Thom Luz hat keine Lust auf Theater. Zumindest nicht an diesem Abend, an dem wir uns unweit des Schiffbaus in einer Kneipe treffen, die in einer ramponierten Industriehalle untergebracht ist und ein wenig wie ein Widerstandsnest wirkt – in dieser Ecke von Zürich, wo die letzten Brachen mit Luxuswohnungen und Renommierbauten überzogen werden. Die Kneipe lärmt gewaltig an diesem Freitag. Aber Luz ist das recht. Er macht als Regisseur gerade eine dieser rasanten Karrieren, die der gefräßige Theaterbetrieb sich wünscht – und ermöglicht: Im vergangenen Jahr wurden zwei Produktionen von Luz, „When I die“ und „Archiv des Unvollständigen“, für Mülheim und die Berliner Autorentheatertage ausgewählt; in der Umfrage von Theater heute wurde der 32-Jährige zum Nachwuchsregisseur des Jahres gewählt. Und nächste Saison wird er als einer von vier Hausregisseuren an das Theater Basel wechseln, das Andreas Beck gerade neu aufstellt. Jetzt also auch noch die Einladung zum Berliner Theatertreffen. Der Erwartungsdruck ist gewaltig für einen jungen Regisseur wie Thom Luz, der zwischen freier Szene und Stadttheater Schritt für Schritt seine eigene Ästhetik entwickelt hat. Und dies auch in Zukunft tun will. Da kann er es sich nicht leisten, vom Betrieb gefressen zu werden. Insofern ist es verständlich, dass er an...

Der Zürcher Regisseur und Musiker Thom Luz erschafft vom Nullpunkt des Theaters aus Welten von gesteigerter Aufmerksamkeit

Song of Smoke

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Thinking Matters Other Others

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Musik und Politik: Wie beides aufeinander wirkt, beschäftigte schon Platon. Der griechische Philosoph warnte in seinem Hauptwerk „Der Staat“: „Vor Neuerungen der Musik muss man sich in acht nehmen; denn dadurch kommt alles in Gefahr.“ Sogar „die höchsten Gesetze des Staates“ könnten „ins Wanken geraten“. Die Musik, so Platon, müsse daher streng reglementiert werden – eine Forderung, die sich durch die Geschichte zieht: von den Verboten der Kirchenkonzile bis hin zur Verfemung „entarteter Musik“ zu Zeiten des NS-Regimes. „Musik. Politik?“, fragt auch das Festival Acht Brücken. Musik für Köln, das seit 2011 jährlich im Mai bis zu 30 000 Besucher anlockt. Aufgeführt wird dort etwa ein Werk des Niederländers Louis Andriessen, das Platons Texte verwendet: „De Staat“ (1976). Mottogemäß erklingen Stücke von Komponisten, die sich politisch definierten, etwa Luigi Nonos „Non consumiamo Marx“, ein zur revolutionären Praxis aufrufendes, vom Pariser Mai 1968 beflügeltes Tonband-Opus. Oder Frederic Rzewskis Politklassiker: 36 Variationen über das chilenische Freiheitslied „El pueblo unido jamás será vencido!“ (1975), einst Symbol des Widerstands gegen die Pinochet-Diktatur. Über den aktuellen Zustand des politischen Liedes in Ost und West referiert Jochen Voit: „Sag mir, wo du stehst, wo die Blumen sind und warum keiner mehr mitsingt …“ Neues aus der...

Musik: Tanzen voll okay!

Tänze, Träume und Theaterglück

Künstlerinsert Visual Poems

■ Mit Beginn der Intendanz Benedikt von Peters 2016 am Luzerner Theater wird Regula Schröter die künstlerische Leitung des Schauspiels übernehmen. Schröter, Jahrgang 1977, arbeitete als freie Regieassistentin, Pressereferentin, Übersetzerin und Dramaturgin u. a. am Stadttheater Bern, am Theater Marie in Aarau, am Theater Neumarkt in Zürich und am Maxim Gorki Theater in Berlin. Von 2009 bis 2012 war sie Dramaturgin am Schauspielhaus Graz. Seit der Spielzeit 2012/13 ist sie Schauspieldramaturgin am Theater Bremen. ■ Ralf Ebeling bleibt Intendant des Westfälischen Landestheaters. Die Verlängerung seines Vertrages bis zum Jahr 2021 wurde vom Verwaltungsrat des Theaters einstimmig beschlossen. Ebeling, 1960 in Düsseldorf geboren, war bereits 2011 als künstlerischer Direktor an das Westfälische Landestheater gekommen, bevor er dort 2012 die Intendanz antrat. ■ Kay Kuntze bleibt Generalintendant von Theater und Philharmonie Thüringen in Gera und Altenburg. Er einigte sich mit den Vertretern der Gesellschafter des Theaters auf eine Vertragsverlängerung bis Juli 2018. Kuntze ist seit 2011 Generalintendant in Gera und Altenburg. ■ Der derzeitige Leiter der theaterpädagogischen Abteilung des GRIPS Theaters Philipp Harpain wird im Sommer 2016 Stefan Fischer- Fels als künstlerischen Leiter ablösen. Fischer- Fels wird zur Spielzeit 2016/17 mit Beginn der Intendanz von Wilfried Schulz die künstlerische Leitung des Kinder-...

Meldungen

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Finalisten: „Über meine Leiche“

Das hört sie gar nicht gern: Tänzerin?! Auf der Schauspielschule hat man immer wieder gesagt: Nicht tanzen, Lea, spielen! Und jetzt erkläre ich ihr als Erstes, dass ihr Spiel auf mich wirke wie ein einziger, nicht endender Tanz. Tatsächlich wollte sie mal Tänzerin werden, aber damit hat sie abgeschlossen, als sie beschloss, Schauspielerin zu werden, das glaubte sie jedenfalls. Seit der Premiere von Wolfgang Herrndorfs „Bilder deiner großen Liebe“ in der Spielfassung von Robert Koall (Regie Jan Gehler) ist das Kleine Haus des Staatsschauspiels Dresden immer ausverkauft. Fast zwei Stunden Solo Lea Ruckpaul als Mädchen Isa allein mit einem labyrinthischen Text und Holger Hübner in verschiedenen Männerrollen zum Anspielen. Sie tanzt sich da durch. Es beginnt als exzessiver Schattentanz hinter einer halbtransparenten Leinwand. Sie dreht und windet sich, eine Feder, aber eine aus Stahl, biegsam gewiss, aber nicht zu beugen und schon gar nicht zu brechen. Das Mädchen Isa bringt sich selbst zur Welt. Es ist ihre eigene Welt, die sie fortan erkundet. Unbeirrbar barfuß wandert sie, nein, sie hüpft, springt, kriecht, klettert, fällt immer ein Stück weiter voran, manchmal mitten hinein in scharfe Scherben aus Glas oder den Morast des Lebens. Macht alles nichts, sie geht, sie hungert dem...

Die Dresdner Schauspielerin Lea Ruckpaul

Tänzerin im Sturm

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

Das ausgeprägteste Fluchfaible pflegt Alberich. Feridun Zaimoglu und Günter Senkel haben aus ihm einen Giftzwergenkönig gemacht, der in jeder Szene mindestens drei Mal das Wort „Fotzenfresse“ unterbringt und auch sonst fleißig Schmähungen erfindet. „Arschsaftbekleckerte Kackarschbacke“ zum Beispiel. Fast möchte man in Alberich das Alter Ego Zaimoglus ausmachen, der sich seinerseits eine notorische Neigung zur Fäkalsprache nachsagen lassen muss. Seine verbalzotige „Othello“-Übermalung für die Münchner Kammerspiele brachte es 2003 zu Kultstatus. In den „Siegfried“ am Münchner Volkstheater schmuggelte Uraufführungsregisseur Christian Stückl sogar ein paar Jago-Sätze. Ansonsten aber ist in dieser Heldensaga nichts von der Wucht zu spüren, die Zaimoglus Brachial-Shakespeare auszeichnete. Von einer ambitionierten Sagendeutung kann jedenfalls kaum die Rede sein, mochte der Autor in Interviews vorab noch so vollmundig von fragwürdigen männlichen Helden sprechen. Und von Frauen, die keine Lust hätten, im Schatten dieser dämlichen Recken zu stehen. Das tun sie zwar tatsächlich nicht – denn die Männer sind hier allesamt penisneidzerfressene Schlappschwänze, denen jegliche Größe fehlt, um einen Schatten zu werfen, in den sich irgendwer stellen könnte. Nur: Die Frauen sind auch nicht besser. Brunhild versucht mit Machogedöns den besseren Mann zu geben, und Kriemhild ist so von Sigis Sixpack begeistert, dass sie gar nicht zu merken scheint, wie...

