Wie in Zeiten der Globalisierung zusammenleben, wie sich orientieren in haltlosen Zeiten, in denen es kein Zurück mehr gibt in sicher geglaubte und stabile Ordnungen? „Ohne Halt zusammenleben als Fremder unter Fremden“ – was Bertolt Brecht den Liebenden in seinem gleichnamigen Gedicht mit auf den Weg gibt, wird für Günther Heeg, seit 2003 Professor für Theaterwissenschaft an der Universität Leipzig, gerade in unserer heutigen Zeit, in der Menschen und Kulturen überallhin auf dem Weg sind, zum ethischen Imperativ. „Die Geste als Lebensform“, so lautete daher auch der Titel seiner Abschiedsvorlesung, die er nun am Leipziger theaterwissenschaftlichen Institut gehalten hat. Heegs Denken zeichnet sich durch eine grundlegende Skepsis gegenüber jeder Form des „Natürlichen“ oder „Eigenen“ aus. Dass dies für ihn nicht nur ästhetisches Programm, sondern auch eine gesellschaftliche und politische Geste darstellt, daran lässt er auch in seinem jüngsten Buch „Das transkulturelle Theater“ keinen Zweifel. Gegen das Postulat einer eigenständigen deutschen Kultur bringt er darin die Brecht’sche Geste in Anschlag, deren eigentümliche Fremdheit er entgegen ihrer traditionellen Lesart als Exposition von sozialen Verhältnissen betont. Die Geste, die sich als Figur wie ein roter Faden durch sein ganzes Schaffen zieht, exponiert in erster Linie sich selbst. Darin liegen ihre immense Theatralität und...

Für Günther Heeg, Professor für Theaterwissenschaft an der Universität Leipzig, anlässlich seiner Emeritierung

Große Geste

Da ist man zunächst mal irritiert: Was sind das für sonderbare gymnastische Übungen, die ein splitternackter Schauspieler auf einem Podest in der Bühnenmitte stehend exerziert, halb diskret hinter einem Gazevorhang, aber doch nicht wirklich vor unseren Blicken geschützt? Es ist durchaus lästig, in die Haltung eines Voyeurs gezwungen zu werden, aber nach und nach gibt die Geste ihren Sinn preis. Auch die anderen sechs Spieler üben immer wieder scheinbar affektierte Posen ein. Am Schluss des Abends erfährt man, was ein Kontrapost ist und dass diese klassischantike Körperstellung auch Chiasmus genannt wird – wie die gleichnamige rhetorische Figur. In Thomas Melles Stück „Bilder von uns“ geht es um Pädophilie. Ein Pater hat in einem Internat Jungen missbraucht und fotografiert. Der Protagonist Jesko (gespielt von Stefan Walz) erhält eines Tages auf seinem Handy Nacktfotos von sich selbst aus jener Zeit und arbeitet den Fall, zunächst widerstrebend, auf. Ob Jesko selbst ein Missbrauchsopfer ist, es womöglich verdrängt hat, bleibt offen. Der Titel „Bilder von uns“ soll jedenfalls verdeutlichen, dass auch der Zuschauer und die Zuschauerin gemeint und betroffen sind; wir alle lassen Bilder von uns machen, die – womöglich – erotische Anreize liefern können in einer nachhaltig sexualisierten Welt. Zumal in Zeiten von...

Das Schauspiel Wuppertal wurde immer wieder totgesagt – Der neue Intendant Thomas Braus ist dabei, dies zu ändern

Der weiße Schatten

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Als sich am 2. Februar 1933 die Polizei in der nordfranzösischen Stadt Le Mans gewaltsam Zutritt zur Wohnung der Familie Lancelin verschafft, bietet sich den Männern ein grausames Bild. In einem Chaos aus Blut, Knochensplittern und Kleiderfetzen liegen die Leichen von Madame Lancelin und ihrer Tochter. Die Täterinnen dieses bestialischen Massakers, die Schwestern Christine und Léa Papin, Dienstbotinnen des Hauses, werden wenig später seelenruhig in ihrem Zimmer entdeckt. Wie so viele Intellektuelle dieser Zeit – darunter Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir sowie etliche Maler des Surrealismus – war auch der französische Schriftsteller und Tagedieb Jean Genet von diesem crime passionel fasziniert. 1946 brachte er, zuvor selbst wieder einmal aus dem Gefängnis entlassen, die erste Fassung seiner „Zofen“ heraus. Ein Stück, das sich weniger mit der konkreten Bluttat der Papin-Schwestern auseinandersetzt als mit deren psychologischer und gesellschaftlicher Herleitung. Christine und Léa, die hier Solange und Claire heißen, spielen in diesem Stück den Mord an ihrer Herrin zunächst bloß durch. Jedes Mal wenn die Gnädige Frau außer Haus ist, schlüpfen sie heimlich in deren edle Kleider, wobei eine von ihnen die Herrin und eine die Zofe spielt, die von der Herrin so lange gedemütigt wird, bis der Mord erfolgt. Ein perfides Spiel,...

Deutsches Theater: „Die Zofen“ von Jean Genet. Regie Ivan Panteleev, Ausstattung Johannes Schütz

Berlin: Spielt!

Frühlingstheater

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Regina Guhl, Florian Reichert, sehen Sie, dass es eine Veränderung des Schauspielerberufes gibt, auf die man in der Ausbildung reagieren muss? Stichwortartig kann man hier die Gegensätze von Rollenspiel und Performance sowie Festanstellung und prekärer Projektexistenz nennen. Florian Reichert: Die Frage lautet ja zunächst: Ist eine Ausbildungsstätte eine Institution, die auf etwas reagiert, das der Beruf fordert? Damit setzt man sich automatisch in ein bestimmtes Abhängigkeitsverhältnis. Außerdem tut man so, als gäbe es ein statisches Berufsbild Schauspieler, was ja definitiv nicht stimmt. Wollen wir Institutionen, die für ein tradiert bürgerliches Theater ausbilden – ein Zuliefermodell –, oder solche, die Labore sind, Labore des Nachdenkens und Experimentierens? Die Frage ist, ob man nur reagiert oder eben selbst agiert. Regina Guhl: Ergänzend ist die Frage, wie der Transfer einer künstlerischen Persönlichkeit – nach dem Besuch einer künstlerischen Universität – in die Gesellschaft aussehen kann. Diese Frage ist unter den Bedingungen unserer Zeit nicht mehr leicht zu beantworten. Und es gibt ja viele Besonderheiten des Schauspiels. Rollenspiel versus performatives Spiel ist ein überkommener Dualismus. Das Theater war noch nie so divers wie heute, und zwar auf einem hohen Niveau. Es gibt eine gewisse Entspanntheit in der künstlerischen Praxis und auch eine Durchlässigkeit, sodass...

