Jeder Nachruf ist – wie die Trauer selbst – äußerst subjektiv und erfasst nur einen winzigen Teil der Persönlichkeit des zu Gedenkenden. Eduardo Arroyo habe ich erst 1973 kennengelernt, als er zusammen mit Gilles Aillaud nach Berlin kam, um für „Die Bakchen“ von Euripides in der Regie von Klaus Michael Grüber im Philips-Pavillon auf dem Messegelände den Bühnenraum zu erschaffen. Zu der Zeit war er schon ein anerkannter Künstler. Um dem drohenden Militärdienst unter Diktator General Franco zu entkommen, entschwand der 1937 in Madrid geborene Arroyo als 20-Jähriger nach Paris, wo er sehr schnell Anschluss an die Generation junger Maler fand und in ihren Salons ausstellte. In den ersten Jahren seines zunächst freiwilligen Exils pendelte er zwischen Frankreich und Italien, wo er jeweils etwa ein halbes Jahr verbrachte. Bei einer seiner Rückfahrten nach Spanien wurde er 1974 verhaftet und des Landes verwiesen, woraufhin Frankreich ihn als politischen Flüchtling anerkannte. Arroyo war nicht nur Maler, er war Grafiker, Skulpteur, Buchillustrator, Töpfer, Bühnenbildner und Schriftsteller. Ursprünglich wollte er Journalist werden, als Künstler war er Autodidakt. Er lernte schnell und erfand seine ihm eigenen Ausdrucksmittel. Die Energie schöpfte er aus seinen Lebenserfahrungen, seinem Exildasein, das ihn aus der Entfernung schärfer sehen und beurteilen...

Zum Tod des Malers und Bühnenbildners Eduardo Arroyo

Der kämpfende Ästhet

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Wäre sie nicht da gewesen, ganz zum Schluss, mit dem elften Monolog von elfen, dann hätte ich den schwer atmenden Uraufführungsreigen „Ich, Europa“ im Schauspiel Dortmund schnell wieder vergessen. Das heißt, ganz vergessen nun auch wieder nicht, denn es gab ja noch diese komische Figur, die für sich genommen gar nicht komisch war, komisch höchstens für all die anderen, denen sie nicht ins Konzept passte. Diese komische Figur spielte ich selbst. Dank Sudabeh aber verblasste sie genauso wie der alberne Konformismus im Theater, der sie erst hervorgerufen hat. In einem früheren Buch, genannt „das zehnzeilen-buch“, hat Sudabeh unter dem Titel „Glück“ zehn Zeilen über die Windtänzerin und die Literatur geschrieben: „als der text im raum stand, wurde er endlich zum hindernis.“ So ist es auch in Dortmund geschehen. Am Anfang steht wie so oft eine Idee der Dramaturgie. Aus der Idee wird ein Aufruf, den Dramaturg Michael Eickhoff, damit jeder mitkommt, verliest, als didaktischen Auftakt gewissermaßen. Dieser Aufruf ist offenbar erhört worden, wenigstens von „elf Autorinnen und Autoren aus der arabischsprachigen Welt, Nord-Afrika und dem (altosmanischen) Balkan“ – wer aufpasst, hört auch Stimmen aus der türkischen und persischen Welt. Laut Dramaturgie-Sprech seien „Texte über einen sowohl fremden wie vertrauten Kontinent:...

Schauspiel Dortmund: Wollen Sie für den Frieden nicht aufstehen?

Du, Sudabeh

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

In den Dramen der Antike ist alles schon da, was uns heute noch bewegt. Heißt es zumindest immer. Christopher Rüpings Erfahrung als Zuschauer allerdings war bislang eine andere. Keine der Inszenierungen antiker Stoffe, die er gesehen hatte, erklärte der 33-jährige Regisseur in der Süddeutschen Zeitung, habe ihn wirklich erreicht. Das, mutmaßt Rüping weiter, habe womöglich nicht am Stoff gelegen, sondern am Format: „Ein Text, der für ein fünftägiges, rauschhaftes Fest geschrieben wurde, lässt sich in einer auf Tatortlänge reduzierten Bühnenfassung nicht erleben.“ Logische Konsequenz: die Rückkehr zur Übergröße. Zehn Stunden dauert Rüpings Antikenprojekt „Dionysos Stadt“ an den Münchner Kammerspielen. Auch das ist im Grunde ein Klacks im Vergleich zu den mehrtägigen Dionysien im alten Griechenland. Aber klar, den Zeitrahmen heute handelsüblicher Produktionen sprengt Rüpings Inszenierung allemal. Der dreieinhalbstündige Antikenabend jedenfalls, den der nur ein Jahr ältere Simon Stone am Berliner Ensemble inszeniert hat, nimmt sich gegen diesen Theatermarathon beinah wie ein Sprint aus. Wobei sich „Eine griechische Trilogie“ als Mogelpackung erweist. Vom angekündigten Dreierpack aus Aristophanes’ „Lysistrata“, Euripides’ „Die Troerinnen“ und „Die Bakchen“ ist nicht viel zu erkennen. Rüping dagegen schöpft aus dem Vollen. Er spannt den Bogen vom Prometheus-Mythos über die Sage vom Trojanischen Krieg bis hin zu...

Münchner Kammerspiele: „Dionysos Stadt“ (UA); Berliner Ensemble: „Eine griechische Trilogie“ (UA)

München/Berlin: Zurück zur Übergröße

Münchner Kammerspiele: Klamauk und Katastrophe

Auf die Frage, was ihr größter Erfolg gewesen sei, soll Margaret Thatcher einmal geantwortet haben: „Tony Blair und New Labour. Wir haben unsere Gegner zum Umdenken gezwungen.“ Erfolg in der Politik ist, wenn man selbst noch den äußersten Gegensatz auf das eigene Feld der Begriffe geführt hat. Und Begriffe sind nie nur theoretische Abstraktionen von der Welt, sie implizieren auch einen bestimmten Umgang mit ihr. Fatal ist, dass Teile der Linken das gesamte Vokabular der neoliberalen Revolution vom „Sozialschmarotzer“ bis zur „Eigenverantwortung“ übernommen haben. So kann weder eine treffende Kritik der Verhältnisse formuliert noch eine Alternative propagiert werden. Die offizielle Linke hat sich der Ideologie der Alternativlosigkeit verschrieben und sich den Verwertungsimperativen des kreditgetriebenen Finanzkapitalismus angepasst. Aus dieser misslichen Lage sollte sie sich schleunigst befreien, schlägt Chantal Mouffe in ihrer Schrift „Für einen linken Populismus“ vor. Den Text möchte die Politikwissenschaftlerin Mouffe nicht als Beitrag zur Erforschung des Populismus verstanden wissen, sondern als politische Intervention – und als Reaktion auf die brüchige neoliberale Hegemonie. Tatsächlich lässt die seit zehn Jahren andauernde Wirtschaftskrise wenig Zweifel, dass der Markt zwar seinen Gesetzen folgen mag, diese aber soziale und ökologische Verwüstungen größten Ausmaßes mit sich bringen. Das hindert die Apologeten des Neoliberalismus nicht,...

Chantal Mouffe: Für einen linken Populismus. edition suhrkamp, Berlin 2018, 109 Seiten, 14 EUR.

