Meine erste Begegnung mit Herbert Achternbusch hatte ich ganz klassisch durch die Münchner Kammerspiele. Die Inszenierungen seiner Stücke waren immer ausverkauft. Ich erinnere mich, dass bei meinen Münchner Freunden der Name Achternbusch oft fiel, und immer wenn ich fragte, über wen sie sprachen, brach eine halbe Massenpanik aus, wie ich IHN nicht kennen könne, IHN aber doch sicher schon mal auf der Straße gesehen hätte. Mit meinen 21 Jahren hatte ich überhaupt keine Ahnung. Ich war eine Zugezogene aus dem Rheinland, die damals zu Hause nur niederländisches Fernsehen geguckt hatte. Achternbusch klang für mich im ersten Moment auch sehr niederländisch … Also bestellte ich mir all seine Texte, besuchte die Inszenierungen, die zu der Zeit liefen, suchte seine Filme zusammen, und ich begann, mich zu verlieben. In die Stadt München, die bayerische Mentalität und diesen grantigen alten Mann, der in Bayern nicht einmal gestorben sein möchte. Ich war – und bin es heute noch – fasziniert von Herbert Achternbuschs Erzähltechniken, seinem anarchischen Umgang mit Figuren und Texten. In meiner Münchner Zeit hatte ich mir oft vorgenommen, ein Achternbusch-Stück für meine erste Regiearbeit zu inszenieren. Allerdings war meine erste Inszenierung nicht in München, sondern am Schauspiel Köln, wo ich die Idee...

Für einen, der im Hässlichen die Schönheit erkennt – Zum 80. Geburtstag von Herbert Achternbusch

Massenpanik

Totkürzungen drohen

Die Heterotopien erhalten

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Welches Theater braucht eine Stadt wie Potsdam, die in Nachbarschaft zum übervollen und alles abdeckenden Theaterdschungel Berlin gelegen ist? Bettina Jahnke, die neue Intendantin des Hans Otto Theaters Potsdam, hat da reichlich Ideen. Sie selbst ist eine in den Osten Zurückgekehrte. Nach ihrer zehnjährigen Intendanz am Rheinischen Landestheater Neuss stellt sich die gebürtige Wismarerin lustvoll den Herausforderungen eines neuen Hauses, von dem sie fordert, stets Haltung zu zeigen. Was sich...

Editorial

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Zu den Eigenheiten des alle zwei Jahre in Dortmund stattfindenden Theaterfestivals Favoriten gehört, dass jede neue Ausgabe seit einiger Zeit ein neues Leitungsteam hat. Als es 1985 unter dem Namen Theaterzwang ins Leben gerufen wurde, war es als Leistungsschau der freien Theaterszene in NRW konzipiert. Von dieser Idee haben sich Fanti Baum und Olivia Ebert, die gegenwärtigen Festivalleiterinnen, schon mit der Entscheidung gelöst, sechzehn und nicht wie üblich zehn Arbeiten einzuladen. Ihre Favoriten waren eine klare Absage an alle Mechanismen des Theatermarktes. Statt eine letztlich nur die subjektive Wahrnehmung der Auswahljury widerspiegelnde Schau der Besten zusammenzustellen, haben die beiden aus Frankfurt kommenden Kuratorinnen versucht, den Stand der Dinge und Debatten abzubilden. Jede der eingeladenen Inszenierungen steht repräsentativ für aktuelle Strömungen in der freien Szene. So war die Eröffnung mit „Fin de Mission / Ohne Auftrag leben“, eine gemeinsame Produktion des kainkollektivs mit der aus Kamerun kommenden Gruppe OTHNI, ein klares Bekenntnis zu einem postkolonialen Theater, in dem sich europäische und afrikanische Traditionen gegenseitig befruchten. Einen ähnlich diskursiven Ansatz verfolgt auch die Gruppe I can be your translator mit ihrem Inklusionsprojekt „Das Konzept bin ich“. Diese Recherchearbeit zu den Euthanasie-Programmen der Nationalsozialisten, in der Dokumentarisches auf Reflexionen über die Theaterarbeit trifft,...

Das Favoriten Festival 2018 in Dortmund bietet eine klare Absage an die Mechanismen des Marktes und setzt auf ein Theater der Verunsicherung

Ästhetik des Vagen

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

„Berlins Verkehrssenatorin Regine Günther“, schrieb die Süddeutsche Zeitung am 28. September, habe „erneut eine Genehmigung des geplanten Mauerbau-Kunstprojekts DAU in diesem Jahr ausgeschlossen“, und fügte an: „Für die Prüfung eines solchen Großprojekts habe die Zeit gefehlt.“ Hat man daraus zu schließen, dass das Damoklesschwert des Khrzhanovsky-Projekts noch einmal über der Stadt schweben könnte? Wer dem Chef der Berliner Landesregierung nach dem ersten Bekanntwerden des geflissentlich geheim gehaltenen Vorhabens brieflich seinen Protest vortrug, erfuhr aus der Berliner Senatskanzlei, dass der Regierende Bürgermeister das Projekt als spannend bezeichnet habe. Es sei wichtig, dass „junge Menschen wenigstens ein kleines Gefühl von der Enge und Machtlosigkeit bekommen, die viele Menschen in der damaligen DDR erleiden mussten“; das Projekt solle „daran erinnern, wie schlimm Unfreiheit sein kann und dass diese Gefahr bis auf den heutigen Tag nicht gebannt ist“. Vor allem aber sei es „die verfassungsrechtlich garantierte Kunstfreiheit“ gewesen, die im Vordergrund der Befürwortung des Projekts gestanden habe. Hier liegt, auch im Blick auf die mögliche Wiederholung solcher oder ähnlicher Projektanträge, der springende Punkt, also bei der Frage, ob es sich bei der befristeten Einmauerung eines besonders kostbaren, über Jahrzehnte hin mit enormem Aufwand wiederaufgebauten zentralen historischen Areals zwecks Abhaltung von Filmaufführungen und freiwilligen Überwachungseinübungen...

Nachtrag zum Khrzhanovsky-Projekt

Die geschenkte Mauer

Frühlingstheater

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Hamburger Marathon

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Herr Holtzhauer, Sie haben zum Intendanzstart am Nationaltheater Mannheim (NTM) einen Spielplan vorgelegt, dessen Schwerpunkt auf zeitgenössischen Stoffen liegt. Damit setzen Sie eine Linie fort, die Ihr Vorgänger Burkhard C. Kosminski pflegte. Wo liegen die Unterschiede? Selbstverständlich wollen wir weiterhin versuchen, die Gegenwart in einer Sprache unserer Zeit zu beschreiben. Dafür müssen wir neue Texte aufführen und neue Stücke in Auftrag geben. Unser Augenmerk wird aber nicht mehr in dem Maße auf Uraufführungen liegen, wie das bei unseren Vorgängern der Fall war. Das große Potenzial des Repertoiretheaterbetriebs besteht für mich darin, dass wir Texte und Stoffe verschiedener Epochen sowie die große Vielfalt der uns heute zur Verfügung stehenden Erscheinungsformen von Theater zueinander ins Verhältnis setzen können. Mit unserer Eröffnung haben wir versucht, das Feld weit aufzumachen. Die ersten Inszenierungen offenbaren markante, zugleich aber sehr unterschiedliche Regiestile. Ist das ein Leitgedanke Ihrer Spielzeitplanung? Beim Spielplan wie bei der Auswahl des Ensembles war es uns wichtig, viele Perspektiven und Erfahrungswelten vorkommen zu lassen. Mannheim ist ein spannendes Versuchslabor für die Bundesrepublik: mit der für eine Hafenstadt typischen hohen Dynamik, dem Widerspruch zwischen Universitätsstandort und Arbeiterstadt, der hohen Zahl – fast fünfzig Prozent – von Menschen mit Migrationsgeschichte. Wer oder was ist denn...

Der Mannheimer Schauspielintendant Christian Holtzhauer im Gespräch mit Elisabeth Maier

Ein Versuchslabor für die Bundesrepublik

Der Materialergründer

Premieren: November 2018

Falk Richter Es ist wie immer nicht leicht, dich zu erwischen und live zu treffen. Woran arbeitest du gerade? Thomas Thieme Ich spiele gerade Rudolf Gombrowski in der Verfilmung „Unterleuten“. Regisseur ist Matti Geschonneck. Das ist ein Dreiteiler nach dem Roman von Juli Zeh. Spielt in einem fiktiven Ostdorf in Brandenburg, in dem Gombrowski LPG-Vorsitzender war. Eine sehr starke und sehr sensible Figur. Falk Richter Ein Nachwenderoman. Es geht um die Goldgräberstimmung der Wessis nach dem Mauerfall. Wessis kamen in den Osten, um Gewinne mit alten Ostbetrieben zu machen. Gewissensfrage: Wer kooperiert mit Kohls Freunden und macht mit beim Ausverkauf, und wer stellt sich dem entgegen? Wie verhält es sich damit bei Gombrowski? Thomas Thieme Gombrowski ist der Selbsthelfer. Eine aussterbende Spezies, ein etwas primitiverer Renaissancemensch. Es ist gar nicht so entscheidend, was er tut, entscheidend ist, wie er es tut. Das Auffallendste an ihm ist die Mischung aus Robustheit, Direktheit und Sensibilität, Zartheit. Also eine große Figur, wie sie das Fernsehen selten hinstellt. Falk Richter Wo lebst du gerade? Thomas Thieme Mal in Berlin, mal in Weimar, mal in Schmalkalden im Thüringer Wald. Und in diesem und jenem Hotel. Falk Richter Was ist das Großartige am Leben im Hotel?...

