im Kinder- und ­Jugendtheater sowie mit studentischen Gruppen, die Protest mit Performance verbanden. In Wien hat sie zuerst Kultur- und Sozialanthropologie studiert, danach in Gießen Angewandte Theaterwissenschaft. Von Anfang an hätten sie am Theater...

Die Frankfurter Regisseurin und Performerin Hanna Steinmair legt mit Lust und Komik patriarchale Verherrlichungen bloß

Tausendundeine Entschuldigung

Die vor vierzig Jahren ins Leben gerufenen Tiroler Volksschauspiele in Telfs, einer Gemeinde rund dreißig Kilometer westlich von Innsbruck gelegen, waren nie als Fremdenverkehrsattraktion konzipiert. Vielmehr stellten sie eine Art Heimaturlaub für Exiltiroler dar, die mit der in Tirol gebliebenen, heimischen Theaterszene zusammentreffen und sich austauschen wollten, ein Klassentreffen, aber auch eine sommerliche Theater-„Werkstatt“. Mit diesen Ambitionen könnte man die Tiroler Volksschauspiele auch mit dem wenige Jahre zuvor von Hans Werner Henze gegründeten Cantiere Internazionale d’Arte vergleichen, bei dem sich die inter­nationale Musik-Avantgarde von der kleinen Toskana-Gemeinde Montepulciano einladen ließ und auch noch heute einladen lässt. ­„Jeder lernt von jedem“ lautete Henzes ­Gründungsmotto: Die örtliche Polizeikapelle und die regionalen Musikschulen lernen von etablierten Musikern und umgekehrt. Bei den Tiroler Volksschauspielen war es in den achtziger Jahren die Renaissance des neuen sozialen Volksstücks, die man mit der heimischen Theaterszene und der gerade in Tirol weitverbreiteten Amateurtheaterbewegung verknüpfen und – lernend – überprüfen wollte, wobei der ORF anfangs ein zahlungskräftiger Mitstreiter war. So kamen regel­mäßig Dietmar Schönherr, Hans Brenner, der Burgschauspieler und frühere „Jedermann“-Darsteller Walther Reyer, Ruth Drexel (die dann auch für Koproduktionen mit dem Münchner Volkstheater sorgte), Christine ­Ostermayer, Julia Gschnitzer, Markus Völlenklee mit Katharina Thalbach, später dann auch Tobias Moretti...

Es geht – Christoph Nix’ erste Ausgabe der Tiroler Volksschauspiele in Telfs gehen trotz kulturpolitischer Streitigkeiten erfolgreich über die Bühne

Geahts no?

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Frühlingstheater

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Alles total anders

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Berliner Chaos-Tage

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Pollesch ohne Pollesch

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Frau Hoess, erinnern Sie sich an Ihre erste Begegnung mit Robert Wilson? Die erste Arbeit von Bob Wilson habe ich bereits 1976 auf einem Festival in München gesehen, eine Performance von ihm und Christopher Knowles, der ja bis heute für ihn die ­Texte schreibt. Persönlich begegnet bin ich ihm erst, als ich für die Rolle der Frau Peachum in der „Dreigroschenoper“ am Berliner Ensemble vorgesprochen habe – oder genauer ­gesagt: vorgesungen, mit der „Ballade von der sexuellen Hörigkeit“. Ich war wahnsinnig aufgeregt. Wilson hat das ­natürlich gemerkt – und aus Silberpapier eine kleine Kugel geformt, die er vor mich auf den Tisch legte. Diesen Punkt sollte ich ansingen. Das hat sofort etwas bewirkt. Der Körper bekommt eine Spannung, der Blick fokussiert sich – und auf einmal habe ich das Lied ganz anders empfunden. Wilson hat gar nicht erklärt, was er vorhat, er hat es einfach gemacht. So ist die Arbeit mit ihm immer gewesen: voller Überraschungen. Wie haben Sie die Proben mit ihm erlebt? Zunächst mal hat Wilson eine besondere ­Fähigkeit, Konzentration zu schaffen. Er beginnt die Proben oft damit, dass alle zusammen für eine Minute schweigen. Jede und jeder um ihn herum kommt dadurch zur Ruhe, bis so etwas...

Was macht das Theater, Traute Hoess?

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Nationalsozial-charaktermasken

Editorial

Unter der schönen Überschrift „Die Süddeutsche Zeitung hat den Blues“ schrieb der Dramaturg Carl Hegemann einmal einen Text für Theater der Zeit (TdZ 02/2007), in dem er einen Aufschlag des damaligen SZ-Feuilletonchefs Thomas Steinfeld abwehrte. Zwischen Dramaturgen und Kritikern herrscht ja eine natürliche Rivalität: Dramaturginnen stecken in der Regel viel tiefer in der Materie, Kritikerinnen jedoch behalten fast immer das letzte Wort. Das ist ungerecht. Als ungerecht empfand ­Hegemann nun also den Umstand, dass Steinfeld quasi ex cathedra feststellte, „avancierte Theatermacher“ neigten zu dem Irrglauben, ein schreiender Laie auf der Bühne sei „wahrer“ als eine schauspielernde Schauspielerin. Diese Sottise muss Hegemann auf die Palme gebracht haben. In seinem Text bemerkt er: Entscheidend für die Form sei allein die „Spannung“ zwischen der Rollenfigur und der Person des Darstellers. Nun hätte Steinfeld eine solche These überhaupt nicht bestritten. Im Gegenteil: Versteht man Steinfeld richtig, will er genau auf diese Spannung hinaus; was den Kritiker irritiert, ist die sich am Horizont abzeichnende Tendenz, die authentische Person für „wahrer“ zu halten als die professionell-imaginierende. Dass Steinfeld in diesem Kontext René Pollesch erwähnt (der wohlweislich nicht mit Laien arbeitet, sondern mit den besten Schauspielern, die er kriegen kann), ist zwar ein wenig irreführend; wenn aber...

Carl Hegemann: Dramaturgie des Daseins. Everyday live. Hg. von Raban Witt, Alexander Verlag, Berlin 2021, 445 S., 33 EUR.

