„Ich bin kein Roboter“, behaupteten die beiden weiblich und die eine männlich aussehende Figur, die, gut verkabelt, gerade jede Menge dieser typisch abgezirkelten Bewegungen, die wir mit "Roboter“ assoziieren, produziert haben. Für ihre Behauptung stellen sie sich abwechselnd ganz vorn an den Bühnenrand, sprechen ins Mikrofon, schauen ins Publikum, immer wieder. „Ich bin kein Roboter“ – sollen wir das glauben? Natürlich erkennen wir deutlich die Atembewegungen, die Kontraktionen der Muskeln und Sehnen unter der Haut, die Haare, die zurückblickenden Augen und hinter aller Bewegungsmechanik das Organische, Lebendige ... Ist die Grenze tatsächlich noch so einfach zu ziehen? In einer Zeit, in der Algorithmen Kühlschrank und Staubsauger zu selbsttätigen Partnern unseres Alltagslebens mutieren lassen, in der das Smartphone fast zu einer Art Prothese geworden ist und externe künstliche Gliedmaßen durch Gedanken gesteuert werden können, bewegen sich Iris Meinhardt (Regie) und Michael Krauss (Robotikbau) mit ihrer Inszenierung „Robot Dreams“ wieder einmal ganz nah am aktuellen digitalen Geschehen. Und sie finden in ihrer gedanklich und technisch ausgeklügelten Recherche zu Grenzen zwischen Maschine und Mensch irritierende, beklemmende und auch komische Bilder. Dabei bereiten mir die Versuche der drei wunderbaren Tänzer*innen Luis Hergón, Daura Hernández García und Sawako Nunotani, die an ihren Körpern befestigten zusätzlichen...

„Robot Dreams“ von Meinhardt & Krauss in Stuttgart

Grenzerkundungen

Die Leitung der Hochschule reagierte mit dieser Reise auf einen immer lauter werdenden Zuruf/Vorwurf der kommunalen Puppen-Theater in Richtung Hochschule: „Eure Studierenden wollen nicht an unsere Häuser!“ Warum ist das so? Einerseits stehen doch diese öffentlich geförderten Häuser für die Grundidee einer zugänglichen und relevanten Kulturarbeit und auch für ein qualitatives föderales Kulturkonzept ‚made in Germany‘. Andererseits gibt es das Problem, dass der Trend zur Internationalisierung, zur verstärkten Mobilität im Gegensatz steht zur Möglichkeit von kontinuierlicher Theaterarbeit mit kommunalen Bezügen. Warum scheint die Kulturarbeit in den deutschen Provinzen immer weniger attraktiv? Zwei der Studentinnen – Josephine Hock und Jemima Milano – teilen mit uns ihre Eindrücke von ihrer Sachsen-Reise und beziehen Stellung zum Thema der deutschen Leitkultur, der Position von Puppentheater in Deutschland und der Frage, ob die kommunalen Puppentheater für sie eine attraktive Zukunftsvision bieten könnten. Josephine Hock – Sieben Gedanken zu: Wo und wie will ich arbeiten Denk’ ich an Deutschland, dann denk’ ich erstmal gar nichts. Dieses Land ist meine Heimat, ja. Das muss ich wohl so sagen. Ich habe noch nie längere Zeit außerhalb dieses Landes gelebt. Ich kenne nur die deutsche Theaterlandschaft. Ich bin nicht stolz, Deutsche zu sein. Zufälligerweise bin ich hier geboren. Wieso...

Eine Gruppe junger Studierender der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch hat sich auf eine Reise nach Sachsen begeben, um sich einmal die deutsche Stadttheater-Kultur genauer anzuschauen. Stationen der Reise waren: das Puppentheater Bautzen, das Theater Junge Generation Dresden, das Figurentheater Chemnitz, das Theater der Jungen Welt Leipzig und das Puppentheater Zwickau.

Eine Reise in die sächsischen Lande

Puppenspiel in Deutschland

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Dabei hatte für den 1956 im sächsischen Neustadt geborenen Thomas Hänsel im unter sozialistischen Vorzeichen stehenden Teil Deutschlands der Berufsweg eher als Problem begonnen. „Ich hätte nach dem Studium an der Berliner Hochschule für Schauspielkunst gerne ein eigenes Theater aufgezogen,“ so der diplomierte Puppenspieler, der den DDR-Oberen jedoch als politisch unzuverlässig galt und wegen seines vorlauten Mundwerks aneckte. Immerhin begründete er gemeinsam mit (dem derzeit als Friedrich Liechtenstein späte Underground-Popstar-Karriere genießenden) Holger Friedrich das bis heute existierende Hohnsteiner Puppenspielfest, ehe er per Heirat in den Westen übersiedelte und vom Arbeitsamt als unvermittelbar registriert wurde. In Stuttgart traf er auf Frank Soehnle, einen der ersten Absolventen des neuen Figurentheater-Studiengangs an der Hochschule für Musik und darstellende Kunst, und erhielt zugleich das Angebot, sich um die Nachfolge einer verwaisten Karlsruher Puppenbühne zu bemühen. Gemeinsam bewarben sich die jungen Spieler aus Ost und West, bekamen als Team den Zuschlag und gründeten das Figurentheater marotte, das in den ersten drei Jahren stark von der ästhetischen Handschrift und Ausstattung Frank Soehnles geprägt war. Als dieser Karlsruhe verließ und sich mit dem figurentheater tübingen selbständig machte, begann Thomas Hänsel nach dem eigenen Stil zu suchen, für den Hänsels Faible für Humor und seine ironische Grundhaltung zum...