Auf den Trümmern des Neoliberalismus

Berliner Ensemble: Umsturzphantasien mit KI

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Meldungen

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

Unter dem Schlagwort „Abgestraft für Elternzeit“ postete die Musikpädagogin Barbara Frazier am 28. Oktober einen Aufruf auf Facebook. Völlig unerwartet war ihr durch den Geschäftsführer der Theater, Oper und Orchester GmbH Halle (TOOH) Stefan Rosinski während der Elternzeit die Nichtverlängerung ihres Vertrages ausgesprochen worden. Unerwartet deshalb, weil Frazier ein Jahr zuvor, ebenfalls während der Elternzeit, noch von eben jenem Geschäftsführer verlängert worden war. Nun sind Nichtverlängerungen im System des Normalvertrags Bühne, über den die meisten künstlerisch Beschäftigten angestellt sind, gängige Praxis. Viele Verträge sind auf ein Jahr befristet. Die Unsicherheit, die darin steckt, teilen Bühnenmitarbeiterinnen und -mitarbeiter mit befristet Beschäftigten aller Branchen: Entscheidet ein Chef, die Anstellung einer Mitarbeiterin oder eines Mitarbeiters in Elternzeit nach dem regulären Auslaufen der Vertragszeit nicht zu verlängern, kann er dies tun. Durch die massive Zunahme von Zeitarbeitsverträgen im Zuge der Hyperflexibilisierung unterliegen gerade Frauen, die eine Familie gründen wollen, dem Risiko, sich durch eine Schwangerschaft in die Arbeitslosigkeit zu manövrieren. Solange dies gesetzlich nicht gelöst ist, obliegt es einem aufgeklärten Personalmanagement, dem Hireand-Fire-Prinzip US-amerikanischer Prägung Werte wie soziale Verantwortung, Beschäftigtenschutz und Moral entgegenzusetzen. 2017 konnten die Genossenschaft Deutscher Bühnen-Angehöriger (GDBA) und die Vereinigung deutscher Opernchöre und Bühnentänzer e. V. immerhin den Nichtverlängerungsschutz für Mütter...

Über mangelnden Nichtverlängerungsschutz in der Elternzeit und unsoziales Personalmanagement an der Theater, Oper und Orchester GmbH Halle

Mütter! Courage!

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Dezember 2018

Premieren

Bühnen

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Als Kind habe ihn das unheimlich beeindruckt, erzählt der Regisseur Marius Schötz. Die Bühne, die Effekte, die Geschichte. Die Rede ist von „Starlight Express“, dem Musical von Andrew Lloyd Webber, das in Bochum in einer eigens eingerichteten Halle gespielt wird. Es geht um eine Dampflok, eine Diesellok und eine E-Lok und ihr Werben um Pearl, den Erste-Klasse-Wagen. Dass in seinen eigenen Inszenierungen auch musikalische Elemente zum Einsatz kommen, mag vor diesem Hintergrund kaum erstaunen. Erstaunlich aber ist, dass Schötz die Lieder allesamt selbst komponiert. Bevor er an der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ Berlin ein Regiestudium aufgenommen hat, studierte er in Frankfurt am Main Schulmusik und Komposition und machte im Anschluss in Stuttgart einen Bachelorabschluss in Komposition. Schubert, Brahms, Strauss sind ihm ebenso geläufig wie die klassische Moderne und die Neue Musik. Außerdem ist er selbst ein ausgebildeter Sänger. „Wenn man einmal weiß, wie ein Lied gebaut ist, wie es funktioniert, dann gehört nicht viel dazu“, erzählt Schötz. Aufgrund der Leichtigkeit, mit der seine Lieder daherkommen, glaubt man das gerne, selbst wenn diese durchaus recht anspruchsvoll sind. Während seines Kompositionsstudiums interessierte er sich vor allem für die Oper. Doch bald entfremdete er sich, die szenische Qualität reichte ihm nicht aus....

Die Inszenierungen des Regisseurs Marius Schötz beeindrucken nicht nur durch großen Einfallsreichtum, sondern auch durch die von ihm selbst komponierten Lieder

Musikalische Züge

TdZ on Tour

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Das Gelände, auf dem der Münchner freien Szene irgendwann ein Produktionshaus erwachsen soll, spielt wieder mit beim Festival Rodeo. Wo bereits kräftig die Abrissbirne wütete, werden historische und frischgebackene Manifeste gejodelt – und am Ende schunkeln sogar zwei riesige Baustellenkräne mit: Ein Coup, der die beiden Jodlerinnen Christiane Huber und Simone Egger auf den Tennisschiedsrichterstühlen von „Play &amp; Stay 1-5“ und auch die Kunst klein erscheinen lässt und dann doch wieder groß: Weil sie etwas bewegen kann. Und seien es auch nur zwei Kräne. Allen kleinlichen Sicherheitsvorschriften zum Trotz. Das Münchner Tanz- und Theaterfestival ist in seinem zweiten und letzten Jahr unter der Leitung von Sarah Israel zu einer gewissen Reife gelangt, weil es sich erlaubt, kein Bestof der Szene zu präsentieren, obwohl das Hauptprogramm durchaus erkennen lässt, mit wem vor allem im Tanz weiterhin zu rechnen ist. Dieser hat im diesjährigen Rodeo-Programm aber auch quantitativ leicht die Nase vorne, weil Israel als Kuratorin alle Ästhetiken ignoriert, die mit einem Auge aufs Sprech- und Stadttheater schielen. Stattdessen richtet Rodeo 2018 die Lupe auf die Ränder des Performativen wie etwa in „Carnation Dingthang“, bei dem der Münchner Noise-Artist Anton Kaun und der israelische Musiker David Oppenheim umstandslos Layer aus Lärm übereinanderlegen....

Beim Rodeo Festival und beim IETM-Meeting in München probte die freie Szene die Selbstverortung und den Brückenschlag

Grab, wo du stehst!

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

„Der Nationalsozialismus war in Österreich 1945 nicht zu Ende. Im Gegenteil. Er lebte weiter.“ Im esc medien kunst labor steht der Umfragen zufolge wichtigste Komponist der Gegenwart und trägt seinen „Monolog für Graz“ vor – einen sehr persönlichen, politischen Text, den das New Yorker Ensemble Talea in sprechende Klänge übersetzt. Mikrotonalität ist die wesentlichste Charakteristik der Musik von Georg Friedrich Haas – doch in seiner Rede regieren keine Zwischentöne. Haas ist ein Nachkomme von Angehörigen der Nazi-Elite, seine Abrechnung ist radikal und radikal subjektiv. Dennoch trifft er mit dieser Fortsetzung seiner letztjährigen Festrede zum 50. Jubiläum des Festivals den Kern der diesjährigen Dramaturgie des steirischen herbstes: Unter dem Titel „Volksfronten“ stellt sich die neue Intendantin Ekaterina Degot konsequent gegen rechts, insbesondere gegen das Erbe des Nationalsozialismus. Am Grazer Hauptplatz ist ein Container zur Entsorgung von NS-Relikten aufgestellt: Yoshinori Niwa garantiert mit seiner Installation „Withdrawing Adolf Hitler from a Private Space“, dass alles, was die Grazer dort deponieren, vernichtet wird. Am Dach der Arbeiterkammer verkündet die ZIP group mit einem monumentalen Schriftzug „Smrt fašizmu, sloboda narodu“ (Tod dem Faschismus, Freiheit für das Volk) – eine jugoslawische Partisanenparole aus den 1930er Jahren. Der öffentliche Raum wird intensiv bespielt, auch als Versuch, Unbeteiligte...

Unter dem Motto „Volksfronten“ positioniert sich der steirische herbst in Graz unter der neuen Leitung von Ekaterina Degot konsequent gegen rechts

Widerstand und Wiedergänger

Durs Grünbein, in „Die Weiden“ geht es um eine Reise auf einem großen Fluss, die Ufer bevölkert von bösen und verstockten Karpfenmenschen, es drohen einige Gefahren. An einer Stelle heißt es, dies sei ein Gleichnis für trübe Zeiten. Der Ausspruch mit dem Gleichnis stammt von der Protagonistin Lea und fällt im Vorspiel. Sie ist eine junge Philosophin, eine Akademikerin, aus einer amerikanischen Großstadt, die eine Flussreise unternehmen möchte. Der Fluss befindet sich in Europa und verbindet mehrere Länder, er fließt von West nach Ost – man wird also keine Probleme haben, das Vorbild dieses Flusses zu erkennen. Ihre Eltern aber haben Sorgen aufgrund dieser Reise, und der Vater erzählt die Legende von den Karpfenmenschen. Lea begreift dies als ein Gleichnis trüber Zeiten, unvorstellbar für die Gegenwart. Sie ist furchtlos. Sie glaubt nicht, dass die Vergangenheit sie einholen wird. Sie weiß die Verhältnisse zu analysieren. Sie glaubt, archaische Affekte rational bewältigen zu können. Sie beginnt die Reise, aber während dieser kommt es zu einem Zerfallsprozess. Eine Flussreise ist ja eine starke literarische Metapher. Man kennt die Reisen flussaufwärts, eine Erkundung der Quellen, der Ursprünge. Flussabwärts ist man selbst im Strom, in dem der Geschichte oder der Verhältnisse, im Flow, wie es...

