Einer schleicht sich an, hat ein Gewehr, führt etwas im Schilde. An der Rampe sitzt Jens Harzer als Nikolaj Alexejewitsch Iwanow, er hält ein Buch in der Hand, scheint kurz davor, einzuschlafen. Der sich da anschleicht, ist der ständig besoffene Gutsverwalter Borkin. Nähergekommen, zielt er auf seinen Herrn, will ihn ein bisschen erschrecken, weiter nichts. Harzer zuckt zusammen, aber er behält ganz und gar die Contenance. Keine Empörung, kein Aufschrei, nur ein müdes Lächeln. Dies ist der stumme, fabelhaft komische Auftakt der Tschechow-Inszenierung von Johan Simons. Der weitgereiste Kritiker der Frankfurter Allgemeinen Zeitung schrieb, dieser „Iwanow“ sei die einzige Aufführung der Spielzeit, die man unbedingt gesehen haben müsse. Das war ein paar Wochen vor Corona. Borkin ist Thomas Dannemann, der 2005 bei Jürgen Gosch Macbeth und vorher den Bassow in den „Sommergästen“ gespielt hat. Wer es sich leisten kann, einen superben Spieler (und auch Regisseur) wie Dannemann in einer, nun ja, Nebenrolle zu besetzen, der schöpft offensichtlich aus dem Vollen. Zusammen mit Martin Horn und Bernd Rademacher bildet Dannemann ein veritables Männertrio, lauter Nichtsnutze, vom müden Iwanow erduldet, jedoch nicht ernst genommen. Anders als der junge Arzt Lwow, der heimlich in Iwanows kranke Frau verliebt ist und sich über die...

Divers, aber nicht divergent und in jeder Hinsicht außergewöhnlich – Das mit dem Martin Linzer Theaterpreis ausgezeichnete Ensemble des Schauspielhauses Bochum im Porträt

Die Spieler

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

Im Frühjahr 2003 besuchte ich Wolfgang Utzt in der Maskenbildnerei des Deutschen Theaters Berlin. Es war seine letzte Spielzeit. An der Wand der rotgeschminkte Mund von Inge Keller in Großaufnahme, auf dem Tisch ein Bildband von Francis Bacon. Zu jeder Premiere schenkte er sich einen neuen Band. Nun war es eine ganze Bibliothek geworden. Denn Utzt hatte 1960 als Praktikant am Haus angefangen. Da war er neunzehn Jahre alt. Aus dem Lautsprecher kamen Ansagen für die Schauspielstudenten, auf die Bühne zu kommen. Die waren in Dimiter Gotscheffs „Tod eines Handlungsreisenden“ ein Chor der gierigen Yuppies mit weißen Hemden und schwarzen Zungen im toten Gesicht. Irgendwann sagte einer von ihnen, Masken wären doch gar nicht mehr in Mode. Mode? Bei solchen Worten konnte sich der freundliche Patriarch, der Utzt war, in einen strafenden Gott verwandeln. Wenn er Glück hatte, kam der Ahnungslose mit einem Vortrag über die Rolle der Maske in der Geschichte des Theaters davon. Theater ist die spielgewordene Maske! Die Maske nimmt dem Schauspieler sein Gesicht. Das weckt in ihm berechtigte Ängste. Aber sie gibt ihm dafür auch ­etwas zurück: fremde Gesichter, die er ausprobieren kann. Aber diese sind nicht ausgearbeitet, holen sich das Besondere aus dem Allgemeinen, nicht...

In memoriam des großen Maskenbildners Wolfgang Utzt

Der Magier des Augenblicks

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

„Gibt es eine afrodeutsche Thea­tergeschichte?“ Die Theatermacherin und Autorin Simone Dede Ayivi stellt Fragen. Keine einfachen, sondern durchaus kom­plexe, die Einfluss auf ein zukünf­tiges Denken über das Theater haben könnten. Ayivi wurde 1982 in ­Hanau geboren und studierte Kulturwissenschaften und ästhetische Praxis an der Universität ­Hildesheim. Dort schloss sie ihr ­Diplom mit einer Arbeit über „Schwarze (Selbst-)Repräsentation im deutschen Theater“ ab. Gleichzeitig zog sie nach Berlin, um zu schreiben, zu inszenieren und weiterzuforschen. Ayivi denkt nach, will sich ständig weiterbilden und selbst befragen. „Manchmal habe ich zuerst einen Satz im Kopf. Manchmal ein Bild. Danach entscheidet sich, welches Format ich wähle.“ Schreiben ist dabei mindestens genauso wichtig wie Theater. Wenn es sich nicht sowieso verschränkt. Ayivi publiziert Beiträge über Häuserkämpfe und zur Kritik des Rassismus. Sie schreibt für die taz, die Zeit und das Missy Magazine oder verfasst persönliche Essays zum Thema Heimat und Ausschluss in Sammelbänden wie „Eure Heimat ist unser Albtraum“. Recherche und Dokumentation sind Ayivis Leidenschaften, auch hat sie einen Blick auf aktuelle gesellschaftspolitische Debatten und widerständige Bewegungen. Zu sehen war das besonders in ihrer Produktion „Solidaritätsstück. Ein strömungsübergreifender Protestbrief“, die 2019 in den Berliner Sophiensælen uraufgeführt wurde. Im gemeinsamen Chor mit ihren „Kompliz*innen“ werden gesellschaftliche Missstände...

Die Theatermacherin Simone Dede Ayivi erzählt aus einer persönlichen, schwarzen und feministischen Perspektive

Die eigene Geschichte schreiben

Meldungen

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Der grüne Grashelm hat Dich ausgestochen. Ezra Pound, Canto LXXXI KATARRHSIS Die Stadt ist ruhiggestellt wie ein Pestpatient Ein Morgenfrieden bis Mitternacht Entmenschte Straßen, wie befreit von der Krätze Der Kunden. Der Senat schließt die Kneipen zu Die Stadien verwaisen BLEIERN UNION. Die Museen Den Marmor- mumien, die Theater den Geistern HALT. WER DA / NEIN, ANTWORTE DU MIR Nicht vor Publikum, nicht in dieser Saison. Platzangst Flachatmung Katarrh im Kulturbetrieb, einmal All dem (Unfug) Einhalt gebieten EIN JAHR OHNE KUNST So kommt Ruhe ins Verfahren, ihr Dilettanten. Auch die Tafel ist dichtgemacht, eine Schutzmaßnahme Aber having non (Habenichtse) hath no care to defend it. Die Kanzlerin rät von sozialen Kontakten ab. Streifenwagen schaun nach ob noch Leben ist Was haben Sie 2020 gemacht? – Die Hände gewaschen Kein Shakehands, doch vorsichtshalber der deutsche Gruß. Der HErr zieht den Finger zurück in der cappella sistina Damit er sich nicht ansteckt in der Risikogruppe Der Überalten, jeder vierte (Gott) stirbt. Ein Schatten streift dich bloß, ein fahler Hauch Touchiert deine Lungen, du atmest durch Im Anthropozän The scientists are in terror And the European mind stops (Canto CXV) China schwitzt das Übel im Schwitzkasten aus Ein Unterarmwürgegriff (: in...

