■ Im Sommer 2016 wird der 37-jährige Opernregisseur Benedikt von Peter Intendant des Luzerner Theaters. Er löst damit Dominique Mentha ab, der nach zwölf Spielzeiten das Haus an der Reuss verlässt. Benedikt von Peter wurde 1977 in Köln geboren, studierte in Bonn Musikwissenschaft, Germanistik, Jura und Gesang. Danach war er an verschiedenen Häusern Regieassistent und gründete ein freies Theaterkollektiv. Nach einigen Jahren in der freien Szene inszenierte er an Theatern und Opern in Deutschland und der Schweiz; seit 2012 leitet er die Musiktheatersparte des Theaters Bremen. Ausgezeichnet wurde von Peter u. a. mit dem Götz-Friedrich-Preis, dem Theaterpreis Der Faust sowie 2014 mit dem Kurt-Hübner-Preis für das Musiktheaterprogramm und die eigenen Produktionen am Theater Bremen. ■ Barbara Mundel, Intendantin des Theaters Freiburg, unterschreibt keinen weiteren Fünfjahresvertag mit der Stadt, sie bleibt aber auf Bitte des Kulturbürgermeisters Ulrich von Kirchbach (SPD) ein weiteres Jahr. Der aktuelle Vertrag der Intendantin, die 2006 das Amt antrat, läuft im Sommer 2016 aus. Um ihrer Nachfolge jedoch genug Zeit für das Aufstellen eines Teams und Spielplans zu geben, steht Mundel noch ein elftes Jahr als Intendantin zur Verfügung. Bereits im Februar 2015 soll sich eine Findungskommission bilden, so dass im Juli 2015 eine Entscheidung getroffen werden...

Meldungen

Totkürzungen drohen

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Die Praxis der Gemeinsamkeit

„Unsere Literatur ist nichts als ein eleganter Zeitvertreib der Oberschicht, wie Tanzen oder Kartenspielen“, ruft Wissarion Belinski zu Beginn von Tom Stoppards Trilogie „Die Küste Utopias“ und fragt: „Wie ist uns diese Katastrophe zugestoßen?“ Mit Belinski begann auch Stoppards Interesse an der russischen Intelligenzija des 19. Jahrhunderts, angeregt durch Isaiah Berlins Klassiker „Russische Denker“ und eine Aufführung von Maxim Gorkis „Sommergäste“ in der Regie von Trevor Nunn, der 2004 auch die Uraufführung der Trilogie in London inszenierte. Doch Belinski, der Entdecker und Förderer von Gogol und Dostojewski, interessierte Stoppard nicht nur wegen seiner Kunstkritik. „Als er 1847 als todkranker Mann nach Paris kam, um sich von Herzen und Bakunin zu verabschieden, haben ihn die beiden beschworen: Geh nicht zurück nach Russland! Sie werden dich verhaften und nach Sibirien schicken! Aber er antwortete: Was nützt euch eure viel beschworene Freiheit, wenn keinen interessiert, was ihr schreibt? In Russland zwingt mich die Zensur zur Genauigkeit und meine Leser zu genauem Lesen“, so Stoppard in einem Gespräch über das Stück im Sommer 2004. „Ich habe das nach 1989 auch in Prag erlebt, als die Aufmerksamkeit, die Theater und Literatur vorher genossen, sich plötzlich in Luft auflöste. Das war ein Phänomen, über das ich...

Tom Stoppard: Die Küste Utopias. Jussenhoven & Fischer, Köln 2013, 328 S., 16,90 EUR.

Schiffbruch an versunkener Küste

Bonn Park, du bist gebürtig aus Berlin und hast schon bei P14, dem Jugendclub der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz, Theater gemacht. Hat sich da schon entschieden, dass du das zum Beruf machen willst? Ich bin 2008 zu P14 gekommen, da kam gerade die neue P14-Leitung unter Vanessa Troya, die ist extrem super, weil die sagt: Los Kinder, macht was ihr wollt, und ich schreibe die nötigen E-Mails. Und weil sie die Leute vor dieser allzu deutschen Pädagogiklehre verschont, die oft so funktioniert, dass alte Menschen sich etwas für junge ausdenken, wovon sie denken, dass ihnen das selbst als Jugendlicher viel gebracht hätte. Und das ist oft so verschmutzt von Spiegel online und bildungspolitischen Diskursen, dass die Leute am Ende dastehen und sagen: Hey, ich bin ein Problemjugendlicher, aber jetzt irgendwie nicht mehr. Und all das macht Vanessa nicht. Deswegen und weil dort viele tolle Menschen sind, mit denen ich heute noch gerne zusammen bin, und wegen des Hauses selbst habe ich mich da sehr wohl gefühlt und sitze dort auch immer noch gern einfach im Hof rum. Erst habe ich da gespielt und wollte auch Schauspieler werden – aber eben so, wie das jeder mal werden will … Ich bin zu...

Bonn Park, Autor von „Traurigkeit & Melancholie“, über komische Zufälle und deprimierende Vergleiche mit Max Mustermann im Gespräch mit Mirka Döring

Heul doch!

Der Schauplatz ist immer eine Bühne. Auch für jene Agonie Curzio Malapartes, mit der der Abend beginnt – und sechs (!) Stunden später endet. Selten ist wohl der spätestens gegen Mitternacht erwachende Wunsch im Zuschauer so drängend, es möge möglichst schnell vorbeigehen. Aber noch dauert es eine Stunde, denn der lebenswilde Curzio Malaparte, der bei seiner Geburt Kurt Erich Suckert hieß und Sohn eines Zittauer Textilfabrikanten war, stirbt 1957 (auf einer China-Reise war bei ihm Lungenkrebs diagnostiziert worden) – und hat dabei immer noch neue Pläne oder eher Delirien, worüber er noch schreiben müsste. Frank Castorf hat mit „Kaputt“ eine merkwürdige und – bis auf bewusste Passagen der Langeweile – hochenergetische philosophischzeitgeschichtliche Reise auf die Bühne gebracht. Die jenes Kurt Erich Suckert, der sich Malaparte nannte, um nicht wie Bonaparte schon im Namen vorzutäuschen, er vertrete die gute Seite. Nein, dieser mephistophelische Extremist des Umsturzes vertritt immer nur die eigene Seite – der jeweils anderen will er vor allem ein Chronist sein, ein unnachsichtig präziser, an dessen Berichten sie noch zu würgen haben werden! Malaparte war in seinem Leben so ziemlich alles: Faschist und Antifaschist, ein Kommunist, auf den Leninisten, Stalinisten und Trotzkisten ihren Hass projizierten. Sein Hauptvorzug war in...

An der Berliner Volksbühne schließt Frank Castorf mit „Kaputt“ von Curzio Malaparte den Kreis seiner großen Menschheitserzählungen

Endlose Agonie

Be active!“, schreit mich die Performerin an. Ihr weißes Kleid ist bereits ziemlich dreckig, ihre Haare stehen wild vom Kopf ab – einiges liegt bereits hinter ihr oder besser: hinter uns. Jetzt sollen wir Zuschauer, „alle eine Familie“, mit erhobenen Fäusten rhythmisch skandierend eine imaginäre Hexe samt imaginärem Wolf energisch anbrüllen und somit unsere „aktive Haltung“ zum Ausdruck bringen. Nach bereits über einer Stunde andauernder performativer Vergewaltigung durch eine kreischende Schauspielerin („Ich bin eine Künstlerin, ich gehe an die Grenzen!“) ist diese erzwungene Verschmelzung zu einer hooliganähnlichen Chorgemeinschaft zu viel für mich. Wenn ich aktiv sein soll, dann mache ich jetzt einfach nicht mit, dann können wir gern über Haltungen sprechen, denke ich. Aber Dialoge sind nicht erwünscht, und statt mir meine – wie ich glaube emanzipierte – Widerständigkeit zu danken, werde ich in dramatischem Tonfall als leuchtendes Exempel der Schlechtigkeit des passiven Menschen hingestellt. Die etwa 40-jährige Schauspielerin Kasia Pawłowska wirkt ziemlich verärgert. Wir befinden uns in einem winzigen, stickigen Aufführungsraum der Republika Sztuki Tłusta Langusta (Kunstrepublik der fetten Hummer), einer selbstorganisierten Hinterhofspielstätte und Plattform für freie Theatergruppen in Poznań, und die eher antiemanzipatorische Soloperformance „OUN“, bei der ansonsten tatsächlich alle brav mitmachen, wird noch ein wenig befremdlicher vor...

Während des Malta Festivals in Poznań zeigt sich das Theater kämpferisch – vor allem, wenn es um die Dekonstruktion nationalistischer Heroismen geht

Volk und Vaterland

Frühlingstheater

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Alles total anders

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Dass das Theater auch bildende Künstler ins Haus holt, ist keine Seltenheit mehr. Manche sehen darin einen Trend. Andere eher ein Krisenindiz. Schlemmer und Malewitsch, aber auch Kokoschka und Immendorff – sie alle haben spartenübergreifend fürs (Musik-)Theater gearbeitet. Doch heutzutage begegnen sich da zwei Welten nicht unbedingt auf Augenhöhe: Der von öffentlichen Subventionen abhängige Theaterbetrieb trifft auf den finanziell frei flottierenden, ungleich größer dimensionierten – und gesellschaftlich entsprechend mehr beachteten – Kunstmarkt. Wenn Daniel Richter („Lulu“) oder Jonathan Meese („Dionysos“), wie 2010 bei den Salzburger Festspielen, sich bereit erklären, ein Bühnenbild beizusteuern, dann erweckt das Marketing den Eindruck, alles andere sei fast nur Beiwerk – Regie und Darsteller inbegriffen. Jetzt hat Intendant Armin Petras am Staatstheater Stuttgart den renommierten Berliner Maler Martin Eder für die Theaterproduktion „Pfisters Mühle“ verpflichtet. Und das, obwohl Eder nicht allzu viel von solchen Gastarbeiten einschlägiger Malerstars am Theater zu halten scheint: „Ich find’s meistens ganz grauenhaft, wenn bildende Künstler ins Theater gelassen werden.“ Doch mit Petras’ Team läuft die Zusammenarbeit offenbar gut, auf Augenhöhe: „Ein sehr befruchtender und befreiender Prozess“, erzählt Eder in einer Probenpause. Wenn Petras eine Größe wie Eder ans Stuttgarter Schauspiel holt, dann nicht, um eine Stagnation des Theaterbetriebs mit Ideenleasing zu...