Des Meisters Mastermind

Die Scheiben des schwarzen Mittelklasse-SUV zittern, als er auf den Sparkassenparkplatz rollt. Man hört die Beats deutlich, Deutschrap, vielleicht Fler oder Haftbefehl. Aus dem Auto steigen zwei junge Männer, freundliches Geflachse auf Arabisch. Auf der anderen Straßenseite ist ein Bauzaun errichtet, dort, an einer großen hellblauen Brandmauer, sieht man eine regenbogenbunte Wandmalerei, die einen vielsprachig in „einer bunten Stadt“ willkommen heißt. Die bunte Stadt, die einen hier begrüßt, heißt Flensburg. Nicht jedoch die „hyggeligste Stadt im Norden Schleswig-Holsteins“ ist gemeint, sondern der Stadtteil Flensburg-Neustadt, durch den der Autoverkehr zum pittoresken Museumshafen rollt. Bis vor einigen Jahren war vor der hellblauen Mauer der Parkplatz eines großen Supermarktes, dessen nüchterner Flachdachbau nun ebenfalls hinter dem Bauzaun verborgen ist. Über den Zaun lugt ein markantes gelb-blaues Schild, das an die Einzelhandelskette EDEKA erinnert, die seit 1965 auf diesen Farbkontrast setzt. Doch es ist nicht der ehemalige Supermarktpächter, der hier seinen Namen hinterlassen hat, vielmehr steht auf dem Schild, blau auf gelbem Grund, ein Slogan in der Vergangenheitsform: „Wo wir Lebensmittel liebten“. Als dann auf dem Gehweg ein elektrisch angetriebenes Seniorenmobil erscheint, das rasch auf das Areal abbiegt, am Steuer eine Gestalt, die einem gesichtslosen Crashtest-Dummy gleicht, ist endgültig klar: Hier wird Theater gemacht....

Theaterwerkstatt Pilkentafel: „Wo wir Lebensmittel liebten“ von Elisabeth Bohde, Torsten Schütte, Svenja Wolff, Lotta Bohde und Manuel Melzer

Flensburg: Storno für ein Leben an Kasse 3

„Alright“, sagt er gern. „Alright“ trifft den Nagel auf den Kopf. Sein Leben ist derzeit schwer in Ordnung. Alle Welt – oder wenigstens diejenige, die zählt, die erste Liga der Theater – interessiert sich für Luis August Krawen. Seit seinem Studium, und das ist erst schlappe drei Jahre her, gleicht er einem Bildergenerator auf Hochbetriebstemperatur. Ein Rädchen greift ins andere, und der Mann, der dabei steil nach oben saust, ist noch keine 27 Jahre alt. Krawen, schon als Kind begeistert vom Film und ein Kino-Freak, Abgänger des Gießener Instituts für Angewandte Theaterwissenschaft, ist am Theater nicht zufällig heiß begehrt. Als freier Videokünstler deckt er eine Nachfrage nach (digitalen) Bildwelten ab, deren Kreation erst wenige beherrschen und für die noch ­keine formalisierte Ausbildung angeboten wird. Die Bilder des Künstlers haben nicht nur in den Institutionen, sondern auch im Publikum eine große Fangemeinde. Denn sie gehen Menschen unterschiedlichster Sehgewohnheiten unter die Haut: Krawens poetische, visionär-utopische Projektionen und digitale Bildwelten ziehen Inszenierungen eine zweite, dritte oder vierte Ebene ein. Situiert ist seine Arbeit, so verschieden sie auch anmutet, an einem verbindenden Punkt: der Schnittstelle von ­Experimentalfilm, Video und bildender Kunst. Tech-Kunst ist das, synthetisch hergestellt. Sie operiert aber nicht selten mit analogen Kräften....

Experimentalfilm, Video, bildende Kunst: Luis August Krawen beherrscht alles – und macht damit rasant Karriere

Der mit Pixeln malt

Ein Aufatmen war zu hören, physisch wahrzunehmen schien es sogar. Nachdem im letzten Sommer das Zürcher Theaterspektakel nur in schmalster Form durchgeführt werden konnte, waren Kunstdichte und Internationalität dieses Jahr wieder in altem Umfang präsent – und setzten ein Zeichen: Wenn in pandemischen Zeiten Zivilgesellschaften über Nacht in Ein-Mann-Armeen zerfallen, ist die Bedeutung von interkulturellen Annäherungen notwendiger denn je. Das Kunstfestival, eines der ältesten in Europa, öffnet Fenster in die Welt, verschiebt die eigenen Perspektiven und sucht den internationalen Dialog; es bringt uns privilegierte Bande dazu, uns unserer Privilegien bewusst zu werden. Der Künstlerische Leiter Matthias von Hartz, ein talentierter Netzwerker, setzt seit Beginn seiner Intendanz 2017 auf politisches Theater vorzugs­weise aus dem globalen Süden. Drei Viertel der Produktionen ­waren Live-Formate, für besondere Überraschung sorgten die ­digitalen und installativen Formen. Denn auch die Kunstschaffenden, die nicht anreisen konnten, waren gegenwärtig. 15 internationale Künstler und Künstlerinnen waren von Vlatka Horvat und Tim Etchells eingeladen worden, sich ein Monument auszudenken. Die Installationen standen für all das, was im letzten Jahr passiert war oder einen Platz im öffentlichen Nachdenken verdient, Black Lives Matter oder die Frage nach den (Corona-)Toten, um die sich niemand kümmerte. Dazu stand „Arrival and Departures“, die Installation der Engländerinnen...

Das Zürcher Theaterspektakel öffnet Fenster in die Welt – und war selten so notwendig wie in pandemischen Zeiten

Kann Liebe ein Virus sein?

Bis vor Kurzem traf sich die Afghan Girls Theater Group, ein Kollektiv junger Schauspielerinnen zwischen 16 und 23 Jahren, einmal wöchentlich in ihrem Probenraum in Kabul, um an Inszenierungen zu arbeiten, die sich mit der Situation der Frauen in Afghanistan auseinandersetzen. Oft spielten sie fernab konventioneller Bühnen, eigneten sich öffentliche Räume an und kämpften so auch gegen die soziale Stigmatisierung, der sich Schauspielerinnen in Afghanistan aufgrund ihres Berufes ausgesetzt sehen....

Mitte Juli 2021. Die Taliban sind in Afghanistan auf dem Vormarsch. Aber noch schaut die Welt ungläubig auf die dortigen Entwicklungen. Wenigstens Kabul, sind viele überzeugt, wird so leicht nicht eingenommen werden können. „Liebe Shegofa“, tippe ich in mein Handy, „wie geht es dir?“ – „Danke der Nachfrage“, antwortet sie. „Ich bin gesund, nur ein bisschen beunruhigt ­wegen der Taliban. Einige Träume und Pläne werden unter ihnen nicht mehr möglich sein.“ Shegofa* ist eine Schauspielerin der Kabuler Afghan Girls Theater Group, mit der ich seit über einem Jahr in regelmäßigem Austausch stehe. 2016 gegründet, inszenieren die Künstlerinnen zwischen 16 und 23 Jahren gemeinsam mit ihrem Regisseur Naim* selbst geschriebene Stücke, die sich mit der Situation der Frauen in der afghanischen Gesellschaft auseinandersetzen. Jedes Wochenende treffen sie sich in einem Probenraum im Kabuler Westen, um an ihren Inszenierungen zu arbeiten. „Ja“, schreibt Shegofa, als ich von ihr wissen möchte, ob sie in Kabul bleiben will: Eine Frage, die ich in den letzten Wochen öfter gestellt habe. Und meist war die Antwort die gleiche: Selbst, wenn die Taliban kommen sollten, wären sie nicht mehr so mächtig; man würde sich das, was in den letzten Jahren aufgebaut wurde, nicht nehmen lassen. Niemand wünschte...

