Im letzten Jahr fiel Pandemie-bedingt das Festival Internationale Neue Dramatik an der Berliner Schaubühne aus. In diesem Jahr wurde es mit weitgehend gleich gebliebenem Programm wiederholt. Das ist einerseits verdienstvoll. Andererseits wirkte FIND in diesem Jahr seltsam aus der Zeit gefallen. Es muss eine Revolution her. Dies behauptete Édouard Louis zum Abschluss seiner Ein-Mann-Show „Qui a tué mon père? (Wer hat meinen Vater umgebracht)“. Er erntete zustimmenden Applaus – im ansonsten Umstürzen wenig zugeneigten bürgerlichen Bezirk Charlottenburg-Wilmersdorf. Aber ­Louis hatte sein Publikum gefangen genommen mit seiner Coming-of-Age-Geschichte im so proletarischen wie homophoben Milieu ­eines Dorfs in Nordfrankreich. Verblüffend war an diesem von Thomas Ostermeier inszenierten autobiografischen Abend, wie tief verankert im familiären Umfeld des 1992 geborenen Louis die Ablehnung ­­ von Homosexualität, ja die Brutalisierung und Engführung von Sexualität überhaupt, ge­wesen sein muss. Diverse sexuelle Revolutionen waren da längst über den Globus gefegt; im dörflichen Milieu von Louisʼ Kindheit schien aber selbst um die Jahrtausendwende wenig davon angekommen zu sein. Dass in ­einem zweiten Erzählstrang die kapitalistische ­Arbeitswelt und das neokapitalistisch entkernte Gesundheits- und Sozialwesen Frankreichs als verantwortliche Instanzen des körperlichen Niedergangs des Vaters angeklagt wurden, hat sicher seine Berechtigung. Wie auch Louisʼ Forderung nach dem Einzug von mehr Politik...

Édouard Louis, Angélica Liddell und Kirill Serebrennikov beim FIND-Festival

Avantgarde mit Staubschicht

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Das Internationale Dramatiker*innenlabor wurde 2015 initiiert und in insgesamt drei Jahrgängen als gemeinsames Kooperationsprojekt des Literarischen Colloquiums Berlin (LCB), des Berliner-Maxim Gorki Theaters / Studio , des Neuen Instituts für Dramatisches Schreiben (NIDS), des Schauspiels Stuttgart sowie der Robert Bosch Stiftung realisiert. Die konzeptionelle Idee hinter einem solchen Labor bestand darin, Theaterautorinnen und -autoren aus verschiedenen europäischen und außereuropäischen Ländern zusammenzubringen, um über einen längeren Zeitraum gemeinsam zu einem gesellschaftspolitisch relevanten Thema zu recherchieren, sich gegenseitig in den Herkunftsländern zu besuchen und einander bei der Stückentwicklung zu begleiten. Auf diese Weise rückten der Entstehungsprozess, die Ressource Zeit, das gegenseitige Kennenlernen und Reisen stärker in den Vordergrund. Nichtsdestotrotz bestand das Ziel eines jeden Jahrgangs darin, dass die Teilnehmenden je ein Stück schreiben, welches dann in Formaten wie zum Beispiel einer szenischen Lesung einem internationalen Literatur- wie auch Theaterpublikum präsentiert werden konnte. Für jeden Jahrgang bestimmten die Kooperationspartner Werkstattleitende in der Funktion von Mentoren. Das waren zunächst Theaterautor und regisseur Kevin Rittberger, dann das Gründerinnen-Duo des NIDS, Maxi Obexer und Sasha Marianna Salzmann, und zuletzt erneut Maxi Obexer gemeinsam mit dem Autor und Dramaturgen Mazlum Nergiz. Eine Jury, die Werkstattleitende sowie Vertreterinnen und Vertreter der Kooperationspartner umfasste, wählte schließlich für jeden Jahrgang...

Neue Stimmen, andere Perspektiven

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Als das Geiseldrama in Gladbeck im Sommer 1988 die Menschen in ganz Deutschland in Atem hielt, war Amanda Lasker-Berlin noch nicht geboren. In ihrem Theaterstück „Ich Wunderwerk und how much I love Disturbing Content“ gewann sie damit bei den Autorentheatertagen am Deutschen Theater in Berlin einen der Preise. In dem Stück setzt sich die 27-Jährige mit der Macht der Medien auseinander, die nach Schlagzeilen gieren und so zu Mittätern werden....

Als Grenzgängerin zwischen bildender Kunst, Literatur und Theater ist Amanda Lasker-Berlin erfolgreich

Der Reiz des Unausgesprochenen

Tänze, Träume und Theaterglück

double feiert Jubiläum

Hiba, Deema und Lama, die drei Protagonistinnen in Dalia Tahas Theaterstück „Graduation / Abitur“, sind siebzehn Jahre alt. Kurz vor ihrem Schulabschluss begehen sie einen Akt des Aufbegehrens, „starten eine Revolution“ und unterbrechen den Fortgang der Zeit mit einem zu sechs aufeinanderfolgenden Szenen ausgedehnten Moment. „Gleicher Ort. Gleiche Zeit. Unmittelbar danach“, heißt es in den Regieanweisungen. Die 1986 in Berlin geborene und in Ramallah aufgewachsene Autorin Dalia Taha begibt sich mit ihren Protagonistinnen in diesen revolutionären Moment hinein. Entreißt ihn dem Vergessen und behauptet einen Möglichkeitsraum, in dem alles infrage gestellt werden kann, einer, der sich gegen sein eigenes Verschwinden in der Erzählung einer von wirk lichen Entscheidungen geprägten, konsequent in eine Richtung verlaufenden Biografie behauptet. Bei allem Aufbegehren bleibt ein Rückzieher möglich. Oder mit Deemas Worten: „Los, wir gehen nach Hause. Wir kommen in die Schule. Morgen. Schreiben unsere Prüfungen. Wir flirten mit Jungs. Wir machen unser Abi. Wir lassen das alles hinter uns.“ Eine ausgesprochen prekäre Situation. Schließlich wird das Schänden der Fahne – Hiba, Deema und Lama reißen sie herunter und scheißen darauf – mit einem Jahr Gefängnis oder 10 000 Dollar Strafe geahndet. Und auch mit dem Verlust der Krankenversicherung und des Rechts auf Hochschulbildung bestraft....

„Gratulation / Abitur“ von Dalia Taha

Gemeinsam drauf scheißen

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Installationen

TdZ on tour

Nicolas Stemann weiß, was er seinem Publikum schuldig ist. Eine Neuinszenierung von Friedrich Dürrenmatts „Der Besuch der alten Dame“ zum 100.Geburtstagsjahr des Dramatikers im Züricher Pfauen, 65 Jahre nach der Uraufführung des Stücks ebendort, gehört zum Pflichtprogramm. Dumm nur, dass die zum Klassiker avancierte Tragikomödie – abgesehen vom aufführungsgeschichtlichen Lokalbezug – auf den ersten Blick so gar nicht zu Zürich passen will. Handlungsort ist das bankrotte Städtchen Güllen, ein im wahrsten Sinne des Wortes abgehängtes Kaff, an dem die Fernzüge ohne Halt vorbeidonnern. Was, bitteschön, haben die in prekären Verhältnissen lebenden Güllener mit dem erkennbar nicht am Hungertuch nagenden Theaterpublikum in Zürich gemein, das im aktuellen Ranking der teuersten Städte der Welt auf Platz eins steht? Nun, die Parallelen mögen nicht sofort offensichtlich sein, Stemann aber findet sie. Bereits die vage Aussicht auf die Rückkehr zu Wohlstand verleitet die Menschen in Güllen dazu, Geld auszugeben, das sie nicht haben. In diesem hemmungslosen Leben über die Verhältnisse erkennt Stemann das wieder, was im großen Stil in dieser Welt geschieht. Denn was wäre der ökologische Raubbau am Planeten, von dem vor allem der wohlhabendere Teil der Erdbevölkerung profitiert, anderes als ein kollektives Leben auf Pump? In Stemanns Inszenierung flimmern denn auch Videobilder...