Ein Gespräch zwischen Thomas Thieme und Falk Richter

Wahrscheinlich wollte ich Marlon Brando werden

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Kompositionsprinzip Collage

Angstlos! Heimatlos?

Nach den Ereignissen in Chemnitz regt sich in der Medienlandschaft wieder einmal reflexartig die Frage: Was läuft da schief bei den Ostdeutschen? Eine Antwort ließe sich in „Wer wir sind. Die Erfahrung, ostdeutsch zu sein“ von Jana Hensel und Wolfgang Engler finden. „Wer wir sind“ ist ein Gespräch zwischen einer Frau und einem Mann, zwischen einer Vertreterin der sogenannten dritten Generation Ost, die die Wende als Teenager erlebt hat, und einem Vertreter ihrer Elterngeneration, und es ist nicht zuletzt auch das Gespräch zwischen einer Journalistin und einem Kultursoziologen. Ausgestattet mit all diesen verschiedenen Erfahrungshintergründen, kommen Hensel und Engler miteinander ins Gespräch, erkennen Gemeinsamkeiten und Unterschiede, geraten in Streit und versuchen doch immer wieder, offen, ohne Angst vor Widerspruch, einander gegenüberzutreten. Gerade dadurch bleibt das Buch über 288 Seiten spannend. Beide, die oft moralisch bewegte und Merkel allzu schnell beispringende Zeit-Journalistin und der hin und wieder sehr distanziert, fast zynisch und bei der Frage der „Identitätspolitik“ gar verbissen argumentierende Kultursoziologe, teilen eine Suchbewegung, die sich gleichermaßen in die ostdeutsche Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft richtet. Englers und Hensels gemeinsame Hauptthese ist sehr schlüssig und längst überfällig: Die Gründe für das Erstarken von AfD und Pegida in Ostdeutschland sind weniger in der...

Wolfgang Engler, Jana Hensel: Wer wir sind. Die Erfahrung, ostdeutsch zu sein. Aufbau Verlag, Berlin 2018, 288 Seiten, 20 EUR.

Zukunft und Gegenwart der ostdeutschen Vergangenheit

Die große Halle der Akademie der Künste am Berliner Hanseatenweg wird durch eine diagonal durch den Raum schneidende Leinwand geteilt. Die Leinwand ist Trennelement, wirkt jedoch wie eine Membran. Sie verhindert zwar, dass die Musiker, die auf der einen Seite platziert sind, die Tänzer auf der anderen Seite sehen können und umgekehrt. Die Klänge jedoch vermag die Leinwand nicht aufzuhalten. Auf ihr sind, mit Verzögerung von einigen Sekunden, Standbilder sowie je fünf Bewegungsstadien der beiden Tänzer Jutta Hell und Dieter Baumann der Berliner Compagnie Rubato projiziert, die in einer Blue Box abwechselnd ihre Soli performen. Diese Reduktion auf Einzelbilder schafft Raum für Lücken, die wiederum durch Imagination gefüllt werden können. Übertragungstechnologien, aktuell als selbstverständlich, quasi natürlich und vor allem als schranken- und grenzenlos angenommen, werden hier sehr elegant hinterfragt. Sogar Kausalitäten beginnen sich aufzulösen. Man weiß zwar einerseits, dass die Bilder Standbilder aus der unmittelbaren Vergangenheit sind. Zuweilen wirken sie jedoch wie Bilder aus der Zukunft – Bilder, nach denen Jutta Hell oder Dieter Baumann sich bei ihrer Bewegungsfindung richten. Die Zeit schlägt Schleifen, gerade dann, wenn Gesten wiederholt werden und das Bild davon ein, zwei Sekunden vor dem Moment erscheint, in dem sie vom Performer (erneut) ausgeführt werden. Dies...

Das Projekt „Eadweard’s Ear“ von Penelope Wehrli in der Akademie der Künste Berlin ist ein akustisch-anatomisch-performatives Wahrnehmungsexperiment

Meditation mit Sensoren

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Freiburg, Idylle der Gutmenschen? Hoher Lebensstandard, überdurchschnittlicher Bildungsgrad? Tolerant und weltoffen? Ein Selbstbild, wie gemacht für Mark Ravenhills verstörendes Epos aus dem Jahre 2007. Ravenhills Fokus liegt auf dem Krieg des Westens gegen den Terror. In seinen insgesamt 17 Minidramen leuchtet er die Widersprüche unseres westlichen Gesellschaftsmodells gnadenlos aus: Wie lassen sich die Ideale von Liberalismus und Demokratie mit Aggression und Gewalt vereinbaren? Das Freiburger Bühnenbild lässt sich wie eine Parabel auf die Mauern des Westens lesen. Spielort ist eine Gated Community, deren Bewohner sich ihre Sicherheit durch Abschottung erkaufen. Das Leben in einer Blase: Der Innenhof hinter Mauern ist rosarot eingefärbt, mit Pool, Wellnessbereich und Palmengarten. Es bedarf vielleicht des Blickes von außen, um diese Thematik so bilderreich und stringent umzusetzen. Regie führt die serbische Regisseurin Bojana Lazić. Die Exposition ihrer Inszenierung bleibt eindeutig: Wir, die Gesellschaft hinter Mauern, haben alles und ängstigen uns gewaltig. Verständnis für Terroranschläge – wie in der Londoner U-Bahn zur Entstehungszeit des Stückes – gibt es selbstredend keines. Warum werden ausgerechnet wir bombardiert? Wir, das sind doch die Guten. Anfangs dringen Nebelschwaden durch die einzige kreisrunde Öffnung in die schützenden Mauern ein, parallel zu den ersten durch Lautsprecher erklingenden Terrornachrichten. Die Bewohner versuchen, dieses...

Theater Freiburg: „Wir sind die Guten (Shoot / Get Treasure / Repeat)“ von Mark Ravenhill. Regie Bojana Lazić, Bühne Zorana Petrov, Kostüme Gertrud Rindler-Schantl

Freiburg: Hinter rosaroten Mauern

Am Koppenplatz fährt der Bus nach Nirgendwo. Die Räder sind aufgebockt, die Scheiben mit Brettern verdeckt. Auch im Inneren erwartet die Fahrgäste ein Ambiente, das, mit Glitzerfolien und Diskokugeln, wenig zu tun hat mit gewöhnlichem Linienverkehr. Was hier beginnt, ist ein Stillstands-Trip zu klassisch durchsetzten Elektro-Sounds. Alba Gentili-Tedeschi an den Keyboards und die Flötistin Shin-Joo Morgantini (im Katzenlook) schaffen eine großstadtkühle musikalische Spur. Die Sopranistin Gina May Walter moderiert mit kristallenen Koloraturen den ersten Halt dieser Stationenreise an: Wut. Folgen werden Leugnen, Depression, Akzeptanz. Um Liebeskummer- und Trauerbewältigung geht es. Ein durchaus dringliches Thema in Berlin. „Lonely Hearts Bus Tour“ heißt diese Arbeit der Berliner Gruppe Opera Lab. Das Libretto stammt von Evan Gardner, die Inszenierung besorgt Michael Höppner, die musikalische Leitung hat Antoine Daurat. Die Tour ist Teil des BAM!, kurz und knallig für Berliner Festival für aktuelles Musiktheater. Das findet zum ersten Mal statt und will, ähnlich wie das Performing Arts Festival im Bereich Theater und Tanz, einen Überblick über die florierende freie Szene der Stadt geben. Veranstaltet wird es vom Verein Zeitgenössisches Musiktheater Berlin, seit drei Jahren eine Art Dachverband der Szene. An vier Tagen und dreizehn Veranstaltungsorten in Mitte sind über dreißig verschiedene Produktionen zu erleben,...

Das BAM! – Berliner Festival für aktuelles Musiktheater zeigt zum ersten Mal einen Überblick über die florierende freie Szene jenseits der großen Opernhäuser

Sedimente aus dem Sound der Stadt

Ran ans Märchen! 

Was macht das Theater, Alexander Karschnia?