Der bildende Künstler und Musiker Martin Eder arbeitet für Armin Petras’ Stuttgarter Inszenierung von „Pfisters Mühle“ erstmals als Bühnenbildner

Der Horror der Idylle

Berliner Chaos-Tage

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

Als Krzysztof Warlikowski im Juli 2013 im Nowy Teatr sein <a href="https://tdz.de/artikel/69e210cb-8f8d-41b5-9900-40a552828724">„Kabaret Warszawski“</a> aufführte, ein Stück, in dem er deutliche Parallelen zwischen dem Berlin Anfang der dreißiger Jahre und der Atmosphäre im heutigen Warschau zieht und in dem er Künstler als Ausgeschlossene darstellt, die in den Untergrund gedrängt werden, hielt die Kritik dies für eine hysterische Überzeichnung. Ein Jahr später verbreiten die Presseagenturen Bilder, auf denen eine aggressive Menschenmenge das Nowy Teatr belagert, in dem Künstler und Theaterbesucher Zuflucht gesucht haben, die an der szenischen Lesung des Stücks „Golgota Picnic“ von Rodrigo García teilnehmen wollten. Garcías angeblich blasphemisches Stück sollte ursprünglich im Juni 2014 auf dem <a href="https://tdz.de/artikel/11039820-5f46-40a4-9815-72ca4e344db1">Malta Festival in Poznań</a> gezeigt werden. Der Direktor des Festivals sagte die Vorstellung jedoch ab, als bekannt wurde, dass sich auf ultrarechten Internetseiten mehr als 50 000 Personen – katholischfundamentalistische Gruppen wie der „Rosenkranzkreuzzug“, nationalistische Organisationen, Schlägertrupps von Hooligans – zur „Verteidigung der katholischen Werte“ zusammengefunden hatten, ermuntert durch den Posener Erzbischof, die Billigung des Bürgermeisters und die Gleichgültigkeit der Polizei, die erklärte, weder ein Blutvergießen verhindern noch die Stadt vor Verwüstung schützen zu können. Als Reaktion auf die Absage wurde die Bürgeraktion „Golgota Picnic zum Selbermachen“ ins Leben gerufen (u. a. von den Theaterregisseuren...

Wie in Polen das Theater der Politik als Sündenbock dient

Der Kreuzzug

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Vorweg ein Witz (weil es ja sonst nichts zu lachen gibt an diesem Abend): Kommt Moses vom Berg Sinai, die Gesetzestafeln unterm Arm, und verkündet: „Ich habe eine gute und eine schlechte Nachricht. Die gute: Ich konnte ihn von zwanzig auf zehn runter- handeln. Die schlechte: Ehebruch ist immer noch dabei!“ Was das zu tun hat mit der „Geschichte des Abraham“, wie Walter Weyers seine Heavy-Metal-Oper „Kanaan“ im Untertitel nennt? Erst mal herzlich wenig, weil Moses seinen Auftritt in der Bibel bekanntlich nach Abraham hat. Aber vielleicht gerade deshalb doch recht viel: Hätte Abraham um die Gebote gewusst, hätte er womöglich keinen Sohn mit der Magd Hagar gezeugt. Und auch seine Frau Sara hätte wohl eher nicht zum Seitensprung geraten, nur weil sie partout nicht schwanger werden konnte von ihm. Sara bereut ihre Idee dann aber auch ohne Wissen ums göttliche Verbot. Unverhofft wird sie doch noch Mutter. Als sie Isaak gebiert, hat Hagar längst Ismael zur Welt gebracht. Isaaks Sohn Jakob wird Vater der zwölf Stämme Israels, Ismael der Urvater der Araber und damit des Islams. Am Landestheater Schwaben sind die beiden Zweige der Familie farblich klar unterschieden. Ismael ist wie seine Mutter Hagar feuerrot geschminkt, Isaak und Sara...

Landestheater Schwaben: „Kanaan – Die Geschichte des Abraham“ von Walter Weyers, Kobi Farhi und Erez Yohanan. Regie W. Weyers und P. Kesten, Bühne Loomit und S. Manteuffel, Kostüme F. Harbort

Memmingen: Bibelschinken mit Bombast-Mucke

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Nationalsozial-charaktermasken

Editorial

Schön eigensinnig startet Mainz unter seinem neuen Intendanten Markus Müller neu. Von den drei Theatern der Region, die nach der Sommerpause mit einem neuen Oberhaupt aus den Ferien kamen (Darmstadt, Mainz, Wiesbaden), versprachen die Mainzer Pläne die originellste Mischung aus lokal und international, Populär- und Hochkultur, Theater und öffentlichem Raum, und das über alle Sparten hinweg. Zur Eröffnung inszenierte Jo Strømgren dementsprechend die Semi-Oper „The Fairy Queen“ von Henry Purcell mit Sängern, Tänzern und Schauspielern in einer sehr leichten und schwungvollen Version. Fünf Hausregisseure arbeiten künftig für den nicht selbst inszenierenden Intendanten Markus Müller. Einer von ihnen ist Jan-Christoph Gockel, der zu Beginn des Neustarts die Ehre hat, einen immer noch wabernden Lokalmythos aufzugreifen. Aus der ollen Carl-Zuckmayer-Kamelle „Schinderhannes“ generierte er ein ebenso überbordendes wie übergeschnapptes Spektakel. Was als weinselige Kappensitzung beginnt, mündet unerschrocken in eine infernalische Geisterbahnfahrt und löst sich schließlich in einem dancefloorartigen Ende auf. Den Großteil des Parketts (Bühne Julia Kurzweg) ließ er entfernen, um dort Bänke und Tische aufzustellen. Wer von oben herabblickt, entdeckt viel Mainzer Lokalprominenz. Der Volksfeststimmung wegen meint man, in eine närrische Aufzeichnung geraten zu sein. Wer mit rhythmisch klatschenden Großgesellschaften Schwierigkeiten hat, ist spätestens jetzt auf der Hut. Aber es wird noch...

Das Staatstheater Mainz führt unter seinem neuen Intendanten Markus Müller die große mit der kleinen Welt eng

Das Wahre, Schräge, Gute

»Es ist Zeit, dass es Zeit wird!« (Paul Celan) KMET Theseustempel 1, Volksgarten Thomas Jelinek Palais Ephrussi 1, Universitätsring 14 Anna Mendelssohn Café Griensteidl 1, Michaelerplatz 2 Milli Bitterli Schottengymnasium 1, Freyung 6 Ana Hoffner Sigmund Freud Museum 9, Berggasse 19 Das Tanzquartier Wien lud zur Saisoneröffnung am 26. und 27. September 2014 fünf PerformerInnen ein, in Dialog mit Edmund de Waals künstlerischer Arbeit Lichtzwang, die vom Kunsthistorischen Museum Wien vom 30. April – 5. Oktober 2014 im Theseustempel der Wiener Innenstadt installiert war, und ausgehend von Orten und Erzählungen aus seinem Buch Der Hase mit den Bernsteinaugen – Das verborgene Erbe der Familie Ephrussi, eigene performative Arbeiten zu entwickeln. Edmund de Waals Roman handelt von der/n Geschichte(n) der jüdischen Familie Ephrussi, die sich anhand eines Familienerbes, einer Sammlung von Netsuke, kleinen japanischen Schnitzereien, aufrollt. Die Erzählung beginnt in der Zeit vor und während den Weltkriegen und reicht bis in die Gegenwart. Neben anderen Schauplätzen wie Paris, Japan und London findet ein großer Teil der Handlung in Wien statt. Der Einladung folgend entstand ein Performance-Parcours entlang verschiedener Handlungsorte aus dem Roman. Die Interventionen von Milli Bitterli, KMET, Ana Hoffner, Thomas Jelinek und Anna Mendelssohn setzen sich mit verschiedenen Aspekten...

Opening (Stadt) Parcours

„Ihr werdet wieder zu Hause sein, ehe noch das Laub von den Bäumen fällt“ – mit diesen leichtfertigen Worten schickte Wilhelm II., Kaiser des Deutschen Reiches, 1914 seine Soldaten in die große Materialschlacht. Es ist die Rhetorik eines weltfremden Monarchen, die Vollmundigkeit maßloser Überschätzung. Wie fern die politische Elite jener Tage der Lebenswirklichkeit der Menschen war, demonstriert Gerhard Webers Uraufführung „‚Wahnsinn wäscht die Hände …‘ – Europa macht mobil“ am Stadttheater Trier anlässlich des Beginns des Ersten Weltkriegs vor 100 Jahren. Anhand von Depeschen und Protokollen des Sommers vor Europas Mobilisierung entwickelte er in Zusammenarbeit mit der ansässigen Universität ein Dokumentarstück über Irrungen und Wirrungen einer Diplomatie, die jeden Boden unter den Füßen verloren hat. Was der Intendant in aufeinanderfolgenden Gesprächen zwischen Botschaftern und Regenten entwirft, ist der Sumpf einer dekadenten Kaste. Nachdem allmählich die Folgen aus dem Attentat von Sarajevo absehbar werden, sich das Bündnis zwischen dem Deutschen Reich und der k.u.k. Dynastie gegen Serbien abzeichnet, beginnen teils abstruse Denkspiele der übrigen Mächte. Geschwind wechseln dazu die schwarzen Anzugträger (Christian Miedreich, Tim Olrik Stöneberg und Klaus-Michael Nix) ihre Hüte mit den jeweiligen Landesfahnen, schlüpfen von der einen Partei in die andere, wandeln zwischen russischem Billardtisch, britischem Angelteich und deutscher...

Theater Trier: „‚Wahnsinn wäscht die Hände …‘ – Europa macht mobil“ von G. Weber und P. Larsen. „Aufmarsch Trier – ‚So bitte ich Sie, auch meiner zu gedenken‘“ von P. Oppermann und St. Popp

Trier: Die Schlacht der Sandkastenstrategen

Darwin-Theater

AUTOREN Dezember 2014 Michael Bartsch, Journalist, Autor und Kritiker, Dresden Josef Bierbichler, Schauspieler und Autor, Ambach Otto Paul Burkhardt, Kritiker, Tübingen Anna R. Burzynska, Theaterredakteurin, Krakau Kerstin Car, freie Autorin, Berlin Friedrich Dieckmann, freier Schriftsteller, Essayist und Kritiker, Berlin Friederike Felbeck, Kulturjournalistin, Düsseldorf Joachim Fiebach, Theaterwissenschaftler, Berlin Hermann Götz, Theaterkritiker, Graz Björn Hayer, Kritiker, Landau Thomas Irmer, freier Autor, Berlin Sebastian Kirsch, Theaterwissenschaftler, Berlin Renate Klett, Theater- und Tanzkritikerin, Berlin Martin Krumbholz, freier Autor und Theaterkritiker, Düsseldorf Christoph Leibold, freier Hörfunkredakteur und Kritiker, München Sabine Leucht, Journalistin und Theaterkritikerin, München Ute Müller-Tischler, Kunstwissenschaftlerin und Kuratorin, Berlin Tom Mustroph, freier Autor, Berlin Ulrike Rechel, Musikjournalistin, Berlin Ralf Schenk, Filmpublizist und Autor, Berlin Katrin Schuster, Autorin, München Shirin Sojitrawalla, Theaterkritikerin, Wiesbaden Holger Teschke, Schriftsteller und Regisseur, Berlin Joachim F. Tornau, freier Journalist, Kassel Anna Volkland, Dramaturgin, Berlin IMPRESSUM Theater der Zeit Die Zeitschrift für Theater und Politik Redaktionsanschrift Winsstraße 72, D-10405 Berlin Tel +49 (0) 30.44 35 28 5-00 / Fax +49 (0) 30.44 35 28 5-44 Redaktionsleitung Harald Müller (V.i.S.d.P.) Redaktion Dorte Lena Eilers, Chefin vom...