Schauspielhaus Zürich: „Der Besuch der alten Dame“ von Friedrich Dürrenmatt. Regie: Nicolas Stemann, Bühne/Video: Claudia Lehmann, Kostüme: Marysol del Castillo

Zürich: Moral und Postmoderne

An einem Tag im Juli 1986 lernt die 19-jährige Katharina in der Nähe des Berliner Alexan­der­platzes den wesentlich älteren Hans kennen. Sie werden sofort ein Paar, ­obwohl Hans verheiratet ist und seine Familie nicht verlassen will. Sie werden, bei aller Ungleichheit, sogar ein ideales Paar, das die Liebe in immer wieder neuen gemeinsamen Entdeckungen feiert, einschließlich der kleinen Jubiläen ihrer Geschichte. Bis alles kippt und bricht, so wie das Land, in dem sie leben. Jenny Erpenbeck erzählt diese un­gewöhnliche Liebesgeschichte vor dem sehr genau geschilderten Kulturmilieu der späten DDR. Erzählperspektivisch handelt es sich um eine Recherche, für die nach dem Tod von Hans zwei Kartons mit verschiedenen Materia­lien ausgepackt und gesichtet werden. Die größeren Zusammenhänge ent­stehen freilich auf einer anderen Ebene, als es das scheinbar lose geordnete Material selbst hergeben dürfte. Dafür ist der meist in kurzen Szenen und ­damit vorwärtsdrängend erzählte Roman einfach zu souverän kom­poniert. Hans, freier Feature-Autor beim Rund­funk, und Katharina, die nach einem mit­gestaltenden Beruf im Theater strebt, aber dafür noch unsicher ist, sind zwar zunächst nur in ihrem Liebeskokon mit dem Besuch einschlägig bekannter Lokale beschäftigt. Nach und nach rückt die Autorin jedoch die Kulturwelt für ihre Protagonisten in den Vordergrund, vor allem sehr viel...

Jenny Erpenbeck: Kairos. Penguin Verlag, München 2021, 381 S., 22 EUR.

Was auf dem Spiel stand

Wie lässt sich die Intensität leidvoller Affekte literarisch vermitteln, noch dazu in einer Sprache, deren Gebrauch lange Zeit verboten war? Sich der eigenen Muttersprache bedienen zu dürfen, ist für die 1978 in Amed (türkisch: Diyarbakir) geborene, heute in Berlin lebende Schriftstellerin Yildiz Çakar alles andere als selbstverständlich. Dass der im Rahmen des internationalen Dramatiker*in nenlabors „Out of Sight“ entstandene Text „Bîra Miriyan“ auf Kurdisch verfasst ist, kann daher als Ausdruck eines künstlerischen Freiraums und einer bewussten Selbstverortung gewertet werden. Der Titel des Stücks, dessen deutsche Übersetzung durch Sivan Kalesh „Totenbrunnen“ lautet, spielt auf das mysteriöse Verschwinden Tausender Menschen an, die in den neunziger Jahren, als der sogenannte Kurdenkonflikt im Südosten der Türkei einen Höhepunkt erreichte, ermordet, mit Säure überschüttet und in Brunnen geworfen wurden. Diese Gräuelgeschichte hat Çakar, die neben ihrer Tätigkeit als Korrespondentin und Redakteurin für kurdische Zeitungen bisher vor allem als Lyrikerin und Prosaschriftstellerin in Erscheinung getreten ist, in eine literarische Form gebracht, in der sich Politisches und Poetisches gegenseitig durchdringen und zu einem hybriden Text verbinden. Zwischen Selbstgespräch und Dialog, Klagegesang und narrativem Gestus oszillierend, lässt Çakar in ihrem Debüt als Dramatikerin verschiedene Mütter auftreten, deren Reden ein gemeinsamer Wunsch vereint: der Wunsch nach Gewissheit über den...

„Bîra Miriyan (Totenbrunnen)“ von Yildiz Çakar

Schmerzvolle Texturen

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

… oder der Bruder, der vielleicht eine Körperbehinderung hat: Macht ihn das nicht weniger zum Bruder, sondern eher zu einem realistischen Abbild einer Gesellschaft, in dem sich die Zuschauer wiedererkennen können?“, so die Vorsitzende des BFFS, dem größten Schauspielerverband Deutschlands, bei ihrer Laudatio im Rahmen des Panels „A Path Forward – wie Genderbalance und ­Diversität Hand in Hand gelingen“. Eigentlich würde ich mich als einer der bekanntesten Schauspieler mit Behinderung...

Diversität oder Etikettenschwindel?

Warum Theater,

Was für ein Idiot!, möchte man da ausrufen. Der große Schauspieler Jens Harzer gibt den Fürsten Myschkin auf der ­Bühne des Hamburger Thalia Theaters und beweist sich einmal mehr als Virtuose der Darstellungskunst. In Johan Simons’ Inszenierung von Fjodor Dostojewskis Roman „Der Idiot“, einem ­beeindruckenden Abend von viereinhalb Stunden Länge, strafft und kürzt der Regisseur den monumentalen Prosatext (in einer Fassung von Angela Obst), ohne ihn zu beschneiden, ohne die Zerfranstheit des Handlungsgerüsts und das feingliedrige Arrangement der vielzähligen eigenwilligen Charaktere zu leugnen. In dem schlichten Bühnenbild von Johannes Schütz – einige Stühle und Tische unter nackten Glühbirnen, auf dem kalten, in Schwarz-Weiß gehaltenen Bühnenboden angeordnet, abstrakt an ein Schachbrett gemahnend – und in zurückhaltend historisierender Kostümierung durch Greta Goiris, die ohne jedweden Russlandkitsch auskommt, dem Grundverbrechen bei der Inszenierung von ­östlichen Klassikern, finden die Romanfiguren zueinander. Harzer spielt den einnehmenden, wenn auch verschrobenen, nervenkranken Myschkin mehr als überzeugend: ein in Gesellschaft un­beholfener Epileptiker, bei dem man nicht weiß, ob es sich um einen jung Vergreisten oder ein großgeratenes Kind handelt. Bei einem Autor von dem Kaliber Dostojewskis kann ein Regisseur es sich leisten, auf Aktualisierungen zu verzichten. ­Simons setzt ganz auf das spannungsreiche Figurengefüge, das das Hamburger Ensemble großartig...

Schuld und Bühne: Im November jährt sich der 200. Geburtstag des großen russischen Erzählers Fjodor Dostojewski. Theater greifen gern auf seine gewaltigen Stoffe zurück – ein kursorischer Überblick

Realismus im höheren Sinne

Nina Steils steht nicht gerne im Mittelpunkt. Schon gar nicht als Nina Steils. „Bloß nicht!“, grinst die 29-Jährige, die in ihrem ersten Engagement nach dem Schauspielstudium am Mozarteum Salzburg gehofft hatte, „erst mal schauen zu können, was die anderen machen und vielleicht mal einen Briefträger zu spielen“. Im jungen Ensemble des Münchner Volkstheaters aber muss jede*r sofort Verantwortung übernehmen. Seit 2017 hat Steils so 17 Rollen und fast ebenso viele Regiehandschriften kennengelernt und konnte doch oft im gut durchrhythmisierten Ganzen untertauchen, das überraschend viele Abende ins Zentrum stellten. Ob sie nun in der von Christina Tscharyiski inszenierten Oktoberfest-Gaudi „Am Wiesn­rand“ von Stefanie Sargnagel als einer von fünf maskierten und wattierten Flöhen auf einem Riesenbierbauch herumsprang oder in Maya Arad Yasurs „Amsterdam“ (Regie: Sapir Heller) Teil eines tänzerisch-akrobatischen Vexierbildes war. Und doch funkelte stets auch die pulsierende Sensibilität heraus, die jede Steils-Figur besitzt. Als einsamer Mensch unter lauter Horror-Figuren starb ihre Elisabeth in Christian Stückls Horváth-Abend „Glaube Liebe Hoffnung“, der sie am Ende als Zombie wiedersah. Schrill kann sie nämlich auch. Im Frida-Kahlo-Kostüm den Blur-Hit „Song 2“ zur Unkenntlichkeit zerbrüllen? „Woo-hoo“! Kein Problem! Diese gewisse Zartheit bleibt ihr selbst dann. Steilsʼ bisherige Paraderolle aber ist die stille Herta in Werner Schwabs...