Eines Abends. Es ist Mitte September, die letzten warmen Sonnenstrahlen verabschieden sich hinter dem blendend weißen Gebäude des Theaters der Jungen Welt (TdJW) in Leipzig. Ein typischer Spätsommer, etwas geht zu Ende, so fühlt es sich an. Was sich dieser melancholischen Stimmung positiv abgewinnen lässt, ist der Beginn einer neuen Spielzeit. Für Theaterliebhaber ohnehin die schönste Zeit im Jahr. Das Theater der Jungen Welt ist das älteste Kinder- und Jugendtheater der Bundesrepublik. Seit 2003 ist es am Lindenauer Markt zu Hause, einem Ort, an dem das Ursächsische auf das junge und moderne Leipzig trifft. Wie ein Schloss thront das Haus, das seit 2002 unter der Intendanz von Jürgen Zielinski steht, an seinem schier unverrückbaren Platz. Der Eingang ist an diesem Abend nur schwer zu passieren, kleine Trauben Jugendlicher stehen dichtgedrängt in der Tür. Im Foyer selbst: aufgeregtes Gewusel. Saft- und Sektgläser klirren, Parfumwolken liegen in der Luft. Es ist Premierenabend, der erste in dieser Spielzeit. Ältere Menschen, kleine Menschen, junge Menschen, Gruppen – sie alle wollen heute „Norway.Today“, den Jugendtheaterklassiker von Igor Bauersima (Regie Philipp Oehme), im kleinen Saal des Theaters erleben. Die Stimmung im Raum ist auf beiden Seiten, Bühne und Publikum, durchgängig frenetisch und gleichzeitig hochkonzentriert. Humor, Tragik,...

Das Theater der Jungen Welt in Leipzig bietet ein rebellisches Programm und hält auch sonst nicht viel von Anpassung

Meckern und Motzen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Ende September in Minsk: Seit 2011 lädt das Internationale Theaterforum Teart zu einem Festival in die weißrussische Hauptstadt ein. Teil des internationalen Programms ist auch ein Showcase der besten weißrussischen Produktionen des vergangenen Jahres. Abgesehen von dem sich teils im Londoner Exil befindenden Belarus Free Theatre, einigen Architekturbüchern über Minsk und vielleicht noch dem abgesunkenen Wissen, dass der Kennedy-Attentäter Lee Harvey Oswald hier einen frustrierenden Versuch als Sowjetbürger unternahm, ist das Land zwischen Litauen und der Ukraine immer noch zu entdecken. Mit zehn ausgewählten Produktionen auf einer Skala von Klassikertheater bis zu performativen Grenzüberschreitungen wurde bei den Belarus Open praktisch eine Bestandsaufnahme geboten. Erster Befund: Es scheint einiges in Bewegung gekommen zu sein, und vielleicht verschieben sich gerade die Koordinaten zwischen Alt und Neu. Im konservativen Bereich, im Nationaltheater Janka Kupala in Minsk, verhilft Regisseur Mikalaj Pinigin dem immer wieder auf andere Art brisanten Revisor von Gogol mittels eines ironisch angespielten Remix aus Regiestilen der 1980er Jahre zu einem augenzwinkernden Auftritt. Die Stadtoberen schwitzen zusammen in der Sauna, und der nach Abwechslung suchende und mittellos in die alte Garde hineinstolpernde Chlestakow ist hier besonders jugendlich dargestellt. Es könnte auch ein Bild für die Theatersituation Weißrusslands sein. Ein abgelegenes weiträumiges Fabrikgelände...

Alte Strukturen und frischer Wind Der Showcase Belarus Open in Minsk zeigt, dass das Land zwischen Litauen und der Ukraine auch auf der Bühne einige Entdeckungen zu bieten hat

Alte Strukturen und frischer Wind

Vor ein paar Jahren waren sie mal ziemlich heiß, diese Theaterspektakel. Theater als Event, das zieht doch sicher neue Zuschauer, überlegte man sich. Und so tingelten Menschen mit Bussen durch die Stadt, wanderten von Denkmälern zu Fabrikhallen, und zwischendurch gab es deftige Verpflegung. In letzter Zeit haben die meisten Häuser davon wieder Abstand genommen. Zu aufwendig und zu teuer, und am Ende wollen die Leute dann halt vor allem: Theater sehen. Nur Senftenberg hält beständig am Spektakel fest, brachte es unter Ex-Intendant Sewan Latchinian zu Höchstformen. Legendär ist sein GlückAufFest von 2010, das zehn Stunden dauerte und einige kleine Schläfchen erforderte, wenn man durchhalten wollte. Ganz so bunt treibt es Manuel Soubeyrand nicht. Der aktuelle Intendant bringt das 2018er-Spektakel auf zarte sechs Stunden. „Stürme“ heißt es, im Zentrum steht Shakespeares „Sturm“, was sich aufdrängt, wo Senftenberg doch am See liegt. Und so ist alles aufs maritime Thema getrimmt, wirklich alles. In sagenhafter Detailverliebtheit wurde der Hof des Theaters als Hafen gestaltet, in dem riesige Segel gehisst werden, Masten quietschen und Matrosen von ihren Abenteuern erzählen. Überhaupt wimmelt das ganze Haus von Statisten, die das Publikum einbinden, vorher und währenddessen. Theater findet dann nicht nur auf der großen Bühne statt. Je...

Neue Bühne Senftenberg: „Der Sturm“ v. William Shakespeare mit einem Prolog v. F. Düwel u. einem Epilog v. J. Mixsa. Regie F. Düwel, M. Soubeyrand u. J. Mixsa, Ausstattung B. Fumian u. A. Walkows

Senftenberg: Humor und Havarie

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Daniel Kehlmann, Sie sind in der Theaterstadt Wien als Sohn eines Regisseurs und einer Schauspielerin aufgewachsen. Was bedeutet das für Sie? Als ich ein Kind war, war ich ständig im Theater. Mein Vater hat damals in Wien am Theater in der Josefstadt und auch am Burgtheater inszeniert. Er war Spezialist für Ödön von Horváth, und ich erinnere mich an seine Inszenierung von „Der jüngste Tag“, die mich ungeheuer beeindruckt hat – auch weil darin Gespenster vorkommen. Gespenster sprechen ein Kind natürlich an und ganz besonders mich, der ich ja heute noch ein Faible für Gespenstergeschichten habe. Ich durfte auch bei den Proben dabei sein. Theater war mir also schon früh sehr vertraut. Aber das führte auch dazu, dass ich dem Theater als Schriftsteller erst mal fernbleiben wollte. Und auch nach Ihrer schreibenden Annäherung an das Theater als Dramatiker werden Sie noch immer vor allem als Erzähler wahrgenommen. Für mich ist Theater wirklich zu einem Hauptteil meiner Arbeit geworden. Ich bin nicht beleidigt oder unglücklich darüber, dass ich vor allem als Erzähler gesehen werde. Ich bin sogar sehr froh darüber, dass meine Romane so viel Zuspruch finden, dass sie das Bild von mir prägen. Aber für mich sind meine Stücke ebenso...

Was macht das Theater, Daniel Kehlmann?

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Wo vor sechs Jahren noch bunte Zelte den einst leeren Baugrund in der Zinnowitzer Straße 11 im Herzen Berlins nahe der ehemaligen Mauergrenze zierten, steht heute das prachtvolle und strahlend helle Gebäude der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“. Wie frisch gegossen wirkt der eben fertiggestellte Neubau, um den es viele Jahre lang heftige Auseinandersetzungen zwischen der SPD-Fraktion im Abgeordnetenhaus, der Hochschulleitung (ehemals unter Wolfgang Engler) und nicht zuletzt den leidtragenden Studierenden gab. Einer der wesentlichen Konflikte im Baustellendrama: eine Überschreitung innerhalb der Kostenkalkulation von gerade mal sechs Prozent (1,85 Millionen Euro). Dabei hatte das Charlottenburger Architekturbüro Ortner und Ortner alles in Bewegung gesetzt, um die kostengünstigste Variante aller eingereichten Projektentwürfe zusammenzustellen. Torsten Schneider, Sprecher für Finanzen und Haushalt der SPD-Fraktion, lehnte die bereits zugesicherte Kostenbewilligung daraufhin ab. Doch so schnell sollte die Hochschule sich nicht geschlagen geben. Nicht umsonst steht auf dem Stundenplan der Schauspielstudierenden ganz traditionell das Erlernen der Fechtkunst. Sie zogen in einen bunten, aber zornigen Kampf: So besetzten zahlreiche Studenten den Baugrund auf dem verwaisten Gelände der ehemaligen Opernwerkstätten und schlugen ihre Zelte zu einem Protestcamp auf. Unterstützt wurden sie von Prominenten und ehemaligen Absolventen wie Jan Josef Liefers, Nina Hoss, Devid Striesow und Iris Berben. Es...

Nach jahrelangen Auseinandersetzungen öffnet die Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ nun endlich ihre Pforten am neuen Standort in Berlin-Mitte

Fertig!