Afghanistan sollte eine Erfolgsgeschichte des Westens werden, vor allem für die Frauen – aber nicht nur der Politik, sondern auch dem Kulturaustausch fehlte es an Ernst, Tiefe und Nachhaltigkeit

Steht die Luftbrücke noch?

Samtener Schutzraum

Wenn es an den Tagen zuvor stark geregnet hätte, würde das Wasser Benjamin Foerster-Baldenius jetzt bis über die Knie reichen. Und die offenen Holzbauten ringsum wären schwimmende Inseln in einer Wildwuchsvegetation aus Schilf, Gräsern und Sumpfdotterblumen. Das Areal – ein Regenwasserrückhaltebecken an der Berliner Lilienthalstraße, unweit des Columbiadamms und des ehemaligen Flughafens Tempelhof – ist geschaffen worden, um die Gegend vor Überschwemmung zu schützen. Die versiegelten Betonflächen des riesigen Flughafengeländes produzieren im Schlechtwetterfall ein enormes Wasseraufkommen, die Kanalisation wäre damit überfordert. Deswegen gibt es diesen Ort, der versteckt neben einer Schrebergartenkolonie liegt, von der Straße aus gar nicht zu sehen, im öffentlichen Bewusstsein kaum verankert. Früher soll hier mal eine hölzerne Radrennbahn gestanden haben. Aber die brannte ab. Seit 2018 beheimatet das Regenbecken die „Floating University“, für die das Kollektiv raumlaborberlin gerade den Goldenen Löwen der Architekturbiennale Venedig gewonnen hat. Durchaus eine Überraschung, auch für die Geehrten selbst: „Normalerweise bekommen bauende Architekten Preise für ihre Gebäude“, so Mitgründer Foerster-Baldenius. Raumlabor stehen aber nicht für schauprächtige Glasfassaden und Überwältigungsformen, sondern für eine experimentelle urbane Praxis, die Fragen nach dem Mit­einander der Stadtgesellschaft stellt – und ihre konkreten Andockmöglichkeiten immer wieder im Bereich der Performance findet. Auf dem 20 Zentimeter dicken Asphaltboden...

Für ihre Berliner „Floating University“ haben die Theaterarchitekten von raumlabor den Goldenen Biennale-Löwen in Venedig gewonnen, in Frankfurt sind sie mit einem temporären Logentheater präsent

Die Stadt als Spielfeld – Ein Portrait

Darwin-Theater

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Ein zentrales Motiv in Olivia Wenzels Roman „1000 Serpentinen Angst“ sind Bildbeschreibungen. Wiederkehrend mit „picture this“ einleitend, ruft die Erzählerin ihre Leserinnen und Leser dazu auf, sich Bilder zu ­machen. Dies können Vergegenwärtigungen existierender Motive aus dem kulturellen ­Gedächtnis oder auch die Imaginationen fiktio­naler Familienfotos sein. „Picture this“ meint aber auch: sich ein möglichst komplexes Bild von den Figuren zu machen – von der Punker-Mutter, der SED-treuen Oma oder dem angolanischen Vater, der die Familie auf Druck des Staats verlassen musste. Und es meint, sich gemeinsam mit der Ich-Erzählerin ihre Lebenswirklichkeit als schwarze, ostdeutsch sozialisierte Frau mit all den Alltagsrassismen und dazugehörigen Ängsten, welchen sie seit der Kindheit ausgesetzt ist, vor Augen zu führen. Am Maxim Gorki Theater Berlin hat ­Regisseurin Anta Helena Recke den Roman für die Bühne adaptiert. Dabei entscheidet sie sich zunächst für eine Vervielfältigung der Erzählstimmen. Die insgesamt zwölf Darstellenden sind zwar einzelnen Figuren zugeordnet, verkörpern diese aber nicht. Recke verweigert damit eine szenische Bebilderung und überträgt so nicht nur das Romanmotiv, Abwesendes durch Bildbeschreibungen zu vergegenwärtigen, auf die Bühnensituation, sondern erweist sich mit ihrer dritten großen Produktion abermals als Theaterkünstlerin, der es gelingt, pointierte, übergeordnete Bilder zu schaffen. Anstatt zum Beispiel Szenen aus dem Roman,...

Maxim Gorki Theater: „1000 Serpentinen Angst“ von Olivia Wenzel. Regie Anta Helena Recke, Bühne Marta Dyachenko, Kostüme Pola Kardum

Berlin: The Bigger Picture

Angstlos! Heimatlos?

tdz on tour

Vor dem Zusammenbruch der von den USA unterstützten afghanischen Regierung Mitte August dieses Jahres gab es in den USA praktisch kein Interesse an Afghanistan. Die Google-Suchanfragen waren über ein Jahrzehnt lang gleichbleibend: nie ganz null, aber um den Nullpunkt herum pendelnd, mit gelegentlichen Ausschlägen während des Truppenaufmarsches 2009, angeführt vom damals neuen Präsidenten Barack Obama, und nach dem Abwurf der „Mutter aller Bomben“, des größten nichtnuklearen Sprengkörpers des US-Arsenals, auf Tunnelsysteme des sogenannten IS im April 2017 durch den damals neuen Präsidenten Donald Trump. Keine Spur von Interesse im November 2020, als Trump ankündigte, dass er die US-Streitkräfte abziehen würde. Und keine öffentliche Resonanz im April 2021, als der neue Präsident Joe Biden verkündete, dass er sich für einen Truppenabzug einsetzt und dass dieser bis zum 20. Jahrestag des 11. Septembers abgeschlossen sein soll. Am 11. September 2001 war ich ein frisch eingeschriebener Student, der in linken Organisationen wie Amnesty International aktiv war. Ich erinnere mich, dass ich dem Afghanistan-Einmarsch durch den damaligen Präsidenten George W. Bush, der im Oktober begann, ambivalent gegenüberstand. Ich war unschlüssig: Ich wusste, dass die Sowjetunion bei der Besetzung Afghanistans gescheitert war, und ich misstraute Bush. Doch ich wusste auch aus den Briefkampagnen von Amnesty,...