Große Fuge. Aggregat K

In den letzten Jahren wurde beim Bemühen um eine ergiebigere Anpassung des Politischen ans Wirtschaftliche das Gesundheitswesen nahezu komplett privatisiert. Vermutlich gedacht als humanitär erscheinende, soziale Verbesserung im marktwirtschaftlichen System. In Wirklichkeit die Umwandlung sozialer Einrichtungen in Orte rücksichtsloser Ausbeutung. Die folgenden Jahre wurden Wirtschaftsblütenjahre und so vorzeigbarer Beweis für den angeblichen Erfolg der vorausgegangenen Regulierungen. Die Stimmung im Land ist in dieser Zeit dementsprechend: Es gibt zehn Prozent Dauergewinner mit kontinuierlich steigender Gewinnzufuhr. Stimmung: permanente Akkumulation von Wohlbefinden. Es gibt um die sechzig Prozent, die weder gewinnen noch verlieren. Stimmung: allmähliche Anhäufung von Frust. Und es gibt die, die teils zu Recht, teils eher gefühlt glauben, Verlierer zu sein, weil sie Gewinner nie waren und weil über die ungleiche Verteilung plötzlich wieder geredet wird. Stimmung: explosiv gewordene Unzufriedenheit. Auf dem Höhepunkt dieser Wirtschaftsblütenzeit strömen urplötzlich Fremde ins Land, nicht unaufhaltsam, nur un-aufgehalten, und verkörpern perfekt den gesuchten Sündenbock für die immer spürbarer werdende Ungleichheit in der Gesellschaft – und verpassen dabei, buchstäblich im Vorbeigehen, dem gerade erfolgreich restaurierten alten System ein neues politisches Gesicht: eines mit erkennbar alten Runzeln, wie Runen so schräg. Die darauffolgenden Positionierungskämpfe „Wer ist der bestgetarnte Nazi im Land“ um Wählerstimmen von Flüchtlingsfeinden und jeder...

Wird die Politik beim Klima künftig ebenso konsequent handeln wie bei Corona?

Seuchenbekämpferheldentum

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

In der derzeitigen Coronakrise bin ich mit vielen Politikern d’accord. Wir mussten die Theater schließen. Und ich finde es gut, dass viele Leute da mitgehen und dieses Tücherl vor der Nase tragen, auch wenn es manchmal furchtbar ist. Auch in meinen demokratischen Rechten fühle ich mich nicht eingeschränkt. Ich kann weiter nachdenken, mich öffentlich äußern. Letztlich aber habe auch ich es nicht mehr ausgehalten. Man sitzt am Schreibtisch und fragt sich: Wie geht es weiter? Wie sieht die neue Normalität aus, die Vizekanzler Olaf Scholz ins Leben gerufen hat? Wie für das Theater? Wenn ich vorgestern Rheinland-Pfalz’ Ministerpräsidentin Malu Dreyer sagen höre: Ja, für das Theater werden wir auch noch eine Lösung finden – im Herbst, war klar: Wir müssen warten. Die Kultur wird totgeschwiegen. Und das geht nicht! Ulrich Matthes hat vor zwei Tagen gesagt, er laufe auf seelischem Notaggregat. Genauso geht es mir. Und wenn unsere Wartezeit sogar sieben Monate dauern soll, dann brennt dieses Notaggregat bei mir durch. Also haben wir uns gesagt: Wir müssen eine Idee entwickeln. Das Internet haben schon viele gefunden, und ich ­finde das auch total spannend. Ich aber will nicht ins Internet, ich bin zu sehr analog. Ich will spielen. Ich will...

Wir müssen die neue Normalität selbst schaffen – Ein Aufruf

Spielen!

Menschliche Tragödien löst Covid-19 aus, sorgt für existenzielle Dramen – und ist für alle, die das Glück hatten, sich noch nicht zu infizieren, zumindest ein Trauerspiel, denn nur ein Heilmittel scheint gesellschaftlich wirksam: sich sozial und damit körperlich fernzubleiben. Wenn jeder Schritt, jede Geste aufeinander zu kritisch beäugt wird, jedes leidenschaftliche, vielleicht laut und feucht gesprochene Wort nur im Abstand von einigen Metern möglich ist, herrscht auch in den Theatern dystopischer Naturalismus. Nichts geht mehr. Also ab mit den Inhalten in den virenfreien virtuellen Raum, wo Künstler mit Künstlern und Publikum vorschriftsmäßig kontaktlos umgehen können. Dort weiterhin Texte mit Schauspielern zu inszenieren, haben aber nur wenige Theater den Mut. Muss doch 3-D-Bühnen- in 2-D-Monitorkunst umgeswitcht werden. Theaterregisseure sind aber keine genuinen Filmregisseure, was auch umgekehrt gilt, und die stadttheatereigenen Videoteams häufig auch eher Techniker denn Künstler. Aber warum nicht jetzt Quereinstiege versuchen? Theatrale Selbstermächtigung in neuer digitaler Ausprägung! Noch ganz viel Theater spürbar ist bei Antú Romero Nunes. Um die Premiere seiner „Ode an die Freiheit“ nicht ganz ausfallen zu lassen, hat er die letzten Proben vor der Schließung des Thalia Theaters in Hamburg mit Kamerabegleitung fortgesetzt. „Maria ­Stuart“, der erste Teil des geplanten Schiller-Triptychons, ist ein ­frech-fröhlich-furioser Schlagabtausch zwischen...