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

„Ein jegliches hat seine Zeit“, sagte der Prediger Salomo. Das ist schon lange her. Die Zeit der Menschenart ist jetzt auch schon bald abgelaufen, sagt Kassandra. Das ist noch frisch. Aber wie immer schon hören ihr nur andere Kassandren zu. Vielleicht sollten wir uns trotzdem Zeit lassen. Aber haben wir überhaupt noch Zeit zum Zeitlassen? Seit Beginn des Maschinenzeitalters hat die abendländische Kultur Zeit immer beschleunigt. Zu dieser Kultur gehören Religion, Kalkül, Krieg, Hollywood, Gartenpflege, Champions League, Christmas, Oktoberfest, Fernsehen, Festgeldkonto, Formel 1 … alles, was mit Ablenkung – Unterhaltung also und Ordnung – zu tun hat und einen allgemeinen Sinn des Lebens verspricht. Den gibt es aber nicht. Drum muss das Tempo hoch sein, dass die wenigsten mitkommen, aber so viele wie möglich mitgerissen werden. Dann hat Kultur funktioniert. Erregung und Zerstreuung münden in Zufriedenheit. Das fühlt sich sinnvoll an. Wenn dieses Triumvirat geistiger Selbstaufgabe unablässig angekurbelt und von Zeit nicht begrenzt wird, gerät es vielen zum Sinn des Lebens. Das zahlt sich aus für wenige. Die fördern dafür Kultur, um bei möglichst vielen diesen gemeinsamen Lebenssinn zu wecken, damit die nicht ihre Konkurrenten werden, sondern um die besten der unteren Plätze rangeln. Dafür spielen sie auch Demokratie, weil...

Ein Jegleiches hat seine Zeit

Anfang dieses Jahres veröffentlichte Axel Ranisch sein Romandebüt „Nackt über Berlin“ – und nur wenige Monate später ist es in Halle an der Saale schon für die Bühne adaptiert zu sehen. Wer die Filme des Autors kennt, „Dicke Mädchen“ und „Ich fühl mich Disco“ zum Beispiel, wird den Grundton und Motive wiedererkennen: eine Mischung aus Familiengeschichte, Coming-of-Age und schwulem Coming-out im Postwendecharme. Die in Ranischs Filmen vorzufindende leicht schnoddrige Lakonie überträgt sich auch auf die Bühne. Regisseurin Henriette Hörnigk war nach eigener Aussage von dem Buch nach einer nächtlichen Lektüre völlig überzeugt. In drei Stunden wird die Geschichte der beiden jugendlichen Freunde Jannik und Tai erzählt, die eines Abends ihren besoffenen Schuldirektor aufsammeln, ihn seiner Schlüssel und Kommunikationsgeräte entledigen und in seiner Wohnung festsetzen. Nun sind Jannik (Alexander Pensel) und Tai (Ali Aykar) keine gewöhnlichen Jugendlichen – und auch ihre Freundschaft hat etwas Außergewöhnliches. In der Schule werden sie wenig schmeichelhaft Fetti und Fidschi genannt. Jannik ist dick, schwul und hat ein außerordentliches Interesse für klassische Musik. Unser Tschaikowski, witzelt der von ihm angehimmelte Tai. Dass Schambehaarung und Gliedwuchs trotz seiner 17 Jahre nur wenig ausgeprägt sind, bekümmert ihn zwar – noch mehr aber seine Eltern, die ihn gar zur...

Neues Theater Halle: „Nackt über Berlin“ (UA) nach dem Roman von Axel Ranisch. Regie Henriette Hörnigk, Bühne Sebastian Hannak, Kostüme Angela Baumgart

Halle / Saale: Frühlings Erwachen im 24. Stock

Gegen die Vereinzelung

Zehn mal zehn Prozent

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Theater ist überlebensnotwendig

Ein ICE rast quer durch Europa, die Passagiere aber bemerken erst nach und nach, dass der Zug jeden vorgesehenen Halt überfährt. Die Notbremse funktioniert nicht, heilloses Erschrecken folgt. Das ist eines der Leitmotive in Thomas Köcks „paradies spielen (abendland. ein abgesang)“, das zu den Eröffnungspremieren des Hans Otto Theaters unter der neuen Intendanz von Bettina Jahnke gehört. Moritz Peters lässt diese kompakte Textvorlage, in der „Schnee, Eis, Erinnerungen“ durcheinanderwirbeln, in einer aus bläulich schimmerndem Licht herauswachsenden Szenerie (Bühne Nehle Balkhausen) spielen. Ein Graben oder ein Grab? Es frappiert die unerhörte Wucht, mit der ein Chor, aus dem immer mal wieder ein Sprecher hervortritt, um dann doch erneut von ihm verschluckt zu werden, tief beunruhigende Sätze herausschleudert: „Europa im Spätherbst, wo die Blätter übers Gleis wehen und Lieder erklingen, jenseits vom Menschen.“ Haltung zeigen – Bettina Jahnke eröffnet ihre Intendanz unter anderem mit „Der gute Mensch von Sezuan“ in der Regie von Malte Kreutzfeldt. Foto Thomas M. Jauk Das Gleisbett verwandelt sich in ein Krankenhausbett, wo jemand mit schweren Verbrennungen um sein Leben ringt – bloß ein „Phantomschmerz“? Überhitzt und unterkühlt zugleich seien sie hier alle, die „zu tief ins Sediment geschaut“ haben. Erinnerungsprosa, die aus der Zukunft auf uns zurückgeworfen...

Bettina Jahnke, die neue Intendantin des Hans Otto Theaters Potsdam, stellt sich lustvoll dem ambivalenten Erbe der Stadt

Utopien im Abendlicht

Nicht nur leidende Natur

Das Spiel beginnt unmissverständlich: In einem Umfeld, in dem nach unten getreten wird, Frauen abfällig mal als Hure, mal als Wurfmaschine beschrieben werden, ist nichts Gutes zu erwarten. Der Raum wird markiert durch ein elegantes, rotes, fünfsitziges Sofa und einen abgewetzten ledernen Boxsack, der in der Kuppel des ehemaligen Solbades hängt, in dem sich das Theater an der Ruhr befindet. Angesiedelt in der Welt des Boxsports – der Mülheimer Othello hat nicht das feindliche Heer besiegt, sondern ist ehemaliger Boxprofi –, schaffen der Regisseur Roberto Ciulli und sein sechsköpfiges Ensemble eine symbolkräftige Atmosphäre: Es geht ums Überleben, um Hierarchien und Macht. Darunter liegt ein sich wütend aufbäumender Rassismus, der sich – lange totgeschwiegen, verkappt und in Schach gehalten – nun wieder Bahn bricht. Das perfide Gegenmittel: Aussitzen, mit geringstmöglichem Einsatz und größtmöglicher Raffinesse die Konflikte sich selbst lösen lassen. Das Problem heißt Othello. Othello, gespielt von dem nigerianischen Schauspieler Jubril Sulaimon, ist schwarz. Sein sportlicher Erfolg ist die Eintrittskarte in die venezianische Gesellschaft. Und noch mehr: Er schafft es sogar, in die Upperclass einzuheiraten, und nun sitzt er neben den anderen auf dem schicken Sofa. Was heißt: sitzen! Er lümmelt sich, liegt, macht sich breit, als würde alles ihm gehören....

Theater an der Ruhr: „Othello“ von William Shakespeare. Regie Roberto Ciulli, Bühne Gralf-Edzard Habben, Kostüme Elisabeth Strauß

Mülheim an der Ruhr: Othello auf der Couch

Theater sammeln

„So, wie es ist, bleibt es nicht“, heißt es in Bertolt Brechts Gedicht „Lob der Dialektik“. In dem Buch „Laxheit in Fragen geistigen Eigentums. Brecht und Urheberrecht“, das die Statements und Diskussionen der Brecht-Tage 2016 in Berlin dokumentiert, können sich die Beitragenden vor allem genau darauf verständigen: dass es so, wie es ist, nicht bleiben kann. Doch schon bei der Frage, was zu ändern wäre, herrscht Dissens. Die einen fordern, die Schutzfrist nach dem Tod des Urhebers anzupassen, die anderen, den Einfluss der Erben auf den Umgang mit künstlerischen Werken zu reduzieren, wieder andere wollen die Mitarbeiter und besonders Mitarbeiterinnen bei Brechts Schaffen angemessen berücksichtigt wissen – das betrifft editorische, aber auch rechtliche Fragen. In den Texten treffen Kulturschaffende und Literaturwissenschaftler auf Experten in Fragen des Urheberrechts. Die Vielfalt der Perspektiven lässt die Probleme hinter der „Laxheit in Fragen geistigen Eigentums“, wie Brecht formulierte, erkennbar werden. Bedenken und Schwierigkeiten beim Inszenieren sind ebenso Thema wie eine historische und rechtswissenschaftliche Kontextualisierung von Brechts sogenanntem Plagiat im Fall der „Dreigroschenoper“, die kollektive schöpferische Arbeit bei ihm sowie die Zukunft des Urheberrechts auch jenseits von Brecht. Bei letzterem Anliegen ist der Gesprächs- und Klärungsbedarf deutlich spürbar. Besonders bedenkenswert sind zum einen die...