Die westliche Politik hat in Bezug auf Afghanistan versagt – aber wie steht es um die Theater- und Kulturszene? Ein Report aus den USA

Wo sind die Anti-Kriegs-Stücke?

Videoarbeiten

Ran ans Märchen! 

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Das Gras ist grün, und über der saftigen Rasenfläche breiten sich kleine Wolken aus Marihuana-Düften aus. Menschengruppen lagern auf der Wiese, Bierflaschen kreisen, Wein schwappt in Bechern. Eine Anmutung von Woodstock stellt sich ein. Nur ist es hier, bei Berlin is not am Ring, auf dem ­Gelände des Garagenkomplexes der Fahr­bereitschaft in Berlin-Lichtenberg viel ­urbaner. Das ruft das Quietschen der regelmäßig am Zaun vorbeifahrenden Straßenbahn ins Bewusstsein. In dieses Geräusch weben sich die Bläserklänge des Omniversal Earkestra. Die Berliner Big Band wartet mit einer Fusion aus Jazz und Tuareg-Klängen auf. Manches Ohr erkennt auch Wagner’sche Anleihen. Ge­geben wird schließlich „Der Ring des Nibelungen“, Richard Wagners Großprojekt, für dessen Realisierung er gleich ein ganzes Festspielhaus in Bayreuth errichten ließ. Die Regisseurin Marielle Sterra und der Dramaturg Dennis Depta, die zuvor schon in den Festivals Berlin is not Bayreuth und Berlin is not Bregenz Wagner’sche Partituren an ungewöhnlichen Orten gegen den Strich bürsteten, arbeiten sich auch in der Ortswahl am großen Antipoden und dessen Unterstützern ab. Sie bauen kein neues Festspielhaus – das Wagner ursprünglich auch selbst nicht wollte –, sondern begnügen sich mit bereits bestehender Infrastruktur. Nur schrill glitzernde Tücher, mit denen der Zaun verhängt ist, weisen auf ihr Event hin....

Die Berliner Musiktheater-Erneuerer Dennis Depta und Marielle Sterra erschließen mit dem dritten Opus ihrer „Berlin is not …“-Reihe ungewöhnliche Kunstformen und Publika

Die soziale Opernplastik

Figurationen im Film

Der Notfall als Prinzip

Die digitale Masse

Das Theater mit den Finanzen

Die performative Baustelle

Staatstheater Nürnberg: Globaler Zelluntergang

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

In den Park, in den Park!“ scheint das Mülheimer Theater an der Ruhr (fast) jeden Sommer zu locken, frei nach Anton Tschechow, dessen „Drei Schwestern“ es bekanntlich „nach Moskau, nach Moskau“ zog: Die Weißen Nächte stehen an. Leider sind die Nächte in diesem Extremwetter-Sommer ­weniger weiß (das sind sie sowieso selten) als feucht und kühl. Am Tag der Open-Air-Premiere von „Onkel Wanja. Into the Trees“ in der Regie von Philipp Preuss ist es mit 26 Grad zwar relativ warm gewesen, aber am Ende des Abends, es geht auf Mitternacht zu, zieht die Verdunstungskälte aus den umstehenden Bäumen empfindlich durch die Zuschauerreihen. Man sitzt hier eben nicht gemütlich im Sälchen, sondern, mit Kopfhörern, auf Stühlen auf einer Wiese, den Blick auf die prächtige Kulisse des früheren Solebads, des heutigen Theaters an der Ruhr, gerichtet, das anfangs noch blass im Tageslicht stand und nach Einbruch der Dunkelheit spektakulär beleuchtet wird, am Ende sogar mit einem kleinen Feuerwerk. Tschechows „Szenen aus dem Landleben“ spielen sich auf den Balkonen und in den 26 Zimmern des herrschaftlichen Guts ab, in dem Onkel Wanja (Felix Römer) schuftet und sein Schwager Alexander Serebrjakow, ein emeritierter Professor, die Zeit totschlägt, allerdings mit bemerkenswert schlechter Laune. Er hat eine...

Das Festival Weiße Nächte am Mülheimer Theater an der Ruhr setzt sich mit den Tücken der Natur auseinander

In den Wald, in die Pfützen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Meldungen

Theater ist überlebensnotwendig

Heiner Müller? Das funktioniere im Mansfelder Land nicht, bekam Benjamin Zock zu hören, als er „Die Fahne von Kriwoj Rog“ im Südharz spielen wollte. Dabei erzählt das Müller’sche Fernsehkammerspiel ein Stück Lokalgeschichte – von antifaschistischem Widerstand und Arbeitskampf in der ehemaligen Bergbauregion. Diese Ereignisse werden heute kleingeredet, aber ihre Erinnerung darf nicht verschüttet werden, meint der Berliner Regisseur. In einer kleinen, wendigen Theatertruppe brachte er im Sommer 2021 die Geschichte...

Der Berliner Regisseur Benjamin Zock entdeckt verschüttete Theaterstoffe für die Gegenwart

Das Ende des bürgerlichen Trauerspiels

Brennender Schatten

Staatstheater Mainz: Apfelstrudel aus der Tube

Täuscht der Eindruck, oder ist das Theater tatsächlich, und nicht erst seit Corona, privater geworden? Die Schauspieler stehen nicht mehr auf Kothurnen, auch nicht im bildlichen Sinn, sie verschwinden nicht mehr vollständig hinter ihren Rollen. Man kann das einen performative turn nennen, eine Trendwende von der klassischen Literaturrezeption hin zum Performativen, aber es ist wohl zugleich weniger und mehr. Wenn sich zwei Männer auf der Bühne küssen, oder wenn eine Frau eine andere fragt: „Magst du mich?“, dann kann man fast sicher sein, dass dahinter auch sehr persönliche Statements stehen; Statements, mit denen Akteure sich aus der Deckung eines kanonischen Textes hervorwagen und eine Überschreitung riskieren, mit der sie die eigene Biografie oder eigene Impulse gewissermaßen in die Vorlage, mit der sie es zu tun haben, einklinken. Der Regisseur Christopher Rüping, der den Abend mit dem langen Titel „Das neue Leben – where do we go from here, frei nach Dante Alighieri, Meat Loaf und Britney Spears“ am Schauspielhaus Bochum inszeniert hat, nennt seinen Ansatz „unplugged“. Soll heißen: bescheiden, unspektakulär, direkt, ohne Überformung. Vor allem aber zeichnet der Abend sich dadurch aus, dass er die Persönlichkeit der fünf Mitwirkenden in den Mittelpunkt stellt. Zwei Deutsche, eine Niederländerin, eine Belgierin, ein...