Der Dichter Durs Grünbein über sein Libretto für Johannes Maria Stauds Oper „Die Weiden“ im Gespräch mit Jakob Hayner

Ein Gleichnis für trübe Zeiten

Jetzt ist alles politisch

Seit seiner Gründung 1991 ist das Theaterhaus Jena ein einzigartiges Haus. Es zeichnet sich durch die Förderung unberechenbarer und polarisierender Künste aus und das von Anfang an unter kollektiven Leitungsstrukturen. Man könnte das Theater auch poetisch als Haus der tausend Probebühnen bezeichnen. Als 2016 eine neue künstlerische Leitung ausgeschrieben wurde, war der Andrang groß. Die Gesellschafter entschieden sich 2017 für das niederländischflämische Theaterkollektiv Wunderbaum. Kollektive, wie sie sich üblicherweise in der freien Szene abseits eines Stadttheaters aufhalten, sind dafür bekannt, nicht nur kritische Fragen an einen Theatertext zu stellen, sondern auch, die Struktur der Theaterinstitutionen zu hinterfragen und an alten Traditionen zu rütteln. Das Theaterhaus Jena, welches das ständige Hinterfragen zur Methode gemacht hat, ist möglicherweise der richtige Ort für Wunderbaum. Denn auch sie kommen aus einer Region mit einer besonderen Theatergeschichte. Durch Künstler wie Johan Simons und Luk Perceval hat sich das Theater in Flandern und den Niederlanden zu einer modernen und vor allem lebendigen Szene entwickelt. Eine neue Generation junger Theatermacher wie Ilay den Boer, Dries Verhoeven, Boukje Schweigman und die Gruppe Tristero erwuchs und behauptete sich in einer Zeit, in der besonders in den Niederlanden Künstler unter radikalen Sparmaßnahmen zu leiden hatten. „Wenn die Regierung versagt, dann...

Das niederländisch-flämische Theaterkollektiv Wunderbaum entert das Theaterhaus Jena – „Thüringen? Kein Problem!“ lautet ihr Motto

Haus der tausend Probebühnen

Junge Hoffnung

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

„Es lebe das Neue, es lebe die deutsche Republik!“ Mit diesen Worten wandte sich der SPD-Politiker Philipp Scheidemann am 9. November 1918 vom Balkon des Lesezimmers des Reichstags an die zu seinen Füßen versammelten Massen. Nur kurz darauf trat Karl Liebknecht vom Spartakusbund auf den Balkon des Berliner Schlosses: „In dieser Stunde proklamieren wir die freie sozialistische Republik Deutschland.“ Bekanntlich wurde die Äußerung Scheidemanns Realität. Und Liebknecht wenige Monate später ermordet in den Landwehrkanal geworfen, zusammen mit Rosa Luxemburg. Was also ist die Bedingung, dass aus der einen Balkonrede eine Staatswirklichkeit wurde – und aus der anderen nicht? Damals war es eine Frage der materiellen Gewalt: Die Niederschlagung von Novemberrevolution, Dezemberkämpfen und Spartakusaufstand waren die blutigen Wegsteine zur Weimarer Republik. Die Worte von den Balkonen waren Teil eines großen gesellschaftlichen Konflikts – und wurden auch als solche verstanden. Denn sagen kann man bekanntlich viel, nur wird nicht alles als allgemeingültig anerkannt werden – das unterscheidet eine standesamtliche Trauung von einer Sandkastenhochzeit. Das sollte man auch in Bezug auf die Ausrufung einer Republik im Blick behalten. Auf die Ereignisse von vor hundert Jahren bezieht sich das von der Politikwissenschaftlerin Ulrike Guérot und dem Schriftsteller Robert Menasse zusammen mit dem Theatermacher Milo...

Geschichten vom Herrn H.: Das Balkontrauerspiel

Was folgt

Liebe, Schreiben, Popmusik

Rechnung an Theater der Zeit

Autoren Dezember 2018 / Vorschau

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Im Herbst 1992 wurde in der Slowakei, noch vor der Eigenständigkeit der Slowakischen Republik, das erste internationale Theaterfestival in privater Initiative gegründet. Dass für den Ort des Festivals nicht die Hauptstadt, sondern das eine Autostunde von Bratislava entfernte Nitra gewählt wurde, lag unter anderem im dort gerade eröffneten Theaterneubau begründet, der neueste Technik auch für große, anspruchsvolle Inszenierungen bot. Außerdem war man noch ein Stückchen weiter weg von den Wiener Festwochen, die den „Osten“ damals allerdings noch gar nicht entdeckt hatten und auch erst nach und nach ihr heutiges Format entwickelten. Diese geografisch-kulturelle Lage war auf jeden Fall ein Vorteil für den Start in einem Feld neuer Festivals im gesamten ostmitteleuropäischen Raum, zu dem man im Vergleich die Leipziger euroscene mit ähnlicher Ausgangslage und Ausrichtung heranziehen kann. Die bis heute in die weite Theaterwelt schauende Gründungsdirektorin Darina Kárová verteidigt aus diesem Grund den Standort gegen alle Hauptstadtbegehren in der insgesamt nicht ganz so zentralistischen slowakischen Theaterlandschaft. Was das internationale Theater betrifft, bleibt Divadelná Nitra der Hauptakt. Gewiss auch, weil sich das Festival nicht allein nach Hits der internationalen Szene strecken will, sondern nun schon mit der 27. Ausgabe unter Károvás Leitung weiterhin seine eigene Programmatik aus Entdecken, Austausch und Weitergeben...

Das Festival Divadelná Nitra in der Slowakei erweitert seine Ost-West-Austauschplattform für Rabih Mroués Entgrenzungen

Ausweitung der Konfliktzone

»The canoe is a hyphen between centuries, between generations, between trees.« Derek Walcott Personen Lea, eine junge Philosophin – Mezzosopran Peter, ein junger Künstler – Bariton Edgar, Peters alter Schulfreund – Tenor Kitty, Edgars Geliebte – Sopran Die Fernsehreporterin – Schauspielerin Krachmeyer, Komponist, Freund von Peters Familie – Schauspieler Leas Mutter – Mezzosopran Leas Vater – Tenor Peters Mutter – Alt Peters Vater – Baßbariton Der Demagoge – Baß Fritzi, Peters Zwillingsschwester 1 – Hoher Sopran Franzi, Peters Zwillingsschwester 2 – Hoher Sopran Der Warner am Ufer – Tenor Eine Wasserleiche – Sopran Der Oberförster – Baß Der Flüchtling Großer gemischter Chor (mindestens 48stimmig) PROLOG IM ELTERNHAUS Wohnzimmer in einem Hochhaus. In den Fenstern die Skyline einer amerikanischen Großstadt am Abend. An einem langen Tisch sitzen Leas Mutter und Leas Vater an den Stirnseiten sich gegenüber. Sie warten. Ein großer Reiserucksack steht neben der Tür. Duett Leas Mutter Wo sie nur bleibt? Leas Vater Wo bleibt sie nur, Unser großes Mädchen? Leas Mutter Das hört sie nicht gern. Leas Vater Nein, das hört sie nicht gern. Sie war unser großes Mädchen, Schon als sie noch klein war. Leas Mutter Unser kleines großes Mädchen. Leas Vater Großes kleines Mädchen. Leas Mutter...