Laxheit in Fragen geistigen Eigentums. Brecht und Urheberrecht. Hg. von Annett Gröschner und Christian Hippe, Verbrecher Verlag, Berlin 2018, 232 Seiten, 24 EUR.

Brechts Recht

Technologie formt die Emotionen. Die Blings, die den Eingang neuer Nachrichten in den digitalen Kommunikationsmedien anzeigen, sorgen zuweilen für größere Hormonausschüttungen als ein Blickkontakt im geteilten physischen Raum. Theater als Emotionskunst kann sich dieser Entwicklung auf Dauer nicht entziehen, wenn es nicht zur Retrozone für radikale Technologieverweigerer degenerieren will. Performative Potenziale neuerer Tools wurden bei der diesjährigen Ars Electronica in Linz sichtbar. Eine Strategie dabei ist, die Grenzen der Technologie auszuloten. Das niederländische Künstlerpaar Karen Lancel und Hermen Maat ließ in einer Versuchsarena für drei Teilnehmer, drei EEG-Sensoren – zur Messung elektrischer Hirnaktivität – sowie ein kreisförmig angeordnetes Publikum zwei Probanden einander küssen. Ihre Hirnströme sowie die eines Beobachters wurden gemessen und kreisförmig um sie herum auf den Boden projiziert. Signifikante Ausschläge bei den Kurven gab es im Moment des Lippenberührens allerdings nicht. „Wir konnten bislang auch keine solchen Muster bei den Hirnströmen erkennen“, resümiert Maat. Nicht jede Emotion ist messbar, selbst wenn technische Apparaturen dies suggerieren. Eine geglückte Verlagerung des Zuschauerkörpers in den virtuellen Performanceraum bot „The Other in You“. Der japanische Medien- und Installationskünstler Richi Owaki übertrug über ein Trackingverfahren die Bewegungen eines Tänzers in die Virtual Reality und konfrontierte sie dort mit dem ebenfalls getrackten und beweglichen...

Auf der diesjährigen Ars Electronica in Linz werden neue Tools für ein Theater der Zukunft vorgestellt

Sein oder Hologrammsein

Alles fließt

Friedrich Rückert verlor 1833 innerhalb eines Monats zwei Kinder an Scharlach und verlieh seiner Trauer in über vierhundert Gedichten Ausdruck. Gustav Mahler wählte rund siebzig Jahre später fünf davon aus und vertonte sie als die berühmten „Kindertotenlieder“. Als Koproduktion mit dem Lucerne Festival hat das Luzerner Theater Mahlers Zyklus in der Kammermusikfassung nun szenisch umgesetzt. Herausragend an der Aufführung ist nicht so sehr die in Einführung und Programmzettel als zentral formulierte, aber kaum erkennbare gesellschaftspolitische Frage nach einer Welt ohne Kinder und also einer Welt ohne Zukunft, sondern wie hier die Erfahrung von Trauer fassbar gemacht wird. Maßgeblich wird das möglich durch den Umgang mit Publikum und Raum: Der einzelne Zuschauer wird bei Einlass von einem Musiker oder einer Musikerin behutsam durch die Dunkelheit zu seinem Platz – einem frei stehenden Stuhl – geführt. Die Stühle sind lose im Kreis um eine Mitte gereiht, in der eine kleine Kerze brennt. Man erlebt die Aufführung so gleichzeitig allein und eingebunden in ein Kollektiv, das sich im Halbdunkel unaufdringlich zu einer Art Trauergemeinde fügt. Mitten in dieser Gemeinde stehen und gehen der Bariton Jason Cox und die Mezzosopranistin Sarah Alexandra Hudarew, die in der schlichten szenischen Anlage mit einem von ihm zu...

Luzerner Theater: „Kindertotenlieder“ von Gustav Mahler und Matthew Herbert. Regie Benedikt von Peter, Bühne Márton Ágh

Luzern: Die Klänge der Trauer

Ende der Exception Culturelle

Mit zwei ambitionierten und auch riskanten Produktionen startete das Theater St. Gallen in die neue Spielzeit. Der Autor und Regisseur Philippe Heule schrieb und inszenierte sein Volkstheaterstück „Spekulanten“, welches dem grassierenden Selbstverständlich-Werden von Unrecht auch in Heules Heimat, der Ostschweiz, nachgeht. Weiter hinaus wagte sich die zweite Produktion, die Schweizer Erstaufführung von Thomas Melles „Versetzung“ in der Inszenierung von Jonas Knecht, dem Schauspielchef des Hauses. Im Mittelpunkt steht der beliebte Lehrer Rupp, der vor Jahren an manischer Depression erkrankte, und den jetzt – kurz vor seiner Ernennung zum Rektor – seine bipolare Vergangenheit durch eine Denunziation einholt. Seine eigene Geschichte, die Thomas Melle in seinem Roman „Die Welt im Rücken“ erzählte, ist Hintergrund des Stücks, in dem nachdrücklich nach Verantwortung und Vertrauen, Anerkennung und Erfolg, Leistungsdruck und gesellschaftlicher Ausgrenzung gefragt wird. Um es gleich zu sagen: Der Vorzug dieser Arbeit, auch gegenüber der Uraufführungsinszenierung vor Monaten am Deutschen Theater Berlin, ist, dass sich Jonas Knecht und seine Dramaturgin Julie Paucker entschlossen haben, die Vorlage wegzurücken von emotionaler Geiselnahme und Stimmungsachterbahnen; stattdessen setzen sie einen analytischeren Ansatz durch, drängen episierende Elemente zurück, kappen überlange Monologe, um zu einem kompakten Textgefüge zu gelangen. So gibt es denn auch weniger Theater-Theater zu sehen,...

Theater St. Gallen: „Versetzung“ von Thomas Melle. Regie Jonas Knecht, Ausstattung Markus Karner

St. Gallen: Manie und Depression

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Trümmer von Violinen liegen auf der Bühne. Ihre Hälse ragen heraus, Saiten sind verknäuelt. Ab und an ist ein fast noch intakter Korpus dieses Streichinstruments zu sehen, das in seiner Ästhetik ein Sinnbild von Kunst und Kultur ist, von Sinnenverfeinerung und Sublimierung. Drei Musikerinnen, Katharina Pfänder (Violine), Kathrina Hülsmann (Bratsche) und Lisa Stepf (Cello), haben sich vor diesem Trümmerfeld aufgebaut. Sie streichen und zupfen ihre Instrumente. Sie bilden mit den Performern Konradin Kunze und Simon Zigah eine Art Körperskulptur, eine zum Angriff bereite Truppe. Was sie spielen, lesen sie von Notenblättern ab, die sie am Rücken ihrer Mitspielerinnen und Mitspieler befestigt haben. Die Töne sind zu Signaltönen mutiert – technische Zeichen, Bestandteile des Morsealphabets. Den Inhalt der Botschaft übersetzen Münder und Zungen in einem aufgerauten, fast atemlosen Flüsterton: „Greif Siedlungen und die Zivilbevölkerung an, um eine humanitäre Katastrophe anzurichten.“ Die Übermittlung dieser Botschaft dauert sehr lange, denn jeder Buchstabe wird einzeln gesprochen. Komponiert hat die Passage der Jazzmusiker und Komponist Matthias Schubert, wie auch die anderen Stücke in „Kosa La Vita – Kriegsverbrechen“, dem neuen Dokumentarmusiktheaterwerk der Gruppen Flinn Works und Quartett Plus 1. Die Kooperation nimmt sich eines großen und komplexen Themas an: des ab 2011 in Stuttgart geführten...

Sophiensaele: „Kosa La Vita – Kriegsverbrechen“ von Flinn Works und Quartett Plus 1. Regie Sophia Stepf, Komposition Matthias Schubert, Kostüme Tatjana Kautsch

Berlin: Mord und Musik

Skadi Jennicke, seit geraumer Zeit fragen mich Leute als gebürtigen Sachsen, der aus Dresden kommt, ob ich das bitte nicht mal erklären könne, was dort passiert. Also Pegida, die AfD, derweil bei dreißig Prozent im Freistaat, oder jüngst die Vorfälle in Chemnitz, da müsse ich doch Auskunft geben können. Ich sage dann allenfalls etwas zur allgemeinen Lage, zur Nachwendeerfahrung in Ostdeutschland, halte mich aber mit konkreten Aussagen, einen bestimmten Ort betreffend, zurück. Es beruhigt mich, zu wissen, dass auch Ihnen Erklärungen schwerfallen. Aber wenn man länger in einer Stadt lebt und arbeitet, so wie Sie in Leipzig als Kulturdezernentin, und Kontakt zu vielen Menschen hat, sucht man sicherlich nach Erklärungen. Nun ist Leipzig eine Stadt, die gerade nicht für Negativschlagzeilen sorgt, sondern, wenn ich mich recht entsinne, es ist zwei Jahre her oder etwas länger … … Januar 2015 … … dem Versuch, Pegida als Legida hierher zu verpflanzen, mit massivem Bürgerprotest begegnete. Deren Anhänger stießen auf entschiedene Gegenwehr. Was läuft hier anders als anderswo in Sachsen? Erleben Sie das als Ausnahme von der Regel? Ich suche selbst auch täglich mehrfach nach Erklärungsmustern für diese spezielle Situation in Sachsen. Es gibt Momente, da verzweifle ich darüber, dass ich mehr Fragen...