Die Münchner Schauspielerin Nina Steils liebt es, sich selbst zu überraschen

„Heart of a beginner“

Meldungen

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Viele dürften im vergangenen Jahr einen ominösen Gregor-Samsa-Moment gespürt haben. Man wachte auf und konnte nicht fassen, in welcher Welt man sich befand. Beklemmend und surreal erschien dieser Film, dessen ­Arrangeur noch immer an den Strippen unseres Lebens zieht: Corona. Es liegt daher nahe, Franz Kafka, diesen Großmeister für Panik, Furcht und Wahn, zu konsultieren, um die ­Atmosphäre in der Pandemie zu erfassen. Wie formidabel dieser Brückenschlag gelingt, lässt sich derzeit an der Uraufführung „Wuhan – Die Verwandlung“ am Hessischen Staatstheater Wiesbaden studieren. Es beginnt gruselig: Vor uns auf einem Bett windet sich eine geschlechtslos anmutende, zierliche Person (Ipek Özgen) mit Glatze, während wir einer musikalischen Mixtur aus schauriger Geräuschkulisse und Beatmungsmaschine beiwohnen. Dazu spricht eine Erzählerfigur hinter einer Plexiglasscheibe die ersten Sätze aus der berühmten Erzählung „Die Verwandlung“ des Prager Autors. Nur scheint sich hierbei, wie der weitere Verlauf des Abends nahelegt, nicht allein eine Verwandlung eines Menschen in einen Käfer, sondern mithin ­einen Virusträger zu ereignen. Immer wieder wird Gregor Samsa gleich einem Geist, der bald schon nur noch von einer Computer­stimme überlagertes Kauderwelsch zum Publikum zu sprechen vermag, im weißen Bettlaken über die Bühne schlurfen – vor allem dort, wo Covid-19 seine ersten Opfer erfasst. Passend zu...

Hessisches Staatstheater Wiesbaden: „Wuhan – Die Verwandlung“ von Clemens Bechtel und Jan Neumann. Regie: Clemens Bechtel, Bühne: Till Kuhnert

Wiesbaden: Als wir eines Morgens in der Pandemie erwachten

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Gefangen in einem Glaspalast ringt die Kolcherin Medea um ihr Leben. Jason, der Held und Argonaut, hat sie aus ihrem zerfallenden Land entführt und ins reiche Korinth gebracht. Dort aber findet sie keine Heimat: „Ich bin Medea, die Zauberin, wenn Ihr es denn so wollt. Die Wilde, die Fremde. Ihr werdet mich nicht klein sehen.“ Größe und Erhabenheit dieser starken Frauenfigur in der Mythologie hat Christa Wolf in ihrem ­Prosatext „Medea. Stimmen“ 1996 radikal umgedeutet. Da ist sie nicht länger die ­Furie, die ihren Bruder und die eigenen Söhne tötete und dann die Tochter des Königs Kreon, die neue Frau ihres untreuen Mannes, ver­giftete, wie das Euripides 431 vor Christus in seiner Tragödie vorgab. Diese Medea darf Mensch sein. Die Karlsruher Schauspielchefin Anna Bergmann hat den vielstimmigen Text als politisch scharfkantiges Spiel um Macht inszeniert. Die gläserne Bühnenkonstruktion von Jo Schramm bannt Medea in eine enge Zelle. Durch Scheiben ist sie von den anderen Menschen getrennt. In Zeiten der Pandemie spiegelt diese Setzung die Isolation, unter der alle leiden. Schramms Zellen nehmen den Menschen die Möglichkeit, sich zu berühren. ­Allein die Sprache ist ihnen geblieben. Doch die Korinther zu verstehen, das fällt Medea schwer. Nicht nur ihr schwarzes Haar und...

Staatstheater Karlsruhe: „Medea. Stimmen“ von Christa Wolf in einer Bühnenfassung von Anna Bergmann. Regie: Anna Bergmann, Bühne: Jo Schramm

Karlsruhe: Ein politisch scharfkantiges Spiel um Macht

So viel Anfang war nie. Hans-Georg Wegner startete seine Intendanz in Schwerin mit vier Schauspiel-Premieren, dem Opernstart mit György Ligetis „Le Grand Macabre“ und beim Tanz mit vielversprechendem Neuanfang, bei dem die neue Chefin ­Xenia Wiest ihr neues Ensemble „Ballett X Schwerin“ vorstellte mit apokalyptischer „Nacht ohne Morgen“. Unwillkürlich denkt man an Hermann Hesses berühmte Zeilen „Und jedem Anfang wohnt ein Zauber inne, / Der uns beschützt und der uns hilft, zu leben.“ Zauber ist zum Abwarten, aber dass Theater, das Schutz braucht, helfen will zu leben, hat der Generalintendant proklamiert: „Wir beginnen mit unserem Programm einen Prozess der Sensibilisierung für die Fragen, die sich eine zukunftsfähige Gesellschaft stellen sollte – und wir wollen Mut machen, an die Veränderbarkeit der Welt zu glauben. Dafür braucht es den ‚Freiraum Theater‘ als eine Schule der Empathie – den Ort, wo wir Menschen gemeinsam denken und fühlen können.“ Es gehe nicht ums Aufsehen fürs Feuilleton, sondern um Theater als Ort der Kommunikation. Dafür gibt es auch das Programm „Späti Deluxe“, das Zuschauer zur Diskussion einlädt. Und geplant ist für die nächste Spielzeit in einer ehemaligen ­Druckereihalle eine Bühne, die in einem Problemviertel unterschiedliche städtische Milieus verbinden möchte. Zuerst aber dreht sich das Theater...

Der Start von Hans-Georg Wegners Intendanz am Mecklenburgischen Staatstheater Schwerin

Schule der Empathie

Suppenduft wabert über Heilbronn. In der Industriestadt produziert nicht nur die Firma Knorr ihre Soßen. Arbeiterkultur hat da einen hohen Stellenwert. Und es gibt ein Stadtviertel namens „Hawaii“, dessen Ruf von Drogen und Kriminalität geprägt ist. Das ist alles ­andere als ein Sehnsuchtsort, wie der Name suggeriert. Der Journalist Cihan Acar hat einen Roman geschrieben, der die Risse in der Gesellschaft der schwäbischen Stadt offenbart. Dort leben Menschen aus 154 Nationen. Das scharfe Zeitporträt des 257 Seiten starken Romans hat der Berliner Regisseur Nurkan Erpulat nun am Theater Heilbronn zum ersten Mal auf die Bühne gebracht. Im Zeitraffer zeichnet das junge Ensemble des Stadttheaters das Bild einer Stadt, in der Welten auseinanderklaffen. „HNX“ ist in riesigen, leuchtenden Lettern auf Gitti Scherers Bühne zu lesen. Daneben steht ein rotes Schrottauto. Damit lenkt die Ausstatterin in der Uraufführung den Blick auf die „Bronx“ der Großstadt, in der rund 126 000 Menschen aus unterschiedlichen Kulturen leben. In Acars schroffem, sprachlich fast farblosem Roman liefern sich nicht nur Gangs erbitterte Kämpfe. Die rechtsradikale Bürgerbewegung „Heilbronn, wach auf“ kämpft gegen die „Kankas“ (deutsch: Blutsbrüder). Dazwischen flaniert Kemal Arslan durch schmutzige Straßen, deren Menschen um eine gemeinsame Identität ringen. Acar, der HipHop und Fußball liebt, ist...

Stadttheater Heilbronn: „Hawaii“ (UA) nach dem Roman von Cihan Acar für die Bühne bearbeitet von Nurkan Erpulat und Andreas Frane. Regie: Nurkan Erpulat

Heilbronn: Kulturkämpfe zwischen Ein-Euro-Shops

Mazlum Nergiz: Maxi, du hast 2014 gemeinsam mit Sasha Marianna Salzmann das Neue Institut für Dramatisches Schreiben (NIDS) gegründet. Was war der Anlass, ein Institut für Dramatisches Schreiben zu gründen? Maxi Obexer: Was mir als Theaterautorin gefehlt hat, war die Auseinandersetzung mit Theatertexten auch mit Blick auf ihre Sprachkunst und ihr eigenständiges sprachkritisches Potenzial. Es ging uns also darum, für Theaterautorinnen und -autoren wieder einen innovativen Ort für diese auch literarische Kunst zu schaffen. Zeitgenössische Dramatik ist eine Kunstform, die ja alle Sprachgattungen umfasst, vom Szenischen, Dialogischen, Chorischen, Dokumentarischen, Lyrischen bis zum Performativen. Und weil es uns immer um politische Themen ging und geht, wollten wir die Suche nach neuen Formen unterstützen. Denn gerade politische Stoffe erfordern zuallererst eine Befragung der Form. Das NIDS ist also ein Ort für die Entwicklung von innovativen Theaterformen – die ins Theater gehören, aber auch in die literarischen Institutionen. Stark machen wollen wir diese Auseinandersetzung auch wieder für die Theater- und die Literaturwissenschaft, wo die dramatische Kunst sehr lange marginalisiert war. Wichtig war uns auch, Zugänge für Autorinnen und Autoren zu schaffen, die ganz unterschiedliche, nicht lineare Lebensläufe vorweisen und damit von klassischen universitären Ausbildungsprogrammen ausgeschlossen sind. Neben den wenigen Ausbildungsorten und den Theatern...