Oper in sechs Bildern. Musik von Johannes Maria Staud

Die Weiden

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

Verstörend genial! Schamlos provozierend! Entweder man hasst sie oder liebt sie. Nur wenige Arbeiten polarisieren so wie die von Performancemacher und Konzeptkünstler Julian Hetzel. Und das liegt daran, dass sie den Zuschauer direkt angehen, ihn in kompromittierende oder verstörende Situationen verwickeln, die dazu führen, das eigene normative Repertoire an Verhaltens-, Empfindungs- und Urteilsweisen zu reflektieren. In der Performanceinstallation „Still“ (2014) begegne ich nach fünf Stationen, die um die Ökonomie des Wartens kreisen, einer echten Obdachlosen, die wie ein menschliches Readymade in dem weißen Ausstellungscontainer sitzt und mich in ein Gespräch über ihr Leben verwickelt, das ich außerhalb des Kunstrahmens so vermutlich nicht geführt hätte. Die „Schuldfabrik“ (2016) lädt ihre Gäste zu einem Besichtigungsparcours durch die Produktions- und Vertriebsräume einer Firma für Seife mit dem sprechenden Namen SELF ein. SELF wurde aus dem realen Wohlstandsfett niederländischer Spender hergestellt, um aus dem Erlös wirklich ein Brunnenbauprojekt in Malawi zu finanzieren. Der Begegnungsparcours produziert beim involvierten Besucher als Vertreter der westlichen Wohlstandsgesellschaft persönliche wie kollektive (Mit-)Schuld, die durch den Versuch, sich mittels Seifenkauf reinzuwaschen, perpetuiert wird. Eine ähnliche Aktion „künstlerischer Entwicklungshilfe“ mit neokolonialem Fokus praktizierte Hetzel selbstironisierend bereits als „The Benefactor“ (2011), bei einem Projekt, das darin bestand, die erhaltene Fördersumme von 2000...

Die Installationen und Projekte von Julian Hetzel sind provozierend schamlos und stellen gesellschaftliche Normen auf den Prüfstand

Kriegsschutt zu Kunst

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Derman sendedir

2003 haben Ariane Mnouchkine und das Théâtre du Soleil die weltweite Odyssee von Menschen auf der Flucht in kurzen, prägnanten Szenen auf die Bühne gebracht. Das Stück „Le Dernier Caravansérail“ zeugt vom Kampf ums Überleben in der globalisierten Welt(un)ordnung, in der Bürgerkriege, soziale, religiöse und ethnische Ausgrenzung, politische Verfolgung und ökonomische Aussichtslosigkeit Männer, Frauen und Kinder entgegen ihrem Willen um den Globus treiben. Die beispielhafte Theaterarbeit hat im deutschen Stadttheater unbegreiflicherweise keine angemessene Resonanz gefunden. Jetzt hat das Landestheater Tübingen alle Kräfte mobilisiert, um eine zweite deutschsprachige Aufführung des Stücks zu ermöglichen. Mit großem Erfolg: „Die letzte Karawanserei“ ist das Stück der Stunde. In einer Zeit der allgemeinen Flüchtlingshetze auf der Straße, in den rechten Parteien und in Teilen der Medien, einer Zeit, in der der Hass auf die Aufnahme der Geflüchteten aus Ungarn im September 2015 wahnhafte Züge annimmt, zeigt die Inszenierung von Christoph Roos die verdrängte Realität der „Festung Europa“ und anderer Kontinente (zum Beispiel Australien): Auf die globale Bewegung von Geflüchteten, Vertriebenen und Ausweglosen wissen immer mehr Menschen keine andere Antwort als brutale Abschottung und vehementen Nationalismus. So sehen sich die aufgrund von Krieg, Hunger und Angst aus ihren Heimatländern Aufgebrochenen ein zweites Mal als Ausgelieferte: ausgeliefert...

Landestheater Tübingen: „Die letzte Karawanserei“ von Ariane Mnouchkine. Regie Christoph Roos, Ausstattung Katrin Busching

Tübingen: Das Sommermärchen

Die Stress-Knoten auflösen

Jeder Nachruf ist – wie die Trauer selbst – äußerst subjektiv und erfasst nur einen winzigen Teil der Persönlichkeit des zu Gedenkenden. Eduardo Arroyo habe ich erst 1973 kennengelernt, als er zusammen mit Gilles Aillaud nach Berlin kam, um für die „Bakchen“ von Euripides in der Regie von Klaus Michael Grüber im Philips-Pavillon auf dem Messegelände den Bühnenraum zu erschaffen. Zu der Zeit war er schon ein anerkannter Künstler. Um...

Der kämpfende Ästhet. Zum Tod des Malers und Bühnenbildners Eduardo Arroyo

„Hase wäre falsch. Bleib bei der Taube, kann es nicht erklären, aber Hase ist falsch“, schreibt Christoph Schlingensief 2003 per SMS an Janina Audick. Sie ist gerade dabei, das Produktionsdesign für seine Wagner-Rallye im Jahr 2004 zu entwickeln. Wenn die Taube richtig ist und Schlingensief nicht erklären kann, warum, gibt das Auskunft darüber, dass das Verhältnis von Bildwelt und Inszenierung flirrt. Auch wenn sie gerade keine illustrative Funktion haben, sind die Elemente keineswegs beliebig. Mit einer üppig bebilderten Publikation ist in der Edition Patrick Frey jetzt „Janina Audick: Talent“ erschienen, Werkschau der bisherigen Arbeit der stilbildenden Bühnenbildnerin, die neben zahlreichen Bühnenund Kostümbildern für Christoph Schlingensief, René Pollesch, Herbert Fritsch und andere auch die Innen- und Außengestaltung des HAU – Hebbel am Ufer Berlin unter Annemie Vanackere und des Jungen Schauspielhauses Düsseldorf unter Stefan Fischer-Fels verantwortete. Ihre Arbeit im Filmbereich reicht von Konzepten für „Petra“ und „Korleput“ des inzwischen historischen Kollektivs Hangover ltd.* bis zum Kostümbild für „3 Tage in Quiberon“ von Emily Atef. Die Werkschau, liebevoll gestaltet von Janina Audick und Michi Schnaus, mixt handschriftlich kommentierte Archivfotos, Schnipsel, Skizzen und Textbeiträge diverser Wegbegleiter und Wegbegleiterinnen zu einem Bilderbuch, das sich wie ein Stück jüngerer Theatergeschichte liest. Großzügig gewährt Janina Audick...

Janina Audick: Talent. Edition Patrick Frey, Zürich 2018, 220 Seiten, 58 EUR.

Postrepräsentative Bühnen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Vor einhundert Jahren wurde die Republik Rumänien gegründet, ein Staat aus vielen Ethnien, Sprachen und Religionen, dessen Zusammenhalt und Identitätsfindung nicht ganz einfach war. Zum runden Jubiläum gab es die üblichen Festlichkeiten und Selbstversicherungen, was die Leiterin der Internationalen Theaterplattform in Bukarest, Cristina Modreanu, veranlasste, dem offiziellen Pomp eine „Geschichtsschreibung in kleinen Buchstaben“ entgegenzusetzen. Sie wollte kleine Geschichten erzählen, in denen sich die große Geschichte widerspiegelt. „Auch wenn ein Diktator seine verdiente Strafe findet, geht das normale Leben erst einmal weiter“, sagt sie. „Die Menschen mögen triumphieren oder ängstlich sein – sie ziehen trotzdem ihre Kinder groß, verlieben sich oder werden krank. Das wollen wir zeigen.“ Das Kernstück ist die „Trilogie der verschwundenen Jahre“, eine melancholischlakonische Spiegelung des Privaten im Politischen der Jahre 1989, 1996 und 2007. Die Aufführung von Peca Ştefan (Autor) und Ana Mărgineanu (Regisseurin) vermittelt durch das Innere des privaten Narrativs sehr gut auch die Dringlichkeit des äußeren Historischen im Leben der Nation. Alle Mitarbeiter des Theaters wurden nach ihren Erinnerungen an das jeweilige Jahr befragt. Aus diesen Geschichten setzt sich das Stück zusammen, nur sind sie auf unterschiedliche Personen verteilt. Es beginnt jedes Mal mit einer Szene, die im Theater spielt. Bei „1989“ geht es um...