Leipzigs Kulturdezernentin Skadi Jennicke über den Druck von rechts und die Chancen einer Kultur, die alle anspricht, im Gespräch mit Wolfgang Engler

Ihr seid die Stadt!

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Eine Sakristei und ein leerer Altarraum werden in der Reihe „the dead are losing or how to ruin an exhibition“ in der Ruine der Franziskaner Klosterkirche unweit des Berliner Alexanderplatzes zum Schauplatz performativer Kunst. Unwahrscheinlich, dass die Zuschauer und Zuschauerinnen, die zwischen dem 23. Juli und 18. August zur Ruine kamen, mit dem Ort auf diese Art vertraut waren. Anders als eine Black Box oder der White Cube bietet diese Ruine eine ganze Landschaft für das Performative, sodass das Interesse am Sternenhimmel leicht die Konzentration auf das Gezeigte stören kann. Mit der Einladung an diesen merkwürdig vergessenen Ort in Berlin-Mitte eröffnet Kurator Christopher Weickenmeier einen bisher wenig bespielten Raum, um performative Arbeiten in diesem überwältigend schönen und schützenden Gemäuer zu zeigen. Mit dabei waren die Künstler Antonia Baehr und Neo Hülcker, Luzie Meyer, Raimundas Malaŝauskas, Arantxa Martinez und Paz Rojo, Franziska Lantz, Tom Engels und Bryana Fritz, Mårten Spångberg, Else Tunemyr sowie Catalina Insignares und Carolina Mendonça. Die Künstlerin Luzie Meyer zeigte am vierten Abend der Serie in der Sakristei ihren Film „St. Lucy (To Look Upon Men with Lust)“ – eine mit Handkameras bestrittene Nacherzählung der Geschichte der heiligen Lucia. Der folgende performative Teil im Altarraum trägt...

Die Performance-Reihe „the dead are losing or how to ruin an exhibition“ entdeckt mit der Ruine der Franziskaner Klosterkirche in Berlin einen bislang wenig bespielten Ort

Text und Raum

Die neuen Räume der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ in Berlin-Mitte

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Ein Forschertrupp, der aus dem Nebel kommt. Sieben Archäologen aus der Zeit nach der „Großen Einsicht“, einer Zukunftsära, in der nur noch Freundschaft und Wohlwollen herrschen, unternehmen eine Expeditionsreise in die Vergangenheit. Stolpern durch eine deutsche Trümmerlandschaft. Suchen in den Ruinen nach Spuren einer früheren Zeit, nach Funden, die „vom falschen Denken einer primitiven Kultur“ künden. Entdecken den Bonner Kanzlerbungalow und werden alsbald von den Dämonen dieser Epoche befallen – beginnen zu tanzen, zu zucken, zu brüllen. Sie streiten sich, entwickeln bizarre Leidenschaften, verwandeln sich in Figuren jener Zeit. Mit dieser science-fiction-artigen Rahmenhandlung geleitet uns Lukas Bärfuss in sein neues Stück „Der Elefantengeist“. Dessen Glutkern freilich ist eine feurige Abrechnung mit dem System Helmut Kohl. Klar, dass ein Auftragswerk über den verstorbenen Altkanzler, uraufgeführt zum Einstand des Schauspielintendanten Christian Holtzhauer am Nationaltheater Mannheim, also in nächster Nähe von Kohls langjährigem Wohnsitz Oggersheim, viel Aufmerksamkeit auf sich zieht. Ein Tabubruch? Eher nicht – Johann Kresniks Tanzstück „Hannelore Kohl“, 2004 in Bonn präsentiert, ging da krasser zur Sache. Im Mannheimer „Elefantengeist“ kommt zwar das Wort „Bimbes“ vor, Kohls Lieblingswort für sein „täglich politisch Brot“, doch der Name des Politikers fällt kein einziges Mal. Sandra Strunz führt bei dieser theatralischen Grabungsarbeit Regie und...

Neustart am Nationaltheater Mannheim – Intendant Christian Holtzhauer stellt mit Schiller und Bärfuss deutsche Mythen auf den Prüfstand

In den Trümmern einer primitiven Kultur

Festival der Besessenen

Der Dichter und Dramatiker Peter Hacks war ein in jeder Hinsicht außergewöhnlicher Mensch – und als solcher pflegte er sich auch zu inszenieren. Die Wohnung in der Schönhauser Allee in Berlin war mit ausgesuchten Möbeln aus vorigen Epochen ausgestattet, mit Kronleuchter und im Raum verteilten Statuen. Dort gab es neben Wohnräumen einen Salon und eine Bibliothek. Auch auf der Fenne in Groß Machnow, dem Sommerhaus, wurden Formfragen vor- und nicht nachrangig behandelt. Ein Barock-, ein englischer und ein mediterraner Garten wurden angelegt, Statuen in Auftrag gegeben, und in einem eigens geschaffenen Teich tummelten sich die Koikarpfen. Später kamen gar drei Pfauen hinzu. Solcher Wille zur Inszenierung trug Hacks zu Teilen Hohn und Spott ein, und er war selbst nicht schlecht im Austeilen von beidem. Für Hacks war das Leben selbst eine Formfrage – und er hielt es in der Kunst nicht anders. Formlosigkeit lehnte er in der einen wie der anderen Sphäre ab. Form bedeutet Steigerung des Genusses. Die Grundlage dafür war für Hacks die bewusste Produktion. Das betraf zunächst die eigene künstlerische. Kaum ein Drama von Hacks, dem nicht ein Essay mit Reflexionen beigestellt ist. Bewusste Produktion schätzte Hacks aber auch im Gesellschaftlichen. Deswegen verlegte er Mitte der fünfziger...

Ronald Weber: Peter Hacks. Leben und Werk. Eulenspiegel Verlag, Berlin 2018, 608 Seiten, 39 EUR.

Arbeit der Poesie

Das Publikum sitzt gespannt in Reihen, vorne die Bühne, Auftritt der Darsteller, teils in Kostümen – ist das Theater? Nein, ein Gerichtsprozess. Gericht und Theater sind nicht unähnlich, in beiden werden öffentlich die gesellschaftlich verbindlichen Normen verhandelt. Nun ist kürzlich der in Deutschland wichtigste Prozess der letzten Jahre zu Ende gegangen. Angeklagt waren fünf Personen, an den Taten des „Nationalsozialistischen Untergrunds“ (NSU) beteiligt gewesen zu sein. Zehn Morde, zwei Sprengstoffanschläge, 15 Raubüberfälle. Der NSU hatte gezielt Migranten erschossen, und zwar mit ein und derselben Waffe, der Zusammenhang sollte auffallen. Die Polizei bemerkte freilich nichts und ermittelte gegen die Familien der Opfer. Die wiederum organisierten, von der Öffentlichkeit weitgehend ignoriert, eine Demonstration mit Tausenden Teilnehmern unter dem Titel „Kein zehntes Opfer!“. Das war fünf Jahre vor der Selbstenttarnung des NSU am 4. November 2011, die sich nun zum siebten Mal jährt. Vollständige Aufklärung, das versprach Bundeskanzlerin Angela Merkel. Als bekannt wurde, dass der Verfassungsschutz (VS) den NSU sorgfältig beobachtet und dessen Umfeld mit V-Leuten besetzt hatte (von denen bis heute nicht einmal alle bekannt sind), wurde die Leitung des Bundesamtes neu besetzt, ein gewisser Herr Maaßen übernahm die Geschäfte – ohne freilich die Geschäftsgrundlage zu ändern. In der „Operation Konfetti“ wurden...