Christopher Rüping zeigt „Das neue Leben“ nach Dante Alighieri in Bochum als Mashup mit Meat Loaf und Britney Spears

Ich fang jetzt noch mal ganz anders an

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

JU: Jungroboter Flink beim Denken und beim Schießen, weshalb die anderen leicht übersehen, dass seine Fragen und Gedanken weniger wie Blitze sind und eher wie lange Atemzüge. Er will die Gründe für alles wissen, was ihm auffällt. HA: Hartroboter Grob und gutmütig, nicht allzu neugierig, aber das, was er weiß, weil er es selbst herausgefunden hat, lässt er sich nicht ausreden. LA: Ladyroboter Verfolgt Absichten, die ein bisschen wilder sind als die, die man Maschinen sonst zutraut. Verschwindet, wenn man sie zwingen will, sich festzulegen. Ist daher sehr viel unterwegs, auch in scheinbaren Vergangenheiten und Zukünften. Spielt gern Mensch. [CR]: Corralroboter Baut sich und alles andere um in Schichten und Geschichten, die zusammen den Corral ( = das Gehege, eigentlich für Vieh, hier aber: für Leute, die nicht sicher sind, ob sie Personen sein können) bilden, der ehemals ein Park war und jetzt etwas anderes wird. [JR]: Jenseitsroboter Blendet die inhaltlichen und die formalen Wirklichkeiten des Spiels ineinander und trennt sie dann wieder: die Sichtwinkel der Spielenden und des Publikums, Breiten, Höhen und Tiefen des Corrals. * Die mit „[JR]“ und „[CR]“ gekennzeichneten Dialogtexte sind nicht das Einzige, was diese Figuren/Puppen/Personen sagen. Sie können jederzeit Echos oder Vorhall sprechen, d.h....

Restworld

Die Berliner Künstlergruppe Laokoon rekon­struiert aus Suchmaschinendaten das digitale Äquivalent einer Internet-Userin aus Fleisch und Blut. Ein radikales Experiment mit erhellenden, beängstigenden und amüsanten Momenten. Und eine Form von Netztheater, die die digitalen Infrastrukturen clever ausnutzt. Eigentlich macht die Gruppe Laokoon, bestehend aus den Film- und Theaterregisseuren Moritz Riesewieck und Hans Block sowie der Künstlerin und Landschaftsarchitektin Cosima Terrasse, nichts anderes, als es Dokumentartheatermacher tun. Sie kreiert aus öffentlich zugänglichen Informationen Bühnenfiguren und lässt die so entwickelten Texte performativ umsetzen. Bei „Made to Measure” unterwarf sich die Gruppe aber einer interessanten Beschränkung: Sie verwendete ausschließlich Suchmaschineneinträge einer einzigen Person, die sie über einen auf sozialen Plattformen gestreuten Aufruf fanden, ihnen anonym die von Google über die letzten fünf Jahre gesammelten persönlichen Suchanfragen zu übermitteln. 102 Interessenten machten mit. Datensatz 25 wurde ausgewählt. Aus Suchbegriffen wie „Bierkäse“, „Bremsbeläge“, „Glock“ und „Dirndlschürze“ wurden zunächst Vorlieben herausgefiltert. Aus den Zeiten der Anfragen ließ sich ein Tagesablauf ablesen, aus Themenhäufungen auf anhaltende Interessen und berufliche Felder schließen. Abfragen zu Krankheiten erlaubten Vermutungen über gesundheitliche Probleme. Als Person kristallisierte sich eine ­gebürtige Österreicherin mit zeitweiligem Aufenthalt in England heraus, die als Köchin arbeitete, dann aber kündigte, schwanger war, blondes Haar hat und im Jahr 2020...

WDR: „Made to Measure“ von Laokoon

Köln: Menschen aus Daten erschaffen

Eine Wette auf die Zukunft

Die Optik war schlagend. Die Bundeskanzlerin trug einen strengen blauen Blazer, die übliche Amtskleidung eben. Chimamanda Ngozi Adichie, nigerianisch-amerikanische Schriftstellerin, trug ein farbenprächtiges Kleid. Schwer zu sagen, ob es Angela Merkel vor Neid erblassen ließ, jedenfalls wurde Adichie irgendwann, zwingenderweise, darauf angesprochen, nach dem Motto, wie toll man sich doch (so die Bundeskanzlerin) in Afrika zu kleiden wisse. Aber nein, konterte da Adichie, das Kleid habe sie in Düsseldorf gekauft, das sei doch schließlich die deutsche Hauptstadt der Mode! Auch sonst verstanden die beiden Frauen sich blendend, obgleich sie sich zum ersten Mal begegneten und kaum unterstützt wurden von den Moderatorinnen Miriam Meckel und Léa Stein­acker, die kein Gespräch zustande kommen lassen wollten, sondern ­lediglich ein abwechselndes Befragen. Schade eigentlich. Das Treffen hätte bereits zur Eröffnung des Festivals Theater der Welt im Mai 2020 stattfinden sollen und wurde jetzt zum Beginn der neuen Saison auf der Bühne des Düsseldorfer Schauspielhauses nachgeholt. Zur Freude vieler Zuhörer. Adichie, deren Roman „Americanah“ zu den wichtigsten der letzten zehn Jahre gezählt wird, hat jüngst ein Buch über den Tod ihres Vaters veröffentlicht: „Trauer ist das Glück, geliebt zu haben“. Auch Merkel hat in den letzten Jahren beide Eltern verloren, allein dieser Umstand hätte ein...

Angela Merkel und Chimamanda Ngozi Adichie sprechen im Düsseldorfer Schauspielhaus über Feminismus, Nigeria, die DDR und die Frage, ob die Literatur uns zu besseren Menschen macht

Wir schaffen das!