Digitales Theater II: Splitscreenfilm, Web-Serien und Videokunst

Der Coronazeitmensch

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Theaterprodukte in den digitalen Raum zu werfen, ist gar nicht so schwierig. In Lockdown-Zeiten wurden Webbrowser kurzerhand zu Schaufenstern eines ganzen Archipels von Theatermuseen. Was wurde nicht alles ins Netz geschaufelt, was jahrelang auf Festplatten und Videokassetten gespeichert war, ohne dass je ein menschliches Auge von den Inhalten Notiz genommen hätte? Als Hinweis auf die Relevanz von Theatermuseen war diese Streaming-Praxis sicherlich gut. Die Stärken des Theaters verloren sich aber dabei. Emotionen durchdrangen nur selten die neue vierte Wand von Computerbildschirm und Smartphone-Oberfläche. Gelang dies doch, so war es meist das Werk von Künstlerinnen und Künstlern, die nicht aus purer Vorstellungsabsagenot ins digitale Wasser gesprungen waren, sondern die sich schon länger mit virtuellen und Onlineformaten auseinandergesetzt hatten. Ganz stoisch, ohne sich von Corona beeinflussen zu lassen, zog etwa die Gruppe Onlinetheater.live ihren Projektfahrplan für ­„Hyphe“ durch. Ein Jahr lang dauerte die Produktion dieses Multiplayer-Theater-Games, mehrere Monate nahm allein die Programmierung der Chatplattform in Anspruch. Zugang erhielt man über einen Login an einem herkömmlichen Webbrowser. Ein Countdown zählte die Minuten zum Start herunter – und dann war man in einen kleinen Pilz verwandelt und sollte rhizoma­tische Beziehungen mit anderen Pilzen eingehen. Das tat man auch, und verfolgte über eine Karte, wie...

Digitales Theater I: Chat-Games und VR-Erlebnisse

Heimisch werden auf der digitalen Bühne

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Die schönsten Geschichten über das Theater schreibt das Leben selbst. So erreichte die Redak­tion, kurz nachdem bekannt gegeben wurde, dass das Schauspielhaus Bochum der diesjährige Preisträger des Martin Linzer Theaterpreises ist, ein Anruf aus Bochum. Ein älterer Herr teilte uns am Telefon seine Freude über die Auszeichnung mit. Seit Jahrzehnten besucht der 86-Jährige mit den Nachwuchsmannschaften des VfL Bochum die Vorstellungen des Theaters. Alles begann mit einer Sportfreizeit auf dem...

Editorial

Wir haben Ressourcen entwickelt, um Sie in diesen schwierigen Zeiten zu unterstützen.“ Mit diesem karitativ verpackten Werbeslogan wirbt das US-amerikanische Softwareunternehmen Zoom neuerdings um Kunden. Das Konferenztool, das vor der Coronakrise nahezu unbekannt war, hat sich trotz Datenschutzmängeln seitdem tief in unseren Alltag eingeschrieben. Der Homo zoomoticus blickt uns regelmäßig aus vier, sechs, zehn oder auch sechzig Splitscreens entgegen, als habe er sich mit seinem Entstehen zeitgleich selbst im handlichen Format archiviert. Das Rastermuster erzeugt Nähe. Oder gibt es nur vor, wirklich da und wirklich nah zu sein? „Cathy? Can you hear me?“ Dieser Satz zieht sich wie ein melancholischer Refrain durch die dreiteilige Internetserie der britischen Performancegruppe Forced Entertainment. Wir sehen Claire Marshall, Cathy Naden, Robin Arthur, Terry O’Connor, Richard Lowden und Tim Etchells im – wer hätte das gedacht – Splitscreen irgendwo bei sich zu Hause sitzend. Gähnend langweilig, würde nicht nahezu unmittelbar ein seltsamer Sog von den sechs Performern ausgehen. „Der Grund, warum ich diese Perücke trage“, murmelt Marshall in ihre Kamera und streicht sich über ihr weißes Haar, „ist der, dass ich vorgebe, in Quarantäne zu sein und das seit wirklich sehr langer Zeit.“ Mit diesem schräg im Raum schwebenden Satz ist der Ton dieses sonderbaren...

Digitales Theater III: Zoom-Theater und Medienkritik

Can you hear me?

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Jetzt ist alles politisch

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Was wäre das Theater nur ohne Streit und Konflikt – auch ohne Happy End!? Das war schon in der antiken Tragödie als kritische Diagnose einer Gesellschaft gemeint, die falsche Gegensätze statt vernünftiger Aus­einandersetzung hervorbringt: Kreon hält Antigone für eine Irre und sie ihn für einen Tyrannen. Der Rest ist bekannt. Das Theater aber kann unterschiedliche Beweggründe verständlich machen. Warum fühlt sich beispielsweise der eine in der körperlichen Unversehrtheit, der andere aber in der politischen Freiheit bedroht? Und warum führt das zu einem Konflikt, in dem man sich gegen­seitig des Wahns bezichtigt? So tummeln sich vor der Berliner Volksbühne seit Wochen Menschen auf „Hygienedemos“ der Kommunikationsstelle Demokratischer Widerstand. Die Gruppe mit dem hochtrabenden Titel kommt aus dem Umfeld des Hauses Bartleby und der ehemaligen Volksbühnenbesetzer. Während die Widerständler damals als Kritiker einer neoliberalen Kultur- und Stadtpolitik vom Feuilleton bejubelt wurden, sind sie nun gar nicht mehr gut gelitten. Obwohl die No-Budget-PR-Profis alles wie immer machen. Über deren Beweggründe kann man ebenso diskutieren wie über deren übersteigerte Selbststilisierung. Wenn jedoch die ­Regierung Gesundheitspolitik per Grundrechtseinschränkungen zu betreiben gedenkt, die Überwachung verstärkt, die Öffnung von Möbelhäusern für wichtiger erachtet als die Versammlungsfreiheit und prompt die Militär- statt die Gesundheitsausgaben erhöht, dann muss man...

Geschichten vom Herrn H.: Ferndiagnose

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Was folgt

Rechnung an Theater der Zeit

Theater der Zeit vergibt jedes Jahr im Juni einen Theaterpreis. Er ist Martin Linzer gewidmet, der gemeinsam mit Herbert Ihering, als dessen Schüler er sich begriff, einer dezidiert linken Theaterkritik im 20. Jahrhundert den Weg ebnete und bis ins beginnende 21. Jahrhundert unverwechselbar ausschritt: haltungsstark, beobachtungsscharf und stilsicher. Martin Linzer, der 2014 verstarb, hinterließ eine noch heute klaffende Lücke, für uns wie für das Theater, das er liebte, ohne sich ihm aufzudrängen. Präsent ohne Attitüde, schrieb er mit intellektueller Wachheit und Noblesse seine Theaterkritiken, oft an den Hauptstraßen des Theaterbetriebs vorbei im vermeintlich Kleinen das Große entdeckend. Er tat das 57 Jahre lang für unsere Zeitschrift. So ehren wir ihn und danken ihm, indem wir uns auf seine Spur begeben. Mit Vernunft und ohne Besserwisserei, aber mit deutlichem Bezug aufs Wirkliche. Dieses zu suchen soll der Anspruch des Preises sein, den wir, gemäß dem Votum eines jährlich wechselnden Alleinjurors von Theater der Zeit, jeweils einem Ensemble oder einer freien Gruppe zuerkennen wollen, dabei einen weiten Theaterbegriff ausschreitend. // Wer Preise vergibt, tut Urteile kund. Man möchte mitteilen, was man für außerordentlich und gelungen hält. Dass der diesjährige Martin Linzer Theaterpreis an das Schauspielhaus Bochum und sein Ensemble geht, hat...