Werkstattleiterin Maxi Obexer, Teilnehmerin Yildiz Çakar und Regisseur Anestis Azas im Gespräch mit dem Dramaturgen Mazlum Nergiz

Wie begegnet Dramatisches Schreiben Phänomenen des Verschwindens?

Kann man sich einen eindrucksvolleren Spielort vorstellen als das antike Theater von Epidauros? Und lässt sich ein anderer Platz finden, der ähnlich die Tradition des europäischen Theaters veranschaulicht? Das Athens Epidaurus Festival bespielt neben den beiden Theatern von Epidauros, das römische Odeion des Herodes Attikus in Athen und seit 2006 auf halber Strecke ein ehemaliges Industriegelände an der Peiraios 260. Das antike Theatererbe ist der unveränderliche Kern des Festivalprogramms. Das bestätigt auch eine Koproduktion mit der Schaubühne Berlin. Thomas Ostermeier brachte Anfang September in Epidauros zwar keine klassische Tragödie auf die Bühne, aber eine dem Genius Loci verpflichtete Neuschreibung des Ödipus-Mythos, verfasst von Maja Zade. Herausgekommen ist ein „ödipus“, der zu Recht kleingeschrieben ist. Die Geschichte um eine Industriellenfamilie mit Ferienvilla in Griechenland enthält zwar alle notwendigen dramaturgischen Parallelen, Zades Text zerredet aber Sachverhalte und lässt einen originären Ton oder metaphorische Sprachkraft vermissen. Der Mythos bleibt erkennbar, verliert aber weitgehend seine existenzielle Bedeutung. Da hilft es wenig, dass Jan Pappelbaums Bühnenraum an die Urformen von Haus und Herd erinnert und Caroline Peters als Christina (alias Iokaste) ein paar gute Momente hat. Dieser neue „ödipus“ ist nicht nur für das antike Theater von Epidauros zu klein dimensioniert. Und zu ­füllen vermag...

Über das Athens Epidaurus Festival 2021

„Wir sollten radikaler sein“

Der Rosa-Luxemburg-Platz mit dem wieder aufgestellten ­Räuberrad wurde mit Demonstrationen gegen Corona-Maß­nahmen immer wieder zum Platz der Unruhe in Berlin, und er war es auch am Eröffnungsabend. Unter das erwartungsfroh gestimmte Volk mischten sich einige Gestalten, die zunächst ein seltsames Straßentheater unter dem Motto „Impft euch doch ins Knie“ aufführten. Eine gewisse Aufmerksamkeit war garantiert, aber Notausgänge mit Fahrradschlössern zu verriegeln, das ist ­kriminelle Sabotage und kein Ausdruck von Protest. Der Vorplatz sollte die gelassene Atmosphäre eines kleinen Zirkusbetriebs verbreiten, mit einem Zelt aus den guten, alten Zeiten des Wanderzirkus, in dem für den Herbst das Jugendtheater P14 eine Spielstätte hat und Alexander Karschnia ein Podium für Diskurs und Diskussionen kuratiert – bevor man dann wieder in den Roten und Grünen Salon einkehrt. Das Zirkusmotiv, dazu auch die zwei Wagen, die einst als Bert Neumanns Rolling-Road-Show in die Berliner Außenbezirke und bis ins Ruhrgebiet zogen, findet sich nicht nur als Dekor (das sich an den mit Spiegelfolie beklebten Eingängen fortsetzt), es soll wohl auch signalisieren: Hier geht es eher bodenständig los, erwartet mal nicht zu viel, jedenfalls erst mal nicht. Andererseits: War dies nicht auch der Ort, wo vor fünfzig Jahren Benno Besson seine Spektakel erfand und damit die Türen...

Wie die Volksbühne mit René Pollesch und Florentina Holzinger den Vorhang hochzieht und zum Zirkus einlädt

Der absolute Anfang wäre unbekannt

„Ich will nicht gerettet werden, okay?“, stellt Peer unmissverständlich klar. Und Ingo ist fassungslos. Kurz zuvor hat Peer ihn vom Traualtaltar weggezerrt und seine Ehe zerstört, noch bevor sie geschlossen wurde. Für Ingo scheint das aber das geringere Problem. Ihn verstört etwas anderes: Er hat ein Angebot gemacht, von dem er glaubt, Peer könne es unmöglich ablehnen; hat Haus, Hof und Herz geboten. Aber Peer weist ihn brüsk zurück, vollkommen desinteressiert an einem Leben in kleinbürgerlicher Sicherheit. Ingo hieß bei Henrik Ibsen Ingrid, war also eine Frau, und ist in Maria Milisavljevićs Klassiker-Bearbeitung nun zu einem Mann geworden. Peer hat zwar seinen Namen behalten, aber ebenfalls das Geschlecht gewechselt, so, wie es der Titel ankündigt: „Peer Gynt (she/her)“. Es ist nicht schön, wie Ibsens Original-Peer Ingrid erst verführt und dann sitzen lässt. Und die spannende Frage ist nun natürlich, ob Milisavljevićs weiblicher Peer in derselben ­Situation, wenn schon nicht in der Sache anders, so doch im Ton irgendwie einfühlsamer und weniger rücksichtslos auftritt. Die Antwort lautet: nicht wirklich. Klug so, vermeidet es Milisavljević doch dadurch, stereotype ­Geschlechterbilder zu reproduzieren. Weitaus interessanter ist ohnehin, wie wir Zuschauerinnen und Zuschauer mit solchen Klischees in unseren Köpfen auf die Vorgänge blicken. Ibsens narzisstischer...

Theater Regensburg: „Peer Gynt (she/her)“ Maria Milisavljević nach Ibsen. Regie: Julia Prechsl, Bühne: Valentin Baumeister, Kostüme: Anna Brandstätter

Regensburg: Lesart und Regie

Ein Zufallspanorama des Phänomens des Verschwindenlassens in Mexiko. Gebiete, die außerhalb des Radars liegen, keinerlei Chronologie. Der Text beruht auf Augenzeugenberichten, der Teilnahme an „Suchaktionen“ und der Begleitung von Angehörigen, die mit dem Verschwinden eines geliebten Menschen umgehen müssen. Anmerkung: Einige Namen wurden geändert, um die Identität der Erzählenden zu schützen. Andere nicht. Die Wirklichkeit wurde nur sehr geringfügig verändert, auch wenn der Eindruck täuscht. [...] C A M P...

Aus dem mexikanischen Spanisch von Franziska Muche

Campo

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Für die Theater müssen sich die Monate des zweiten Lockdowns angefühlt haben wie das permanente Anrennen gegen eine undurchdringliche Wand. Da wurden Proben abge­halten und immer wieder neue Premieren­termine angesetzt, doch die Rückkehr zum Spielbetrieb musste angesichts nicht ab­ebben wollender Corona-Wellen ein ums ­andere Mal verschoben werden. Intendant Sven Grunert, Intendant des Kleinen Theaters Landshut, und Schauspielerin Julia Koschitz hatten den Plan, Marlen Haushofers Roman „Die Wand“ für die Bühne zu bearbeiten, bereits im Sommer letzten Jahres gefasst, also schon nach dem ersten Lockdown. Doch aus der für Herbst 2020 geplanten Premiere wurde nichts. Sie konnte erst ein geschlagenes Jahr und vier Terminverschiebungen später stattfinden. Die Gründe für die Wahl des Stoffs liegen auf der Hand. Alleinsein und Isolation sind zentrale Themen des 1963 erschienenen Buches – mithin Erfahrungen, die viele Menschen während der staatlich verordneten Häuslichkeit in der Corona-Krise machen mussten. Haushofers namenlose Ich-Erzählerin will mit einem befreundeten Ehepaar ein ­Wochenende auf einer Hütte im Gebirge verbringen. Ihre Bekannten brechen am ersten Abend noch mal kurz auf ins Tal, kehren ­jedoch nicht wieder. Als die Erzählerin sich tags drauf auf die Suche macht, versperrt ihr eine unsichtbare Wand den Weg. Auf unab­sehbare Zeit auf sich selbst zurückgeworfen, richtet sie...