Autorinnen und Autoren Oktober 2021 / Vorschau

R Ä U M E

Erhob sich ein Schwarm Wandertauben, um einen Nistplatz zu finden, verdunkelte er oft tagelang die Sonne. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts wird von Milliarden Tieren berichtet, die als dunkle Masse den Himmel bevölkerten. Um einen Vogel zu erlegen, schossen die Jäger einfach in die Luft. Sie trafen immer. Etwa hundert Jahre später stirbt Martha, die letzte Wandertaube, im Zoo von Cincinnati. Die europäische Kolonisation führte zum Aussterben der damals größten Vogelpopulation Nordamerikas. Maßlos erlegt für Fleisch und Federn verschwand sie mit dem Vorrücken der Siedler. Von ihr bleibt, wie von allen vernichteten Arten, nur das menschliche Zeugnis. Präparate, Zeichnungen und ihr Name konservieren den besitzergreifenden Blick, der den einzigen Bezugspunkt der Erinnerung bildet. Wie soll Trauer aussehen, wenn das Verlorene nie gekannt und Ersatz unmöglich ist? Während des Kunstfests in Weimar ­beschwört ein Lamento die verlorenen Zukünfte der ermordeten Arten und jener, die niemals gewesen sein werden. „Und alle Tiere rufen: Dieser Titel rettet die Welt auch nicht mehr“ von Schriftsteller und Dramatiker ­Thomas Köck ist zugleich Klage und Anklage, die sich gegen den alles vereinnahmenden Europäer richtet. Regisseurin Marie Bues entscheidet sich in der Uraufführung des repetitiven Texts gegen Spiel und Spektakel. Mit dem Zettel in der Hand sprechen...

Kunstfest Weimar: „Und alle Tiere rufen: Dieser Titel rettet die Welt auch nicht mehr“ (UA) von Thomas Köck; „438 Tage NSU-Prozess – Eine theatrale Spurensuche“ von Nuran David Çalış und Tunçay Kulaoğ

Weimar: Gegen das Vergessen

Um 18:09 Uhr beginnt die Maschine zu rollen. Durch die geöffneten Tore der Belgienhalle in der Berliner Siemensstadt schiebt sich majestätisch und monströs zugleich ein stählerner Eisenbahnwaggon mit gerüstartigem Aufbau. Lichtkegel durchstechen die Szenerie, als suchten sie am Hallenhimmel nach feind­lichen Fliegern, kraftprotzend untermalt von den ersten Takten aus Richard Strauss’ „Zara­thustra“-Sinfonie. Eine Welt entsteht. Eine Welt vergeht. Was für ein Spektakel. Es liegt in der Natur der Aufmerksamkeitsökonomie des Menschen, dass speziell jene Ereignisse eine erhöhte Beachtung finden, die jenseits von Kategorien wie Machbarkeit und Risikoabwägung operieren. Paulus Mankers Inszenierung von Karl Kraus’ Monumentalwerk „Die letzten Tage der Menschheit“ ist ein solches Ereignis. Vom Autor selbst als extraterrestrisches „Marstheater“ tituliert, ist das Stück, das sich in 220 grell collagierten Szenen und im schnellen Wechsel von 1114 Figuren mit der Anbahnung und dem Verlauf des Ersten Weltkriegs befasst, nicht gerade ein Renner im gängigen Theaterkanon-Repertoire, wobei es nicht nur die schiere Dimension war, die sogar Kraus vor einer szenischen Um­setzung zurückschrecken ließ. Er fürchtete schlicht das „Zurücktreten des geistigen Inhalts vor der stofflichen Sensation“. Diese Weissagung des Autors wird einem zu Beginn des siebeneinhalbstündigen Höllenritts durch den Krieg immer wieder durch den Kopf geistern, wenn an einem verstört lächelnde Zuschauer...

Belgienhalle Gartenfeld: „Die letzten Tage der Menschheit“ von Karl Kraus. Regie und Ausstattung Paulus Manker, Kostüme Aleksandra Kica

Berlin: Das unheimliche Spektakel

Das Ährenfeld als stille Utopie

Schauspiel Essen: Unnachgiebig behutsam

Dramaturgie der Solidarität

Heiner Müllers Miniatur „Herzstück“, die nur eine halbe Druckseite füllt, ist ein eigentlich großes Drama in, zugegeben, sehr wenigen Worten: Eins bietet Zwei sein Herz, es ist nur mittels Operation herauszubekommen und entpuppt sich als – Ziegelstein. Abgründigere Grotesken als in der Literatur findet man nur im „echten“ Leben. 1991, acht Jahre nach der Entstehung von „Herzstück“, wird das kranke Herz des Philosophen Jean-Luc Nancy mittels Transplantation durch ein funktionstüchtiges ersetzt. Dreißig weitere Jahre wandelt der Denker mit dem Ersatzorgan auf der Erde. Er, der von der Existenzphilosophie her kam, der vom Heidegger’schen „Dasein“ ausging, den Begriff des „Mitseins“ prägte und über das Leben, den Körper des Subjekts und das Fremde im Eigenen nachdachte. Am 23. August dieses Jahres ist er mit dem fremden Herzen im eigenen Leib in Straßburg gestorben. Neidvoll kann man aus Deutschland nach Frankreich blicken, wo die Figur des öffentlichen Intellektuellen noch nicht gänzlich abgeschafft ist und wo es so etwas wie eine linke Intelligenz noch gibt, die bereit ist, sich in gesellschaftliche Diskurse einzubringen. Nancy, dem man zweifellos eine solche Rolle zuschreiben kann, interessierte sich auch für den deutschsprachigen Raum – und die hiesigen Denk­traditionen. 1940 im heutigen Bordeaux geboren, promovierte er an der Universität...

Zum Tod des französischen Denkers Jean-Luc Nancy

Ein Theaterphilosoph

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

„Le Grain de la Voix / Die Rauheit der Stimme.“ Es mag der alte Trickser Zufall ge­wesen sein, dass in Heiner Goebbels’ vor Kurzem im Neofelis Verlag erschienenen Materialband „A House of Call“, welcher sein gleichnamiges Konzert beim Musikfest Berlin begleitete, dieser für ihn so programmatische Text von Roland Barthes ausgerechnet auf Seite 69 steht. Am 17. August feierte der Komponist seinen 69. Geburtstag, auf den wenige Tage später eben jene Uraufführung folgte, die in rund zwei Stunden Länge das Herzstück seines jahrzehntelangen Schaffens thematisiert: die Beschäftigung mit der menschlichen Stimme. Oder besser gesagt: mit Stimmen, dezidiert im Plural gedacht. Die akademisierten, an Hochschulen ausgebildeten Sing- und Sprechstimmen ­waren ihm dabei in der Regel suspekt. Deren ästhetisches Ideal, schreibt Goebbels im ­Materialband, bestehe ja darin, das Eigene einer Stimme eher zu nehmen – zugunsten klassischer Ausdrucksregister, die für eine virtuose Verfügbarkeit normiert seien. Sein Interesse galt stattdessen der Eigentümlichkeit von Stimmen: dem „Flüstern, Zögern, Lachen und Seufzen, Räuspern und Ächzen am Rande des Geräuschs“, der gebrochenen oder der Fistelstimme, dem unverwechsel­baren Akzent oder dem jähen, unwiederholbaren Ausdruck. Er suchte die Eigenheit eines Sprechers oder Sängers, die „leibliche Spur“, nicht das normierte Ideal. Mit dieser „vielleicht unbewussten gemeinsamen Formel“ all seiner...