Schauspielausbildung heute – Regina Guhl und Florian Reichert im Gespräch mit Jakob Hayner

Kein Zuliefermodell

Alles total anders

Was für eine Welt, was für ein Weltbild: Frauen sind Girls, wenn nicht Babys, deren Liebhaber Daddys und deren beste Freunde Diamanten. Marilyn Monroe hat diese Welt gespielt und besungen. Sie hat damit Karriere gemacht, vom Pflegekind zum Filmstar, vom Niemand zum Sexsymbol für Generationen von Männern. Sie musste sie aber auch spielen und besingen, weil ihr die Männer Hollywoods nichts anderes zutrauten. Weil die Rolle des platinblonden Dummchens von ihr erwartet wurde, auch im richtigen Leben. Würde Marilyn Monroe noch leben, hätte sie zur #metoo-Debatte sicher das eine oder andere beizutragen. Marilyn Monroe starb vor mehr als einem halben Jahrhundert, mit nur 36 Jahren, an einer Medikamentenüberdosis. Es ist nie ganz geklärt worden, ob es wirklich Suizid oder doch ein Behandlungsfehler war oder ob sie vielleicht gar ermordet wurde, durch die mächtigen Männer, mit denen sie sich eingelassen hatte, allen voran US-Präsident John F. Kennedy. Der Mensch namens Norma Jeane Mortenson, als der Monroe einst zur Welt kam, war da ohnehin schon lange tot. War nach und nach verschwunden hinter der Erfindung, der Marke, der Ikone Marilyn Monroe und hatte sich schließlich aufgelöst. In „America First“ des Berliner Autors und Librettisten Christoph Klimke, das jetzt am Deutschen Theater in...

Deutsches Theater: „America First“ (UA) von Christoph Klimke. Regie Erich Sidler, Bühne Florian Barth, Kostüme Bettina Latscha

Göttingen: Die Marke Marilyn

Gewiss, Theater auf DVD ist bloß noch halbes Theater. Eher eine Dokumentation dessen, was einmal die Bühne – und vor allem den Kopf und die Seele des dabei gewesenen Zuschauers – beherrschte. Doch ohne diese Aufnahmen wäre das Gedächtnis ohne Stütze und ginge nicht selten fehl. Das Wiedersehen ist lehrreich – weil erschütternd, eine Wiederbegegnung mit Schauspielern auf dem Höhepunkt ihrer Ausdruckskraft, von denen viele inzwischen längst nicht mehr leben, wie Inge Keller, Fred Düren und Ulrich Mühe. Aufgenommen wurden die Inszenierungen sämtlich in hoher Qualität – in DDR-Fernsehfassungen. Dies ist nun die vierte der von Hans-Dieter Schütt herausgegebenen DVD-Boxen – mitsamt hochreflexiver Booklet-Texte, die einen Theaterkenner aus Passion zeigen. Die erste enthielt unter anderem zwei Schatrows, die legendären „Blauen Pferde auf rotem Gras“ (Berliner Ensemble 1980) und „Diktatur des Gewissens“ (Deutsches Theater 1989), dazu Volker Brauns „Übergangsgesellschaft“ (Gorki Theater 1990). Der folgende Teil bot den kompletten „Wallenstein“, in der Inszenierung von Friedo Solter 1979 am Deutschen Theater. Nun also die vierte Ausgabe des „Großen Berliner Theaters“, die drei Inszenierungen enthält, die als Hommage an starke Frauen überschrieben sind. Nun ja, das auch – aber „Drei Schwestern“ (mit Inge Keller, Regie Heinz Hilpert, Deutsches Theater 1960), „Der Menschenhasser“ (mit Angelica...

Großes Berliner Theater – Vol. 4. Hommage an starke Frauen – große Schauspielerinnen. Drei Schwestern – Der Menschenhasser – Egmont. Hg. von Hans-Dieter Schütt. Studio Hamburg Enterprises, Hamburg 201

Festgehaltene Erinnerungen

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Berliner Chaos-Tage

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Pollesch ohne Pollesch

Das Team um die Sprechwissenschaftlerinnen Julia Kiesler und Claudia Petermann lud Ende November 2017 zum Forschungsworkshop „Praktiken des Sprechens im zeitgenössischen Theater“ an die Hochschule der Künste in Bern. Selbst die Veranstalter waren von der Zahl der Anmeldungen überrascht. Die Tagung bildete den Abschluss des vom Schweizerischen Nationalfond geförderten Forschungsprojekts „Methoden der sprechkünstlerischen Probenarbeit im zeitgenössischen deutschsprachigen Theater“ und wurde zu einem inspirierenden Aufbruch. Kiesler und Petermann thematisierten aus ihrer Praxisbeobachtung heraus insbesondere Musikalisierungsprozesse, intertextuelle Arbeitsweisen, Methoden der Textgenerierung und ein verändertes Figurenverständnis. Sie eröffneten damit die Diskussion um Perspektiven für eine zeitgenössische Theaterausbildung. Für den Workshop wurden hervorragende Referenten gewonnen, die diese Tendenzen vertieft diskutierten. Heiner Goebbels setzte sich zu Beginn in seinem Vortrag mit (s)einer Sprache auseinander, in der sich „die Dinge weder zeigen noch verbergen“, und riss damit das ganze Spektrum der sprachlichen und stimmlichen Möglichkeiten auf. Christina Laabs stellte in ihren abschließenden Ausführungen zur Podiumsdiskussion die Notwendigkeit in den Mittelpunkt, dass postdramatische Darstellungs- und Sprechformen bereits während des Studiums, in Szenenstudien und Projekten, abverlangt werden. In weiteren Vorträgen von Anja Klöck, Eva Maria Gauß und Florian Reichert sowie in Workshops von Franziska Baumann, Gabriella Crispino, Peggy Mädler und Bernd Freytag wurde an zwei Tagen der Frage...

Ein Forschungsworkshop in Bern erkundet das Sprechen im gegenwärtigen Theater – ein Teilnehmerbericht

Weder zeigen noch verbergen

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

Eingang. Ausgang. In Zeiten ausufernder Sondierungsgespräche und parteiinterner Krisen werden selbst Ämter zu symbolisch raunenden Räumen. Auf der Suche nach einem geeigneten Setting für unser Coverbild hätte sich kein passenderes Requisit finden können als der achtlos beiseitegerollte Postwagen in der Senatsverwaltung für Kultur und Europa in Berlin. Eingang. Ausgang. Was kommt rein, was geht raus? Tatsächlich sind es solche Grundsatzfragen, vor denen die etablierten Parteien angesichts des Wahlerfolgs der AfD...

Editorial

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Nationalsozial-charaktermasken

Februar 2018

Premieren

Wenn ein Mann vom Schlage des Konsuls Bernick, eines Unternehmers und Werftbesitzers, von seiner „bürgerlichen Existenz“ spricht, meint er nichts anderes als ererbten oder erworbenen Wohlstand; an dieser hübschen Semantik hat sich bis heute nichts geändert. „Stützen der Gesellschaft“ (1877) ist ein frühes Werk Henrik Ibsens, der Titel ist natürlich ironisch konnotiert, aber am Schluss darf der Titelheld von einer erstaunlichen und gar nicht mehr so ironisch gemeinten Katharsis profitieren: Er bereut seine Sünden, vollzieht eine Wendung um 180 Grad, rettet in einer wundersamen Performance seine „bürgerliche Existenz“ und wird tatsächlich zu einer „Stütze der Gesellschaft“, obwohl dieser Ruhmestitel seiner Meinung nach vornehmlich den Frauen zukäme – eine Volte, die in Tilmann Köhlers Inszenierung bei Bernicks Schwägerin Lona (Yohanna Schwertfeger), seiner eigentlichen Liebe, einen Brechreiz auslöst. Überhaupt kann Köhlers Regie den euphemistischen Schluss des Dramas nicht für voll nehmen; der Konsul baumelt in der Pose des Gekreuzigten über der umgestürzten Bühne und predigt denen, die sich davon nicht mehr bekehren oder beeindrucken lassen. Sein Söhnchen Olaf greift gar zur Pistole, um den Patriarchen symbolträchtig zu erschießen. Wenn die „Stützen“ heute fast von den Spielplänen verschwunden sind, dann erstens dieses Schlusses wegen, den man nur noch, mit sanfter Gewalt, in Ironie...