Lange Jahre galt das Karlsruher Figurentheater marotte in erster Linie als Kinderbühne. Mit einem kleinen Spielerteam stemmen die Karlsruher mit jährlich über 700 Vorstellungen ein Riesenpensum. Mehr als 30.000 Besucherinnen kommen alleine in das Theaterhaus, in dem die marotte neben zwei Schauspielbühnen residiert und rund die Hälfte ihrer Vorstellungen spielt. Nach 30 Jahren hat das rührige Ensemble mittlerweile auch die Erwachsenen für sich gewonnen. Nicht zuletzt durch einen großen Sprung, mit dem das Theater seit einigen Monaten ausgerechnet einem kommunistischen Känguru zur Bühnenpräsenz verhilft.

30 Jahre Figurentheater marotte in Karlsruhe

Mit Känguru-Sprung zum Erwachsenenpublikum

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Der britische Blick: Deutschland – Erinnerungen einer Nation Von Tim Sandweg – Vielleicht kann uns ein Brite helfen, die Nation zu erklären. Der Kunsthistoriker Neil McGregor, langjähriger Direktor des British Museums in London, wirkt seit 2015 an der Stelle, an der staatliche Nationalidentität neu erzählt werden soll: Als Gründungsintendant des Humboldt Forums im wiederaufgebauten Berliner Stadtschloss, einem Projekt, das nicht nur aufgrund der Architektur und des Standortes heftig umstritten ist, sondern auch trotz des avisierten Eröffnungstermins im kommenden Jahr konzeptionell weiterhin ziemlich zu wanken scheint. McGregor hat in den vergangenen Jahren eine Reihe von erfolgreichen populärwissenschaftlichen Büchern publiziert, wobei auffällt, dass sein Blick stets vom Objekt ausgeht, das er als Erinnerungsträger mit unterschiedlichen Deutungsmöglichkeiten und Geschichten interpretiert (u. a. „Eine Geschichte der Welt in 100 Objekten“, 2011). So auch in einem jüngeren Projekt: Die Ausstellung „Deutschland – Erinnerungen einer Nation“, zu der auch ein 600 Seiten starkes Buch erschien, lief zunächst höchst erfolgreich in London und wurde dann von den Berliner Festspielen in einer adaptierten Version mit 200 Objekten im Winter 2016/17 im Martin-Gropius-Bau gezeigt – auch hier ein Publikumserfolg und, bedenkt man, dass die ausrichtende Institution dem Bund gehört, ein Staatsakt. Das Projekt versuche nicht, so schreibt McGregor, „in...

Wie wird nationale Identität erzählt? Tim Sandweg denkt für double über drei Ausstellungsprojekte nach, die in den vergangenen Jahren mit Dingen im Zentrum eine Position entwickelt haben: aus Sicht der Kunstgeschichte, der Bildenden Kunst und der Fotografie.

Ein Ausstellungsbesuch

„Denk ich an …“

1991 fand im damaligen Puppentheatermuseum im Münchner Stadtmuseum ein Symposium mit Puppentheaterwoche zur Geschichte der lustigen Figur statt. Jeder Wissenschaftler versuchte die nationale Spezifik ‚seiner‘ komischen Figur herauszuarbeiten. Neben folkloristischen Aufführungen osteuropäischer Staatstheater, mit viel Tracht und viel Schauspiel, und einem Münchner Dultspieler überzeugten eigentlich nur Henryk Kemeny (1925–2011) aus Budapest mit seinem Vitéz László und der gelernte Architekt Bruno Leone mit seinem neapolitanischen Pulcinella. Der Amsterdamer Jan Klaaszen war so weichgespült, dass er mit seinem türkischen Freund Karagöz Abenteuer erlebte, anstatt diesen zu verprügeln. Der so kluge und feinsinnige George Speaight (1914-2005) merkte daraufhin an, dass ja wohl Punch der älteste unter den lustigen Figuren sein müsse, da er sich als einziger seine Vitalität, Qualität und Quantität erhalten habe. In Großbritannien existierten immerhin noch hunderte Punch-Spieler, auf dem Kontinent müsse man die letzten ihrer Art mühsam suchen. Ursprünge Irgendwo muss der Pulcinella-Punch-Kasper ja entstanden sein. Aber war dies England? 1945 schrieb Svend Smith in seinem sonst exzellenten Buch über den dänischen „Mester Jakel“, dass die Figur ihre Wurzeln in Frankreich hätte und von einem „Maître Jacques“ abstamme. Nach den schrecklichen Ereignissen des Zweiten Weltkriegs ist seine These verständlich, macht aber wenig Sinn, wenn man auf die Landkarte schaut, insbesondere...