Heiner Goebbels: A House of Call. My imaginary Notebook. Neofelis, Berlin 2021, 140 S., 9 EUR.

Spur der Stimmen

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Anfangszeiten der Inklusion

„Togetherness“ – so lautete das diesjährige Motto des Sommerfestivals auf Kampnagel, das in Hamburg mit einem dreiwöchigen, prallen, interdisziplinären Angebot aufwartete. Der Begriff hebt dabei weniger auf eine thematische, kuratorische Setzung durch Festivalleiter András Siebold als auf die Tatsache ab, dass sich Menschen nach Monaten des pandemiebedingten Lockdowns nun endlich wieder gemeinsam im Theater versammeln konnten. Und tatsächlich war das Sommerfestival – zumindest für mich – das erste Theaterfestival des Jahres, bei dem sich trotz strenger Hygienebestimmungen mal wieder ein richtiges Festivalgefühl einstellen konnte. Was es zu sehen und zu erleben gab, ließe sich dabei durchaus als Best-of zeitgenössischer, Genregrenzen sprengender Bühnenkunst bezeichnen. Bei „After all Springville: Disasters and Amusement Parks“ von Miet Warlop handelt es sich um die Neuinszenierung von „Springville“, eines ihrer frühen Objekttheater-Werke. Im titelgebenden Ort, den ein Papphaus in der Bühnenmitte symbolisiert, versammeln sich vornehmlich wortlos: ein Stromkasten auf Beinen, der Funken schlägt, wenn er niesen muss, ein buchstäblicher Stehtisch auf langen Beinen in Strumpfhosen und Pumps, der im Verlauf des Abends von einem Papp­karton-Elefanten, der hin und wieder lila Wolken ausdünstet, eingedeckt wird, sowie ein joggender Riese, der seinen Müll vor dem Haus entsorgt. Die Ästhetik des Ensembles lebender Objektskulpturen bewegt sich zwischen Slapstick und...

Das Sommerfestival auf Kampnagel in Hamburg präsentiert ein Best-of der zeitgenössischen Bühnenkunst

Durch den Schornstein auf die Metaebene

In Prishtina, auf dem Polip-Festival, hab ich Alida Bremer kennengelernt, das ist jetzt bald zehn Jahre her. Gerade haben wir uns wiedergetroffen, wieder in Prishtina, wieder auf Polip, aber dieses Jahr ist vieles anders, weil dem Virus eingefallen ist, das kleine Land Kosovo bevorzugt heimzusuchen, ohne doppelt Geimpfte zu verschonen. Im Oda Theater versammelt sich die Literarische ­Internationale wie eine verschworene Gemeinschaft, alle maskiert und mit leuchtenden Augen; nur beim Vorlesen oder Diskutieren wird die Maske vom Gesicht gezogen, und wem danach ist, der schielt ab und zu in die Kamera, weil da draußen ja das Publikum sitzt, vereinzelt vor seinen Monitoren. Polip wird um seine langen Nächte gebracht. Nach der letzten Lesung müssen wir rennen, um in den Bars noch etwas zu bekommen. Um halb zehn nämlich machen sie zu, Polizisten drehen ihre Runden, klopfen an die Scheiben und rufen nichts Nettes durch die Tür. Ab zehn herrscht Ausgangssperre. Jetzt sollte ich mein Hotelzimmer beschreiben. Alida ist eine sprühende Frau. Ein treffenderes Wort als sprühend fällt mir nicht ein, höchstens der Superlativ dazu, sie ist die sprühendste Frau der Balkanliteratur. Von der jüngeren kroatischen Szene hab ich nicht das Schlechteste durch ihre Übersetzungen mitgekriegt, Ivana Sajko, Edo Popović, Renato...

Wau Wau Wau, die sprühendste Frau der Balkanliteratur

In welcher Sprache träumst du, Alida?

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

Für Künstler*innen wie Philippe Parreno oder Yayoi ­ Kusama ist das eigentliche Werk nicht das einzelne Objekt, das sie in einer Ausstellung zeigen und in der Galerie verkaufen, sondern das Gesamtgefüge der Ausstellung selbst – erst ihre Totalität erzeugt am Ende das „Werk“ und dafür wird hier alles, was im Raum ist, inklusive der baulichen Infrastruktur, der anwesenden Künstler*in oder Besucher*in zum Teil des Werks. In der Gestaltung der Ausstellung, wie sie Kai Althoff 2016 im Museum of Modern Art (MoMA) in New York entwickelt hat, wird das Format als spezifisches Werk begriffen – eine Gesamtkomposition aus Dingen, ­Musik, Gerüchen und gelegentlich auch Abfall, die in ihrem Zusammenspiel ähnlich durchgestaltet wurde wie das einzelne Objekt. Seine Ausstellung Und dann überlasse ich mich den Mauerseglern organisiert die Begegnung mit den Bildern und Klängen durch die Einbettung aller Objekte in ein ebenfalls werkhaftes Ambiente völlig anders als eine White ­Cube-Ausstellung. Wo klassische Ausstellungen septische Räume kreieren, Übersicht und Abstand, und so das aus ­seinem Kontext extrahierte Werk als Objekt präsentieren, vergräbt Althoff seine Arbeiten in der Ausstellung wieder. Dafür hat er im großen Saal des obersten Geschosses eine White Tent-Höhle geschaffen und die Besucher*innen entdecken darin die Welt des Künstlers in einem...