Das Kleine Theater Landshut: „Die Wand“ von Marlen Haushofer. Regie: Sven Grunert, Bühne: Helmut Stürmer

Landshut: Maximaler Minimalismus

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Ungarischen Studierenden der Dramaturgie wurden an der Akademie für Darstellende Kunst in Ludwigsburg (ADK) ihre Abschlusszeugnisse verliehen. Ein Jahr, nachdem die ungarische Universität für Film- und Theaterkunst (SZFE) von einer regierungsnahen, ­privaten Stiftung übernommen worden ist, durften die Absolventen ihre Abschlüsse im Rahmen des Programms „Emergency Exit“ in Deutschland zu Ende bringen. Da ihre Hochschullehrer und Dozenten aus politischen Gründen nicht weiter an der Hochschule beschäftigt wurden, haben sie ihre Kurse und Projekte in Workshops gemacht, die ihre ehemaligen Dozenten anboten. Dass die jungen Künstlerinnen und Künstler ihre Ausbildung abschließen konnten, hat ein Netzwerk von fünf europäischen Universitäten möglich gemacht. Dafür wird ihr Verein „Free SZFE“ jetzt mit dem Europäischen Bürgerpreis ausgezeichnet. Seit 2008 verleiht das Europäische Parlament diesen Preis, bei dem es um Verständnis und um Solidarität geht. „Wir arbeiten jetzt frei, frei, uns selbst auszubeuten“, schildert László Upor das existenzielle Dilemma, in dem er und seine Mitstreiter stecken. Der ehemalige Vize-Rektor der SZFE ist Dramaturg, Theaterwissenschaft­ler und Übersetzer. Er war als Rektor vor­­gesehen, wurde aber von der Regierung nie ernannt. Als die Universität in eine private Stiftung umgewandelt wurde, trat er zurück. Upor spricht in der ungarischen Gesellschaft von einem „Kulturkrieg“, der aus seiner Sicht bereits seit zwei...

Der ungarische Verein „Free SZFE“ erhält den Europäischen Bürgerpreis

Europäisches Netzwerk gegen den „Kulturkrieg“

Ein junger Mann, fast noch ein Junge, liegt im Sterben. Getroffen von mehreren Schüssen, verblutet er in einem Maisfeld. „Ein Brunnen. Ist der Mensch. Wenn man ein, zwei Löcher reinmacht.“ Seine Mutter sammelt die blutige Erde auf. Ihre Hände ballen sich zu Fäusten. Diese Szene ist der Ausgangspunkt des Stückes „Auf Noahs blutigem Regenbogen tanzen wir“, das der Regisseur und Dramatiker Monageng „Vice“ Motshabi im Rahmen des Internationalen Dramatiker*innenlabors „Out of Sight“ entwickelt hat. Das Thema der Schreibwerkstatt war das Verschwinden, eben auch das Verschwinden von Menschen: „Irgendwo zwischen hier und und und irgendwoanders. Unklar wo genau, dort verweilt der junge Mann.“ Behutsam und wütend zeichnet das Stück Umstände und Nachgeschichte des Todes beziehungsweise des Mordes an dem jungen Mann Tumelo Mogotsi nach und führt dabei vor, wie Diskurslandschaft und Justizsystem auch heute von kolonialem Erbe und strukturellem Rassismus geprägt sind. Denn der junge Südafrikaner starb auf dem Grund und Boden der reichen weißen Familie Van Vuuren, bei der die halbe Stadt, auch seine Mutter, in Anstellung steht. Der Sohn des Grundbesitzers feuerte die Schüsse ab. Japie, der Freund des Toten, der den Mord zur Anzeige bringt, ist ein stadtbekannter Junkie. Wer wird ihm glauben, dass die weißen Jungen ihn...

„Auf Noahs blutigem Regenbogen tanzen wir“ von Monageng „vice“ Motshabi

Ein Brunnen ist der Mensch

Allianzen bilden

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Jetzt ist alles politisch

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Den Narben begegnen

Abendliches Licht fällt durch die hohen Fenster in die imposante Maschinenhalle der Zeche Zweckel in Gladbeck. Es taucht die stillgelegte Fördermaschine samt ihren unterschiedlich großen Antriebsrädern in ein abgründiges Zwielicht. Die riesigen Artefakte einer längst vergangenen Zeit der Industrialisierung, die aus dem Boden der Halle herauszuwachsen scheinen, sind das zentrale Bühnenbild-Element in Barbara Freys Adaption von Edgar Allan Poes „Der Untergang des Hauses Usher“. Martin Zehetgruber hat entlang der Maschinenteile nur noch einige Stapel mit Büchern und eine Reihe von Musikinstrumenten platziert. Mehr braucht es nicht, um das Publikum mit dem Unheimlichen zu konfrontieren, in dem sich nach Freud Vertrautes immer mit Unvertrautem mischt. Es ist eine grandiose Bildsetzung, die Barbara Frey, die neue Intendantin der Ruhrtriennale, für ihre erste eigene Festival-­Inszenierung gewählt hat. Kultur und Industrie vereint in einem gigantischen Raum, der von Verfall und Wandel erzählt. Die Geister der Vergangenheit sind hier noch überaus lebendig, und so wird es auch noch lange bleiben. Das Unheimliche dieses Ortes wird zum Nukleus von Freys Annäherung an Edgar Allan Poes Erzählungen des Schreckens und lässt sich doch nicht ganz von ihnen vereinnahmen. Die Spielstätte behauptet ihre Eigenständigkeit und weist damit über die Inszenierung und die Kunst an sich hinaus. Genau das...

Die erste Ruhrtriennale unter der Intendanz von Barbara Frey

Unter Geistern

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Was folgt

Als er vom Preis erfuhr, dachte er: „Die haben sich geirrt!“ Nein, haben sie nicht. Bereits im Juli 2020 war klar, dass der erstmals vergebene Europäische Drama­tiker:in­nen-Preis an Wajdi Mouawad geht. Doch erst jetzt, im Oktober 2021, konnte covidbedingt die Verleihung der Auszeichnung, vom Kunstministerium Baden-Württemberg mit 75 000 Euro gefördert, im Schauspiel Stuttgart über die Bühne gehen. Und zwar nicht nur mit preisenden Reden. Sondern als Wochenend-Festival mit Aufführungen, Audiowalks, Autorengesprächen und mehr. ­Neben dem Hauptpreis wurde auch der Europäische Nachwuchs­dramatiker:innen-Preis, von der Stiftung SHR Holding mit 25 000 Euro dotiert, verliehen – an die britische ­Autorin Jasmine Lee-Jones. Dass es diese Preise nun gibt, war ein Herzensanliegen von Burkhard C. Kosminski, dem Stuttgarter Schauspielchef, der seine ­Arbeit hier mit internationalen Aspekten bereichert und dies durch die Gründung eines Europa-Ensembles bekräftigt hat. Dessen Leiter Oliver Frljić, der Regisseur Simon Stephens und die Intendantin Barbara Engelhardt, die mit dem Straßburger Théâtre Maillon eine konzeptuell „europäische Bühne“ leitet, waren sich zumindest darüber einig, dass Theaterarbeit unter dem Motto „Rewriting Europe“ sich, verkürzt formuliert, viel eher mit einzelnen Menschen, auch mit gefährdeten oder inhaftierten Individuen und Gruppen in ganz Europa beschäftigen sollte als mit der wirtschaftsorientierten und brüchigen Institution EU. Aber zunächst...