Düsseldorfer Schauspielhaus: „Stützen der Gesellschaft“ von Henrik Ibsen. Regie Tilmann Köhler, Bühne Karoly Risz, Kostüm Susanne Uhl

Düsseldorf: Der geläuterte Bürger

Wenn zwei sich streiten, lacht der Dritte nicht immer. Liest man die beiden Bücher „Mit Rechten reden“ und „Mit Linken leben“ als Standortbestimmung der politischen Lage, so sind mindestens zwei Aspekte dabei irritierend. Es wird auf der einen Seite der Eindruck vermittelt, als sei der Widerspruch zwischen rechts und links zum größten Teil ein habitueller, früher hätte man dazu wohl Charakterfrage gesagt. Und auf der anderen Seite wird der direkte Kontakt als emotional belastend empfunden, weswegen man nun einmal ohne die eingeübte Mechanik der Anfeindung miteinander sprechen sollte. Denn im Moment werden Missverständnisse am laufenden Band produziert, und man befindet sich im beklagenswerten Jenseits eines herrschaftsfreien Diskursraumes. Der zentrale Vorwurf, den die rechten Autoren von „Mit Linken leben“ erheben, besteht darin, dass sich jede Auseinandersetzung mit den Rechten in dem Versuch erschöpfe, sie entlarven zu wollen. Der permanente Argwohn, dass hinter ihrer Fassade der historische Nationalsozialismus auf seine Wiederauferstehung warte, macht für die Rechten jedes Gespräch zu einem Kampfplatz, bei dem Fehlinterpretationen und Abwehrstrategien eine konkrete Auseinandersetzung verhindern. So besteht das Buch von Caroline Sommerfeld und Martin Lichtmesz auch zu großen Teilen aus Ratschlägen, wie mit linken Angriffen umgegangen werden kann. Wenig überraschend ist hierbei, dass sich die Bestimmung des...

„Mit Rechten reden“ und „Mit Linken leben“ – Wenn Moralisierung zum Verhängnis wird

Über die dramatische Situation unserer Zeit

Samtener Schutzraum

Darwin-Theater

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Autoren Februar 2018/Vorschau

Angstlos! Heimatlos?

Üblicherweise lernt man in der Schule, dass Immanuel Kant in seiner schriftlichen Auseinandersetzung mit irgendeinem Pfarrer zur „Beantwortung der Frage: Was ist Aufklärung?“ argumentiert hat, wer sich aus „selbstverschuldeter Unmündigkeit“ emanzipieren wolle, müsse den Mut haben, sich seines „Verstandes ohne Leitung eines anderen zu bedienen“. In vielen Bundesländern folgt, wenn man diesen Satz gelernt hat, die Lektüre von Lessings „Nathan der Weise“, denn das Stück lehrt Toleranz im Umgang mit dem religiösen Glauben der Anderen. Es beweist, dass es viele Wege gibt, das Richtige zu tun. Aber halt! Wenn ich mich entschließen muss, meinen Verstand „ohne Leitung eines anderen“ zu bedienen, wie kann ich dann das Denken und Handeln des Anderen zulassen, ohne die Gefahr einzugehen, selbst unfrei zu bleiben? Die Emanzipation aus der Unmündigkeit ist also eine Emanzipation vom Anderen. Das steht am Anfang von Andreas Englharts neuem Buch „Das Theater des Anderen“. Die Wege des Anderen sind unergründlich. Zumindest wenn man ihnen durch Englharts Kompendium zu folgen versucht, denn der Leser gewinnt schnell den Eindruck, dieser (oder dieses) ominöse „Andere“ lauert insgeheim hinter jeder zweiten Requisite. Man hetzt von Anderem zu Anderem in der „Theorie und Mediengeschichte einer existenziellen Gestalt von 1800 bis heute“, so der Untertitel. Im...

Andreas Englhart: Das Theater des Anderen. Theorie und Mediengeschichte einer existenziellen Gestalt von 1800 bis heute. transcript Verlag, Bielefeld 2017, 502 Seiten, 39,99 EUR.

Allerlei Anderes

Tatsächlich. Da steht sie. Auf einem Sims in André Bückers Büro: die goldene Ananas! Wo es um sie geht, geht es bekanntlich um nichts. Dabei sollte es im Theater doch im Idealfall um alles gehen. „Eben!“, lacht Augsburgs neuer Intendant: „Es dreht sich immer um alles oder nichts!“ Bücker will Mut zum Risiko zeigen. Die Ananas ist das Ergebnis entsprechender Experimentierfreude. In Pink oder Grün dient sie dem Theater nun als Logo, ausgeheckt von einer Agentur, die einfach mal mit dem Augsburger Stadtwappen herumgespielt hat. Selbiges ziert eine Zirbelnuss, deren schuppige Oberflächenstruktur jener der Theater-Ananas verblüffend ähnelt. Das Theater Augsburg ist ein Dreispartenhaus. Oper, Schauspiel, Ballett. Das Sprechtheater aber begreift Bücker, der aus dem anhaltinischen Dessau ins bayerische Schwaben gewechselt ist, als inhaltlichen Motor, „weil es politischer ist, stärker Themen setzen und flexibler reagieren kann als der große Apparat Oper“. Seinem künftigen Publikum stellte er sich mit Henrik Ibsens „Peer Gynt“ vor. Ein Spielplanklassiker, eher keine riskante Setzung. Aber thematisch passend zum Spielzeitmotto, das der 48-Jährige ausgegeben hat: „Sinnsucht“. Und zumindest konzeptionell ambitioniert. Denn Bücker schickt den Titelhelden gleich in sechsfacher Ausführung auf die Bühne. Im Doppel- oder Dreierpack hat man diesen Peer Gynt, der zwiebelhäutend seinen eigenen Wesenskern herauszuschälen...

Unter dem Motto „Sinnsucht“ startet das Theater Augsburg in seine erste Spielzeit unter dem neuen Intendanten André Bücker

Plan A

Von Haus aus ist er Psychiater, entstammt einer Dynastie von Psychiatern und hat jahrelang erfolgreich in diesem Beruf gearbeitet. Aber dann packte Kuro Tanino das Theater. Wie bei Anton Tschechow ist der Arzt im Künstler enthalten, wehmütig und resignativ, versteckt hinter leisen Tönen. Und wie der große Meister erzählt Tanino den Verfall der Kultur, den Untergang einer Gesellschaft am liebsten als Familiengeschichte. Seine Stücke enthalten viel Autobiografisches, so die an Kafka erinnernde Angst vor dem übermächtigen Vater. Da wird der Ton dann schrill, die Handlung bizarr, und alle Auflehnungsversuche scheitern. Und dann gibt es da noch den Kurosan, der ganz ohne Worte auskommt und mit geradezu Schillerʼschem Idealismus die Menschen umschlingt und die Welt wachküsst. Jede seiner Aufführungen schafft sich ein eigenes Universum voller Zuversicht und Trauer, Schönheit und Vergeblichkeit. Tanino, 1976 in Toyama/Japan geboren, wollte eigentlich Maler werden, studierte aber der Familientradition entsprechend Medizin. An der Universität schloss er sich dem Studententheater an und liebte es, auf der Bühne zu stehen. Er malte, spielte, schwärmte für den Surrealismus und quälte sich durchs Studium. Den Blick des Malers hat er sich bis heute bewahrt – seine Aufführungen wirken oft wie Tableaux vivants, mit Szenen, die streng komponiert sind und sich...