Münchner Volkstheater: „Siegfried“ (UA) von Feridun Zaimoglu und Günter Senkel. Regie Christian Stückl, Ausstattung Stefan Hageneier

München: Sigis Sixpack

Am 12. März 2015 ist Peter Voigt in Berlin gestorben. Als seine Tochter mir seinen Tod am Telefon mitteilte, überfiel mich eine tiefe Traurigkeit, die anhält. Peter Voigt war jenseits seiner Künstlerexistenz ein außergewöhnlicher, ein besonderer Mensch. Dieses Besondere bestand in seiner freundlichen Unaufgeregtheit. Er wollte nie etwas werden und hatte das Glück, nie etwas werden zu müssen. Deshalb ist er etwas geworden. Er hat sich nicht so wichtig genommen, ein Flaneur des Geistes mit einer klaren Haltung. Er war für mich nie ein alter Mann. Das lag an seiner Leichtigkeit. Der Altersunterschied spielte keine Rolle, weil nichts Auftrumpfendes in seinem Wesen war. Ich mochte ihn sehr gern. Er fehlt mir. Ich habe ihn zu wenig gefragt. Begegnet bin ich ihm das erste Mal 1987 bei Müllers „Lohndrücker“-Inszenierung, für die er mehrere Filme gedreht hat. Mitte der 90er Jahre tauchte er öfter im Berliner Ensemble auf, irgendwann lernten wir uns kennen – ein loser, aber ständiger Kontakt entstand. Voigts Vater war Regisseur, er wurde 1939 Intendant im Theater der besetzten Stadt Bromberg. Den Nachkrieg verbrachte die Familie in Braunschweig, bis Voigts Vater 1949 Operndirektor in Leipzig wurde. Der Westen war für Voigt zu sauber, zu neu, zu frisch lackiert: „Da...

Zum Tod des Dokumentarfilmers Peter Voigt

Ich wollte nie was werden

bastardCROWD[mobile] von Choreograf und Performer Daniel Aschwanden und Medienkünstlerin Conny Zenk setzt beim alltäglichen Gebrauch von Smartphones an. In ihrer Arbeit thematisieren sie die virale Ausbreitung digitaler Kommunikationsgeräte, welche über ihre Verbindungen zu sozialen Netzwerken via Internet eine rapide fortschreitende Datafizierung öffentlicher Räume zur Folge haben. Durch das allmähliche Eindringen der Smartphones in die Intimsphäre der Körper ihrer TrägerInnen verschwimmen die Kategorien von privat und öffentlich. Die »Selfie Kultur« ist dabei nur ein Phänomen, auf das sich die Arbeit bezieht. So bedient sich bastardCROWD[mobile] zwar zunehmender Ästhetisierung der Profile von Facebook und von anderen Social Media-Portalen, jedoch wird die Verführung zum Zusehen in ein poetisches Verhältnis zu einem immanenten, digitalen Layer gesetzt, der die optimierte Selbstdarstellung unterbricht. Mit ihren hybriden, performativ und installativ auftretenden künstlerischen Interventionen in Peking, Accra, Addis Abeba und Wien thematisieren Aschwanden/Zenk das globale Phänomen von Überlagerungen traditioneller Kommunikationsformen durch neue Interfacekulturen und fragen nach den Grenzen der Partizipation wie auch nach den Möglichkeiten der Kunst. Welche subversiven und gestalterischen Strategien stehen zur Verfügung, um dystopische Mechanismen der gesellschaftlichen Digitalisierung darzustellen und sie zeitgleich spielerisch außer Kraft zu setzen?

bastard CROWD [mobile]

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Wer jetzt noch weiter am Theater sparen will, der macht es vorsätzlich kaputt. Und wenn die Strukturen erst einmal zerstört sind, dann ist das unwiderruflich. Da ist sich Intendant André Bücker sicher. 25 Jahre Abbaudiskussionen haben das deutsche Stadttheater an den Rand seiner Existenz gebracht, auch das Anhaltische Theater Dessau. Dass das unverantwortlich ist, sagt er jedem, der es nicht hören will, gleich ob Dessaus Oberbürgermeister oder dem Kultusminister Sachsen-Anhalts Stephan Dorgerloh, der mit viel Geld Kirchen zum großen Luther-Jubiläum restaurieren lässt, aber an der Gegenwart der Kultur spart. Immerhin: Kein anonymes Gutachten einer Unternehmensberatung, das als Alibi für den Abbau herhalten muss, sondern ein „Kulturkonvent“ mit Experten, die über die Zukunft der Kulturlandschaft Sachsen-Anhalt berieten, das schien 2011 ein verheißungsvoller Ansatz zu sein. Das Ergebnis war verblüffend, jedenfalls für den Kultusminister: Es wurde ein Mehrbedarf von acht Millionen Euro festgestellt! Schnell kassierte der Minister die selbst in Auftrag gegebenen Thesen zur Kultur ein und verkündete stattdessen einen weiteren Abbau – allein dem Anhaltischen Theater Dessau fehlten nun drei Millionen Euro im Haushalt. Eine selbstherrliche Dreistigkeit, die André Bücker an den Rand der ihm eigenen Höflichkeit brachte. Dessau ist immerhin als Bauhaus-Stadt eine Urzelle der Moderne und kämpft zudem mit...

André Bücker setzt seiner Intendanz am Anhaltischen Theater Dessau mit Goethes Freiheitsdrama „Götz von Berlichingen“ ein furioses Ende

Mein Flug ist der Aufstand

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Ivna Žic, der Autorenwettbewerb von St.Gallen und Konstanz sieht vor, dass Konzepte eingereicht werden, keine fertigen Stücke. Wie viel von Ihrem Stück „Die Vorläufigen“, mit dem Sie den ersten Jahrgang 2010 gewonnen haben, war schon vorhanden? Einiges, weil ich mit dem Stoff bereits längere Zeit unterwegs war. Ich hatte auch im Rahmen eines anderen Wettbewerbs schon daran gearbeitet, aber es nicht geschafft, unter Zeitdruck damit zu einem zufriedenstellenden Ergebnis zu kommen. Also habe ich das Entstandene als Material begriffen, an dem ich unbedingt weiterarbeiten wollte. Dafür boten St.Gallen und Konstanz die Chance. Als Autorin funktioniert man ja nicht nur in den Zeitabschnitten, die einem vorgegeben werden, das eigene Schreibtempo entzieht sich dem manchmal (lacht). Was ist der Vorteil davon, sich mit unfertigem Material zu bewerben? Das Schöne an dem Preis ist, dass er einem Schreibzeit ermöglicht. Es ist keine Auszeichnung für etwas Fertiges, sondern eine, die Freiheit schafft. Das birgt eine Unberechenbarkeit, aber als Autorin ist man ganz grundsätzlich ja erst mal froh, wenn die Schreibzeit mit bedacht und eben auch finanziell unterstützt wird. Vielleicht hätte ich mir die weitere Arbeit an den „Vorläufigen“ nicht leisten können. Ich finde es jedenfalls wichtig, Prozesse wahrzunehmen und zu fördern, nicht nur...

Schreibzeit: Ivna Žic, Gewinnerin des 1. Autorenwettbewerbs der Theater Konstanz und St.Gallen, im Gespräch mit Patrick Wildermann

Dmitrij Gawrisch, was halten Sie generell von Autorenwettbewerben? Ich habe ja schon an einigen teilgenommen und finde es gut, dass es dieses Format gibt. Ich würde mir aber wünschen, dass es fairer und nachhaltiger wäre. Man muss dabei unterscheiden zwischen Förderung und Wettbewerb. Förderung ist für junge Autoren wichtig, anders kommen sie nicht ins Theater oder in den Verlag. Ein Wettbewerb birgt dagegen die Gefahr, dass Leute castingmäßig durchgeschleust werden wie im Fernsehen. Erste Staffel, zweite Staffel, immer aktuelle Gewinner, und die früheren sind nach einem Jahr wieder vergessen. Was ist das Besondere am Wettbewerb in St.Gallen und Konstanz, den Sie mit Ihrem Stück „Mal was Afrika“ gewonnen haben – im Vergleich zu anderen Wettbewerben? Einerseits ist der Wettbewerb in St.Gallen und Konstanz hoch dotiert. Wenn man gewinnt, hat man sich versorgt für eine Weile, das ist ein Vorteil. Doch der Vorteil ist zugleich ein Nachteil: Jeder ist scharf auf das Geld, mittlerweile gibt es dort genauso viele Einsendungen wie in Heidelberg oder beim Stückemarkt in Berlin. Und längst nicht alle eingereichten Stücke sind unfertig, wie das in der Ausschreibung ausdrücklich verlangt wird. Ich für meinen Teil fand es sehr schön, mit dem Theater St.Gallen als Autor zusammenzuarbeiten. Das ist...

Arbeiten – nicht quatschen: Dmitrij Gawrisch, Gewinner des 2. Autorenwettbewerbs der Theater Konstanz und St.Gallen, im Gespräch mit Patrick Wildermann

Bürgerbühne, ein großes Wort. In Mannheim, wo bereits 1839 Kurfürst Carl Theodors 1779 gegründete „stehende Bühne“ in städtische und somit bürgerliche Verantwortung übergeben wurde, so dass der Musentempel als eines der ältesten Kommunaltheater der Welt gilt, steht – also im traditionellsten Sinne – eine solche Bürgerbühne. Zeiten ändern sich, heute ist mit der Bürgerbühne professionelles Theater mit Laien gemeint. Dass partizipative Angebote an Theatern eine kulturpolitische Konsequenz zur Reform der darstellenden Künste sind, darüber war man sich im November 2014 beim Bürgerbühnen-Fachkongress unter Spezialisten am Nationaltheater Mannheim (NTM) einig. Nur konsequent ist es also, dass Schauspielintendant Burkhard C. Kosminski im Verbund mit dem Staatsschauspiel Dresden, wo 2014 das erste Bürgerbühnenfestival stattfand (TdZ 9/2014), das Rad nun weiterdrehte und an seinem Haus die zweite Auflage ausrichtete. Statt Spezialisten kamen nun Darsteller: Über 300 spielende, singende, tanzende Bürger aus Stuttgart, Köln, Dortmund, Mannheim, Karlsruhe, Basel, Hildesheim, Berlin, ja sogar aus Holland, Belgien und Dänemark zeigten im März ihr Können. Sie sind jung, alt, dick, dünn, beeinträchtigt oder auch nicht, sie machen Geräusche, spielen Fußball oder zeigen ihre Arbeitswelt. Als „repräsentative Leistungsschau des professionellen partizipativen Theaters“ wollte Kosminski das Bürgerfest verstehen und „eine Debatte über dessen künstlerische Qualität anregen“. So großartig wie konsequent...