Einhundert Jahre vereintes Rumänien: Während der Staatsfeierlichkeiten erkundet die Internationale Theaterplattform in Bukarest die Lage des Privaten

Geschichtsschreibung in kleinen Buchstaben

Vom Bahnhof Döbeln eine halbe Stunde immer die Bahnhofstraße entlang wandernd, stehe ich plötzlich vor einem klassizistischen Theaterbau, dem sich ein avantgardistischer Anbau anschließt. Eine gelungene Symbiose von Alt und Neu, aus Stein und Glas. Das Gebäude wirkt wie eine Insel der Hochkultur in den Niederungen des Konsums. In Sichtweite ein Tattoo-Studio, ein Billard-Café, eine Tinten-Toner-Tankstation und ein Laden namens Arizona Outlet. In dessen Schaufenster stehen auch Baseballschläger – darunter solche mit unmissverständlichen Aufschriften wie „Good night“. Auf dem Parkplatz auf der Rückseite des Theaters rund um den zugeparkten Schaukasten mit dem Monatsspielplan warten zwei Männer mit einem unangeleinten Kampfhund. Alle drei beobachten mich. All das passt in jedes Klischeebild der ostdeutschen Provinz. Hier herumzulaufen und Notizen zu machen, kann leicht zu Ärger führen. Schließlich hat die AfD die Medien zu ihrem Hauptfeind erklärt. Sie ist in Sachsen in vielen Orten bereits die stärkste politische Kraft. Im mittelsächsischen Wahlkreis stehen sich CDU und AfD etwa gleichstark gegenüber – oder stehen sie mit Blick auf die Zeit nach der Sachsen-Wahl im kommenden Jahr bereits als eine rechte Allianz auf dem Sprung? Die CDU-Spitze dementiert zwar ein Zusammengehen mit der AfD, Sachsens Ministerpräsident Michael Kretschmer ebenso, andere in der Partei sagen anderes:...

Das Mittelsächsische Theater Freiberg-Döbeln will sich in der politischen Auseinandersetzung mit der AfD künstlerisch nicht verleugnen

Die rettende Insel?

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

München ist nicht nur eine an Festivals reiche Stadt. München ist überhaupt sehr wohlhabend. Nirgends wird das so deutlich wie an der Maximilianstraße, wo zwischen Nobelboutiquen, Luxushotels und gehobener Gastronomie auch die Kammerspiele residieren. Deren amtierender Intendant Matthias Lilienthal hat bekanntlich einen Shabby-Chick kultiviert, der ihn markant aus dem goldenen Rahmen fallen lässt. Zudem scheint die sich performativen Formaten öffnende Theaterkunst, die mit ihm Einzug gehalten hat, Teilen des örtlichen Bildungsbürgertums nicht hochglänzend genug. Dass Lilienthal zu Beginn seiner vierten Spielzeit zusammen mit dem Verein Spielmotor das Festival Politik im Freien Theater (PiFT) der Bundeszentrale für politische Bildung nach München geholt hat, ließ die Herzen seiner Gegner wohl kaum höherschlagen. Der Vorverkauf lief denn auch schleppend, was weniger an einer Festivalübersättigung der Stadt gelegen haben dürfte. Eher daran, dass ein Teil der klassischen Kammerspieleklientel den aktuellen Intendanten satt hat. Interessant dabei: Am Ende waren die allermeisten der von einer siebenköpfigen Jury ausgewählten 14 Produktionen trotzdem ausverkauft. Der Run auf die Abendkasse spricht dafür, dass das Festivalprogramm ein anderes Publikum anlockte. Nicht nur ein anderes als sonst im Münchner Theater, sondern auch als bei Prestigeprojekten wie etwa dem Faust-Festival im Frühjahr, bei dem die Stadt ein bisschen angeberisch mit ihrem kulturellen...

Unter dem Motto „reich“ zeigt das Festival Politik im Freien Theater in München engagiertes Theater, jedoch oftmals ohne überzeugende künstlerische Form

Vornehm geht die Welt zugrunde

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

„Vom Glück des Stolperns“ lautet das aktuelle Spielzeitmotto in Konstanz. Intendant Christoph Nix und sein Team lenken den Blick selbstbewusst auf das künstlerische Potenzial jeglichen Scheiterns. Der gewählte thematische Fokus ist klug gewählt: Nur die Kunst, vornehmlich das Theater, leuchtet Fallhöhe strahlend aus. Neil LaBute ist ein Meister, wenn es um die dramatische Gestaltung abrupter Wendungen geht. Sein Monolog „Eine Art Liebeserklärung“ verbindet zwei bei ihm häufige Themen, die der Lüge und der Sexualität. Faye, verheiratete Lehrerin, hat ihren Mann betrogen und einen ihrer Schüler verführt. Regisseur Oliver Vorwerk widersteht der Versuchung, diesen Monolog auf voyeuristische Weise zum Publikum hin zu öffnen. Anne Simmering in der Rolle Fayes hat die anspruchsvolle Aufgabe, den Text fast durchgängig intim zu sprechen. Führt sie ein Selbstgespräch? Spielt sich die Narration ausschließlich in ihrem Kopf ab? Die Inszenierung beginnt als Stillleben: Religiöse Symbole, Kelch und Kreuz, sind, per Kamera abgefilmt, auf einer gerahmten Projektionsfläche zu sehen. Fayes Bericht ihrer Lebenslüge gewinnt so Züge einer Beichte. Die Konstanzer Inszenierung nimmt das Paradox ernst, dass Fayes Lüge in ihrer Ungeheuerlichkeit unerzählbar bleibt – sie sich aber dennoch ihre Geschichte von der Seele redet. Simmering meistert diesen Balanceakt grandios. Anfangs ist sie im Korsett eines Schlangenkostüms gefangen...

Theater Konstanz: „Eine Art Liebeserklärung“ von Neil LaBute, Regie Oliver Vorwerk; „Warten auf Godot“ von Samuel Beckett. Regie Christoph Nix

Konstanz: Wie viel wiegt eine Lüge?

Erlebte Geschichte erzählt jeder anders. Und was erzählen die Dinge selbst? Diese als Handelnde auf die Bühne zu bringen, war die Grundidee von Mirko Winkel, der den Abend „Aufstand der Dinge“ konzipierte und selbst inszenierte. Ob man deshalb gleich von einem „Aufstand“ sprechen muss, ist die Frage, denn es sind doch eher zivile Alltagsgegenstände, anhand derer der einstige Industriestandort Karl-Marx-Stadt und sein Schicksal in der Wendezeit beschrieben wird. Also eher eine Art Wiedervorlage von allzu eilfertig Entsorgtem, eine Art verspäteter Trauerarbeit angesichts der Furie des Verschwindens, die 1990 im Osten den Boden planierte. Darauf sollten dann blühende Landschaften wachsen? Dies also ist Geschichtsunterricht mit spielerischen Mitteln, genannt „Generationenprojekt zur Nachwendezeit“, uraufgeführt im Rahmen des Festivals „Aufstand der Geschichten“ am Theater Chemnitz. Ein groß angelegter Versuch, den Umbruch von gestern neu zu verstehen. Denn auch unsere Gegenwart befindet sich in einem rasanten Wandlungsprozess. Ein Rückblick kann den Voranstürzenden dabei nur guttun. Was landete fälschlich auf der Müllhalde der Geschichte? Sicher nicht nur der Hometrainer Velomet aus dem VEB Sportgerätewerk mit 2300 Beschäftigten (nach 1990 abgewickelt und nicht mehr existent), der hier als eines unter zahlreichen wiederaufgefundenen Dingen seine Geschichte erzählt. Treten auf der Stelle! Das führt unweigerlich zum Sinnbild des „Überholen...