Vorschau

Soundinstallation und Konzert im Theseustempel basierend auf Korrespondenz mit Freunden aus Kriegsgebieten via Skype 22.07. 08:47 how are you doing over there ? hard news they have here in the papers. hope you are all well. best florian 22.07. 08:50 Thanks for thinking of us Florian. We are fine. The situation in general is very depressing and still have hope that one day this will end. Can‘t give up hope! Hugs to you and the familia. mobil gesendet Am 16.08.2014 um 22:37 schrieb Gabriella Klein &lt;:*’==()=())@%§&amp;«:_Ä*._;Ä&gt;: Hi Florian, Thanks for your email and thinking of me. Your project sounds really interesting. Actually, I have recently been told abut that book and am curious to read it. My mind is a bit far from what is going on in Israel at this moment because I have been in the US now for 2 weeks (and 24/7 surrounded by my kids and family so my mind cannot even focus on any thoughts). When do you need this by? I will be back in Israel in a week and can write something then if it is ok. If you need it now I will make the time sooner. Let me know. Gabi בתאריך...

Guter Weltuntergang

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Seinen ersten Film drehte Ryan Trecartin an der Highschool mit einer gebrauchten VHS-Kamera. Das Filmmaterial von „Junior War“ landete erst mal in einer Schublade, bis er es nach über zehn Jahren zusammen mit drei anderen Videos auf der letzten Biennale in Venedig präsentierte. Seither verzeichnet die Laufbahn des 1981 in Texas geborenen Videokünstlers einen kometenhaften Aufstieg. Die Kunstwelt feiert ihn begeistert als einen der radikalsten Künstler seiner Generation. Und wirklich: Seine überhitzten Filmsettings treffen mit den außer Rand und Band geratenen Jugendlichen und den Genderparodien ins zentrale Nervensystem unserer westlichen Gegenwart. Wer sich Trecartin-Filme anschaut, könnte entweder gleich selbst durchdrehen oder zu dem Schluss kommen, ein auf Droge gesetzter Künstler tobe sich hier mit seiner Anhängerschar aus. Immer wieder heißt es, Trecartins Arbeiten überforderten uns und wirkten distanzlos. Sie seien so etwas wie ein überschäumender Mischmasch aus Soap-Opera, Reality-TV und Subkultur. Gerade zeigt er in den Berliner Kunst-Werken seine neue Produktion Site Visit. Und wie jedes Mal in seinen Filmen entwickelte er zusammen mit Lizzie Fitch und Rhett LaRue eine Art hyperkreatives Fernsehuniversum. Man ist gut beraten, sich gleich am Anfang eine der aufgestellten Campingliegen zu schnappen. So hat man die sechs Leinwände am besten im Blick. Wenn es gelingen...

Hyperhorror

Kunst

PERSONEN Der einsame George ... Krisen Tränen Einsamkeit große Themen aussterbende Arten Welt Zeit – für George – Eins: Einsamkeit Der einsame George war eine Riesenschildkröte. Er kam auf die Bühne, so schnell wie eine hunderttausend Millionen Jahre alte Riesenschildkröte auf die Bühne kommen kann. Dann verschnaufte er kurz (schildkrötenkurz) und kreischte. Und kreischte. Und kreischte. Und dann seufzte er. Und dann kreischte er wieder. Und dann seufzte er wieder. So vergingen Minuten, Stunden, Tage, Wochen, Jahre. Und dann kam traurige Musik. ♫ Aber sie ist einfach nicht so traurig wie George. Sie könnte ihn niemals berühren, weil seine Melancholie und Einsamkeit in Gebieten sind, die wir uns nicht vorstellen können, und sie sitzen dort schwermütig wie nichts, das wir kennen. Denn George ist der letzte seiner Art. Aber was soll man da machen? Er lebt ja einfach weiter, während alle um ihn herum sterben. Die Zeiten ändern sich und ändern sich und wie Baumringe gräbt sich eine Falte nach der anderen, Jahrhundert um Jahrhundert, in seine Stirn ein. George hat alles erlebt. Und auch wenn „alles“ ein großes Wort ist, George ist ja auch groß. Der einsame George: Ich wurde geboren, ich habe laufen gelernt, ich habe lesen gelernt,...

Fragment

Traurigkeit & Melancholie oder Der aller aller einsamste George aller aller Zeiten

Noch ist es ein aufregendes Provisorium. Die Theaterkasse befindet sich in einem Container, und das mächtige Gebäude des Flechtheimspeichers ist noch eingerüstet. Der umgebende Hafen ist eine belebte Jugendmeile, die am Wochenende „rockt“. Die frühere Spielstätte des privaten von Stadt und Land geförderten Wolfgang Borchert Theaters hatte lange ausgedient: dringend renovierungsbedürftig, zu eng das Foyer, der Bühnenhimmel zu niedrig, die flache Bühne ein Raum, der den Aufführungen seine Ästhetik diktierte. Dank des Architekten Jörg Preckel ist ein variabler und luftiger Bühnenraum entstanden, der 146 Plätze fasst. Anlässlich der Wiedereröffnung im Flechtheimspeicher im September 2014 erinnert eine Uraufführung an den früheren Besitzer und Namensgeber Alfred Flechtheim. Von Haus aus Getreidehändler, aber nach dem Herzen Sammler, Kunsthändler, Kurator und Verleger, war Flechtheim eine der wichtigsten Figuren der europäischen Kunstwelt in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Zu seinen wichtigsten Errungenschaften gehörte die von ihm kokuratierte und vor zwei Jahren vom Wallraf-Richartz-Museum in Köln rekonstruierte Sonderbund-Ausstellung 1912, die erstmals Maler wie Cézanne, Gauguin, van Gogh und Picasso präsentierte und bis heute als „Mission Moderne“ in ihrer prägenden Wirkung Beachtung findet. Die litauische, seit einigen Jahren in Deutschland lebende (und auf Deutsch schreibende) Autorin Arna Aley hat die akribischleidenschaftlich zusammengetragene Flechtheim-Biografie des Stadtarchivars Ottfried...

Wolfgang Borchert Theater: „Die letzte Soirée“ (UA) von Arna Aley. Regie Meinhard Zanger, Ausstattung Darko Petrovic

Münster: Raubkunst der Expressionisten

Angstlos! Heimatlos?

Willkommen in der Modelleisenbahnromantik. Eine Videoeinspielung zeigt das fiktive Bad Mersdorf, hügelig, fachwerkbehaust, mit Mineralwasserfabrik. Später singt eine Mädchenband: „Wir hassen unsre Eltern! Scheiß auf Selters! Korn, Bier, Weltall!“ – Selters, dieses fade, kohlensäureversetzte und in Wahrheit wenig prickelnde Zeug, ursprünglich und rein, blabla, das bringt die elterliche Welt auf den Punkt und damit das, was man schnellstmöglich hinter sich lassen will. Zumindest Korn und Bier sind zum Greifen nah, denn man steht an der Schwelle: Die Schule wird bald Geschichte sein, es sind Sommerferien, nicht mehr viele werden folgen. Die schier endlos vor einem liegende Zeit der vielversprechenden Freiheit, in der nichts passiert und sich trotzdem alles ändert, Pommes im Freibad, Fahrradtouren, laue Nächte, vielleicht eine erste oder zweite Liebe. Das Autorenduo Nolte Decar kondensiert in seinem Stück „Das Tierreich“ (siehe Stückabdruck in TdZ 10/2014), modellhaft wie das Anfangsbild, dieses ganz bestimmte Lebensgefühl zwischen Orientierungslosigkeit und Aufbruchstimmung, zwischen Selbstzweifel und Allmachtsphantasien, zwischen dem Ich und der Welt. Das ist nämlich auch die Zeit, in der man die Schlechtigkeit der Welt wahrzunehmen beginnt, in der man die Gesellschaft befragt und sich mitunter in ihr positioniert. Im „Tierreich“ stürzt die Realität buchstäblich vom Himmel: ein Leopard-2-Kampfpanzer kracht in die Hindenburg-Schule, über...

Schauspiel: „Das Tierreich“ (UA) von Nolte Decar. Regie Gordon Kämmerer, Bühne Jana Wassong, Kostüme Josa David Marx

Leipzig: Hochtouriges Einfallstourette

Opernsänger, die im Müller’schen Volksbad Bahnen ziehen. Tänzer, die als Ritter über die Bühne trampeln. Oder Modellbaufigürchen, die Protagonisten eines posthumanen „Roboter- märchens“ sind: Beim dritten Rodeo-Festival in München kennt sich die hiesige freie Tanzund Theaterszene selbst nicht wieder. Das Gros der üblichen Namen fehlt. Und das ist auf die seltsame Konstruktion von Rodeo zurückzuführen, das sich zwar als Plattform der Szene versteht, dieser aber ursprünglich von der Stadt verordnet wurde. Gab das Kulturreferat die ersten beiden Rodeos dabei noch weitgehend den hiesigen Kulturschaffenden selbst in die Hand, wurde heuer den von der Szene gewählten Zweierjurys (eine für den Tanz und eine fürs Theater) erstmals als jeweils dritte Stimme ein Kurator beigesellt, der zwar in der bayerischen Landeshauptstadt künstlerisch sozialisiert wurde, aber als Exmitglied des Leitungsteams am Theaterhaus Jena und aktuell als Schauspieldirektor in Darmstadt für den Blick von außen sorgen sollte. Das erwies sich als Fluch und Segen zugleich. Denn Jonas Zipf musste zwar keine Rücksicht auf lokale Seilschaften nehmen und warf so ungewohnte Schlaglichter auf sonst eher im Schatten stehende Kreative, zog dafür aber eigene Seilschaften hinter sich her. Nicht zuletzt dem von ihm gegründeten O-Team erwies er mit seiner Einschleusung in die Reihe der „Wahren Münchner Helden“...