Auftritt Volk – das 2. Bürgerbühnenfestival, ein deutsch-europäisches Theatertreffen, fand in diesem Jahr am Nationaltheater Mannheim statt

Harte Jungs und dicke Damen

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Es gibt Tage, da sieht alles sehr hässlich aus. Das heißt, man sieht sich beispielsweise plötzlich nur noch umstellt von Gespenstern – Kollegen- und Kolleginnengespenstern. Das heißt, sie sehen aus wie Menschen, die nur noch strategisch operieren. Als würden sie beispielsweise alles ausschließlich zu Profilierungszwecken machen. Ja, es gibt Tage, an denen mich so ein Profilierungsaugenmerk befällt wie eine seltene Augenkrankheit, die man nur schwer loswerden kann. Dabei muss ich mich nur im Spiegel ansehen. Was mache ich nicht, um noch mitzureden, ängstlich wie ein Tierchen, das man schon in die Ecke schiebt, dorthin, wo die Betriebspurzelbäume hausen? Bin ich nicht selbst dabei, die Selbstprofilierungsmaschine anzuschmeißen? Werfe ich den anderen nicht das vor, was ich selbst mache? Da gibt es zum Beispiel ein Gemeinschaftsonlineliteraturprojekt mit derart spekulativer Thematik, wie es sich selbst der wildeste Stadttheaterdramaturg nicht hätte ausdenken können: „Zwei Mädchen im Krieg“. Zu dem Fall der beiden sehr jungen österreichischen Frauen bosnischer Herkunft, die sich dem IS angeschlossen haben. Ich beginne im Spiegel zu sehen, wie eine Autorin X (die sich in ihrer Kommentarfunktion zur Kritik aufgefordert sieht) vergleichsweise jüngere Autoren, die Autoren Y, Z und W, ja vor allem W – es sind erst einmal nur Männer –,...

Managerkrankheiten

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Am Anfang stand ein Gespräch mit einem inzwischen sehr erfolgreichen und mit vielen Preisen dotierten Autor. Ich traf ihn 2009 im Foyer des Schauspielhauses Zürich und diskutierte sein neues Stück mit ihm. „Uns Autoren fehlen mehr Möglichkeiten, an Theatern praktische Erfahrungen zu sammeln“, reflektierte er. „Es gibt so viele Wettbewerbe und Stückaufträge, aber vergleichsweise zu wenige Förderprojekte, die Autorinnen und Autoren an Theater anbinden“, so sein Resümee. Zu dem Zeitpunkt waren der St.Galler Schauspieldirektor Tim Kramer, der Konstanzer Intendant Christoph Nix, die St.Galler Dramaturgin Karoline Exner und ich bereits in Gesprächen zu einer Neukonzeption der St.Galler Autorentage. Diese waren im Jahr 2005 von dem damaligen Schauspieldirektor Josef Köpplinger gegründet worden und wurden durch das Engagement der St.Galler Ortsbürgergemeinde finanziell unterstützt. Es war ein Literaturwettbewerb, der alle zwei Jahre stattfand und auf der Idee des klassischen Stückemarkt-Modells – wie beispielsweise die Berliner Festspiele (seit 1978) oder das Heidelberger Theater (seit 1984) – basierte. Gesucht wurden dramatische Texte, die durch eine Jury begutachtet werden sollten und aus denen diese Stücke auswählte, die dann in szenischen Lesungen präsentiert wurden. Das mit dem Förderpreis dotierte Stück wurde in der darauffolgenden Spielzeit am Theater St.Gallen uraufgeführt. Zur qualitativen Selektion durften Autorinnen und Autoren nur Stücke...

Das Fördermodell des Autorenwettbewerbs der Theater St.Gallen und Konstanz

Schreiben am Theater

Hanna Schygulla, seine wohl wichtigste Schauspielerin – auch sie ein Antistar, die seine Filme mit einer ihr innewohnenden lasziven Langsamkeit mehr bewohnte als an ihnen arbeitete –, erinnert sich an die bereits 1963 beginnende Beziehung zu Fassbinder als von einer „elektrisierenden Distanz“ bestimmt. Ihn habe eine „gefährliche Schüchternheit“ beherrscht, die auf unheimliche Weise ausschlagen konnte. Der Rahmen: Nach dem Krieg, mitten im sogenannten Wirtschaftswunder Westdeutschlands, wollte man nicht zurückblicken. Ein Volk der Täter? Wer so etwas sagte, galt als Nestbeschmutzer. Also wurden in den 1950er Jahren im Westen Filme im Stil der UFA gedreht, ebenso heiter wie verlogen. Kleinbürgerträume von der heilen Welt. In den 1960er Jahren kamen dann die Autorenfilmer. Sie wollten die Deutschen zwingen, in den Spiegel zu blicken. Aber ihr Ziel ging noch darüber hinaus: Film sollte als Kunstform ernst genommen werden, so wie in Frankreich oder Italien. Der Radikalste unter ihnen war zweifellos Rainer Werner Fassbinder. Sein Rigorismus scheint sehr deutsch. Eine so unbedingt nationale Selbstkritik kennt man nur aus der Dichtung bei Lenz oder Hölderlin. Im Film versuchte es auf ähnliche Weise, aber mit wesentlich kürzerem Atem, Wolfgang Staudte in seinen frühen DEFA-Filmen „Die Mörder sind unter uns“ und „Der Untertan“. Fassbinder aber schuf bis...

Rainer Werner Fassbinder, der wegweisende Regisseur des Neuen Deutschen Films, wäre in diesem Monat junge siebzig Jahre alt geworden

Gewalt und Zärtlichkeit

Jetzt ist alles politisch

Vor. Tick. Zurück. Tack. Dann wieder vor. Tick. Und zurück. Tack. Fast forward. Und rewind. FF. And REWFF. Rhythmus des Lebens. Der Herzschlag. Die Schritte. Einer vor und einer zurück. Vor und zurück. Vor und zurück. In seiner sehr persönlichen Techno-Performance „Rhythm is a Dancer“ sucht der junge Este Henri Hütt nach seinem eigenen Rhythmus. Ist es sein Puls? Sein Tritt? Ist es die Liebe? Die Abfolge von wiederholten Fehlern, die er gemacht hat? Mit aneinandergeschnittenen Videoclips springt Hütt zu Elektromusik, zum Takt von Metronomen oder zum Pulsieren seines eigenen Herzschlags durch die Zeit und erzählt beim Ausloten des Verhältnisses von Bewegung zu Sound zu Licht zum Raum von Dingen, die den Rhythmus seines Lebens veränderten. Einer vor und einer zurück. Ein Sprung nach vorn. Noch ein Sprung. Hallo Zukunft. „Ich finde, die Diskussion läuft in den meisten Staaten auf dem Niveau digitaler Analphabeten.“ Das antwortete der estnische Staatspräsident Toomas Hendrik Ilves 2013 perplex auf die Frage, warum die Esten so viel Vertrauen in ihren Staat hätten, dass sie sämtliche sensible Daten in seine Hände legen. – Nach Edward Snowden und der von ihm ausgelösten Überwachungs- und Spionageaffäre scheint das ein gewagtes Statement. Ilves jedenfalls sorgt sich beim Datenschutz weniger...

Das junge estnische Theater ist experimentierfreudig und technikverliebt – und erzählt damit auch etwas über sein Land

FF > REWFF

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Herr Schulz, man hat das Gefühl, Sie stehen schon jetzt, anderthalb Jahre vor Ihrem Amtsantritt als Düsseldorfer Intendant, im Fokus eines gewaltigen Interesses. Macht Ihnen das ein bisschen Bange? Wenn das so sein sollte, macht mich das eher hoffnungsfroh, denn das große Interesse gilt ja letztlich nicht meiner Person, sondern dem Schauspielhaus, und das ist ein gutes Zeichen für die Zukunft dieses Theaters. Mal abgesehen von den Misslichkeiten einer neuen anstehenden Sanierung des Hauses am Gustaf-Gründgens-Platz – was sind Ihre ersten Eindrücke von der Stadt und vom Theater? Mein erster Eindruck ist, dass das Theater als Gebäude sehr präsent ist, auch in den Köpfen der Menschen, dass es aber nicht mehr als ein Ort wahrgenommen wird, an dem die wirklich relevanten Auseinandersetzungen ausgefochten werden und wo die Stadt sich trifft. Das Theater scheint aus dem Bewusstsein vieler Menschen verschwunden zu sein. Woran könnte das denn liegen? Natürlich hat die Diskontinuität in der Leitung dazu beigetragen. Man muss die Türen öffnen, laut trommeln, in die Stadt hineingehen, in Erfahrung bringen, was die Probleme und Bedürfnisse der Menschen sind. Das Theater muss neugierig und selbstbewusst sein und das auch zeigen. Unsere Gesellschaft ist sehr divers, da lässt sich nicht alles über einen...

Was macht das Theater, Wilfried Schulz?