Laudatio auf das Schauspielhaus Bochum zur Verleihung des Martin Linzer Theaterpreises 2020

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Es ist Februar, Winterferien in Sachsen. Das Leipziger Theater der Jungen Welt (TdJW) gehört wieder einmal Kindern und Jugendlichen, die in allen Räumen ihrer Fantasie freien Lauf lassen und an Utopien arbeiten. Eines dieser spielerischen Projekte, für die sich die Führungsriege auch mal hinter die Zuschauerpodesterie ver­krümelt, um die Presse zu empfangen. „Finale, oho!“ steht auf der Einladung. Von einem Finale kann man in der Tat sprechen. Jürgen Zielinski, 1953 im Ruhrgebiet geboren, verlässt nach 18 Jahren als Intendant das TdJW. Er hat das älteste deutsche Kinder- und Jugendtheater geprägt, das bei seinem Antritt nicht einmal ein Haus hatte und wegen eines Brandes im Zirkuszelt spielte. Und er hat die oft skeptische Sicht auf Kinder- und Jugendtheater verändert. Weil er nicht akzeptiert, dass es als künstlerisch zweitrangig betrachtet wird. Gutes Theater ist gutes Theater, egal auf welcher Bühne. Wer dabei zuschauen will, wie Zielinski die Galle aufsteigt, kann ruhig mal das Gegenteil behaupten. Die Pressekonferenz nun verkündet das große Abspielen. Winnie Karnofka, seit 2013 Dramaturgin am Haus, tritt Zielinskis Nachfolge an und braucht Raum für ihren Spielplan. Logisch, aber ganz so pragmatisch läuft das in der Praxis nie ab. Das Abspielen wird zur sentimentalen Abschiedsstrecke – und ausgerechnet die fällt...

18 Jahre lang entwickelte Intendant Jürgen Zielinski das Theater der Jungen Welt in Leipzig zu einem Haus, das ganze Fußballjugendmannschaften anzog – nun feierte er seinen Abschied

Volkssport meets Volkstheater

Prolog Bilanzartikel zum Ende einer Intendanz lesen sich manchmal wie Nachrufe. Will eigentlich keiner, lässt sich aber nicht immer vermeiden. In diesem Fall zumindest nicht. Dabei schien der „Verstorbene“ bei bester Gesundheit, er hatte sich, obwohl zwischenzeitlich schwer angeschlagen, blendend erholt. Und dann das: plötzlicher Theatertod durch Corona. Mitte März 2020. Gerade wurden die Theater dichtgemacht, man darf aber noch Menschen treffen. Ein Interview mit Matthias Lilienthal in seinem Intendantenbüro. Bis zum 19. April, heißt es damals, soll die Schließung dauern. Lilienthal glaubt schon im März nicht dran: Best-Case-Szenario für die Rückkehr zum Spielbetrieb sei Ende Mai. Und dann ergänzt der Mann, der nicht unbedingt als Leisetreter ­bekannt ist, fast kleinlaut: „Ich würde mir wünschen, dass wir ­wenigstens noch einen Monat vor Livepublikum spielen dürfen.“ Die Hoffnung stirbt zuletzt. Akt I Wären die fünf Münchner Lilienthal-Jahre ein Fünfakter, welcher Gattung wären sie zuzurechnen? Der Tragödie? Nein, dafür haben sie zu viel Spaß gemacht. Der Komödie? Auch nicht, es fehlt das Happy End. Der Groteske? Manche Diskussionen um das Haus waren bizarr, aber der Leistung dieses Theaters würde diese Klassifizierung nicht gerecht. So könnte man noch endlos Genres ins Feld führen, passend wären alle ein bisschen – aber so richtig ­keines....

Großes Drama, aber kein glückliches Ende – Ein Rückblick in fünf Akten auf die Intendanz von Matthias Lilienthal an den Münchner Kammerspielen

Durcheinander? Diversität!

Magisch und anders

Es gibt Klischees, die haften einem lebenslang an. Bei Otto Mellies war es das des kultivierten Sprechers, der eine gediegene Klassikeratmosphäre erschafft. Schuld daran ist vielleicht sein Ferdinand in Martin Hellbergs DEFA-Film „Kabale und Liebe“ von 1959. Ulrich Mühe wusste, nachdem er Mellies als Ferdinand erlebt hatte, dass er nur eins werden wollte: Schauspieler. Er sprach von jener Szene, in der Ferdinand in aufsteigender innerer Unruhe durch den Nebel geht. Das habe ihn erschüttert. Ich sah mir daraufhin den Mitschnitt an und wartete auf den Nebel. Er kam nicht, aber irgendwo musste er doch sein? Was Mellies auszeich­nete, war die Klarheit des Ausdrucks bis dorthin zu treiben, wo sich alles wieder vernebelte. Wo aus den ­Antworten die Fragen hervorschossen. Kein Pathos ohne Abbruch des hohen Tons, Einbruch des ratlosen Schweigens. Nein, Mellies suchte nicht den Effekt, sein Ausdruck kam aus den Tiefen seiner Figuren. Er konnte deren innerer Zerrissenheit mit Haltung begegnen. Mellies gehörte zu den Schauspielern, die noch Wolfgang Langhoff in den fünfziger Jahren ans Deutsche Theater geholt hatte. Er entsprach dessen Ideal eines jungen Helden (wie auch etwa Horst Drinda). Der Kommunist Langhoff kam aus dem KZ, er wusste, was ein echter und was ein falscher Ton war...