Beim dritten Münchner Rodeo-Festival der freien Szene sind die Kleinen die Größten

Hase und Tee

Thomas Heise, Ihre Arbeit zum 100. Geburtstag der Berliner Volksbühne besteht nicht nur aus dem Film „Fabrik“, den Sie gedreht haben. Es wird auch dokumentarisches Material gezeigt, das dort auf dem Dachboden lag. Die Volksbühne wusste, dass mich das Archivmaterial interessiert. Die dachten, dass ich mir alle Sachen anschaue und dann was zusammenschneide. Kein Mensch hat das je gemacht, die wissen also gar nicht, was sie alles haben. Wenn man das macht, dauert das Jahre. Ich habe die Sachen verwendet, die ich kenne. Zum Beispiel? „Die Bauern“. Fritz Marquardts Inszenierung von 1976 würde ich gern komplett rekonstruieren, mit allen Lücken und technischen Fehlern, und dann ins Kino bringen. Weil es das in der Filmgeschichte nicht gibt und in der Theatergeschichte auch nicht. Was ist daran besonders? Es ist die erste Inszenierung nach dem Verbot von Heiner Müllers Stück 1961 (damals unter dem Titel „Die Umsiedlerin“, Anm. d. Red.), die Arbeit ist fast komplett da, gedreht auf 16 mm. Das ist etwas anderes als Videomaterial, das so flach ist und sich gegen Theater stellt – es sei denn, man geht auf die Bühne und macht ein Fernsehspiel draus. 16-mm-Film ist rau, das bringt die Atmosphäre von Theater gut rüber. Es...

Was macht das Theater, Thomas Heise?

Ran ans Märchen! 

„Sie lachen sich den Ast, bis Ihnen der Messwein aus der Nase läuft!“ Das Versprechen im Trailer zu Wenzel Storchs erstem Film „Der Glanz dieser Tage“ (1989) könnte getrost auch über der ersten (und hoffentlich nicht letzten!) Theaterregie des Künstlers stehen, der zuweilen als „Terry Gilliam auf Crack“ bezeichnet wird. Der Super-8-Messdiener-Report von damals, intendiert als antiklerikaler Aufklärungsfilm, hat auch 25 Jahre später noch einiges an Material für die Inszenierung in Dortmund abgeworfen, die im Oktober im Studio des Schauspielhauses ihre Uraufführung feierte: „Komm in meinen Wigwam. Eine Pilgerreise in die wunderbare Welt der katholischen Aufklärungs- und Anstandsliteratur“. Der Abend ist damit aber nicht nur eine Reise in die fromme Erbauungsliteratur, sondern viel mehr noch in das Werk und möglicherweise auch das Leben des Low- bis No-Budget-Filmemachers, der die wahnwitzig opulenten Sperrmüll-Ausstattungsfilme „Sommer der Liebe“ (1992) und „Die Reise ins Glück“ (2004) gedreht hat. Die Zeit bezeichnete ihn als „egomanen bis soziopathischen Künstlertyp, der sich vom eher berüchtigten als berühmten Bad-Taste-, Camp-, Trash-Filmer – oder wie immer man ihn betitelt hat, um dem Improvisatorischen, kalkuliert Dilettantischen, provokant Regellosen seiner Streifen Rechnung zu tragen – zum Universalkünstler weiterentwickelt hat“. Wenzel Storch blickt jedenfalls auf eine streng katholische Erziehung und eine Jugend...

Theater Dortmund: „Komm in meinen Wigwam“ (UA) von Wenzel Storch. Regie Wenzel Storch, Ausstattung Pia Maria Mackert

Dortmund: Die Liebe der Prälaten

Neuerdings kursiert eine Idee, deren Umsetzung, so ihre Verteidiger, die Theater auf den aktuellen Stand der Technik bringen soll: Wie wäre es, wenn die Bühnen beginnen würden, ihre Premieren als Online-Stream zur Verfügung zu stellen, so dass man die Aufführungen auch per Internet und vom iPad aus verfolgen könnte? Und es war abzusehen: Die einen befürchten nun, dass damit der endgültige Ausverkauf einer geschundenen Bühnenkultur besiegelt ist, eine „Theaterzerstörung der ganz eigenen Art“ (Gerhard Stadelmaier). Und die anderen, die Befürworter, wähnen sich für innovativ, aufgeschlossen und auf der Höhe heutiger medialer Umwelten. Die Krux ist nur: So wie die Debatte geführt wird, ist sie nichts als die jüngste Auflage eines Streits, der sich bislang noch an jedes Massenmedium geknüpft hat, ein ewiges Hin und Her zwischen Medienexorzisten und -fetischisten. Als sich etwa im 19. Jahrhundert die Fotografie durchsetzte, fürchteten die Exorzisten, dass die fotografierten Dinge selbst durch ihre Ablichtung überflüssig und am Ende ersetzt würden. Und die Fetischisten brachen in Begeisterungsstürme über ebendiese Ersetzbarkeit aus und feierten das Foto als quasilebendiges Double der Welt. Was die beiden Parteien indes verbindet und sie am Ende zu einer einzigen macht, ist ein und derselbe Glaube an die Trennbarkeit von Sein und Schein,...

kirschs kontexte: Fresse halten? Bloß nicht!

AalenTheater Bar jeder Vernunft – Ein philosophischer Liederabend (T. Kleinknecht, 06.12.) Annaberg-Buchholz Eduard-von-Winterstein-Theater H. Buhr: Minettis Blut oder Eine glänzende Vorstellung (D. Kunze, 30.12., UA) Bamberg E. T. A.-Hoffmann-Theater R. Lewandowski: Die Bombe (P. Bernhardt, 04.12.) Basel Kaserne H. Shechter: Political Mother (H. Shechter, 12.12., SEA) Bautzen Deutsch-Sorbisches Volkstheater L. Rinser: Dzeci kralow (Königskinder) (T. Thomaschke, 09.12.) Bayreuth studiobühne M. Nielsen: Feldpost für Pauline (M. Müller, 20.12., UA) Berlin BrotfabrikBühne n. F. Schiller: Die Raeuber (M. Sterra, 03.12.); n. Aristophanes/M. Duckstein-Neumann: SSV (Saison Sex Verbot) Lysistrata (M. Duckstein-Neumann, 17.12.); Ensemble: Dinner for one – not the same procedure as last year (N. Foerster, 29.12.) Deutsches Theater A. Schnitzler: Das weite Land (J. Steckel, 12.12.); W. Lotz: Die lächerliche Finsternis (D. Löffner, 14.12.) Maxim Gorki Theater M. Salzmann: Wir Zöpfe (B. Grube, 13.12., UA) Sophiensaele D. Pilz/T. Lensing/n. F. M. Dostojewski: Karamasow (T. Lensing, 04.12., UA) Theaterhaus Mitte M. Enslein: Unrettbares Ich (M. Enslein, 16.12., UA) Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz J. Kuttner/A. Meier: Ach, Volk, du obermieses – Eine Revue am Bülow-Wessel-Luxemburg-Platz (J. Kuttner, 04.12., UA) Birsfelden Theater Roxy Lumpenbrüder: Keine Ahnung! (Lumpenbrüder, 10.12., UA); B. Makmal: ALL.es (B. Makmal, 16.12., UA) Bochum Schauspielhaus D. Loher: Blaubart – Hoffnung der Frauen...

Dezember 2014

Premieren

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Meine Großmutter wurde 1911 noch in der Habsburgermonarchie geboren. 1936 emigrierte sie im Alter von 25 nach England. In den Jahren dazwischen erlebte sie in ihrer Kindheit und Jugend den Zerfall der Monarchie, die gelebte Utopie des Roten Wien, deren Zerschlagung durch den Austrofaschismus und das Aufkeimen des Nationalsozialismus. Sie sah ihren Vater von der Front heimkehren, studierte Philosophie an der Wiener Universität und diskutierte sich durch verrauchte Nächte in den Wiener Literatencafés. Meine Großmutter war von Beruf Schriftstellerin. In ihrer Autobiografie und ihren zahlreichen Essays finde ich viele Eindrücke und Beobachtungen aus dieser Zeit, sogar ein ganzes Buch mit dem schönen Titel Glanz und Untergang, Wien 1866 bis 1938. Ich schlage es auf und sehe meinen Namen – sie hat es ihren drei Enkeln gewidmet. Ich beginne in Hildes Erinnerungen zu lesen, zu schlendern, und stolpere dabei über meine eigene Kindheit. »Ich sah noch von einem Erkerfenster in der Wollzeile, den Leichenzug des alten Kaisers vorübergleiten wie ein Schattenbild, und die Frauen um mich, deren Männer im Felde standen, weinten. Wozu gehörte man?« Österreich: das ist die Geschichte, in die wir beide eines Tages eingetreten sind. Du, liebe Hilde, in »Fanny’s Salon und die Abendgesellschaften der Josefine von...

Ein Herbst, eine Jugend

Dies ist ein Abend über den Apfel. Jenen, mit dem der Sündenfall begann und auch die Erkenntnis. Das ist Wahnsinn, gewiss, aber er bleibt in der Familie, denn schließlich beginnt alles mit Schöpfung und Fall, mit anderen Worten „Irrtümer 1 – Familien-Wahn- Sinn“. Intendant Manuel Schöbel über die im Folgenden zu entdeckende Dialektik des Paradieses: „Fest steht, man wird nicht unbedingt ins Paradies geboren. Man muss es finden. Und welchen Preis zahlt man für paradiesische Welten?“ Der Titel dieses Spektakels (neun Stücke, von denen man jedoch an einem Abend nur drei schafft) ist so folgerichtig chaotisch wie die Geschichten, die erzählt werden. Alles nimmt seinen Anfang mit Adam und Eva. Wann ist das Chaos, die Familie komplett? Der Wahnsinn hat einen Namen, und an den dachten Adam und Eva, so ungestört gedankenfrei im Paradiesgarten ausgesetzt, wohl erst einmal nicht: der Apfel! Der Apfel ist immer das, was verboten ist und darum umso stärker lockt. Das Tabu, zum Bruch dargeboten von der Schlange, die nur eine Erscheinungsform des gefallenen Engels Satan ist. Ja, auch das ist einer, der einst an der Seite Gottes saß, doch nun kultiviert er die Nachtseiten dieses langweilig zu werden drohenden ewigen Sommerstücks namens Paradies. Der Renegat...