Paula und Polly sind symbiotisch miteinander verbundene Schwestern. Paula arbeitet in einer Tierarztpraxis, Polly verbringt viel Zeit auf Friedhöfen, wo sie Fritz kennenlernt, der sich dort voll Hingabe um das Grab eines toten Babys kümmert. Während Paula sich aus der Symbiose zu ihrer Schwester zu lösen versucht, bleibt Polly mit den Dämonen ihrer Vergangenheit zurück. Immer rätselhafter wird, was wirklich geschehen ist – wer ist Fritz? Ist Polly die Mutter des Babys? Und wer hat es getötet? Seit in ihrer Nachbarschaft im Berliner Stadtteil Neukölln innerhalb eines Jahres zwei tote Babys gefunden wurden, beschäftigt sich Uta Bierbaum damit, welche Formen von Gewalt in unserem Kulturkreis gegenwärtig sind. In ihrem Stück lässt sie vier Figuren aufeinandertreffen, die sich, von ihrer Einsamkeit getrieben, gegenseitig Schmerz zufügen, manchmal roh, oft getarnt als zärtliche Geste. Uta Bierbaums Stück verurteilt nicht und gibt keine einfachen Antworten – vielmehr wirft der Text eindringliche Fragen auf, die noch lange nachwirken.

Finalisten: „Die Zärtlichkeit der Hunde“

Süß und klebrig ist er: der Kunsthonig, der im Theater Bremen produziert wird. – Was wie eine etwas bemühte Metapher klingt, darf wörtlich genommen werden. Seit rund zwei Jahren leben 60 000 Bienen auf dem Dach des Theaters und sammeln Honig. Initiiert hat das Alexander Giesche, der von 2012 bis 2014 Artist in Residence am Haus war und dort die Performancereihe „Giesche trifft …“ erfunden hat. Meistens traf er Ensemblemitglieder, in diesem Fall aber traf er: die Bienen. Dass das Bienensterben katastrophale Folgen für den Menschen hat, ist nichts Neues. Der Kreis ist klein: Sie sterben am Menschen. Nun stehen sie auf dem Dach des Theaters, von wo aus sie als Performer in die Stadt schwärmen. Das Bild lässt sich nicht nur als programmatische Ansage lesen, sondern auch als plakative Frage: Was passiert, wenn wir die Kultur sterben lassen? Zur Bienenperformance, die Giesches Beitrag zum Zukunftsfestival Mahagonny (siehe TdZ 9/2013) war, mit dem sich das Theater 2013 in die Spielzeitpause verabschiedete, sagt er etwas auf eine Weise, die auch ein bisschen symptomatisch für seine künstlerische Arbeit ist. Man hört fast, wie seine Synapsen knacken, wenn er wach und klar und schnell vom Kleinen ins Große ins Abstrakte ins Banale ins...

Der Videokünstler und Regisseur Alexander Giesche lädt mit seinen atmosphärischen Visual Poems zur Kontemplation ein

Der Gastgeber

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Was folgt

Rechnung an Theater der Zeit

Die von Kristin Schulz vorzüglich edierte Sammlung sämtlicher derzeit auffindbarer Gedichte Heiner Müllers lässt zweierlei fasslicher als bis dato werden: übergreifende Gemeinsamkeiten des lyrischen Werks mit dem gesamten Müller-Kosmos sowie markante Ungleichzeitigkeiten. Aufs Ganze gesehen durchläuft der Lyriker dieselbe Entwicklung wie der Drama- tiker, der Prosaautor, der Publizist. „Das Schreibglück der fünfziger Jahre / Als man aufgehoben war im Blankvers“, von dem ein spätes Gedicht, „Ajax zum Beispiel“, berichtet, schlug sich anfänglich in schmucken Lobgesängen auf den Kommunismus und seine Überväter nieder. Dem neuen Deutschland in der DDR galt Müllers ganze Libido; den anderen deutschen Staat, den Westen, sah er als „Hure der Konzerne“, von „Gefangenen des Kapitals“ bevölkert, die ihre „kalkigen Gesichter durch den rostigen Stahl der Welt- städte“ („Der 7. November“) bugsierten. Der einzige Lyrikband, den Müller selbst zusammenstellte, spart solche Jugendsünden aus, setzt eine „SELBSTKRITIK“ an deren Stelle: „Meine Herausgeber wühlen in alten Texten / Manchmal wenn ich sie lese überläuft es mich kalt Das / Habe ich geschrieben IM BESITZ DER WAHRHEIT.“ („FERNSEHEN“) Aufgenommen in „GEDICHTE“ (1992) hat Müller jene frühen Stücke, die erste Zweifel am Gelingen des Unternehmens Sozialismus formulierten. Würden die Arbeiter das Volkseigentum je als ihr Eigentum begreifen und sich demgemäß verhalten? Hörten...

Heiner Müller: Warten auf der Gegenschräge. Gesammelte Gedichte. Hg. von Kristin Schulz, Suhrkamp Verlag, Berlin 2014, 675 S., 49,95 EUR.

Genosse Zukunft

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Sarah Müller, Adrian Marthaler, das Schweizer Theatertreffen geht im Juni in Winterthur in die zweite Runde. Das Erste, was auffällt: Sie haben die Jury abgeschafft oder, besser gesagt: umbenannt. Die Jury heißt jetzt Kuratorium. Warum? Adrian Marthaler: Eine Jury hat immer den Beigeschmack, das sogenannte Beste auszuwählen. Aber eben – was heißt das: das Beste? Das Alleinstellungsmerkmal des Schweizer Theatertreffens ist ja sein Sprachregionen und Kulturräume übergreifender Charakter. Es gibt kein Gesetz, dass immer eine Inszenierung aus dem Tessin, aus der Romandie, aus der Deutschschweiz dabei sein muss, aber es ist ein Ziel. Ein Kuratorium ist ja ein Gremium, das nach bestimmten Gesichtspunkten eine Auswahl trifft. In unserem Kuratorium sitzen Leute aus allen Sprachregionen und Kulturräumen und kuratieren sozusagen eine repräsentative Auswahl. Das heißt, es ist auch eine bewusste Abgrenzung vom Berliner Theatertreffen, das in seinem Best-of- bzw. Most-remarkable-Charakter auch immer etwas von Sportveranstaltung hat und wo im Vorfeld immer alle ganz aufgeregt sind, wenn es heißt: Die Jury sitzt im Publikum. Das klingt gleich irgendwie nach Schiedsgericht. Haben Sie Einblick in die Kriterien des Kuratoriums? Sarah Müller: Unsere Geschäftsführerin Kathrin Lötscher ist bei den Sitzungen mit dabei. Marthaler: Wir nur bei der Schlusssitzung. Das Kuratorium soll ja unabhängig sein....

Sarah Müller, Leiterin des Schweizer Theatertreffens, und Adrian Marthaler, Präsident des Vereins Schweizer Theatertreffen, über die zweite Runde der dreisprachigen Leistungsschau im Gespräch mit Dort

Das andere Theatertreffen

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Man müsste mal alle Inszenierungen Frank Castorfs, also alle aus mehr als 35 Jahren, aneinanderlegen und sehen, was da als theater- und zeitgeschichtlicher Kommentar herauskommt. Da gibt es den russischen Strang um Dostojewski herum, der vor allem um die zivilisatorischen Phänomene zwischen Ostund Westeuropa mit Ausblick nach Amerika gewickelt ist. Und es gibt eine andere Linie, bei der die Autoren als Material nicht ganz so einfach zusammenzubringen sind, die aber im Kern eine Auseinandersetzung mit den Problemen des Theaters als eine Art Gesamtkörper enthalten. Dazu gehört nun der höchst selten aufgeführte „Pastor Ephraim Magnus“, der in der Titelgestalt zunächst einmal unerfüllte und fehlgeleitete Religionsausübung verkörpert und diesen Abgrund als Vermächtnis an seine Kinder weitergibt. Dass dabei die Körperlichkeit des Theaters gegen die Macht der Worte mit auf dem Spiel steht, kann man in dem über fünfstündigen Abend nach und nach entdecken – am Ende wird tatsächlich von einer Kanzel mit Artaud gegen das Primat des Textes über die Körper im Theater gepredigt, was als Paradox so abgründig wie Jahnns Stück selbst ist, aber eben auch ganz Castorf, der wohl den Autor allein hierfür umarmen würde: „Der vollkommen hoffnungslosen Lage, wie sie allmählich geworden, steht nur eine rettende Kraft entgegen, die...

Deutsches Schauspielhaus Hamburg: „Pastor Ephraim Magnus“ von Hans Henny Jahnn. Regie Frank Castorf, Bühne Aleksandar Denic, Kostüme Adriana Braga Peretzki

Hamburg: Wiedergänger des Immergleichen

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Nora Abdel-Maksoud, was trieb Sie von der Bühne an den Schreibtisch? „Kings“ war ja weder meine erste Regie- noch meine erste Autorinnenarbeit. Ich habe Schauspiel studiert und dann, nach meinem Abschluss an der HFF „Konrad Wolf“ in Potsdam, am Ballhaus Naunynstraße mit „Verrücktes Blut“ meinen Einstand gefeiert. In dem Zusammenhang habe ich meine jetzige Dramaturgin Nora Haakh kennengelernt. Sie kam auf mich zu, nachdem sie meine Diplomarbeit über die Rolle der Frau im Film gelesen hatte – eine Empörung über die Beschissenheit der Dinge. Sie fragte mich, ob ich mir vorstellen könne, daraus einen Soloabend zu machen. Ich konnte mir nichts Langweiligeres vorstellen als einen Soloabend. Eher so was wie ein Roadmovie für die Bühne. Und so wurde aus der Idee mein erstes Stück, „Hunting von Trier“, das ich im Rahmen von „Scheppernde Antworten auf dröhnende Fragen“ am Ballhaus inszenierte, einem dreiteiligen Abend, bei dem zwei Schauspielerinnen und ich als Regisseurinnen eigener Texte debütieren durften. Wollen Sie in Zukunft weiter alle drei Professionen verfolgen, Schauspiel, Schreiben und Theaterregie? Ich habe jetzt zweieinhalb Jahre beides gemacht und habe es als sehr bereichernd, aber auch sehr anstrengend empfunden. Deshalb habe ich mich entschieden, 2015 als Wendepunkt zu nehmen, weshalb ich die Schauspielangebote,...