Der japanische Regisseur Kuro Tanino vermisst die Abgründe von Seele und Verstand

Eins und eins ist drei

Was auf der Bühne zwischen den Flaschen diverser Alkoholika auf spärlich beleuchteter Discotanzfläche mit Zigarettendunst gespielt wird, meist frontal an der Rampe, will keine genuine DDR-Jugenderzählung sein. Die Inszenierung will vorpolitische Rebellion mittels ästhetisch-individualistischer Pose Selbstzweck sein lassen, will Skizze eines Sommers, einer Jugend sein. Diese hätte sich – so die Botschaft des Abends an das Publikum des Hans Otto Theaters Potsdam – überall so oder so ähnlich ereignen können, spielt nun aber zufällig hier, in Potsdam. Das Identifikationspotenzial ist demensprechend hoch, das Aufkommen nostalgischer Gefühle einkalkuliert. Es ist das Jahr 1985. Der 16-jährige Protagonist René, seine gleichaltrigen Freunde und wechselnden Liebschaften verleben sorglose Wochen, die sie mit Telefonaten zur Beteuerung der ersten Liebe, New-Wave-Musik und Baudelaire-Lektüre füllen. Renés Vater ist auf Abrüstungsverhandlungen in Genf und hinterlässt dem Sohn ein schlechtes Gewissen in Form von 1000 Mark (wer sich den Betrag nicht merken kann, der darf die Zahl auf der die Bühne nach hinten begrenzenden Tafel in der Optik halb zerbrochenen Glases nachlesen), sodass sich der adoleszente Melancholiker, wie ihn André Kubiczek in seiner autobiografisch angelegten Romanvorlage zeichnet, sieben Wochen lang alterstypischen Erfahrungen hingeben kann. Eine Zeit wie vorbeiziehende Wolken, wie „ein Stück Zucker“, das langsam schmilzt. Die Darstellung der...

Hans Otto Theater: „Skizze eines Sommers“ (UA) nach dem Roman von André Kubiczek. Regie Niklas Ritter, Ausstattung Bernd Schneider

Potsdam: Flüchtige Bilder einer Jugend

Ran ans Märchen! 

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Mit Anton, dem Linken Lydia, seiner Frau Isa, ihrer Tochter Georg, dem Rechten Wolf, dem Nazipunk Arbeiterchor Blaskapelle Die ganze Zeit sind alle Figuren, noch dazu Arbeiterchor und Blaskapelle, auf der Bühne. An den Wänden stehen Bierbänke, damit sich die Beteiligten setzen können, ohne sich zurückzuziehen. Jeder ist in jedem Moment sichtbar. Szenen schälen sich heraus und werden durch Nähe und Distanz zwischen Körpern, durch Licht und Schatten oder Musik fokussiert. Das Spiel wirkt fließend, wenn auch nicht ohne Unterlass. Es kann sich auch stauen und stocken. Einwürfe können einzelnen Sprechern oder einer Gruppe zugeordnet werden. Falls nicht, bleiben sie Einwürfe auf dem Papier. Am Anfang erklingen ein paar Takte Musik, ehe sie unversehens abbrechen. Alle stehen auf der Bühne und schauen ins Publikum. Anton setzt sich an einen Tisch, Georg an einen anderen. Ohne einen Blick füreinander schauen sie weiter geradeaus. ANTON Wenn einer anders wird, als er ist, dann ist er gestorben für mich. Tot, sag ich, tot. Den kenn ich nicht mehr. GEORG Ein Leben lang hab ich mit den Falschen gesungen. Sie singen so gern, weil sie sonst nichts mehr haben. Auch ich singe gern ihre alten Lieder, weil ein Lied nichts dafür kann, dass es...

Zweikampf

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

In den neunziger Jahren war Enrico Lübbe Assistent von Intendant Wolfgang Engel. Wenn er eilig mit dem Taxi vom Bahnhof zum Schauspielhaus wollte, gab er als Fahrtziel „Diskothek“ an, eine stadtbekannte, etwas anrüchige Lokalität direkt neben dem Schauspielhaus. Die kannten alle Taxifahrer. „Schauspielhaus“ erforderte dagegen oft längere Erklärungen. Kann der neuen Spielstätte Diskothek des Schauspiels Leipzig, am Ort des einstigen Vergnügungstempels, das nun auch gelingen? Neben dem Schauspielhaus liegt also die Diskothek, auf der anderen Seite das Café Pilot. Dort treffe ich mich mit dem Intendanten Enrico Lübbe. Halb Szenecafé, halb Theaterkantine mit einem Hauch von offener Werkstatt in der Luft. Das ist es, was Leipzigs Schauspiel derzeit seine besondere Atmosphäre gibt. Die homogene Nachwendezeit ist vorbei, es gibt ein neues, vielgestaltiges Selbstverständnis der Theatermacher wie auch der Zuschauer, unterschiedlichste künstlerische Handschriften und ein urbanes Klima. Leipzig ist längst ein Schmelztiegel. Man ist unterwegs, ohne genau zu wissen wohin, aber eines ist dabei gewiss: Einfache Antworten reichen nicht, bloße Wahrheitsverwaltung versagt an diesem Ort. Fragen des Woher und Wohin in einer Stadtgesellschaft brauchen Zeit. „Angst oder Liebe“ lautet das Spielzeitmotto. Man umkreist, so Lübbe, das Thema der Identität. Das Format der Diskothek ist nicht neu am Haus, nun aber liegt...

Die neu eröffnete Spielstätte Diskothek am Schauspiel Leipzig forciert Debatten

Heimat als Idee oder Ideologie

Figurationen im Film

Vielleicht war er ja doch der Größte (neben Zadek). Vielleicht auch nur der Verspielteste, Kindlichste, Luftigste und Lebendigste. 1973 macht Luc Bondy in Wuppertal Shakespeares „Was ihr wollt“ (ein Stück, das er kein zweites Mal inszenieren wird), es ist bereits die sechste Regiearbeit des 25-jährigen Jungstars. Jürgen Flimm beschreibt eine Szene daraus, er beschreibt sie aus der Perspektive des längst Erwachsenen auf ein sonderbar übertemperiertes Kind: Orsino bringt Olivia nicht einfach ein Ständchen, er singt ihr mit einer Truppe von Clowns eine schräge Serenade nach der anderen; die kleine Band schläft ein, rappelt sich wieder auf, dann beginnt „das sinnlose Gekrähe von Neuem“. In dieser frühen Inszenierung ist also schon vieles von dem vorhanden, was Luc Bondy, den Sohn eines Literaturkritikers, einmal auszeichnen wird: Gespür für Situationen und für die ihnen innewohnende Absurdität; ein sprühendes, nervöses Temperament; Sympathie für die Figuren und ihre Schrullen. „In die Luft schreiben“ ist ein wunderbares Buch, nicht nur für Bondy-Fans, sondern auch für solche, die es, postum, werden wollen. Zahlreiche, auch private Fotos und Textdokumente, von Bondy selbst und von vielen Kombattanten, zeugen von einer bedeutenden Künstlerbiografie. Peter Handke nennt seinen Freund in einer imaginären Grabinschrift: „Theatermann / Schriftsteller / Leser“. Jedes der von...