Die Landesbühnen Sachsen durchforsten mit ihrem Eröffnungsspektakel „Irrtümer 1 – Familien-Wahn-Sinn“ die Dialektik des Paradieses

Schöpfung und Fall

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Dieser schmale Mittvierziger mit der dunklen Brille ist ein typischer Intellektueller, einer, der von sich sagt, sein größtes Glück sei das Nachdenken. Eine einsame Tätigkeit, deren Ergebnisse sich nie einfach benennen lassen. Aus einem Gedanken wird immer nur eins: wieder ein Gedanke. Es sind lauter Paradoxe, die es dabei zu feiern gilt, so wie in seiner Inszenierung von Samuel Becketts „Warten auf Godot“ am Deutschen Theater Berlin. Denn nur das Unmögliche hat Sinn, nur das, was nie funktioniert, lohnt die Anstrengung. Manchmal ist es doch besser, ganz schlicht zu funktionieren, das hatte er schon fast vergessen. Aber seit er letztes Jahr den Führerschein machte, weiß er es wieder. Nun fährt er mit dem Auto durch Berlin. Die Regeln sind einfach und nicht verhandelbar, nicht einmal interpretierbar: Rot bleibt Rot und ein Stoppschild ist ein Stoppschild. Auto fahren macht ihm Spaß, sagt er. Aber hat er gar keine Angst? Sein Fahrlehrer habe ihm gesagt, die Wahrscheinlichkeit, jemanden zu überfahren, sei mit Auto zweifellos größer als ohne Auto. Die Auskunft fand er – ihrer logischen Stringenz wegen – überzeugend. Seit wann sind Fahrlehrer Philosophen? Normalerweise ist er Leuten gegenüber misstrauisch, die wissen, wo es langgeht. Den Propagandaton erkenne er sofort. Die Aversion...

Der Regisseur und Autor Ivan Panteleev feiert das Paradox

Dunkler Dialektiker

Der Notfall als Prinzip

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Das polnische Theater gehört seit jeher zu den besten und eigenständigsten Bühnenlandschaften Europas. Zu Sowjetzeiten war es der Ort des Widerstands und der nationalen Identität, und mit Jerzy Grotowski und Tadeusz Kantor beeinflusste es das Welttheater. Heute demonstrieren deren Nachfolger ihre Kraft, kann das Land mit dem Altmeister Krystian Lupa und seinen Schülern Krzysztof Warlikowski und Grzegorz Jarzyna drei der wichtigsten Regisseure Europas vorweisen. Doch das Trio ist nur die Spitze des Eisbergs – von Jan Klata und Barbara Wysocka bis zu Monika Strzępka / Paweł Demirski zeigt eine neue Generation ihre Krallen und Samtpfoten. Krzysztof Warlikowski, dessen Vorname schon manchem nichtpolnischen Kritiker beim Buchstabieren den Angstschweiß auf die Stirn trieb, wurde 1962 in Stettin geboren. Er brauchte lange, bis er zur Bühne fand, studierte zunächst Geschichte, Philologie und Philosophie in Krakau, bevor er sich unter dem Einfluss des dort arbeitenden Krystian Lupa fürs Theater zu interessieren begann. Lupa war damals noch keine Ikone, sondern höchst umstritten, und gerade das scheint den Studenten angezogen zu haben – er wurde sein Meisterschüler. Niemand sonst kommt der Essenz des Lupa-Theaters, seiner nüchternen Ekstase und magischen Sinnlichkeit heute so nahe wie er, nur sind Warlikowskis Farben greller, morbider, auch weniger absolutistisch. „Ich war...

Das Theater des polnischen Regisseurs Krzysztof Warlikowski kommt nicht mit heiligem Pathos, sondern sexy und unverschämt daher

Jammer und Glorie

Das Theater mit den Finanzen

Die performative Baustelle

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

Theater ist überlebensnotwendig

Performative, dynamische Installation im urbanen Raum Wien: Angst-Hasen, Mitläufer. Verbreitung der Angsthasen. Der Hase ›migriert‹ durch die Stadt und vermehrt sich. Humor trifft Zeitkontext – die Stadt, oder besser, ihre Einwohner haben Humor bewiesen, viele haben mitgemacht, die Hasen befreit, in die Kaffeehäuser, überall hin, nach Hause, mitgenommen. An zwei Tagen war die Innenstadt Wiens voll von Angst-Hasen-Ballons, aufgeblasen. Mit dem Hasen in Gruppen vom Theseustempel im Wiener Volksgarten mitlaufen. Zum schweigenden Palais Ephrussi, das nur noch Umzugskartons und die Stimme japanischer ›Rückkauf-Verhandlungsgespräche‹ beherbergt. Dort Aiko. Die Porzellan-Puppe tanzt die Ansicht der Netsuke. Informationen nur unter der Hand. Mädchen verkaufen sich mit Pokemons. Von dort weiter zum Sigmund-Freud-Park, zum Asylwerber-Protest-Camp-Memorial. Ein selbst gebasteltes Miniaturcamp jüngster Geschichte von Ausgrenzung, wo im Winter 2012 das Refugee Protest Camp gestanden hatte, bewacht von einem einsamen Epistemologen des Aktivismus. Dann weiter zu den anderen Orten des Parcours. Die Installation, Materialisierung der Vermischung von Kritik und Affirmation, in dem ich als Publikum gleichzeitig aktiver Kritikkörper-Träger, aber durch die (unterstellte) Unfreiwilligkeit das aufgedeckte Kritikobjekt bin. – folgen Sie der Hasenfährte – folgen Sie dem weißen Angst-Hasen durch Wien – den Hasen in der Hand, als Erkennungszeichen – mit einem Erkennungszeichen durch Wien laufen – als Täter...

Angst-Hasen an der Leine

Gerade noch rechtzeitig zum 100. Jahrestag des Ausbruchs des Ersten Weltkriegs hat die edition text + kritik ein Buch zum Fronttheater herausgebracht. Anders als einschlägige Darstellungen, die meist auf den Motivationsund Ablenkungscharakter dieser Unterhaltungskunstformen in Schlachtfeldnähe abheben, beschäftigt sich „Mein Kamerad – Die Diva“ mit den Geschlechterbildern, die hierbei erzeugt wurden. Und liefert ein paar überraschende Erkenntnisse. So ist die sexuelle Spannung nicht zu überlesen, die in Briefen wie diesen ausgedrückt wird: „Waren wir nicht zuweilen ein klein wenig verliebt in Dich Flatternde, An- mutige, die Du Verdichtung jenes Weiblichen strahltest? Hast Du nicht immer irgendwie ver- wundet, mein zierliches Figürchen?“ Was den Brief dieses Soldaten des kaiserlichen Heers aus der üblichen Schmachtliteratur heraushebt, ist die Tatsache, dass sein Liebestraum über die „Verdichtung des Weiblichen“ gerade keiner Frau, sondern einem Soldaten als Damendarsteller anlässlich der Aufführung von Gerhart Hauptmanns „Der Biberpelz“ durch ein Gefangenentheater in Frankreich galt. Die Zuneigung zu den Diven in Feldgrau wurde durch zahlreiche Werbepostkarten sogar noch gefördert. Einige aussagekräftige Abbildungen von Gefreiten im Rüschenkleid sind im Buch. Die Herausgeberinnen Julia B. Köhne, Britta Lange und Anke Vetter betonen in dem Band, der begleitend zu einer Ausstellung im Schwulen Museum in Berlin erschienen ist, dass es sich...

J. B. Köhne, B. Lange, A. Vetter (Hg.): Mein Kamerad – Die Diva. Theater an der Front und in den Gefangenenlagern des Ersten Weltkriegs. edition text + kritik, München 2014, 131 S., 19,80 EUR.

Diven in Feldgrau

Brennender Schatten

Zu den bedeutenden Filmen, mit denen der Wettbewerb von Cannes in diesem Jahr glänzte, gehörte zweifellos Timbuktu des mauretanischen Regisseurs Abderrahmane Sissako. Es ist das Porträt der legendären Oasenstadt Timbuktu, in die arabische Dschihadisten einfallen und das Leben, das bisher von den Regeln eines menschenfreundlichen, toleranten Imam geprägt war, radikal verändern. Der poetische, grausame, aber auch komische und bisweilen schwebend leichte Film fragt danach, was eine solch radikale Veränderung der Lebensumstände aus jenen Menschen macht, die ihr unterworfen sind. Zugleich will er wissen, was in den Köpfen der meist jungen Dschihadisten vorgeht. Natürlich kommt Sissako nicht umhin, auch den Terror zu schildern, so wenn in einem kurzen Moment ein unverheiratetes Paar nach den Gesetzen der Scharia gesteinigt wird. Aber „Timbuktu“ unterwirft sich keinesfalls der lähmenden Angst, sondern führt die Terroristen als grobe, geistig eher unterbelichtete Truppe vor, die sich nicht einig ist über ihr Woher und Wohin, die selbst Fußballstars aus der westlichen Welt anhimmelt und den Koran eher vom Hörensagen als vom ernsthaften Studium kennt. Das Ansinnen des Films ist ein viel größeres, als ein erwartbares naturalistisches Schreckensbild über religiöse Eiferer und ihre Opfer zu skizzieren: Der Humanist Sissako beharrt auf seinen Glauben an die Kraft der Vernunft, die...

In Wüsten und Wäldern

Film

Ende der Exception Culturelle

<h1>Beleuchtungsweisen des Tragischen</h1> Zu Hans-Thies Lehmanns „Tragödie und dramatisches Theater“ <h3>von Joachim Fiebach</h3> Das Buch legt dar, dass Tragisches entgegen vorherrschenden Auffassungen nicht als Gegebenheit, Inhalt oder Stoff anzusehen ist. Kriterium für das Tragische und so für Tragödie ist die Gestaltungart. Die Theaterentwicklung zwinge dazu, „die Frage nach dem Darstellungsmodus auf den Theatervorgang zu verschieben“ (S. 69). Tragische Gestaltungen oder eben Tragödien seien letztlich nur als Theaterphänomene zu verstehen und, wie ausführlich argumentiert, im Aufdecken ihrer je reichhaltigen theaterkünstlerischen Verfahren und Mittel adäquat zu behandeln. Einleitende Sätze zum abschließenden Teil „Tragödie und postdramatisches Theater“ umreißen die Perspektive bzw. den theoretischen Ausgangspunkt und den Wertungsmaßstab, mit denen Denken und Praktiken tragischen Theaters in Europa, vor allem des tragischen Dramas seit der Renaissance diskutiert werden: „Wir haben die Unterscheidung getroffen zwischen einem Denken des Tragischen als Qualifizierung einer bestimmten Art von Konflikten bzw. ihrer Erfahrung – mit dem Höhepunkt dieser Tradition in Hegels Ästhetik – und dem Tragischen als exemplarischer Manifestation einer Gewalt und Energie des Bruchs, der Überschreitung, der Maßlosigkeit, des Exzesses, sofern damit eine immanente Selbstgefährdung und vollzogene oder drohende Vernichtung verknüpft ist. Und wir hatten betont, daßzwar die beiden Perspektiven als zwei Beleuchtungsweisen zu denken sind, nicht als einander...

Zu Hans-Thies Lehmanns „Tragödie und dramatisches Theater“

Beleuchtungsweisen des Tragischen

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

Sweet Dreams?