Ein Nachruf auf den Schauspieler Otto Mellies

Klarsicht im Nebel

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Auf dem geteilten Bildschirm sind fünf Schauspielerinnen und Schauspieler mit Schutzmasken zu sehen. Nach wenigen Augenblicken nehmen sie ihre Mund- und Nasen­bedeckung ab, lesen aus Sören Hornungs „Arche Noa – Das Ende vom Schluss“. In dem Drama geht es um einen Nebel, der alle Menschen tötet. Die letzten Überlebenden haben sich in einem Supermarkt versammelt. „Diesem Nebel ist es egal, woher wir kommen und wer wir sind“, sagt Simone, die Aushilfe. In der zerfallenden Welt hat sie plötzlich Macht über Supermarktregale und Menschen. Mit dem Stück hat Hornung den diesjährigen Chemnitzer Dramatikerpreis gewonnen. In dem dystopischen Text gibt er einer Genera­tion eine Stimme, die den Boden unter den Füßen verliert. Lange bevor die Coronakrise die Welt veränderte, schrieb der junge Autor sein Endzeitdrama, das in diesem Jahr als eines von sechs deutschsprachigen Stücken für den Heidelberger Stückemarkt nominiert war. Wie so viele Festivals fiel auch dieses der Pan­demiebekämpfung zum Opfer. Stattdessen übertrug das Theater und Orchester Heidelberg die Lesungen der Nominierten über die Festival-Homepage per Stream. Obwohl das reibungslos klappte, war die Netzversion letztlich nur Ersatz. Für den Intendanten ­Holger Schultze dennoch ein Kraftakt, da auch gemeinsame Proben im Theater nicht möglich waren. „Zumindest dieses Herzstück des Wettbewerbs wollten wir...

Der Heidelberger Stückemarkt betritt mit virtuellen Lesungen Neuland – was leider kein Ersatz für eine umfassende Förderung von Autorinnen und Autoren ist

Dramatik in Zeiten der Unsicherheit

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

„Das Problem des Schriftstellers, überhaupt des Künstlers, ist doch, daß er sein ganzes werktätiges Leben versucht, auf das poetische Niveau seiner Träume zu kommen.“ So hat Heiner Müller die Herausforderungen künstlerischer Arbeit auf den Punkt gebracht, woran die Romandebütantin Marina Frenk anknüpft. Traumerzählungen sind es, die sich durch ihr kürzlich im Wagenbach Verlag erschienenes, collagenhaft angeordnetes Prosawerk „ewig her und gar nicht wahr“ ziehen. Die Autorin macht nicht den peinlichen Fehler, die Träume als bloßes Werkzeug für Erklärungen der Handlung zu nutzen, sondern sie schafft mit ihnen symbolträchtige, eigenständige Miniaturen innerhalb dieses – ohnehin an Bildern überreichen – Romans. Im Zentrum des schmalen, aber vielschichtigen Buchs steht Kira, eine junge bildende Künstlerin, die man wohl zu Recht als Grenzgängerin bezeichnen kann: Als russische J­üdin in Moldawien geboren, wird sie mit ihrer Familie schnell zum Opfer der falschen Freiheitsverheißungen, die mit dem Zerfall der Sowjetunion einhergehen. Der Weggang nach Deutschland ist die Folge. Kira bewegt sich zwischen künstlerischem – und auch kommerziellem – Erfolg und Selbstzweifel. Hinzu kommt eine überfordernde persönliche Lage – aus Mutterschaft, Eifersucht, erlöschender Liebe und Sehnsucht. Die Schlaglichter auf die bewegte Vergangenheit und Gegenwart der Hauptfigur werden ergänzt durch Einblicke in die Familiengeschichte, die in ihr fortwirkt:...

Marina Frenk: ewig her und gar nicht wahr. Verlag Klaus Wagenbach, Berlin 2020, 240 S., 22 EUR.

Zerrissene Träume

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Masken

Derman sendedir

Gründung einer Akademie der darstellenden Künste in München

Aus linker und zudem marxistischer Sicht erscheint Moral verdächtig. Sie hat zunächst nichts mit den materiellen Bedingungen zu tun, um die es bei der wirklichen Veränderung der Welt gehen soll. Wo bleibt denn da die Basis? Moral ist nur Überbau, also Luftschloss. Aus einer ebenfalls linken Sicht ist aber das ­Moralische nicht einfach disqualifiziert. Die kritische Perspektive kann auf Moral nicht verzichten. Denn es gibt kein Jenseits der Moral, wie es keine Unabhängigkeit von der Eingebundenheit in den gesellschaftlichen Gesamtzusammenhang geben kann. Moral ist von den jeweiligen historischen Bedingungen und dem jeweiligen Standpunkt innerhalb der Gesellschaft abhängig. Auch die jeweilige Gegenmoral ist moralisch. Es gibt keine universelle Moral. Es gibt Moral, die dem jeweiligen Standpunkt nützt, die einen bestimmten gesellschaft­lichen Zustand stützt oder eben nicht. Die bürgerliche Leistungsmoral nützt der Hartz-IV-Empfängerin nichts, wohl aber dem Kapitalismus. Selbst diejenigen, die Jobs haben, können durch die Drohung der Arbeitslosigkeit kleingehalten werden. Konkurrenz und Scham verhindern Solidarisierung – alles bleibt beim Alten. Auch die philanthropische Moral nützt denjenigen wenig, die ihr Objekt sind. Statt einen Diskurs über Umver­teilung zu führen, werden sie mit symbolisch aufgeladenen ­Kuchenkrümeln „beschenkt“, für die sie dann aufrichtige Dankbarkeit zu zeigen oder das Gastrecht ihrer Gönnerinnen nicht zu missbrauchen...

Über Produktion, Parteilichkeit und Proletariat

Wessen Moral?

Die Stress-Knoten auflösen

Zum Auftakt zeigt die Kamera vier Streicher hinter Gittern. Sie spielen den ersten Satz aus Beethovens Streichquartett Nr. 1 in F-Dur. Die Inszenierung, so der musikalische Leiter Simon Rössler, Schlagzeuger bei den Berliner Philharmonikern, favorisiere die „hybride Form“, also das Zusammenspiel von Oper, Melodram und Konzert. Und darum wird auch nicht der ganze „Fidelio“ von 1805 hier aufgeführt, sondern Motive daraus in einem musika­lischen Beethoven-Arrangement samt einer gewagten Collage aus Fremdtexten von Jean Genet, Rolf Hochhuth, Rudolf Leonhard, Peter Weiss bis Heiner Müller. Dramaturg der Produktion ist Hans-Dieter Schütt. Die Klänge Beethovens in der leer stehenden Teilanstalt 3 der JVA Tegel in Berlin erzeugen einen geradezu schreienden Kontrast zu diesem tristen Ort. Die musikalische Verlaufslinie erreicht, nach einzelnen Arien aus „Fidelio“, der Mondscheinsonate, Passagen aus der 3. und 5. Sinfonie, schließlich den Schlusschor der 9. Sinfonie, mit dem Text von Schillers „Ode an die Freude“. Von allem zu viel? Kann man in diesem Falle nicht sagen. Eher eine Neuschöpfung aus dem Genius Loci. Es ist die zweite Zusammenarbeit von aufBruch mit den Berliner Philharmonikern, erzählt die Produktionsleiterin Sibylle Arndt. Deren Education-Programm ermöglichte bereits die „Parsifal“-Inszenierung vor zwei Jahren, ebenfalls in der JVA Tegel. In Coronazeiten, in denen der isolierte Zuschauer...