Theater Chemnitz: „Aufstand der Dinge. Ein Generationenprojekt zur Nachwendezeit“ (UA). Regie und Ausstattung Mirko Winkel

Chemnitz: Der Blick zurück

Prishtina. Ein Neubaublock am Rand der Altstadt. Die grüne Farbe an dieser dreißig Jahre alten Wohnmaschine ist verwittert, an einigen Stellen abgeplatzt, als wollte die Natur ein Camouflage-Muster auf die Fassade malen. In den 1990er Jahren waren die Einkaufspassagen auf der Rückseite des Wohnblocks der Hotspot der Jugend Prishtinas. „Punks und Heavy-Metal-Fans hielten sich hier den ganzen Tag auf. Wir tauschten CDs, hatten unsere Bars. Manchmal schloss die Polizei die Tore und zog prügelnd durch die Räume“, erzählt Arif Muharremi und lacht. Es ist schwer zu deuten, ob ihn die fröhliche Erinnerung an die eigene Jugend überwältigt, das Lachen einen bitteren Ton hat wegen der eingesteckten Prügel durch die (serbische) Polizei oder er zugleich die alten und neuen Schwierigkeiten von Europas jüngstem Staat verlachen möchte. Muharremi gehört zu Qendra Multimedia, einer Theatergruppe, die seit Jahren ihr Domizil in den Kellergelassen des grüngefleckten Neubaublocks hat. Hier produziert die Crew um den Dramatiker Jeton Neziraj beachtliche und auch beachtete Arbeiten. „Bordel Balkan“ etwa, eine im letzten Jahr im Nationaltheater in Prishtina herausgekommene Adaption von Aischylos’ „Orestie“ auf kosovarische Verhältnisse. „Wir hatten einige Probleme bei dieser Produktion“, erzählt Jeton Neziraj lachend – und wieder bleibt unklar, zu welchem Anteil darin Freude, Sarkasmus und...

Die freie Theatergruppe Qendra Multimedia organisierte als Flaggschiff des kosovarischen Theaters ihr erstes Festival

Satiriker in der EU-Förder-Dystopie

Neun Tage lang brillierte die 25. Ausgabe des internationalen Theaterfestivals Unidram als grenzenüberschreitende Zukunftswerkstatt für freie Theatermacher. Und schuf damit eine Plattform für zeitgenössisch-visuelles Theater, die sich über zehn Spielstätten in der Potsdamer Schiffbauergasse erstreckte. Unidram, das 1994 als studentische Initiative begann und in den ersten Jahren eine Mischung aus studentischem und freiem Theater war, konzentrierte sich laut Festivalleiter Jens-Uwe Sprengel ab seiner fünften Ausgabe ganz auf freies Theater. Ursprünglich geht das Potsdamer Festival auf eine Idee der Theatergruppe DeGater’87 zurück, die die allererste Ausgabe mit ihrer Inszenierung „Jelisaweta Bam“ von Daniil Charms eröffnete, erzählt Sprengel, der neben Franka Schwuchow und Thomas Pösl zu den Initiatoren von Unidram gehört. Dieses Jahr feierte das Theaterfestival nun sein 25. Jubiläum. Die Kuratoren Schwuchow, Pösl und Sprengel haben aus knapp fünfhundert Bewerbungen und mit einer Förderung von 190 000 Euro ein Festivalprogramm mit 16 Experimenten aus elf europäischen Ländern zusammengestellt. Zu sehen waren Arbeiten, die besonders visuell beeindruckten, unter anderem von den Künstlergruppen Akhe (Russland), Aura Dance Theater (Litauen) und Teatro Koreja (Italien). Teatro Koreja greift in seiner Inszenierung „Frame“ die magischen Bildwelten von Edward Hopper auf, um intime Momente ohne Worte darzustellen. Die einzelnen Szenen ergeben kurze Geschichten, die wie gemalt wirken...

Das internationale Theaterfestival Unidram lud zu seinem 25. Jubiläum in die Potsdamer Schiffbauergasse ein

Der Ölwert der Demokratie

Manchmal, sagt Eva Lange, lässt sie ihre Worte ein bisschen verspringen. „Ich sage dann: Ich bin ins Labor gegangen.“ Statt: ins Büro. Was ursprünglich nur ein kleiner Versprecher war, gefiel ihr beim Darübernachsinnen so gut, dass sie das Versehen mittlerweile mit Absicht wiederholt: „Es erschien mir sehr stimmig und augenfällig für das, was wir hier gemeinsam versuchen.“ Gemeinsam versuchen: Müsste man sich für nur zwei Wörter entscheiden, um zu erklären, welche Philosophie sich hinter der plakativ mit Ausrufezeichen versehenen Parole vom „Neustart!“ verbirgt, mit der das Hessische Landestheater in Marburg den Beginn dieser Spielzeit beworben hat, es könnten diese beiden sein. Äußerlich unscheinbar – wie das Haus in der mittelhessischen Universitätsstadt, dem als Spielstätten die Stadthalle und ein ehemaliges Offizierskasino der Bundeswehr dienen –, stehen sie für einen ungleich beachtlicheren Anspruch: vieles ganz anders machen zu wollen, als es sonst in der Theaterwelt üblich ist. Gemeinsam. Das beginnt, natürlich, in jenem „Labor“, dem Büro, in dem seit dieser Saison ein Doppelschreibtisch steht. Eva Lange und Carola Unser sitzen hier als gleichberechtigte Intendantinnen, ein bundesweit beispielloses Modell. Die beiden Chefinnen, die in anderen Rollen bereits an der Landesbühne Niedersachsen Nord in Wilhelmshaven zusammengearbeitet haben, wollen die traditionelle Alleinherrschaft meist männlicher Intendanten...

Eva Lange und Carola Unser leiten das Hessische Landestheater in Marburg seit dieser Spielzeit als Doppelspitze – und wirbeln sogleich viel Staub auf

Die Experimentierer

„Is my future all in the past“

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Als im Jahre 1929 – nur wenige Tage vor dem Sturz der Aktienkurse an den Börsen – Erwin Piscators Buch „Das politische Theater“ erschien, waren dort die eigenen Erfahrungen bei der Schaffung einer revolutionären Bühnenkunst zur Theorie gebündelt. Programmatisch war die von dem Bauhaus-Lehrer László Moholy-Nagy gestaltete Umschlagcollage: Einerseits eine Masse von Menschen mit Fahnen, Teil der kommunistischen Weltbewegung. Andererseits eine Konstruktion aus Elementen wie Treppen und Streben, an eine Weltkugel erinnernd. Alle Momente von Piscators Arbeit sind darin enthalten: die Mobilisierung der Massen und die künstlerische Konstruktion, die politische Agitation und die neuesten zur Verfügung stehenden technischen Mittel. „Das politische Theater“ war auch ein Abschluss. Denn infolge der Weltwirtschaftskrise konnte Piscator seine Experimentalbühne nicht weiterführen. Zum Theater war der am 17. Dezember 1893 geborene Piscator im Krieg gekommen, zur Politik durch die Abscheu vor demselben. 1914 eingezogen, kam er zu Eduard Büsings Fronttheater. Als es an der Zeit war, unterstützte er die Arbeiter- und Soldatenräte und trat der neugegründeten KPD bei. Die Welt sollte nicht bleiben, wie sie gewesen war, und wie sie zu sein habe, sollten künftig die Produzenten dieser Welt selbst entscheiden. Piscator gründete das Proletarische Theater und begann zu inszenieren. Zunächst Frank Wedekind. Dann Franz Jung....

Über Erwin Piscator anlässlich seines 125. Geburtstages

Ein Kämpfer für die revolutionäre Bühnenkunst

Frau Thoms, Sie haben die Kampagne „#rettedeintheater – keine Kulturwüste in Niedersachsen“ ins Leben gerufen. Wie kam es dazu? Das war sehr spontan. Bei der Mitarbeiterbegrüßung zu Beginn der neuen Spielzeit redeten unser Intendant und die Verwaltungsdirektorin ausführlich darüber, dass den kommunalen Theatern in Niedersachsen vom Kulturminister des Landes eigentlich zusätzliche sechs Millionen Euro zugesagt worden seien, dass der Finanzminister diese Zahl im Haushaltsentwurf aber wieder auf null gesetzt habe. Erst einmal hat niemand von meinen Kolleginnen und Kollegen etwas dazu gesagt. Da habe ich mich gemeldet und gefragt, ob es nicht an der Zeit sei, als Mitarbeiter aktiv zu werden und die Leitung im Kampf um die Gelder zu unterstützen. Damit ging es dann los. Welche Folgen hätte es denn, wenn es die sechs Millionen Euro nicht gäbe? In Niedersachsen sind die Zuschüsse des Landes für die kommunalen Theater schon seit sehr vielen Jahren nicht mehr erhöht worden. Weil gleichzeitig aber die laufenden Kosten kontinuierlich steigen, bedeutet das unterm Strich eine schleichende Kürzung der Mittel. Das führt dazu, dass die künstlerischen Etats der Häuser immer weiter schrumpfen. Stellen in den Bereichen Digitalisierung und Integration können nicht besetzt werden, theaterpädagogische Angebote müssen zurückgefahren werden. Von fairer Bezahlung der Mitarbeiterinnen und...