In die Luft schreiben. Luc Bondy und sein Theater. Hg. von Geoffrey Layton im Auftrag der Akademie der Künste, Berlin. Mit Fotografien von Ruth Walz. Alexander Verlag, Berlin 2017, 320 S., 30 EUR.

Unter dem Himmel einer einzigartigen Idee

Der Notfall als Prinzip

Die digitale Masse

Das Theater mit den Finanzen

Es gibt Bücher, die besser anfangen, als sie weitergehen. Es gibt die furiose Eröffnung, auf die eine fade Durchführung folgt. Es gibt Trailer, die ganze Filme ersetzen. Es gibt die Ouvertüre, die die Oper bereits nach wenigen Takten in ihren gleißenden Schatten gestellt, ja weggewischt haben wird. Es gab den ersten Vollmond in diesem Jahr schon am 2. Januar – und es wird dreizehn davon geben, insgesamt. Es gibt die, die schon immer besser waren im Beginnen, als sie im Beenden sind – und die, die besser sind im Abreisen als im Nachhausekommen. Die Abreise stellt die ihr vorausgehenden Tage unter eine muskulöse Spannung. Was aus der Hand fällt, wird einfach wieder aufgehoben, wird eingepackt oder weggelegt. Was nach der Heimreise herunterfällt, bleibt sehr lange liegen, genauso wie die Koffer, halb entpackt und immerzu im Weg. Versuchen Sie jetzt, sich zu erinnern. Es harren wie eingeprägt die seltsamen Stunden im Transit, in denen Sie nirgendwo waren, all die jungen Minuten, die nicht wussten, zu vergehen. Sie klackern wie Murmeln, in den Zurückgekehrten, die sich unsicher in ihren Wohnungen umschauen. Viel zu vieles haben Sie gar nicht gesehen. Muss man verstehen, was einen verändert? Der freundliche Mitarbeiter des Reisebüros, das sich...

Reisebüro Rinck: Die Heimkehr

Die performative Baustelle

Am Hindukusch die Sicherheit der Bundesrepublik Deutschland zu verteidigen – so richtig glaubt heute niemand mehr an die Devise, die der damalige Bundesverteidigungsminister Struck 2002 ausgab. Warum? Weil wir doch eigentlich selbst nicht wissen, was dort passiert. Afghanistan mit seinen gewaltsamen Konflikten, wo westliche Ordnungsmacht auf islamistisches Guerillatum trifft, stellt für uns längst eine medial erzeugte Chimäre dar. Und wie wenig die vermeintliche Realität der Nachrichtenbilder in Bezug zur Wahrheit steht, thematisiert das Stück „Die lächerliche Finsternis“, welches, basierend auf dem gleichnamigen Hörspiel von Wolfram Lotz, nun am Theater Ulm Premiere feierte. Was das Publikum sieht und hört, erweist sich als trügerisch. Gerade zu Beginn geht man den Lebensgeschichten, die die Figuren stets so vital präsentieren, erst einmal auf den Leim. Völlig allein auf dem riesigen Bühnenparkett erzählt uns etwa im Prolog ein somalischer Angeklagter (Aglaja Stadelmann), wie er Pirat wurde. Das Gericht ist nicht zu sehen. Nur seinen Kopf, beleuchtet von einer Taschenlampe, nehmen wir wahr, derweil im Hintergrund künstlicher Nebel den Raum erfüllt und auf einer oben hängenden Leinwand diffuse Wolkenformationen erkennbar werden. Ernsthaft lauscht man dieser einsamen Rede über die Hoffnungslosigkeit auf dem „verlorenen“ Kontinent, bis der Redner erwähnt, dass er das Handwerk der Piraterie auf einer...

Theater Ulm: „Die lächerliche Finsternis“ von Wolfram Lotz. Regie Andreas von Studnitz, Ausstattung Mona Hapke

Ulm: Ramazotti und die Angst vorm Hindukusch

Wolfgang Engler: Klaus Lederer, sprechen wir aus aktuellem Anlass über ein Problem, das kein ausschließlich deutsches oder ostdeutsches ist, sondern mit dem Brexit, Trump und dem politischen Umbruch in Österreich seinen Ausdruck ebenso gefunden hat wie in den jüngsten Wahlen hierzulande. Man kann das Wahlergebnis aus Sicht der politischen Linken auf zwei Weisen interpretieren: Obwohl die Neue Rechte der Linken zugesetzt hat, konnte sie sich behaupten. Umgekehrt: Obwohl sich die Linke im Ganzen gut behauptete, hat ihr die Neue Rechte zugesetzt. Erfreuliches Abschneiden im urbanen Raum sowie im Westen, ein weniger erfreuliches im ländlichen Raum und im Osten, Gewinne dort, Verluste hier, das ist die Lage. Sofern es nicht gelingt, daran etwas zu ändern, droht längerfristig ein Nullsummenspiel; die Linke verharrt gesamtstaatlich bei etwa zehn Prozent der Wählerstimmen. Was tun? Verluste durch Erfolge mehr als wettmachen, indem man das Erfolgsmodell zum alleinigen Zukunftsmodell der Linken kürt? Dann liegt der Hauptakzent der Ansprache auf Pluralismus, Individualisierung, Koexistenz der Lebensweisen, linksliberaler Identitätspolitik, Diversität? Oder soll man aus Verlusten lernen, die soziale Frage, die Problematik des gesellschaftlichen Zusammenhalts zum Kerngeschäft erklären und die Linke wieder stärker als Anwalt der sozial Verwundbaren profilieren? In dem Fall gehört das Konzept der offenen Gesellschaft nicht auf...

Berlins Kultursenator Klaus Lederer und der Soziologe Wolfgang Engler über die notwendige Neuausrichtung der Linken und den Streit um die Berliner Volksbühne im Gespräch

Mehr als Gegenwart plus Zinssatz

Staatstheater Nürnberg: Globaler Zelluntergang

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Theater ist überlebensnotwendig

Der Schauspieler Michael Lucke ist tot. Er starb am 16. Dezember 2017, drei Wochen nach seiner Krebsdiagnose, mit nur 62 Jahren. Michael Lucke spielte an großen Häusern: Staatsschauspiel Dresden, Volksbühne Ostberlin, Schauspiel Frankfurt. Seine Regisseure: Frank Castorf, Wolfgang Engel, Thomas Schulte-Michels, Anselm Weber, Amélie Niermeyer, Peter Eschberg, Katharina Rupp. Er brillierte als Danton in Büchners Drama ebenso wie als Lady Bracknell in „Bunbury“ von Wilde, als Bleichenwang in Shakespeares „Was ihr wollt“ ebenso wie als Don Pedro de Miura in „Das heilige Experiment“ von Hochwälder. Er hätte guten Grund gehabt, eingebildet zu sein. Nichts lag ihm ferner! Für ihn, der seine Karriere als Bühnentechniker begonnen hatte, war das Theater eine bunte Familie, in der alle gleich viel galten. Ich lernte Michael Anfang der neunziger Jahre bei den Proben zu „Die See“ von Edward Bond kennen. Er spielte den Narren – auf und hinter der Bühne. Mit jeder Faser seiner anarchischen Persönlichkeit stürzte er sich in die Doppelrolle. Das Theater flugs zum Abenteuerspielplatz erklärt, reizte er mit kindlicher Neugier die Grenzen der Rolle, des Stücks und des Ensembles aus, fegte die Bauklötze der Konvention und Routine beiseite, gab den schamlosen Charmeur und den charmanten Unverschämten, lachte über die Tragik, weinte über...