Die Autorin, Schauspielerin und Regisseurin Nora Abdel-Maksoud über eigene Rollenwechsel und falsche Künstlerbilder im Gespräch mit Theresa Schütz

Die Apathie der Privilegierten

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

Mamal, ehemaliger Paramilizionär und Mörder, ist verschwunden. Viv, Sozialforscherin mit einer großen Leidenschaft für Taxidermie, glaubt an Selbstmord oder sogar Mord. Vor seinem Verschwinden war Mamal Schikanen ausgesetzt, im Umfeld des Heims für Asyl und Soziales, wo er zuletzt lebte. Viv will „über das leben der tiere alles wissen, um ihnen den ausdruck zu geben, den sie im leben verdient hätten“ – mit dem analytischen Blick, mit dem sie zur Präparation vorgesehene Tierkadaver mustert, betrachtet Viv nun den Fall des verschwundenen Mamal. Unter der dünnen Hülle der abgezogenen Haut tritt aus den Gedärmen der Geschichte Ungeheuerliches zutage. In ebenso drastischen wie poetischen Bildern schildert Mehdi Moradpour Menschen, die einander auf der Suche nach Erfüllung ihrer Sehnsüchte und Begierden instrumentalisieren, er schreibt von der Vergänglichkeit des Körpers und dem Versuch, ein Stück Leben einzufrieren wie ein totes Tier.

Finalisten: „Mumien“

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Also machen wir das weiter … Die im Juni 2012 verstorbene Regisseurin Katrin Seybold hatte es sich über viele Jahre zur Aufgabe gemacht, Zeitzeugen des Widerstands gegen das NS-Regime zu befragen. Aus ihrem nachgelassenen Material formte Ula Stöckl nun den Film Die Widerständigen „also machen wir das weiter …“, der sich dafür interessiert, ob es nach dem Ende der Gruppe Weiße Rose 1943 noch andere junge Leute gab, die dem Wahnsinn, dem fast ein ganzes Volk verfallen war, ihre eigenen Ideale von Mut, Solidarität und Humanität entgegensetzten. Ja, es gab sie. Die Interviewten erzählen erstmals vor der Kamera von Angst und Verrat und auch davon, dass mit Kriegsende viele Traumata weiterlebten. Als Parabel über Zivilcourage unter schrecklichsten Umständen entfaltet der Film seine Kraft. Nach ihrem international erfolgreichen Porträt „Hannah Arendt“ nimmt sich Margarethe von Trotta einer Geschichte mit autobiografischem Hintergrund an: Nach dem Tod ihrer Mutter erfuhr sie von der Existenz einer 15 Jahre älteren Schwester, die als Kleinkind von Fremden adoptiert worden war. Aus diesem Stoff filtert Trotta nun ein Opus namens Die abhandene Welt. Katja Riemann als lebensdurstige deutsche Jazzsängerin macht sich darin auf den Weg nach New York, um das Geheimnis der kruden Operndiva Barbara Sukowa zu...

Film: Also machen wir das weiter …

Derman sendedir

Oma, Opa, Enkel: Rose, Goetz und Uwe fahren zusammen in den Campingurlaub. Bereits kurz nach der Ankunft am einsam gelegenen Platz im Wald läuft Uwe ein Welpe zu, der von nun an das Zelt mit ihm teilt. Die Nächte im Wald sind erfüllt von Schatten und Geräuschen und den unheimlichen Gutenachtgeschichten der Großeltern. Auch tagsüber mehren sich die Zeichen, dass die Familie nicht alleine ist. Uwe fürchtet sich vor Wölfen, bald darauf verschwindet zuerst der Hund – und schließlich Uwe selbst. Die Großeltern reisen ab, ohne die Polizei zu rufen. Was wird hier gespielt? Was wie ein harmonischer Mehrgenerationenausflug beginnt, weicht mit jeder Szene mehr von jeglicher Normalität ab. Die Autorin erzeugt in ihrem Text eine dichte und unheimliche Atmosphäre, in der ureigene Albtraumfantasien entstehen können.

Finalisten: „Hund“

Fährt man von Elberfeld nach Barmen, mit Auto, Bahn oder Schwebebahn, kommt man an der Wupperschleife vorbei, in der das vor beinahe fünfzig Jahren, genauer: 1966 eröffnete Schauspielhaus liegt. Von außen könnte man es für einen vergrößerten Kühlschrank halten; umso schöner ist – war – das heute marode Haus von innen, das eine Zeit lang eine First-Class-Adresse im deutschen Theaterbetrieb darstellte. In der Ära Arno Wüstenhöfer (1963 – 1975) haben hier Bondy, Peymann, Zadek inszeniert, auch, als eine der ersten Regiefrauen, die Brecht-Schülerin Angelika Hurwicz. Kluge Dramaturgen haben vergessene Autorinnen wie Else Lasker-Schüler oder Marieluise Fleißer „ausgegraben“, auch das Berliner Theatertreffen war eine reelle Option. Nur wenige Kilometer sind es von hier zum Marx-Engels-Zentrum. In einer Nische dahinter findet man das mithilfe von Sponsoren errichtete Theater am Engelsgarten – eine umgebaute Lagerhalle, die ihre Ahnenschaft kaum verleugnet. Hier ist das traditionsreiche Wuppertaler Schauspiel oder eben das, was davon übrig geblieben ist, nun zu Hause. Mehr hat die verschuldete Stadt Wuppertal für ihr Theater nicht mehr tun können – und wollen. Immerhin gibt es auch in Elberfeld und Barmen eine kulturaffine Bürgerschaft, die Sponsoren aktiviert, für das provisorische Sälchen Geld eingetrieben hat. Für die 2014 berufene Intendantin Susanne Abbrederis, die vom...

Wie unter der neuen Intendantin Susanne Abbrederis das schmerzlich zusammengeschrumpfte Wuppertaler Schauspiel aus sich selbst heraus seinen Platz im Leben der Wuppertaler sucht

Reise ins Innere der Stadt

„Ich kann diese Schauspieler noch so aufmerksam betrachten, ich finde in ihnen nichts, was sie von den übrigen Bürgern unterscheidet, es sei denn eine Eitelkeit, die man Unverschämtheit nennen könnte, eine Eifersucht, die ihren Kreis mit Unruhe und Haß erfüllt.“ Denis Diderot Anlass zu diesem Essay hat mir ein über lange Zeit hinweg angehäuftes Unbehagen gegeben. Ein Unbehagen, das genau genommen mit dem Beginn meiner Ausbildung zum Schauspieler seine Geburtsstunde hatte, also mit der schrittweisen Einführung in den Theaterapparat. Das Unbehagen besteht darin, dass dieser Theaterapparat eigentlich überhaupt nicht hält, was er verspricht: nämlich der Ort zu sein, an dem Wahrheiten verhandelt, Geschehnisse reflektiert und die gesellschaftlichen Gegebenheiten verändert werden können. Ein Ort zu sein, der verändert oder Veränderung ermöglicht – oder diese zuallermindest denkbar macht. Das ist natürlich nicht der Fall, das ist weithin bekannt. Das Theater, von dem man in romantischen Kunstliebhaber-Reden hört, die gefährliche Subversivität, die zu verschiedenen geschichtlichen Umbruchszeiten von ihm ausgegangen sein soll, das alles gibt es nicht. Oder nicht mehr. Vielleicht gab es so etwas auch noch nie, und wir geben uns schon immer mit der bloßen Vorstellung eines Theaters zufrieden, das dieselbe Funktion für die Gesellschaft erfüllt wie der Traum für das Individuum...

Ein Plädoyer gegen die Vereinzelung

Was kann man tun?