Geschichten vom Herrn H.: NSU – und kein Ende

Disappearing Birdie Coonan

Meldungen

Der Gedanke klingt reizvoll: Man verfilmt die „Dreigroschenoper“ von Bertolt Brecht und Kurt Weill, parallel dazu auch die Querelen, die damit einhergingen, das Bühnenwerk für den Film zu adaptieren. Ein gleichsam stereoskopischer Blick auf den Stoff! Die „Dreigroschenoper“ als Filmset hier und der kaltanalytische Brecht, der sich den Erwartungen der Filmindustrie verweigert, dort. Klingt gut, aber man muss es auch können. Das Filmdebüt von Joachim A. Lang (Drehbuch und Regie) versinkt jedoch angesichts der vielschichtigen Thematik selbst in lauter schlecht gefilmten Klischees. Und die historische Wahrheit bleibt dabei völlig auf der Strecke. „Das hier ist nicht nett, das ist Kunst!“, so hören wir in einer Szene Brechts erbitterten Aufschrei. Über Langs „Brechts Dreigroschenfilm“ muss man wohl umgekehrt sagen: Nett, aber keine Kunst. Woran liegt das? Zum einen an einem inszenatorischen Dilettantismus, der auch die Schauspieler herabzieht. Denn Lars Eidinger ist ansonsten zweifellos ein Schauspieler, der differenziert zu spielen vermag. Doch was soll er hier, ausschließlich (!) Brecht-Zitate von sich gebend, dazu auf der Zigarre kauend, anderes tun, als ein überheblich-besserwisserisches Gesicht zur eigenen Klugheit zu machen? So schafft man eine Brecht-Karikatur. Hannah Herzsprung als Polly, steifmatronenhaft, darf man als gravierendste Fehlbesetzung bezeichnen, ebenso den durchdringend harmlos wirkenden Robert Stadlober als...

Joachim A. Langs „Mackie Messer. Brechts Dreigroschenfilm“ wirkt trotz Starbesetzung wie aufgeblasener Filmindustriekitsch

Knallbunte Operette

Hoffnung schaffen

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Illusionen sind zerbrechliche Gefüge, und sie zu zerstören, ist an sich noch keine Kunst. Das Theater hat sich heute alle Mittel dazu erworben, muss aber immer noch sehr genau zielen, damit die einfallenden Luftschlösser nicht alles ringsherum in Trümmer legen, die sich womöglich gleich darauf im leeren Feld neu auftürmen. Bertolt Brecht war einer der vortrefflichsten Schützen. Vor siebzig Jahren experimentierte er für kurze Zeit in den Schweizer Alpen mit der „Antigone“, woran das Theater Chur in diesem Jahr mit dem Festival Brecht! / BB18 erinnert. In diesem Rahmen kuratierte die Digitalbühne Zürich um Samuel Schwarz das „Camp der Zukunft“, lud die Brecht-Forscher Jan Knopf und Werner Wüthrich ein, ermöglichte frei nach Brecht-Stücken sogenannte Experiences mit Virtual-Reality-Brillen sowie die Teilnahme an einer öffentlichen Generalprobe ihres mit der Gruppe 400asa erarbeiteten Stücks „Lukullus“, basierend auf Brechts Hörstück über den gleichnamigen römischen Kriegsherrn, der in einem weltlichen Gegenentwurf zum Jüngsten Gericht von Volksvertretern verurteilt wird. An zwei Tagen kommen also ein paar Handvoll Theaterschaffende in Chur zusammen und bringen sehr viel an Erfahrung und Wissen mit, doch vor den Augen der wenigen Zuschauer eskaliert die vielversprechende Konstellation, weil zwischen Performance und weltbezogener Diskussion schon bald nicht mehr zu unterscheiden ist – sowie...

Theater Chur: „Das Camp der Zukunft“ der Digitalbühne Zürich

Chur Abendland, ade!

Weihnachten 1947 bekommt der fünfjährige Dieter Brunner ein Puppentheater geschenkt, das aus den Spielzeugbeständen seiner Familie stammt. Ein wegweisendes Präsent. Vom mittelfränkischen Bauernhof zieht es ihn nach Frankfurt am Main, 1968 beschließt er, sich als Puppenspieler selbständig zu machen. Ihn interessierte, im Bildnerischen neue Ausdrucksmöglichkeiten zu finden, sowie die Sichtbarmachung von Vorgängen. 1976 gründete Brunner das Frankfurter Puppenzentrum und spielte vor allem für Kinder. Mit seiner sonoren Stimme und seinem langen Bart agierte er auch gerne jenseits der Spielleiste, mischte sich in das Puppenspiel ein und forderte das junge Publikum mit Rollenwechseln heraus. „Meine von mir gestalteten Figuren sind meine Werkzeuge, die ich benutze, um mich auf theatralischer Ebene verständlich zu machen.“ Wobei diese durchaus auch mal ihren eigenen Kopf hatten. Brunner konnte sich dabei auf sein Talent als Bauchredner verlassen – und beeindrucken. Immer wieder beschäftigte sich Dieter Brunner zudem mit Geschichte und Tradition des Puppenspiels. Er sammelte Stücke und Objekte, pflegte internationale Kontakte und mischte sich mit Diskursen, mit Fragen nach der Psychologie der Puppe, nach der Soziologie des Spiels, nach der Ästhetik des Figurentheaters in die nationale Puppentheaterszene ein. Im Herbst 1991 brachte er erstmals die Verbände UNIMA (Union Internationale de la Marionnette) und ASSITEJ (Association Internationale...

Ein Nachruf auf den Puppenspieler Dieter Brunner

Aus dem Bauch heraus

Der Faust-Stoff trieb schon Goethe zeit seines Lebens um. Knapp sechzig Jahre widmete er der Arbeit an den zwei Teilen, wobei man im Grunde nur den ersten als tatsächlich bühnentauglich bezeichnen kann, verliert sich der zweite doch über eine erhebliche Länge in der Verbindung von Mythologie und Moderne mit recht loser Handlung und verstreuten Motiven. Die nahezu unübersichtliche Fülle an Stoff mag allerdings auch der Grund sein, warum man sich an der Bühnenbearbeitung eines solch fragmentarischen Werks versucht. Am Schauspiel Leipzig hat Enrico Lübbe nun seine Annäherung vorgestellt. Über sechs Stunden werden Ausschnitte aus dem ersten und zweiten Teil auf der Bühne gespielt, außerdem gibt es einen Zwischenteil, der aus drei Touren im Stadtgebiet besteht. Der Tragödie erster Teil, wie es bei Goethe heißt, wird im düsteren Zwielicht dargeboten. Auf der Bühne ein dunkler, runder, drehbarer und, wie man im Verlauf der Vorstellung noch eindrucksvoll präsentiert bekommen wird, auch kippbarer Aufbau, auf dem sich das Geschehen abspielt. Die Tragödie liegt hier in der Aussichtslosigkeit der Vorwärtsbewegung, unter höchsten Anstrengungen stößt der von Wenzel Banneyer gespielte Faust die Worte „weiter, weiter“ aus, stolpert, strauchelt, schleppt sich weiter. Wortkarg ist er, der Gelehrte, die Klage des „Habe ach ...“ endet im unverständlichen...

Schauspiel Leipzig: „Faust“ von Johann Wolfgang von Goethe. Regie Enrico Lübbe, Bühne Etienne Pluss, Kostüme Sabine Blickenstorfer

Leipzig: Gefangen in der Reflexion

Sie wirkt offen und verletzlich; ihre weit auseinanderstehenden Augen sehen ungeschminkt gleich weniger riesig aus, und die Längen ihrer braunen Haare werden von ihrem petrolfarbenen Pullover geschluckt. Auf die Frage, ob sie sich als Neue bei allen am Haus vorgestellt habe, entgegnet sie fast entschuldigend: „Ich bin doch nur Mathilde! Und ich bin sehr schüchtern.“ Weder Mathilde Bundschuhs Erscheinung noch ihr Wesen drängen sich auf. Doch sie ist ungeheuer präsent, auch im Gespräch. Und wenn sie lächelt oder lacht, dann steckt darin die freundliche Einladung, es gemeinsam zu tun. Auch die Figuren, die sie spielt, ziehen einen unaufdringlich zu sich heran. Man glaubt, was sie sagen. Den Rest liest man in Bundschuhs Gesicht, das sich auch sehr fein im Stummfilm machen würde. Oft liegen darin die widersprüchlichsten Emotionen dicht beieinander. Dann wieder ist es ganz blank und leer, eine wächserne Maske. Am Münchner Residenztheater, wo Bundschuh 2016 gleich in ihrem Erstengagement gelandet ist, spielte die damals erst 21-Jährige zum Einstand eine enorm selbstbewusste Lady Marian im Weihnachtsfamilienstück „Robin Hood“ und zwei Rollen (Malcom und eine der Hexen) in Andreas Kriegenburgs finsterem „Macbeth“. Ein spannendes Wechselbad für einen Theaterneuling, auch wenn dieser ein alter Schauspielhase ist: Den ersten Werbeclip hat sie...