In jeder besseren wie auch jeder schlechteren Theater- oder Puppentheatergeschichte wird eine Unterscheidung der lustigen Figuren nach den Nationen unternommen und dies mit unterschiedlichen ‚Nationalcharakteren‘ begründet. In England gäbe es „Jack Pudding“, in Frankreich „Jean Potage“ und in Deutschland eben „Hans Wurst“, ebenso wie die jeweiligen ‚Nationalgerichte‘.1 Anstatt die Unterschiede zwischen den Figuren zu betonen, wäre es zunächst einmal notwendig, nach den Gemeinsamkeiten dieser Figuren zu suchen und dabei auch psychologische und soziologische Aspekte zu berücksichtigen.

Eine Polemik wider 100 Jahre nationalistische Puppentheaterforschung in Europa

Kasper International

Das Bild des deutschen Puppen-, Figuren- und Objekttheaters ist, aus der Ferne gesehen, keineswegs homogen. Es weist vielmehr eine große Bandbreite von Stilen und Ansätzen auf – definitiv seine Qualität. Und dieses Bild verweist auf ein Publikum, das ausreichend interessiert, offen und neugierig genug ist, um diese Vielfalt in ihrer Entwicklung zu verfolgen und zu unterstützen. Puppentheater-Interpretationen von Klassikern der Kinder- und Erwachsenenliteratur, Volkslegenden, Märchen, sind sozusagen ein Erfolgskapitel deutscher Darstellungskunst. Das Vorhandensein von richtigem Maß, visueller Harmonie, Kunstfertigkeit und einer dramaturgisch sauberen Vorgehensweise sind erwartbare und tatsächliche Ergebnisse einer langjährigen Puppenspieltradition und der Existenz von Ausbildungseinrichtungen für Puppendarsteller; zugleich gründen sie auf dem Respekt der Gesellschaft für dieses Genre und nicht zuletzt auf den Ansprüchen des bereits erwähnten Publikums. Diese Art von Inszenierungen bewegen die Sinne, sie stimmen fröhlich oder traurig und bereichern auf jeden Fall die Seele. Was aber besonders die Aufmerksamkeit erregt und weswegen die Auftritte deutscher Kompagnien in manchem Festivalprogramm mit besonderer Neugierde erwartet werden, sind die durch starke Symbole – seien es Puppen, Figuren, ein Objekt, ein Material – geprägte Eigenart und die Kraft, mit der bestimmte Ensembles oder Performer die Betrachter in die geschaffenen Welten hineinziehen, um gemeinsam die Theateraufführung zu durchleben. Ich liebe...

Die serbische Kuratorin und Chefredakteurin der am Theatermuseum Novi Sad erscheinenden Puppentheater-Zeitschrift NITI, Ljiljana Dinic, imaginiert aus der Ferne einige Spezifika des Theaters mit Figuren und Objekten, das sie bei ihren diversen Reisen in Deutschland erlebt hat. In diesem Bild erscheinen nicht nur Vielfalt, Intellektualisierung und künstlerische Risikobereitschaft, sondern auch ein alter Bekannter – der Kasper …

Das Bild des deutschen Figurentheaters

Ein Blick aus der Ferne

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Jetzt ist alles politisch

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

In keiner Stadt habe ich jemals mehr Europaflaggen gesehen als in Bukarest. Nicht in Brüssel, nicht in Paris, nicht in Berlin, nicht in Wien und in London schon gar nicht. In Bukarest jedoch weht der europäische Sternenkranz an staatlichen und kommunalen Gebäuden ebenso wie an Kneipen, Geschäften und Privatvillen, er hängt aus Wohnungen und vor Friseursalons … ein starkes Statement. Passend zu der quirligen, multikulturellen jungen Szene, die, nicht nur im Umkreis der Universität, hippe Cafés und Bars betreibt und bevölkert. Dass gleich um die Ecke alte Frauen am Straßenrand ein paar Blumensträuße, Zwiebeln und zusammengeflochtene Knoblauchknollen anbieten, gehört zu den vielen Kontrasten, die das Bild dieser Stadt prägen. Kontraste auch im Theater Tandarica, wo im November 2017 das 13. Internationale Animationstheaterfestival „ImPuls“ ein reichhaltiges Programm bot, mit Inszenierungen für Kinder und Erwachsene, Vorträgen, Buchpräsentationen, Filmvorführungen, Treffen zwischen Theatermachern und Fachpublikum. Die Produktionen kamen unter anderem aus Griechenland, Italien, Frankreich, Deutschland, Dänemark, China und natürlich Rumänien. Einige Festivalvorstellungen konnte ich anschauen. Zwischen Überwältigungsdramaturgie und leiser Musikalität Mit der gebotenen Zurückhaltung – wegen des kleinen Ausschnitts aus dem Gesamtprogramm und fehlender rumänischer Sprachkenntnisse – ist festzustellen, dass im Programm gewisse Divergenzen mitspielen. So spiegelt sich der im Programmheft geäußerte Wunsch des...

Eingeladen vom Goethe-Institut Bukarest, auf dem Internationalen Animationstheaterfestival ImPuls 2017 über Figurentheater für Junges Publikum in Deutschland zu berichten, hatte die double-Autorin Anke Meyer Gelegenheit, sich auf dem Festival (und auf dem Weg zum Theater) umzusehen.