Aus: CHANGES Berliner Festspiele 2012 – 2021. Herausgegeben von Thomas Oberender, Paperback, 520 Seiten, ISBN 978-3-95749-398-9 EUR 24,00 (print). EUR 19,99 (digital)

Exklusiver Vorabdruck: Das Format als Werk

Wer glaubt, Kunst könne nichts bewegen, wird spätestens in der Lecture-Performance „Before Falling Seek the Assistance of Your Cane“ des Regisseurs und Schauspielers Rabih Mroué eines Besseren belehrt. Sein Vortrag im Sommerbau des Frankfurter Mousonturms gibt genug Stoff für eine Groteske her und präsentiert eine erstaunliche Story: Im Rahmen einer Ausstellung im Salzburger Kunstverein plakatiert er vor dem historischen Gebäudekomplex ein Flugblatt. Zu sehen ist darauf das Piktogramm einer Bombe, die folgenden Hinweis beinhaltet: „This Location will be bombed shortly. Leave your homes and safe your lifes“ („Dieser Ort wird in Kürze bom­bardiert werden. Verlassen Sie das Haus und retten Sie Ihr ­Leben“). Wie der Libanese, dem als Jugendlicher selbst ein solches Warnpapier vor einem Luftangriff in Beirut zuflog, darlegt, haben die Pamphlete eine lange Geschichte. Bereits im Vietnamkrieg fanden sie Anwendung. Aber gilt das dann gleich auch für das schöne Salzburg unserer Tage? Zumindest aus Sicht einer Passantin, die bei Betrachtung des Flugblatts prompt die Polizei ruft, die wiederum ein Evakuierungsmanöver des Kunstvereins einleitet. Dass Kunst eine derartige Wirksamkeit entfaltet, kann man sich als Performer nur wünschen. Aber mal ehrlich: „Is art a terrorist?“, so die Frage Mroués. Nein, eine Terroristin ist die Kunst ganz gewiss nicht, dafür aber...

Rabih Mroué betreibt im Sommerbau eine Exegese psychologischer Kriegsführung

Verlassen Sie das Haus und retten Sie Ihr Leben!

Premieren Oktober 2021

Guilt-Trip durchs Vogtland

Herr Hotak, Sie waren von 2015 bis 2019 Leiter des seither geschlossenen Goethe-Instituts in Kabul. Wie hat Sie Ihr Weg dorthin geführt? Anfang der 2000er Jahre hatte ich den Wunsch, nach langen Jahren der Abwesenheit in meine Heimat Afghanistan zurückzukehren und einen Beitrag zum Wiederaufbau zu leisten. Mit diesem Ziel war ich ursprünglich zum Studium nach Deutschland ­gekommen. Es ging darum, zusammen mit der internationalen Gemeinschaft einen Neubeginn anzuschieben – was während des Bürgerkriegs und der Taliban-Zeit ja nie möglich war. So bin ich 2003 erstmals wieder nach Kabul gereist, wo sehr chaotische Zustände herrschten und mir vieles nach 15 Jahren in Deutschland fremd erschien. Umso mehr Lust hatte ich, Ordnung in das Durcheinander zu bringen (lacht). Etwas später kam ich in Kontakt mit der Leitung des Goethe-Instituts in Kabul, das unterdessen eröffnet hatte. 2005 habe ich dort als Programmkoordinator im Bereich Kultur angefangen. Welche Situation haben Sie damals vorgefunden? Die Kulturlandschaft lag vollkommen brach, Kultureinrichtungen existierten nicht, die meisten Künstlerinnen und Künstler waren im Exil. Ein kulturleerer Raum. Entsprechend stellte sich uns die Frage: Wo anfangen? Es lag auf der Hand, bei den Strukturen anzusetzen, erst einmal materielle Unterstützung zu gewähren. Wir haben Institutionen wie dem Nationaltheater...

Ibrahim Hotak über die afghanische Theaterlandschaft, die kulturelle Aufbruchstimmung Mitte der nuller Jahre und die Kunst als Aufklärungsinstrument im Gespräch mit Patrick Wildermann

Man kann nicht sagen, dass alles umsonst war

Dietmar Dath, Ihr Stück „Restworld“, das gemeinsam mit dem Künstlerduo F. Wiesel für das Theater Heidelberg entstanden ist, korrespondiert mit dem Sci-Fi-Filmklassiker „Westworld“ von 1973 und der gleichnamigen HBO-Serienproduktion von 2016. Was ist das für ein Film, was ist das für eine Serie? Der Spielfilm „Westworld“ und die leider weniger bekannte Fortsetzung „Futureworld“ (1976) erzählen von einer Zukunft, in der zum Unterhaltungsangebot für Wohlhabende menschenähnliche Roboter gehören, die in Freizeitparks herumlaufen, wo man Rekonstruktionen der nordamerikanischen Pionierzeit („Wilder Westen“) oder auch eine Zukunft im All als sinnliche und greifbare – also von Automaten inszenierte, nicht virtuell elektronische – Simulationen erleben kann. Die HBO-Serie erneuert dieses Szenario rund dreißig Jahre später, aber weil sie als Serie mehr Zeit hat als ein Spielfilm, geht sie gegenüber den Originalen sowohl in die Breite – über die Parks hinaus wird die Gesellschaft untersucht, in der es die Parks gibt – als auch in die Tiefe, stellt also anspruchsvolle Fragen danach, ob Maschinen Bewusstsein entwickeln können oder Roboter uns eher ergänzen oder eher ersetzen und so weiter. Während Science-Fiction sowohl im Kino als auch in der Literatur ihren festen Platz gefunden hat, zeigt sich das Theater, das im Gegensatz zum Film eben nicht mit Special...

Dietmar Dath über sein Stück „Restworld“ im Gespräch mit Erik Zielke

Von Menschmaschinen und Marionettenzauberern

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Plötzlich herrscht Finsternis. Eine Explosion ist zu hören. Schreie. Rauch. Blitze. Dann wieder Stille. In Karin Beiers Inszenierung von Rainald Goetz’ „Reich des Todes“ sind es nur wenige Minuten, in denen auf der Bühne des Hamburger Schauspielhauses die Geräusche eines Tages heraufziehen, der sich für immer in das kollektive Gedächtnis gebrannt hat. Am 11. September jährten sich die Terroranschläge auf das World Trade Center in New York zum zwanzigsten Mal. Ein Datum, das auf perfide Weise mit dem Abzug der Nato aus Afghanistan kolli­dierte, das wie der Irak infolge der Anschläge zum Kriegsgebiet wurde. Wir haben mit dem Schauspieler Sebastian Blomberg gesprochen, der sich in gleich zwei Projekten mit den Folgen von 9/11 befasst hat. In „Reich des Todes“ verkörperte er die Rolle des US-Vizepräsidenten Selch, alias Dick Cheney, der als Strippenzieher den „Krieg gegen das Böse“ orchestrierte. Zudem ist er derzeit in Johannes Nabers Kinofilm „Curveball“ zu sehen. Er spielt dort den Biowaffenexperten Arndt Wolf, der in die Fänge des deutschen Bundesnachrichtendienstes gerät und mehr oder weniger versehentlich den USA den später als Fake enttarnten Grund für den Einmarsch in den Irak in die Hände spielt. Das Gespräch fand am 9. September statt, also zwei Tage vor dem Jahrestag...

Der Schauspieler Sebastian Blomberg im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Im Reich der Lügen

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

The Ghost, The Voice, The Faceless

Die Zukunft nebenan

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

Angst und Widerstand

Neuerscheinungen im Verlag