Was bedeutet es, eingesperrt zu sein? Das Berliner Gefängnistheater aufBruch lotet mit der Oper „Fidelio“ die Grenzen der Freiheit aus

Beethoven hinter Gittern

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

„Is my future all in the past“

I. Luis August Krawen lässt die Pfauenbühne im Zürcher Schauspielhaus langsam verschwinden in üppiger Vegetation. Man sieht den Pflanzen beim Wachsen zu. Im Parkett entsteht ein See, der Kronleuchter verwandelt sich in einen Baum, der mitsamt Wurzeln imposant über dem See hängt. Zwischen den Schlingpflanzen schimmert die rote Bestuhlung, nur im Rang sind noch ein paar Sitzreihen verschont geblieben. Kein Zuschauer ist zu sehen, auch kein Schauspieler. Dafür gibt es Eidechsen im Schilfgras, und ein müdes Krokodil steckt kurz seinen Kopf aus dem Wasser. Auch das neu gestaltete Foyer steht unter Wasser. Dort sieht man Flamingos und einen überraschend fast bis zur Decke springenden Delfin. Die Szene ist gleichzeitig surreal und hyperrealistisch. Um sie zu kreieren, musste der begabte Virtual-Reality-Künstler, der sie geschaffen hat, den Pfauen vermutlich nicht mal betreten. Ein paar Fotos dürften gereicht haben, die er dann in seinem gut ausgestatteten Homeoffice gescannt und in nächtelangen Sitzungen in das verwandelt hat, was wir nun auf der Zürcher „Zuhaus­spiel­haus“-Seite im Netz bewundern können: ein Theater, das nur durch die Fantasie derer, die es machen, begrenzt ist. Friedrich Schiller, der im ästhetischen „Reich des Spiels und des Scheins“ einen Ort der Befreiung „von allem, was Zwang heißt, sei es im...

Ein Zwischenruf

Digitale Geschlechtsumwandlung ist toll, reicht aber nicht

Sandra Hüller, Sie sind bei sich zu Hause in Leipzig. Wie hat man sich den Alltag einer Schauspielerin vorzustellen, die aufgrund der Coronakrise nicht auftreten darf? Sandra Hüller: Es gibt genug zu tun. Ich unterrichte zusammen mit meinem Mann meine Tochter, auch andere Kinder im Haus, wir haben einen strukturierten Tagesablauf, sodass wir nicht abstürzen und unsere Körper nicht verfallen. Ich habe noch keinen einzigen Tag herumgelegen. Nur mit Theater hat das eher wenig zu tun? Hüller: Es gibt auch Aufgaben für das Online-Programm des ­Bochumer Schauspielhauses. Wir hatten gerade eine Ensembleversammlung, wo wir besprochen haben, dass wir uns der Hintanstellung der Kultur jedenfalls nicht kampflos ergeben. Es war eine sehr kämpferische Versammlung. Jens Harzer, wie ist das bei Ihnen? Johan Simons: Ich weiß nicht, ob er uns hört. (Pause.) Der hört uns nicht. Jens Harzer: Jetzt hör ich euch! Mein GOTT! Sie sind zu Hause in Hamburg. Wie sieht der Alltag eines Schauspielers aus, der nicht auftreten darf? Harzer: Man tritt einfach nicht auf. (Sandra Hüller lacht.) Ich probiere eigentlich seit fünf Wochen mit Leander Haußmann den „Geizigen“, ab und zu trifft man sich über Zoom, wie das jetzt eben getan wird, ansonsten lerne ich...

Was macht das Schauspielhaus Bochum und sein Ensemble so besonders? Der Intendant Johan Simons mit den beiden Schauspielstars Sandra Hüller und Jens Harzer im Gespräch mit Martin Krumbholz

Kristallisationspunkte des Künstlerischen

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

1 LECKERSTES GERICHT DER WELT UND ­ALLER ZEITEN TOLLE_GERICHTE_KANAL Hallo! Heute zeige ich euch, wie man aus einer Wohnung ein richtig leckeres Gericht macht. Es ist ganz einfach. Dazu reibt ihr erstmal alles mit Mehl ein. Einfach alles! Ungefähr so. Und so. Wichtig ist es, dass ihr ganze Mehlpakete gegen eure Wände werft. Aber auch gegen den Kühlschrank. Und hier, auch die Toilette muss abgeschmissen werden. Vergesst nicht auch euren Partner oder eure Partnerin mit einem Mehlpaket abzuwerfen. Unbedingt auch die Kinder mit ganzen Mehlpaketen abwerfen, am besten oft! Die Kinder ganz besonders. Bitte schmeißt auch Mehl auf eure Yoga­stunden, eure Podcasts, eure Videospiele, eure Serien, eure Bücher, eure Spaziergänge und eure Tagesschau. Verreibt es auch gründlich auf der ganzen Zeit, die ihr mit Sinn, Fortschritt und Heiterkeit füllen wollt, und auf die wenigen, unangenehmen und blitzartig erscheinenden Augen­blicke, in denen ihr denkt, ihr seid schon tot. Stäubt es fein über die Sexgeräusche eurer Nachbarn. Bomba­diert euren schwierigen Schlafrhythmus, Bildschirme und Videotreffen. Dann die Seele voll machen mit Mehl, bis ihr nicht mehr atmen könnt. Reibt es euch in die Netzhäute und Kiemen, schneidet euch einen Schlitz mit eurem Fußnagel in den Oberschenkel und presst so viel Mehl wie ihr...