Der erstmals vom Schauspiel Stuttgart verliehene Europäische Dramatiker:innen- Preis geht an Wajdi Mouawad

Traumata, Thriller und Hunger nach Glück

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Beim Einlass werden Ohrstöpsel gereicht – es sei mit „lauten Geräuschen“ zu rechnen. Tatsächlich, gegen Ende des Abends prasseln plötzlich Hunderte Plastikflaschen vom Schnür­boden auf die Bühne. Ja, auch Theater kann auf spektakulär machen. Zum Saison­start in Stuttgart ging es nämlich darum, Andres Veiels im November 2020 zur ARD-Prime-Time gesendeten TV-Streifen „Ökozid“, der die deutsche Klimapolitik im Jahr 2034 vor dem Internationalen Gerichtshof anklagen lässt, aufs Theater zu übertragen. Und zwar so, dass nicht nur ein braver Abklatsch herauskommt. Denn der Film, in dem Angela Merkel vor einer Art Jüngstem Gericht steht, hatte als Mix aus Doku und Sci-Fi schwer Aufsehen erregt, erinnerte an die monströsen TV-Schauprozesse aus der Schirach-Werkstatt, bot zudem Top-Mimen wie Ulrich Tukur und Medien-Prominenz wie Ingo Zamperoni auf. „Ökozid“ auf dem Theater – funktioniert das? Die Bühnenfassung von Andres ­Veiel und Jutta Doberstein wirkt jedenfalls weniger aufgedonnert, verzichtet auf den ­Katastrophismus des Films. Von Sturmfluten, in deren Folge das Den Haager Gericht eva­kuiert werden musste, ist nun nicht mehr die Rede. In Stuttgart eröffnet eine Gastrednerin aus dem westafrikanischen Sierra Leone den Abend: Yvonne Aki-Sawyerr, Bürgermeisterin von Freetown, einer Millionenstadt, in der erst 2017 Überflutungen und Erdrutsche Hunderte Todesopfer forderten. „The climate change is real“, sagt...

Schauspiel Stuttgart: „Ökozid“ von Andres Veiel und Jutta Doberstein. Regie: Burkhard C. Kosminski, Bühne: Florian Etti, Kostüme: Ute Lindenberg

Stuttgart: Merkel vor dem Jüngsten Gericht

Ich arbeite gern

Derman sendedir

Wer Theatergeschichte schreibt, wird selbst ein Gegenstand der Theatergeschichte; das gilt für Eduard Devrient, von dem wir am meisten über das deutsche Theater der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts wissen, und das gilt für Günther Rühle, der der Devrient des ٢٠. Jahrhunderts ist: Seine beiden voluminösen Bände über das deutsche Theater von 1887 bis1945 und von 1945 bis 1966 ge­hören in jede größere deutsche Bibliothek. In dem ersten Band hatte er als ein Nachlebender das „Theater der Republik“ ergründet, um Erfahrungen und Orientierungen für die westdeutsche Theatergegenwart zu gewinnen, in die er zur gleichen Zeit als ­Kritiker aktiv einbezogen war. Das brachte ihn in Konflikt mit einem neuen Herausgeber, der hieß Joachim Fest und brachte ihn als Kritiker zum Verstummen, indem er ihn als ­Redakteur beförderte: Rühle redigierte fortan das gesamte Feuilleton, musste aber das ­Theaterressort an einen konservativen Kollegen abgeben. Als dieser Neuenfels’ umwälzende Frankfurter „Medea“-Inszenierung in einer Weise missbilligte, dass Rühle sich bewogen sah, ins eigene Blatt eine Gegenkritik zu setzen, durfte er dort überhaupt nicht mehr über Theater schreiben. „Ich werde euch alle überleben“, knirschte er einmal nach dem Ver­lassen des fürstlichen Herausgeber-Zimmers; nicht ohne Genugtuung vermerkt er, dass ihm das gelungen sei. Er tut dies, inzwischen...

Günther Rühle: Ein alter Mann wird älter. Hg. von Gerhard Ahrens. Alexander Verlag, 232 S., 22,90 Euro

Günther Rühle erinnert sich

Die Stress-Knoten auflösen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

November 2021

Premieren

Die in Mexiko geborene Performancemacherin Laura Uribe, die in Deutschland bislang vor allem mit ihrem Gastspiel „Mare Nostrum“ (unter anderem 2017 beim Festival Theaterformen in Hannover) bekannt wurde, hat im Rahmen des Internationalen Dramatiker*innenlabors ihr erstes Theaterstück verfasst. Darin erfahren wir zunächst, wie mexikanische Mütter und Großmütter lernen, mit Drohnen umzugehen, weil sie ihnen bei der Suche nach ihren verlorenen Kindern helfen. Anschließend erzählt der zwölfjährige Tavo, wie nach und nach seine drei Onkel und auch sein Vater verschwanden. Und Nancy Bustos und Mirna Medina berichten, wie sie die Leichname ihrer Söhne fanden und in Einzelteilen selbst bergen mussten. Aufgrund fehlender Geräte, fehlenden Personals und fehlender Zeit können Ermittlungen und Untersuchungen nicht ordnungsgemäß durchgeführt werden, so bezeugen es auch eine Polzeiinspektorin und eine rechtsmedizinische Gutachterin. „Campo“ widmet sich der bereits seit Jahrzehnten real stattfindenden Tragödie Zehntausender verschwundener und weiterhin verschwindender Menschen in Mexiko. Hinter den Entführungen und Verschleppungen vornehmlich junger Männer stecken häufig Drogenkartelle oder andere organisierte Banden; Korruption und Justizversagen stützen diese Verbrechen. Laura Uribe hat bei ihren Recherchereisen mit zahlreichen Menschen vor Ort Interviews geführt, deren Positionen als „Augenzeugenberichte“ in ihr Dokumentartheaterstück eingeflossen sind. Auf diese Weise verstärkt sie die Stimmen derer, die sich – wie Tavos Großmutter...

„Campo“ von Laura Uribe

Ein Stück Autoethnografie wider die Schönen Künste

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Auch wenn momentan niemand weiß, wohin die sich aus der ökologischen Misere entwickelnden Turbulenzen führen, implizieren sie unabweisbar Fragen nach den Maximen der Lebens­führung. Gesamtgesellschaftlich nehmen die Spannungen zwischen jenen, die sich mit künftigen Generationen bzw. gegenüber ihren Kindern und Kindeskindern solidarisch zeigen und ihren um das Prinzip Ego zentrierten Kontrahenten, die demonstrativ auf das Klima und die Verknappung der Ressourcen pfeifen, stetig zu. Zweifellos ist die Kollision des neoliberalen Menschenbilds mit dem Prinzip Verantwortung, verkörpert von jenen Teilen des sozialen Gefüges, die eine Einstellung des „Kriegs gegen die ­Zukunft“ (Philipp Blom) fordern, bühnentauglich. Nur werden Kämpfe, insbesondere wenn ihnen eine immense geschichtliche Schubkraft innewohnt, nicht auf dem Feld der Moral entschieden. Sie enden in der Regel auch nicht mit dem Sieg der Einsichtigen, wie bereits Henrik Ibsen mit „Der Volksfeind“ (1882) exemplarisch demonstrierte. Seither hat sich wenig geändert. Noch immer kommen die Profite und die ökonomische Macht denjenigen zugute, die im ­Namen der Produktivität die (planetarischen) Rahmenbedingungen ausblenden. Noch immer rechnet sich ein derartiges Vorgehen, auch wenn es langfristig derart kostenintensive Nebeneffekte zeitigt, dass die Verluste die Gewinne schließlich um ein Vielfaches übertreffen. Bislang hat sich das Kapitalozän als äußerst kreativ ­erwiesen, wenn es galt, seine finstersten Schattenseiten durch...

Die planetarische Moral

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Das Literarische Colloquium Berlin versteht sich seit seiner Gründung in den sechziger Jahren nicht nur als Ort für die Präsentation von literarischen Arbeiten, son dern in gleichem Maße auch als Haus der entstehenden Literatur, des Dialogs über das Schreiben, während es passiert. Und obwohl sich Theater- und Literaturbetrieb in den vergangenen Jahrzehnten aus verschiedenen Gründen voneinander entfernt haben, hat das dramatische Schreiben inzwischen wieder einen festen Platz im Programm des Hauses. Nicht zuletzt dank des Internationalen Dramatiker*innenlabors, das seit 2015 in drei Durchläufen Theatertexte und Schreibende aus der ganzen Welt nach Berlin und von hier aus wieder in die Welt brachte. Die Teilnehmenden verbrachten intensive Monate miteinander, im direkten Austausch wie auch digital. Sie vertieften sich gemeinsam in die Recherche, aber auch in die eigenen Stücke und begleiteten einander während des gesamten Entstehungsprozesses. „Out of Sight“ lautete der Titel des letzten Drama tiker*innenlabors mit Laura Uribe, Monageng „Vice“ Motshabi, Yildiz Çakar und Dalia Taha unter der Leitung von Maxi Obexer und Mazlum Nergiz. Vorgesehen waren Aufenthalte in Berlin ebenso wie Reisen nach Südafrika, Mexiko und Palästina. Die erste Reise führte uns nach Mexiko-Stadt. Nach einigen Tagen vor Ort fragte uns unsere Gastgeberin Laura Uribe, ob wir gemeinsam an einem Temazcal...