Die Münchner Schauspielerin Mathilde Bundschuh besetzt auf schlichte Weise das Zentrum jeder Bühne

Seltsame Menschen

TdZ on Tour

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Mit dem Theater die Welt verändern

Nach einem Regiestudium und einigen Jahren im Dokumentarfilmstudio der DEFA schrieb sich Werner Buhss, 1949 in Magdeburg geboren, allmählich in die vordere Reihe der unbequemen DDR-Dramatiker. „Nina, Nina, tam kartina …“ und die Systemverfallsstudie „Die Festung“ nach dem Roman von Dino Buzzati waren vielbeachtete Stücke, die in bedeutsamen Inszenierungen spät auf die Bühne kamen, wie etwa 1989 „Die Festung“ am Deutschen Theater Berlin in der Regie von Bernd Weißig und Christian Steyer. Undercover war Buhss auch als Autor für die DDR-Radiosoap „Neumann,2xklingeln“ tätig, denn da klingelte wenigstens die Kasse. Wie für viele andere zunächst gebremste Autoren der mittleren DDR-Generation wurden die Verhältnisse nach Wende und Wiedervereinigung zwar freier, aber im Theater durchaus nicht offener. Die Stücke von Buhss, von denen einige noch der Uraufführung harren, drangen jedenfalls nur marginal in die Spielpläne vor, trotz der Auszeichnung mit dem Mülheimer Dramatikerpreis für „Bevor wir Greise wurden“ 1996 und der Teilnahme am Stückemarkt des Berliner Theatertreffens 1991 mit „Friedrich Grimm. Ein Weg“. Buhss verlegte sich auf das Übersetzen: Shakespeare, von dem er, bislang nur wenig gewürdigt, fast die Hälfte aller Stücke ins Deutsche brachte, und, weitaus mehr beachtet, Tschechow, den er im Deutschen mit einer Lässigkeit ausstattete, die aus seiner Erfahrung als...

In Gedenken an den Schriftsteller, Übersetzer und Dramatiker Werner Buhss

Zwischen den Zeilen

Guilt-Trip durchs Vogtland

Was ist Theater?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Olaf Altmann hat die riesige Bühne des Depot 1 geflutet. Das Wasser geht den Schauspielerinnen und Schauspielern bis über die Knöchel. Jeder Schritt, den sie machen, erzeugt kleine Wellen, die ihre Spiegelbilder auf der dunklen Wasseroberfläche zerfließen lassen. So wird sichtbar, was all die Adeligen und die Gelehrten, die Soldaten und die Spaßmacher, die in Stefan Bachmanns Bühnenadaption von Daniel Kehlmanns Roman „Tyll“ über die wölfische Natur des Menschen auftreten, nicht wahrhaben wollen. Ihr Leben und ihre Identität sind nicht nur brüchig, sondern vor allem auch flüchtig. Schon ein einziger Schritt reicht aus, um alles zu zerstören. Und was letztlich noch schwerer wiegt: Keiner von ihnen wird die geringsten Spuren hinterlassen. Auf Olaf Altmanns fluider Bühne bleibt alles ohne Folgen. Der Aufruhr, den die Schritte im Wasser verursachen, legt sich auch wieder, und dann ist alles wie zuvor. Selbst der Dreißigjährige Krieg, der so viel Leid und so viel Grausamkeit hervorgebracht hat, wird zum Sturm im Wasserglas oder eben zu einer flüchtigen Kräuselung des Wassers. Das ist die bittere Botschaft, die Stefan Bachmann und sein Dramaturg Julian Pörksen aus Kehlmanns Narrenepos herausgeschält haben. Und damit sind sie ganz nah bei Shakespeare, der in „Tyll“ sogar einmal leibhaftig in Erscheinung tritt....

Schauspiel Köln: „Tyll“ (UA) nach dem Roman von Daniel Kehlmann von Julian Pörksen u. Stefan Bachmann. Regie Stefan Bachmann, Bühne Olaf Altmann, Kostüme Jana Findeklee u. Joki Tewes

Köln: Alles verebbt

Sie sind schnoddrig, quietschkomisch und sentimental, haben das Herz auf dem rechten, also linken Fleck und die Berliner Schnauze so voll, dass sie überläuft. Die Rixdorfer Perlen sind drei Freundinnen knapp unter/über vierzig, die in ihrer Stammkneipe Zum Feuchten Eck in Berlin-Neukölln den Lauf der Welt, die Liebe, das Leben allgemein, die Schnäpse und Neukölln im Besonderen erörtern. Für alles finden sie einvernehmliche Lösungen, „aber uff uns hört ja keener!“. Das Publikum schon. Es lacht und johlt und kriegt sich kaum mehr ein. Doch das beeindruckt die Damen nicht. Es ist sowieso das falsche Publikum – „Zu viele Brillenträger heute“ –, schließlich machen sie Kieztheater. Ihr Kiez ist natürlich der beste und umarmt alle Nationalitäten, nur die aus Lichterfelde-West haben es schwer. Und auch ein mütterliches „Du, der ist aus Westdeutschland, sei nett zu ihm“ kann ziemlich vernichtend sein. Marianne Koschlewski (Britta Steffenhagen), Besitzerin der Kneipe, macht ihr Lokal angesichts der Hipster-Invasion, die den Kiez überschwemmt, zur Wärmestube für die Erniedrigten und Beleidigten und zur Bastion althergebrachter Neuköllner Traditionen und Trinkfestigkeit. Ihre Freundinnen Jule (Inka Löwendorf), Animierdame mit der Sehnsucht nach der großen Liebe, und Miezeken (Johanna Morsch), Putzfrau mit dem Sinn fürs Praktische, helfen ihr nach Kräften – und...

Oder doch? Die Rixdorfer Perlen erörtern in ihrer Stammkneipe Zum Feuchten Eck in Berlin-Neukölln begnadet komisch und anarchisch den Lauf der Welt

Aber uff uns hört ja keener!

Autoren November 2018 / Vorschau

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Ignaz Kirchner ist nie „millirahmstrudelig“ geworden. Auch nicht nach dreißig Jahren in Wien, einer Stadt, die für ihre charmante Versumpertheit oft gefürchtet wird. Kirchner, 1987 von Claus Peymann ans Burgtheater geholt und dort, ein kurzes Intermezzo in den 1990er Jahren ausgenommen, bis zuletzt geblieben, pflegte im Angesicht der Gemütlichkeit immer das Kantige. „Ich bin Piefke“, bekräftigte der gebürtige Wuppertaler in Interviews des Öfteren seine Wien-Immunität. Unbestechlich war er auch in seiner Kunst, darin, seine Persönlichkeit – oft samt seiner kleinen Nickelbrille – völlig uneitel zur Verfügung zu stellen, sie auszuschöpfen ohne Ego-Show. Kirchner war kein Rampenschwein, sondern ein Schauspieler, der ruhig warten konnte, bis er seine Wirkung tat. Melancholie war immer dabei. Ignaz Kirchner vermochte der Traurigkeit ein erträgliches Antlitz zu verleihen, den Erniedrigten und Beleidigten eine würdevolle Präsenz zu geben, den Verrohten einen eigenen Stil, den Tollpatschigen gönnte er einen geschickten Handgriff. Da war jede Sekunde spannend, auch wenn sie scheinbar bewegungslos und schweigend verlief. Wie intensiv Kirchners Bühnenarbeit wahrgenommen wurde, mag man daran messen, dass den nun an den Folgen eines Schlaganfalls verstorbenen Schauspieler gar der österreichische Bundespräsident in einem Nachruf würdigte. Über so viel Staatsschauspielerehre würde sich der versierte Thomas-Bernhard-Spieler Kirchner gewiss amüsiert zeigen. Kirchner, Einzelkind aus...

Zum Tod des Burgtheater-Schauspielers Ignaz Kirchner

Eine Stimme, durch die Literatur erklingt

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Hinter Moritz Kienemann liegt ein Jahr, das er selbst als überwältigend bezeichnet. Seit der Spielzeit 2017/18 ist er Ensemblemitglied am Staatsschauspiel Dresden, er kam nach Sachsen, nachdem er zwei Jahre in seiner Heimatstadt München am Volkstheater gespielt hatte. Kurz davor hatte er die Schauspielausbildung an der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ in Berlin abgeschlossen. Es blieb in dem einen Jahr nicht viel Zeit zum Innehalten. Moritz Kienemann prägte die wichtigen Inszenierungen der neuen Intendanz unter Joachim Klement: „Weg ins Leben“ unter Volker Lösch, „Erniedrigte und Beleidigte“ in der Regie von Sebastian Hartmann und als Höhepunkt Ulrich Rasches „Das große Heft“. Nach seiner ersten Saison am Haus bekam Moritz Kienemann den Erich-Ponto-Preis „für herausragende künstlerische Leistungen“, den der Förderverein des Theaters alle zwei Jahre vergibt. Was für ein Start für den 28-Jährigen. Und doch versucht Moritz Kienemann auch zu relativieren. „Es gibt wenig unstetere Dinge als das, was Erfolg genannt wird“, sagt er. Es habe ihn überrascht, dass er gleich so spannende Rollen spielen durfte – er, der eigentlich ja gerade erst von der Schauspielschule kommt, ein Anfänger ist. „Ich kam her mit dem Wunsch, zu zeigen, was ich gelernt habe. Ich bin sehr froh, dass ich das auch kann.“ Moritz...

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