Nachruf auf den Schauspieler Michael Lucke von Wolfram Koch

Ein zärtlicher Berserker

Brennender Schatten

Staatstheater Mainz: Apfelstrudel aus der Tube

Sprache determiniert Wahrnehmung – das haben Ludwig Wittgenstein und Jacques Derrida untersucht sowie Victor Klemperer und Judith Butler beschrieben. Wenn heute hitzige Diskussionen über die Frage ausgefochten werden, wie Machtverhältnisse etwa zwischen Geschlechtern in der Sprache reproduziert und repräsentiert werden, steht dahinter nicht nur die Idee, dass Sprache Gesellschaft prägt, sondern auch, dass Sprechakte verletzen können. Sprache kann verschleiern, wenn eine Krise des Finanzsystems zur Krise der Staatsschulden umgedeutet wird,...

Die problematischen Parallelen in der Sprache des Zentrums für Politische Schönheit und ihres jüngsten Gegners, des AfD-Politikers Björn Höcke

In Moralgewittern

„Mir ist extrem übel“, erklärt Jean-Pierre Cornu von oben herab, wie er allein es kann – nicht nur, weil er die Truppe mindestens um Kopfeslänge überragt. Nie sei ihm so schlecht gewesen wie hier an Bord mit den Briefkastenfirmenbesitzern, Fußballfunktionären, Immobilienspekulanten, die dieses apokalyptische Raumschiff Enterprise gerade betreten und sich echoartig anschließen: Allen ist übel. Ein Grund dafür mögen die ausgesucht hässlichen Sessel vorne im Konferenzzimmer sein (Bühne Duri Bischoff): cremefarbene Billigkopien eines Ikea-Modells mit orthopädischen Anleihen, farblich assortiert zu den bauchigen Wänden des Spaceshuttles, dessen Rückseite hinter dem Bartresen das Cockpit bildet. Freie Sicht aufs All. Am riesigen Fenster ziehen im Lauf des Stücks Gebirgszüge vorbei, der blaue Planet, Saturn und schließlich die Milchstraße. „O du mein holder Abendstern“, erklingt irgendwann, eine der Nummern aus dem Wunschkonzert, das sich gern beim „world famous Swiss composer Richard Wagner“ bedient (wer berühmt ist, wird eingeschweizert), Vivaldi elektronisch verpoppt und Ueli Jäggi alias Udo Jürgens „Wer nie verliert, hat den Sieg nicht verdient“ schmettern lässt – eine unter zig mehrdeutigen Ansagen an diesem bodenlos doppelbödigen Abend. Er endet damit, dass Christoph Marthaler den Zürchern den Sechseläutenmarsch bläst: die Hymne des jährlichen Umzugs der Zünfte. Ein Sakrileg, doch wie alle anderen Giftspritzen, die...

Schauspielhaus Zürich: „Mir nämeds uf öis“ (UA) von Christoph Marthaler und Ensemble. Regie Christoph Marthaler, Bühne Duri Bischoff, Kostüme Sara Kittelmann

Zürich: Seid umschlungen, Billionen

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

Eine Wette auf die Zukunft

Nun gut: Christopher Rüping möchte zeigen, dass er seinen Stoff gelesen hat, dass er ihn verstanden hat und auch des Autors Biografie zu kontextualisieren weiß. Bertolt Brecht konnte sein Frühwerk „Trommeln in der Nacht“ nämlich nicht leiden. Seinem späteren Selbstverständnis war vor allem das feige Ende ein Dorn im Auge. Hauptfiguren, die aus Romantik und Bequemlichkeit die Revolution gegen private Idylle eintauschen, waren im reiferen Schaffen des führenden sozialistischen Dramatikers undenkbar. Christopher Rüping produziert an den Kammerspielen zwei Versionen des Stücks – von und nach Bertolt Brecht –, wobei er sich auf ebendiese Entscheidung des Protagonisten zwischen Heim und Kampf bezieht und in der zweiten Fassung die Revolution siegen lässt. Dass die Inszenierung von Otto Falckenberg – von 1917 bis 1944 Leiter der Münchner Kammerspiele, der das Stück am selbigen Ort 1922 zur Uraufführung brachte – bei Rüping wiederbelebt wird, sollte nicht unerwähnt bleiben. Zu Anfang bekommt man eine dokumentarische Einführung, es wird darauf hingewiesen, dass die Regieanweisungen aus der originalen Textfassung umgesetzt werden. Vor den Augen der Zuschauer erhebt sich das historische Bühnenbild, die Schauspieler spielen sich ein, schminken sich, dann geht es los, ein bürgerliches Romanzenspiel im ersten der fünf Akte. Brecht hat ihn antithetisch zum Revolutionsduft in...

Münchner Kammerspiele: „Trommeln in der Nacht“ von / nach Bertolt Brecht. Regie Christopher Rüping, Bühne Jonathan Mertz, Kostüme Lene Schwind

München: Viel Lärm um nichts

R Ä U M E

Als im Sommer 2016 mit Florian Lutz, Michael von zur Mühlen und Veit Güssow das neue Leitungsteam der Oper Halle antrat, nahm auch der neue Geschäftsführer der Theater, Oper und Orchester GmbH Halle (TOOH) Stefan Rosinski seine Tätigkeit auf. Nach einem künstlerisch äußerst erfolgreichen Start stand das Haus im Frühsommer vergangenen Jahres jedoch auch aus anderen Gründen in den Schlagzeilen: Die örtliche Presse kolportierte, die TOOH, vor allem die Oper, habe in kürzester Zeit ein finanzielles „Millionen-Loch“ erwirtschaftet. Wie die Zahlen ihren Weg aus der Geschäftsleitung in die Zeitung fanden, ist nach wie vor unklar. Fakt ist: Das Klima am Haus ist seitdem vergiftet. Okay, man kann im Theater meckern und übers Theater auch. Immerhin ist die Szene so aufgeweckt, dass – mal aus der Luft gegriffen – die Verbreitung eines reaktionären, irrationalen und dezidiert elitären Kunstverständnisses schnell genug einen schneidigen Wind der Empörung anregt. Oder nicht? Im Mai 2017 veröffentlichte der Geschäftsführer der Theater, Oper und Orchester GmbH der Stadt Halle (TOOH), Stefan Rosinski, in der Zeitschrift Merkur einen Text, über den ich als Herkunfts-Hallenser fliegen musste, zumal im März 2017 Musiktheater-Intendant Florian Lutz die Oper „Sacrifice“ von Sarah Nemtsov zur Uraufführung brachte, zu der ich das Libretto beitragen...