Eine Wette auf die Zukunft

Den Russen nimmt man dem jungen Mann mit Vollbart und schwarzem Wuschelkopf sofort ab, dabei ist der 32-jährige Edgar Eckert ein halber Portugiese. Eckert kann eine Bühnenfigur aufladen wie mit Elektrizität, etwa seinen Alexej Iwanowitsch in der Dostojewski-Adaption „Der Spieler“, impulsiv, nervös, geradezu explosiv. Um Haaresbreite wäre die Düsseldorfer Inszenierung von Martin Laberenz zum Theatertreffen eingeladen worden – gescheitert ist es ganz gewiss nicht an ihrem Hauptdarsteller. Eckert spielte diesen Temperamentsbolzen, der sich unglücklich in die launische Stieftochter eines bankrotten Generals verliebt, furios. 1982 als Kind einer Portugiesin und eines Schweizers in Toronto geboren, wuchs Eckert in Basel auf. Er besuchte die private Schauspielschule Cours Florent in Paris, mit 50 Schülern in einer Klasse, bevor er an die Hochschule für Musik und Theater „Felix Mendelssohn Bartholdy“ Leipzig wechselte und von dort ins erste Engagement zu Sebastian Hartmann ans Schauspiel Leipzig ging. Es war eine bewegte und, wie Eckert erzählt, eine großartige Zeit. Er durfte, beinahe noch als Anfänger, unter der Regie von Sascha Hawemann den Hamlet spielen. Nach dem Ende der Ära Hartmann wechselte Eckert ans Düsseldorfer Schauspielhaus: nicht nur geografisch ans entgegengesetzte Ende der deutschen Theaterlandschaft. Er berichtet amüsiert von Streitgesprächen mit dem Publikum – mitten in der Aufführung....

Impulsiv, nervös, elektrisch – Wie der Düsseldorfer Schauspieler Edgar Eckert seine Bühnenfiguren auflädt

Kindsköpfiger Bettelprophet

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Die östliche Grenze zwischen Slowenien und Österreich ist ein hübscher Streifen Land, eine weite Welt der Weinberge. Die Autobahnanbindung ist gut, die Stadt Graz nah. Doch bevor das Weinland beginnt, geht es durch eine ausgedehnte Ebene, in der eher die Schweinezucht dominiert. Hier liegt an einem vereinzelten Hügel Wildon, ein nettes Städtchen mit viel Barockarchitektur und einer von Bürgerhäusern gesäumten Dorfstraße. Dummerweise ist diese zugleich Verkehrsader, was ihre Nutzung durch Fußgänger und Flaneure eher unmöglich macht. Im Ranking der traurigsten Orte dieses Landes nimmt der Kebabladen hier, in dem ein einsamer Säufer den kalten Fleischspieß hypnotisiert, gewiss einen Topplatz ein. Gleich danach kommen das tote Kino und die verlassenen Geschäftslokale mit ihren schmutzverkrusteten Auslagen. In genau diesen Kleinhandelsbrachen war eines der schönsten Projekte des Festivals steirischer herbst zu erleben. „Kingdom“, ein „side-specific Mystery-Hörspiel-Game“ von machina eX. Im Programm heißt es, die Arbeit bringe „die Welt der Computerspiele mittels Sensoren, Elektronik und Software zurück in die Realität“. Sagen wir, es ist eine Schnitzeljagd. Eine äußerst klug und detailverliebt gestaltete. Kleine Besuchergruppen werden per Handykommandos über Hintertreppen in leere Geschäfte und verwaiste Büros geführt. So erschließt sich den „Ermittelnden“ die Story. Und zugleich die verkehrte Welt einer Stadt, in der die Vorderfront...

Der steirische herbst 2014 umspielt die Kunst der Verweigerung

Ohne mich

Eine Performance von Milli Bitterli in einem Klassenzimmer des Schottengymnasiums Wien, das auch Baron Ignaz Leo Ephrussi 1917 – 1924 besucht hat »Tradition und Verpflichtung. Guten Morgen. Bitte setzen. Lassen Sie uns sehen wer heute da ist. Haben sich schon alle in die Anwesenheitsliste eingetragen? Na, jetzt ist es leider zu spät. Welche Gruppe seid ihr denn? Wo sind wir das letzte Mal stehen geblieben? Bitte, hör auf mit dem Hasen zu spielen! ...« Ich stehe und staune. Ein elementarer Satz. Ein Moment, etwas das einem widerfährt, ein Bruch, der einen vielleicht zur Einsicht bringt, oft kein angenehmer Moment, eine Unterbrechung. Der Titel der Performance ist in Anlehnung an einen Satz von Christoph Schlingensief: Ich staune, als hätte ich Sonne und Wolken noch nie gesehen. Ein Satz, der mir vor Augen führt, wie wichtig es ist genau zu schauen, um sich zu schauen. Ein Satz, der, wenn man seinen Ursprung nicht kennt, vielleicht an ein kindliches Gemüt denken lässt, das die Umgebung auf eigenartige Weise direkt mit Spannung erlebt. Ein Satz aber, der das Potenzial des Berührt-Werdens in sich trägt, weil das Staunen wichtiger ist, als Antworten zu geben. Ein Moment, der nicht mit Gleichgültigkeit neutralisiert wird und man deshalb...

Milli Bitterli — »Ich stehe und staune.«

Erstaunlich, diese Wirkungsgeschichte des vor 200 Jahren gestorbenen Erzbuben der Perversion! Angesichts von Büchern wie „Die hundertzwanzig Tage von Sodom“ wundert man sich über die Reihe jener Autoren, die sich als seine Erben ansehen; sie gehören alle zu den Ikonen der modernen Kunst: von Baudelaire mit seinen „Blumen des Bösen“ über Lautréamont und seine „Gesänge des Maldoror“ bis zu Nietzsche. Apollinaire nannte ihn den „freiesten Geist, der jemals existiert hat“. Ist de Sade der „Unterwanderer“ jenes Zwangs zu Gutheit, der das überkommene Menschenbild bestimmt? Volker Reinhardt hat die Biografie jenes Mannes geschrieben, der sein Leben wie eine einzige Theaterinszenierung verstand. Von Peter Weiss kennen wir „Marat / de Sade“ – aber wie exponiert seine Rolle etwa in der Französischen Revolution war (er betätigte sich als Revolutionsrichter und rettete dabei seine Schwiegereltern vor der Guillotine), das kann man nun in „De Sade oder Die Vermessung des Bösen“ nachlesen. Sind diese entsetzlichen Gewaltphantasien, das bewusste Quälen anderer Menschen nun bloßer Ausdruck von menschenverachtender Perversion, Triebtäterprotokolle oder das Gegenteil davon, deren Verwandlung in einen ästhetischen Ausdruck, der von dem Zwang befreit, die ausgemalten Taten auch ausführen zu müssen? Volker Reinhardt fragt: War de Sade ein Sadist? Sexualität ist eine gefährliche Kraft. Der Surrealismus...

Volker Reinhardt: De Sade oder Die Vermessung des Bösen. Eine Biographie, C.H. Beck Verlag, München 2014, 464 S., 26,95 EUR.

Die Hölle im Triebwesen Mensch

Man traut sich kaum heran an dieses Buch, schon weil Wolfgang Herrndorf verfügte, man solle Journalisten „mit der Waffe in der Hand“ von seinem Nachlass fernhalten. Der postum publizierte Text – der Titel Bilder deiner großen Liebe stammt noch vom Autor – stellt sich in der Unterzeile als „unvollendeter Roman“ vor. Als Fragment also, wie es der Schriftsteller laut seines Testaments nie veröffentlicht sehen wollte. Das Nachwort der Herausgeber Kathrin Passig und Marcus Gärtner informiert zwar darüber, dass Herrndorf seine Meinung änderte, allerdings ahnt man, woher sein Unbehagen rührte. „Bilder deiner großen Liebe“ ist zweifellos ein echter Herrndorf, jedoch mangelt es just an jener unheimlichen Perfektion, die diesen Schriftsteller nicht zuletzt ausmachte. Herrndorfs dichte Szenen, kristallklare Metaphern, verrückte Poetik: Sie finden sich in „Bilder deiner großen Liebe“ nur als Skizzen, Schemen, Gerüste. Zudem wurde ein alternativer Anfang nicht abgedruckt, der den Roman mit dem Tagebuch der Ich-Erzählerin Isa in eins hätte fallen lassen. Das dürfte nicht nur Literaturwissenschaftler („Germanisten niemals ranlassen“, befiehlt das Testament) schmerzen, sondern auch die Fangemeinde des Autors, schließlich verstrickte sich Herrndorf stets in verzwickte Verwicklungen mit der Metaebene. Allein, der Roman nimmt ohnehin eine Sonderstellung in Herrndorfs Werk ein. Isa ist darin nämlich keine Unbekannte; bereits...

Vom letzten Wollen und Sagen

Literatur

Notizen zu Piscator

Dramaturgentheater! Der Ausdruck ist beinahe ein Schimpfwort. Was also ist von einem Kollektiv zu halten, das aus fünf ehemaligen Dramaturgiestudenten der Bayerischen Theaterakademie besteht, die sich 2011 unter dem Label Fake[to]Pretend zusammengefunden haben und sich als Think-Tank definieren? Kopflastige Konzeptkunst? Es sei tatsächlich die „unglaubliche Lust am Denken“, die alle verbinde, erklärt Tobias Ginsburg lächelnd. Worauf Benno Heisel sofort versichert, dass sämtliche Mitstreiter aber auch praktische Erfahrungen mitbrächten. Daphne Ebner beispielsweise kommt vom Tanz. Heisel wiederum hat immer schon viel Musik gemacht. Schon „Malinche“ (2011), eine der ersten Produktionen von Fake[to]Pretend, lieferte den Beleg, dass Dramaturgen mehr als nur Kopfgeburten zuwege bringen. Die als „Herrenabend“ annoncierte Aufführung erwies sich als ebenso sinnreiche wie sinnliche Auseinandersetzung mit dem Blick auf die Frau in der Geschichtsschreibung – der vornehmlich ein männlicher ist. Malinche war eine Aztekin, die dem Konquistador Hernán Cortés als Übersetzerin und Konkubine diente. Ihr Bild in den Chroniken, geprägt vom Blick der Eroberer, umfasst das gesamte Spektrum zwischen Heiliger und Hure. Sie war Opfer männlicher Machtausübung und der Kolonisation zugleich. Auch eine Invasion ist nur eine andere Form der Penetration. Rein inhaltlich harter Tobak. Aber welch ein Theatervergnügen bereitete diese Performance! Wie da mit virtuosem Dilettantismus eine reißerische TV-Doku...