Was macht das Theater, Antje Thoms?

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Als der Film „Brassed Off – Mit Pauken und Trompeten“ über die Geschichte einer nordenglischen Bergmannskapelle 1996 auch in die deutschen Kinos kam, fand er zwar für seine auf Margaret Thatcher gerichtete Sozialkritik viel Anerkennung im Feuilleton, jedoch nur recht wenige Zuschauer. Hintergrund für den von Mark Herman mit herzlicher Anteilnahme inszenierten Film sind die Vorgänge um die teilweise brutale Deindustrialisierung und die damit zusammenhängenden Grubenschließungen, die aus der englischen Arbeiterklasse eine Unterschicht machten. Dass man den Film in verschiedenen Bergbauregionen Deutschlands gelegentlich fürs Theater wiederentdeckt, kann nicht überraschen. Doch sind die Vorzeichen hier aktuell ganz andere. Im Hambacher Forst in Nordrhein-Westfalen geht es um eine ökologisch begründete Auseinandersetzung mit der Energiepolitik, und in der Lausitz kämpft – anders als seinerzeit in England – die brandenburgische Landesregierung praktisch Schulter an Schulter mit den Kumpels für den Erhalt ihres Braunkohlereviers und gegen die Ausstiegspläne der Bundespolitik. Jörg Steinberg hat sich bei der Adaption der Bühnenvorlage von Paul Allen für das Staatstheater Cottbus nicht zu reißerischer Aktualisierung und platter Ortsübersetzung verleiten lassen. Stattdessen wird auf die Stimmigkeit einer allgemeingültigen Geschichte geachtet, in der Menschen in Umbrüchen beinahe alles, auf jeden Fall aber ihren Halt verlieren können. Auch in der Optik hält man...

Staatstheater Cottbus: „Brassed Off – Mit Pauken und Trompeten“ nach dem gleichnamigen Film von Mark Herman. Regie Jörg Steinberg, Bühne Fred Pommerehn, Kostüme Stephanie Dorn

Cottbus: Die Würde der Kumpel

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Dass sich die Naturwissenschaften spätestens seit Beginn der Moderne nicht mehr auf eine unpolitische Neutralität berufen können, veranschaulicht die inzwischen zum Klassiker avancierte Groteske „Die Physiker“ (1961) von Friedrich Dürrenmatt. Um eine zerstörerische Weltformel vor der Öffentlichkeit geheim zu halten, haben sich die titelgebenden Forscher in eine Irrenanstalt zurückgezogen. Weniger Skrupel hegt – zumindest anfangs – der Protagonist in Christoph Nußbaumeders Drama „Im Schatten kalter Sterne“. Nachdem das Start-up des Tüftlernerds Wolfgang Anders (Jonathan Schimmer) von einem großen Konzern aufgekauft wurde, begreift dieser nach und nach, dass seine zu zivilen Zwecken entwickelten Mikrodrohnen nunmehr für militärische Operationen Einsatz finden sollen. Obgleich parallel dazu auch an der Entwicklung eines „Ethik-Moduls“ gearbeitet wird, hat der moralische Damm längst Risse bekommen. Wer bei der Uraufführung in Heidelberg auf neue Einsichten jenseits der Botschaft einer gesunden Fortschrittsskepsis hofft, wird enttäuscht. Angesichts des mäßigen Textes, der nichts Neues erzählt und sich aus grobschlächtigen Figuren und Dialogen zusammensetzt, erweist es sich für die Regie als umso schwerer, eine erkenntnisreiche Realisierung vorzulegen. Bernhard Mikeska ist trotzdem eine sehenswerte, wenn auch nicht überragende Inszenierung gelungen. Besonders eine szenische Idee prägt sich dem Zuschauer ein: Nach dem Suizid seines besten Freundes Thomas begleitet Anders eine schwarzvermummte Schattenfigur. Sie heftet...

Theater Heidelberg: „Im Schatten kalter Sterne“ (UA) von Christoph Nußbaumeder. Regie Bernhard Mikeska, Bühne Steffi Wurster, Kostüme Romy Springsguth

Heidelberg: Unsichtbare Mörder

Als sich Alfred Döblin 1937 auf der Flucht vor dem Nazifaschismus befand, die ihn über Frankreich bis in die USA führen sollte, begann er ein umfassendes Prosavorhaben: „November 1918 – Eine deutsche Revolution“. Sechs Jahre später abgeschlossen, umfasste es vier Bände und über 2400 Seiten. Historische Ereignisse, fiktionale wie surreal anmutende Elemente, literarisch Experimentelles und Autobiografisches, all das ist in dem Erzählwerk versammelt. Ein sperriges Epos, das auf der Suche nach den Ursachen des Terrors der Nazis an die Anfänge der sogenannten Weimarer Republik geht. Dass „November 1918“ in der Regie von André Bücker nun als Bühnenadaption in Weimar aufgeführt wurde, mag da naheliegend erscheinen, wenn auch das Geschehen zumeist in Berlin spielt – zwischen dem 10. November 1918, nach der doppelten Ausrufung der Republik, und dem 15. Januar 1919, der Ermordung Karl Liebknechts und Rosa Luxemburgs nach der Niederschlagung des Spartakusaufstands. „Die alte Welt liegt im Sterben, die neue ist noch nicht geboren: Es ist die Zeit der Monster“, diesen Ausspruch Antonio Gramscis halte man sich für die Novembertage 1918 vor Augen. Und so beginnt der Abend auch, als sich der Vorhang hebt: Die Invaliden, Versehrten, Verwahrlosten und Verrohten, sie schleppen sich aus dem Krieg zunächst ins Lazarett und...

Deutsches Nationaltheater Weimar: „November 1918“ (UA) nach Alfred Döblin. Regie André Bücker, Bühne Jan Steigert, Kostüme Suse Tobisch

Weimar: Zeit der Monster

Wenig bleibt in Zeiten des Zweiten Weltkriegs übrig von der Liebe in einer besonderen Patchwork-Familie, die der englische Dramatiker Terence Rattigan ersonnen hat. Die arme Zahnarztwitwe Olivia hat sich nach dem Tod ihres Mannes in den Politiker und Industriellen Sir John Fletcher verliebt. Er bietet ihr ein Leben im Luxus. Als ihr Sohn Michael nach vier Jahren aus Kanada zurückkehrt, wohin ihn die Eltern wegen der Bombenangriffe geschickt hatten, platzt die Paarbeziehung, die vom ökonomischen Impuls getrieben scheint. Benjamin Hille hat das Stück, das bei der Uraufführung im Jahr 1944 „Less Than Kind“ hieß, im Theater Baden-Baden nun unter dem Titel „Herzsprünge“ zur deutschsprachigen Erstaufführung gebracht. Mit virtuoser Komödienkunst gelingt es dem Ensemble, den zeitlosen Charme des Konversationsstücks herauszukitzeln. Ein Gefühl der Antiquiertheit des Stoffes bleibt dennoch. Der englische Dramatiker, der 1911 in London geboren wurde, betreibt in der Figur des sozialistisch geprägten Sohnes Michael zu deutlich biografische Nabelschau. Als junger Homosexueller, der seine wahren Gefühle nur verdeckt ausleben durfte, litt er unter der Oberflächlichkeit des Kunstbetriebs in den vierziger und fünfziger Jahren. 2017 entdeckte der britische Starregisseur Trevor Nunn Rattigans Stück in London für die Bühne dennoch wieder. An diese Fassung lehnt Bernd Schmidt seine deutsche Übersetzung an. Die...