Über den Theaterstreit in Halle

Randnotiz zu quasibarockem Blabla

Das Ährenfeld als stille Utopie

Schauspiel Essen: Unnachgiebig behutsam

Dramaturgie der Solidarität

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

Disappearing Birdie Coonan

Bühnenräume

„Die Landschaft hat einen Pilz, einen Krebs“ – ein Grund mehr, sie aus dem Zugabteil heraus nicht so genau anzusehen. Denn Details könnten die Eisenbahnromantik nachhaltig stören. Dies ist die Ansicht einer von verschiedenen merkwürdigen Gestalten in Thomas Köcks drittem Teil seiner globalisierungskritischen Klimatrilogie, „paradies spielen (abendland. ein abgesang)“. Außer dieser Gestalt, die als Faultier in bayrischer Tracht auftritt, befinden sich noch eine Füchsin, eine pinke Häsin, ein blauer Bär und, nicht zu vergessen, der Faultierehemann im selben Abteil. Allesamt wirken sie mit ihren an die Looney Tunes erinnernden Masken karikaturhaft und überzeichnet. Um den künstlichen Kosmos des Bahnwaggons zu spiegeln, scheint für die Regisseurin Marie Bues der Griff in die Kiste des Comics ein adäquates Mittel zu sein. Während die eine unentwegt geschwätzig telefoniert, sinnieren die anderen über die Beschaulichkeit der Natur, die es eigentlich schon gar nicht mehr gibt. Denn der Zug, dessen Fahrt auf der hinteren Leinwand in schwarz-weißen Bildern dokumentiert wird, rast geradewegs auf eine den sicheren Tod der Menschheit symbolisierende Eislandschaft zu. Die Figuren stehen ihrerseits arglos auf einem sich vor und zurück bewegenden Podest. Unterbrochen wird dieses Setting von anderen Episoden – zum Beispiel von der zweier chinesischer Wanderarbeiter (Sven Prietz und Katharina Hauter)....

Nationaltheater Mannheim: „paradies spielen (abendland. ein abgesang)“ (UA) von Thomas Köck. Regie Marie Bues, Ausstattung Pia Maria Mackert

Mannheim: Zugfahrt in die Eishölle

Hoffnung schaffen

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Hooligans und ihre Gefechte bilden die dunkle Seite des Fußballs. Der Hass auf die Anhänger des Gegners hat kein rationales Motiv, ob nun Dortmund gegen Schalke oder Hannover gegen Braunschweig auf dem Spielplan steht. Die Idee des Spiels, die dem sportlichen Wettkampf ja immer noch zugrunde liegt, wird von den Hooligans ignoriert, sie verwandeln es in blutigen Ernst. Je geografisch näher der Feind, desto brennender der Hass. Das Stück „Hool“ von Nuran David Calis, basierend auf dem Debütroman des 1986 in der Nähe von Hannover geborenen Philipp Winkler, führt den Komplex auf die Bühne und damit wieder ins Spiel zurück. Es ist die Intensität der drei männlichen Schauspieler – Simon Kirsch, Justus Maier, Daron Yates –, die daran erinnert, dass es an diesem Abend keineswegs nur um Fußball und seine Exzesse geht, sondern, sozusagen, ums Ganze. „Hool“ ist natürlich eine Parabel. Die Ich-Erzählung des Romans, die das Leben des Protagonisten Heiko in vielen Facetten spiegelt, übersetzt Calis in ein polyfones Bühnenereignis. Die drei Spieler teilen sich die Rolle Heikos und seiner beiden Kumpel und geben zudem eine Reihe von Randfiguren, den alkoholisierten Vater, einen dubiosen Onkel, in dessen Fitnesscenter Heiko jobbt, und so weiter. Das von Anne Ehrlich komponierte Setting...

Schauspiel Köln: „Hool“ von Nuran David Calis nach dem Roman von Philipp Winkler. Regie Nuran David Calis, Bühne Anne Ehrlich, Kostüme Tine Becker

Köln: Selbstvergewisserung im Kampf

Ene-Liis Semper, im Moment sind Sie mit den Feierlichkeiten zum 100. Jahrestag der Gründung eines unabhängigen Estlands beschäftigt, der am 24. Februar gefeiert wird. In welcher Atmosphäre wird dieses Ereignis begangen? Estland ist klein, und seine Geschichte ist häufig als eine „Geschichte der Brüche“ beschrieben worden. Es gab nie eine große und lang währende Stabilität, und im 20. Jahrhundert war das Land fünfzig Jahre lang besetzt. Da ist dieser 100. Jahrestag wirklich eine bemerkenswerte Sache. Estland kann man außerdem als eine existenzialistische Kultur beschreiben – wenn Camus glaubte, dass das Leben absurd sei, dann ist es ebenso absurd, dass Estland überhaupt existiert. Schließlich ist es eines der kleinsten Länder der Welt. Das klingt etwas distanziert? Ich muss zugeben, dass ich dem Staat gegenüber nicht besonders patriotische Empfindungen hege, aber was das Land betrifft, so bedeutet es mir außerordentlich viel. Ich bin davon überzeugt, dass wir noch einiges Wertvolle bewahrt haben, das im Westen bereits verloren gegangen ist. Jemand hat die Esten einmal mit den Indianern verglichen, weil wir mit einer ähnlichen Einstellung die Natur verehren, aber auch irrationale Dinge wie Tod, Geburt und Unendlichkeit. Darauf wollen wir unser Publikum aufmerksam machen und haben deshalb einen 45-minütigen Film mit viel Musik...

Was macht das Theater, Ene-Liis Semper?

Anfangszeiten der Inklusion

Katrin Wittig, Ihnen wird nachgesagt, dass Sie gerne Bühnenbilder entwickeln, denen besonders eine Komponente fehlt: das Bühnenbild. Warum ist die Leere für Sie so attraktiv? Ich habe relativ schnell gemerkt, dass runde, stimmige Bilder für mich nicht gehen. Auch wenn zum Beispiel in einer Oper in dieses Bild ein Schauspieler tritt, bewirkt es für mich nicht den Bruch, den ich suche. Ich will an den Punkt kommen, wo die Fragen, die ich in den Raum stelle, nicht nur Spiel sind. Im Zuschauerraum muss es kontrovers zugehen, weil erst das die Gedanken weitertreibt. Das Ohr ist, glaube ich, noch viel mehr involviert als das Auge. Arbeiten Sie deshalb an einem akustischen Bühnenbild? Ja. Interessant finde ich den Aufbau einer Illusion über das Ohr, Soundsysteme sind komplette Illusionsmaschinen, sie werden im 3-D-Kino verwendet, in Planetarien. Noch interessanter ist es aber, dieses Mittel zu brechen, es neben dem Livespiel zu verwenden, um die Illusion wieder zu zerstören. Aber nicht nur um der Dekonstruktion willen, sondern um weiterzugehen. Indem der Sänger zum Beispiel die Bühne verlässt, seine Stimme aber dableibt. Wobei es mir gar nicht um die Überraschung oder den Effekt geht. In all diesem Over-Flash von Bildern und Informationen interessiert mich die Trennung...