Auftauchen

Es sei zwar „manches dabei“, aber ihr Privatleben spiele sie nicht auf der Bühne, antwortet Christine Gabsch auf die Frage, wie viel Authentisches in der Chemnitzer Inszenierung von Ernest Thompsons „Das Haus am See“ durchschimmere. „Meine Frau würde sagen ,viel‘“, hatte ihr Bühnen- und Lebens­partner Wolfgang Adam zuvor lächelnd ge­äußert. Solche unterschiedlichen Akzente aber muss man schon herausfordern bei einem Paar, das seit einem halben Jahrhundert gemeinsam auf der Bühne und in der gemeinsamen Küche steht. Wo „die Suppe gerne mal überkocht“, wenn beide naturgemäß einmal nicht einer Meinung sind. Das sind sie auch in der seit Mai auf dem Chemnitzer Spielplan stehenden Abschiedsinszenierung nicht, die wie für diesen Anlass und das außergewöhnliche Paar geschrieben scheint. Ein Vorschlag, auf den ­Regisseur Philipp Otto dankbar einging, nachdem beide schon in Henning Mankells „Treffen am Nachmittag“ als ein langjährig verheiratetes Paar auf der Bühne standen. ­Einem lange geübten Ritual folgend ziehen beide sommers in das „Haus am See“ ein. Die Liebe des Paares ist noch nicht verschlissen, spürt man. Aber der ehemalige Professor kämpft mit seinen Schrullen und seinen 80 Jahren, Familienkonflikte und sein nachlassendes Gedächtnis holen ihn ein. Integrierende, aber ebenso bestimmte und bestimmende Kraft ist seine Frau. Die Schauspielerin Christine...

Christine Gabsch und Wolfgang Adam standen seit fast einem halben Jahrhundert gemeinsam auf der Bühne – jetzt sagen sie Adé

Leidenschaft und Abschied

„Is my future all in the past“

Das 2003 von der Stadt Erfurt aufgegebene Schauspielhaus wird zum genossenschaftlichen KulturQuartier und Montavons Musiktheaterhaus zum Transformationsprozess gebeten, junge Theaterschaffende tauchen auf, und Grundsatzfragen zur Zukunft des öffentlich subventionierten Stadttheaters werden gestellt. Kann ein einmal verlorenes Schauspielhaus jemals wieder auf­gebaut werden? Die Geschichte, die hier nur in Bruchstücken erzählt werden kann, hat – optimistisch betrachtet – einen noch offenen Ausgang. Sie beginnt in den 1990er-Jahren in der vielerorts auf Kulturabbau fokussierten (ostdeutschen) Nachwendezeit, hat zu tun mit kulturpolitischer Ignoranz, Verfall und jahrzehntelang schlafenden Thea­ter­immobilien, aber auch einer neuen Generation gestaltungswilliger Bürger*innen, einer bemerkenswert mitglieder- wie überzeugungsstarken Kulturgenossenschaft, aufbruchswilligen, stadtpolitisch engagierten Akteur*innen und ­beharrlichen Kulturinitiativen. Und zuletzt findet sich unter den Protagonist*innen auch eine hoffnungsvoll angereiste Gruppe junger Theaterschaffender, die – trotz, oder gerade wegen, der physische Kulturräume so lange verunmöglichenden Pandemie – dem Schauspiel und einem experimentierfreudigen Theater wieder eine selbstbewusste Stimme geben will. Und zwar hier, in der Mitte Deutschlands, wo seit 2003 die einzige Landeshauptstadt ohne eigene Schauspielsparte ihr Theaterhaus am Rande der Innenstadt hinter hohen Bäumen verfallen lässt. Oder besser: verfallen ließ. Denn der Umwandlungs­prozess in ein „Kunst, Kultur und Kreativwirtschaft“ vereinendes, multifunktionales KulturQuartier Erfurt durch die seit vielen Jahren hierfür selbstorganisiert arbeitenden Bürger*innen hat längst begonnen:...

Schauspiel für die Thüringer Landeshauptstadt?

Wie Phoenix aus der Asche

Einsteigen bitte zum Autotheater! Ich erwische einen SEAT Cupra im schwarzen Leichen­wagendesign. Ein erster prüfender Blick sagt: Zu nichts nutze außer zum Schnellfahren, der Tacho beginnt praktisch erst bei 160. Ein Paar Ski oder ein Fahrrad bekommt man hier jedenfalls nicht unter. Er ist einer von 18 Neuwagen, die im Kreis auf dem Dresdner Neumarkt warten. Die Verbindung nach draußen hält ein zusätzlicher Lautsprecher. Anzustecken an einen jener 18 weiteren Wagen, die nun einen zweiten Kreis bilden, hupend, fluchend, genervt, wie es sich im Stau gehört. Denn von diesem sich weltweit bildenden Mega-Stau erzählt die Zentralgeschichte, vorgetragen von einem Podium im Mittelpunkt der konzentrischen Autokreise. Sie beginnt scheinbar harmlos in einer Zeit, „als unsere Autos immer klüger wurden“, ihr Tempo drosselten und schließlich stehen blieben, um zu grübeln. Aber die Insassen konnten nicht aussteigen, Mensch und Auto waren längst eine Symbiose eingegangen und voneinander abhängig. Wie es dazu kam, erzählen die Szenen und Geschichten der 19 Bürgerbühnenspieler im Außenkreis, die nervös jeweils ein paar Stationen weiterrücken. Ein durstiges Radler-Opfer im sportlichen Kampfanzug springt außerdem in den Lücken herum. Es sei kein Stück für oder gegen das Auto, betont Bürgerbühnenleiter Tobias Rausch ungeachtet der mindestens mahnenden und skeptischen Tendenz. Mit dieser...

Staatsschauspiel Dresden/Bürgerbühne: „Asphalt“ von Tobias Rausch. Regie: Tobias Rausch

Dresden: Im Kreisverkehr voran

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

(I) Hiba löst Knoten an einem Seil. Eine Fahne fällt vom Himmel und flattert zu Boden. Hiba: Wir haben die Fahne runtergerissen! Mädchen gemeinsam: Whoooooooowhoooooo whooooooo Deema: Fuck! Hiba: Wir haben die Fahne abgenommen! Lama: Fuck fuck fuck fuck! Wir haben die Fahne runtergerissen! Deema: Scheiß auf das hier! Lama: Scheiß auf diesen Staat, scheiß auf dieses Land, scheiß auf diese Schule. Hiba: Diese Stadt. Lama: Diese Welt. Hiba: Fuck! Scheiß auf Jungs! Lama: Wir haben es gemacht. Wir haben es wirklich gemacht! Deema: Scheiße. Fuck. Hiba: Wir haben es geschafft. Deema: Scheiße. Fuck! Hiba: whohooooooo WHOHOOOOOOOOO Deema: Fuck! Lama: whohowhwooooowhwooooooo Hiba: Wir übernehmen die Schule! Lama: Wir übernehmen das Land! Deema: Seht uns zu! Lama: Wir hängen sie ab. Hiba: REISSEN ALLES NIEDER. Lama: Seht uns dabei zu, wie wir noch mal neu beginnen. Hiba: Das kommt in den Nachrichten. Lama: Nein? Hiba: Ja? 0Deema: Was? Hiba: Ja? Deema: Warte mal. Was? Was kommt in den Nachrichten? Hiba: Das. Die Schule. Alles. Lama: Fuck. Ja. Deema: Die Schule kommt in den Nachrichten? Lama: Glaubst du, sie machen sie dicht? Deema: Was? Lama: Für die Ermittlungen? Deema: Ermittlungen? Hiba: Ja, sie/ Deema: Welche Ermittlungen? Hiba: Hier. Die Schule. Das...

ins Deutsche übersetzt von Gerhild Steinbuch

Gratulation / Abitur

Eine folgenschwere Fehlentscheidung über die Leitung der Berliner Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz scheint endlich überwunden. René Pollesch hat die erste Spielzeit seiner Intendanz eröffnet. Aber sind die damit verknüpften Erwartungen überhaupt zu erfüllen? Auch aus Schwerin wird von einem Neustart berichtet, mit einem Panorama als Auftakt, von dem es am Ende heißt, dass „Theater noch zaubern kann“, und mit dem von nun an in einen ‚Späti Deluxe‘ als Zuschauertreff geladen wird....