Internetspiel für zwei Personen

Wie es euch Algorithmus

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Autorinnen und Autoren Juni 2020 / Vorschau

Am 22. April wurde die diesjährige Ausgabe der Ruhrtriennale abgesagt. Der Aufsichtsrat der Kultur Ruhr GmbH, der Trägerin des Festivals, hat diesen radikalen Schritt mit der gegenwärtigen Coronapandemie und der sich aus ihr ergebenden Planungsunsicherheit begründet. Eine letzten Endes zu erwartende Entscheidung. Dennoch fällt auf, dass die Absage relativ früh erfolgt ist, vier Monate vor Beginn des Festivals, das am 14. August in der Bochumer Jahrhunderthalle eröffnet werden und bis zum 20. September stattfinden sollte. Außerdem überrascht es, dass Stefanie Carp, die künstlerische Leiterin der Ruhr­triennale, die ihre dreijährige Intendanz mit dieser Ausgabe beendet, anscheinend kaum in die Entscheidungsfindung einbezogen wurde. Hintergrund ist vermutlich ein bereits seit 2018, Carps erstem Jahr als künst­lerischer Leiterin, bestehender Konflikt ­zwischen der Festivalchefin und den in Nordrhein-Westfalen Verantwortlichen für die Ruhrtriennale, der erneut aufgebrochen scheint. Damals ging es um die Ein-, Aus- und Wiedereinladung der schottischen Band Young Fathers, die der BDS-Kampagne ­nahesteht, welche seit etwa zwei Jahrzehnten die kulturelle, politische und wirtschaftliche Isolation Israels propagiert. Wenngleich das Konzert am Ende trotzdem nicht stattfand – die Band hatte letztlich selbst abgesagt –, hatte die Diskussion um die Young Fathers eine Frontlinie geschaffen. Fortan herrschte zwischen der Festivalleiterin und den sie kritisierenden Politikern und Journalisten...

Über die Antisemitismusvorwürfe gegen Achille Mbembe und die Absage der Ruhrtriennale

Skandalkeule statt Debattenkultur

Am letzten Abend seines Lebens wollte Rolf Hochhuth Taxi fahren. „Sie müssen eine Maske aufsetzen!“, sagte der Taxifahrer. „Niemals!“, antwortete der Dramatiker. Er, Rolf Hochhuth, Ent­decker des elften Gebots „Du sollst nicht schweigen!“ soll sich einen Maulkorb anlegen, freiwillig? Er hätte den Taxifahrer davon unterrichten können, dass er gerade ein Gedicht geschrieben hat über den neuen corona-getarnten Disziplinierungs- und Verbotswahn. „Regeln sind Regeln!“, erklärte sinngemäß der Taxifahrer. Der Dramatiker hätte nun antworten können: „Das haben die Nazis auch gesagt!“ Vielleicht hat er es sogar getan. Das Taxi ließ den Dramatiker stehen, am letzten Abend seines Lebens, 89 Jahre alt. Aber er hat es geschafft: Niemals hat er einen Maulkorb getragen. Eschwege im April 1945. Am 1. des Monats war der Sohn des Schuhfabrikanten Friedrich Ernst Walter Hochhuth 14 Jahre alt geworden, eine Woche später kam die US Army. 14 ist ein Alter höchster Wachheit. Die Amerikaner machten seinen widerstrebenden Onkel kurzerhand zum Bürgermeister, und der engagierte den Schuhfabrikantensohn als „Laufjungen des Magistrats“. Der Laufjunge sah den nie abreißenden Strom der Bittsteller im Vorzimmer des Bürgermeisters, er sah die vielen fremden Menschen in den Straßen. Vertriebene, KZ-Häftlinge. Lauter menschliches Strandgut. Jede kleine Stadt ist eine verlässliche Welt, ein Mikrokosmos. Diese Welt...

In Gedenken an den Schriftsteller und Dramatiker Rolf Hochhuth

Du sollst nicht schweigen

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Wolfgang Schneider, was machen die ­Theater falsch, dass sie erst lange nach der Bundesliga und den Biergärten in den Fokus der Politik gerückt sind? Ihre Frage müsste andersherum gestellt werden: Wie haben es DFL, Gastronomiebetriebe und dergleichen geschafft, zuerst bedient zu werden? Und da sind noch nicht die schlimmsten Finger benannt, die nach der Staatskohle schreien, wie Autolobby, Bauernverband, Luft­hansa … Kultur spielt in der Politik leider nach wie vor eine marginale Rolle. Ihre Förderung wird als freiwillige Aufgabe ­definiert. Im Grundgesetz fehlt noch immer der Artikel 20b: „Der Staat schützt und fördert die Kultur.“ Also anders gefragt: Warum wird das Theater von so wenigen vermisst? Die Menschen, die ich beim Einkaufen treffe, beklagen die Absage des Kirchweihfestes und vermissen ihre lokalen Gesangvereine. Die Theateraffinen sollten wahrnehmen, dass nach wie vor mehr als die Hälfte der Bevölkerung nie in ­ihrem Leben ein Theater besucht. Daraus ergibt sich die kulturpolitische Notwendigkeit, dafür zu sorgen, dass das Theater wegen seiner Substanz, Relevanz und Brisanz nachgefragt wird. Das bedeutet konkret? Was sollten die Thea­ter Ihrer Meinung nach kulturpolitisch tun? Einerseits müssen sie derzeit alle um ihre Haushalte besorgt sein. Insbesondere die freien Künstler kämpfen um ihr existenzielles Überleben. Andererseits könnte die Krise auch...

Was macht das Theater, Wolfgang Schneider?

Blick in die Zaubermaschine

Theater Oberhausen: Mit Jelinek durch die Stadt Wie bestellt und nicht abgeholt steht er da, im Gestrüpp unterhalb der großen Werbetafel für ein Möbelhaus und wartet vergeblich. Der Märchenprinz hat ausgedient, bei Elfriede Jelinek sowieso. Aber auch in der alltäglichen Wirklichkeit unserer Welt, die vom Glauben an den Konsum bestimmt wird. Während man auf der anderen Seite der viel befahrenen Straße in der Nähe des Oberhausener Hauptbahnhofs steht und dem immer ungeduldiger werdenden Daniel Rothaug zusieht, erklingen aus den Kopf­hörern Passagen aus Jelineks zweitem „Prinzessinnendrama“. Die Geschichte von Dornröschen und dem Prinzen, der sie erweckt, bekommt an diesem Ort eine andere Bedeutung. Jelineks Dekonstruktion klassischer Märchenromantik spiegelt sich in ­einem ganz konkreten Alltagsbild. Den Blumenstrauß in der Hand, erinnert einen Rothaugs wartender Galan daran, dass es Märchenprinzen in Wahrheit nur in Hollywoodfilmen und ­Werbeclips gibt. Solche Verbindungen ergeben sich in Paulina Neukampfs Annäherung an die „Prinzessinnendramen“ immer wieder. Ursprünglich wollte sie die drei Stücke für die kleine Oberhausener Bühne inszenieren. Doch die Pandemie hat das unmöglich gemacht. Also hat sie drei „Hörspaziergänge“ für jeweils zwei Per­sonen konzipiert, die, unter Beachtung aller Auflagen und geleitet von Symbolen auf dem Trottoir, durch Altoberhausen gehen (Ausstattung Pascal Seibicke, Sounddesign Sarah De Castro). Die...