Stippvisite beim Festival ImPuls in Bukarest

Kontraste

Regelmäßig beantragen wir Förderung bei der Stadt Leipzig, der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen, dem Fonds darstellende Künste (daku), gelegentlich bei dem Programm Szenenwechsel des Internationalen Theaterinstituts mit der Robert Bosch Stiftung sowie, in Kooperation mit dem Westflügel, bei der Kulturstiftung des Bundes (KSB), wurden bei letzterer allerdings (mit einer Ausnahme 2006) immer abgelehnt. Und vielleicht beginne ich damit, um zu schildern, woran aus unserer Sicht die öffentliche Kulturförderung krankt. Als vor Jahren das KSB-Programm „Doppelpass“ aufgelegt wurde, um den Austausch zwischen Institutionen und Freien zu fördern, beantragte der Westflügel ein Projekt mit einer jungen freien Gruppe. Der Antrag wurde abgelehnt, es gab jedoch ein Nachgespräch, bei dem uns die zuständige Dame vorschlug, doch als Wilde &amp; Vogel stattdessen mit einem städtischen Theater zu kooperieren: „Sie wollen doch sicher auch mal eine Drehbühne, Herr Vogel!“ Sie war sehr erstaunt, zu hören, wir hätten kein Interesse. Themenvorgaben gängeln Aber wir haben uns ja dafür entschieden, frei zu arbeiten. Wir brauchen kein Programm, das uns eine Zusammenarbeit mit einem Stadttheater finanziert. Wir möchten, dass unsere freie Arbeit gefördert wird. Wir würden in solchen Kooperationen immer der kleine und flexible Partner sein, der gegen die Bürokratie und Hierarchie institutionalisierter Struktur den Kürzeren zieht. Solche...

Das Figurentheaterduo Wilde &amp; Vogel realisiert seit 1997 freie Produktionen mit drei bis zwölf Beteiligten. Zunächst in Stuttgart, seit 2005 in Leipzig. Charlotte Wilde und Michael Vogel arbeiten außerdem in der künstlerischen Leitung des Westflügels Leipzig, kennen die freie Arbeit also auch aus der Perspektive eines „festen Hauses“ mit eigenen Produktionen und internationalem Gastspielbetrieb. Charlotte Wildes Beitrag war Teil einer Diskussion in der Berliner Zeitung darüber, ob die Praxis der Projektförderung der Idee von der Freiheit der Kunst nicht widerspricht; wir drucken ihn hier nach.

Ein Praxisbericht über die Tücken der deutschen Projektförderung

Für eine Förderung der Künstler

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Was folgt

Rechnung an Theater der Zeit

double: Auf die Frage, was das Goethe-Institut zum Thema „Deutsch sein?!“ zu sagen hat, hast Du eine sehr entschiedene Mail zurückgeschrieben: „Für uns ist das vollkommen klar, wir haben da unsere klare Position.“ Thomas Stumpp: Wir haben eine relativ klare Regelung, weil wir sonst immer unter dem Problem zu leiden hätten zu entscheiden, wer ist deutsch, wer ist nicht deutsch? Wir haben zunehmend das Phänomen, dass insbesondere Künstler international unterwegs sind, international aufgestellt sind. Beim internationalen Forum beim Theatertreffen, wo wir auch entscheiden müssen, wer zu welchem Land gehört, haben wir etwa eine Künstlerin, die in mindestens fünf Ländern lebt und in dreißig Ländern arbeitet. Für uns ist nicht der Pass entscheidend, sondern tatsächlich der Lebens- und Arbeitsschwerpunkt. Man gehört zu der Künstlerszene, in der man sich bewegt, in der man arbeitet. Heißt das, die Definition wird ganz von der Produzentenseite aus bestimmt, und es ist gar nicht so wichtig, ob das, was die Künstler machen, in irgendeiner Weise die deutsche Kultur repräsentieren könnte? Oder spielt das dann auf einer anderen Ebene eine Rolle? Es gibt da eigentlich zwei Definitionsmöglichkeiten. Die eine läuft über die Sprache, die andere über die Arbeits- und Lebenssituation. Bei der Sprache ist es...

Die double-Redakteurinnen Mascha Erbelding und Meike Wagner haben mit dem Experten für Figuren-, Kinder- und Jugendtheater im Theaterbereich des Goethe-Instituts, Thomas Stumpp, ein Gespräch darüber geführt, wie man als nationales Kultur-Institut ‚deutsche Kultur‘ und ‚Kultur in Deutschland‘ repräsentieren kann.