Die Stress-Knoten auflösen

Anmerkungen zum Stück: / bedeutet, dass mehrere Repliken gleichzeitig bzw. von mehreren Figuren gemeinsam gesprochen werden; – am Satzende, dass die Replik an dieser Stelle von der nächsten unterbrochen wird. Bei Pinos Krankheit handelt es sich um Kreisrunden Haarausfall, eine Autoimmunerkrankung, deren Ursache medizinisch weiterhin ungeklärt ist. Gemeinhin als Stresssymptom interpretiert. Für konsumierten Gin gibt es eine Strichliste, die von Mabuse und Pino geführt wird. „Die Rosa“ meint Rosa Luxemburg, „der Rudi“ ist Rudi Dutschke, „der Joschka“ Joschka Fischer, „der Klaus“ Klaus Wowereit. Es werden zwei Orte aufgesucht, die dem Berliner Kosmos entstammen: das gigantische Einkaufszentrum Alexa am Alexanderplatz und das mehrstöckige Fachgeschäft für Künstlerbedarf Modulor in Kreuzberg. Für Aufführungen außerhalb von Berlin kann gerne auf lokale Äquivalenzen zurückgegriffen werden. Die theoretische Ebene wurde u. a. von Konzepten von Albert Camus, Hakim Bey und Guy Debord mitinspiriert. Die Entstehung von KINGS wurde ermöglicht durch die Projektreihe Dogland II, eine Kooperation von Kultursprünge gemeinnützige GmbH im Ballhaus Naunynstraße und Maxim Gorki Theater, unterstützt durch den Hauptstadtkulturfonds. Die Uraufführung fand im Mai 2014 am Ballhaus Naunynstraße in Berlin statt. Figuren Pino, Akademikerkind aus Süddeutschland Mabuse, Impresario, Leiter des Wanderzirkus „Das Spektakel“ Grete, größte Sensation seit Beuys Mehmet, ihre Agentin Konsumenten Grafiker und...

Kings

Das Theater hat in den vergangenen Jahrzehnten auf die komplexe Wirklichkeit häufig mit performativen Formen reagiert, die die Unmöglichkeit von Repräsentation thematisierten. Alain Badiou sagte dazu kürzlich in einem Interview: „Ich misstraue dieser Richtung. In diesem Fall zöge das Theater aus der Betrachtung der Welt, wie sie ist, die Schlussfolgerung, es müsse der Welt entsprechen. Darin besteht die gesamte Idee des postdramatischen Theaters, des Theaters, das selbst potenziell zu einer Zirkulation von Gegenstän- den und Zeichen wird, oder von Körpern und Zeichen, allerdings von in ihren leidenschaftlichen oder zerrissenen, aber gleichzeitig hoffnungs- und ausweglosen Beziehungen beinahe objektivierten Körpern. Wenn das Theater sich nur zum Spiegel der Logik des Fehlens einer Welt macht, betrachte ich es, selbst wenn es sich für avantgardistisch hält, als konservatives Theater. Es ist eine Konzeption des Theaters als Ende des Theaters. Es ist ein Theater, das seine eigene repräsentative Unmöglichkeit in einer Welt darstellt, die es nicht mehr erlaubt, dargestellt zu werden. Und das ist meiner Meinung nach ein nihilistisches Theater. Ein Theater, das in einem neuen Sinn weiterhin lebendiges und dramatisches Theater ist, ist ein Theater, das den Widerspruch zwischen dem Fehlen einer Welt und dem Wunsch nach einer Welt zur Schau trägt. Das Theater...

Eine Einleitung

Neuer Realismus

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Seit der Annahme der Initiative „Gegen Masseneinwande- rung“ am 9. Februar 2014 geht ein Stöhnen durch die Schweiz. Die einen stöhnen aus Erleichterung, die anderen aus Empörung. Auf der Bühne manifestiert sich ein gesteigertes Interesse an der Auseinandersetzung mit den helvetischen Wurzeln, Werten und Traditionen. Befragt werden politische, gesellschaftliche und kulturelle Strukturen, auf welchen die Schweiz fußt. Dabei offenbart sich ein wachsendes Misstrauen gegenüber dem Fremdbild, das von der Schweiz als Steuerparadies, Wellnessinsel und europaresistenter Demokratie kursiert. Denn die Befürchtung, diesem Bild auf die Dauer nicht gerecht zu werden, ist kein Phantom mehr, sondern real und überdies berechtigt. „Wir wissen nicht, was Glück ist, aber wir wissen, was es war!“, lautet einer der prägnantesten Sätze in der Produktion „Mamma Helvetia – ein Familienrapport“ von Regisseur Georg Scharegg, uraufgeführt beim Festival Höhenfeuer am Theater Chur. Der seit längerem in Berlin wohnhafte Bündner Regisseur hat sich lange vor dem 9. Februar 2014 mit seinem Team auf einen Streifzug durch die Schweiz begeben und damit auf die Suche nach deren Eigenarten und Befindlichkeiten. Das Recherchematerial hat er in einer fünfteiligen Collage verarbeitet. Auf der Bühne stehen mobile Kästen aus grobem Holz, deren Innenleben von der Aufzugskabine übers Stübchen bis zum Gemüsekeller multifunktional ist...

Zwei Theaterprojekte wollen die Schweiz aufs Korn nehmen, scheitern aber an altbekannten Klischees

Helvetische Selbstreflexion

Bleierne Zeit. Wer da reflexartig an Adenauer denkt, müsste sein Denken womöglich überdenken. Warum? Die Gründe liegen hier: in Berlin, Rostock und Dessau, wo eine einzigartige Volksbühnenära enden soll, nur weil ein Kulturstaatssekretär hippe Eventkultur favorisiert. Wo ein Intendant – fast (?) – demontiert wird, der enthusiastisch an die Rettung des Volkstheaters glaubt. Und wo ein erfolgreicher Theaterleiter aufgrund finanzieller Streitigkeiten geschasst wird. Drei Theater, drei Städte. Und dreimal SPD....

Editorial

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

1 „Am Ufer eines breiten Stromes, oder vielleicht auch am Abhang eines steilen Berges, steht eine Reihe von Statuen. Sie sind aus Marmor. Sie können ihre Glieder nicht bewegen. Aber sie haben Augen und können sehen. Vielleicht auch Ohren, die hören. Und sie können denken. Sie haben ‚Verstand‘. Man kann annehmen, daß sie einander nicht sehen, auch wenn sie wohl wissen, daß andere existieren. Jede steht für sich. Ganz für sich und allein nimmt jede der Statuen wahr, daß etwas auf der anderen Seite des Stromes, oder des Abgrunds, vor sich geht; sie bildet sich Vorstellungen von dem, was da vor sich geht, und grübelt darüber nach, wieweit diese Vorstellungen dem, was vor sich geht, entsprechen. Manche denken, solche Ideen spiegeln einfach die Vorgänge auf der anderen Seite wider. Andere denken, vieles an ihnen ist eine Zutat des eigenen Verstandes; letzten Endes kann man nicht wissen, was wirklich drüben vor sich geht. Der Abgrund ist zu tief. Die Kluft ist unüberbrückbar.“1 2 Was, wenn die Statuen außer Augen und Ohren noch Münder besäßen und sprechen könnten, laut genug, um sich mit den Nachbarn und weiteren in der Reihe zu verständigen? Dann ließe sich herausfinden, was andere sehen und hören....

Die Zersplitterung des Sozialen und ihre Überwindung

Es geht (wieder) um den Realismus

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Ich Lange Zeit war PeterLicht dann am besten, wenn er nicht war. Die auratischsten Fotos zeigten ihn – nicht: ein schmächtiger Mann von hinten mit einem Holzstuhl auf dem Kopf. Ein schmächtiger Mann von vorn mit sonderbar durch die Luft wirbelnden Gegenständen vor dem Gesicht: einer Kaffeetasse, einem Buch, einem Fisch. „Wenn ich nicht hier bin, bin ich auf’m Sonnendeck“, hieß die lakonische Songzeile, die ihn im Jahr 2000 berühmt machte. Darin steckte der ganze PeterLicht: radikal beiläufig, tieftraurig heiter und in seiner einsilbigen Unsichtbarkeit voll da in einer Gesellschaft, die sich vor lauter Facebook-Blabla und Selfie-Knipserei selbst nicht mehr hört und spürt. „Lob der Realität“ ist, aus dieser Ecke betrachtet, eine logische Konsequenz im Denken, Texten und Singen PeterLichts und doch, bezogen auf die Form seines Schaffens, seiner Ästhetik der Flüchtigkeit, ein Paradox. Ein paar zittrige Striche, ein kaum erkennbarer Körper, der in entrückter Zenpose in transzendentaler Meditation einen halben Meter über dem Boden schwebte – so endete PeterLichts erste literarische Kompilation „Wir werden siegen! Buch vom Ende des Kapitalismus“. „Lob der Realität“ beginnt diametral anders: „Alle da / alle vorhanden.“ Mit einer Selbstvergewisserung. Wieder ist es Bild, Ton und Text, sind es Skizzen, Aphorismen, Dramolette, Kurzgeschichten, Songtexte und...

PeterLicht: Lob der Realität. Blumenbar im Aufbau Verlag, Berlin 2014, 240 S., 18 EUR.

Hallo … hier: … Ich

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

„Zwanzig Jahre später“, titelten die Schweizer Zeitungen, als sie über die „Rückkehr des Matthias Langhoff“ nach Lausanne an das Théâtre Vidy berichteten. Diesem gab er als Leiter einst neue Impulse, die strukturell wie programmatisch bis heute nachwirken. Wir können darauf setzen, dass Matthias Langhoff und sein Koautor Michel Deutsch Texte sprengen, Figuren ergänzen und sie neu zuschneiden, wenn sie eine Bühnenfassung entwickeln. Auch nutzen sie den Film als Medium, um die Linearität der Narration aufzubrechen. An diesem Abend sind Sprünge angesagt. Der Vorzug eines solchen Eingriffs liegt darin, dass das Gras auf Alberto Moravias Terrain, dessen Roman „Die Verachtung“ die Regisseure Matthias Langhoff und sein Sohn Caspar Langhoff zu „Cinéma Apollo“ inspirierte, nun grüner wächst: Der Ort ist nicht mehr Capri, sondern eine andere Insel: ein altes Kino, das Cinéma Apollo im abgelegenen Städtchen Novara. Gezeigt werden dort vor allem alte Filme, aktuell der Kultfilm „Die Rückkehr des Odysseus“. Das Kino ist in seiner Existenz bedroht. Das einzige Zugeständnis an die Jetztzeit sind ein Getränkeautomat und ein Popcornstand, an dem eine junge Frau bedient, die sich lieber ihrem Studium als dem Management des Kinos widmet, von dem wir nur das Foyer und eine Treppe sehen, die zum Vorführraum führt. Es...