Auf der Flucht vor der Hölle des Relativierens – Das Kollektiv Fake[to]Pretend ringt um klare Aussagen

So tun, als ob man so tut

Drei Großbuchstaben und ein Punkt reichen für die Botschaft: NEU. Ob das anders oder besser bedeuten soll, wird nicht versprochen. Doch in Göttingen, wo das schlichte Plakat mit den schwarzen Majuskeln für den Saisonstart am Deutschen Theater (DT) wirbt, vermag bereits die Aussicht auf Neues zu verlocken. Anderthalb Jahrzehnte lang hat Mark Zurmühle das traditionsreiche Haus am Wall geleitet. Durchaus erfolgreich zwar, aber mit stetig wachsenden Schwierigkeiten, immer wieder Neugier zu wecken. Ermüdungserscheinungen einer langen Intendanz. Nun also: NEU. Mit dieser Spielzeit hat Zurmühles Nachfolger sein Amt angetreten: Erich Sidler, 49 Jahre alt, aus Luzern stammend, ein streitbarer Theatermacher, dessen Vita der Hoffnung auf einen echten Neustart Nahrung gibt. Von 2007 bis 2012 war er Schauspielchef am Stadttheater Bern, hat dort, wo bis dahin nicht eben Experimentierfreude herrschte, eine neue Spielstätte mitten im Industriegebiet etabliert und mit jungen Regisseuren und neuen Stücken so viel Zuspruch geerntet, dass die Zuschauerzahlen deutlich stiegen. Gleichzeitig ist er kein Revolutionär: Dekonstruktion, Verfremdung oder „absurde neue Formen“, wie er sagt, interessieren ihn nicht. Was Sidler will, ist erzählen – und berühren. „Menschen brauchen Geschichten“, findet er, „um sich zu verstehen, um das Leben zu verstehen.“ Das mag klassisch klingen, geradezu einfach. Doch schon mit seiner...

Erich Siedler, neuer Intendant des Deutschen Theaters Göttingen, bekennt sich zum Erzähltheater – zum Saisonstart zündet das nur manchmal

Das Lächeln regiert

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

<h2>Ana Hoffner — EIN KOBALTBLAUER TELLER </h2> Ein kobaltblauer Teller ist das einzige Relikt aus der Zeit, in der ich als illegalisierter Flüchtling aus Ex-Jugoslawien in Wien gelebt habe. Im Gedächtnisraum des Sigmund Freud Museums verstrickt sich meine Geschichte mit dem Leben wie auch der Arbeit der Kinderanalytikerin Anna Freud, die in der Berggasse praktizierte. Das Freilegen des Verschütteten, die Reste der Vergangenheit spielen in der Psychoanalyse eine große Rolle. Wenn ich etwas darüber erfahren will, muss ich weiterforschen. Ich grabe in den Schutthaufen der Erinnerung, suche nach Geschichten, taste mich vorwärts in das Unbekannte. 2007 finde ich Berichte über Arigona Zogaj, sie soll mit ihrer Familie nach Kosovo abgeschoben werden. Aber das, was mich interessiert, bleibt weiterhin verborgen. In den unzähligen Erzählungen über migrantische Kinder findet sich selten etwas über ihren Alltag. Was essen sie? Was ziehen sie an? Das Kind auf der Flucht, das Kind ohne Dokumente ist immer ein ausgestellter Gegenstand. Es ist unter Beobachtung und von besonderem Interesse. Das seltsame Objekt Kind erweckt viel Mitleid und löst viel Angst aus. Sein Fetischisieren bewirkt einen Stillstand jener Geschichten, die die Psychoanalyse in Bewegung gebracht hat. Kein Hinhören mehr auf den Wolfsmann, den kleinen Hans, auf Dora und Anna....

Ein kobaltblauer Teller

Arbeiten

Festival der Besessenen

Es wäre mir eine Sünde, mich über mein Schicksal als Schauspieler zu beklagen: Es hatte sich glücklich gefügt. Und trotzdem begann ich aus Unzufriedenheit, mich mit Regie zu beschäftigen. Als Schauspieler war ich für den Regisseur oft unausstehlich: Wir hatten gerade erst mit der Arbeit begonnen, doch in mir lebte bereits das Gefühl der Lösung der Szene. Dieses Apriori-Kennen des Resultats störte – versklavte, raubte die Unmittelbarkeit – und erzürnte natürlich den Inszenator der Aufführung. Es entstanden Konflikte. Wie seltsam es auch sein mag – aber vielleicht ist es natürlich –, wir stritten gewöhnlich nicht über meine Rolle, nicht über die inneren schauspielerischen Zugänge zu ihr, sondern über die allgemein plastische, gedankliche Lösung der Szene im Raum. Bei uns verhält man sich auch bis heute noch misstrauisch gegenüber einer kühnen plastischen Lösung. Es ist üblich, von der Alltagswahrheit, von der alltäglichen Echtheit auszugehen. Aber in der Kunst ist nicht unmittelbar die Wahrheit des Alltags wertvoll, sondern die künstlerische Gestalt, und die Unterschätzung der Rolle der Form bei der Suche nach der Bildhaftigkeit ist ein seltsames, aber verbreitetes Vorurteil. Das innere Angefülltsein des Schauspielers scheint uns, wenn es nicht in eine klare Form gegossen ist, aus dem Zuschauerraum nicht überzeugend und...

Algebra der Harmonie (1974)

„Ich mag nicht weiter!“, lautet des Titelhelden erster Satz an diesem Abend. Joachim Meyerhoffs Danton wird ihn noch etliche Male gebetsmühlenhaft wiederholen. Derweil kreist in seinem Rücken die Drehbühne. Bei Jan Bosse, so wird sich bald herausstellen, versinnbildlicht sie weniger das Räderwerk der Französischen Revolution, das massenweise Menschen zermalmt; eher ein Mahlwerk der Zeit, das Stunden in Staub verwandelt, der den Menschen zwischen den Fingern zerrinnt. Das Wort „Revolution“, so klärt das Programmheft auf, meinte ursprünglich nicht die politische Umwälzung; zuerst tauchte es in der Astronomie auf, wo es die Umdrehung der Himmelskörper um die eigene Achse bezeichnete. Es ist diese Revolution, die Bosses Wiener Danton zermürbt hat: die gleichförmige, man könnte auch sagen gleichgültige Rotation einer Welt, die sich nicht drum schert, was die Menschen auf ihr treiben. Um Politik geht es Danton hier folglich schon lange nicht mehr. Entsprechend angewidert spuckt Joachim Meyerhoff das Wort aus: „Politik!“ Was für eine sinnlose Zeitverschwendung! Trotz fortgeschrittener Desillusionierung rafft er sich regelmäßig auf, mehrere Runden gegen die kreisende Drehbühne anzurennen. Ein letztes Aufbäumen!? Wohl kaum. Wahrscheinlicher steckt dahinter die Absicht, sich restlos lebensmüde zu rennen. Doch es ist vertrackt: Mit der Lebensenergie ist Meyerhoffs Danton offenbar auch die Kraft abhandengekommen, sein...

Burgtheater: „Dantons Tod“ von Georg Büchner. Regie Jan Bosse, Bühne Stéphane Laimé, Kostüme Kathrin Plath

Wien: Die gleichgültige Rotation der Welt

Dramaturgie der Solidarität

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

Disappearing Birdie Coonan

Als Krzysztof Warlikowski im Juli 2013 im Warschauer Nowy Teatr sein „Kabaret Warszawski“ aufführte, ein Stück, in dem er Künstler als Ausgeschlossene darstellt, die in den Untergrund gedrängt werden, hielt die Kritik dies für eine hysterische Überzeichnung. „Ein Jahr später“, so berichtet unsere Polenkorrespondentin Anna R. Burzynska, „verbreiten die Presseagenturen Bilder, auf denen eine aggressive Menschenmenge das Nowy Teatr belagert.“ Beschimpfungen, tätliche Angriffe, Morddrohungen – die Situation im Nachbarland Polen...

Einen passenderen Ort als das Deutsch-Sorbische Volkstheater Bautzen kann es für ein Treffen sprachlicher Minderheiten in Europa und deren Bühnen kaum geben. Denn das Haus trägt im Namen, was es ist: die einzige zweisprachige Bühne Deutschlands. Kulturraumtheater einerseits, andererseits neben Stiftung und Nationalensemble der kulturelle Mittelpunkt für geschätzt noch 60 000 Sorben. Sie sind Nachfahren jener Slawen, die bis zur Unterwerfung durch die deutschen Könige im 10. Jahrhundert die Mehrheit im Siedlungsgebiet des heutigen Ostsachsens und Südbrandenburgs bildeten. 2012 gab es in der Lausitz das Fußballturnier der Minderheiten Europeada. Fußball und Theater? Schon damals trafen sich Vertreter der entsprechenden Bühnen zu einem Kolloquium. Mit Bruneck in Südtirol kooperierten die Bautzener im selben Jahr bei der Jugendtheaterproduktion „Verrücktes Blut“. Der umtriebige Bautzener Intendant Lutz Hillmann und die nicht minder quirlige Beauftragte des Intendanten für sorbisches Theater Madlenka Scholze drehten diese Geschichte nun ein Stück weiter. Ende Oktober trafen sich europäische Minderheiten zum Festival Odyssey in Bautzen. Ethnische und sprachliche Gruppen wie die Waliser, die Südtiroler oder die Ungarndeutschen pflegen ihre Kultur mit eigenen Bühnen. Festival klingt ein wenig hochgestochen, zumal die Dänen und die Westfriesen kurzfristig absagen mussten. Die Bezeichnung „Workshop mit einem gegenseitigen Vorstellungs- abend“ träfe es vielleicht besser. Es...

Die Bautzener Odyssey bildet den Auftakt zu einem biennalen Festival

Theatrales Minderheitenvotum

Hoffnung schaffen

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Der Auftritt Hannes Ballas und seiner Brigade erinnert an einen Sergio-Leone-Film. Spiel mir das Lied vom Tod? Drei Stunden später wissen wir die Antwort. Genauer, die Musik weiß sie noch vor uns: Gustav Mahlers Adagietto aus der 5. Sinfonie. Bei diesen Klängen ließ bekanntlich Luchino Visconti in seiner Verfilmung von Thomas Manns „Der Tod in Venedig“ Gustav von Aschenbach sterben – im Liegestuhl auf dem Lido über die Adria blickend. Ein elegisches Ende, das von Anfang an unvermeidlich schien. Als in der Magdeburger Inszenierung von „Spur der Steine“ zum Schlussbild diese Musik gespielt wird, ist das wie eine verspätete Grablegung der DDR. Die vorangegangenen drei Stunden erschien sie uns überaus vital – es gab Hoffnung! Aber vor allem Ärger: Unordnung auf der Baustelle, Chaos im Staate DDR. Balla, ein egozentrisches Ekel, der macht, was ihm gefällt. Pippi Langstrumpf in Gestalt eines proletarischen Patriarchen. Das Resultat sieht nach schlagkräftigem Anarchismus aus. Und so marschieren sie auf, permanent rauchend, in Zimmermannskluft zu dröhnenden Westernsounds. Schöne neue selbstbewusste Welt mitten in der alten DDR? In seiner Brigade (Thomas Schneider, Timo Hastenpflug, Klaus Philipp und Konstantin Lindhorst) hat nur einer das Sagen: Balla. Die mediokren Funktionäre fürchten nichts so sehr wie solche furchtlosen Typen....