Gespräch mit Thomas Stumpp vom Goethe-Institut

„Eigentlich arbeiten wir an der kulturellen Entropie“

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Was ist ein Kasper gegen ein Reiskorn? Ein Nichts, ein aufgeblasener Retro-Wicht – jedenfalls dann, wenn das Reiskorn von Husam Abed geführt wird. Der gebürtige Palästinenser, heute in Tschechien und Jordanien zu Hause, war der heimliche Star von „Theater der Dinge 2017“ – und das, obwohl er sich dem Festivalmotto des Kaspers als „rebell boy“ total entzog. Sanft setzte sich Abed ein Reiskorn auf die Fingerkuppe und stellte es als seinen Großvater vor. Er fügte ein zweites hinzu: die Großmutter. Eine Fingerkuppe der anderen Hand nahm Großvater und Großmutter mütterlicherseits auf. Deren Kinder, also die Eltern Abeds, kamen als weitere Reiskörner hinzu. Mit ihnen beschrieb er Wege auf einer Palästina-Karte, von einem Dorf bei Jericho bis in ein Flüchtlingslager in Jordanien, in dem auch er selbst aufwuchs. Mitunter fielen die Reiskörner herunter; Abed las sie sachte auf, sich dabei entschuldigend: „Verzeih, Vater“, „Verzeih, Mutter“, „Verzeih, Großvater“. Die Sorgsamkeit in der Behandlung der winzigen Körner übertrug sich auf diese selbst, vermischte sich mit der Achtung, dem Respekt, den man – zumindest in von Generationenkonflikten befreiten Vorstellungswelten – Eltern und Großeltern gegenüber erweist. Und als Abed schließlich auf den Tisch schlug, um den sich die kleine, kein Dutzend Köpfe umfassende Zuschauerschar bei...

Rebellion und Puppentheater – dieses Spannungsfeld lotete das internationale Festival „Theater der Dinge“ in der Schaubude Berlin aus, das vom 13. bis 17. Oktober 2017 Theater, Konzerte und Ausstellungen von Künstler*innen aus Osteuropa, dem Nahen Osten und Deutschland präsentierte.

Rückblick auf das Festival „Theater der Dinge” an der Schaubude

Paradoxe Kasper-Renaissance

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Mit fünfzehn Jahren wollte ich die Welt sehen. Raus aus meinem beengten Vorstadtleben, etwas Besseres gab es allemal woanders. So wurde ich Austauschschülerin in einem winzigen kanadischen Dörfchen am Ontariosee. Jetzt war ich eine so genannte ‚Ex-Pat‘, d. h. eine ‚Expatriierte‘, eine Stammeszugehörige, die sich für längere Zeit außerhalb ihres angestammten Terrains aufhält. Dieses ‚ausgesondert Sein‘, dieses ‚versetzt Sein‘ entsprach genau meiner früherwachsen-melancholischen Grundstimmung in dieser Zeit. Anders sein im ganz Anderen – die perfekte Lebenssituation. Womit ich nicht gerechnet hatte war, dass ich mich dadurch unweigerlich und permanent mit meinem ‚deutsch Sein‘ konfrontiert sah. Alle Dorfbewohner von Elmvale wollten ständig von mir wissen, wie es denn so in Deutschland sei. Einer war sogar darüber informiert, dass Deutschland zu diesem Zeitpunkt geteilt war und stellte naiv die Frage, ob ich aus dem Westen oder Osten stammte. Dieser ständige Versuch, ihre eigenen Vorstellungen von meinem Heimatland mit der von mir personifizierten Realität in Einklang zu bringen, verwirrte mich sehr, wurde ich doch immer zuallererst als ‚Deutsche‘ adressiert. Ich hatte keine sehr konkrete Idee davon, was es heißt ‚deutsch‘ zu sein. Ich empfand mich als junge Frau, als kontaktfreudige Reisende, mein vages Lebensziel war ‚kosmopolitische Intellektuelle‘. Eine emotional-geografische Verortung fand ich in...

Woher bekommt man als ‚Deutsche‘ eigentlich eine Idee vom ‚deutsch Sein‘? Meike Wagner fragt sich, ob man dies überhaupt erst von einer Außenposition her erfahren kann. Durchweg skeptisch gegenüber vorformulierten Phrasen zu ‚deutscher Leitkultur‘ und dem ‚deutsch Sein an sich‘, musste sie doch erfahren, dass ein Gefühl von ‚dazu gehören‘ und auch ‚deutsch Sein‘ entsteht, wenn man sich in die Fremde begibt. Nicht zuletzt herangetragen von denen, die einem dort begegnen und eine wesentlich klarere Vorstellung von Deutschland zu haben scheinen.

Wie man ‚deutsch sein’ von außen lernt

Kiss me I am German

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Derman sendedir

Notizen / Festivalkalender

Die Stress-Knoten auflösen

Turku, das ist jene Stadt ca. 160 km westlich von Helsinki, welche ab 1999 im Kunstdepartment der University of Applied Sciences einen Studiengang für Puppenspiel anbot – wohlbemerkt den einzigen in ganz Skandinavien. So ist es denn eine große Tragödie, dass dieser Studiengang mittlerweile schon wieder geschlossen wurde. Aus Geldgründen; es werde derzeit an vielen Bereichen der Kunst gespart, sagte man mir. Eine nach rechts rückende Regierung, ergänze ich im Kopf. Gemeinsam sind sie stark Die letzten Mohikaner erhalten in diesem Jahr ihren Abschluss, dann sinkt das kurzlebige Schiff. Grob überschlagen heißt das: Bei plusminus zehn Abgängern pro Jahr leben in Finnland kaum mehr als 150 Puppenspiel-Absolventen. Da kann Berlin nur lachen. Doch auch diese wollen gehört und gesehen werden. Bei ganzen drei öffentlich geförderten Puppentheatern im Land (mit je weniger als einer Handvoll festangestellten Puppenspielern) und den auch in Finnland existenten Vorbehalten gegenüber dem Genre ist das kein Selbstläufer. Um die Strahlkraft des finnischen Puppenspiels zu erhöhen, tat man 2012 einen äußerst cleveren Schachzug: Man gründete die „Aura of Puppets“ („Aura“ auch in Anspielung an den gleichnamigen, lebensspendenden Fluss, der durch Turku fließt) als „a network, coalition and an umbrella for contemporary puppet theatre“. Rund 50 Puppenspieler und Kollektive,...