Theater des Social Distancing: Audio-Walks und Drive-in-Theater in Oberhausen, Göttingen und Tübingen

In der Ferne, so nah

Partitur der Geräusche

Zeit haben, um runterzufahren, Resümee zu ziehen und (nicht nur) über Theaterstrukturen nachzudenken – genau das hat die Schweizerin Julia Haenni derzeit, weil die Theater wegen der Coronakrise geschlossen sind. Zeit zu haben, ist für die gefragte Autorin, Performerin, Schauspielerin und Regisseurin ungewohnt. Mit ihren in dichter Folge entstandenen Arbeiten und Projekten für die freie Szene, aber auch für die Tuchlaube Aarau, das Fabriktheater Zürich und das Schlachthaus Theater Bern machte sie in den vergangenen Jahren auf sich aufmerksam. Sie war Hausautorin am Konzert Theater Bern und Stipendiatin des Autorenförder­programms Dramenprozessor, in dessen Rahmen ihr Stück „Frau im Wald“ entstand, das 2018 in Aarau gemeinsam mit dem Theater Marie uraufgeführt wurde. Die Liste ihrer Verpflichtungen ist be­eindruckend – ihr Erfolg ist es auch. Nach ihrem jüngsten mit dem Stück „Don Juan. Erschöpfte Männer“ sollte es in hohem Tempo weitergehen. „Ich hatte noch einen kleinen Auftrag fürs Theater Basel“, sagt Julia Haenni, „aber dieser entfiel wegen der Corona­krise. Nun steht eine Stückentwicklung für das Junge Theater des Theaters Heidelberg zum Thema Angst an, Premiere ist im Frühling nächsten Jahres. Daran sind auch Schulkinder beteiligt. Aber wie bewerkstelligen wir bloß die Recherchen mit ihnen?“ Viel früher, im Oktober, findet die Premiere mit...

Die Schweizer Autorin Julia Haenni ist die neue Ko-Leiterin der Jungen Marie in Aarau

Wir sind jung, wir sind laut

Wo sonst könnte man die 1993 in Oldenburg geborene Annemarie Brüntjen wohl eher antreffen als am Mannheimer Rheinufer? Seitdem wegen Corona nun auch das Theater lahmgelegt und die Zeit neu zu organisieren ist, gehören die schmalen Auen entlang des Flusses zu ihren bevorzugten Spazierorten. Inmitten der kurpfälzischen Sech­ziger-Jahre-Architektur findet das Nordlicht zumindest dort das ersehnte Wasser vor. Nicht leicht sei ihr der Ortswechsel gefallen. Aus­gebildet an der Berliner Ernst-Busch-Schule, verschlug es sie zunächst an das Berliner Ensemble, das Neue Theater Halle, anschließend an das Renaissance Theater Berlin, bis sie 2019 ihr Engagement am ­Nationaltheater Mannheim annahm. Sich an neue Situationen anzupassen, hat sie allerdings durch ihren vielfältigen Beruf ohnehin gelernt. Was sie daran schätzt, ist die gezielte Verwandlung in das ganz Unbekannte. „Spannend ist natürlich die große Entfremdung“, wie sie Brüntjen etwa in ihren Rollen als rachsüchtige Kriemhild in „Die Nibelungen“ (Neues Theater Halle) oder zuletzt als Kassandra in der von Philipp Rosendahl realisierten „Orestie“ (Nationaltheater Mannheim) erlebte. „Reifer und reicher“ werde sie durch die Erarbeitung ihr persönlich nicht nahestehender Charaktere, sagt sie. Es gelte dabei zum einen, das „innere Kind wiederzuentdecken“, und zum anderen den befreienden Impuls zu suchen und bewusst „aus dem eigenen Ich herauszutreten“. Motivation für das...

Eine Wasserseele, die es nach Mannheim verschlagen hat – Die Schauspielerin Annemarie Brüntjen

Verwandlung ins Unbekannte

Unter Beobachtung

Theaterprodukte in den digitalen Raum zu werfen, ist gar nicht so schwierig. In Lockdown-Zeiten wurden Webbrowser kurzerhand zu Schaufenstern eines ganzen Archipels von Theatermuseen. Was wurde nicht alles in Netz geschaufelt, was Monate, ja Jahre und zuweilen sogar Jahrzehnte lang auf Festplatten, Videokassetten sowie den historischen U-Matic-Magnetbändern gespeichert war, ohne dass je ein menschliches Auge von den Inhalten Notiz genommen hatte? Als Hinweis auf die Relevanz von Theatermuseen war diese...

beamter 1: wir haben gehört, dass schlecht gesprochen werde von uns. beamter 2: es soll schlecht gesprochen werden. beamter 1: wir sollen gelder veruntreuen. beamter 2: wir sollen licht verbieten. beamter 1: wir sollen nahrung reglementieren. beamter 2: wir sollen lächerliches tun. beamter 1: es heißt, wir seien das dumme selbst. beamter 2: es heißt, wir seien das falsche, und das richtige nicht. beamter 1: es heißt, man brauche uns nicht. beamter 2: es heißt, man brauche uns so sehr wie einen abszess. beamter 1: aber das stimmt nicht. beamter 2: man irrt sich. beamter 1: man irrt sich gewaltig. beamter 2: vielleicht. beamter 1: ziemlich sicher. beamter 2: sie brauchen uns. beamter 1: weil wir verwalten? beamter 2: sie brauchen uns. beamter 1: sie brauchen uns doch? beamter 2: brauchen beamter 1: seien sie doch froh. beamter 2: seien sie doch froh, dass irgendjemand sich um sie kümmert. beamter 1: jemand kümmert sich um sie. beamter 2: immerhin, schätzen sie das einmal wert. beamter 1: wertschätzung! beamter 2: wertschätzung! beamter 1: aber beamter 2: aber beamter 1: wir lesen nicht ihre emails. beamter 2: wir durchleuchten nicht ihre post. beamter 1: wir scannen am flughafen nicht ihren körper ab....

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