Théâtre Vidy-Lausanne: „Cinéma Apollo“ von Michel Deutsch und Matthias Langhoff frei nach Alberto Moravias Roman „Die Verachtung“. Regie Matthias und Caspar Langhoff, Ausstattung Catherine Rankl

Lausanne: Die Popcornfrau

Herrenlose Reisetaschen. Als Installation stehen sie am linken Rand einer abgeklebten Spielfläche in der Garage an der Gaußstraße. Die schlichte Szene setzt ein klares Zeichen: Reisetaschen ohne Besitzer, sie bedeuten in der Regel Evakuierung, Sondereinsatz, Massenpanik. Sie stehen für die Möglichkeit eines terroristischen Anschlags. In der Inszenierung sind sie deswegen Sinnbild einer diffusen gesellschaftlichen Angst vor dem Fremden, ein Zeichen für Vorverurteilung und Verunsicherung. Jonas Hassen Khemiris Stück macht sich auf die Suche nach dieser schwer greifbaren Panik vor dem Terror. Und der junge Regisseur Anton Kurt Krause braucht nicht viel, um die Geschichte zu erzählen. Vom Spielfeld aus lässt Amor (Pascal Houdus) einen ferngesteuerten Hubschrauber über den Köpfen des Publikums kreisen. „Verhaltet euch in den nächsten Tagen ru- hig“, empfiehlt er, während er das Spielzeug in einer der Taschen verstaut. „Ich rufe meine Brüder an und sage: Jetzt geht’s los. Haltet euch bereit.“ Seine Brüder, das sind die, die eine ähnliche Geschichte haben wie er, zwei Nationalitäten in ihrer Herkunft vereinen, die mit Migrationshintergrund, wie man das so nennt, aufgewachsen sind. Amor hat Angst. Nicht vor einem Anschlag. Sondern davor, ihn selbst verübt zu haben. Denn in Stockholm ist eine Autobombe explodiert. Eben noch war Amor betrunken in einem...

Thalia Theater: „Ich rufe meine Brüder“ von Jonas Hassen Khemiri. Regie Anton Kurt Krause, Ausstattung Sibylle Wallum

Hamburg: Gesellschaft von Fremden

„Is my future all in the past“

Als Dramatiker ist Dirk Laucke längst kein unbeschriebenes Blatt mehr – allein 2014 fanden mit „Seattle“ und „Furcht und Ekel. Das Privatleben glücklicher Leute“ zwei Auftragswerke des 32-Jährigen ihre Uraufführungen in Freiburg und Stuttgart. Kein halbes Jahr später legt Laucke mit „Mit sozialistischem Grusz“ nun auch sein Romandebüt vor. Wir schreiben das Jahr 2002, die Wiedervereinigung liegt eine Dekade zurück, die Wogen, die die Wende geschlagen hat, sind zwar inzwischen abgeebbt, haben aber in weiten Teilen Ostdeutschlands ein Brachland prekärer Lebensverhältnisse hinterlassen, wo sich die Bewohner in einem Leben zwischen Platte, Arbeitslosigkeit und drohender Jahrhundertflut zurechtfinden müssen. Dort besteht das Leben für den 19-jährigen Ich-Erzähler Phillip Odetski – der aufgrund des ermangelnden Studienplatzes nicht an der Kunsthochschule in Berlin studiert, sondern in Bitterfeld rumhängen muss – aus enervierenden und in Tristesse versumpften Gewohnheiten: Arbeitsbeschaffungsmaßnahme, essen im Asia-Döner, alten Bekannten aus dem Weg gehen und zeichnen. Was sich für den einen wie eine hippe Boy-meets-world-Geschichte liest, treibt seinem Vater Schweißperlen auf die Stirn. Hermann Odetski, der durch den Zusammenbruch der DDR nicht nur seine Arbeit, sondern auch seine Frau wegen ihrer neuen Westliebe verloren hat, ist genauso von der Erziehung seines Sohnes überfordert wie von den gesellschaftlichen Veränderungen und der eigenen...

Dirk Laucke: Mit sozialistischem Grusz. Roman. Rowohlt Verlag, Reinbek 2015, 208 S., 10,99 EUR.

Boy meets world

Vor azurblauem Himmel zeichnen sich Säulen und ein Sarkophag ab. Die Szenerie könnte einer dieser italienischen Friedhöfe sein. Dann erscheint sie wie eine Hügellandschaft in der Toskana am Abend. Aber in der Ferne sind Stimmen zu hören in verschiedenen Sprachen, Englisch und Russisch, dazu rauscht der Wind, und die Brandung bricht sich an den Felsen. Aus den Schatten schält sich ein Kohleofen, und die Gebirgslandschaft gibt sich als ein Arrangement von weißen, akkurat zugeschnittenen Steinen zu erkennen. Darauf liegen dubiose Gestalten, verhüllt in weite Umhänge und mit turbanartigen Kopfbedeckungen. Der Beginn der jüngsten Inszenierung des Choreografen und Regisseurs Jo Fabian, der selbst auch für Bühne und Kostüme verantwortlich zeichnet, scheint symptomatisch: Die Welt, die wir sehen, ist immer nur die eine, für die wir uns gerade entscheiden. Fabian schafft einen opulenten Prolog, der uns visuell die Subjektivität der eigenen Perspektive und Interpretation von Welt vor Augen führt. Der große Seelensezierer Anton Tschechow schrieb „Auf der großen Straße“ mit gerade einmal 24 Jahren. Es ist sein zweiter dramatischer Versuch, der wie ein Ausblick auf die großen Dramen, die später folgen sollen, wirkt: verschwendete Leben, überflüssig gewordene Menschen, eine menschenverliebte wie pessimistische Gesamtschau und eine detailverliebte Untersuchung am offenen Herzen der Figuren....

Theater an der Ruhr: „Auf der großen Straße“ von Anton Tschechow. Regie und Bühne Jo Fabian, Kostüme Katharina Lautsch und Jo Fabian

Mülheim an der Ruhr: Verkaterte Existenzen

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

In diesem Spiegelgebirge gibt es vor Selbstreflexionen kein Entrinnen. Aber das war ja auch die Idee dahinter: „Die Idee war tatsächlich, was über uns rauszufinden, über uns zusammen, und nicht jeder über sich selber alleine wieder.“ Zu diesem Zweck sind die fünf Freunde (Banafshe Hourmazdi, Anne Kulbatzki, Nele Stuhler, Anton Weil und Max Hegewald) also aufgebrochen, ihr Camp auf dem Mount Amici aufzuschlagen. Der besteht im Ballhaus Ost aus einer Reihe zackiger Pappaufsteller mit Glitzerfolie und wird von den Performern eingangs mit geschnürtem Rucksack und fröhlichstem Frühtau-zu-Berge-Elan umrundet. Wobei die Irritationen in diesem Zeltlager zur inneren Einkehr nicht lange auf sich warten lassen. Nicht nur ist der Waldboden mit Nadeln der ekligen Sorte übersät, die Gruppe hat auch weder Essen noch Bargeld noch Kaugummi dabei. Tante Funny und Onkel Quentin sind entgegen ihrer Ankündigung nicht aufgetaucht. Und es herrscht tendenziell Dissens über den erhofften Verlauf der Reise. Geht es darum, gemeinsam Abenteuer zu erleben? Oder genügt die Begegnung auf Augenhöhe? „Wir wissen ja aus den letzten Jahren, dass Freundschaft gleichgewichtete Wert- schätzung der ganzen Person ausdrückt und damit Offenheit, Empathie, Toleranz und Autonomie in Abgrenzung zu Prinzipien der Fragmentierung, Konkurrenz, Intoleranz und Macht akzentuiert“, analysiert Timmy, der Hund, in einem...

Ballhaus Ost: „Société des Amis. Tindermatch im Oderbruch“ von Nele Stuhler und Jan Koslowski. Regie Jan Koslowski, Bühne Chasper Bertschinger, Kostüme Svenja Gassen

Berlin: Die utopische Torte der Freundschaft

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Die Schwierigkeit, am Ende des 20. Jahrhunderts Tragödien zu schreiben, erklärte Heiner Müller in einem seiner letzten Ge- spräche mit Alexander Kluge so: „Die Bildzeitung ist ja eigentlich jetzt das Medium für Tragödien – also was in der Antike im Theater stattfand, ist jetzt notiert in der Bildzeitung.“ Und wirklich: Dass das mehr ist als ein böser Witz, hat Bild im März wieder eindrücklich bewiesen, als sie der Katastrophenlust an der Zerstörung der Germanwings-Maschine freien Lauf ließ („Hier der Todespilot vor der Golden Gate Bridge, die unter Selbstmördern eine Art Kultstatus genießt“). Aber mehr noch: Die Bildzeitungsvariante der Tragödienfaszination – die natürlich längst nicht mehr auf Bild beschränkt ist und sich am liebsten in den Livetickern auch der „Qualitätsmedien“ austobt –, sie zeitigt inzwischen Wirkungskaskaden, an die Müller noch nicht denken konnte, da sie einer sehr veränderten medialen Umwelt entspringen. Überzeugend ist das Problem zuletzt von Jean-Luc Nancy diskutiert worden, in einem Essay, dessen Anlass eine andere Großkatastrophe der letzten Jahre war: „Nach Fukushima“. Es geht Nancy um die Vehemenz, mit der in der technologisch hochgerüsteten und ver- netzten Kosmopolis des 21. Jahrhunderts jedwedes Geschehen, das auf der einen Seite der Welt spielt, gewissermaßen in Echtzeit auf ihrer anderen Seite...