Editorial

So schafft man Liebhaber. Ein gefühltes halbes Menschenleben lag das Berliner ICC wie ein an den Strand gespülter Riesenwal an der einstigen Rennstrecke Avus. Leblos, ja sterbend wirkte auch der Bau. Seit der Schließung im Jahre 2014 lag er, unterbrochen nur von einer Zwischennutzung als Geflüchteten-Unterkunft, grau und vor sich hin staubend in Berlins Verkehrslärm. Im Oktober, zur Feier des 70. Geburtstags der Berliner Festspiele, schaltete der scheidende Intendant Thomas Oberender für zehn Tage noch einmal die Lichter an. Es ist seine wohl größte Tat in der gesamten achtjährigen Intendantenzeit. Denn er ließ nicht nur Luft rein in die knapp eine Million Kubikmeter umbaute Fläche (313 Meter Länge, 89 Meter Breite, fast 40 Meter Höhe) sowie Strom und Wasser fließen. Vor allem ließ er Menschen hinein, die vom futuristischen Interieur schwer begeistert waren. Die Schritte gedämpft vom Teppichboden mit dem Kugelmuster blickte man aus den abgerundeten Fenstern auf die ­Dächer der Stadt und den danebenstehenden Funkturm, der seinerseits wie eine start­bereite Rakete wirkte. Man betrat Säle wie den riesigen, 5000 Menschen fassenden Kongresssaal. Auch kleinere Säle begeisterten aufgrund der ­Paneele an der Decke, die ebenfalls Raumschiff-Futuristik ausstrahlten, den trans­parenten Übersetzerkabinen, die sich im Halbrund um das Zentrum schmiegten. Die Vintage...

Die Berliner Festspiele beleben für kurze Zeit den Monumentalkörper ICC

Realer Futurismus

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Autorinnen und Autoren November 2021 / Vorschau

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Die erste Aufführung, die ich von Mariano Pensotti sah, war „La Marea“, 2006 in Brüssel beim Kunstenfestival des arts. Sie ist mir unvergesslich bis heute. Wir, das waren viele Menschen, Festivalbesucher, Passanten, Neugierige liefen nachts die Rue de Flandre entlang, eine kleine Straße mit vielen Geschäften, in denen Merkwürdiges geschah. Durch die Schaufenster beobachteten wir Paare beim Essen oder Streiten, beim sich Langweilen oder Küssen. Auf die Fenster projizierte Untertitel verrieten ihre Gedanken, die oft konträr zu den gezeigten Situationen daherkamen. Es war faszinierend, die Straße entlangzuschlendern, wie ein Voyeur in die Fenster zu starren und sich die Lebensfetzen zusammenzureimen. Ich ging jede Nacht hin, und jedes Mal war es anders, nicht in dem, was geschah, sondern in dem, was ich – und sicher auch viele andere – dort hineininterpretierten. Neun Episoden, drei davon auf der Straße, etwa ein Motorrad­unfall, und wenn man am nächsten Morgen wieder zur Rue de Flandre kam, hatten die Geschäfte wieder ihre Auslagen und ­Kunden, und niemand ahnte was vom nächtlichen Gespenster­reigen. So muss Theater doch sein, dachte ich, eine Verschwörung gegen die Welt, für die Welt, ein Traumwissen, das verstört und heilt. Aber nach vier Nächten war alles vorbei. Seither habe ich Pensottis Arbeiten...

Mariano Pensottis Theater zwischen Raum und Zeit

Der Geschichtenerzähler

Das Programm für die Kulturhauptstadt Kaunas im nächsten Jahr richtet sich sehr stark auf die Geschichte der Stadt und ihre modernistische Architektur aus den 1920er und 1930er Jahren aus, als Kaunas die Hauptstadt Litauens war. Wie kommen Theater und Performance dazu? Es gibt insgesamt sieben Programmlinien, eine davon besteht aus Tanz und Theater bzw. Performance. Schon im letzten Jahr hat das Litauische Zentrum für Tanz damit begonnen, in Zusammenarbeit mit dem Fernsehen Tanzprojekte an fünf eigens ausgewählten Orten der von Ihnen angesprochenen Architektur zu veranstalten. Der zeitgenössische Tanz ist so mit der modernen Architektur von Kaunas verbunden, und das wird sich im Hauptprogramm nächstes Jahr fortsetzen. Für die Architektur wird es ganz spezielle Stadtführungen geben, aber man kann sie eben auch mit dem Tanz auf besondere Weise er­leben. Und wir wollen natürlich auch für die weniger bekannten Seiten der Stadt interessieren und zu Entdeckungen einladen. Wie ist das litauische Theater in das Programm eingebunden? Wir waren von Anfang an bestrebt, die Zeit vor Kaunas 2022 für die Entwicklung neuer Veranstaltungen und Festivals zu nutzen. Das Ganze folgt einer Strategie für insgesamt zehn Jahre, beginnend mit der erfolgreichen Bewerbung und für fünf Jahre nach dem Hauptstadtjahr. Es geht also sehr stark...

Was macht das Theater, Virginija Vitkienė?

Unter Beobachtung

Woke Wut Linke Identitätspolitik etabliert im Gegensatz zur rechten eine komplizierte Wutkultur. Sie muss die Thymos-Spannung der Opfer hochhalten und immer wieder neu entfachen. Zugleich muss sie die wütenden Reaktionen der Mehrheitsgesellschaft abwehren, indem sie diese wie in einer japanischen Kampftechnik auf sie selbst zurückwendet. So erklärt sich, warum sich beide Identitätspolitiken gegenseitig befeuern. Die rechte Wut wird nicht als Ausdruck sozialer Probleme ernst genommen, sondern soll vor allem eine Gefahr für linke Identitäten sein. Rechte Wut wird zum individuellen Charakterfehler erklärt, während linksidentitäre Wut Ausdruck der falschen Verhältnisse ist. Mit diesem doppelten Standard werden permanent neue Konflikte produziert. Denn es werden nicht nur alle nicht-linksidentitären Wutkollektive provoziert, sondern es wird ebenso der Universalismus und Gleichheitsanspruch der bürgerlichen Milieus bekämpft. Um in diesem Wechselspiel Sieger zu bleiben, wendet die linke Identitätspolitik ihre Paradoxien immer radikaler an. Jeder Versuch, auch die rechte Wut als Teil des politischen Spektrums zu verstehen, wird kategorisch abgelehnt. Wer die „Sorgen der Bürger“ ernst nehmen will, macht sich in ihren Augen bereits verdächtig. Der einfache Grund, warum linke Identitätspolitik ihre doppelten Standards so vehement durchsetzen will, besteht in ihrem politischen Machtanspruch. Würde die Wut der „weißen Menschen“ nicht als Beweis ihrer Schuld angesehen, sondern als verstehbares...

Wutkultur

Sie befinden sich gerade in der Südtürkei und waren kurz davor an der syrischen Grenze bei Ihrer Familie. Im Moment scheint in Deutschland der Blick auf die Flüchtlingsströme durch die Corona-Pandemie verschattet zu sein. Die Routen haben sich verändert und verlaufen nun über Belarus und Polen. Was kann man in der Türkei als Nachbarland und vor allem als Transitregion zwischen Europa und Asien darüber wahrnehmen? Ist das noch ein aufgeheiztes Thema? Wenn man in verschiedenen Ländern und Regionen, Sprachen und Kulturen sozialisiert ist und lebt, bekommt man ja zwangsläufig Verbindungsmomente und Tangenten zwischen den eigenen Lebensorten näher mit. Das hat klar immer Vor- und Nach­teile, in meinem Falle sind es die geografischen und kulturellen urbanen Koordinaten zwischen Berlin, Athen und Istanbul, aber auch weitere Momente des Mittelmeerraums und Nordeuropas, die sich kreuzen. Man bemerkt die syrische Flüchtlingskrise, aber auch viele weitere aktuelle globale sozialpolitische Entwicklungen in dieser Geografie sehr nah, wie zum Beispiel die aktuelle Situation in ­Afghanistan und die Entwicklungen im Iran. In der Türkei sind ihre geografische Lage und die vielschichtigen historischen Ereignisse der Region Grund dafür, dass man in jedem Moment des Alltags viel näher an den globalen sozio-politischen Umwälzungen wie auch den aktuellen dieser Flüchtlings- und...

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