Sie sind bereit. Mit jugendlicher Energie, mit lupenreinem Englisch, mit transportablen Stücken. Das finnische Puppenspiel möchte international werden. Zum Auftakt lud es Beobachter aus zwölf Nationen zum „first ever Finnish Puppetry Showcase“, dem Turku International Festival/TIP-Fest 2017, nach Turku ein. Mit 18 Produktionen bot dieses einen eindrücklichen Einblick in Gegenwart und Zukunftswollen der freien Szene Finnlands

Freie finnische Puppenspielszene auf dem TIP-Fest in Turku

„Finnish puppetry is ready to conquer the world!”

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Silvia Brendenal: Zwischen Ost und West im Ich Unterricht in der Dorfschule: Ich bin in der 1. Klasse, verlasse schnell den für vier Klassen einzigen Klassenraum, denn ich weiß, mein Hund wartet auf mich vor der Schule. Doch auch diesmal schaffen wir es nicht, uns ungeschoren davon zu stehlen. Schon treibt uns die Rotte der deutschen Bauernsöhne durchs Dorf. Mich, die „Polackengöre“, und ihren „Köter“. Meine Kindheit in diesem Dorf fand im Verborgenen statt, in der ständigen Angst davor, entdeckt und gejagt zu werden. Heute lebe ich in Mecklenburg-Vorpommern. Bin Patin einer geflohenen syrischen Familie. Und wieder bin ich ständig auf der Hut, denn ich kenne die Blicke und Gesten, die uns im Supermarkt, auf der Straße, selbst in meinem 30-Seelen-Dorf begegnen. Dazwischen liegen Jahre der menschlichen und beruflichen Begegnungen mit dem, was gemeinhin unter Deutsch-Sein verstanden wird und dem, was ich für mich als Tugenden und Nicht-Tugenden des Deutsch-Seins entdeckte. Sozialisiert in der DDR, ausgebildet durch das Bildungswesen dieses Landes, geprägt vom propagierten Kollektivgeist, hatte ich im Puppentheater der DDR meine künstlerische Heimat gefunden. Erlebte, wie sich eine bis dato kulturpolitisch nicht anerkannte Theaterform künstlerisch und gesellschaftlich etablierte, und meine individuelle Entwicklung wie die vieler KollegInnen ging einher mit...

„Deutsch sein?!“, mit dieser Frage haben wir Menschen konfrontiert, für die es aus verschiedenen biographischen Hintergründen nicht so einfach zu beantworten ist, was ‚deutsch sein‘ für sie bedeutet. Sarah Chaudon, ursprünglich aus Frankreich, studiert jetzt in Stuttgart Figurentheater, die Figurenspieler Kotti Yun, mit koreanisch-deutschen Wurzeln, und Antonio Cerezo, mit mexikanischem Hintergrund, arbeiten schon seit Jahren überwiegend in der deutschen Figurentheater-Szene, dennoch haben sie sich alle den Blick von außen – aus dem ‚Nachbarhaus‘ (Sarah Chaudon) – bewahrt und geben uns vielfältige Einblicke in ihre Vorstellung vom Eigenen und vom Fremden. Silvia Brendenal, ehemalige künstlerische Leiterin der Schaubude Berlin und in den 90er Jahren Direktorin des Forums für Figurentheater in Bochum, schaut zurück auf ihr Leben und ihr Arbeiten zwischen Ost- und Westdeutschland.

 Positionen zu einem komplizierten Thema

„Deutsch sein?!“

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

English Summaries

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

„Is my future all in the past“

Das Malmö Docktheater wurde 2015 von dem Regisseur, Autor und Schauspieler Erik Holmström gegründet. Nach dem Publikumserfolg „Funktionell dumhet“ („Funktionelle Dummheit“), ein Stück über den bürokratischen Wahnsinn beim Arbeitsamt, setzte die Gruppe noch vier weitere Produktionen um. „Skvalpet“ („Der Schwund“) ist sowohl eine Fortsetzung von „Funktionell dumhet“, als auch Metatheater. Im Zentrum des Stückes stehen wie im ersten Stück Machtkampf, Unterdrückung und Ungerechtigkeit. Aber eigentlich geht es um das hermetische Universum des Theaters. Der Titel geht zurück auf ein Interview mit dem damaligen Leiter des Arbeitsamts, der alle Langzeitarbeitslosen als „skvalpet“ („Schwund“) bezeichnete. Für die Dialoge griff Holmström auf eigene Erfahrungen an großen Häusern und freien Bühnen und auf Interviews mit Theaterschaffenden zurück. Die Bühne ist winzig, ca. 1,5 x 1,5 m, und stellt den Bühnenraum eines Stadttheaters in einer mittelgroßen schwedischen Stadt dar. Es ist die erste Probe und der Gastregisseur Erik Holmström soll sein Konzept vorstellen. Die Zusammenarbeit mit dem Regisseur aus Stockholm ist für das Theater sehr bedeutend, hoffentlich führt diese Kooperation zu einer wesentlichen künstlerischen Erneuerung. Auf der Bühne versammeln sich sowohl fest als auch kurzfristig angestellte Schauspieler, ein Schauspielpraktikant, eine Theaterintendantin, ein Bühnenbildner, ein Kostümbildner, ein Sicherheitsbeauftragter und Bühnenarbeiter. Später taucht sogar die flatterhafte Tochter...