Von der Pest der Äquivalenz

kirschs kontexte: Treibstoff Tragödie

Fehler machen kann jeder. Aber sie korrigieren, das offenbar nicht. Liegt es daran, weil einer dazu zu dumm ist (BE-Intendant Claus Peymann über den Berliner Kulturstaatssekretär Tim Renner, mit der freundlichen Einschränkung „ein bisschen“), oder weil er seine Fehler nicht für Fehler hält, sondern für besonders weitblickend, also klug? Wenn dem so ist, dann herrscht Kulturkampf in diesem Land. Natürlich ist es dumm, die hundertjährige Volksbühnen-Tradition (unter besonderer Berücksichtigung eines Vierteljahrhunderts Castorf’scher Intendanz) mit einem Schulterzucken ad acta zu legen und einen weiteren „Eventschuppen“ (Peymann) daraus zu machen. Ebenso dumm wäre es gewesen, den manisch von der Idee, das Rostocker Volkstheater sei noch zu retten, getriebenen Neuintendanten Sewan Latchinian gleich wieder fortzuschicken: wegen zu großen Erfolgs! Nun hat die Rostocker Bürgerschaft (dieselbe, die mit 26 zu 21 Stimmen entschieden hatte, aus dem Vierspartenhaus ein Zweispartenhaus zu machen, ohne akute finanzielle Not, einfach so) mit 29 zu 18 Stimmen beschlossen, Rostocks Oberbürgermeister Roland Methling anzuweisen, die fristlose Kündigung des Intendanten zurückzunehmen. Einen zweifelhaften Vergleich (von Mecklenburg-Vorpommerns Kulturabbaubeschlüssen mit den Zerstörungen der Terrorgruppe Islamischer Staat), der betont, keine Gleichsetzung sein zu wollen, hätte ohnehin kein Arbeitsgericht dieser Welt (auch nicht in Mecklenburg-Vorpommern) als hinreichenden Kündigungsgrund anerkannt. Interessant dabei ist nicht nur, dass...

Theaterdämmerung in Berlin, Rostock, Dessau

Korrigiert euch!

Herr Minister, was haben Sie mit der griechischen Kultur vor? Zunächst muss man auf den Rahmen hinweisen, in dem Kulturpolitik in Griechenland aktuell überhaupt stattfindet. Die Zeiten sind unruhig und die finanziellen Zwänge erheblich. Dabei sind wir eine linke Regierung. Das hat es in Griechenland noch niemals gegeben und auch sonst in Europa nur selten. Wir können die Kultur nicht als einen schönen Luxus betrachten, den man aus einem Überschuss finanziert. Wir werden Kulturpolitik mit sparsamsten Mitteln machen müssen, mit Einfallsreichtum und Intelligenz, nicht so sehr mit Geld. Ein linkes Programm ist das noch nicht. Zwei Achsen sind mir wichtig. Die eine betrifft die Symbolik. Die letzten fünf Jahre waren nicht nur eine Zeit der Wirtschaftskrise. Das griechische Selbstbewusstsein überhaupt hat eine schwere Erschütterung erfahren. Kultur kann da wieder Selbstachtung und Stolz wecken, eine gemeinsame Identität stiften, die aber offen ist, keine Zuflucht bei Stereotypen sucht, sich nicht nationalistisch abschließt. Mein anderes Ziel besteht darin, all das, was uns kulturell im Alltag umgibt, auch zur Wertschöpfung zu nutzen, dafür zu sorgen, dass in dem Bereich Arbeitsplätze entstehen. Das Stichwort hier heißt Creative Industries. Was für Maßnahmen sind unter den Zwängen des Spardiktats überhaupt möglich? Da wir kaum finanzielle Mittel zur...

Nikos Xydakis, stellvertretender Minister des Bereichs Kultur im Ministerium für Bildung, Kultur und Religion Griechenlands, über eine Aufbruchstimmung, die versucht, der Krise zu trotzen. Ein Gespräc

Kunst und Krise unter der Akropolis

Tagtäglich stranden an Europas Küsten immer noch mehr Flüchtlinge, auch aus Syrien, so sie ihre Reise übers Meer denn überleben. Obwohl es also keinen besseren Zeitpunkt geben könnte, um die syrische Literatur ins Zentrum der Aufmerksamkeit zu rücken, bleiben die hiesigen Verlage ziemlich stumm. Eine der kleinen großen Ausnahmen stellt Dunkle Wolken über Damaskus dar: ein Band mit Erzählungen der syrischen Autorin Dima Wannous, der vor kurzem in der Edition Nautilus erschienen ist. Der Eindruck, dass dieses Buch wie eine Flaschenpost vor unsere Füße gespült würde, liegt nicht am maritimen Namen des deutschen Verlags, vielmehr enthält „Dunkle Wolken über Damaskus“ tatsächlich Nachrichten aus der Vergangenheit. Aus einer Vergangenheit, die gemessen an Jahren nicht allzu lange her ist, doch weit, weit, weit entfernt wirkt. Auf Arabisch erschien der Band 2007, aber gefühlt sei er ein Dutzend Jahre alt, schreibt Dima Wannous im Vorwort: „Das irrige Zeitgefühl ist ein Resultat der syrischen Revolution, die im März 2011 (…) begann.“ Was vorher war, sei „aus unserer Erinnerung ausgemerzt“, man lebe nun „ausschließlich in der Gegenwart“ – daher die Verwunderung angesichts der eigenen Erzählungen. Dem „irrigen Zeitgefühl“ begegnet man allerdings schon in den einzelnen Geschichten immer wieder. Wannous erzählt von Menschen, die sich auf...

Literatur: Nachrichten aus der Vergangenheit

Freiheit erlebt sie durch Beschränkungen. Je weniger Auswahl man habe, desto mehr Freiheit könne man bei der Wahl empfinden. Eine Beschränkung der Möglichkeiten gebe ihr Kraft. Für alles, was von der Norm abwich, musste die US-amerikanische Konzeptkünstlerin Channa Horwitz in der Familie um Erlaubnis bitten. Aber es gelang ihr, in nur zwei Stunden genehmigter Freizeit auf einem Stoß Millimeterpapier mit einem Bündel Stifte ihre berühmten „Compositions“ aufzuzeichnen. Ihr wurde plötzlich bewusst, erinnerte sie sich Jahrzehnte später in einem Interview, dass sich mit diesen winzigen Kästchen alles notieren ließ. „Es fühlte sich ganz so an, als ob ich eine neue Sprache entdeckt hatte, eine, die von allen Künsten verstanden werden konnte.“ Ihr Leben lang experimentiert sie mit einem System einfachster Regeln und geometrischer Grundformen: Kreis, Quadrat und Rechteck, die sie in endlosen Werkreihen variiert und in andere Darstellungsformen weitertreibt. Erst viel zu spät wird die Zeichenkunst der 1932 in Los Angeles geborenen und mit 80 Jahren verstorbenen Künstlerin von der internationalen Kunstwelt entdeckt und auch zu Ausstellungen in Europa eingeladen. Für viele aktuelle Künstler wie Boris Charmatz und Meg Stuart sind diese „sets of rules“ (Ellen Blumenstein) Ausgangspunkte für das eigene künstlerische Schaffen. Jetzt widmet sich die Ausstellung Counting In Eight,...

Kunst: Visionäre Partitur

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Christopher Rüping, Sie sind mit Ihrer Stuttgarter Inszenierung von Thomas Vinterbergs „Fest“ zum diesjährigen Berliner Theatertreffen eingeladen – als einer der jüngsten Regisseure. Sagt man sich da: Jetzt hab ich’s geschafft? Nee, gar nicht. Also bzw. was geschafft? Ich habe schon das Gefühl, dass wir inzwischen im Staatstheatersystem angekommen sind – auch ohne Theatertreffen. Aber vom künstlerischen Standpunkt aus sind wir noch ganz am Anfang, da gibt’s noch so viel zu entdecken und so viele Fehler zu machen. Wir? Ja, mein Team: Jonathan Mertz (Bühne), Lene Schwind (Kostüme) und Christoph Hart (Musik). Seit den ersten Produktionen ziehen wir zusammen rum – wie eine Kleinfamilie. Am Anfang haben wir uns von außen reingearbeitet: erst eine kleinere Arbeit, dann eine größere. Dann kam die Einladung zu Radikal jung, und wir haben die Möglichkeit bekommen, an größeren Häusern zu arbeiten. Mit allem, was daran toll ist, und allem, was daran schwierig ist. Und natürlich mit der Frage, wie sehr man sich seit den Anfängen schon hat verbiegen lassen oder selbst verbogen hat. Was verbiegt einen? Dadurch dass es nahezu keine objektiven Bewertungskriterien fürs Theater gibt, sind wir ja immer auf subjektive Außenwahrnehmungen angewiesen – also in erster Linie aufs Publikum, dann auf die...

Neuerscheinungen im Verlag