In den Bühnenräumen von Katrin Wittig werden Zuschauer zu Mitbewohnern – ein Gespräch

Im Sog der Stadt

Da sitzt sie im Raucherzimmer vor der Kantine des Thalia Theaters. Sitzt da mit Mütze auf dem Kopf, die fast bis zur Brille heruntergezogen ist, die Handtasche, nein, einen Rucksack, auf den Knien und den Mantel bis oben geschlossen, obwohl es hier drinnen eigentlich nicht kalt ist. Ob sie noch aufrauchen dürfe, fragt Barbara Nüsse. Umringt von Bühnenarbeitern an ihrer Zigarette saugend, schaut sie sich fachmännisch die Schiene um den Finger von jemandem an, dessen Unfallgeschichte ich verpasst habe. Liegt das Geheimnis dieser Diva (man täusche sich nicht, das ist sie) vielleicht in ihrer Unscheinbarkeit, solange sie nicht auf der Bühne steht? Am Abend zuvor bei „Geld“, dem zweiten Teil der Zola-Trilogie von Luk Perceval: Eine Vivisektion der Urzelle des modernen Kapitalismus im Paris des zweiten Kaiserreichs zwischen 1852 und 1870. Was kriecht dort vorn auf der Bühne, die Annette Kurz als eine heranrollende Welle aus Holz baute, die Treppe hinauf? Ein uralter Mann in schwarzem Frack und mit Hut oder bloß seine Larve, die leere Hülle von etwas, das längst verschwunden ist? Ein Untoter? Das stumme Wesen quält sich die ersten Stufen hinauf. Das ist Graf Muffat, den Spazierstock noch, wenn auch zwanghaft, wie ein hübsches Ornament in der...

Der Schauspielerin Barbara Nüsse zum 75. Geburtstag

Frau Prospero

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

Meldungen

Guilt-Trip durchs Vogtland

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Ralph Hammerthaler: Volker Weiß, in „Zweikampf“ gibt es eine Reihe von Einwürfen, Stimmen, die von außen gleichsam in das Stück gerufen werden. Auch Ihre Stimme ist dabei, ein Zitat aus Ihrem Buch „Die autoritäre Revolte“. Darin verweisen Sie auf eine Art von Wesensverwandtschaft zwischen Rechtsradikalen und Islamisten, vor allem in der gemeinsamen Gegnerschaft zur liberalen Demokratie westlicher Prägung. Glauben Sie, dass der Neuen Rechten diese Verwandtschaft bewusst ist? In der Öffentlichkeit scheint sie ja eher gegen den Islam Stellung zu beziehen. Volker Weiß: In diesem Milieu weiß man recht gut zwischen Binnen- und Außenkommunikation zu unterscheiden. Man hat verstanden, dass die antiislamische Agitation massenwirksam ist, zumal ihre Gegner auf diesem Feld zu viele Widersprüche und damit offene Flanken bieten. Aber nach innen ist längst geklärt, dass der Islam nur ein nachgeordneter Gegner ist. Selbst Björn Höcke hat schon verkündet, sein Feind sei nicht der Islam, sondern die westliche Dekadenz. In diesem Sinne gilt die angebliche Islamisierung nur als Symptom, als Ausdruck der Schwäche des „Eigenen“ in Folge von 1968 und 1945. Die Ablehnung gilt eigentlich mehr der Migration, der Präsenz von Fremden, als dem Islam. Eine grundsätzliche Ablehnung der islamischen Religion ist zumindest unter den Kadern gar nicht so weit...

Der Historiker Volker Weiß und der Autor Ralph Hammerthaler im Gespräch über das Stück „Zweikampf“, die Neue Rechte und Botho Strauß als Kultfigur in reaktionären Kreisen

Die Geister der Vergangenheit

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

The Ghost, The Voice, The Faceless

Die Zukunft nebenan

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Das Konzert Theater Bern lädt ein zur Uraufführung von Christian Krachts Roman „Die Toten“. Der Autor wurde mit „Faserland“ in den späten Neunzigern berühmt und mit seinem 2012 erschienenen „Imperium“-Roman endgültig zu einem bedeutenden Gegenwartsautor ausgerufen, der sich auch gerne vom ARD-Literaturerklärer Denis Scheck in den Hollywood Hills fernsehinterviewen lässt. Für den Berner Abend ist darüber hinaus noch von Interesse, dass Kracht im Jahr 2000 unter dem Titel „Der gelbe Bleistift“ eine Sammlung mit, sagen wir: dandyhaften, Reiseberichten aus Japan herausgab, in der sich auch ein Text mit dem Titel „Lob des Schattens“ findet, der sich auf den gleichnamigen Essay von Tanizaki Jun’ichiro bezieht. Dabei handelt es sich um den maßgeblichen Essay der japanischen Ästhetik, der sich mit den Wurzeln fernöstlicher Schönheit wie mit deren bevorstehendem Ende durch den kosmopolitischen Hegemonismus des Westens auseinandersetzt. Wirkten diese frühen Texte noch wie Fingerübungen in der Annäherung an japanische Eigenheiten, so ist „Die Toten“ tief geprägt von japanischer Kultur, ja setzt sogar profunde Kenntnisse japanischer Begriffe voraus, etwa wenn der Roman mit einem Seppuku, einem ritualisierten Selbstmord mittels eines Dolchs, beginnt. Der Roman spielt um 1933 auf zwei Kontinenten. In Europa, genauer: Berlin, versucht der Schweizer Filmregisseur Emil Nägeli, motiviert von einem gewissen...

Konzert Theater Bern: „Die Toten“ (UA) nach dem Roman von Christian Kracht. Regie Claudia Meyer, Bühne Konstantina Dacheva und Claudia Meyer, Kostüme Barbara Kurth

Bern: Sackgassen überall

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

TdZ on Tour

Es gibt Podiumsgewohnheiten, das steht fest. Eine besteht darin, die absurdesten Fragen zu akzeptieren und dann so zu tun, als würde man sie beantworten, auch wenn man über etwas ganz anderes spricht. Man könnte auch sagen, eine Talkshow besteht aus Antworten auf Fragen, die eigentlich nicht gestellt worden sind. Nachzufragen ist eine selten gehörte Geste geworden. Wahrscheinlich auch deswegen, weil die Zeit dort oben immer drängt und man ja ohnehin weiß, was man grundsätzlich sagen möchte und womit man letztendlich recht haben wird. Es gibt aber Leute, die wissen nicht ganz genau, womit sie recht haben wollen, sondern nur, dass sie recht haben wollen – und dann wird es kompliziert. Das Gespräch beginnt zu schlingern, aber leider ohne das Potenzial, interessant zu werden. Man könnte sagen, das ist das Zeichen des Unprofessionellen. Die Profis halten ihr Terrain gut abgesteckt und verlassen es selten. Vielleicht aber sehe ich deswegen so ungerne politische Talkshows, zu sehr ist alles abgesteckt, inklusive der Dramaturgie. Die Vorhersehbarkeit regiert, und ich denke mir, da könnte man ja gleich mit sich selbst reden. Gespräche brauchen etwas Unvorhersehbares, zumindest einen kleinen Rest davon. Geplante Gespräche indes sind merkwürdige Hybride zwischen der Behauptung des Spontanen und der Erwartung einer...

Von Podiumsbewohnern

Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

Wovon lebt der Mensch?

Neuerscheinungen im Verlag