„Skvalpet“ (Schwund) von Malmö Dockteater im Orionteater, Stockholm

Eine Frage des Maßstabs

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Mascha Erbelding: Ich habe Ihnen etwas aus unserem Archiv in der Sammlung Puppentheater des Münchner Stadtmuseums mitgebracht: das Programm zum „Besuch der alten Dame“, einer Gemeinschaftsinszenierung in der Regie von P.K. Steinmann, an der sich acht Kollegen beteiligten, aus dem Jahr 1973. In einer Kritik dazu wurde das Vorbild der ostdeutschen Ensemble-Puppentheater genannt. Wollte man so ein bisschen zeigen: Auch wir westdeutschen Puppenspieler können eine große Ensembleinszenierung machen? War das eine Motivation oder gab es ganz andere Hintergründe, dass da die VDP-Spieler zusammengekommen sind? Ilsebyll Beutel-Spöri: Das Wesentliche war das Gemeinsame, – es gab ja nur kleine Ensembles im Westen – etwas gemeinsam auf die Beine zu stellen. Das war die Intention. Und dann war eine Grundvoraussetzung, dass man für solch eine große Gemeinschaftsinszenierung Geld haben musste für Puppenbauer, Regisseur und Regieassistenz, Bühnenbildner und sechs Puppenspieler. Und die Stadt Braunschweig, die sich schon lange engagiert hatte, mit den Braunschweiger Festivals („Woche internationalen Puppenspiels“ ab 1957 Anm. der Red.), hat dafür Geld gegeben. Das war im ersten Jahr der Gründung meiner Puppenbühne, und diese Produktion bot für mich die Gelegenheit, Berufskollegen näher kennenzulernen. Die gemeinsame Arbeit schweißte ungeheuer zusammen. Die Gründung des VDP war ja 1968 – kann man...

Als der VDP im Juli 1968 in Bielefeld gegründet wurde, hatte er 14 Mitglieder. Heute machen ihn rund 140 Mitgliedsbühnen zu einem starken Theaterverband. Ilsebyll Beutel-Spöri stieß 1973 nach ihrer Lehrzeit bei der Marionettenbühne Fey und nach der Gründung ihres eigenen Theaters, „kleines spectaculum“, zum Verband. Mascha Erbelding traf die Puppenspielerin, die ihre Bühnentätigkeit nach 45 Jahren gerade beendet hat, zum Gespräch.

Interview mit Ilsebyll Beutel-Spöri zum 50-jährigen Bestehen des Verbands deutscher Puppentheater

Kollegiale Vielfalt

Das Festival Mondial de la Marionnette im beschaulichen Charleville-Mézières ist ein Kraftakt, sowohl für die Macher – Anne-Francoise Cabanis und ihr Team – als auch für die zahllosen, unverzichtbaren Ehrenamtlichen, und ebenso für die professionellen Beobachter, die nur darauf hoffen können, dass sie in ihrer Programmauswahl einige richtige Entscheidungen getroffen haben. Über 50.000 Zuschauer*innen sahen 400 Vorstellungen, das überbordende Straßentheater-Angebot und das „Off“ mitgezählt, erreichte das Festival sogar 170.000 Menschen. Traurige Besonderheit war die aufgrund der Terrorgefahr schwer bewaffnete Polizeipräsenz und die Sperrung der kompletten Innenstadt für den Verkehr; letzteres kam dem bunten Treiben aber natürlich sehr entgegen. Inmitten des Trubels erzeugte die Regisseurin Alice Laloy (La compagnie S’appelle reviens) mit einer verstörenden Fotoausstellung auf einer Stadtmauer einen Moment des Innehaltens. Lebensechte Portraits von Figuren schauen die Passanten an, Jungen und Mädchen, an Fäden befestigt. Sie wirken seltsam disloziert und akut gefährdet. Lebensecht wirkten auch die Figuren einer Romanadaption von der renommierten Compagie Papierthéâtre, deren Gründer Alain Lecucq und Kodirektorin Narguess Majd bewusst für erwachsenes Publikum produzieren und die Zusammenarbeit mit zeitgenössischen Autor*innen suchen. Dieses Mal wählte Narguess Majd den Roman „Ein Geheimnis der Straße“ der mehrfach ausgezeichneten iranischen Autorin Fariba Vafi aus. Sie schrieb daraus ein Drehbuch, entwickelte ein...