Theater Magdeburg: „Spur der Steine“ nach dem Roman von Erik Neutsch. Regie Cornelia Crombholz, Ausstattung Marion Hauer

Magdeburg: Das Lied vom Tod

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Anfangszeiten der Inklusion

Heute, 19. 10. 2014, in einem schmalen Taschenbuch (Jakob Haringer: Das Schnarchen Gottes und andere Gedichte, herausgegeben von Jürgen Serke bei Hanser im Jahr 1979) entdeckte Widmung von Herbert Achternbusch: Lieber Sepp Heute finde ich einen Zettel, auf den ich anlässlich einer Hitchcock-Retrospektive in Wien 1977 notiert habe: Die Figuren wölben sich zur optimalen Anschaubarkeit, was sie deformiert. Sie werden Montageteile einer Arabeske, Abstraktionen eines der Arbeit entwöhnten Gehirns, das sich fragt: Wie vertreiben wir die Zeit. Und das Produkt des Zeitvertreibs muss so perfekt sein, dass es diejenigen fasziniert, denen die Zeit vertrieben wird. Vielleicht auch nur eine Entschuldigung meines unperfekten „Stils“, Art, besser Auffassung. Servus Herbert 8.7.79 Was für eine Anschauung des Trennungsstrichs zwischen Kunst und Unterhaltung! 1979 war sich dieser ebenfalls Filme machende Dichter und Maler noch nicht sicher, ob er nicht einer eifersüchtig neidvollen Anwandlung aufgesessen ist beim Anschauen der Hitchcock-Filme. Heute, mit 76, nach einem Œuvre aus etwa 30 Filmen, unzähligen Bildern und Plastiken, mehr als 20 Theaterstücken und mehreren Dutzend Romanen und Prosatexten, ist er sich seiner damals noch zögerlich formulierten Erkenntnis so gewiss, dass er vollständig aufgehört hat zu produzieren. Er widmet sich nur noch dem Zeitvertreib. Aber ohne andere damit zu belästigen....

Zettelwirtschaft

Mit dem Theater die Welt verändern

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

Funny van Dannen fühlt sich wohl in seiner kleinen Nische, die er hierzulande ziemlich allein besetzt. So richtig mag der Mann mit dem netten Gesicht und der freundlichen Singstimme in keine vorhandene Stilschublade passen: Für einen Liedermacher ist er zu ironisch und schrullig. Für den Chansonnier fehlt es seinen Songminiaturen an Dramatik, auch der Folksänger mag nicht recht passen. Am ehesten passt zu Funny van Dannen der altertümliche Begriff des Barden, nächste Artverwandte im Lande sind vielleicht Rainald Grebe und Sven Regener. Auch die neuesten Songs des 54-Jährigen klingen wieder ganz nach ihm selbst, jenseits von Zeitgeistigem. Geile Welt heißt die Platte trocken, auf der sich 17 Stücke drängeln. In ihnen mischen sich zu ungefähr gleichen Teilen Humor, Melancholie und politisches Unbehagen. Über seine linke Gesinnung hat van Dannen denn auch nie einen Hehl gemacht, teils versperrte ihm das manche Tür in Radio- oder Fernsehprogramme. „Meine Art ist es, politisch Flagge zu zeigen. Im Mainstream anzukommen war nie meine Absicht“, sagte er mal im Interview. Dieses Farbebekennen vollzieht sich meist mit einem Restzwinkern in den Augen, so wenn er in Zeiten zunehmender Intoleranz einen neuen Song „Weltbild“ nennt und zum Schluss kommt: „Jeder braucht ein Weltbild nur zur Sicherheit.“ Daneben...

Trocken serviert

Musik

„Hallo, ich heiße Peter und ich bin obdach- los.“ Auf einem Zettel, der neben einem verlassenen Schlafsack und dreckigen Pappbechern direkt neben dem Eingang des Stockholmer Dramaten liegt, bittet ein Obdachloser um Hilfe und Geld, um seine Schwester im Krankenhaus besuchen zu können. Ein lakonischer Hilferuf, der in letzter Zeit auch im reichen Stockholm immer häufiger zu sehen ist, aber nicht gehört werden will. „Hallo, ich heiße Peter und ich bin obdachlos“, schallt es aber auch während der Vorstellung fast schon hypnotisch-sonor von der Bühne. Die verlassene Unterkunft vor dem Haus, so wird schnell klar, gehört keinem Obdachlosen – sie ist Teil von Farnaz Arbabis Urinszenierung von Jonas Hassen Khemiris neuem Stück „≈ [ungefähr gleich]“, das uns die Existenzkämpfe und Ängste der fünf Hauptfiguren in Zeiten von Renditezwang, Selbstoptimierung und steigender Arbeitslosigkeit vorführt. Vor einer bonbonfarbenen Rokokowand, die auch vor allem durch das Zusammenspiel von Markus Granqvists Licht und Anna Haglunds Musik einen Überfluss an Kitsch mit pastelligem Wohlfühlfaktor propagiert, trifft das Publikum nicht nur auf Peter, sondern auch auf den nach Arbeit suchenden Andrej, auf die frisch gekündigte Freja und auf das junge, ideologisch und in sich selbst zerrissene Pärchen Mani und Martina. Selbst schon von den wirtschaftlichen Machtstrukturen...

Dramaten : „[ungefahr gleich]“ (UA) von Jonas Hassen Khemiri. Regie Farnaz Arbabi, Buhne Jenny Kronberg, Kostume Lena Lindgren

Stockholm: Die unzulängliche Rendite unserer Sehnsucht

Guilt-Trip durchs Vogtland

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Was ist Theater?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Jan Klata, Sie sind seit 2013 der künstlerische Leiter eines der renommiertesten Theater in Polen – das Stary ist ein Nationaltheater. Wiederholt gab es in letzter Zeit Proteste und Provokationen gegen einzelne Aufführungen. Was genau ist vorgefallen? Können Sie etwas über den Hintergrund sagen? Seit der historisch kontroversen Inszenierung „Kampf um Warschau 1920“ von Monika Strzępka und Paweł Demirski gibt es eigentlich eine ständige Bedrohung. Einer der rechtsgerichteten Kritiker schrieb in seiner Rezension vom „Theater des nationalen Verrats“ über uns. Wir ahnten deshalb schon, was da einmal passieren musste. Vor einem Jahr also, ein paar Tage nach dem Tag der Unabhängigkeit, kam eine Gruppe von zwanzig bis dreißig „Patrioten“ zusammen mit einem Fernsehteam ins Stary und versuchte, die Aufführung meiner Inszenierung von Strindbergs „Nach Damaskus“ zum Abbruch zu bringen. Sie hatten Trillerpfeifen dabei und störten die Vorstellung nach einer halben Stunde, während einer erotischen Szene, mit Zwischenrufen: „Das ist ein Nationaltheater!“ (stimmt) und „Schande!“ (stimmt nicht). Sie beleidigten mich und meine Schauspieler. Alle Mitglieder des Ensembles, auch ich und der Dramaturg, gingen nach vorn auf die Bühne, um ihnen direkt ins Gesicht zu sehen. Nach einigen Minuten wurden sie allerdings vom Publikum zum Verlassen des Theaters gedrängt, durch Beifall für...

Jan Klata, Intendant und Regisseur des Narodowy Stary Teatr in Krakau, über die Angriffe auf sein Theater, im Gespräch mit Thomas Irmer

Anger is an Energy

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

The Ghost, The Voice, The Faceless

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

Der Kultur-Kahlschlag droht

Was macht das Theater, Thomas Köck?

N 01.12. Heft-Launch Theater der Zeit 12/2014, Theaterbuchhandlung Einar &amp; Bert, Berlin N 07.12. Buchpremiere „Schauspielhaus Graz – Intendanz Anna Badora“, Schauspielhaus Graz N 09.12. Buchpräsentation „Masters of Paradise. Der transnationale Kosmos Hajusom – Theater aus der Zukunft“, Theaterbuchhandlung Einar &amp; Bert, Berlin N 27.01. Buchpremiere „Dialog 19. Christian Martin – Vogtländische Trilogie und andere Stücke“, Theaterbuchhandlung Einar &amp; Bert, Berlin N 10.03. Buchpremiere „Maria Steinfeldt. Theaterarbeit in Fotografien“, Akademie der Künste, Berlin N 15.04. Buchpremiere „Recherchen 119. Infame Perspektiven“, Theaterbuchhandlung Einar &amp; Bert, Berlin N 17.04. Buchpremiere „Gegenstand und Raum 5. Friedrich Dieckmann – Vom Schloss der Könige zum Forum der Republik“, Theaterbuchhandlung Einar &amp; Bert, Berlin N 13.05. Buchpremiere „Barbara Ehnes – Alles auf Anfang. Bühnen / Projekte“, Schauspielhaus Zürich

TdZ on Tour

Es war um das Jahr 1974, als mich das Berliner Ensemble – Juri Ljubimow sollte dort inszenieren – damit beauftragte, den Moskauer Regisseur durch die Berliner Theaterszene zu begleiten, was ausgesprochen unterhaltend war, vor allem durch den Schrecken, den er den einheimischen Theaterleuten einjagte. Bei einer Zusammenkunft im Maxim Gorki Theater erklärte er den Kollegen, wie er mit den Moskauer Zensurinstanzen zu verhandeln pflegte, wie er ihnen die Genehmigung für ein Stück abhandelte, indem er ein anderes, brisanteres Projekt preisgab. Konfrontation, Kuhhandel und keine Spur von Verinnerlichung vorgegebener Machtverhältnisse – bestürzt, geradezu erschrocken hörten die Sowjetgläubigen ihm zu. Ljubimows Humor machte vor ihm selbst nicht halt, er erzählte, wie er in den Aufführungen des Taganka-Theaters zumeist in einer rückwärtigen Proszeniumsloge sitze, wo er den Darstellern mit einer folienbewehrten Taschenlampe signalisiere, wie die Aufführung laufe. Bei grünem Licht sei alles in Ordnung, Gelb bedeutete: Passt auf!, und wenn er Rot einlegte, wüssten die Schauspieler, es gibt eine Nachtprobe. Sie nennten ihn manchmal Jossif Wissarionowitsch. Aus Ljubimows Berliner Inszenierung wurde nichts, aber 1978 konnte ich mir einen unmittelbaren Eindruck von seinem Theater verschaffen; ich sah sechs Aufführungen und beschrieb sie 1979 in dem Buch „Theaterbilder“. Ich sah die Gründungsinszenierung des Taganka-Theaters, den...

Neuerscheinungen im Verlag