Theater Baden-Baden: Herzsprünge (DSE) von Terence Rattigan. Regie Benjamin Hille, Ausstattung Hannes Hartmann und Leonie Mohr

Baden-Baden: Der Schwachsinn liegt im System

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Die Welt ist in einem schlechten Zustand. Darüber bedarf es im Theater keiner Aufklärung mehr. Beim 29. TheaterFest des Agora Theaters im belgischen St. Vith werde ich als Zuschauerin daher vielmehr dazu angeregt, endlich selbst aktiv zu werden, für die Welt, für das Theater und für mich nach einem Ausweg zu suchen. Programmatisch in diesem Sinne war bereits die Eröffnungsvorstellung: „Axe“ von und mit Agnès Limbos (Cie Gare Centrale) und Thierry Hellin (Une Compagnie). Ein älteres Ehepaar, zwei Plutokraten, sitzt im Ambiente aus besseren Tagen am Tisch und versucht Haltung zu bewahren, obwohl der Tee längst getrunken ist und sie sich nichts mehr zu sagen haben. Draußen tobt Krieg. Sie ignorieren, was außerhalb ihrer bröckelnden Wände passiert. Schreie einer Vergewaltigung sind zu hören, doch werden sie von den beiden durch Erinnerungen an bessere Zeiten überspielt. Dennoch: Irgendwann erfasst der Krieg auch die beiden Alten, und sie „werfen“ Bomben in Richtung Publikum. Von einem internationalen Gericht wegen Kriegsverbrechen und Menschenrechtsverletzungen angeklagt, bekennen sie sich nicht schuldig. Dieses absurde Spiel am Rande des Abgrunds meistern die beiden Darsteller mit der Genauigkeit, mit der sie ihr sinnentleertes Tun auf der Bühne behaupten, auf dem Seil der Erinnerungen buchstäblich tanzend. Zwei Inszenierungen nutzten Filme...

Das TheaterFest des Agora Theaters im belgischen St. Vith ruft dazu auf, sich in schwierigen Zeiten wieder der eigenen Handlungsspielräume zu vergewissern

Obwohl der Tee längst getrunken ist

Lässt sich mit Eugène Ionescos absurdem Theater heute noch Begeisterung entfachen? Vor dem Start von Jan Philipp Gloger als neuem Schauspieldirektor am Staatstheater Nürnberg schien das in etwa so wahrscheinlich wie die Möglichkeit, dass ein Stein Feuer fängt. Glogers Vorhaben, mit einem Ionesco-Abend loszulegen, wirkte geradezu aberwitzig wagemutig. Doch das Risiko wurde belohnt. Nach diesem Auftakt glimmt nicht nur das Interesse an Ionesco wieder auf. Vor allem ist man Feuer und Flamme für die neue Nürnberger Mannschaft, die sich unter der neuen Generalintendanz von Jens-Daniel Herzog zusammengefunden hat. Um zu untersuchen, wie sich das absurde Theater zu unserer immer absurder erscheinenden Welt verhält, hat Gloger zwei Ionesco-Stücke zu einem Abend kombiniert, der unter der Überschrift „Ein Stein fing Feuer“ Ende September Premiere feierte. Der Titel ist ein Zitat aus „Die kahle Sängerin“. Er steht dort in einer langen Reihe skurriler Sätze wie etwa der Frage nach der Titelheldin: „Was macht die kahle Sängerin?“ Antwort: „Sie trägt immer noch die gleiche Frisur!“ Doch statt der kahlen Sängerin, die nur einmal erwähnt wird, aber nie auftritt (erst am Ende des Abends schaukelt sie kurz an der Decke), begegnen wir dem Ehepaar Schmidt, das in Nürnberg in einem Schöner-Wohnen-Zuhause im IKEA-Look lebt (Bühne...

Jan Philipp Gloger entfacht bei seinem Start als Schauspieldirektor am Staatstheater Nürnberg nicht nur Begeisterung für Ionesco, sondern auch für das neue Team

Feuer und Flamme

Die Waschmaschine exakt auf Kante unter dem Herd, gleich daneben Staubwedel und Spülschwämme in schönster Geometrie. Wäre die Welt derart geordnet wie in dem Bühnenbild von Marie Roth zu Jan Philipp Glogers Ionesco-Abend „Ein Stein fing Feuer“, wäre alles, so glauben es zumindest die Bewohner dieses Interieurs, in bester Ordnung. Gloger hat, wie Christoph Leibold berichtet, zu seinem Einstand als neuer Schauspieldirektor am Staatstheater Nürnberg eine Feier des Absurden zelebriert,...

Editorial

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Der Sinn des Lebens scheint Unsterblichkeit zu sein. Wer religiös ist, strebt nach dem ewigen Leben im Jenseits oder, je nach Glaubensgusto, nach der Wiedergeburt im Diesseits. Wer Kunst schafft, will in seinen Werken weiterleben. Und wer den Tod lieber ganz real überwinden will, der kann heutzutage auf die rasanten Fortschritte von Wissenschaft und Medizin hoffen. Manchmal aber ist Unsterblichkeit auch nur eine Frage guten Marketings. Wie bei Franz Schuberts „Schwanengesang“ zum Beispiel. Der Liederzyklus zählt heute zu den bekanntesten Werken des romantischen Komponisten. Doch Schubert selbst hatte wohl gar nicht vor, seine Vertonungen von 14 um Tod und Trennungsschmerz kreisenden Gedichten Heinrich Heines, Ludwig Rellstabs und Johann Gabriel Seidls zu einem Zyklus zusammenzustellen. Auf die Idee kam erst sein geschäftstüchtiger Verleger, nachdem der Künstler 1828 im Alter von nur 31 Jahren gestorben war. Schubert hatte die Lieder sämtlich in seinem Todesjahr geschrieben, das passte, das ließ sich verkaufen. Unsterblichkeit also. Am Deutschen Theater in Göttingen konfrontiert der Schauspieler, Musiker und Regisseur Christian Friedel die Melancholie des „Schwanengesangs“ mit, ja: Humangenetik. Das Licht im Saal ist noch eingeschaltet, da betritt ein Herr im eleganten braunen Dreiteiler die Bühne. Hornbrille, Bart, das graue Haar ein wenig zu lang: der Wissenschaftler Prof....

Deutsches Theater Göttingen: „Schwanengesang“ nach Franz Schubert. Regie Christian Friedel, Bühne Alexander Wolf, Kostüme Ellen Hofmann

Göttingen: Multimediale Materialschlacht

Große Schauspieler schaffen um sich ein Fluidum. Man erwartet von ihnen eine Vervielfältigung von Ausdrucksvermögen, die Kraft zur Überwältigung noch in der kleinsten Geste ihres Spiels. Horst Schulze war vor allem in den sechziger und siebziger Jahren solch ein prägender Schauspieler, sowohl auf der Bühne als auch im Film. Die Bühnenauftritte sind Legende, die Filme aber kann man immer wieder anschauen. Gefährliche Erfolge waren darunter, wie die großen Rollen, die man ihm bei der DEFA gab: Karl Liebknecht in „Solange Leben in mir ist“ und „Trotz alledem!“ (1966) von Günter Reisch vor allem. Dann folgten die kommunistischen Großepen „Hans Beimler, Kamerad“ und „Ernst Schneller“. Andere Schauspieler wären unter der ideologischen Last dieser Rollen zusammengebrochen (und sind es auch, wie der fabelhafte Günter Simon in Kurt Maetzigs Thälmann-Filmen). Nicht so Horst Schulze. Er spielte die Heroen der kommunistischen Bewegung mit einer Noblesse, die verblüffte. Horst Schulze, 1921 als Sohn eines Dresdner Arbeiters geboren, mit sechzehn Jahren Autoschlosserlehrling, wechselte dann als Autodidakt zum Theater, zu Oper und Musical. Im Theater (unter anderem in Weimar) waren es vor allem klassische Rollen, die er spielte, von Franz Moor, Hamlet, Posa bis Wallenstein – an der Berliner Staatsoper sang er den Papageno, am Metropoltheater den...

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