„Un secret de rue“ der Cie Papierthéâtre auf dem Festival in Charleville-Mézières

Lebensecht

Unter Beobachtung

Impressum

„Fremd ist der Fremde nur in der Fremde“, formulierte Karl Valentin einst treffend. Es ist die Begegnung mit den Fremden, die im Zuge einer der größten Fluchtbewegungen seit dem 2. Weltkrieg auch in Deutschland dazu führt, die eigene Kultur zu hinterfragen. Und dieses Feld sollte nicht nur Stimmen überlassen bleiben, die möchten, dass ‚deutsches Theater von Deutschen für Deutsche‘ gemacht wird und damit auf irgendeine Weise zu ‚echten deutschen‘ Kulturwerten...

Editorial

Der schottische Naturphilosoph John Muir war überzeugt: „Die Kraft der Phantasie macht uns unbegrenzt.“ Ein Credo, das das Internationale Figurentheaterfestival Baden-Württemberg Imaginale im Namen hat. Bei der Imaginale 2018, die vom 18. bis 28. Januar stattfand, trug das Reich der Phantasie aber auch zusätzlich das Motto „Zwischenwelten“. Das Festival lade ein „zu theatralen Erkundungen des flirrenden Bereichs zwischen Leben und Tod, Traum und Wachen, in die Klüfte und Untiefen des Imaginären und Halluzinatorischen“, formulierte das Kuratorenteam Katja Spiess, Intendantin des Stuttgarter Zentrums für Figurentheater FITZ!, Ulrike Stöck, Leiterin des Jungen Nationaltheaters Mannheim, sowie Sören Gerhold, ebendort Chef der Alten Feuerwache. Und die Gastspiele von 28 Ensembles und Solisten aus elf Nationen spannten diesen roten Faden in großer Bandbreite, von klassischem Figurenspiel – das Puppentheater Halle setzte etwa Gabriel García Márquez' Roman „Die Liebe in Zeiten der Cholera“ werkgetreu schauspielerisch um – bis zu experimentellen, gattungsübergreifenden Formaten. Dazu gehörten das Performance-Programm „Stau“ oder die Installation „Living Room“, die mit neuen Kontexten überraschten. Möglichkeitswelten ausloten sollte das Festival – und das tat es auch, mal magisch, mal düster, mal ironisch und fröhlich, stets voller Leidenschaft. In heftige Abgründe wurde geblickt, Dystopien nachgespürt, aber auch realen Zukunftsvisionen in Zeiten der Industrie 4.0, in...

Die Imaginale, die alle zwei Jahre als internationales Figurentheaterfestival Baden-Württembergs in Eppingen, Heilbronn, Ludwigsburg, Mannheim, Schorndorf sowie Stuttgart stattfindet, ist mittlerweile eines der wichtigsten deutschen Festivals. 2018 stand sie unter dem Motto „Zwischenwelten“ – und setzte damit Zeichen für Offenheit und kreativen Diskurs.

Die Imaginale 2018 in Baden-Württemberg lotet Möglichkeitswelten aus

Nächte der Erkenntnis

Es gibt eine Szene in Alexander Hectors liebevollem und sehenswertem filmischen Porträt des Ensemble Materialtheater, die für mich ziemlich genau den Reiz von dessen Arbeit beschreibt. Alberto García Sánchez erzählt, wie er Theaterworkshops für Kinder mit einem Spiel beginnt: Er zeichnet auf einer Tafel kleine Bilder und sie sollen raten, was es ist. Vor der Filmkamera zeichnet Sánchez nun drei Striche, zwei gleich lang und parallel, der dritte schräg über den beiden. Die Kinder wissen sofort, das wird ein Haus, sie haben die fehlende, virtuelle Linie in ihrem Kopf ergänzt. Und das, so Sánchez, ist es, was das Ensemble Materialtheater auf der Bühne sucht: Diese drei Linien zu finden, die dem Publikum erlauben, „die virtuellen Linien der Geschichte selber zu sehen“. Diese gekonnte Reduktion auf wenige Objekte schafft starke Bilder, die Unsichtbares sichtbar machen – und wird zugleich immer wieder auf der Bühne thematisiert. Denn auch das gehört zu den Markenzeichen des Ensembles: die Theaterhaftigkeit ihres Spiels und des Lebens immer wieder auf einer Metaebene zu reflektieren, die Geschichte zu brechen und von außen zu kommentieren. Ganz pur auf die Erzählung reduziert konnte man das Ensemble Materialtheater in „Kino im Kopf“, dem zweiten Teil der „Heimweh nach der Zukunft“ betitelten...

Das 1987 von Sigrun Kilger und Hartmut Liebsch, beide Absolventen des Stuttgarter Figurentheater-Studiengangs, gegründete Ensemble Materialtheater gehört zu den wichtigsten und renommiertesten deutschen Figurentheaterensembles. Während Hartmut Liebsch heute im Triebwerk Alte Mühle in Kocherthürn eigene Wege geht, prägten im Lauf der Jahre der Autor, Regisseur und Schauspieler Alberto García Sánchez und die Figurenspielerin Annette Scheibler die Handschrift des fünfköpfigen Ensembles, das musikalisch von Daniel Kartmann und technisch von Luigi Consalvo unterstützt wird. Langjährige Zusammenarbeit verbindet das Ensemble mit internationalen Figurentheaterkünstlern. Im November 2017 feierten sie mit einem kleinen Festival und der Premiere von „Don Quijote“ im FITZ! Stuttgart ihr 30-jähriges Jubiläum.

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